Seniman asing abad ke-19: tokoh paling terkemuka dalam seni rupa dan warisannya. Seni budaya Eropa pada abad ke-19 Seniman Barat abad ke-19

Impresionisme. Simbolisme. Modernisme.

Pada paruh kedua abad ke-19, muncul arah seni Barat yang kemudian disebut “modernisme”. Gerakan pertamanya bisa dianggap impresionisme, yang muncul pada tahun 60an. Gerakan ini belum sepenuhnya modernis. Ia meninggalkan realisme dan semakin menjauh darinya, tanpa benar-benar putus dengannya. Impresionisme belum menjadi modernisme, namun bukan lagi realisme. Hal ini dapat dianggap sebagai awal mula modernisme, karena sudah memuat ciri-ciri utamanya.

Yang pertama dikaitkan dengan pergeseran penekanan yang jelas dari objek ke subjek, dari objektivitas dan kebenaran ke sensasi subjektif. Dalam impresionisme, yang utama bukanlah objek yang digambarkan, melainkan persepsinya, kesan yang ditimbulkannya pada diri senimannya. Kesetiaan pada objek memberi jalan pada kesetiaan pada persepsi, kesetiaan pada kesan sekilas. Asas “perselingkuhan terhadap subjek” kemudian akan menjadi salah satu prinsip dasar estetika modernisme, berubah menjadi prinsip deformasi sadar, distorsi dan dekomposisi subjek, prinsip penolakan subjek, objektivitas dan figuratif. Seni semakin menjadi seni ekspresi diri sang seniman.

Tanda kedua adalah perhatian khusus pada eksperimen, pencarian cara berekspresi, teknik teknis dan artistik yang selalu baru. Dalam hal ini, seniman impresionis mengikuti contoh para ilmuwan. Mereka dengan antusias terlibat dalam penguraian nada, permainan pantulan warna, dan kombinasi warna yang tidak biasa. Mereka menyukai fluiditas, variabilitas, mobilitas. Mereka tidak mentolerir apapun yang beku dan statis. Kaum Impresionis menaruh minat khusus pada proses interaksi objek dengan atmosfer, udara, cahaya, kabut, kabut asap, dan sinar matahari. Berkat semua ini, mereka mencapai kemajuan dan prestasi signifikan di bidang warna dan bentuk.

Dalam impresionisme, hasrat untuk bereksperimen, mencari teknik baru, mengejar kebaruan dan orisinalitas belum menjadi tujuan itu sendiri. Namun, banyak gerakan modernisme selanjutnya yang justru sampai pada hal ini, yang konsekuensinya adalah penolakan seniman terhadap hasil akhir, karya seni, yang dipahami sebagai sesuatu yang utuh dan utuh.

Ciri lain dari impresionisme, yang sebagian merupakan konsekuensi dan kelanjutan langsung dari hal-hal yang telah disebutkan, dikaitkan dengan penyimpangan dari isu-isu sosial. Kehidupan nyata hadir dalam karya-karya kaum impresionis, namun muncul dalam bentuk pertunjukan bergambar. Pandangan sang seniman seolah melayang di atas permukaan fenomena sosial, terutama menangkap sensasi warna, tanpa berhenti pada mereka dan tanpa terjun ke dalamnya. Dalam gerakan modernisme berikutnya, kecenderungan ini semakin intensif sehingga menjadikannya asosial, bahkan antisosial.

Tokoh sentral impresionisme adalah C. Monet (1840-1926), C. Pissarro (1830 - 1903), O. Renoir (1841 - 1919).

Impresionisme sepenuhnya diwujudkan dalam karya Monet. Subjek favorit karyanya adalah lanskap - ladang, hutan, sungai, kolam yang ditumbuhi tanaman. Ia mendefinisikan pemahamannya tentang lanskap sebagai berikut: “Lanskap adalah kesan instan.” Dari lukisannya “Matahari Terbit. "Kesan" adalah nama keseluruhan gerakan (dalam bahasa Prancis "kesan" adalah "kesan"). "Haystacks" yang terkenal memberinya ketenaran terbesar. Ia juga menunjukkan hasrat khusus untuk menggambarkan air. Untuk itu, ia membangun perahu bengkel khusus, yang memungkinkannya menghabiskan waktu berjam-jam mengamati perilaku air dan pantulan benda-benda di dalamnya. Dalam semua ini, Monet mencapai kesuksesan yang mengesankan, yang memberi alasan bagi E. Manet untuk memanggilnya “Raphael air”. Lukisan “Katedral Rouen” juga sangat luar biasa.

K. Pissaro lebih menyukai lanskap kota - yang menggambarkan rumah, jalan raya, jalan yang dipenuhi gerbong dan jalan-jalan umum, pemandangan sehari-hari.

O. Renoir sangat memperhatikan potret telanjang - terutama potret wanita. Contoh mencolok seni potretnya adalah potret seniman J. Samari. Dia juga melukis “Bathing on the Seine” dan “Moulin de la Galette”.

Sekitar pertengahan tahun 80-an, impresionisme mulai mengalami krisis, dan dua gerakan independen terbentuk di dalamnya - neo-impresionisme dan post-impresionisme.

Yang pertama diwakili oleh seniman J. Seurat dan P. Signac. Berdasarkan pencapaian ilmu warna, mereka mengambil beberapa ciri impresionisme - penguraian nada menjadi warna murni dan hasrat untuk bereksperimen - ke kesimpulan logisnya. Secara artistik dan estetika, gerakan ini kurang menarik minat.

Pasca-Impresionisme “tampaknya menjadi fenomena yang jauh lebih produktif dan menarik. Tokoh utamanya adalah P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) dan P. Gauguin (1848 - 1903), di antaranya P. Cezanne menonjol.

Dalam karyanya, P. Cezanne melestarikan hal yang paling esensial dalam impresionisme dan sekaligus menciptakan seni baru, mengembangkan kecenderungan untuk menjauh dari subjek, dari tampilan luarnya. Pada saat yang sama, ia berhasil mengatasi sifat ilusi dan fana dari apa yang digambarkan, ciri khas impresionisme.

Mengorbankan kemiripan eksternal suatu objek, P. Cezanne menyampaikan dengan kekuatan luar biasa kualitas dan sifat utamanya, materialitas, kepadatan dan intensitasnya, “materialitas suatu benda” tertentu. Berbeda dengan impresionisme, untuk menciptakan karya, ia tidak hanya menggunakan sensasi visual, tetapi seluruh indera. Dalam karyanya, ia dengan gamblang dan kuat mengungkapkan sifat pribadinya. Seperti yang dicatat oleh P. Picasso, P. Cezanne melukis dirinya sendiri sepanjang hidupnya.

Di antara karya-karya P. Cezanne, kita dapat menyoroti seperti “Potret Diri”, “Buah”, “Still Life with Drapery”, “Banks of the Marne”, “Lady in Blue”. P. Cezanne memiliki pengaruh besar pada semua modernisme berikutnya. A. Matisse menyebutnya sebagai “guru bersama” dari banyak seniman muda yang kemudian menjadi terkenal dan terkenal.

Selain seni lukis, impresionisme juga diwujudkan dalam bentuk seni lainnya. Dalam musik, pengaruhnya dialami oleh komposer Perancis C. Debussy (1862 - 1918), dalam seni patung - oleh pematung Perancis O. Rodin (1840 - 1917).

Pada tahun 80-an, muncul gerakan simbolisme di Prancis, yang sepenuhnya dapat dianggap modernisme. Ini paling tersebar luas dalam puisi dan sastra. Simbolisme melanjutkan garis romantisme dan “seni demi seni”, diisi dengan rasa kecewa terhadap dunia sekitar, bertujuan untuk mencari keindahan murni dan estetika murni.

Dalam manifesto mereka, kaum Simbolis menyatakan diri mereka sebagai penyanyi dekadensi, kemunduran dan kematian dunia borjuis. Mereka menentang sains dan filsafat positivis, percaya bahwa akal dan logika rasional tidak dapat menembus dunia “realitas tersembunyi”, “esensi ideal” dan “Keindahan abadi”. Hanya seni yang mampu melakukan ini - berkat imajinasi kreatif, intuisi puitis, dan wawasan mistis. Simbolisme mengungkapkan firasat tragis akan pergolakan sosial di masa depan, menerimanya sebagai ujian pembersihan dan pembayaran atas kebebasan spiritual sejati.

Tokoh sentral simbolisme Perancis adalah penyair S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Yang pertama dianggap sebagai pendiri gerakan tersebut. Yang kedua menciptakan mahakarya lirik yang indah. A. Rimbaud menjadi salah satu penyair Perancis yang paling orisinal dan cemerlang. Dia mempunyai pengaruh besar terhadap puisi Perancis abad ke-20.

Simbolisme telah tersebar luas di banyak negara Eropa. Di Inggris ia diwakili, pertama-tama, oleh penulis O. Wilde (1854 - 1900), penulis novel terkenal "The Picture of Dorian Gray", serta puisi "The Ballad of Reading Gaol". Di Austria, penyair R.M. Rilke (1875 - 1926) dekat dengan simbolisme, yang secara khusus dimanifestasikan dalam karyanya “The Book of Images” dan “The Book of Hours.” Perwakilan simbolisme terkemuka lainnya adalah penulis naskah drama dan penyair Belgia M. Maeterlinck (1862 - 1949), penulis “Blue Bird” yang terkenal.

Abad ke-19 merupakan abad yang sangat penting dalam sejarah Barat. Pada saat inilah jenis peradaban yang benar-benar baru muncul - industri. Hal ini didasarkan pada kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi. Oleh karena itu, salah satu cita-cita utama Pencerahan - cita-cita kemajuan akal - mendapat perwujudan paling lengkap di dalamnya.

Munculnya demokrasi borjuis berkontribusi pada perluasan kebebasan politik. Adapun cita-cita dan nilai-nilai humanisme pendidikan lainnya, pelaksanaannya menemui kesulitan dan hambatan yang serius. Oleh karena itu, penilaian umum abad ke-19 tidak bisa ambigu.

Di satu sisi, terdapat keberhasilan dan pencapaian peradaban yang belum pernah terjadi sebelumnya. Pada saat yang sama, peradaban industri yang sedang berkembang mulai semakin menyingkirkan budaya spiritual.

Pertama-tama, hal ini mempengaruhi agama, dan kemudian bidang budaya spiritual lainnya: filsafat, moralitas, dan seni. Secara umum, kita dapat mengatakan bahwa pada abad ke-19 muncul tren dehumanisasi budaya yang berbahaya di dunia Barat, yang mengakibatkan sistem kolonialisme pada akhir abad tersebut, dan pada abad ke-20 - dua perang dunia.

Seni Eropa akhir abad ke-19 - awal abad ke-20.

Terbentuknya peradaban industri berdampak besar terhadap seni rupa Eropa. Lebih dari sebelumnya, hal ini berkaitan erat dengan kehidupan sosial, kebutuhan spiritual dan material masyarakat. Dalam konteks meningkatnya saling ketergantungan masyarakat, gerakan seni dan pencapaian budaya dengan cepat menyebar ke seluruh dunia.

Lukisan. Romantisme dan realisme memanifestasikan dirinya dengan kekuatan khusus dalam lukisan. Tanda-tanda romantisme banyak terdapat pada karya seniman Spanyol Francisco Goya (1746-1828). Berkat bakat dan kerja kerasnya, anak seorang perajin miskin itu menjadi seorang pelukis hebat. Karyanya merupakan seluruh era dalam sejarah seni Eropa. Potret artistik wanita Spanyol sungguh luar biasa. Mereka ditulis dengan cinta dan kekaguman. Kita membaca harga diri, kebanggaan, dan kecintaan terhadap kehidupan di wajah para pahlawan wanita, terlepas dari asal usul sosial mereka.

Keberanian Goya, seorang pelukis istana, dalam menggambarkan potret kelompok keluarga kerajaan tidak pernah berhenti membuat takjub. Di hadapan kita bukanlah penguasa atau penengah nasib negara, melainkan rakyat biasa, bahkan rakyat biasa. Peralihan Goya ke realisme juga dibuktikan dengan lukisannya yang didedikasikan untuk perjuangan heroik rakyat Spanyol melawan tentara Napoleon.

Charles IV dan keluarganya. F.Goya. Di sebelah kiri (dalam bayangan) sang seniman menggambarkan dirinya sendiri

Tokoh kunci dalam Romantisisme Eropa adalah seniman terkenal Perancis Eugene Delacroix (1798-1863). Dalam karyanya, ia menempatkan fantasi dan imajinasi di atas segalanya. Sebuah tonggak sejarah dalam sejarah romantisme, dan tentu saja semua seni Perancis, adalah lukisannya “Liberty Leading the People” (1830). Sang seniman mengabadikan revolusi tahun 1830 di atas kanvas. Setelah lukisan ini, Delacroix tidak lagi beralih ke realitas Prancis. Ia menjadi tertarik pada tema Timur dan subjek sejarah, di mana seorang romantisme pemberontak dapat memberikan kebebasan untuk berfantasi dan berimajinasi.

Seniman realis terbesar adalah Gustave Courbet dari Perancis (1819-1877) dan Jean Millet (1814-1875). Perwakilan dari gerakan ini mengupayakan penggambaran alam yang jujur. Fokusnya adalah pada kehidupan sehari-hari dan pekerjaan manusia. Alih-alih pahlawan sejarah dan legendaris yang menjadi ciri klasisisme dan romantisme, orang-orang biasa muncul dalam karya mereka: warga kota, petani, dan pekerja. Nama-nama lukisan itu berbicara sendiri: “Penghancur Batu”, “Perajut”, “Pengumpul Telinga”.

Seorang perwira penjaga kekaisaran yang akan menyerang, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Artis pertama dari gerakan romantis. Lukisan tersebut mengungkapkan romansa era Napoleon

Courbet adalah orang pertama yang menggunakan konsep realisme. Ia mendefinisikan tujuan kreativitasnya sebagai berikut: “Mampu menyampaikan moral, gagasan, penampilan masyarakat zamannya dalam penilaian saya, tidak hanya menjadi seniman, tetapi juga warga negara, untuk menciptakan seni yang hidup.”

Pada sepertiga terakhir abad ke-19. Prancis menjadi pemimpin dalam perkembangan seni rupa Eropa. Dalam seni lukis Perancis lahirlah impresionisme (dari kesan – kesan Perancis). Gerakan baru ini menjadi peristiwa penting di Eropa. Seniman impresionis berusaha menyampaikan kesan sesaat di atas kanvas tentang perubahan yang konstan dan halus dalam keadaan alam dan manusia.

Di gerbong kelas tiga, 1862. O. Daumier (1808-1879). Salah satu seniman paling orisinal pada masanya. Balzac membandingkannya dengan Michelangelo. Namun, Daumier menjadi terkenal karena kartun politiknya. "In a Third Class Car" menampilkan gambaran kelas pekerja yang tidak diidealkan

Wanita membaca. K.Corot (1796-1875). Seniman Perancis terkenal ini sangat tertarik pada permainan cahaya dan merupakan pendahulu kaum Impresionis. Pada saat yang sama, karyanya memiliki cap realisme.

Kaum Impresionis melakukan revolusi nyata dalam teknik melukis. Mereka biasanya bekerja di luar ruangan. Warna dan cahaya memainkan peran yang jauh lebih besar dalam karya mereka dibandingkan gambar itu sendiri. Seniman impresionis terkemuka adalah Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionisme memiliki pengaruh besar pada ahli kuas hebat seperti Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Kesan. Sunrise, 1882. Claude Monet (1840-1926) sering melukis objek yang sama pada waktu berbeda dalam sehari untuk mengeksplorasi efek cahaya pada warna dan bentuk.

Bunga matahari dalam vas. V.Van Gogh (1853-1890)

Gereja desa. V.Van Gogh

Ia Orana Maria. P.Gauguin (1848-1903). Ketidakpuasan sang seniman terhadap cara hidup Eropa memaksanya meninggalkan Prancis dan tinggal di Tahiti. Tradisi seni lokal dan keragaman dunia sekitar mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap pembentukan gaya seninya.

Merah muda dan hijau. E.Degas (1834-1917)

Gadis dengan mandolin, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Pelukis Spanyol yang bekerja di Perancis. Pada usia sepuluh tahun ia sudah menjadi seniman, dan pada usia enam belas tahun, pameran pertamanya diadakan. Membuka jalan bagi kubisme - sebuah gerakan revolusioner dalam seni abad ke-20. Kaum Kubisme meninggalkan penggambaran perspektif ruang dan udara. Benda dan figur manusia ditransformasikan menjadi gabungan berbagai garis dan bidang geometri (lurus, cekung, dan lengkung). Kaum Kubisme mengatakan bahwa mereka melukis bukan seperti yang mereka lihat, tetapi seperti yang mereka ketahui

Payung. O.Renoir

Ibarat puisi, lukisan kali ini penuh dengan firasat cemas dan samar-samar. Dalam hal ini, karya seniman simbolis berbakat Perancis Odilon Redon (1840-1916) sangat khas. Sensasionalnya di tahun 80an. Gambar Laba-laba adalah pertanda buruk Perang Dunia Pertama. Laba-laba digambarkan dengan wajah manusia yang menyeramkan. Tentakelnya bergerak dan agresif. Penonton dibiarkan merasakan bencana yang akan datang.

Arsitektur. Perkembangan peradaban industri membawa dampak yang sangat besar terhadap arsitektur Eropa. Kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi berkontribusi pada inovasi. Pada abad ke-19 Gedung-gedung besar milik negara dan kepentingan publik dibangun lebih cepat. Sejak saat itu, material baru mulai digunakan dalam konstruksi, terutama besi dan baja. Dengan perkembangan produksi pabrik, transportasi kereta api dan kota-kota besar, jenis struktur baru muncul - stasiun kereta api, jembatan baja, bank, toko besar, gedung pameran, teater baru, museum, perpustakaan.

Arsitektur pada abad ke-19. dibedakan oleh keragaman gaya, monumentalitas, dan tujuan praktisnya.

Bagian depan gedung Opera Paris. Dibangun pada tahun 1861 -1867. Mengekspresikan arah eklektik, terinspirasi oleh era Renaissance dan Baroque

Sepanjang abad ini, gaya neoklasik adalah yang paling umum. Bangunan British Museum di London yang dibangun pada tahun 1823-1847 memberikan gambaran yang jelas tentang arsitektur kuno (klasik). Sampai tahun 60an. Apa yang disebut "gaya sejarah" adalah gaya yang modis, diekspresikan dalam tiruan romantis arsitektur Abad Pertengahan. Pada akhir abad ke-19. ada kembalinya ke Gotik dalam pembangunan gereja dan gedung-gedung publik (neo-Gotik, yaitu Gotik baru). Misalnya Gedung Parlemen di London. Berbeda dengan neo-Gotik, muncul arah baru yaitu Art Nouveau (seni baru). Hal ini ditandai dengan garis halus bangunan, bangunan, dan detail interior yang berliku-liku. Pada awal abad ke-20. Arah lain muncul - modernisme. Gaya Art Nouveau dibedakan berdasarkan kepraktisan, ketelitian dan perhatian, serta kurangnya dekorasi. Gaya inilah yang mencerminkan esensi peradaban industri dan paling terkait dengan zaman kita.

Dalam suasananya, seni Eropa pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. sangat kontras. Di satu sisi, optimisme dan keceriaan hidup yang meluap-luap. Di sisi lain, kurangnya kepercayaan terhadap kemampuan kreatif manusia. Dan kita tidak boleh mencari kontradiksi dalam hal ini. Seni hanya merefleksikan dengan caranya sendiri apa yang terjadi di dunia nyata. Mata para penyair, penulis, dan seniman lebih tajam dan berwawasan luas. Mereka melihat apa yang orang lain tidak lihat dan tidak bisa lihat.

Benda mati antik, "Buket dengan biji poppy", Eropa Barat. Sepertiga kedua abad ke-19

Benda mati antik "Buket dengan anggur dan buah persik". Eropa Barat, 1839.

Lanskap gunung dengan reruntuhan kastil. Eropa Barat, 1846.

Liburan di taman. Eropa Barat 1903

Potret seorang gadis. Eropa Barat, paruh pertama abad ke-19.

Anggur dan bunga. Eropa Barat, akhir abad ke-19.

Apel dan anggur. Eropa Barat. Sepertiga pertama abad ke-20

Vintage masih hidup dengan anggur dan buah. Eropa Barat, 1869

Benda antik masih hidup dengan bunga. Eropa Barat, 1821

Barang antik masih hidup dengan anyelir. Eropa Barat, awal abad ke-20.

Vintage masih hidup dengan melon, apel, dan anggur. Eropa Barat, awal abad ke-20.

Vas benda mati antik dengan bunga krisan. Eropa Barat, awal abad ke-20.

Vintage masih hidup dengan anggur dan buah persik. Eropa Barat, 1876.

Vas benda mati antik dengan labu. Eropa Barat, akhir abad ke-19.

Pertempuran kavaleri Inggris dengan infanteri Perancis. Eropa Barat, paruh kedua abad ke-19.

Benda antik masih hidup dengan ceri dan anggur. Eropa Barat, pertengahan abad ke-19.

Pemandangan musim dingin Belanda. Eropa Barat, paruh kedua abad ke-10.

Benda mati antik: phlox. Eropa Barat, awal abad ke-20

Tanggul. Eropa Barat, akhir abad ke-19

Pemandangan laut. Eropa Barat, akhir abad ke-19

Benda mati antik: aster dalam vas kayu berukir. Eropa Barat, awal abad ke-20

Benda mati kuno: bunga dengan latar belakang air mancur. Eropa Barat, Belanda, pertengahan abad ke-19

Lukisan antik: "Masih hidup Belanda". Eropa Barat, awal abad ke-18

Benda mati antik: karangan bunga. Eropa Barat, akhir abad ke-19

Pemandangan kuno: "Di tepi danau." Eropa Barat, 1894.

Lukisan kuno: "Air Terjun Hutan". Eropa Barat, akhir abad ke-19.

Lukisan kuno: "Cancan". Eropa Barat, awal abad ke-20.

Lukisan kuno: "Anak Laki-Laki di Kompor". Eropa Barat, akhir abad ke-19.

Lukisan kuno: "Pemandangan dengan Penunggang Kuda". Eropa Barat, akhir abad ke-17.

Benda mati antik: tulip dalam vas Cina. Eropa Barat, awal abad ke-20

Lukisan kuno: "Pemandangan Musim Gugur". Eropa Barat, awal abad ke-20.

Benda mati antik: "Bunga". Eropa Barat, 1885.

Benda mati antik: "Vas dengan aster dan hydrangea." Eropa Barat, awal abad ke-20.

Lukisan kuno: "Pemandangan kota". Eropa Barat, paruh kedua abad ke-19.

Lukisan kuno: "Buket Bunga Krisan". Eropa Barat, paruh pertama abad ke-20.

Lukisan kuno: "Panorama Paris dengan pemandangan Ile de la Cité." Eropa Barat, 1840.

Cat air antik: "Potret Anak Artis" dari lukisan karya Rubens. Eropa Barat, tahun 1830-an.

Lukisan kuno: "Di beranda hotel." Eropa Barat, 1878.

Lukisan kuno: "Di sumur". Eropa Barat, 1877.

Benda mati antik: "Buah dan bunga". Eropa Barat, 1886.

Lukisan antik: "Air Terjun di Pegunungan". Eropa Barat, 1852.

Lukisan kuno: "Sampel anggur". Eropa Barat, akhir abad ke-19.

Lukisan kuno: "Perahu di Teluk Napoli." Eropa Barat, akhir abad ke-19

Lukisan kuno: "Musketeer dengan sebotol anggur." Eropa Barat, awal abad ke-20.

Lukisan antik: "Pantai Cornish". Eropa Barat, awal abad ke-20. Artis: G.Berlau,

Lukisan kuno: "Halaman Palazzo Vecchio di Florence." Eropa Barat, kuartal terakhir abad ke-19

Lukisan alam benda antik: "Bunga musim gugur dalam pot." Eropa Barat, paruh kedua abad ke-19.

Lukisan kuno: "Pelabuhan Belanda". Eropa Barat, Artis: Jan KUYPERS

Lukisan kuno: "Penggiling organ dan penembak." Eropa Barat, 1882.

Lukisan kuno: "Adegan bergenre Belanda". Eropa Barat, paruh pertama abad ke-19.

Lukisan kuno: "Masih hidup dengan mawar". Eropa Barat, 1877

Lanskap pantai dengan perahu dan perahu layar. Eropa Barat, 1877 Artis: Moris H

Lukisan kuno: "Sungai pegunungan di dalam hutan." Eropa Barat, 1900

Lukisan kuno: "Anjing". Eropa Barat, 1899

Lukisan kuno: "Berburu Rusa". Eropa Barat, 1840-1850

Lukisan kuno: "Pemandangan Italia dengan sungai." Eropa Barat, 1835.

Lukisan kuno: "Di kandang". Eropa Barat, pertengahan abad ke-19. Artis: Wouterus I VERSCHUUR

Lukisan kuno: "Adegan bergenre Italia". Eropa Barat, Italia, 1844. Artis: Rauch I.N.

Ini menarik bagi saya: orang-orang Slavia banyak bicara tentang “Eropa yang Tidak Dicuci”. Mengapa bangsa Slavia tidak bisa meninggalkan gambaran yang sama seperti di Eropa pada periode yang sama: masa Perang Tsariruski-Konde, Keluarga Kerajaan, dengan bangsa Slavia pada tahun 1853-1921?

Apa yang dilakukan oleh tentara Slavia: Nikolaev Yahudi Soviet dari Pengawal Merah (Prusia) lama Elston-Sumarokov di Rusia yang mereka rebut, pada tahun 1861-1921? ?

Sama seperti mereka menghapus perbudakan mereka untuk Pushkin Yahudi, keturunan kulit hitam jelek, dan memberikan semua hak kepada orang Yahudi, mereka tidak melakukan apa pun yang berharga di Rusia yang mereka rebut. Hanya hak bagi orang Yahudi sejak 1861 - itulah penaklukan revolusi Slavia oleh tentara Yahudi Soviet Elston-Sumarokov. Apa yang diperjuangkan seluruh tentara Merah (Soviet) Slavia, rakyat Kanaan, melawan Tsar Rusia pada tahun 1853-1921?

Tapi bagaimana dengan itu? Tsariruski-Konde yang jahat, Jenderal Kulit Putih, berangkat ke Paris bersama seluruh St. Petersburg dan Moskow, dan mengirim orang-orang Slavia ke neraka, budak kita, pada tahun 1854, jauh sebelum perbudakan tentara Yahudi Elston-Sumarokov. Dan mereka menolak untuk membiayai kesejahteraan material dan moral para petani Soviet Yahudi Slavia, Pengawal Merah (Prusia) yang lama.

Dan siapa yang akan bekerja?! Ya, bukan kita, para petani Slavia Soviet, Pengawal Merah (Prusia) lama, kediktatoran proletariat!

Ada baiknya setidaknya mereka tidak diizinkan masuk ke Eropa oleh seluruh pasukan Merah (Yahudi) Slavia Elston-Sumarokov pada tahun 1853-1871. Tsariruski-Konde, Raja Malaikat Putih, melarikan diri dari Eropa. Jika tidak, Eropa sekarang akan berdiri dalam bentuk yang sama seperti Rusia, yang direbut oleh bangsa Slavia, setelah 150 tahun pendudukan Soviet atas bangsa Slavia: tentara Yahudi Soviet, Pengawal Merah (Prusia) yang lama.

17.3 Lukisan Eropa abad ke-19.

17.3.1 Lukisan Perancis . Dua dekade pertama abad ke-19. dalam sejarah seni lukis Perancis ditetapkan sebagai klasisisme revolusioner. Perwakilannya yang luar biasa adalah J.L. Daud (1748– 1825), karya utamanya diciptakan olehnya pada abad ke-18. Karya abad ke-19. - ini adalah pekerjaan dengan pelukis istana Napoleon– “Napoleon di Saint Bernard Pass”, “Penobatan”, “Leonidas di Thermopylae”. David juga penulis potret indah, seperti potret Madame Recamier. Dia menciptakan sekolah besar siswa dan menentukan sifat-sifatnya artistik dari gaya Kekaisaran.

Murid David adalah J. O. Ingres (1780– 1867), yang mengubah klasisisme menjadi seni akademis dan selama bertahun-tahun menentang untuk romantisme. Ingres adalah penulis yang jujur akut potret (“L.F. Bertin”, “Madame Rivière”, dll.) dan lukisan dengan gaya klasisisme akademis (“Apotheosis of Homer”, “Jupiter dan Themis”).

Romantisme lukisan Perancis paruh pertama abad ke-19– ini adalah lukisan karya T. Gericault (1791 – 1824) (“Rakit Medusa” dan “Epsom Derby, dll.”) dan E. Delacroix (1798 – 1863), penulis lukisan terkenal “Liberty Leading the People”.

Arah realistik dalam seni lukis paruh pertama abad ini diwakili oleh karya G. Courbet (1819– 1877), penulis istilah “realisme” dan lukisan “Stone Crusher” dan “Funeral in Ornans”, serta karya J. F. Millet (1814 – 1875), penulis kehidupan sehari-hari petani dan (“Para Pengumpul”, “Pria dengan Cangkul”, “Penabur”).

Fenomena penting kebudayaan Eropa pada paruh kedua abad ke-19. Ada gaya artistik yang disebut impresionisme, yang tersebar luas tidak hanya dalam seni lukis, tetapi juga dalam musik dan fiksi. Namun hal itu muncul dalam lukisan.

Dalam seni temporer, aksi terjadi dalam waktu. Lukisan sepertinya hanya mampu mengabadikan satu momen dalam satu waktu. Berbeda dengan bioskop, bioskop selalu memiliki satu “bingkai”. Bagaimana cara menyampaikan gerakan? Salah satu upaya untuk menangkap dunia nyata dalam mobilitas dan variabilitasnya adalah upaya para pencipta gerakan seni lukis yang disebut impresionisme (dari kesan Perancis). Gerakan ini mempertemukan berbagai seniman yang masing-masing dapat dicirikan sebagai berikut. Impresionis adalah seorang seniman yang menyampaikan miliknya langsung kesan alam, melihat di dalamnya keindahan variabilitas dan ketidakkekalan, di menciptakan sensasi visual sinar matahari yang cerah, permainan bayangan berwarna, menggunakan palet warna murni yang tidak tercampur, yang menghilangkan warna hitam dan abu-abu.

Dalam lukisan kaum Impresionis seperti C. Monet (1840-1926) dan O. Renoir (1841-1919), pada awal tahun 70-an abad XIX. materi udara muncul, tidak hanya memiliki kepadatan tertentu yang mengisi ruang, tetapi juga mobilitas. Aliran sinar matahari dan uap naik dari bumi yang lembab. Air, salju yang mencair, tanah yang dibajak, rumput yang bergoyang di padang rumput tidak memiliki garis yang jelas dan beku. Gerakan, yang sebelumnya diperkenalkan ke dalam lanskap sebagai gambaran sosok-sosok yang bergerak, sebagai akibat dari aksi kekuatan alam– angin yang menggerakkan awan, menggoyangkan pepohonan, kini tergantikan oleh kedamaian. Namun kedamaian benda mati ini merupakan salah satu bentuk geraknya, yang diwujudkan melalui tekstur lukisan itu sendiri - guratan dinamis berbagai warna, tidak dibatasi oleh garis-garis kaku pada gambar.

Lukisan gaya baru ini tidak serta merta diterima masyarakat, yang menuding para seniman tidak pandai menggambar dan membuang cat bekas palet ke kanvas. Oleh karena itu, katedral Rouen berwarna merah muda karya Monet tampak tidak masuk akal baik bagi pemirsa maupun sesama seniman.– seri lukisan terbaik seniman (“Pagi”, “Dengan sinar matahari pertama”, “Siang”). Artisnya tidak mencoba menggambarkan katedral di atas kanvas pada waktu yang berbeda dalam sehari– ia bersaing dengan para ahli Gotik untuk memikat penonton dalam kontemplasi cahaya magis dan efek warna. Fasad Katedral Rouen, seperti kebanyakan katedral Gotik, menyembunyikan tontonan mistis orang-orang yang hidup kembali. x dari sinar matahari dari jendela kaca patri berwarna cerah di interior. Pencahayaan di dalam katedral berubah tergantung dari arah mana matahari bersinar, cuaca mendung atau cerah. Sinar matahari, menembus warna biru dan merah pekat dari kaca patri, diwarnai dan jatuh dalam sorotan berwarna di lantai.

Kata “impresionisme” berasal dari salah satu lukisan Monet. Lukisan ini benar-benar merupakan ekspresi ekstrim dari inovasi metode melukis yang sedang berkembang dan diberi nama “Matahari Terbit di Le Havre”. Penyusun katalog lukisan untuk salah satu pameran menyarankan agar sang seniman menyebutnya dengan nama lain, dan Monet, dengan mencoret “di Le Havre”, memberi “kesan”. Dan beberapa tahun setelah kemunculan karyanya, mereka menulis bahwa Monet “mengungkapkan kehidupan yang tidak dapat dipahami oleh siapa pun sebelum dia, yang bahkan tidak diketahui oleh siapa pun”. Dalam lukisan-lukisan Monet mereka mulai memperhatikan semangat meresahkan lahirnya era baru. Dengan demikian, “serialisme” muncul dalam karyanya sebagai fenomena baru dalam seni lukis. Dan dia fokus pada masalah waktu. Lukisan sang seniman, sebagaimana disebutkan, merenggut satu “bingkai” dari kehidupan, dengan segala ketidaklengkapan dan ketidaklengkapannya. Dan ini memberi dorongan pada pengembangan rangkaian sebagai frame yang berurutan. Selain “Katedral Rouen”, Monet juga menciptakan seri “Gare Saint-Lazare”, di mana lukisan-lukisannya saling berhubungan dan saling melengkapi. Namun, tidak mungkin menyatukan “bingkai-bingkai” kehidupan menjadi satu pita kesan dalam lukisan. Ini menjadi tugas sinema. Sejarawan sinema percaya bahwa alasan kemunculan dan penyebarannya secara luas bukan hanya karena penemuan teknis, tetapi juga kebutuhan artistik yang mendesak akan gambar bergerak. Dan lukisan kaum Impresionis, khususnya Monet, menjadi gejala kebutuhan tersebut. Diketahui bahwa salah satu plot pertunjukan bioskop pertama dalam sejarah, yang diselenggarakan oleh Lumière bersaudara pada tahun 1895, adalah “The Arrival of a Train”. Lokomotif uap, stasiun, dan rel menjadi subjek dari serangkaian tujuh lukisan, “Gare Saint-Lazare” karya Monet, yang dipamerkan pada tahun 1877.

Seorang seniman impresionis yang luar biasa adalah O. Renoir. Untuk karya-karyanya (“Bunga”, “Pemuda berjalan dengan anjing di hutan Fontainebleau”, “Vas dengan bunga”, “Mandi di Sungai Seine”, “Lisa dengan payung”, “Nyonya di perahu”, “Penunggang di Bois de Boulogne” , “The Ball at Le Moulin de la Galette”, “Portrait of Jeanne Samary” dan banyak lainnya) kata-kata seniman Prancis E. Delacroix “Keutamaan pertama dari setiap gambar” cukup dapat diterapkan- menjadi meriah aku untuk matanya." nama Renoir- sinonim untuk kecantikan dan masa muda, saat kehidupan manusia ketika kesegaran mental dan berkembangnya kekuatan fisik berada dalam harmoni yang sempurna. Hidup di era konflik sosial yang akut, ia meninggalkan konflik tersebut di luar kanvasnya, fokus kebangkitan akan sisi indah dan cemerlang dari keberadaan manusia. Dan dalam posisi ini dia tidak sendirian di antara para seniman. Bahkan dua ratus tahun sebelumnya, seniman besar Flemish Peter Paul Rubens melukis gambar-gambar tentang prinsip besar yang meneguhkan kehidupan (“Perseus dan Andromeda”). Gambaran seperti itu memberi harapan pada seseorang. Setiap orang berhak atas kebahagiaan, dan makna utama seni Renoir adalah bahwa setiap gambarnya menegaskan hak ini tidak dapat diganggu gugat.

Pada akhir abad ke-19, post-impresionisme muncul dalam seni lukis Eropa. Perwakilannya- P. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), mengambil dari kaum impresionis kemurnian warna, kami sedang mencari prinsip keberadaan yang konstan, generalisasi metode melukis, aspek filosofis dan simbolik kreativitas. Lukisan Cezanne– ini adalah potret (“Perokok”), lanskap (“Tepi Marne”), benda mati (“Still Life dengan Sekeranjang Buah”).

Lukisan Van Gogh- “Pondok”, “Setelah Hujan”, “Jalan Para Tahanan”.

Gauguin memiliki ciri-ciri romantisme pandangan dunia. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, terpikat oleh kehidupan suku-suku Polinesia, yang menurutnya, menjaga kemurnian dan integritas primitif mereka, ia berangkat ke pulau-pulau Polinesia, di mana ia menciptakan beberapa lukisan, yang dasarnya adalah primitivisasi bentuk, keinginan untuk lebih dekat dengan tradisi seni penduduk asli (“Wanita memegang buah ", "Pastoral Tahiti", "Musim Semi yang Indah").

Seorang pematung luar biasa abad ke-19. adalah O.Rodin (1840– 1917), yang digabungkan dalam karyanya impresionistis romantisme dan ekspresionisme dengan realistis pencarian. Vitalitas gambar, drama, ekspresi kehidupan batin yang intens, gerak tubuh yang berlanjut dalam ruang dan waktu (apa adanya Tidak mungkin menampilkan patung ini dengan musik dan balet), menangkap ketidakstabilan momen- semua ini bersama-sama menciptakan citra yang pada dasarnya romantis dan sepenuhnya impresionistis visi. Keinginan untuk generalisasi filosofis yang mendalam (“Zaman Perunggu”, “ Citizens of Calais", sebuah patung yang didedikasikan untuk pahlawan Perang Seratus Tahun, yang mengorbankan dirinya untuk menyelamatkan kota yang terkepung, bekerja untuk "Gerbang Neraka", termasuk "Sang Pemikir") dan keinginan untuk menunjukkan momen-momen keindahan mutlak dan kebahagiaan ("Musim Semi Abadi", "Pas de -de")– ciri-ciri utama karya seniman ini.

17.3.2 Lukisan bahasa Inggris. Seni rupa Inggris pada paruh pertama abad ke-19.- ini lukisan pemandangan, cerah perwakilan yaitu J. Polisi (1776 – 1837), pendahulu Inggris kaum impresionis(“Hay Cart Crossing a Ford” dan “Rye Field”) dan U. Turner (1775 – 1851), yang lukisannya seperti Rain, Steam and Speed, "Kecelakaan kapal", dibedakan oleh hasratnya terhadap fantasi warna-warni.

Pada paruh kedua abad ini, F.M. Brown menciptakan karyanya (1821– 1893), yang dianggap sebagai “Holbein abad ke-19.” Brown terkenal dengan karya sejarahnya (Chaucer di Istana Edward III dan Lear dan Cordelia), serta lukisan aksinya. tema tradisional sehari-hari (“Pandangan Terakhir di Inggris”, “Buruh”).

Asosiasi kreatif “Persaudaraan Pra-Raphaelite” (“Pra-Raphael”) muncul pada tahun 1848. Meskipun inti pemersatu adalah kecintaan terhadap karya-karya seniman awal Renaisans (sebelum Raphael), setiap anggota persaudaraan ini memiliki temanya sendiri-sendiri. dan kredo artistiknya sendiri. Ahli teori persaudaraan adalah ilmuwan budaya dan estetika Inggris J. Ruskin, yang menguraikan konsep romantisme dalam kaitannya dengan kondisi Inggris abad pertengahan.

Ruskin, yang menghubungkan seni dalam karya-karyanya dengan tingkat budaya negara secara umum, melihat dalam seni manifestasi faktor moral, ekonomi dan sosial, berusaha meyakinkan Inggris bahwa prasyarat untuk kecantikan adalah kesopanan, keadilan, kejujuran, kemurnian dan kesederhanaan. .

Kaum Pra-Raphael menciptakan lukisan tentang subjek keagamaan dan sastra, merancang buku secara artistik dan mengembangkan seni dekoratif, dan berupaya menghidupkan kembali prinsip-prinsip kerajinan abad pertengahan. Memahami tren berbahaya seni dekoratif- depersonalisasinya oleh produksi mesin, seniman Inggris, penyair dan tokoh masyarakat W. Morris (1834 – 1896) menyelenggarakan lokakarya seni dan industri untuk produksi permadani, kain, kaca patri, dan barang-barang rumah tangga lainnya, yang gambarnya digunakan diselesaikan oleh dirinya sendiri dan seniman Pra-Raphaelite.

17.3.3 Lukisan Spanyol. Goya . Karya Francisco Goya (1746– 1828) milik dua abad – XVIII dan XIX. Ini sangat penting bagi pembentukan romantisme Eropa. Kreatifkan kami Kehidupan seniman kaya dan beragam: lukisan, potret, grafik, lukisan dinding, ukiran, lukisan.

Goya menggunakan tema paling demokratis (perampok, penyelundup, pengemis, peserta perkelahian jalanan dan permainan- karakter dalam lukisannya). Setelah diterima pada tahun 1789 judul Pridv Seniman lisan, Goya menampilkan banyak sekali potret: raja, ratu, abdi dalem (“Keluarga Raja Charles IV”). Kesehatan sang seniman yang semakin memburuk menyebabkan perubahan tema karyanya. Dengan demikian, lukisan-lukisan yang bercirikan fantasi yang menyenangkan dan aneh (“Karnaval”, “Permainan Gertakan Orang Buta”) digantikan oleh kanvas yang penuh tragedi (“Pengadilan Inkuisisi”, “Rumah Gila”). Dan diikuti oleh 80 lukisan “Capriccios”, yang dikerjakan sang seniman selama lebih dari lima tahun. Arti dari banyak di antaranya masih belum jelas hingga hari ini, sementara yang lain ditafsirkan sesuai dengan kebutuhan ideologis pada masanya.

Dengan menggunakan bahasa simbolis dan alegoris, Goya melukiskan gambaran mengerikan tentang negara ini pada pergantian abad: ketidaktahuan, takhayul, kesempitan pikiran, kekerasan, obskurantisme, kejahatan. Etsa “Tidurnya akal melahirkan monster”– monster mengerikan mengelilingi orang yang sedang tidur, kelelawar, burung hantu, dan roh jahat lainnya. Sang seniman sendiri memberikan penjelasan berikut atas karyanya: “Yakin akan kritik itu manusiasifat burukDankesalahpahaman, MeskipunDansepertinyabidang pidato dan puisi, juga dapat menjadi subjek deskripsi yang hidup, seniman memilih karyanya dari banyak pemborosan dan absurditas yang melekat dalam masyarakat sipil mana pun, serta dari prasangka dan takhayul umum, yang dilegitimasi oleh adat, ketidaktahuan atau diri sendiri. -minat, hal-hal yang menurutnya sangat cocok untuk diejek dan pada saat yang sama untuk melatih imajinasi seseorang.”

17.3.4 Modern – terakhir gaya Eropa lukisan XIX V . Karya paling terkenal diciptakan dalam lukisan Eropa abad ke-19. dalam gaya Art Nouveau, ada karya seniman Inggris O. Beardsley (1872– 1898). DiabergambarbekerjaTENTANG. liar ("Salome"), dibuatanggungrafisfantasi, terpesonautuhgenerasiorang Eropa. HanyahitamDanputihadalahperalatanmisalnyatentang persalinan: selembar kertas putih dan sebotol tinta hitam dan teknik yang mirip dengan renda terbaik (“The Secret Rose Garden”, 1895). Ilustrasi Beardsley dipengaruhi oleh cetakan Jepang dan Rococo Prancis, serta tingkah laku dekoratif Art Nouveau.

Gaya Art Nouveau yang muncul sekitar tahun 1890– 1910 Y y., dicirikantersedianyalekokgaris, mengingatkankeritingrambut, bergayabungaDantanaman, bahasaapi. GayainiadalahlebarumumDanVlukisanDanVarsitektur. Iniilustrasiorang InggrisSampai jumpardsley, poster dan playbill oleh A. Mucha dari Ceko, lukisan oleh G. Klimt dari Austria, lampu dan produk logam oleh Tiffany, arsitektur oleh A. Gaudi dari Spanyol.

Fenomena luar biasa lainnya dari modernisme fin-de-siècle– NorwegiaartisE. Mengunyah (1863 – 1944). TerkenallukisanMengunyah« Jeritan (1893)– gabunganBagianmiliknyamendasarsiklus"Dekorasi dindingkehidupan", lebihyangartisbekerjapanjangbertahun-tahun. Kemudianbekerja"Berteriak"MengunyahulangVlitograf. Lukisan"Berteriak"mentransmisikannegaraekstrimemosionalvoltaseorang, diaolitmenciptakan keputusasaan orang yang kesepian dan teriakan minta tolong yang tidak dapat diberikan oleh siapa pun.

Artis terbesar di Finlandia A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vgayamodernbergambarepik"Kalevala". Padabahasaempirisrealitasitu dilarangmemberi tahutentang lelaki tua legendaris– pandai besiIlmarinen, yangtertempalangit, mengumpulkancakrawala, dibelenggudariapiburung rajawali; HAIibuLemminkinen, dibangkitkanmiliknyaterbunuhputra; HAIpenyanyiVäinämöinene, yang"bersenandungemaspohon Natal", Gallel- Kaleladikelolamenyerahkannarsatu kekuatan rune Karelia kuno dalam bahasa modernitas.

Banyaknya gerakan seni pada abad ke-19 merupakan konsekuensi dari proses modernisasi. Kehidupan seni masyarakat kini tidak hanya ditentukan oleh perintah gereja dan gaya kalangan istana. Perubahan struktur sosial menyebabkan perubahan persepsi terhadap seni di masyarakat: bermunculan strata sosial baru yaitu masyarakat kaya dan terpelajar, yang mampu mengevaluasi karya seni secara mandiri, hanya berfokus pada persyaratan selera. Pada abad ke-19 budaya massa mulai terbentuk; surat kabar dan majalah yang menerbitkan novel-novel panjang dengan alur cerita yang menghibur dari terbitan ke terbitan, menjadi prototipe serial televisi dalam seni abad ke-20.

Pada paruh pertama abad ke-19, pembangunan perkotaan terjadi dalam skala yang belum pernah terjadi sebelumnya di Eropa. Sebagian besar ibu kota Eropa - Paris, St. Petersburg, Berlin - memiliki penampilan khasnya; peran bangunan publik dalam ansambel arsitekturnya meningkat. Simbol Paris adalah Menara Eiffel yang terkenal, dibangun pada tahun 1889 untuk pembukaan Pameran Dunia. Menara Eiffel mendemonstrasikan kemampuan teknis material baru – logam. Namun, solusi artistik aslinya tidak segera diakui; mereka menyerukan agar menara tersebut dibongkar dan disebut mengerikan.

Neoklasikisme pada paruh pertama abad ke-19. mengalami masa kejayaan yang terlambat, sekarang mendapat nama Empire (dari bahasa Perancis “kerajaan”), gaya ini mengungkapkan kehebatan kerajaan yang diciptakan oleh Napoleon. Pada pertengahan abad ini, masalah utama arsitektur Eropa adalah pencarian gaya. Sebagai hasil dari ketertarikan romantis terhadap zaman kuno, banyak master mencoba menghidupkan kembali tradisi arsitektur masa lalu - inilah munculnya neo-Gotik, neo-Renaisans, dan neo-Baroque. Upaya para arsitek sering kali mengarah pada eklektisisme - kombinasi mekanis elemen gaya berbeda, lama dan baru.

Kehidupan seni paruh pertama abad ke-19 didominasi oleh romantisme, yang mencerminkan kekecewaan terhadap ideologi Pencerahan. Romantisme menjadi pandangan dunia dan cara hidup yang istimewa. Cita-cita romantis seseorang yang tidak dipahami masyarakat membentuk perilaku lapisan atas. Romantisme dicirikan oleh pertentangan dua dunia: dunia nyata dan dunia khayalan. Realitas nyata dipandang tidak spiritual, tidak manusiawi, tidak layak bagi manusia dan bertentangan dengannya. “Prosa kehidupan” dunia nyata dikontraskan dengan dunia “realitas puitis”, dunia cita-cita, impian dan harapan. Melihat dunia keburukan dalam realitas masa kini, romantisme berusaha mencari jalan keluar bagi manusia. Jalan keluar ini sekaligus merupakan kepergian dari masyarakat dengan cara yang berbeda: sang pahlawan masuk ke dunia batinnya sendiri, melampaui ruang nyata dan ke waktu lain. Romantisme mulai mengidealkan masa lalu, khususnya Abad Pertengahan, melihat di dalamnya realitas, budaya, dan nilai-nilai.

Pemimpin romantisme Prancis dalam seni lukis ditakdirkan menjadi Eugene Delacroix (1798-1863). Imajinasi seniman yang tiada habisnya ini menciptakan seluruh dunia gambar yang masih hidup di atas kanvas dengan kehidupannya yang intens penuh perjuangan dan semangat. Delacroix sering mengambil motif dari karya William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, dan beralih ke peristiwa Revolusi Besar Perancis dan episode sejarah nasional lainnya (“Pertempuran Poitiers”). Delacroix menangkap banyak gambar orang-orang Timur, terutama orang Aljazair dan Maroko, yang dilihatnya selama perjalanannya ke Afrika. Dalam karyanya “The Massacre on the Island of Chios” (1824), Delacroix merefleksikan perjuangan Yunani melawan kekuasaan Turki, yang saat itu mengkhawatirkan seluruh Eropa. Sang seniman mengontraskan sekelompok orang-orang Yunani yang ditawan dan menderita di latar depan gambar dengan seorang wanita yang putus asa karena kesedihan dan seorang anak yang merangkak menuju dada seorang ibu yang telah meninggal dengan sosok-sosok kekuatan penghukum yang arogan dan kejam; Kota yang terbakar dan hancur terlihat di kejauhan. Gambar itu memukau orang-orang sezamannya dengan kekuatan penderitaan manusia yang menakjubkan dan warnanya yang luar biasa berani dan nyaring.

Peristiwa Revolusi Juli 1830, yang berakhir dengan kekalahan revolusi dan pemulihan monarki, menginspirasi Delacroix untuk menciptakan lukisan terkenal “Liberty on the Barricades” (1830). Wanita yang mengibarkan bendera tiga warna Republik Perancis melambangkan kebebasan. Citra kebebasan di barikade adalah personifikasi perjuangan.

Perwakilan romantisme yang terkenal di dunia adalah seniman Spanyol Francisco Goya (1746–1828). Goya relatif terlambat berkembang menjadi seniman besar. Kesuksesan signifikan pertamanya datang dari dua seri (1776-1791) dari berbagai permadani yang dibuat untuk Pabrik Kerajaan Santa Barbara di Madrid (“The Umbrella,” “The Blind Guitarist,” “The Crockery Seller,” “The Game of Blind Man's Bluff,” “Pernikahan”). Di tahun 90an Pada abad ke-18, dalam karya Goya, ciri-ciri tragedi dan permusuhan terhadap ulama feodal Spanyol dari “orde lama” tumbuh. Goya mengungkapkan keburukan landasan moral, spiritual dan politiknya dalam bentuk yang sangat tragis, berdasarkan asal-usul cerita rakyat, dalam serangkaian besar lukisan “Caprichos” (80 lembar dengan komentar seniman); kebaruan bahasa artistik yang berani, ekspresi garis dan guratan yang tajam, kontras cahaya dan bayangan, kombinasi antara yang aneh dan kenyataan, alegori dan fantasi, sindiran sosial dan analisis realitas yang bijaksana membuka cara baru bagi perkembangan ukiran Eropa. Pada tahun 1790-an - awal tahun 1800-an, potret Goya mencapai perkembangan yang luar biasa, di mana perasaan kesepian yang mengkhawatirkan (potret Senora Bermudez), konfrontasi yang berani dan tantangan terhadap lingkungan (potret F. Guillemardet), aroma misteri dan sensualitas yang tersembunyi (Maja berpakaian " dan "Makha telanjang"). Dengan kekuatan eksposur yang luar biasa, sang seniman menangkap kesombongan, kemelaratan fisik dan spiritual keluarga kerajaan dalam potret kelompok “Keluarga Charles IV.” Lukisan besar Goya yang didedikasikan untuk perjuangan melawan intervensi Prancis ("Pemberontakan 2 Mei 1808 di Madrid", "Eksekusi Pemberontak pada Malam 3 Mei 1808"), dan rangkaian lukisan "Bencana Perang" ( 82 lembaran, 1810–1820).

Francisco Goya “Caprichos”

Jika dalam sastra subjektivitas persepsi seniman mengungkap simbolisme, maka dalam seni lukis penemuan serupa juga dilakukan oleh impresionisme. Impresionisme (dari bahasa Perancis impresi – kesan) adalah suatu gerakan seni lukis Eropa yang berasal dari Perancis pada pertengahan abad ke-19. Kaum Impresionis menghindari detail apa pun dalam gambar dan mencoba menangkap kesan umum dari apa yang dilihat mata pada momen tertentu. Mereka mencapai efek ini menggunakan warna dan tekstur. Konsep artistik impresionisme dibangun di atas keinginan untuk menangkap dunia di sekitar kita secara alami dan alami dalam variabilitasnya, menyampaikan kesan sekilas kita. Para seniman aliran Barbizon mempersiapkan lahan subur bagi perkembangan impresionisme: merekalah yang pertama kali melukis sketsa dari kehidupan. Prinsip “melukis apa yang Anda lihat dalam cahaya dan udara” menjadi dasar lukisan plein air kaum Impresionis.

Pada tahun 1860-an, seniman bergenre muda E. Manet, O. Renoir, E. Degas mencoba menghirup kesegaran dan spontanitas pengamatan kehidupan ke dalam lukisan Prancis, penggambaran situasi instan, ketidakstabilan dan ketidakseimbangan bentuk dan komposisi, sudut dan titik yang tidak biasa. melihat . Bekerja di luar ruangan membantu menciptakan di atas kanvas perasaan berkilauan salju, kekayaan warna alami, larutnya benda-benda di lingkungan, getaran cahaya dan udara. Seniman impresionis memberikan perhatian khusus pada hubungan suatu benda dengan lingkungannya, mempelajari perubahan warna dan corak suatu benda dalam lingkungan yang berubah. Berbeda dengan kaum romantisme dan realis, mereka tidak lagi cenderung menggambarkan sejarah masa lalu. Bidang minat mereka adalah modernitas. Kehidupan kafe-kafe kecil Paris, jalanan yang bising, tepian Sungai Seine yang indah, stasiun kereta api, jembatan, keindahan lanskap pedesaan yang tak mencolok. Seniman tidak mau lagi membahas isu-isu sosial yang mendesak.

Karya Edouard Manet (1832-1883) mendahului arah baru dalam seni lukis - impresionisme, tetapi sang seniman sendiri tidak mengikuti gerakan ini, meskipun ia agak mengubah gaya kreatifnya di bawah pengaruh kaum impresionis. Manet mendeklarasikan programnya: “Untuk menjalani waktu Anda dan menggambarkan apa yang Anda lihat di hadapan Anda, menemukan keindahan dan puisi sejati dalam arus kehidupan sehari-hari.” Pada saat yang sama, di sebagian besar karya Manet tidak ada aksi, bahkan plot minimal pun. Paris menjadi motif konstan dalam karya Manet: keramaian kota, kafe dan teater, jalanan ibu kota.

Edouard Manet “Bar di Folies Bergere”

Edourd Manet “Musik di Tuileries”

Nama impresionisme berasal dari lanskap Claude Monet (1840-1926) “Impression. Matahari terbit".

Dalam karya Monet, elemen cahaya menjadi sangat penting. Pada tahun 70an. abad XIX Ini termasuk “Boulevard des Capucines” yang menakjubkan, di mana sapuan kuas yang dilemparkan ke atas kanvas menyampaikan perspektif jalan sibuk yang surut di kejauhan, arus kereta yang tak ada habisnya bergerak di sepanjang jalan itu, dan kerumunan orang yang meriah. Ia melukis banyak lukisan dengan objek pengamatan yang sama, tetapi pencahayaannya berbeda. Misalnya tumpukan jerami di pagi hari, siang hari, sore hari, saat bulan purnama, saat hujan, dan sebagainya.

Banyak pencapaian impresionisme yang dikaitkan dengan karya Pierre Auguste Renoir (1841-1919), yang tercatat dalam sejarah seni rupa sebagai “pelukis kebahagiaan”. Dia benar-benar menciptakan dalam lukisannya dunia khusus wanita menawan dan anak-anak yang tenang, alam yang ceria dan bunga-bunga indah. Sepanjang hidupnya, Renoir melukis pemandangan alam, namun panggilannya tetap pada penggambaran manusia. Dia suka melukis lukisan bergenre, di mana dengan kejernihan luar biasa dia menciptakan kembali hiruk pikuk jalanan dan jalan raya Paris, kesunyian kafe dan teater, keaktifan jalan-jalan pedesaan dan perayaan di udara terbuka. Semua lukisan ini, dilukis di udara terbuka, dibedakan berdasarkan kemerduan warnanya. Lukisan “Moulin de la Galette” (bola rakyat di taman aula dansa Montmarte) adalah mahakarya impresionisme Renoir. Di dalamnya terlihat ritme tarian yang meriah, kerlap-kerlip wajah-wajah muda. Tidak ada gerakan tiba-tiba dalam komposisinya, dan kesan dinamis tercipta dari ritme bintik-bintik warna. Penataan ruang lukisan ini menarik: latar depan diberikan dari atas, sosok yang duduk tidak mengaburkan penari. Banyak potret yang didominasi oleh anak-anak dan gadis muda; potret-potret ini mengungkapkan keahliannya: “Boy with a Cat”, “Girl with a Fan”.

Seorang peserta aktif dalam semua pameran, Edgar Degas (1834 - 1917) jauh dari semua prinsip kaum Impresionis: ia menentang plein air, tidak melukis dari kehidupan, dan tidak berusaha untuk menangkap karakter berbagai negara bagian. alam. Tempat penting dalam karya Degas ditempati oleh serangkaian lukisan yang menggambarkan tubuh perempuan telanjang. Banyak lukisannya dalam beberapa tahun terakhir didedikasikan untuk “wanita di toilet.” Dalam banyak karyanya, Degas menunjukkan ciri-ciri tingkah laku dan penampilan seseorang, yang dihasilkan oleh kekhasan hidupnya, mengungkap mekanisme gestur profesional, postur, gerak seseorang, kecantikan plastiknya (“Ironing Women”, “Washerwomen with Linen ”). Penegasan makna estetis kehidupan masyarakat dan aktivitas sehari-hari mencerminkan keunikan humanisme karya Degas. Seni Degas dicirikan oleh kombinasi yang indah, terkadang fantastis, dan biasa-biasa saja: menyampaikan semangat kemeriahan teater dalam banyak adegan balet (“Bintang Balet”, “Sekolah Balet”, “Pelajaran Menari”).

Pasca-Impresionisme mencakup periode dari tahun 1886, ketika pameran Impresionis terakhir diadakan, di mana karya-karya Neo-Impresionis pertama kali dipresentasikan, hingga tahun 1910-an, yang menandai lahirnya seni yang benar-benar baru dalam bentuk Kubisme dan Fauvisme. Istilah “pasca-impresionisme” diperkenalkan ke dalam bahasa Inggris oleh kritikus Inggris Roger Fry, mengungkapkan kesan umumnya terhadap pameran seni Prancis modern yang ia selenggarakan di London pada tahun 1910, yang menampilkan karya-karya Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne dan artis lainnya.

Kaum pasca-impresionis, yang banyak di antaranya sebelumnya menganut impresionisme, mulai mencari metode untuk mengekspresikan tidak hanya yang sesaat dan sementara - setiap saat, mereka mulai memahami keadaan jangka panjang dunia sekitarnya. Pasca-impresionisme dicirikan oleh berbagai sistem dan teknik kreatif yang mempengaruhi perkembangan seni rupa selanjutnya. Karya-karya Van Gogh mengantisipasi munculnya Ekspresionisme, Gauguin membuka jalan bagi Art Nouveau.

Vincent Van Gogh (1853-1890) menciptakan gambar artistik yang paling jelas melalui sintesis (kombinasi) gambar dan warna. Teknik Van Gogh adalah titik, koma, garis vertikal, titik padat. Jalan, tempat tidur, dan alurnya benar-benar terbentang di kejauhan, dan semak-semak terbakar di tanah seperti api unggun. Dia menggambarkan bukan hanya satu momen yang ditangkap, tetapi sebuah kesinambungan momen. Dia menggambarkan bukan efek tertentu dari pohon yang tertekuk oleh angin, tetapi pertumbuhan pohon dari tanah, Van Gogh tahu bagaimana mengubah segala sesuatu yang acak menjadi kosmik. Jiwa Van Gogh menuntut warna-warna cerah; dia terus-menerus mengeluh kepada saudaranya tentang kurangnya kekuatan bahkan warna kuning cerah favoritnya.

Starry Night bukanlah upaya pertama Van Gogh untuk menggambarkan langit malam. Pada tahun 1888, di Arles, dia melukis Malam Berbintang di Atas Rhone. Van Gogh ingin menggambarkan malam berbintang sebagai contoh kekuatan imajinasi, yang mampu menciptakan alam yang lebih menakjubkan dari apa yang bisa kita rasakan saat melihat dunia nyata.

Persepsi yang meningkat tentang realitas dan ketidakstabilan mental menyebabkan Van Gogh mengalami penyakit mental. Gauguin datang untuk tinggal di Arles, namun perbedaan kreatif menyebabkan pertengkaran. Van Gogh melempar gelas ke kepala sang seniman, lalu, setelah Gauguin menyatakan niatnya untuk pergi, dia menyerbu ke arahnya dengan pisau cukur. Karena kegilaan di malam hari di hari yang sama, artis tersebut memotong telinganya (“Potret Diri dengan Telinga yang Dibalut”).

Karya Paul Gauguin (1848-1903) tidak lepas dari nasib tragisnya. Hal terpenting dalam konsep stilistika Gauguin adalah pemahamannya tentang warna. Tentang. Tahiti, tempat sang seniman pergi pada tahun 1891, di bawah pengaruh bentuk seni primitif Polinesia, ia melukis lukisan yang bercirikan dekorasi, bentuk datar, dan warna yang sangat murni. Lukisan "eksotis" Gauguin - "Apakah kamu cemburu?", "Namanya Vairaumati", "Wanita yang memegang buah" - tidak terlalu mencerminkan kualitas alami objek, melainkan keadaan emosional seniman dan makna simbolis dari lukisan tersebut. gambar yang dia bayangkan. Keunikan gaya lukisan Gauguin terletak pada sifat dekoratifnya yang menonjol, keinginan untuk melukis permukaan kanvas yang luas dengan satu warna, dan kecintaan terhadap ornamen yang hadir pada kain, pakaian, karpet, dan latar lanskap.

Paul Gauguin “Kapan menikah” “Wanita memegang buah”

Pencapaian budaya terpenting abad ke-19. adalah munculnya seni fotografi dan desain. Kamera pertama di dunia dibuat pada tahun 1839 oleh Louis Jacques Mande Daguerre.

Upaya awal Daguerre untuk membuat kamera berfungsi tidak berhasil. Pada tahun 1827, ia bertemu Joseph Niepce, yang juga mencoba (dan kemudian mencapai kesuksesan lebih) untuk menciptakan kamera. Dua tahun kemudian mereka menjadi mitra. Niépce meninggal pada tahun 1833, namun Daguerre terus bekerja keras. Pada tahun 1837, ia akhirnya mampu mengembangkan sistem fotografi praktis yang disebut daguerreotype. Gambar (daguerreotype) diperoleh pada pelat perak yang diberi uap yodium. Setelah pemaparan selama 3-4 jam, pelat dikembangkan dalam uap merkuri dan difiksasi dengan larutan garam meja panas atau hiposulfit. Daguerreotypes dibedakan berdasarkan kualitas gambar yang sangat tinggi, tetapi hanya satu foto yang dapat diperoleh.

Pada tahun 1839, Daguerre menerbitkan penemuannya, tetapi tidak mengajukan paten. Sebagai tanggapan, pemerintah Prancis memberikan dia dan putra Niepce pensiun seumur hidup. Pengumuman penemuan Daguerre menimbulkan sensasi yang luar biasa. Daguerre menjadi pahlawan saat itu, ketenaran menimpanya, dan metode daguerreotype dengan cepat diterapkan secara luas.

Perkembangan fotografi menyebabkan revisi prinsip-prinsip artistik grafis, lukisan, patung, serta gabungan seni dan dokumentasi, yang tidak dapat dicapai dalam bentuk seni lainnya. Desainnya didasarkan pada Pameran Industri Internasional di London pada tahun 1850. Desainnya menandai konvergensi seni dan teknologi dan menandai dimulainya jenis kreativitas baru.

Louis Daguerre, Nicéphore Niepce dan Kamera Obscura Niepce

Joseph Nicephore Niepce. Foto pertama di dunia yang diambil menggunakan paduan timah dan timah, 1826.

Foto Daguerre “Studio Artis”, 1837

Pada tahun 1870-an, dua penemu, Elisha Gray dan Alexander Graham Bell, secara mandiri mengembangkan perangkat yang dapat mengirimkan ucapan melalui listrik, yang kemudian disebut telepon. Keduanya sama-sama menyerahkan patennya masing-masing ke kantor paten, dengan perbedaan waktu pengajuan hanya beberapa jam saja. Namun, Alexander Graham Bell mendapat paten lebih dulu.

Telepon dan telegraf adalah sistem kelistrikan yang berbasis kabel. Keberhasilan Alexander Bell, atau lebih tepatnya penemuannya, sangatlah wajar, karena dengan menemukan telepon, ia berusaha memperbaiki telegraf. Ketika Bell mulai bereksperimen dengan sinyal listrik, telegraf telah digunakan sebagai alat komunikasi selama kurang lebih 30 tahun. Meskipun telegraf merupakan sistem yang cukup berhasil untuk mengirimkan informasi berdasarkan kode Morse dengan tampilan huruf menggunakan titik dan garis, namun kelemahan besar telegraf adalah informasinya terbatas pada penerimaan dan pengiriman satu pesan dalam satu waktu.

Alexander Bell berbicara pada model telepon pertama

Telepon pertama, diciptakan oleh Alexander Graham Bell, adalah alat yang melaluinya suara ucapan manusia ditransmisikan menggunakan listrik (1875). Pada tanggal 2 Juni 1875, Alexander Graham Bell, saat bereksperimen dengan tekniknya, yang disebutnya “telegraf harmonik”, menemukan bahwa dia dapat mendengar suara melalui kabel. Itu adalah suara jam.

Kesuksesan terbesar Bell diraih pada 10 Maret 1876. Berbicara melalui telepon kepada asistennya, Thomas Watson, yang berada di kamar sebelah, Bell mengucapkan kata-kata yang kini diketahui semua orang “Mr. Watson - kemarilah - aku ingin bertemu denganmu” (Tuan Watson - kemarilah - aku ingin bertemu denganmu). Pada masa ini, tidak hanya telepon yang lahir, tetapi banyak telegraf juga mati. Potensi komunikasi yang menunjukkan bahwa listrik dapat berbicara sangat berbeda dengan apa yang dapat ditawarkan oleh telegraf, dengan sistem titik dan garisnya.

Konsep sinema pertama kali muncul dalam versi Perancisnya - “sinematograf”, yang menunjukkan sistem pembuatan dan penayangan film yang dikembangkan oleh saudara Louis Jean dan Auguste Lumière. Film pertama diambil menggunakan kamera film oleh orang Prancis Louis Aimé Augustin Le Prinesy (1842–1890) pada bulan November 1888 di Inggris Raya dan terdiri dari dua bagian: bagian pertama - 10-12 gambar per detik, bagian kedua - 20 gambar per detik. Namun secara resmi bioskop dianggap berasal dari tanggal 28 Desember 1895. Pada hari ini, di salon India “Grand Café” di Boulevard des Capucines (Paris, Prancis) pemutaran publik “Cinematograph of the Lumiere Brothers” berlangsung. Pada tahun 1896, saudara-saudara melakukan tur keliling dunia dengan penemuan mereka, mengunjungi London, New York, dan Bombay.

Louis Jean Lumiere lulus dari sekolah industri, menjadi fotografer dan bekerja di pabrik bahan fotografi milik ayahnya. Pada tahun 1895, Lumière menemukan kamera film untuk merekam dan memproyeksikan “foto bergerak”. Saudaranya Auguste Lumière berperan aktif dalam karyanya menciptakan sinema. Perangkat itu dipatenkan dan disebut sinematografi. Program film pertama Lumiere menampilkan adegan-adegan yang difilmkan di lokasi: “Pekerja Keluar dari Pabrik Lumiere”, “Kedatangan Kereta Api”, “Sarapan Anak”, “Waterer” dan lain-lain. Menariknya, kata lumiere berarti “cahaya” dalam bahasa Perancis. Mungkin ini kecelakaan, atau mungkin nasib pembuat film sudah ditentukan sebelumnya.

Oleg, kamu punya sudut pandangmu sendiri dan kamu ingin memaksakannya padaku. Pahami bahwa saya memiliki Sejarah Rusia yang dipulihkan yang direbut oleh tentara Soviet. Dan ini tidak boleh sesuai dengan versi penjajah Soviet. Jika teman Anda terbang seperti kayu lapis di atas Paris setelah membeli barang omong kosong, itu masalahnya. Penting untuk mempelajari Sejarah yang sebenarnya, dan bukan apa yang telah dia lakukan sepanjang hidupnya, jika dia tidak dapat membedakan pemalsuan dari nilai-nilai budaya dan seni yang nyata.

Jika dia berinvestasi pada hal yang salah dan gagal dalam bisnisnya, itu masalahnya. Dan sejak kapan ijazah pendidikan tinggi yang dibayar menjadi ijazah bagi seseorang? Kecerdasan diberikan sejak lahir, yang lainnya adalah pembelajaran.

Baca artikelnya, yang mengatakan bahwa para petani Soviet, yang menghancurkan Rusia yang mereka rebut dan sekarang hidup lebih buruk daripada siapa pun di Eropa, memiliki keberanian untuk melemparkan lumpur ke seluruh Eropa, menceritakan penemuan-penemuan kasar mereka tentang Eropa yang tidak dicuci. Terlebih lagi, berbicara tentang Raja dan Masyarakat Kelas Atas, yang bahkan belum pernah dilihat oleh para petani kita. Bahkan sekarang mereka tidak akan diizinkan masuk ke ambang pintu, tidak hanya masuk ke istana, tapi juga ke apartemen Eropa biasa.

Apakah mereka berani berbicara tentang bagaimana para Raja dan Masyarakat Kelas Atas hidup di Eropa pada Abad Pertengahan? Apakah mereka ada di sana? Mereka diizinkan masuk ke sana di ambang pintu. Atau apakah mereka terbang ke sana dengan mesin waktu?

Jadi saya menunjukkan lukisan karya seniman Eropa Barat pada paruh kedua abad ke-19, yang jumlahnya sangat banyak di Eropa. Inilah yang bertahan. Dan omong-omong, itu terletak di Rusia.

Dan di manakah gambar yang dilukis oleh orang Slavia, petani Soviet, pada periode yang sama: paruh kedua abad ke-19? Dan sebelum penaklukan Rusia oleh Slavia pada tahun 1853-1871. baik Rusia modern maupun Eropa modern adalah satu negara terpusat yang sama, Tentara Carus, dengan populasi yang sama, dengan hukum yang sama, dan dengan sistem pendidikan gratis yang sama.

Sekarang, jawablah pertanyaan saya: mengapa setelah Perang yang sama dengan Slavia, yang terjadi di seluruh Eropa pada tahun 1853-1871. di Eropa, di mana Slavia tidak diizinkan dengan gerombolan merah mereka, mereka hidup dan hidup jauh lebih baik daripada di Rusia yang ditangkap oleh Slavia?

Kemana perginya semua budaya Eropa dari Rusia yang direbut oleh bangsa Slavia? Kemana perginya seniman-seniman Eropa sebelum perang tahun 1853-1871? tinggal di seluruh Rusia sebagai penduduk asli Rusia.

Anda menjawab pertanyaan-pertanyaan ini, saya tidak membutuhkan para penulis modern yang, berdasarkan dongeng Pushkin Yahudi (orang Inggris Clark Kennedy) yang ditulis ulang, menyusun versi mereka sendiri tentang seperti apa Rusia, yang direbut oleh bangsa Slavia, sebelum kehancuran. Perang dengan Slavia tahun 1853-1871.
Saya menemukan bukti bahwa sebelum Perang dengan Slavia pada tahun 1853-1871. , Slavia: Tentara Yahudi Merah (Prusia) dari Soviet Elston-Sumarokov tidak tinggal di Rusia modern. Mereka menyerang Rusia pada tahun 1853. Dan setelah Perang mereka menetap di wilayah Rusia yang mereka rebut.
Jadi, semua pembicaraan orang Slavia bahwa orang Rusia tinggal di Rusia yang mereka rebut hingga tahun 1853 dibatalkan.

Orang Slavia adalah tentara Yahudi Prusia di Elston-Sumarokov, dan hingga tahun 1853 orang Slavia tinggal di seluruh Eropa, dan tidak hanya di Rusia, yang mereka tangkap.
Bangsa Slavia tidak mempunyai lokasi untuk pasukan Merah Elston-Sumarokov pada tahun 1852.

Tanah pertama Prusia dari Slavia: tentara Yahudi Prusia di Elston, adalah St. Petersburg dan Moskow yang direbut oleh mereka. Pada tahun 1861, St. Petersburg dan Moskow pertama kali berganti nama menjadi Prusia, pada tahun 1871 menjadi Jerman, dan pada tahun 1896 menjadi Rusia. Lalu ada Uni Soviet, dan semua Slavia adalah Soviet, dan sekarang lagi ke Rusia dan semua Slavia Soviet menjadi Slavia Rusia, Kristen Yahudi Elston-Sumarokov?

Bukankah terlalu banyak nama untuk seorang petani Soviet sederhana dengan bayonet Jerman dari tahun 1853-1921?