Masalah pemahaman seni. Esai tentang Ujian Negara Bersatu
Berapa banyak waktu luang yang dicurahkan orang untuk pendidikan mandiri? Keseratus, seperseribu? Pikiran manusia menjadi membosankan selama bertahun-tahun dan menjadi kurang menerima pengetahuan baru. Mengapa hal ini terjadi, kemana hilangnya aktivitas sebelumnya? Bagasi internal adalah sesuatu yang diisi ulang oleh kita sepanjang hidup kita, kita “mengeluarkan beberapa hal” dari peti pengetahuan dan membawanya bersama kita, dan beberapa hal tetap di sana “sampai waktu yang lebih baik”, duduk dan dilupakan. Tapi kenapa orang selalu menunda pergi ke museum, galeri, teater? Seni. Apakah pengaruhnya benar-benar hilang? Pada abad ke-18 dan ke-19, berbicara bahasa Prancis merupakan hal yang populer di masyarakat bangsawan. Banyak yang bilang ini salah satu tren paling bodoh. Tunggu. Namun sungguh luar biasa bisa berada pada gelombang yang sama dengan mereka yang berjuang untuk pengembangan pribadi. Bukankah begitu? Jadi, mari kita lihat permasalahan seni rupa dalam argumentasi yang membenarkan keberadaannya.
Apa itu seni sebenarnya?
Apa itu seni? Apakah lukisan-lukisan ini dipajang secara megah di galeri atau “Musim” abadi karya Antonio Vivaldi? Bagi sebagian orang, seni adalah karangan bunga liar yang dikumpulkan dengan cinta; itu adalah seorang master sederhana yang memberikan karya agungnya bukan untuk dilelang, tetapi kepada orang yang detak jantungnya membangkitkan kejeniusan, membiarkan perasaan menjadi sumber sesuatu yang abadi. Orang-orang membayangkan bahwa segala sesuatu yang spiritual tunduk pada pengetahuan, mereka membaca buku-buku yang tak terhitung jumlahnya yang dapat menjadikan mereka ahli dalam masyarakat khusus, dalam masyarakat di mana tidak memahami kedalaman alun-alun Malevich adalah kejahatan nyata, suatu tanda ketidaktahuan.
Mari kita ingat kisah terkenal Mozart dan Salieri. Salieri, “...dia menghancurkan musik seperti mayat,” tetapi bintang penuntun menerangi jalan bagi Mozart. Seni hanya tunduk pada hati, hidup dengan mimpi, cinta, dan harapan. Jatuh cinta, maka niscaya kamu akan menjadi bagian dari seni bernama cinta. Masalahnya adalah ketulusan. Argumen di bawah menegaskan hal ini.
Ada apa, krisis seni? Masalah seni. Argumen
Beberapa orang berpendapat bahwa seni saat ini tidak lagi seperti pada zaman Buonarroti dan Leonardo da Vinci. Apa yang berubah? Waktu. Tapi orang-orangnya sama. Dan pada masa Renaisans, para pencipta tidak selalu dipahami, bukan karena penduduknya tidak memiliki tingkat melek huruf yang tinggi, tetapi karena rahim kehidupan sehari-hari dengan rakus menyerap perasaan, kesegaran masa muda, dan awal yang baik. Bagaimana dengan sastra? Pushkin. Apakah bakatnya benar-benar hanya layak untuk intrik, fitnah, dan 37 tahun kehidupan? Persoalan seni adalah seni tidak dihargai sampai sang pencipta, yang merupakan perwujudan anugerah surga, berhenti bernapas. Kami membiarkan takdir menilai seni. Nah, inilah yang kami punya. Nama-nama komposer asing di telinga, buku-buku berdebu di rak. Fakta ini paling jelas mewakili masalah seni dalam argumen-argumen sastra.
“Betapa sulitnya menjadi bahagia akhir-akhir ini,
Tertawa keras, tidak pada tempatnya;
Jangan menyerah pada perasaan palsu
Dan hidup tanpa rencana adalah hal yang acak.
Untuk bersama seseorang yang tangisnya terdengar bermil-mil jauhnya,
Cobalah untuk menghindari musuh;
Jangan ulangi bahwa saya tersinggung dengan kehidupan,
Bagi mereka yang layak, bukalah hatimu lebar-lebar."
Sastra adalah satu-satunya bentuk seni yang membicarakan masalah sedemikian rupa sehingga Anda ingin segera memperbaiki semuanya
Masalah seni, argumen dari sastra... Mengapa penulis begitu sering mengangkatnya dalam karyanya? Hanya sifat kreatif yang mampu menelusuri jalan kejatuhan spiritual umat manusia. Mari kita ambil argumen novel terkenal karya Hugo “Notre Dame de Paris”. Cerita ini dihasilkan oleh satu kata “ANA”GKN (dari bahasa Yunani “rock”). Itu tidak hanya melambangkan malapetaka nasib para pahlawan, tetapi juga siklus kehancuran yang tidak dapat diganggu gugat: “Inilah tepatnya yang telah mereka lakukan terhadap gereja-gereja indah di Abad Pertengahan selama dua ratus tahun sekarang... Imam mengecat ulang mereka , arsitek mengikisnya; kemudian orang-orang datang dan menghancurkan mereka.” Dalam karya yang sama, penulis drama muda Pierre Gringoire muncul di hadapan kita. Betapa kejatuhan yang ditakdirkan baginya di awal perjalanannya! Kurangnya pengakuan, gelandangan. Dan kematian tampak seperti jalan keluar baginya, namun pada akhirnya dia adalah salah satu dari sedikit orang yang mengharapkan akhir yang bahagia. Dia banyak berpikir, banyak bermimpi. Tragedi mental membawa kemenangan publik. Tujuannya adalah pengakuan. Ternyata lebih realistis dibandingkan keinginan Quasimodo untuk bersama Esmeralda, dibandingkan impian Esmeralda untuk menjadi satu-satunya bagi Phoebus.
Apakah pengemasan penting dalam seni?
Mungkin semua orang pernah mendengar kombinasi “bentuk seni”. Apa pendapat Anda tentang maknanya? Persoalan seni rupa sendiri bersifat ambigu dan memerlukan pendekatan khusus. Bentuk adalah keadaan khusus di mana suatu benda berada, perwujudan materialnya dalam lingkungan. Seni - bagaimana kita mengalaminya? Seni adalah musik dan sastra, arsitektur dan lukisan. Ini adalah sesuatu yang kita rasakan pada tingkat spiritual khusus. Musik - suara kunci, senar; sastra adalah buku yang baunya hanya sebanding dengan aroma roti yang baru dipanggang; arsitektur - permukaan dinding yang kasar, semangat zaman yang berusia berabad-abad; lukisan adalah kerutan, lipatan, urat, semua ciri indah makhluk hidup yang tidak sempurna. Semua ini adalah bentuk seni. Beberapa di antaranya bersifat visual (materi), sementara yang lain dipersepsikan secara khusus, dan untuk merasakannya sama sekali tidak perlu disentuh. Menjadi sensitif adalah sebuah bakat. Dan tidak menjadi masalah sama sekali dalam bingkai apa “Mona Lisa” itu, dan dari perangkat apa “Moonlight Sonata” Beethoven dimainkan. Masalah bentuk seni dan argumennya rumit dan perlu perhatian.
Masalah pengaruh seni terhadap seseorang. Argumen
Saya bertanya-tanya apa inti permasalahannya? Seni... Tampaknya, apa dampaknya selain positif?! Bagaimana jika masalahnya adalah ia telah kehilangan kendali atas pikiran manusia dan tidak lagi mampu memberikan kesan yang kuat?
Mari pertimbangkan semua opsi yang memungkinkan. Mengenai dampak negatifnya, mari kita ingat lukisan-lukisan seperti “The Scream”, “Portrait of Maria Lopukhina” dan masih banyak lagi lainnya. Belum diketahui mengapa cerita mistis seperti itu dilekatkan pada lukisan tersebut, namun diyakini dapat memberikan dampak negatif bagi orang yang melihatnya. Cedera terjadi pada orang-orang yang menyinggung lukisan E. Munch, nasib gadis mandul yang lumpuh yang memandang kecantikan malang dengan kisah tragis, yang digambarkan oleh Borovikovsky sesaat sebelum kematiannya. Yang lebih buruk lagi adalah seni saat ini tidak memiliki jiwa. Ia bahkan tidak dapat membangkitkan emosi negatif. Kita kagum, kagum, tetapi setelah satu menit, atau bahkan lebih awal, kita melupakan apa yang kita lihat. Ketidakpedulian dan kurangnya minat adalah sebuah kemalangan yang nyata. Kita manusia diciptakan untuk sesuatu yang besar. Semuanya, tanpa kecuali. Pilihan ada di tangan kita: menjadi sama atau tidak. Masalah seni dan argumentasinya kini sudah dipahami, dan mulai saat ini setiap orang akan berjanji pada dirinya sendiri untuk hidup dari hati.
Pada bagian “Pertanyaan Sepele” kami menanyakan pertanyaan-pertanyaan yang sekilas bodoh atau menggelikan kepada para ahli dan tokoh budaya, namun selalu karena keingintahuan yang “kekanak-kanakan” ini, kami berhasil mendapatkan pemikiran filosofis yang segar, menarik dan tidak sepele bagi pembaca kami. dapat menghancurkan stereotip yang ada tentang kehidupan modern dan membantu lebih memahami seni.
Permasalahan ini dikhususkan pada permasalahan kesalahpahaman makna-makna yang terkandung dalam karya seni rupa kontemporer yang sering dihadapi oleh pemirsanya. Salah satu pendiri konseptualisme Moskow, Andrei Monastyrsky, percaya bahwa jika karya seniman dapat langsung dipahami, maka penontonnya “tidak memiliki karya estetis apa pun dalam pikiran atau perasaannya”.
Ekaterina Frolova berbicara dengan artis terkenal dan berpengaruh seperti Olga Sviblova, Alexandra Obukhova, dan Vasily Tsereteli untuk mengetahui apakah kesalahpahaman benar-benar memengaruhi penonton seperti halnya pemahaman.
Michael Landy, instalasi Meragukan Thomas (santo hidup)"
Olga Sviblova, pendiri dan direktur Museum Seni Multimedia Moskow
Kesalahpahaman pada umumnya berdampak buruk bagi masyarakat. Namun kesalahpahaman adalah dasar bagi perkembangan komunikasi, seperti yang dikatakan Yuri Lotman (ahli budaya terkenal Rusia - Catatan “365”). Seni kontemporer adalah bahasa yang berubah sangat cepat. Oleh karena itu, jika saya mencoba berbicara dengan orang Tionghoa dan tidak memahami mereka, ini bukanlah alasan untuk marah kepada orang Tionghoa. Tidak memahami bahasa Mandarin juga dapat mempersulit orientasi kita di Beijing atau menyebabkan kita salah memesan menu. Tapi ini bukan kesalahan orang Tionghoa atau bahasa Mandarinnya, melainkan ketidaktahuan kita terhadap bahasa Mandarin. Oleh karena itu, jika kita tidak memahami suatu bahasa, kita akan mencoba mempelajarinya atau memilih situasi di mana kita dapat melakukannya tanpa bahasa tersebut. Artinya, secara relatif, kita tidak pergi ke China dan tidak memesan masakan China di restoran China di sana. Penonton mempunyai pilihan: mencoba memahami bahasanya dan melakukan upaya tertentu terkait hal ini, atau tidak menghadiri pameran seni rupa kontemporer, karena ia tidak wajib menghadirinya. Kesalahpahaman tentang seni modern tidak mempengaruhi penontonnya dengan cara apa pun, karena seni itu sendiri adalah objek simbolis, dan tidak mempengaruhi siapa pun jika tindakan pencegahan keselamatan dipatuhi di museum atau ruang pameran lainnya.
Instalasi "Ledakan Artis" oleh Ai Weiwei di Venice Biennale ke-55
Alexandra Obukhova, kepala departemen ilmiah Museum Seni Modern"Garasi"
Kesalahpahaman merupakan pendorong paling kuat dalam memahami makna sebuah karya seni. Segera setelah orang yang terbuka dan tulus berkata: "Saya tidak mengerti apa yang ada di depan saya," dia mengumumkan niatnya untuk memahami dan memahami subjeknya. Dan kemudian seni terungkap kepadanya secara utuh. Adapun bagi masyarakat yang belum siap dengan masyarakat baru, tertutup, tidak toleran, kurangnya pemahaman terhadap apa yang mereka lihat, khususnya kurangnya pemahaman tentang landasan dan hakikat seni rupa modern, menutup topik bagi mereka untuk selamanya. semua. Ketidakjelasan pemahaman, sifat kedap udara sebuah karya seni modern, sebenarnya adalah salah satu kualitas terpentingnya. Sebagian besar, seniman Rusia saat ini menganggap kesalahpahaman sebagai salah satu sifat positif dari sebuah karya. Andrei Monastyrsky, seorang konseptualisme klasik Moskow, berkata, mengomentari objek-objeknya: “Jika ketika menanganinya muncul pertanyaan: “Apa ini? Saya tidak begitu mengerti apa yang terjadi di sini,” atau yang paling penting, “Akhirnya, saya tidak mengerti apa ini” - lalu bagus, lalu berfungsi sebagaimana mestinya.” Inilah efek “kesalahpahaman positif” yang seharusnya melekat pada setiap karya seni modern yang bagus. Jika pemirsa siap menghadapi sesuatu yang baru, siap memikirkan apa yang tampak seperti sesuatu yang asing, asing, dan merasakan sesuatu yang di luar kewajaran, maka ia mempunyai peluang untuk menerobos ke tingkat pemahaman realitas yang lebih tinggi, bukan sekadar seni modern.
Seni kontemporer tidak diciptakan untuk dikagumi. Barang-barangnya bukanlah objek pengakuan yang menggembirakan. Tidak ada yang lebih dari kesenangan sederhana selain seni kontemporer. Hal ini agar dapat memanfaatkan sumber daya manusia sebanyak-banyaknya, yaitu tidak hanya mata (yaitu perasaan), tetapi juga pikiran. Ini dirancang untuk membuat pemirsa berpikir. Di sisi lain, apakah penonton memahami segalanya ketika dia melihat “Trinity” karya Rublev atau “Melancholia” karya Dürer? Saya akui, saya sendiri tidak selalu memahami apa yang saya lihat di pameran seni rupa kontemporer. Dan ketika semuanya jelas bagi saya, maka saya tidak tertarik.
Thomas Hirschhorn, "Potong"
Vasily Tsereteli, direktur eksekutif Museum Seni Modern Moskow (MMOMA)
Menurut saya, orang yang terpelajar harus memahami lingkungan yang ada disekitarnya, situasi dan kenyataan. Seni saat ini adalah apa yang dihirup oleh seniman modern, yang meresapi realitas yang ada di sekitar kita masing-masing. Seseorang yang berusaha untuk bebas, terpelajar dan cerdas, ingin mencapai kesuksesan dalam karir dan kehidupan pribadinya, belum tentu harus memahami dan menjadi seorang profesional di bidang seni. Ia hanya perlu mengunjungi museum, banyak membaca, tertarik pada seni secara umum, musik modern, dan sastra. Tentu saja, Anda dapat mengabaikan segalanya dan tidak pergi ke mana pun, tidak bekerja pada diri sendiri, tetapi ini hanyalah indikator tingkat seseorang, perkembangannya. Oleh karena itu, sangat penting bagi anak untuk berkembang sejak masa kanak-kanak; kursus-kursus tentang integrasi seni budaya kontemporer, pada prinsipnya ke dalam sejarah seni rupa pada umumnya, diciptakan di sekolah dan lembaga pendidikan, agar seseorang mengetahui dan memahami budaya. Kesadaran dan pengalaman akan hal-hal seperti itu membuat kita lebih baik hati, lebih pintar, lebih mudah beradaptasi dengan situasi apa pun dalam hidup. Sebaliknya, kita melihat banyak contoh orang menjadi mudah termotivasi untuk melakukan tindakan yang salah, dan bagaimana orang tidak menghargai apa yang telah diciptakan sebelumnya dan apa yang sedang diciptakan, serta tidak menghargai karya dan bakat yang ada di sekitar mereka. Masyarakat seperti ini mau tidak mau akan berubah menjadi masyarakat yang barbar dan tidak berbudaya.
Yulia Grachikova, kurator dan wakil kepala departemen program pendidikan Museum Moskow
Dalam beberapa tahun terakhir, institusi telah melalui beberapa fase strategi keterlibatan audiens. Berbicara tentang konteks Rusia, perlu diingat bahwa sejak lama penonton proyek seni adalah para profesional dan komunitas seni. Pada tahun 2010-an dan bahkan lebih awal, institusi-institusi Moskow mengalami peningkatan minat terhadap seni kontemporer sebagai format rekreasi, sebuah atribut modis yang diperlukan dalam kehidupan masyarakat “sekuler”. Proses ini meluncurkan alat “popularisasi”, termasuk yang terkait dengan penyederhanaan “bahasa” interaksi: pasukan mediator dan pemandu, konsep yang paling mudah diakses, nama bintang, “tempat selfie” di pameran, dll. Apakah seni kontemporer menjadi lebih jelas dan mudah diakses karena hal ini merupakan isu kontroversial. Penyederhanaan dalam hal ini tidak berlaku “untuk”, tetapi “melawan” proyek artistik. Seni kontemporer menggunakan sejumlah besar sumber informasi, mengacu pada filsafat, sejarah seni dan sejarah secara umum, hingga proses politik, sosial dan ekonomi. Bagi pemirsanya, interaksi dengan seni tidak kalah pentingnya dengan bagi senimannya. Kesalahpahaman dalam hal ini menimbulkan keinginan untuk menganalisis, merumuskan suatu kedudukan, sikap tidak hanya terhadap suatu karya atau pernyataan seni tertentu, tetapi juga terhadap permasalahan atau gagasan tertentu yang dipengaruhi oleh karya tersebut. Elitisme seni tidak terletak pada “ketertutupannya” dari masyarakat umum, namun pada tuntutannya akan persiapan intelektual, pada tuntutannya untuk bekerja dengan kesadaran dan kognisi. Dan dalam hal ini, kesalahpahaman memberi lebih dari sekadar pemahaman. Kebudayaan modern menderita akibat “politik popcorn” yang mana masyarakat tidak melakukan upaya konsumsi intelektual. Penolakan terhadap hal-hal yang “tidak dapat dipahami” dan kompleks menjadi penyebab degradasi. Sisi lain dari persoalan ini adalah “kesalahpahaman” berujung pada penolakan, penolakan berinteraksi, dan kritik keras terhadap seni rupa kontemporer. Namun saya sudah mengatakan lebih dari satu kali bahwa seni klasik tradisional juga memerlukan persiapan dan juga dapat menimbulkan kesalahpahaman. Dan dampak yang ditimbulkan oleh “kesalahpahaman” ini secara langsung bergantung pada “kualitas” penonton dan penontonnya. Jadi saya sepenuhnya mendukung “kesalahpahaman” sebagai alat yang efektif untuk merangsang kesadaran dan kognisi.
Ai Weiwei, AIR MANCUR CAHAYA
Natalya Litvinskaya (Grigorieva), pendiri dan kurator Pusat Fotografi Lumiere Brothers
Mungkin, kami hanya bertanggung jawab atas kesalahpahaman tentang proyek pameran tertentu oleh pemirsa dan pengunjung kami. Kesalahpahaman terhadap seni secara umum, saya harap, tidak terjadi di dunia ini. Pameran bukan sekadar kumpulan karya yang digantung layaknya museum. Pameran apa pun, seperti karya apa pun, mempunyai gagasan yang ingin kami sampaikan, dan itulah alasan kami mengadakan pameran ini. Kesalahpahaman atau kesalahpahaman hanya bisa muncul ketika pameran tidak mewujudkan ide yang diimpikannya. Kuratornya membuat sebuah pameran untuk dirinya sendiri dan audiensi dekatnya, atau tidak mampu mewujudkannya. Akibatnya, penonton menjadi tersandera ekspektasi dengan membeli tiket pameran di tangannya dan dengan perasaan bahwa dia telah menyia-nyiakan waktunya, dan terkadang dengan perasaan yang lebih sedih. Saya tidak terlalu setuju dengan adanya gradasi kaku antara seni non-kontemporer dan seni kontemporer, terutama ketika kita berbicara tentang kesalahpahaman yang nyata mengenai seni kontemporer. Saya tidak dapat mengingat masa kecil saya ketika semua orang memahami seni yang dipamerkan Galeri Tretyakov di aula utamanya atau di Museum Pushkin tercinta. Selain itu, pada saat itu museum belum begitu terbuka terhadap pengunjungnya dalam bidang pendidikan, namun saat ini segala sesuatu yang terjadi di sekitar ruang museum merupakan tahapan positif yang sangat besar dalam kehidupan Moskow. Seni bahkan tidak berjalan, tetapi berlari ke arah pengunjung Moskow, membawakannya sesuatu yang tidak akan dikatakan atau ditulis, berusaha jujur dan relevan. Seniman menjadi laris, ide dan pernyataannya menjadi bahan bangunan yang dibawa kurator kepada pengunjung yang terbuka padanya. Kuratorlah yang harus membuat kunjungan ke pameran itu harmonis, dan saya akan meninggalkan seniman itu sendiri dan memberinya kesempatan untuk melakukan apa yang tidak bisa dia lakukan, jika tidak, seni itu akan hilang, dan hanya gambar-gambar indah dan lucu yang tersisa, meskipun bisa dimengerti. untuk semua orang, tetapi tidak ada yang membutuhkan.
Aristarkh Chernyshev dan Alexei Shulgin, instalasi “Salib Berbicara Besar”
Anatoly Osmolovsky, pemenang Hadiah Kandinsky 2007 dalam kategori “Artis Tahun Ini”, salah satu perwakilan paling menonjol dari aksiisme Moskow, rektor Institut Seni Kontemporer Moskow “Baza”»
Seni kontemporer, seperti semua seni rupa, berbeda dari semua bentuk lain seperti sastra, teater, musik, dan sinema dalam hal seni ini berkaitan dengan penciptaan objek-objek unik. Hal ini memberinya kebebasan yang lebih besar dari masyarakat. Agar seorang seniman dapat hidup dan berkarya, ia harus memiliki satu atau tiga penggemar kaya yang akan membeli karya seninya dan memberinya kesempatan untuk berkarya. Kemandirian dari masyarakat menjadi alasan utama mengapa seni rupa kontemporer merupakan seni paling eksperimental dari semua jenis seni lainnya yang ada saat ini. Tentu saja, eksperimen dan penciptaan objek yang tidak biasa memerlukan penciptaan bahasa ilmiah yang kompleks untuk mendeskripsikannya. Banyak penonton, dihadapkan pada objek-objek seni rupa kontemporer yang tidak bisa dipahami, berharap mendapat penjelasan dalam berbagai teks, yang ternyata juga “tertutup rapat” dari pemahaman. Seni kontemporer adalah disiplin yang sangat ketat, tidak mungkin untuk berlatih di sini, seperti kata pepatah, “apa yang Anda inginkan, lakukanlah”. Dalam seni modern, seperti dalam sains, fisika atau matematika, terdapat algoritma penyelesaian tertentu, namun dalam seni terdapat lebih banyak kebebasan dan ruang untuk penyelesaian. Kalau masyarakat mau mendalaminya, bisa saja. Saya yakin ini akan memakan waktu sekitar dua tahun. Pertama, pemahaman analitis tentang sejarah seni rupa diperlukan, dan kedua, observasi. Tidak ada perbedaan yang mencolok antara seni modern dan seni klasik. Ini adalah hal-hal yang saling berhubungan – seni modern muncul dari seni klasik dan merupakan bagian yang tidak terpisahkan. Oleh karena itu observasi sangat penting dalam seni klasik. Anda perlu mengetahui seni klasik dengan baik, memahami prinsip-prinsip perkembangan dan transformasi sejarahnya. Seni memiliki tingkat pengembalian yang sangat tinggi jika Anda berinvestasi pada seniman yang menjanjikan. Pekerjaan mereka mungkin murah pada awalnya, tetapi setelah 10 tahun, biayanya mungkin 1000 atau 10,000 kali lebih mahal. “Ketertutupan” dan “ketidakjelasan” memainkan peran yang sangat penting dalam menyaring berbagai spekulan, orang-orang yang ingin mendapatkan uang dengan mudah dari seni.
Yin Xiuzhen, Suhu instalasi
Konstantin Grouss, direktur artistik, direktur proyek budaya internasional "Art-Residence" dan proyek tersebutNOLMenariGaleri
Saya ingin menjawab ini: penonton berlari ke perpustakaan atau ke gurunya dengan pertanyaan “Apa itu tadi?” Namun, tidak semua orang lari. Pengalaman pribadi dan latar belakang budaya menentukan reaksi terhadap kesalahpahaman. Segala sesuatu dan semua orang dapat dipahami - tergantung pada artisnya apakah ia dapat membangkitkan “Saya ingin memahami” ini di benak penonton dari keselarasan kode budaya. Seni adalah bahasa senimannya, jadi bukan Apa dan Bagaimananya, melainkan Siapa yang menentukan kekuatan medium seniman itu, yang menghubungkan berbagai bidang ilmu pengetahuan. Pemirsa berbeda dari pemirsa dalam hal ketajaman visual dan pendengaran, totalitas pengalaman hidup dan suasana hati pada saat itu. Banyak upaya untuk memprediksi reaksi jelas penonton telah gagal, bahkan di antara artis yang paling sempurna sekalipun. Baik dalam bidang seni rupa maupun dalam bidang teater, tari, musik. Oleh karena itu, reaksi terhadap seni bergantung pada reaksi terhadap mediumnya (kode budaya total seniman dan karyanya. - Catatan Grouss), termasuk kepribadian seniman itu sendiri, yang dalam seni, khususnya seni modern, lebih penting daripada bahasanya. Respons terbaik, menurut saya, adalah pemirsa mencoba menyampaikan pesan artis dengan kata-katanya sendiri. Oleh karena itu, pernyataan “Saya juga bisa melakukan ini!” Saya menganggapnya sebagai konsekuensi kesalahpahaman yang layak, karena hal itu menimbulkan pertanyaan balasan di dalam hati - “Bisakah saya?”
Paviliun Rusia Biennale Venesia XIII
Menurut A.P. Chekhov. Selama Pekan Suci, keluarga Laptev berada di sekolah seni di sebuah pameran seni... Masalah persepsi seni
Teks asli
(1) Selama Pekan Suci, keluarga Laptev berada di sekolah seni untuk sebuah pameran seni.
(2) Laptev mengetahui nama semua seniman terkenal dan tidak melewatkan satu pameran pun. (3) Kadang-kadang di musim panas di dacha dia sendiri melukis pemandangan dengan cat, dan menurutnya dia memiliki selera yang bagus dan jika dia belajar, dia mungkin akan menjadi seniman yang baik. (4) Di rumahnya dia punya lukisan yang ukurannya semakin besar, tapi jelek; yang baik digantung dengan buruk. (3) Dia berulang kali harus membayar mahal untuk barang-barang yang kemudian ternyata palsu. (6) Dan sungguh luar biasa bahwa, secara umum ia pemalu dalam hidup, ia sangat berani dan percaya diri di pameran seni. (7) Mengapa?
(8) Yulia Sergeevna memandang lukisan-lukisan itu, seperti suaminya, melalui tinjunya atau melalui teropong dan terkejut karena orang-orang di dalam lukisan itu tampak seperti hidup, dan pepohonan tampak seperti asli; tetapi dia tidak mengerti, sepertinya ada banyak lukisan serupa di pameran itu dan bahwa tujuan seni sebenarnya adalah agar di dalam lukisan itu, ketika Anda melihatnya dengan kepalan tangan, orang dan benda tampak menonjol. jika itu nyata.
(9) “Ini hutan Shishkin,” suaminya menjelaskan padanya. (10) - Dia selalu menulis hal yang sama... (11) Tapi perhatikan: salju ungu seperti itu tidak pernah terjadi... (12) Dan lengan kiri anak ini lebih pendek dari tangan kanannya.
(13) Ketika semua orang lelah dan Laptev pergi mencari Kostya untuk pulang, Yulia berhenti di depan sebuah pemandangan kecil dan memandangnya dengan acuh tak acuh. (14) Di latar depan ada sungai, di belakangnya ada jembatan kayu, di seberang ada jalan setapak yang menghilang ke dalam rerumputan gelap, sebuah ladang, lalu di sebelah kanan ada sebidang hutan, di dekatnya ada api: mereka harus menjaganya di malam hari. (15) Dan di kejauhan fajar menyingsing.
(1b) Julia membayangkan bagaimana dia sendiri berjalan menyusuri jembatan, lalu menyusuri jalan setapak, semakin jauh, dan sekelilingnya sunyi, kedutan mengantuk menjerit, api berkedip-kedip di kejauhan. (17) Dan untuk beberapa alasan tiba-tiba dia merasa bahwa dia telah melihat awan yang sama yang membentang di bagian merah langit, dan hutan, dan ladang di masa lalu, dia merasa kesepian, dan dia ingin pergi dan berjalan di sepanjang jalan setapak; dan di mana fajar menyingsing, terdapat refleksi dari sesuatu yang tidak wajar, abadi.
(18) - Betapa bagusnya tulisannya! - katanya, terkejut karena gambar itu tiba-tiba menjadi jelas baginya. (19) - Lihat, Alyosha! (20) Apakah Anda memperhatikan betapa sepinya di sini?
(21) Dia mencoba menjelaskan mengapa dia sangat menyukai pemandangan ini, tetapi baik suaminya maupun Kostya tidak memahaminya. (22) Dia terus memandangi pemandangan itu dengan senyuman sedih, dan kenyataan bahwa orang lain tidak menemukan sesuatu yang istimewa di dalamnya membuatnya khawatir. (23) Kemudian dia kembali berjalan melewati aula dan memeriksa lukisan-lukisan itu, dia ingin memahaminya, dan dia tidak lagi merasa bahwa ada banyak lukisan serupa di pameran itu. (24) Ketika dia, kembali ke rumah, untuk pertama kalinya memperhatikan gambar besar yang tergantung di aula di atas piano, dia merasakan permusuhan terhadapnya dan berkata:
(25) - Saya ingin sekali memiliki foto seperti itu!
(26) Dan setelah itu, cornice emas, cermin Venesia dengan bunga dan lukisan seperti yang digantung di atas piano, serta diskusi suaminya dan Kostya tentang seni membangkitkan rasa bosan, jengkel, dan terkadang bahkan kebencian dalam dirinya.
(Menurut A.P. Chekhov)
Informasi teks
Komposisi
Pernahkah Anda memperhatikan bahwa satu gambar membuat Anda acuh tak acuh, dan di depan gambar lain Anda membeku dalam keheningan yang penuh hormat, beberapa melodi terdengar tanpa menyakiti perasaan Anda sama sekali, sementara yang lain membuat Anda sedih atau bahagia. Mengapa ini terjadi? Bagaimana seseorang memandang seni? Mengapa sebagian orang membenamkan diri dalam dunia ciptaan sang seniman, sementara sebagian lainnya tetap tuli terhadap dunia kecantikan? Kutipan dari cerita A.P. Chekhov “Tiga Tahun” membuat saya berpikir tentang masalah persepsi seni.
A.P. Chekhov berbicara tentang bagaimana keluarga Laptev mengunjungi pameran seni. Kepala sekolah mengetahui nama semua seniman terkenal, tidak melewatkan satu pameran pun, dan terkadang melukis pemandangan sendiri. Istrinya di awal bagian “memandang lukisan seperti suaminya”, menurutnya tujuan seni adalah untuk “membuat orang dan benda menonjol seolah-olah nyata.” Sang suami hanya memperhatikan hal-hal negatif dalam lukisan: “salju ungu seperti itu tidak pernah terjadi”, atau lengan kiri anak laki-laki itu lebih pendek dari tangan kanannya. Dan hanya sekali Yulia Sergeevna menemukan esensi seni yang sebenarnya. Di depannya ada pemandangan biasa dengan sungai, jembatan kayu, jalan setapak, hutan, dan api, tetapi tiba-tiba dia melihat bahwa "di mana fajar menyingsing, cerminan dari sesuatu yang tidak wajar, abadi". Untuk sesaat, tujuan sebenarnya dari seni terungkap kepadanya: untuk membangkitkan perasaan, pikiran, dan pengalaman khusus dalam diri kita.
Chekhov adalah salah satu penulis yang tidak memberi kita solusi siap pakai, dia memaksa kita untuk mencarinya. Jadi, dengan merenungkan bagian itu, menurut saya, saya memahami posisinya terhadap masalah tujuan seni, persepsinya. Seni dapat menceritakan banyak hal kepada orang yang sensitif, membuatnya berpikir tentang hal yang paling misterius dan intim, membangkitkan perasaan terbaik dalam dirinya.
Saya setuju dengan interpretasi tentang dampak seni terhadap manusia. Sayangnya saya belum sempat mengunjungi museum-museum besar atau konser musik klasik, maka saya izinkan diri saya mengacu pada pendapat para penulis, karena banyak karya yang penulis coba mengungkap misteri persepsi manusia terhadap seni. .
Salah satu bab dari buku D. S. Likhachev “Letters about the Good and the Beautiful” berjudul “Understanding Art.” Di dalamnya penulis berbicara tentang betapa besarnya peran seni dalam kehidupan manusia, bahwa seni adalah “keajaiban yang luar biasa”. Menurutnya, seni memegang peranan besar dalam kehidupan seluruh umat manusia. Likhachev berpendapat bahwa kita harus belajar memahami seni. Diberikan karunia pemahaman seni, seseorang menjadi lebih baik secara moral, dan karena itu lebih bahagia, karena dihargai melalui seni dengan karunia pemahaman yang baik tentang dunia, orang-orang di sekitarnya, masa lalu dan jauh, seseorang lebih mudah dibuat. berteman dengan orang lain, dengan budaya lain, dengan kebangsaan lain, hidupnya lebih mudah.
A. I. Kuprin menulis dalam “Gelang Garnet” tentang bagaimana seni dapat mempengaruhi jiwa manusia. Putri Vera Sheina, kembali setelah mengucapkan selamat tinggal kepada Zheltkov, yang bunuh diri, agar tidak mengganggu orang yang sangat dia cintai, meminta teman pianisnya memainkan sesuatu untuknya, yakin dia akan mendengar lagu Beethoven.
sepotong yang diwariskan Zheltkov padanya untuk didengarkan. Dia mendengarkan musik dan merasakan jiwanya bersukacita. Dia mengira cinta yang besar telah berlalu begitu saja, yang terulang hanya sekali dalam seribu tahun, kata-kata tersusun dalam benaknya, dan pikirannya bertepatan dengan musik. “Dikuduskanlah namamu,” musik itu seakan berkata kepadanya. Melodi yang luar biasa itu sepertinya mengikuti kesedihannya, tetapi melodi itu juga menghiburnya, sama seperti Zheltkov menghiburnya.
Ya, hebatnya kekuatan seni yang sebenarnya, kekuatan dampaknya. Ia dapat mempengaruhi jiwa seseorang, memuliakannya, meninggikan pikiran.
Lebih banyak argumen.
Sebuah cerita pendek karya V. P. Astafiev, “A Far and Near Fairy Tale,” menceritakan bagaimana musik lahir dan apa dampaknya terhadap seseorang. Saat masih kecil, narator mendengar biola. Pemain biola memainkan komposisi Oginsky, dan musik ini mengejutkan pendengar muda. Pemain biola menceritakan kepadanya bagaimana melodi itu lahir. Komposer Oginsky menulisnya, mengucapkan selamat tinggal pada tanah airnya, berhasil menyampaikan kesedihannya dalam suara, dan sekarang membangkitkan perasaan terbaik dalam diri orang-orang. Komposernya sendiri sudah tidak ada lagi, pemain biola, yang memberikan momen indah kepada pendengar untuk memahami keindahan, meninggal, anak laki-laki itu tumbuh besar... Suatu hari di depan dia mendengar suara organ. Musik yang sama terdengar, polonaise Oginsky yang sama, tetapi di masa kanak-kanak menyebabkan air mata, keterkejutan, dan sekarang melodinya terdengar seperti seruan perang kuno, memanggil ke suatu tempat, memaksa seseorang untuk melakukan sesuatu, sehingga api perang akan padam, jadi agar orang-orang tidak berkerumun di dekat reruntuhan yang terbakar, agar mereka masuk ke dalam rumahnya, di bawah atap, kepada kerabat dan orang-orang yang dicintainya, agar langit, langit abadi kita, tidak melontarkan ledakan dan terbakar dengan api neraka.
K. G. Paustovsky menceritakan dalam cerita “Keranjang Cemara” tentang komposer Grieg dan kesempatannya bertemu dengan gadis kecil Dagny. Gadis kecil yang manis itu mengejutkan Grieg dengan spontanitasnya. “Aku akan memberimu satu hal,” sang komposer berjanji pada gadis itu, “tapi itu akan terjadi dalam sepuluh tahun.” Sepuluh tahun berlalu, Dagny tumbuh dewasa dan suatu hari di sebuah konser musik simfoni dia mendengar namanya. Komposer hebat itu menepati janjinya: dia mendedikasikan sebuah drama musikal untuk gadis itu, yang menjadi terkenal. Setelah konser, Dagny, yang terkejut dengan musiknya, berseru: "Dengar, hidup, aku mencintaimu." Dan inilah kata-kata terakhir dari kisah ini: “...hidupnya tidak akan sia-sia.”
6. “Potret” Gogol. Artis Chartkov di masa mudanya memiliki bakat yang cukup besar, tetapi dia ingin mendapatkan segalanya dari kehidupan sekaligus. Suatu hari dia menemukan potret seorang lelaki tua dengan mata yang sangat lincah dan menakutkan. Dia bermimpi menemukan 1000 dukat. Keesokan harinya mimpi ini menjadi kenyataan. Tetapi uang itu tidak membawa kebahagiaan bagi sang seniman: dia membeli nama untuk dirinya sendiri dengan menyuap penerbit, mulai melukis potret orang-orang yang berkuasa, tetapi dia tidak punya apa-apa lagi yang tersisa dari percikan bakatnya. Seniman lain, temannya, memberikan segalanya untuk seni, dia terus belajar. Ia sudah lama tinggal di Italia, menghabiskan waktu berjam-jam berdiri di depan lukisan seniman-seniman hebat, mencoba memahami rahasia kreativitas. Lukisan seniman ini, yang dilihat Chartkov di pameran, indah sekali, mengejutkan Chartkov. Dia mencoba melukis gambar nyata, tetapi bakatnya sia-sia. Sekarang dia membeli mahakarya lukisan dan, dalam keadaan gila, menghancurkannya. Dan hanya kematian yang dapat menghentikan kegilaan yang merusak ini.
Menurut I. Bunin. Berdasarkan buku cerita. Berbaring di lantai pengirikan di tukang sapu, saya membaca lama sekali... Tentang tujuan seni
(1) Berbaring di lantai pengirikan dalam saringan, saya membaca lama sekali - dan tiba-tiba saya marah. (2) Saya sudah membaca lagi sejak pagi hari, lagi-lagi dengan sebuah buku di tangan saya! (3) Dan hari demi hari, sejak kecil! (4) Separuh hidupnya ia jalani di suatu dunia yang tidak ada, di antara orang-orang yang tidak pernah ada, dibuat-buat, khawatir akan nasibnya, suka dan dukanya, seolah-olah ia miliknya sendiri, hingga kubur yang menghubungkan dirinya dengan Ibrahim. dan Isaac, dengan Pelasgia dan Etruria, dengan Socrates dan Julius Caesar, Hamlet dan Dante, Gretchen dan Chatsky, Sobakevich dan Ophelia, Pechorin dan Natasha Rostova! (5) Dan bagaimana sekarang aku bisa memilah antara teman-teman nyata dan fiktif dalam keberadaanku di dunia? (6) Bagaimana cara memisahkannya, bagaimana menentukan sejauh mana pengaruhnya terhadap saya?
(7) Saya membaca, hidup dengan penemuan orang lain, tetapi ladang, perkebunan, desa, manusia, kuda, lalat, lebah, burung, awan - semuanya menjalani kehidupan nyatanya sendiri. (8) Maka saya tiba-tiba merasakan ini dan terbangun dari obsesi buku saya, melemparkan buku itu ke dalam sedotan dan dengan terkejut dan gembira, dengan mata baru, saya melihat sekeliling, saya melihat dengan tajam, mendengar, mencium, - yang paling penting, Saya merasakan sesuatu yang luar biasa sederhana dan sekaligus luar biasa rumit, hal yang dalam, menakjubkan, tidak dapat diungkapkan yang ada dalam hidup dan dalam diri saya dan yang tidak pernah ditulis dengan baik di buku.
(9) Saat saya membaca, diam-diam terjadi perubahan di alam. (10) Cuaca cerah dan meriah; sekarang semuanya gelap dan sunyi. (11) Sedikit demi sedikit awan dan awan berkumpul di langit, di beberapa tempat terutama di selatan masih cerah dan indah, namun di barat, di belakang desa, di balik tanaman merambat, hujan, kebiruan, membosankan. (12) Aroma hangat dan lembut dari hujan di kejauhan. (13) Seekor oriole sedang bernyanyi di taman.
(14) Seorang laki-laki kembali dari pekuburan melalui jalan kering berwarna ungu yang membentang antara tempat pengirikan dan taman. (15) Di bahunya ada sekop besi berwarna putih yang ditancapkan tanah berwarna biru kehitaman. (16) Wajahnya lebih muda, jernih. (17) Topi dilepas dari dahi yang berkeringat.
(18) - Aku menanam semak melati pada gadisku! - katanya riang. - Kesehatan yang baik. (19) Apakah Anda membaca semuanya, mengarang semua buku?
(20) Dia bahagia. (21) Apa? (22) Hanya karena dia hidup di dunia, yaitu dia melakukan sesuatu yang paling tidak dapat dipahami di dunia.
(23) Seekor oriole sedang bernyanyi di taman. (24) Segalanya menjadi sunyi, sunyi, Anda bahkan tidak bisa mendengar suara ayam jantan. (25) Dia bernyanyi sendirian, perlahan-lahan membuat getaran yang lucu. (26) Mengapa, untuk siapa? (27) Apakah kebun, tanah milik diri sendiri, untuk kehidupan yang telah dijalani seratus tahun? (28) Atau mungkin perkebunan ini hidup karena nyanyian serulingnya?
(29) “Aku menanam semak melati pada gadisku.” (30) Apakah gadis itu mengetahui hal ini? (31) Pria itu mengira dia tahu, dan mungkin dia benar. (32) Pada malam hari manusia akan melupakan semak ini - untuk siapa semak itu akan mekar? (33) Tetapi ia akan mekar, dan nampaknya itu bukan untuk apa-apa, melainkan untuk seseorang dan untuk sesuatu.
(34) “Kamu membaca segalanya, kamu menciptakan semua buku.” (35) Mengapa menciptakan? (36) Mengapa pahlawan wanita dan pahlawan? (37) Mengapa sebuah novel, sebuah cerita, dengan awal dan akhir? (38) Ketakutan abadi karena terlihat tidak cukup kutu buku, tidak cukup mirip dengan orang-orang terkenal! (39) Dan siksaan kekal adalah berdiam diri selamanya, tidak berbicara secara tepat tentang apa yang benar-benar milikmu dan satu-satunya hal yang nyata, yang memerlukan ekspresi yang paling sah, yaitu penelusuran, perwujudan dan pelestarian, setidaknya dengan kata-kata!
Komposisi
Sungguh kisah yang luar biasa dari A.P. Chekhov! Seperti biasa dengan penulis ini, Anda tidak langsung memahami apa yang ingin dia katakan melalui karyanya, pertanyaan apa yang dia ajak Anda pikirkan.
Musim panas. Pahlawan liris membaca sebuah buku, yang tiba-tiba dia buang dengan marah: “Saya menjalani separuh hidup saya di dunia yang tidak ada, di antara orang-orang yang tidak pernah ada, berbaikan, mengkhawatirkan nasib mereka, suka dan duka mereka, seolah-olah itu adalah milikku...” Tampaknya dia telah terbangun dari obsesi buku dan melihat dengan pandangan baru pada “hal-hal yang dalam, menakjubkan, dan tak dapat diungkapkan yang ada dalam kehidupan.” Ada alam yang indah di sekelilingnya, lanskap yang selalu berubah. Wajah baru muncul: seorang pria dengan wajah jernih dan segar. “Saya menanam semak melati pada gadis saya,” katanya. Kami memahami bahwa dia menanam semak ini di makam putrinya. Jadi mengapa harus bahagia? Kami bingung bersama dengan sang pahlawan. Dan kemudian muncul pemahaman: gadis itu tidak akan tahu tentang semak ini, tetapi semak itu akan mekar “bukan tanpa alasan, tetapi untuk seseorang dan untuk sesuatu.” Dan kembali lagi ke pemikiran sebelumnya: mengapa menulis novel dan cerita? Dan di sinilah wawasan muncul: masalah yang sangat mengkhawatirkan baik pahlawan Chekhov maupun penulisnya sendiri adalah masalah tujuan seni. Mengapa seseorang perlu mengekspresikan dirinya dalam buku, puisi, musik, lukisan? Beginilah cara saya merumuskan pertanyaan yang muncul dari pemikiran pahlawan liris.
Dan jawabannya ada pada kalimat terakhir teks tersebut: “Dan siksaan kekal adalah berdiam diri selamanya, tidak berbicara tentang apa yang benar-benar milikmu dan satu-satunya hal yang nyata, yang membutuhkan ekspresi yang paling sah, yaitu menelusuri, perwujudan dan pelestarian, setidaknya dalam satu kata! » Posisi penulis, jika diungkapkan dengan kata lain, adalah sebagai berikut: tujuan kreativitas, tujuan seni adalah untuk memberi tahu orang-orang apa yang membuat Anda khawatir, untuk mengungkapkan perasaan yang Anda alami, untuk meninggalkan “jejak perwujudan” di bumi.
Pertanyaan tentang tujuan seni membuat khawatir banyak penulis. Mari kita ingat
A.S.Pushkin. Dalam puisi “Nabi”, “Suara Tuhan” menghimbau penyair:
“Bangunlah, wahai Nabi, dan lihatlah serta dengarkan,
Dipenuhi oleh keinginanku,
Dan, melewati lautan dan daratan,
Bakar hati orang-orang dengan kata kerja.”
“Membakar hati orang dengan kata kerja” berarti membangkitkan dalam diri mereka rasa haus akan kehidupan yang lebih baik, akan perjuangan. Dan dalam puisi “Aku mendirikan sebuah monumen untuk diriku sendiri yang tidak dibuat dengan tangan…”, yang ditulis sesaat sebelum kematiannya, penyair menegaskan kehebatan sebuah monumen puitis dibandingkan dengan cara lain untuk mengabadikan pahala.
Seseorang yang diberi bakat oleh Tuhan untuk mengatakan sesuatu kepada orang lain tidak bisa tinggal diam. Jiwanya menuntut untuk meninggalkan bekas di bumi, untuk mewujudkan dan melestarikan “aku”-nya dalam kata-kata, dalam suara, dalam lukisan, dalam pahatan…
Fokus kami adalah pada teks penulis terkemuka Soviet dan Rusia Viktor Petrovich Astafiev, yang menggambarkan masalah moral pengabaian seni, yang merupakan salah satu tragedi utama masyarakat modern.
Relevansi masalah ini sangat penting, karena nilai-nilai masyarakat modern sungguh menakutkan. Kurangnya kesadaran, ketergesaan, siklus pengalaman pribadi dan pencarian sehari-hari akan sesuatu yang lebih berharga telah mengubah sebagian besar dari kita menjadi masyarakat “buta”. Namun sebenarnya, kapan terakhir kali Anda menghadiri produksi teater, konser simfoni, atau balet? Mungkin, dalam perjalanan pulang kerja, Anda mampir di konser jalanan yang menyenangkan dan dengan demikian membangkitkan semangat Anda? Akankah kita masing-masing mampu menjawab pertanyaan-pertanyaan ini secara positif? Saya pikir jawabannya sudah jelas.
Posisi penulisnya jelas: generasi muda telah kehilangan kontak dengan seni dan berubah menjadi egois. Jadi, dengan menggunakan contoh konser simfoni di Essentuki, Viktor Petrovich menceritakan: “... sudah dari pertengahan bagian pertama konser, para pendengar, yang memadati aula untuk acara musik hanya karena gratis , mulai meninggalkan aula.
Ya, andai saja mereka meninggalkannya begitu saja, diam-diam, hati-hati, tidak, dengan kemarahan, teriakan, caci-maki, seolah-olah mereka telah tertipu dalam nafsu dan impian terbaik mereka.” Saat membaca bagian ini, saya merasakan rasa malu dan malu bagi semua orang yang membiarkan diri mereka pergi dengan sikap menantang.
Saya memahami dan sependapat dengan posisi penulis, karena masing-masing dari kita memiliki hobi, pekerjaan, dan kita memperlakukannya dengan telaten dan penuh cinta. Siapa yang tidak tersinggung dengan sikap terhadap pekerjaan yang di dalamnya begitu banyak tenaga dan jiwa diinvestasikan. Ya, musik klasik tidak dapat dipahami oleh semua orang; musik klasik adalah bagian dari budaya elit dan memerlukan persiapan intelektual tertentu. Tapi kita tidak boleh melupakan pendidikan, rasa hormat dan segala sesuatu yang seharusnya menghentikan penonton ini pada waktunya.
Relevansi masalah ini juga terlihat jelas bagi Anton Pavlovich Chekhov, yang selalu menentang penghuni kehidupan yang ingin pensiun dari dunia dan tidak tertarik pada apa pun. Dengan bantuan para pahlawan karya “Man in a Case” dan “Gooseberry” oleh Belikov dan Himalayan, penulis menunjukkan kepada kita betapa membosankan dan kosongnya seseorang yang tidak tertarik pada keindahan dunia di sekitarnya, segala sesuatunya. pesona yang diciptakan oleh manusia dan alam.
Ibu saya bercerita bahwa sebagai seorang bayi saya hanya tertidur karena musik klasik, dan di kelas satu saya menghadiri konser di Philharmonic untuk pertama kalinya dan sangat antusias sehingga keesokan harinya saya terdaftar di klub piano. Saya belajar di sana sampai kelas delapan, dan sekarang saya sering bermain musik dan mendengarkan karya-karya klasik. Mungkin ini membuat saya kuno, tetapi bagi saya seni, baik itu musik, arsitektur atau lukisan, adalah makanan spiritual yang pertama dan terutama, di mana, setelah diperiksa dengan cermat, Anda dapat melihat refleksi dari penulisnya atau, jika beruntung, diri Anda sendiri. ...
Oleh karena itu, Anda tidak boleh kehilangan benang tipis dalam diri Anda, yang akan menyelamatkan Anda dari banyak kesulitan. Saya pikir organisasi mental apa pun adalah masalah halus yang memiliki kelemahannya sendiri, oleh karena itu kita harus menjaga dalam diri kita konsep-konsep seperti berhemat, menghargai karya orang lain, dan kemauan untuk merenung dan mencipta. Hanya dengan berkembang dan meningkat secara spiritual kita dapat menganggap diri kita sebagai individu yang utuh.
Diperbarui: 18-03-2017
Perhatian!
Terima kasih atas perhatian Anda.
Jika Anda melihat kesalahan atau kesalahan ketik, sorot teks tersebut dan klik Ctrl+Masuk.
Dengan melakukan hal ini, Anda akan memberikan manfaat yang sangat berharga bagi proyek dan pembaca lainnya.
Setelah membaca buku, melihat lukisan, mendengarkan musik, seseorang seringkali merasa bingung. "Tidak dapat memahami apa pun!" - pembaca, penonton atau pendengar berseru kecewa. Namun, apakah ia berusaha memahami maksud pengarangnya ataukah ia mengharapkan segala sesuatu dalam sebuah karya seni harus jelas dan tepat? Di sini kita dihadapkan pada masalah pemahaman seni rupa yang menjadi pokok bahasan teks...
Anda juga harus memperhatikan arti bahasa, yang dapat digunakan di bagian pendahuluan esai.
1. Kesatuan tanya-jawab. Pakar retorika menyarankan untuk memasukkan unsur dialog ke dalam berbicara di depan umum. Dialog tidak ada salahnya dalam komposisi, akan membuat penampilan lebih energik. Misalnya:
Apa itu keindahan? Ini mungkin salah satu konsep paling misterius dalam sejarah kebudayaan. Banyak generasi orang yang bergumul dengan teka-teki ini. Seniman, pematung, penyair berusaha memahami rahasia keindahan dan harmoni. Teks karya V. Sukhomlinsky membuat kita berpikir tentang apa itu keindahan dan apa perannya dalam kehidupan manusia.
2. Rangkaian kalimat interogatif. Beberapa kalimat tanya di awal esai dirancang untuk memusatkan perhatian pada konsep-konsep kunci teks sumber dan menonjolkan hal utama di dalamnya.
Apa itu bakat? Bagaimana seharusnya seseorang hidup agar tidak menyia-nyiakan pemberiannya? Pertanyaan seperti itu tanpa sadar muncul setelah membaca teks karya Yu.Bashmet.
3. Kalimat nominatif (topik nominatif).
Kalimat judul di awal juga harus memuat konsep kunci atau nama orang yang dijelaskan dalam teks sumber.
Marina Tsvetaeva. Nama ini disukai semua orang yang menghargai puisi nyata. Bagi saya, sulit menemukan seseorang yang akan dibiarkan acuh tak acuh oleh puisi Tsvetaeva. Kritikus sastra Evgeny Borisovich Tager adalah salah satu dari mereka yang cukup beruntung bisa mengenal Marina Ivanovna secara pribadi. Dalam memoarnya, ia berusaha mengungkap dunia batin penyair yang luar biasa ini.
4. Sebuah pertanyaan retoris. Tidak semua kalimat interogatif merupakan pertanyaan retoris. Pertanyaan retoris adalah kalimat yang berbentuk interogatif dan bermakna afirmatif.
Siapa di antara kita yang belum pernah mendengar bahwa kebenaran lahir dari perselisihan? Anda mungkin pernah menjumpai orang-orang yang suka berdebat dan siap berdebat sampai mereka serakah karena hal kecil apa pun. Tentu saja, ada berbagai cara untuk melakukan perselisihan, yang dibahas L. Pavlova dalam teksnya.
5. Sebuah seruan retoris diungkapkan emosi penulis: kegembiraan, keterkejutan, kekaguman... menarik perhatian pada subjek pembicaraan.
Betapa indahnya bahasa Rusia! Banyak sekali kata-kata di dalamnya yang mampu mengungkapkan pemikiran terdalam atau bayangan perasaan apa pun! Mengapa terkadang, ketika seseorang mengambil selembar kertas atau duduk di depan komputer, hanya frasa-frasa membosankan yang muncul di kepalanya? Apa penyebab munculnya klise dalam pidato kita? Masalah ini mengkhawatirkan setiap orang yang benar-benar menuntut diri sendiri dan budaya bicaranya.
INGAT bahwa tidak ada pengantar “universal” yang sesuai dengan teks apa pun. Biasanya, pembukaan yang dirumuskan terlihat buruk dengan latar belakang bagian utama yang mengikutinya.
Bagaimana cara menyelesaikannya?
Biasanya, kesimpulan ditulis pada saat waktu tersisa sedikit sampai akhir ujian. Seringkali penulis mulai merasa gugup, takut dia tidak punya waktu untuk menulis ulang teks sepenuhnya, dan menghentikan esai di tengah kalimat. Tentu saja, karya tersebut cacat dari sudut pandang integritas komposisi, yang berarti tidak akan mendapatkan nilai maksimal untuk kriteria ini.
Syarat utama bagian akhir esai dapat dirumuskan sebagai berikut: kesimpulan harus sedemikian rupa sehingga pembaca memahami bahwa hal terpenting telah dikatakan dan tidak ada lagi yang perlu dikatakan.
Jadi apa yang bisa terjadi bagian akhir esai?
1. Ringkasan, pengulangan dalam bentuk umum gagasan pokok teks, posisi pengarang. Ini adalah jenis kesimpulan yang paling umum: kembali ke gagasan utama penulis, ungkapkan dengan kata-kata Anda sendiri, sehingga tidak tampak seperti pengulangan sederhana dari hal yang sama.
...Oleh karena itu, A. Likhanov mengangkat sebuah isu yang penting bagi kita masing-masing, menyerukan untuk melestarikan masa kanak-kanak dalam jiwa, tidak meninggalkan persepsi hidup yang menyenangkan, kekanak-kanakan, dan langsung di masa lalu. Tapi dunia di sekitar kita sungguh indah. Hanya saja, seiring bertambahnya usia, orang sering kali melupakan hal ini.