Lukisan karya seniman Amerika. Lukisan Amerika kontemporer - hal paling menarik di blog
Teman-teman, kami mencurahkan jiwa kami ke dalam situs ini. Terima kasih untuk itu
bahwa Anda menemukan keindahan ini. Terima kasih atas inspirasi dan merindingnya.
Bergabunglah dengan kami Facebook Dan Dalam kontak dengan
Titik terang, percikan cahaya, udara berkilau - para seniman ini melihat dunia sebagai sesuatu yang sangat indah dan penuh warna.
situs web menawarkan pandangan dunia melalui mata para penyihir ini. Kami memberikan kepada Anda pilihan lukisan karya impresionis kontemporer yang ahli menguasai warna dan cahaya.
Karya seniman Bulgaria Tsviatko Kinchev dalam gaya impresionis adalah lukisan digital: dibuat di komputer dengan Photoshop. Kreasi seniman yang luar biasa indahnya menonjolkan keindahan dan kecerahan dunia sekitarnya.
Seniman Belanda William Henrits bekerja dalam cat air, akrilik, dan pastel. Ciptaannya adalah kelembutan yang luar biasa, dering udara yang dihembuskan warnanya, garis-garisnya yang anggun. Karya William dikenal di seluruh dunia dalam bentuk poster dan litograf berkualitas tinggi.
Yuri Petrenko lahir di Sochi. Dia telah melukis secara profesional selama sekitar 20 tahun. Warna-warna yang kaya, rumah-rumah lucu, kapal dan laut. Lukisannya membangkitkan terik matahari dan angin asin. Karya-karyanya menjadi koleksi pribadi di hampir seluruh negara di dunia.
Seniman Armenia Hovik Zohrabyan dilahirkan dalam keluarga seniman dan pematung terkenal Nikoghos Zohrabyan. Di balik ciri khas guratan impresionisme, muncul gaya unik sang seniman sendiri. Kota-kota penuh warna yang nyaman dan rumah-rumah cerah dipenuhi dengan sinar matahari dan kebahagiaan.
Linda Wilder adalah seniman Kanada. Linda suka melukis pemandangan, dan pisau palet adalah salah satu alat favoritnya. Dengan sapuan kuas yang cerah dan tepat, corak dan garis yang halus, lukisan Linda menjadi koleksi perusahaan dan pribadi di Kanada dan di seluruh dunia.
Seniman keturunan Tionghoa-Amerika Ken Hong Lung memiliki selera warna yang tajam dan tahu cara menyampaikan keajaiban perdamaian. Desa nelayan dan lanskap pesisirnya menjadi sensasi di kalangan seni Hong Kong. Ken dianggap sebagai salah satu seniman neo-impresionis terbaik dunia. Ia disebut sebagai ahli lanskap terpesona, suasana hati yang indah, dan pantulan cahaya dan warna yang ajaib.
Johan Messeli tinggal dan bekerja di Belgia. Lukisannya mencerminkan dunia nyaman halaman provinsi yang teduh, gerbang tua, dan jendela bagus. Johan tahu cara menyampaikan kedamaian dan kebahagiaan yang tenang dengan usapan yang asal-asalan. Seniman itu bekerja di bidang minyak dan pastel.
Jill Charuk adalah seniman kontemporer Kanada. Dia bekerja di industri pakaian dan interior selama dua puluh tahun. Dia suka melebih-lebihkan warna dan meningkatkan kontras. Lukisannya yang dinamis telah mendapat pengakuan internasional dan termasuk dalam koleksi seni kontemporer di Amerika Utara, Meksiko, dan Eropa. Jill melukis terutama dengan minyak dan akrilik.
Seniman Amerika sangat beragam. Beberapa jelas bersifat kosmopolitan, seperti Sargent. Berasal dari Amerika, tetapi menjalani hampir seluruh masa dewasanya di London dan Paris.
Di antara mereka ada juga orang Amerika asli yang hanya menggambarkan kehidupan rekan senegaranya, seperti Rockwell.
Dan ada juga artis yang bukan dari dunia ini, seperti Pollock. Atau mereka yang karya seninya menjadi produk masyarakat konsumen. Ini tentu saja tentang Warhol.
Namun, mereka semua adalah orang Amerika. Mencintai kebebasan, berani, cerdas. Baca tentang tujuh di antaranya di bawah ini.
1.James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Potret diri. Institut Seni 1872 di Detroit, AS. Whistler hampir tidak bisa disebut orang Amerika sejati. Tumbuh dewasa, dia tinggal di Eropa. Dan dia menghabiskan masa kecilnya... di Rusia. Ayahnya membangun jalur kereta api di St. Petersburg.
Di sanalah James jatuh cinta pada seni, mengunjungi Hermitage dan Peterhof berkat koneksi ayahnya (saat itu istana tersebut masih tertutup untuk umum).
Apa yang membuat Whistler terkenal? Apa pun gaya penulisannya, dari realisme hingga tonalisme*, ia dapat langsung dikenali dari dua cirinya. Warna dan nama musik yang tidak biasa.
Beberapa potretnya merupakan tiruan dari empu-empu tua. Seperti misalnya potret terkenalnya “Ibu Artis”.
James Whistler. Ibu artis. Susunannya berwarna abu-abu dan hitam. 1871 Sang seniman menciptakan sebuah karya menakjubkan dengan menggunakan warna mulai dari abu-abu terang hingga abu-abu tua. Dan sedikit kuning.
Namun bukan berarti Whistler menyukai warna-warna seperti itu. Dia adalah orang yang luar biasa. Dia bisa dengan mudah tampil di masyarakat dengan mengenakan kaus kaki kuning dan membawa payung berwarna cerah. Dan saat itulah pria berpakaian eksklusif dalam warna hitam dan abu-abu.
Ia juga memiliki karya yang jauh lebih ringan dibandingkan “Mother”. Misalnya, “Simfoni Berbaju Putih”. Begitulah salah satu jurnalis pameran menyebut lukisan itu. Whistler menyukai ide ini. Sejak itu, ia memberi judul hampir seluruh karyanya secara musikal.
James Whistler. Symphony in White #1. Galeri Nasional 1862 Washington, AS Namun kemudian, pada tahun 1862, masyarakat tidak menyukai Symphony tersebut. Sekali lagi, karena skema warna Whistler yang aneh. Orang-orang menganggap aneh melukis wanita berbaju putih dengan latar belakang putih.
Dalam gambar kita melihat nyonya Whistler yang berambut merah. Sesuai dengan semangat Pra-Raphael. Memang, saat itu sang artis berteman dengan salah satu pendiri utama Pra-Raphaelisme, Gabriel Rossetti. Kecantikan, bunga lili, elemen yang tidak biasa (kulit serigala). Semuanya sebagaimana mestinya.
Namun Whistler dengan cepat menjauh dari Pra-Raphaelisme. Karena yang penting baginya bukanlah kecantikan luar, tetapi suasana hati dan emosi. Dan dia menciptakan arah baru - tonalisme.
Lansekap nokturnalnya dalam gaya tonalisme benar-benar seperti musik. Monokrom, kental.
Whistler sendiri mengatakan bahwa judul musik membantu fokus pada lukisan itu sendiri, garis dan warna. Sekaligus tanpa memikirkan tempat dan orang yang digambarkan.
James Whistler. Nocturne dengan warna biru dan perak: Chelsea. Galeri Tate 1871, London 
Mary Cassatt. Bayi yang sedang tidur. Pastel, kertas. Museum Seni Dallas 1910, AS Tapi dia tetap setia pada gayanya sampai akhir. Impresionisme. Pastel lembut. Ibu dengan anak-anak.
Demi melukis, Cassatt meninggalkan peran sebagai ibu. Namun sisi femininnya semakin terwujud dalam karya-karya lembut seperti “Sleeping Child.” Sangat disayangkan masyarakat konservatif pernah menghadapkannya pada pilihan seperti itu.
3. John Sargent (1856-1925)
John Sargent. Potret diri. Muzium Seni Metropolitan 1892, New York John Sargent yakin bahwa dia akan menjadi pelukis potret sepanjang hidupnya. Karier saya berjalan dengan baik. Para bangsawan berbaris untuk memesan darinya.
Namun suatu saat, menurut masyarakat, artis tersebut melewati batas. Sekarang sulit bagi kita untuk memahami apa yang tidak dapat diterima dalam film “Madame X”.
Benar, dalam versi aslinya, salah satu pahlawan wanita itu melepaskan salah satu tali pengikatnya. Sargent “membesarkan” dia, tapi ini tidak membantu. Pesanan telah mengering.
John Sargent. Madame H. 1878 Museum Seni Metropolitan, New York Hal cabul apa yang dilihat masyarakat? Dan fakta bahwa Sargent menggambarkan model tersebut dalam pose yang terlalu percaya diri. Terlebih lagi, kulit bening dan telinga merah muda sangat fasih.
Gambaran tersebut seolah mengatakan bahwa wanita dengan seksualitas tinggi ini tidak segan-segan menerima rayuan pria lain. Apalagi sudah menikah.
Sayangnya, orang-orang sezamannya tidak melihat mahakarya di balik skandal ini. Gaun gelap, kulit terang, pose dinamis - kombinasi sederhana yang hanya dapat ditemukan oleh pengrajin paling berbakat.
Namun setiap awan memiliki hikmahnya. Sargent menerima kebebasannya sebagai imbalan. Saya mulai lebih banyak bereksperimen dengan impresionisme. Menulislah kepada anak-anak dalam situasi mendesak. Beginilah karya “Carnation, Lily, Lily, Rose” muncul.
Sargent ingin mengabadikan momen senja tertentu. Oleh karena itu saya hanya bekerja 2 menit sehari ketika pencahayaannya sesuai. Bekerja di musim panas dan musim gugur. Dan ketika bunganya layu, saya menggantinya dengan bunga buatan.
John Sargent. Anyelir, lili, lili, mawar. 1885-1886 Galeri Tate, London Dalam beberapa dekade terakhir, Sargent mengembangkan selera kebebasan sehingga ia mulai meninggalkan potret sama sekali. Meski reputasinya sudah pulih. Dia bahkan dengan kasar menolak salah satu kliennya, dengan mengatakan bahwa dia akan lebih senang mengecat gerbang kliennya daripada mengecat wajahnya.
John Sargent. Kapal putih. Museum Brooklyn 1908, AS Orang-orang sezamannya memperlakukan Sargent dengan ironi. Mengingat sudah ketinggalan zaman di era modernisme. Namun waktu telah menempatkan segalanya pada tempatnya.
Kini karya-karyanya bernilai tidak kalah dengan karya-karya para modernis paling terkenal. Ya, tidak ada yang bisa dikatakan tentang cinta masyarakat. Pameran dengan karya-karyanya selalu terjual habis.
4.Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Potret diri. Ilustrasi untuk The Saturday Evening Post edisi 13 Februari 1960. Sulit membayangkan artis yang lebih populer semasa hidupnya daripada Norman Rockwell. Beberapa generasi orang Amerika tumbuh dengan ilustrasinya. Mencintai mereka dengan segenap jiwaku.
Bagaimanapun, Rockwell menggambarkan orang Amerika biasa. Namun sekaligus menunjukkan kehidupan mereka dari sisi yang paling positif. Rockwell tidak ingin menunjukkan ayah yang jahat atau ibu yang acuh tak acuh. Dan Anda tidak akan bertemu anak-anak yang tidak bahagia bersamanya.
Norman Rockwell. Seluruh keluarga sedang berlibur dan dari liburan. Ilustrasi di majalah Evening Saturday Post, 30 Agustus 1947. Museum Norman Rockwell di Stockbridge, Massachusetts, AS Karya-karyanya penuh humor, kaya warna dan sangat terampil menangkap ekspresi wajah dari kehidupan.
Tapi itu hanya ilusi bahwa pekerjaan itu mudah bagi Rockwell. Untuk membuat satu lukisan, pertama-tama ia mungkin mengambil hingga seratus foto subjeknya untuk menangkap gerakan yang tepat.
Karya-karya Rockwell mempunyai pengaruh yang luar biasa dalam pikiran jutaan orang Amerika. Toh, ia kerap bersuara lewat lukisannya.
Selama Perang Dunia II, ia memutuskan untuk menunjukkan apa yang diperjuangkan tentara negaranya. Juga menciptakan lukisan “Freedom from Want”. Berupa Thanksgiving, dimana seluruh anggota keluarga yang kenyang dan puas bergembira atas liburan keluarga.
Norman Rockwell. Kebebasan dari keinginan. 1943 Museum Norman Rockwell di Stockbridge, Massachusetts, AS Setelah 50 tahun di Saturday Evening Post, Rockwell berangkat ke majalah Look yang lebih demokratis, di mana ia dapat mengungkapkan pandangannya tentang isu-isu sosial.
Karya yang paling mencolok pada tahun-tahun itu adalah “Masalah yang Kita Hadapi”.
Norman Rockwell. Masalah yang kita jalani. 1964 Museum Norman Rockwell, Stockbridge, AS Ini adalah kisah nyata seorang gadis kulit hitam yang bersekolah di sekolah kulit putih. Sejak disahkannya undang-undang bahwa masyarakat (dan juga lembaga pendidikan) tidak boleh lagi dipisahkan berdasarkan ras.
Namun kemarahan warga kota tidak ada batasnya. Dalam perjalanan ke sekolah, gadis itu dijaga polisi. Inilah momen “rutin” yang ditunjukkan Rockwell.
Jika Anda ingin mengetahui kehidupan orang Amerika dengan sedikit hiasan (seperti yang ingin mereka lihat sendiri), pastikan untuk melihat lukisan Rockwell.
Mungkin, dari semua pelukis yang disajikan dalam artikel ini, Rockwell adalah seniman paling Amerika.
5.Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrew Wyeth. Potret diri. Akademi Desain Nasional 1945, New York Berbeda dengan Rockwell, Wyeth tidak begitu positif. Sebagai seorang pertapa, dia tidak mencoba memperindah apa pun. Sebaliknya, ia menggambarkan pemandangan paling biasa dan hal-hal yang biasa-biasa saja. Hanya ladang gandum, hanya sebuah rumah kayu. Tapi dia bahkan berhasil melihat sesuatu yang ajaib di dalamnya.
Karyanya yang paling terkenal adalah “Christina’s World.” Wyeth menunjukkan nasib seorang wanita, tetangganya. Lumpuh sejak kecil, dia merangkak di sekitar peternakannya.
Jadi tidak ada yang romantis dalam gambar ini, seperti yang terlihat pada awalnya. Jika Anda perhatikan lebih dekat, wanita itu sangat kurus. Dan mengetahui bahwa kaki sang pahlawan wanita lumpuh, Anda memahami dengan sedih betapa jauhnya dia masih dari rumah.
Sekilas, Wyeth menulis hal yang paling biasa. Ini adalah jendela tua dari sebuah rumah tua. Tirai lusuh yang sudah mulai tercabik-cabik. Hutan gelap di luar jendela.
Tapi ada misteri dalam semua ini. Beberapa tampilan lainnya.
Andrew Wyeth. Angin dari laut. Galeri Nasional 1947 Washington, AS Beginilah cara anak-anak mengetahui cara memandang dunia dengan pikiran terbuka. Wyatt juga terlihat sama. Dan kami bersamanya.
Semua urusan Wyeth ditangani oleh istrinya. Dia adalah organisator yang baik. Dialah yang menghubungi museum dan kolektor.
Ada sedikit romansa dalam hubungan mereka. Muse itu harus muncul. Dan dia menjadi Helga yang sederhana namun dengan penampilan yang luar biasa. Inilah yang kita lihat di banyak pekerjaan.
Andrew Wyeth. Kepang (dari seri “Helga”). 1979 Koleksi pribadi Tampaknya kita hanya melihat gambar fotografis seorang wanita. Tetapi untuk beberapa alasan, sulit untuk melepaskan diri darinya. Penampilannya terlalu rumit, bahunya tegang. Seolah-olah kita sedang tegang secara internal dengannya. Mencoba mencari penjelasan atas ketegangan ini.
Menggambarkan realitas dalam setiap detailnya, Wyeth secara ajaib menganugerahkannya dengan emosi yang tidak dapat membuat seseorang acuh tak acuh.
Artis itu sudah lama tidak dikenal. Dengan realismenya, meski ajaib, namun tidak sesuai dengan tren modernis abad ke-20.
Ketika pekerja museum membeli karyanya, mereka berusaha melakukannya secara diam-diam, tanpa menarik perhatian. Pameran jarang diselenggarakan. Namun yang membuat iri kaum modernis, mereka selalu meraih kesuksesan besar. Orang-orang datang berbondong-bondong. Dan mereka masih datang.
6.Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. Foto 1950 oleh Hans Namuth Jackson Pollock tidak bisa diabaikan. Dia melewati batas tertentu dalam seni, setelah itu lukisan tidak bisa sama lagi. Ia menunjukkan bahwa dalam seni secara umum dimungkinkan dilakukan tanpa batasan. Saat saya meletakkan kanvas di lantai dan memercikkannya dengan cat.
Dan seniman Amerika ini memulai dengan seni abstrak, yang figuratifnya masih bisa ditelusuri. Dalam karyanya tahun 40-an, “Stenographic Figure,” kita melihat garis besar wajah dan tangan. Bahkan simbol yang kita pahami berupa tanda silang dan angka nol.
Jackson Pollock. Angka singkat. Museum Seni Modern 1942 di New York (MOMA) Karyanya dipuji, tapi orang tidak terburu-buru membelinya. Dia sama miskinnya dengan tikus gereja. Dan dia minum tanpa malu-malu. Meskipun pernikahannya bahagia. Istrinya mengagumi bakatnya dan melakukan segalanya demi kesuksesan suaminya.
Tapi Pollock awalnya memiliki kepribadian yang rusak. Sejak masa mudanya, terlihat jelas dari tindakannya bahwa kematian dini adalah takdirnya.
Kehancuran ini pada akhirnya akan menyebabkan kematiannya pada usia 44 tahun. Tapi dia akan punya waktu untuk membuat revolusi dalam seni dan menjadi terkenal.
Jackson Pollock. Irama musim gugur (nomor 30). Museum Seni Metropolitan 1950 di New York, AS Dan dia melakukan ini selama dua tahun dalam keadaan sadar. Ia mampu bekerja secara produktif pada tahun 1950-1952. Dia bereksperimen untuk waktu yang lama sampai dia menemukan teknik infus.
Meletakkan kanvas besar di lantai gudangnya, dia berjalan mengelilinginya, seolah-olah sedang berada di dalam lukisan itu sendiri. Dan memercik atau sekadar menuangkan cat.
Orang-orang mulai rela membeli lukisan-lukisan yang tidak biasa ini darinya karena orisinalitas dan kebaruannya yang luar biasa.
Jackson Pollock. Pilar biru. Galeri Nasional Australia 1952, Canberra Pollock diliputi oleh ketenaran dan jatuh ke dalam depresi, tidak mengerti ke mana harus melangkah selanjutnya. Campuran alkohol dan depresi yang mematikan membuatnya tidak punya peluang untuk bertahan hidup. Suatu hari dia berada di belakang kemudi dalam keadaan mabuk. Terakhir kali.
7.Andi Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. Foto 1979 oleh Arthur Tress Hanya di negara yang memiliki aliran sesat konsumsi seperti Amerika, seni pop bisa lahir. Dan penggagas utamanya tentu saja adalah Andy Warhol.
Ia menjadi terkenal karena mengambil hal-hal paling biasa dan mengubahnya menjadi sebuah karya seni. Inilah yang terjadi dengan sekaleng sup Campbell.
Pilihan itu bukan suatu kebetulan. Ibu Warhol memberi putranya sup ini setiap hari selama lebih dari 20 tahun. Bahkan ketika dia pindah ke New York dan membawa serta ibunya.
Andy Warhole. Kaleng Sup Campbell. Polimer, cetakan tangan. 32 lukisan masing-masing 50x40. Museum Seni Modern 1962 di New York (MOMA) Setelah percobaan ini, Warhol menjadi tertarik dengan sablon. Sejak saat itu, dia memotret bintang pop dan melukisnya dengan warna berbeda.
Beginilah lukisan Marilyn Monroe yang terkenal muncul.
Bunga asam Marilyn yang tak terhitung jumlahnya telah diproduksi. Warhol mengalirkan karya seni. Sebagaimana seharusnya dalam masyarakat konsumen.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Pencetakan layar sutra, kertas. Museum Seni Modern 1967 di New York (MOMA) Warhol tidak muncul dengan lukisan wajah begitu saja. Dan sekali lagi, hal itu bukannya tanpa pengaruh sang ibu. Sebagai seorang anak, ketika putranya sakit berkepanjangan, dia membawakannya sebungkus buku mewarnai.
Hobi masa kecil ini berkembang menjadi kartu panggilnya dan membuatnya kaya raya.
Dia tidak hanya melukis bintang pop, tetapi juga mahakarya para pendahulunya. Saya mengerti juga.
“Venus”, seperti Marilyn, telah melakukan banyak hal. Eksklusivitas sebuah karya seni “dihapus” menjadi bubuk oleh Warhol. Mengapa artis tersebut melakukan hal tersebut?
Untuk mempopulerkan karya lama? Atau sebaliknya, mencoba mendevaluasi mereka? Mengabadikan bintang pop? Atau membumbui kematian dengan ironi?
Andy Warhole. Venus Botticelli. Sablon sutra, akrilik, kanvas. 122x183 cm. 1982. Museum E. Warhol di Pittsburgh, AS Karya berwarna Madonna, Elvis Presley, atau Lenin terkadang lebih mudah dikenali dibandingkan foto aslinya.
Namun mahakaryanya hampir tidak bisa dikalahkan. Meski begitu, “Venus” yang masih asli tetap tak ternilai harganya.
Warhol adalah orang yang gemar berpesta, menarik banyak orang yang terpinggirkan. Pecandu narkoba, aktor gagal, atau individu yang tidak seimbang. Salah satunya menembaknya sekali.
Warhol selamat. Namun 20 tahun kemudian, akibat luka yang pernah dideritanya, dia meninggal sendirian di apartemennya.
Tempat peleburan AS
Meskipun sejarah seni Amerika singkat, jangkauannya luas. Di antara seniman Amerika terdapat kaum impresionis (Sargent), realis magis (Wyeth), ekspresionis abstrak (Pollock), dan pionir seni pop (Warhol).
Ya, orang Amerika menyukai kebebasan memilih dalam segala hal. Ratusan denominasi. Ratusan negara. Ratusan gaya seni. Itu sebabnya negara ini menjadi tempat meleburnya Amerika Serikat.
Jika Anda mengira semua artis hebat ada di masa lalu, Anda tidak tahu betapa salahnya Anda. Pada artikel ini Anda akan belajar tentang artis paling terkenal dan berbakat di zaman kita. Dan percayalah, karya-karya mereka akan membekas dalam ingatan Anda tak kalah mendalamnya dengan karya-karya maestro masa lalu.
Wojciech Babski
Wojciech Babski adalah seniman Polandia kontemporer. Dia menyelesaikan studinya di Institut Politeknik Silesia, tetapi mengasosiasikan dirinya dengan. Akhir-akhir ini dia kebanyakan melukis wanita. Berfokus pada ekspresi emosi, berusaha untuk mendapatkan efek sebesar mungkin dengan menggunakan cara sederhana.
Menyukai warna, namun sering menggunakan nuansa hitam dan abu-abu untuk mendapatkan kesan terbaik. Tidak takut untuk bereksperimen dengan berbagai teknik baru. Belakangan ini popularitasnya semakin meningkat di luar negeri, terutama di Inggris, di mana ia berhasil menjual karya-karyanya yang sudah banyak ditemukan di koleksi pribadi. Selain seni, ia tertarik pada kosmologi dan filsafat. Mendengarkan musik jazz. Saat ini tinggal dan bekerja di Katowice.
Warren Chang
Warren Chang adalah seniman kontemporer Amerika. Lahir pada tahun 1957 dan dibesarkan di Monterey, California, ia lulus dengan pujian dari Art Center College of Design di Pasadena pada tahun 1981, di mana ia menerima gelar BFA. Selama dua dekade berikutnya, ia bekerja sebagai ilustrator di berbagai perusahaan di California dan New York sebelum memulai karir sebagai seniman profesional pada tahun 2009.
Lukisan realistiknya dapat dibagi menjadi dua kategori utama: lukisan interior biografi dan lukisan yang menggambarkan orang-orang sedang bekerja. Ketertarikannya pada gaya lukisan ini bermula dari karya seniman abad ke-16 Johannes Vermeer, dan meluas ke subjek, potret diri, potret anggota keluarga, teman, siswa, interior studio, ruang kelas, dan rumah. Tujuannya adalah untuk menciptakan mood dan emosi dalam lukisan realistiknya melalui manipulasi cahaya dan penggunaan warna-warna kalem.
Chang menjadi terkenal setelah beralih ke seni rupa tradisional. Selama 12 tahun terakhir, ia telah memperoleh berbagai penghargaan dan penghargaan, yang paling bergengsi adalah Master Signature dari Oil Painters of America, komunitas lukisan cat minyak terbesar di Amerika Serikat. Hanya satu dari 50 orang yang diberi kesempatan untuk menerima penghargaan ini. Warren saat ini tinggal di Monterey dan bekerja di studionya, dan dia juga mengajar (dikenal sebagai guru berbakat) di Akademi Seni San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni adalah seorang seniman Italia. Lahir di Blair, 15 Oktober 1955. Ia menerima diploma dalam bidang skenografi dari Institut Seni di Spoleto. Sebagai seorang seniman, ia belajar secara otodidak, karena ia secara mandiri “membangun rumah ilmu” di atas fondasi yang diletakkan di sekolah. Dia mulai melukis dengan minyak pada usia 19 tahun. Saat ini tinggal dan bekerja di Umbria.
Lukisan-lukisan awal Bruni berakar pada surealisme, tetapi seiring berjalannya waktu ia mulai fokus pada kedekatan romantisme liris dan simbolisme, meningkatkan kombinasi ini dengan kecanggihan dan kemurnian karakternya yang luar biasa. Benda-benda hidup dan mati memperoleh martabat yang sama dan terlihat hampir hiper-realistis, tetapi pada saat yang sama mereka tidak bersembunyi di balik tirai, tetapi memungkinkan Anda melihat esensi jiwa Anda. Keserbagunaan dan kecanggihan, sensualitas dan kesepian, perhatian dan kesuburan adalah semangat Aurelio Bruni, yang dipupuk oleh kemegahan seni dan harmoni musik.
Alexander Balos
Alkasander Balos adalah seniman kontemporer Polandia yang berspesialisasi dalam lukisan cat minyak. Lahir pada tahun 1970 di Gliwice, Polandia, namun sejak tahun 1989 ia tinggal dan bekerja di Amerika Serikat, di Shasta, California.
Semasa kecil, ia belajar seni di bawah bimbingan ayahnya Jan, seorang seniman dan pematung otodidak, sehingga sejak usia dini, kegiatan berkesenian mendapat dukungan penuh dari kedua orang tuanya. Pada tahun 1989, pada usia delapan belas tahun, Balos meninggalkan Polandia menuju Amerika Serikat, di mana guru sekolahnya dan seniman paruh waktu Cathy Gaggliardi mendorong Alkasander untuk mendaftar di sekolah seni. Balos kemudian mendapat beasiswa penuh ke Universitas Milwaukee, Wisconsin, di mana dia belajar melukis dengan profesor filsafat Harry Rozin.
Setelah lulus pada tahun 1995 dengan gelar sarjana, Balos pindah ke Chicago untuk belajar di School of Fine Arts, yang metodenya didasarkan pada karya Jacques-Louis David. Realisme figuratif dan potret membentuk sebahagian besar karya Balos pada tahun 90an dan awal tahun 2000an. Saat ini, Balos menggunakan sosok manusia untuk menonjolkan ciri-ciri dan kekurangan keberadaan manusia, tanpa menawarkan solusi apapun.
Komposisi subjek lukisannya dimaksudkan untuk ditafsirkan secara mandiri oleh pemirsanya, baru kemudian lukisan tersebut memperoleh makna temporal dan subjektif yang sebenarnya. Pada tahun 2005, sang seniman pindah ke California Utara, sejak itu subjek karyanya berkembang secara signifikan dan kini mencakup metode melukis yang lebih bebas, termasuk abstraksi dan berbagai gaya multimedia yang membantu mengekspresikan ide dan cita-cita keberadaan melalui lukisan.
Biksu Alyssa
Alyssa Monks adalah seniman kontemporer Amerika. Lahir pada tahun 1977, di Ridgewood, New Jersey. Saya mulai tertarik melukis sejak saya masih kecil. Dia belajar di The New School di New York dan Montclair State University, dan lulus dari Boston College pada tahun 1999 dengan gelar sarjana. Pada saat yang sama, dia belajar melukis di Akademi Lorenzo de' Medici di Florence.
Kemudian melanjutkan studinya di program master di New York Academy of Art, di departemen Figurative Art, lulus pada tahun 2001. Dia lulus dari Fullerton College pada tahun 2006. Untuk beberapa waktu dia mengajar di universitas dan lembaga pendidikan di seluruh negeri, mengajar melukis di Akademi Seni New York, serta Universitas Negeri Montclair dan Lyme Academy of Art College.
“Dengan menggunakan filter seperti kaca, vinil, air dan uap, saya mendistorsi tubuh manusia. Filter ini memungkinkan Anda membuat area desain abstrak yang luas, dengan pulau-pulau warna yang mengintip melalui - bagian tubuh manusia.
Lukisan saya mengubah pandangan modern tentang pose dan gerak tubuh tradisional wanita yang sedang mandi. Mereka dapat menceritakan banyak hal kepada pemirsa yang penuh perhatian tentang hal-hal yang tampaknya sudah jelas seperti manfaat berenang, menari, dan sebagainya. Karakter saya menekan diri mereka sendiri ke kaca jendela kamar mandi, mendistorsi tubuh mereka sendiri, menyadari bahwa dengan demikian mereka mempengaruhi tatapan pria terkenal pada wanita telanjang. Lapisan cat tebal dicampur untuk meniru kaca, uap, air, dan daging dari jauh. Namun, jika dilihat dari dekat, sifat fisik cat minyak yang menakjubkan menjadi terlihat. Dengan bereksperimen dengan lapisan cat dan warna, saya menemukan titik di mana sapuan kuas abstrak menjadi sesuatu yang lain.
Saat pertama kali melukis tubuh manusia, saya langsung terpesona bahkan terobsesi dan percaya bahwa saya harus membuat lukisan saya serealistis mungkin. Saya “mengakui” realisme hingga ia mulai terurai dan mengungkap kontradiksi-kontradiksi di dalamnya. Saya sekarang mengeksplorasi kemungkinan dan potensi gaya lukisan di mana lukisan representasional dan abstraksi bertemu – jika kedua gaya dapat hidup berdampingan pada saat yang sama, saya akan melakukannya.”
Antonio Finelli
Artis Italia – “ Pengamat Waktu” – Antonio Finelli lahir pada tanggal 23 Februari 1985. Saat ini tinggal dan bekerja di Italia antara Roma dan Campobasso. Karya-karyanya telah dipamerkan di beberapa galeri di Italia dan luar negeri: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, dan juga dapat ditemukan di koleksi pribadi dan publik.
Gambar pensil " Pengamat Waktu“Antonio Finelli membawa kita pada perjalanan abadi melalui dunia batin temporalitas manusia dan analisis cermat yang terkait dengan dunia ini, yang elemen utamanya adalah perjalanan melalui waktu dan jejak yang ditinggalkannya di kulit.
Finelli melukis potret orang-orang dari segala usia, jenis kelamin, dan kebangsaan, yang ekspresi wajahnya menunjukkan perjalanan waktu, dan sang seniman juga berharap dapat menemukan bukti betapa kejamnya waktu pada tubuh karakternya. Antonio mendefinisikan karyanya dengan satu judul umum: “Potret Diri”, karena dalam gambar pensilnya ia tidak hanya menggambarkan seseorang, tetapi juga memungkinkan pemirsanya untuk merenungkan hasil nyata dari perjalanan waktu di dalam diri seseorang.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni adalah artis Italia berusia 37 tahun, putri seorang diplomat. Dia memiliki tiga anak. Dia tinggal di Roma selama dua belas tahun, dan selama tiga tahun di Inggris dan Perancis. Dia menerima gelar dalam sejarah seni dari BD School of Art. Kemudian dia menerima diploma sebagai pemulih seni. Sebelum menemukan panggilannya dan mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni lukis, ia bekerja sebagai jurnalis, pewarna, desainer, dan aktris.
Kecintaan Flaminia terhadap melukis muncul sejak masa kanak-kanak. Media utamanya adalah minyak karena dia suka “coiffer la pate” dan juga bermain-main dengan bahan tersebut. Ia mengenali teknik serupa pada karya seniman Pascal Torua. Flaminia terinspirasi oleh ahli seni lukis hebat seperti Balthus, Hopper, dan François Legrand, serta berbagai gerakan artistik: seni jalanan, realisme Tiongkok, surealisme, dan realisme Renaisans. Artis favoritnya adalah Caravaggio. Impiannya adalah menemukan kekuatan terapi seni.
Denis Chernov
Denis Chernov adalah seniman Ukraina berbakat, lahir pada tahun 1978 di Sambir, wilayah Lviv, Ukraina. Setelah lulus dari Sekolah Seni Kharkov pada tahun 1998, dia tetap di Kharkov, tempat dia tinggal dan bekerja saat ini. Ia juga belajar di Akademi Desain dan Seni Negeri Kharkov, Departemen Seni Grafis, lulus pada tahun 2004.
Ia rutin mengikuti pameran seni; hingga saat ini sudah ada lebih dari enam puluh pameran, baik di Ukraina maupun di luar negeri. Sebagian besar karya Denis Chernov disimpan dalam koleksi pribadi di Ukraina, Rusia, Italia, Inggris, Spanyol, Yunani, Prancis, Amerika Serikat, Kanada, dan Jepang. Beberapa karya dijual di Christie's.
Denis bekerja dalam berbagai teknik grafis dan melukis. Gambar pensil adalah salah satu metode melukis favoritnya; daftar tema dalam gambar pensilnya juga sangat beragam; ia melukis pemandangan alam, potret, gambar telanjang, komposisi genre, ilustrasi buku, rekonstruksi dan fantasi sastra dan sejarah.
Pada tahun 1776 Amerika mendeklarasikan kemerdekaannya, dan sejak saat itu sebenarnya dimulailah perkembangan seni rupa nasional yang dirancang untuk mencerminkan sejarah negara tersebut.
Seniman abad ke-18 Sebagian besar bersifat otodidak dan didasarkan pada gaya seni Inggris.
Dan pada abad ke-19. Sekolah seni lukis pertama telah didirikan - Sekolah Sungai Hudson.
Sekolah Sungai Hudson
Sekolah Sungai Hudson adalah nama sekelompok pelukis lanskap Amerika. Karya mereka berkembang dalam gaya romantisme. Lukisan-lukisan itu menggambarkan Lembah Sungai Hudson dan sekitarnya. Seniman paling sering menggambarkan satwa liar Amerika dan mempertanyakan kelayakan kemajuan teknologi.
Thomas Cole "Busur Sapi" (1836). Museum Seni Metropolitan (New York)
Aliran Sungai Hudson bukanlah fenomena yang homogen dalam seni lukis pada masa itu: misalnya ada cabang gaya impresionisme yang disebut luminisme. Luminisme menaruh perhatian besar pada persepsi seniman tentang cahaya. Luminisme berbeda dari impresionisme karena di sini lebih banyak perhatian diberikan pada detail dan sapuan kuas yang tersembunyi dibuat. Namun secara umum kedua gaya ini serupa.
Fitz Henry Lane "Kapal dalam Kabut" (1860)
Pendiri Sekolah adalah seniman Thomas Cole. Dia berangkat di Sungai Hudson pada musim gugur tahun 1825. Dia kemudian bergabung dengan teman dekatnya Asher Brown Durant. Artis Sekolah lainnya:
Albert Bierstadt
John William Casilier
Gereja Frederic Edwin
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy dkk.
Lukisan-lukisan seniman Sekolah Hudson bercirikan kesederhanaan dan spontanitas.
Thomas Cole (1801-1848)
Thomas Cole lahir di Inggris. Pada tahun 1818, keluarganya beremigrasi ke Amerika Serikat. Cole mempelajari dasar-dasar profesinya dari seniman potret keliling Stein. Namun potretnya tidak berhasil, dan dia mulai melukis pemandangan. Ia juga sukses dalam lukisan alegoris, misalnya seri “Journey of Life” yang terdiri dari lukisan tentang empat periode kehidupan seseorang: masa kanak-kanak, remaja, kedewasaan, dan usia tua. Siklus ini disimpan di Galeri Seni Nasional (Washington, AS)
T. Cole "Masa Kecil"
Pada lukisan pertama, sang seniman menggambarkan seorang anak kecil di dalam perahu yang mengapung di sepanjang sungai kehidupan. Perahu ini dikemudikan oleh bidadari, karena... Anak belum mampu mandiri. Wawasannya, seperti dalam lukisan, terbatas. Sosok di haluan perahu memegang jam pasir yang melambangkan waktu.
T. Cole "Pemuda"
Perahu yang sama, tapi sudah ada seorang pemuda di dalamnya. Dia sudah mengendalikan perahunya sendiri, tetapi malaikat itu tetap tidak meninggalkannya - dia mengawasinya dari pantai.
Malaikat terus mengamati pria itu, tetapi dia tenggelam dalam masalahnya sendiri yang membebani dirinya - hal ini dipertegas dengan warna gambar yang suram, pohon-pohon tumbang karena badai...
T. Cole "Usia Tua"
Dan kini perjalanan hidup seseorang akan segera berakhir. Sosok dengan jam pasir tidak lagi berada di atas perahu - masa kehidupan duniawi telah berakhir. Dan perahu itu menjadi sangat tua...
Malaikat pelindung turun kepadanya untuk membimbing jalannya selanjutnya ke dunia lain, dan malaikat lain terlihat di kejauhan. Cole berkata tentang gambaran ini: “Belenggu keberadaan jasmani terlepas, dan pikiran sudah dapat melihat sekilas kehidupan abadi.”
Winslow Homer (1836-1910)
Foto dari tahun 1880
Seniman dan seniman grafis Amerika, pendiri lukisan realistik. Terkenal karena pemandangan lautnya. Dia melukis dengan minyak dan cat air. Karyanya mempengaruhi semua perkembangan seni lukis Amerika selanjutnya.
Homer dipengaruhi oleh berbagai gerakan artistik, tetapi terutama didasarkan pada subjek Amerika murni.
Lukisannya pada periode awal cerah dan tenteram, sedangkan periode terakhir bercirikan corak gelap dan tema tragis.
W. Homer “Sinyal Kabut”. Museum Seni Rupa Boston (AS)
Tema lukisannya adalah perjuangan manusia dengan laut, hubungan antara kehidupan manusia yang rapuh dan alam yang abadi.
Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)
Seniman Amerika, fotografer, guru, perwakilan terkemuka lukisan realistik Amerika.
T.Eakins. Potret Diri (1902)
Dia lulus dari Akademi Seni Rupa Pennsylvania dan semakin meningkatkan keterampilannya di Eropa, terutama di Paris di bawah bimbingan Jean Leon Gerome. Dia mengajar di Akademi Seni Rupa dan menjadi direkturnya.
Dia menaruh perhatian besar pada studi dan penggambaran ketelanjangan, menunjukkan pemikiran bebas, sehingga dia dipecat. Dalam lukisan dan foto Eakins, tubuh telanjang dan setengah telanjang menempati tempat sentral. Dia memiliki banyak gambar atlet. Eakins sangat tertarik untuk menyampaikan pergerakan tubuh manusia.
T. Eakins "Renang" (1895)
Dia melukis potret dalam lingkungan multi-figur.
Karya yang paling terkenal adalah “The Gross Clinic”.
T. Eakins "Klinik Kotor" (1875)
Lukisan itu menggambarkan ahli bedah terkenal Philadelphia, Samuel Gross, yang memimpin operasi di depan para mahasiswa akademi kedokteran. Sang seniman menggambarkan Dr. Gross sebagai seorang jenius dalam pemikiran manusia, tetapi gambar tersebut mengejutkan orang-orang sezamannya dengan realismenya.
T. Eakins juga dikenal karena sejumlah potret penting, termasuk potret penyair dan humas Amerika Walt Whitman (1887-1888), yang dianggap terbaik oleh penyair itu sendiri.
T.Eakins. Potret Whitman (1887)
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Seniman Anglo-Amerika, pelukis potret, etsa dan litografer. Pendahulu impresionisme dan simbolisme.
D.Peluit. Potret diri. Institut Seni (Detroit)
Lahir di Lowell, Massachusetts. Ayahnya, George Washington Whistler, seorang insinyur kereta api terkenal, diundang untuk membangun jalan di Rusia pada tahun 1842; dia merancang Kereta Api Nikolaev. Di Rusia, James bersekolah di Akademi Seni. Di AS ia belajar di sekolah militer, tetapi dikeluarkan karena prestasi akademik yang buruk.
D. Whistler “Susunan dalam warna abu-abu dan hitam. Ibu Artis (1871). Museum Orsay (Paris)
Ini adalah karya James Whistler yang paling terkenal.
Ia belajar melukis di Paris, lalu di Venesia (ia mempelajari sketsa dan lukisan cat air).
Pada periode pertama karyanya, Whistler mendekati impresionisme dalam keinginannya untuk menangkap kesan pertama suatu objek - lanskap atau seseorang. Namun dalam banyak hal dia tidak setuju dengan kaum Impresionis: dia tidak menyetujui pemujaan terhadap udara plein, dan memikirkan tentang nada warna terlebih dahulu. Dalam karya-karyanya selanjutnya, Whistler menggunakan cat transparan seperti cat air yang sangat encer, yang menyampaikan kesan mobilitas lingkungan atmosfer yang tidak stabil.
D. Whistler “Simfoni di Lautan Kelabu dan Hijau” (1866-1872)
Genre sehari-hari
Perkembangan besar seni lukis Amerika abad ke-19. menerima genre rumah tangga. Pada awalnya genre ini didasarkan pada penggambaran kehidupan provinsi dengan kartu, tarian, dll.
Eastman Johnson, Kebahagiaan Kereta Pos yang Terbengkalai (1871)
Namun setelah revolusi industri dan urbanisasi dimulai di Amerika Serikat, seniman mulai menggambarkan kehidupan penduduk kota besar.
John Gast "Kemajuan Amerika" (sekitar tahun 1872)
Lukisan itu menggambarkan Kolombia alegoris dengan buku teks di tangannya. Dia memimpin peradaban ke barat bersama dengan pemukim Amerika, membentangkan jalur telegraf di sepanjang jalan. Gambar tersebut menunjukkan berbagai jenis kegiatan ekonomi para pemukim pertama, sejarah transportasi. Orang India dan binatang liar digambarkan melarikan diri dari pemukim.
"Sekolah Tempat Sampah"
Pada pergantian abad ke-19 dan ke-20. Amerika Serikat mengalami pertumbuhan kota-kota besar yang pesat. Kamera pada masa itu belum dapat digunakan untuk memotret kejadian dengan cepat, sehingga surat kabar menyewa seniman untuk ilustrasi. Ini membentuk Sekolah Ember Sampah, yang mencakup Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers, dan George Bellows. Subjek utama sketsa studio adalah jalanan dengan perwakilan khasnya: anak jalanan, pelacur, pengamen jalanan, dan imigran. Asal usul, pendidikan, dan pandangan politik para seniman ini beragam. Namun Robert Henry percaya bahwa kehidupan dan aktivitas masyarakat miskin, proletariat, dan kelas menengah layak untuk diwujudkan dalam lukisan - inilah realitas zaman.
George Bellows "Bantuan Perawat Edith Cavell" (1918)
“The Garbage Pail School” merevolusi seni visual Amerika Serikat, itu adalah cikal bakalnya
Alena Vantyaeva
Lukisan pemandangan Amerika abad kesembilan belas diwakili oleh dua gerakan utama: romantisme dan realisme. Dengan aneksasi wilayah baru ke Amerika Serikat, termasuk perpindahan pemukim ke Barat, cakrawala inspirasi yang sebelumnya tidak diketahui terbuka bagi para seniman. Penggambaran alam Amerika dan identitas nasionalnya menjadi tema utama dalam seni lanskap.
Salah satu sekolah seni lukis paling terkenal dan berpengaruh di Amerika Serikat pada abad kesembilan belas adalah Sekolah Sungai Hudson, yang dibentuk pada tahun 1850-an oleh para pengikut karya seniman lanskap Thomas Cole (masa kejayaan karyanya terjadi pada tahun 20-40an. abad ke-19). Sekolah ini terutama mencakup seniman dari Akademi Seni Nasional New York, serta asosiasi kreatif lainnya. Lukisan seniman Sekolah Hudson dan visi estetika mereka tentang dunia dipengaruhi oleh gerakan romantis dalam seni. Motif utama karya lebih dari 50 perwakilannya adalah citra satwa liar Amerika, yang sering kali ditampilkan dalam sudut pandang idealis. Paling sering, Lembah Hudson dan sekitarnya, serta pegunungan, menjadi objek gambar. Sekolah Hudson lebih cenderung menyatukan orang-orang yang terinspirasi oleh ide yang sama daripada menjadi lembaga pendidikan.
Lukisan karya seniman Hudson River School tidak hanya menggambarkan keindahan alam Amerika, tetapi juga memiliki karakter tematik tertentu. Kanvas-kanvas tersebut menggambarkan pemandangan penemuan, eksplorasi, dan pemukiman di benua Amerika. Salah satu ciri penggambaran lanskap Amerika adalah hidup berdampingan secara harmonis dan damai antara manusia dan alam. Dalam karya seniman, alam digambarkan sebagai standar kemurnian dan keperawanan, dan keilahian asal usulnya ditekankan.
Seniman paling terkemuka di Sekolah Sungai Hudson adalah Albert Bierstadt (1830-1902) dan Gereja Frederic Edwin (1826-1902).
Di antara lukisan paling menakjubkan dan terkenal yang dilukis oleh Gereja dan menonjolkan keindahan alam air, pegunungan, dan langit adalah “Air Terjun Niagara” dan “Jantung Andes”.
“Air Terjun Niagara”, 1857, Galeri Seni Corcoran di Washington D.C.
“Jantung Andes” 1859, Museum Seni Metropolitan New York
Seniman Amerika asal Jerman Albert Bierstadt memukau publik dengan pemandangan pegunungannya di kanvas besar. Salah satu lukisan seniman yang paling mengesankan adalah “Pegunungan Rocky”.
“Pegunungan Rocky” oleh Albert Bierstadt, 1863, Museum Metropolitan, New York
Bertentangan dengan persepsi idealis tentang dunia sekitar oleh para seniman Sekolah Hudson, seni realistis Winslow Homer (1836-1910) bertindak. Ia juga belajar di National Academy of Arts, namun realitas pertengahan abad kesembilan belas menjadi subjek gambar di kanvasnya. Selama Perang Saudara Amerika (1861-1865), Homer adalah seorang seniman perang. Fakta keikutsertaannya dalam operasi militer mempengaruhi kebenaran penggambaran adegan militer. Salah satu yang paling terkenal adalah lukisannya “Prisoners from the Front.” Setelah perang berakhir, W. Homer melukis kanvas, mengambil inspirasi dari kehidupan damai sehari-hari, namun ia juga menemukan subjek menarik di dalamnya.
“Prisoners from the Front” oleh W. Homer, 1866, Museum Metropolitan di New York
Abad kesembilan belas membawa serta cobaan sulit bagi rakyat Amerika. Namun, meskipun terdapat banyak kesulitan dalam membangun kembali masyarakat Amerika, banyak hal yang telah dicapai. Dengan masuknya wilayah-wilayah baru ke dalam Amerika Serikat, ruang-ruang baru dan keindahan tanah Amerika terbuka bagi masyarakat, dan peristiwa-peristiwa Perang Saudara memberikan “bahan pemikiran” bagi masyarakat. Pengalaman rakyat Amerika tidak bisa tidak tercermin dalam seni. Mungkin inilah sebabnya lukisan pemandangan Amerika mencapai puncaknya pada abad kesembilan belas.