NEMUKHIN VLADIMIR NIKOLAEVICH

Lahir di Moskow pada 12 Februari 1925 di keluarga penduduk asli desa yang menjadi pekerja. Ia menghabiskan masa kecilnya di desa Priluki (wilayah Kaluga), di tepi sungai Oka. Pada tahun 1943-1946 ia belajar di studio seni Moskow di Dewan Pusat Serikat Buruh Seluruh Rusia. Dia menggunakan nasihat seniman P.E. Sokolov, berkat siapa dia menemukan seni pasca-impresionisme dan kubisme. Selama beberapa waktu (1952-1959) ia mencari nafkah sebagai desainer dan seniman poster. Dia aktif berpartisipasi dalam pameran seni avant-garde swasta dan publik, termasuk “pameran buldoser” yang memalukan di gurun Moskow di Belyaevo. Sejak akhir 1960-an, lukisannya semakin mendapat pengakuan di Barat. Tinggal di Moskow.

Setelah lanskap Okie awalnya dengan cara tradisional, serta eksperimen dalam semangat kubisme dan abstraksionisme bergambar, ia menemukan gayanya dalam motif acak kartu di pasir pantai.

Pada pertengahan tahun 1960-an, motif spontan ini terbentuk dalam “benda mati dengan peta” semi-abstrak, yang menjadi manifestasi yang sangat orisinal dari “informel” - sebuah gerakan abstraksionis khusus yang didasarkan pada kombinasi ekspresi gambar murni dengan elemen dramatis dan simbolis. . Kemudian Nemukhin memvariasikan temuannya selama bertahun-tahun, terkadang mengubah permukaan kanvas menjadi objek bidang “relief”, mengingatkan pada dinding tua yang sudah usang atau permukaan meja bermain. Dia sering menulis - dengan teknik campuran, seolah-olah bergambar-grafis - dan di atas kertas (seri Jack of Diamonds, akhir 1960-an - awal 1970-an).
Kemiripan lukisan dengan suatu objek membawa karya-karyanya tahun 1980-an semakin mendekati seni pop. Selama periode ini, ia lebih dari satu kali beralih ke abstraksi tiga dimensi pahatan, biomorfik atau geometris, kemudian semakin sering, ketika memamerkan karyanya, ia menemani lukisan dan lembaran grafis dengan instalasi besar.
"Penghormatan kepada Bach"

Pada pergantian abad 20-21. sebagian besar tinggal di Jerman (Dusseldorf), terus-menerus mengunjungi Rusia, di mana pada tahun 2000 karya-karyanya mendapat tempat penting di Galeri Tretyakov dan Museum Seni Modern Moskow. Pada tahun 1999, buku Monolog Nemukhin diterbitkan.
https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/3/37/1008877.htm

Jum, 20/11/2009 - 16:58
zebra

peserta

SITNIKOV, VASILY YAKOVLEVICH

Lahir di desa Novo-Rakitino (distrik Lebedyansky, provinsi Tambov) pada 19 Agustus (1 September 1915, dari keluarga petani yang pindah ke Moskow pada tahun 1921. Pada tahun 1933 ia belajar di Moscow Marine Mechanical College, menjadi kecanduan membuat model kapal layar. Upaya untuk memasuki Vkhutemas (1935) tidak berhasil. Dia bekerja pada pembangunan metro, sebagai animator dan pembuat model untuk sutradara A.L. Ptushko, dan menunjukkan transparansi pada ceramah para profesor di Institut Seni V.I. Surikov (karena itu julukannya “Vasya si Pemantik Lampu”). Menjadi korban fitnah, pada tahun 1941 ia ditangkap, dinyatakan sakit jiwa dan dikirim untuk perawatan wajib ke Kazan. Kembali ke ibu kota (1944), ia melakukan pekerjaan serabutan. Selama "pencairan" ia bergabung dengan gerakan seni "tidak resmi".
Sumber formal karyanya adalah sistem pengajaran akademis tradisional, yang didasarkan pada pengerjaan dengan bayangan grafis yang telanjang dan cermat.

Namun di Sitnikov, sifat akademis berubah menjadi erotisme surealis, dan bayangan menjadi elemen udara yang tidak stabil, menyelimuti bentuk dalam bentuk kabut salju, kabut rawa, atau kabut cahaya.

Ditambah lagi ciri khas “gaya Rusia” dalam semangat simbolisme dan modernitas. Dari sinilah lahir lukisan dan seri grafisnya tahun 1960-an-1970-an - telanjang, aneh secara seksual, bergenre "biara dengan kepingan salju"
,
lanskap stepa (sering juga dengan motif utama biara).
Cara hidupnya adalah semacam pekerjaan, kebodohan artistik yang terus-menerus, dimulai dengan tulisan terkenal "Saya akan datang sekarang" di pintu apartemen, di mana koleksi barang antik gereja dan karpet oriental yang berharga disimpan. .
Sejak tahun 1951, sang seniman aktif mengajar, mewujudkan mimpinya tentang “akademi rumah”.

Sistem pedagogisnya mencakup banyak paradoks yang mengejutkan (nasihat tentang cara mempelajari nada dengan “mengarsir” foto koran, atau cara melukis pemandangan dengan kuas lantai dari bak dengan larutan warna-warni). Sejumlah master terkemuka (V.G. Weisberg, Yu.A. Vedernikov, M.D. Sterligova, A.V. Kharitonov, dll.) terhubung dengan "sekolah Sitnikov" - baik melalui magang langsung maupun kontak kreatif. Namun, secara umum, dengan beberapa pengecualian (seperti yang tercantum di atas), sekolah ini selama bertahun-tahun telah merosot menjadi produksi kitsch bergambar “suvenir bawah tanah”.

Pada tahun 1975 sang master beremigrasi melalui Austria ke Amerika Serikat. Dia menyumbangkan bagian paling berharga dari koleksi ikonnya ke Museum Seni Rusia Kuno Andrei Rublev. Barang-barangnya sendiri “menghilang” hampir tanpa jejak - tidak termasuk reproduksi dan karya individu di museum. Dia tidak sukses di luar negeri.
Sitnikov meninggal di New York pada 28 November 1987.
Dari karya-karya awal dalam semangat akademisisme, ia beralih pada tahun 1950-an (terutama dalam siklus “terluka”, yang mengekspresikan kenangan menyakitkan akan perang) ke gaya orisinal yang menggabungkan ciri-ciri simbolisme dan kubisme dengan ekspresi kekerasan.

Karya-karyanya biasanya terbuat dari perunggu; dalam komposisi terbesar, pematung lebih menyukai beton.
Karya-karya Neizvestny, yang mewujudkan proses pembentukan abadi, suatu “bentuk aliran” yang unik, disusun menjadi siklus-siklus besar, baik pahatan maupun grafis (dan kemudian lukisan): Gigantomachy (sejak 1958), Gambar Dostoevsky (sejak 1963; dalam 1970 dalam seri "Monumen Sastra" menerbitkan novel Kejahatan dan Hukuman dengan ilustrasinya).

Sejak tahun 1956, sang seniman telah mengerjakan rencana utamanya yang paling ambisius - Pohon Kehidupan
,
sebuah proyek lingkungan patung raksasa, yang secara rumit memadukan motif mahkota pohon, hati manusia, dan “strip Möbius”, yang melambangkan persatuan kreatif antara seni dan sains.

Orang tak dikenal menerima pesanan resmi dalam jumlah besar (sebuah monumen untuk menghormati persahabatan antar bangsa, yang disebut Bunga Teratai di Bendungan Aswan di Mesir, 1971; relief dekoratif untuk Institut Elektronika di Zelenograd, 1974, dan bekas gedung Komite Sentral CPSU di Ashgabat (sekarang Gedung Pemerintah Turkmenistan, 1975 ); Setelah bertemu N.S. Khrushchev - namun, selama skandal di sebuah pameran di Manege Moskow - ia kemudian mengeksekusi batu nisannya (1974), menekankan ketidakkonsistenan pemerintahan Khrushchev dengan kontras simbolis dalam bentuk. Pada tahun 1976 ia beremigrasi, dan sejak tahun 1977 ia menetap di Amerika Serikat, di sekitar New York.
TEFI

Sejak tahun 1989, sang master sering datang ke Rusia; di sini, menurut rancangannya, dibangun tugu peringatan para korban Gulag di Magadan (1996) - dengan Wajah Kesedihan beton raksasa - serta komposisi Revival in Moscow (2000). Pada tahun 1996 ia menerima Hadiah Negara.

Sejak tahun 1962 (artikel Menemukan Hal Baru di majalah "Seni"), dan khususnya selama dekade emigrasi, ia memberikan artikel teoretis dan ceramah dengan topik "simbiosis Iman dan Pengetahuan" dalam seni, yang dirancang untuk menggabungkan pengalaman artistik dari kuno dan avant-garde. Dia menerbitkan ayat-ayat kosong, secara kiasan mengomentari karya seninya. Di Uttersberg (Swedia) ada museum "Pohon Kehidupan", yang didedikasikan untuk karya Yang Tidak Diketahui.

https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/0/0c/1007903.htm
Wow, dia sangat berbakat, dan saya hanya pernah mendengar hal buruk tentang dia sebelumnya!!!

Nonkonformisme Soviet

Arah

Seni tidak resmi Uni Soviet (atau seni lainnya, seni alternatif, seni non-konformis, seni bawah tanah, bawah tanah) - dengan nama ini mereka menyatukan perwakilan dari berbagai gerakan artistik dalam seni rupa Uni Soviet tahun 1950-1980an, yang, misalnya, alasan sensor politik dan ideologi, dipaksa keluar oleh otoritas resmi dari kehidupan seni publik. Karena keberadaannya yang “bawah tanah”, seni tidak resmi di Uni Soviet sangat erat kaitannya dengan gerakan pemuda informal (misalnya, para konseptualis dan hippie Moskow, Asosiasi Seni Rupa Eksperimental Leningrad, Mitka, dan rocker).

Di antara tonggak sejarah seni tidak resmi adalah pameran Persatuan Seniman Moskow (1962), yang dikritik oleh N. Khrushchev, “pameran dua belas” (1967) di klub Druzhba di Jalan Raya Entuziastov di Moskow, Pameran Buldoser (1974), pameran satu hari pada tahun yang sama di Taman Izmailovsky di Moskow, pameran seniman nonkonformis di Istana Kebudayaan yang dinamai demikian. Gaza dan Istana Kebudayaan Nevsky pada tahun 1974-75 di Leningrad, pameran pribadi pertama seniman nonkonformis yang diizinkan secara resmi di Leningrad pada tahun 1978 (pameran Evgeny Mikhnov-Voitenko di Istana Kebudayaan Dzerzhinsky), pameran Bagian Lukisan dari Grafik Komite Gabungan Seniman Moskow di ruang pameran legendaris di Malaya Gruzinskaya, 28 (diselenggarakan pada tahun 1976). Banyak perwakilan seni tidak resmi dianiaya oleh pihak berwenang dan KGB dan beremigrasi dari Uni Soviet selama bertahun-tahun.

Secara paralel, fenomena serupa terjadi dalam kehidupan sastra dan musik, dan terjadi di teater dan bioskop (film “rak”, pertunjukan yang dilarang).

Arah “selatan” seni tidak resmi Uni Soviet menjadi seni tidak resmi di Odessa pada paruh kedua abad ke-20.

Menurut sejarawan seni, asal usul “avant-garde Odessa kedua” adalah Oleg Sokolov. Titik awal “nonkonformisme Odessa” adalah tahun 1967, ketika seniman muda Valentin Khrushch dan Stanislav Sychev menyelenggarakan pameran “pagar” karya mereka “Sychik + Khrushchik” di pagar Gedung Opera Odessa. Pameran ini hanya berlangsung selama tiga jam. Maka dimulailah pergerakan seni tidak resmi Odessa.

Seniman yang mewujudkan budaya “asing” menemukan jalan keluar kepada penonton melalui “pameran apartemen”. Inti dari gerakan nonkonformisme Odessa adalah V. Khrushch, Lucien Dulfan, S. Sychev, Lyudmila Yastreb, A. Anufriev, V. Strelnikov. Kelompok utama ini, yang namanya diberikan oleh Lyudmila Yastreb, “nonkonformis”, kemudian diikuti oleh E. Rakhmanin, O. Voloshinov, V. Tsyupko. “Nonkonformisme Odessa” berbeda dengan seni tidak resmi Moskow karena kurangnya politisasi, kemunduran ke dalam “seni murni”, dan pencarian bentuk estetika ekspresi diri.

Edisi samizdat 1980 “Odessa Artists” memberikan daftar seniman avant-garde Odessa: Valentin Khrushch, Evgeniy Rakhmanin, Nikolai Morozov, Vladimir Tsyupko, Igor Bozhko, Alexander Stovbur, Valery Basanets, Mikhail Kovalsky, Sergei Knyazev, Vladimir Naumets, Nikolai Stepanov, Alexander Dmitriev, Nadezhda Gaiduk, Vitaly Sazonov, Victor Risovich, Mikhail Chereshnya, Evgeny Godenko, Ruslan Makoev, Anatoly Shopin, Oleg Sokolov, Yuri Egorov, Alexander Anufriev, Vladimir Strelnikov, Lyudmila Yastreb, Victor Marinyuk.

Sebagian besar anggota kelompok tersebut beremigrasi, meninggal, atau pindah ke Moskow pada tahun 1980-an. Nonkonformisme avant-garde pada masa itu dilanjutkan oleh Alexander Roitburd (lahir 1961), seniman dan kurator, yang aktivitas kreatifnya bertujuan untuk mempromosikan seni Odessa dan Ukraina ke tingkat internasional; Valery Geghamyan (1925-2000), yang menjadi pendiri departemen seni dan grafis Institut Pedagogis Odessa dan dekannya; Alexei Ilyushin (lahir 1926) mungkin adalah perwakilan terakhir dari “nonkonformisme Odessa”, yang tinggal di Odessa dan melihat semua periodenya, pencipta lanskap cerah dan lukisan bergenre, ahli komposisi yang bijaksana.

Pada tahun 1990-an, banyak contoh “seni tidak resmi” dimasukkan dalam koleksi dan pameran Galeri State Tretyakov, Museum Rusia, Museum Seni Modern Moskow, Pusat Seni Kontemporer Negara (NCCA), dan belum lagi galeri swasta. .

Museum Seni Nonkonformis di St. Petersburg didirikan oleh Kemitraan Budaya Bebas pada tahun 1998 sebagai bagian dari Pusat Seni “Pushkinskaya, 10”.

Pada tahun 2000, museum “Seni Lainnya” dibuka di Universitas Kemanusiaan Negeri Rusia (RGGU). Itu didasarkan pada koleksi seni tidak resmi, yang dikumpulkan oleh kolektor legendaris Moskow Leonid Prokhorovich Talochkin (1936-2002).

Ini adalah bagian dari artikel Wikipedia yang digunakan di bawah lisensi CC-BY-SA. Teks lengkap artikel di sini →

Saat ini, seni tidak resmi tahun 1970-an semakin menarik perhatian para kolektor dan peneliti, sekaligus mengecilkan hati keduanya, baik karena kurangnya publikasi yang bermakna maupun banyaknya mitos yang tumbuh dari informasi yang tidak dapat dipercaya dan terkadang sengaja diputarbalikkan. dari preferensi subjektif seniman, sejarawan seni, dan kolektor.

BANNIKOV Nikolay (1942)
ANAK MUDA. tahun 1970-an

Era dari kekalahan Khrushchev terhadap sayap kiri Persatuan Seniman Moskow di Manezh pada tahun 1962 hingga “Pameran Buldoser” pada tahun 1974 mengumpulkan sekelompok kecil orang berusia enam puluhan - nonkonformis - penggagas aksi pameran, yang berakhir dengan kekalahan buldoser.

BANNIKOV Nikolay (1942)
WANITA MUDA. tahun 1970-an

Kehebohan dan skandal yang terjadi di media Barat memaksa para ideolog Soviet untuk sedikit mengurangi tekanan terhadap beberapa seniman dan mengizinkan, di bawah pengawasan ketat “pihak berwenang”, pameran “tertutup” di sebuah ruangan kecil. Tempat seperti itu adalah serikat pekerja seniman grafis di Malaya Gruzinskaya 28, di mana bagian lukisan dibuat, yang mencakup kelompok seniman seni tidak resmi ini. Pameran pertama bagian tersebut berlangsung pada bulan Maret 1976. Sebelumnya, terdapat dua pameran seni tidak resmi: pada bulan Februari 1975 di paviliun Peternakan Lebah dan pada bulan September tahun yang sama di paviliun Rumah Budaya di VDNKh.

BANNIKOV Nikolay (1942)
ZANDER. 1968

Keputusan untuk memberikan waktu luang bagi sekelompok kecil seniman bandel bukanlah sebuah tindakan yang bermaksud baik, melainkan sebuah kemunduran yang dipaksakan di bawah serangan tuduhan kebiadaban yang datang dari Barat setelah skandal yang belum pernah terjadi sebelumnya mengenai penghancuran lukisan-lukisan di sebuah pameran berjuluk “ Buldoser".

MAKHOV Ivan (1938)
RAHASIA ORANG BELANDA TERBANG. 1978

Dengan demikian, tekanan proaktif dari dalam, dari kelompok aktivis seniman nonkonformis, dan dari luar, dari propaganda ideologi Barat, menciptakan sebuah preseden: pihak berwenang membuka ruang pameran yang diawasi dengan baik dan secara signifikan mengurangi alasan kritik dari vektor-vektor yang disebutkan sebelumnya. tekanan.

BARINOV Mikhail (1947)
SIANG No. 1. 1978

Inilah awal sejarah “Malaya Gruzinka” yang menghadirkan pameran penemuan paling mencolok hingga tahun 1980. Keputusan pihak berwenang tidak hanya dipengaruhi oleh peristiwa-peristiwa tersebut di atas, tetapi juga oleh fakta pameran apartemen pada tahun 60an dan awal 70an, serta aktivitas beberapa salon apartemen, seperti salon Sychev di Rozhdestvensky Boulevard atau Nika Shcherbakova's salon di jalan Karetnaya. Diplomat asing juga berkunjung ke sini, bertemu dengan para pembangkang, membeli lukisan, sehingga mendukung seni tidak resmi.

BELYUTIN Eliy (1925)
BICARA. KONVERGENSI. 1981

Ada pendapat di antara orang-orang yang sezaman dengan peristiwa yang dijelaskan di atas bahwa dengan menciptakan “sump” kecil untuk kegiatan pameran seniman pemberontak, KGB menyederhanakan tugasnya untuk mengendalikan situasi dan mungkin menekan provokasi individu yang bermuatan ideologis dari pihak nonkonformis. Pada saat yang sama, peran pameran apartemen menurun, yang pelacakannya memerlukan pekerjaan operasional yang lebih kompleks. Ada juga pendapat bahwa KGB berupaya memecah-mecah kelompok seniman tidak resmi, mencegah mereka mengembangkan posisi yang bersatu, membatasi inisiatif dan eksperimen kreatif mereka sebanyak mungkin.

VOROSHILOV Igor (1939-1989)
DUA. tahun 1980-an

Bukan suatu kebetulan jika generasi seniman nonkonformis yang memulai perjalanan kreatifnya pada awal tahun 70-an terkadang disebut sebagai generasi “orang buangan”. Penghinaan dan permusuhan dari perwakilan seni resmi membuat mereka tidak punya banyak alasan untuk optimis. Kerangka ketat dari ketidakterterimaan ideologis menentukan ciri-ciri unik karya seniman nonkonformis tahun 70-an; kecuali seni protes, seni ini tidak dapat berorientasi pada resonansi sosial yang signifikan, refleksi, diskusi luas, atau kesuksesan komersial.

BLEZE Sergey (1945)
KOMPOSISI No.20.1975

Paling-paling, penontonnya hanyalah sekelompok kecil teman dan pengagum. Bekerja “di atas meja” atau “di sudut bengkel” membuka jalan bagi seseorang menuju kebebasan bereksperimen, eksplorasi ruang batin kesadaran, perluasannya; yang lain menjadi putus asa karena pesta minuman keras. Ada stratifikasi sekelompok kecil nonkonformis - beberapa memilih eksperimen formal dengan sintaksis, desain komposisi, komponen teknologi dan gaya.

BLEZE Sergey (1945)
KOMPOSISI No.13.1974

Bagian lainnya yang lebih kecil melakukan pencarian spiritual, ke kedalaman isi metafisik gambar, ke dalam kajian gambar sebagai transformator dan sublimator kesadaran pencipta dan pemirsa. Aspek pencarian kreatif dalam lingkup ruang semantik lukisan inilah yang mengarahkan beberapa seniman kelompok ini pada pemahaman teoretis, dan kemudian pada pengembangan praktis pengalaman keagamaan.

VULOKH Igor (1938)
PEMANDANGAN. tahun 1970-an

Kurangnya kontak langsung dengan seni Barat modern dan tidak dapat diaksesnya informasi tentang avant-garde dalam negeri tahun 20-an menciptakan suasana vakum, “memasak dengan jusnya sendiri”, yang memberikan ciri-ciri khusus tertentu pada karya nonkonformis tahun 70-an. . Informasi terpisah-pisah tentang avant-garde Barat datang melalui majalah seni di negara-negara sosialis. kamp dan edisi langka Skira yang datang melalui penjagaan.

GAIDUK Nadezhda (1948)
ODESSA. 1974

Hal ini merangsang proses terciptanya mitos-mitos tertentu, baik individu maupun kelompok, tentang karya dan kehidupan seniman. Bukan suatu kebetulan bahwa tahun tujuh puluhan kadang-kadang disebut sebagai “ahli mitologi pribadi”. Terlepas dari semua kesulitan tersebut, kegiatan pameran yang sedikit dan terukur di Malaya Gruzinka, 28 menjadi laboratorium kreatif bagi para seniman di bidang eksperimen gaya dan teknologi, bidang pertukaran pengalaman profesional, pencarian kreatif, dan pertumbuhan bersama. Konseptualisme tahun enam puluhan diperkaya dengan penemuan-penemuan baru di bidang pembentukan bentuk dan pendalaman isi.

GAIDUK Nadezhda (1948)
BERJALAN. DALAM KENANGAN A.TIKHOMIROV. 1981

Sederet siswa Vasily Sitnikov berkembang, bergerak menuju penguasaan tingkat metafisik dan mistik dari dimensi komposisi. Garis asli seni neo-naif, serta neo- dan pasca-simbolisme, berkembang. Versi pribadi surealisme, minimalisme, dan hiperrealisme dikembangkan. Muncul tren khas seni lukis bertema religi.

GAIDUK Nadezhda (1948)
HALAMAN MOSKOW. 1976

Seni pertunjukan dan meditasi kelompok, eksperimen di bidang gerak panggung dan skenografi avant-garde terwujud; kreativitas “lukisan instan” oleh Anatoly Zverev telah mencapai puncaknya; Seluruh gerakan neo-ekspresionis mulai terbentuk. Lukisan neo-historis, lukisan pemandangan metafisik, dan bahkan lukisan bergenre versi baru pun berkembang.

GLUKHOV Vladimir (1937-1985)
LANSKAP.1970

Pembentukan bahasa artistik kaum nonkonformis tahun tujuh puluhan terjadi dengan latar belakang dan bertentangan dengan garis resmi persatuan seniman dengan pedoman, norma, klise, dan larangan profesionalnya. Pada pertengahan tahun 70-an, “gaya keras” mengalami kemunduran dan “sayap kiri” Persatuan Seniman Moskow berusaha menemukan bahasa plastik baru dalam batas yang diizinkan.

GORDEEV Dmitry (1940)
HALAMAN DI DESA. 1977

Pada dasarnya, ini adalah “gerakan” interpretatif dari gaya-gaya yang populer di Barat, yang dapat disesuaikan dengan “garis umum” realisme sosialis. Ini misalnya sederet variasi tema “seni naif” yang “terselip” di bawah ideologeme “rakyat, pribumi” - atau sederet “neoklasikisme” yang dimulai dari para monumentalis proto Italia. -Renaisans.

Zhdan Vladislav (1940)
MASIH HIDUP – POTRET. DEDIKASI KEPADA B.PASTERNAK. 1969

Atau, misalnya, hiperrealisme Amerika versi Soviet, yang secara ideologis mengamankan dirinya dengan “plot dokumenter” dan “realisme yang sudah selesai” dan menampilkan dirinya sebagai aliran realisme sosialis yang modis dan inovatif. Pada akhir tahun 70-an, garis terpisah dari Persatuan Seniman Moskow kiri menjadi variasi ekspresionisme Jerman tahun 20-an, disesuaikan dengan realisme sosialis, dikombinasikan dengan inovasi teknologi neo-ekspresionisme Amerika tahun 40-an-60an, garis dari Pollack dan para pengikutnya.

PRYADIKHIN Vladimir (1947)
KANTOR. 1994

Dengan demikian, pada tahun 70-an, ruang lingkup seni resmi berkembang secara signifikan, termasuk beberapa perkembangan plastik dari arus utama Barat, disesuaikan dengan ideologi dan mentalitas seni dalam negeri para fungsionaris seni yang melakukan distribusi pesanan, kebijakan pembelian Kementerian Kebudayaan, Dana Seni, dan Persatuan Seniman.

ZUBAREV Vladislav (1937)
KOMPOSISI. 1971

Garis plastik terpisah dengan latar belakang kehidupan artistik tahun 60-70an adalah sekolah Eliya Belutin, dan juga mendekati awal tahun 80an, sekolah Zubarev.

KALUGIN Alexander (1949)
EKSPEKTASI. 1972-73

Ini adalah upaya untuk “melegalkan avant-garde” melalui metodologi pengajaran seni rupa, desain dan komposisi. Eksperimen tersebut “dilegalkan” di sekolah-sekolah tersebut dalam kerangka metode pengajaran bahasa plastik, dengan menganggap bahasa tersebut sebagai pola formal. Metode-metode ini, meskipun dilakukan dalam kerangka proses pedagogis yang murni lokal, mempengaruhi kesadaran dan pembentukan bahasa artistik sejumlah seniman nonkonformis.

KISLITSYN Igor (1948)
LAMPU. 1974

Selama kegiatan pameran di ruang bawah tanah Malaya Gruzinskaya pada tahun 70-an, perwakilan individu dari “sayap kiri” Persatuan Seniman Moskow berpartisipasi dalam sejumlah pameran, tetapi secara umum para seniman sayap ini menentang seniman nonkonformis, belum lagi sebagian besar anggota Persatuan Seniman, yang iri dan memusuhi karya mereka. Ciri khusus dari kehidupan pameran ruang bawah tanah di Malaya Gruzinskaya adalah bahwa ia memamerkan seniman-seniman dari berbagai generasi yang dipaksa keluar dari seni resmi atau yang secara terbuka menentangnya.

KOLOTEV Vasily (1953)
PENANGKAPAN SEORANG PROPAGANDANDIS. 1979

Pada tahun 1980, beberapa seniman ini meninggalkan Uni Soviet. Pada tahun 1981, pimpinan serikat pekerja melakukan “pembersihan” terhadap jajaran bagian lukisan dan mengusir sejumlah seniman oposisi yang tidak menyenangkan dari sana, dengan dalih tidak adanya sertifikat kerjasama abnormal dengan penerbit.

KOLOTEV Vasily (1953)
POROS KESEMBILAN. 1979

Kegiatan pameran terus berlanjut pada tahun 80-an, namun pada awal perestroika, nonkonformisme semakin tersingkir dengan berbagai versi salon, seni kitsch, variasi palsu dari pseudo-avant-garde, yang pada akhir tahun 80-an mulai merajalela, menciptakan , sayangnya, ada opini negatif tentang lukisan yang dipamerkan di ruang bawah tanah yang kini terkenal itu.

KROTOV Victor (1945)
DEDIKASI KEPADA GOYA. 1975

Sayangnya, waktu tanpa ampun telah menangani warisan kaum nonkonformis di tahun 70an. Tidaklah mungkin untuk menciptakan kembali, setidaknya kira-kira, gambaran lengkap tentang proses kreatif pada masa itu. Pertama, karena banyaknya peserta yang meninggal secara fisik di era ini, hilangnya karya-karya mereka di luar negeri tanpa jejak.

PROVOTOROV Vladislav (1947)
VISI. 1984

Kedua, minimnya pameran, diskusi, publikasi tentang fenomena seni tidak resmi tahun 70-an, bukan tentang kepribadian individu, melainkan tentang proses secara keseluruhan, menyebabkan banyak yang hilang dari ingatan masyarakat, dan yang tersisa ditumbuhi. dengan mitologi, individu dan kelompok, baik yang berkeinginan buruk maupun peserta yang selamat dalam peristiwa tersebut.

KUZNETSOV Konstantin (1944)
TSARITSINO. 1982

Pameran kecil yang diusulkan memiliki tugas sederhana - jika mungkin, untuk mengidentifikasi dan memperkenalkan pecinta dan kolektor seni kepada setidaknya beberapa seniman nonkonformis dari “panggilan pertama” kegiatan pameran di aula Malaya Gruzinskaya 28, yang mencakup mereka hingga awal tahun 80an. Sebagian besar seniman yang diwakili telah terlibat dalam proses pameran sejak pameran pertama bagian lukisan pada bulan Maret 1976. Proyeksi ke depan juga terdiri dari memperkenalkan pemirsa secara lebih utuh, secara pribadi, terhadap karya para seniman tersebut.

LESCHENKO Vladimir (1939)
ARMENIA. 1982

Pameran ini merupakan penghormatan kepada kolektor seni tidak resmi Soviet yang terkenal di Amerika, Norton Dodge, penulis istilah “nonkonformisme Soviet.” Saya ingin mencatat fakta bahwa peneliti, penemu, dan dermawan yang luar biasa ini tidak hanya memperhatikan aspek protes politik dari fenomena budaya ini, tetapi juga keunikannya sebagai peristiwa artistik abad ke-20.

SHIBANOVA Natalya (1948)
LUKISAN ALAM BENDA. 1972

Sebagai bagian dari sejarah seni dunia, N. Dodge, berkat koleksi museumnya, melestarikan dan mewariskan kepada generasi berikutnya halaman sejarah nasional yang membiaskan kritikus seni dalam negeri dan simpatisan modern - “aktualis” dan rekan kerja dari globalisasi budaya - sengaja ingin membungkam.

Anggota Persatuan Seniman Moskow S.V. Potapov

Sejak Februari 1974, pihak berwenang mulai melakukan aksi demi aksi yang bertujuan untuk menekan gerakan seniman nonkonformis, yaitu para pelukis, pematung, dan seniman grafis yang tidak menerima prinsip seni realisme sosialis yang telah mati dan membela hak untuk kebebasan berkreasi.

Dan sebelumnya, selama hampir dua puluh tahun, upaya para seniman ini untuk berpameran sia-sia. Pameran mereka segera ditutup, dan pers menyebut kaum nonkonformis sebagai “konduktor ideologi borjuis”, atau “orang ceroboh yang tidak berbakat”, atau hampir menjadi pengkhianat Tanah Air. Jadi orang hanya bisa kagum pada keberanian dan ketekunan para master ini, yang, terlepas dari segalanya, tetap setia pada diri mereka sendiri dan seni mereka.

Maka pada tahun 1974, pasukan KGB dikerahkan untuk melawan mereka. Para seniman ditahan di jalanan, diancam, dibawa ke Lubyanka di Moskow dan Rumah Besar di Leningrad, diperas, dan upaya menyuap mereka.

Sadar jika diam akan dicekik, sekelompok pelukis tidak resmi mengadakan pameran terbuka pada tanggal 15 September 1974, di sebuah tanah kosong di kawasan Belyaevo-Bogorodskoe. Buldoser, mesin penyiraman, dan polisi dikerahkan untuk menentang pameran ini. Tiga lukisan musnah diterjang ulat bulu, dua lukisan terbakar di atas api yang menyala di sana, dan banyak yang dimutilasi. Penggagas pameran ini, pemimpin seniman nonkonformis Moskow, Oscar Rabin, dan empat pelukis lainnya ditangkap.

Pogrom buldoser yang tercatat dalam sejarah seni Rusia ini menyebabkan ledakan kemarahan di Barat. Keesokan harinya, para seniman mengumumkan bahwa dua minggu lagi mereka akan kembali dengan lukisannya ke tempat yang sama. Dan dalam situasi ini, mereka yang berkuasa mundur. Pada tanggal 29 September, pameran seni tidak resmi Rusia pertama yang diizinkan secara resmi berlangsung di Taman Izmailovsky, yang dihadiri bukan oleh dua belas, tetapi lebih dari tujuh puluh pelukis.

Namun tentu saja, mereka yang memutuskan untuk menindak seni bebas Rusia tidak meletakkan senjatanya. Segera setelah pameran Izmailovo, artikel-artikel fitnah tentang seniman tidak resmi kembali muncul di majalah dan surat kabar, dan pihak berwenang yang menghukum menyerang terutama seniman aktif dan kolektor yang ikut serta dalam menyelenggarakan dua pameran terbuka di bulan September. Dan omong-omong, pada periode 1974 hingga 1980 sebagian besar pengrajin yang sekarang tinggal di Barat meninggalkan negara itu. Ada lebih dari lima puluh orang, termasuk Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Lydia Masterkova, Mikhail Roginsky, Vitaly Komar dan Alexander Melamid, Alexander Leonov, Yuri Zharkikh dan banyak lainnya. Oscar Rabin dicabut kewarganegaraan Sovietnya pada tahun 1978. (Pada tahun 1990, dengan keputusan presiden, kewarganegaraan Soviet dikembalikan kepadanya). Bahkan sebelumnya, di awal tahun tujuh puluhan, Mikhail Shemyakin dan Yuri Cooper menetap di Eropa.

Tentu saja, sekelompok besar pelukis tidak resmi kami yang luar biasa tetap berada di Rusia (Vladimir Nemukhin, Ilya Kabakov, Dmitry Krasnopevtsev, Eduard Steinberg, Boris Sveshnikov, Vladimir Yankilevsky, Vyacheslav Kalinin, Dmitry Plavinsky, Alexander Kharitonov, dan lainnya), tetapi sebenarnya masih ada lebih banyak lagi pameran yang benar-benar gratis tidak diadakan, dan desas-desus terus-menerus tersebar tentang mereka yang pergi (bahkan surat dikirim dari Barat), kata mereka, tidak ada seorang pun di Eropa dan AS yang membutuhkannya, tidak ada yang tertarik dengan karya mereka, mereka adalah hampir mati kelaparan. Pejabat seni memperingatkan mereka yang tetap tinggal: “Jika Anda mulai memberontak, kami akan mengusir Anda, Anda akan berada dalam kemiskinan di sana.”

Sementara itu, di Barat pada saat itulah (paruh kedua - akhir tahun 70-an) minat terhadap seni tidak resmi Rusia sangat besar. Satu demi satu, pameran besar seniman Rusia berlangsung di museum dan ruang pameran di Paris, London, Berlin Barat, Tokyo, Washington, dan New York. Pada tahun 1978, Biennale Seni Tidak Resmi Rusia diadakan di Venesia dengan sukses besar. Dalam sebulan, 160.000 orang mengunjungi pameran ini. “Kami sudah lama tidak kedatangan penonton sebanyak ini,” kata Presiden Biennale Carlo Rippe di Meanno.

Benar, para skeptis berpendapat bahwa kepentingan ini murni bersifat politis: mereka berkata, kita perlu melihat jenis lukisan apa yang dilarang di Uni Soviet. Namun ketika mereka teringat akan para kolektor Barat yang semakin bersedia membeli lukisan dan gambar karya seniman Rusia, mereka yang skeptis terdiam. Mereka memahami bahwa tidak ada kolektor yang mau mengeluarkan uang untuk membeli lukisan karena pertimbangan politik. Terlebih lagi, karena alasan seperti itu, galeri Barat tidak mau bekerja sama dengan seniman. Dan tentu saja, karena alasan politik, kritikus seni yang serius tidak akan menulis monografi atau artikel tentang seniman mana pun. Namun banyak artikel serupa yang telah diterbitkan. Monograf tentang karya Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Vitaly Komar dan Alexander Melamid, Mikhail Shemyakin diterbitkan di berbagai negara. Lusinan katalog pameran pribadi dan kelompok terkemuka telah diterbitkan.

Di suatu tempat di akhir tahun 70-an, sebuah artikel “Front Rusia Sedang Maju” muncul di salah satu majalah seni Prancis. Penerbitannya karena saat itu sedang berlangsung tiga pameran seni rupa kontemporer Rusia di Paris. Apakah ini terlihat seperti kurangnya minat?

Di Paris, kata mereka, sekitar seratus ribu seniman tinggal dan bekerja. Bahkan ada lebih banyak lagi di New York. Semua orang ingin berkolaborasi dengan galeri. Persaingannya sulit. Dan pada saat yang sama, banyak seniman emigran Rusia memiliki kontrak permanen dengan galeri Paris dan New York, atau secara rutin mengadakan pameran di galeri tertentu di Eropa dan Amerika.

Selama bertahun-tahun, Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Mikhail Shemyakin (sebelum pindah ke AS) bekerja dan terus bekerja dengan galeri terkenal Paris. Di New York, Vitaly Komar dan Alexander Melamid, Ernst Neizvestny, dan Shemyakin terikat kontrak dengan galeri. Oleg Tselkov dari Paris telah bekerja dengan galeri Eduard Nakhamkin di New York selama bertahun-tahun. Oscar Rabin "Prancis" Rusia lainnya menandatangani kontrak dengan salah satu galeri Paris.

Secara terus-menerus, dan sering kali berhasil, Vladimir Titov, Mikhail Roginsky, Alexander Rabin berpameran di galeri-galeri Eropa. Di AS, Lev Mezhberg, Leonid Sokov, dan pelukis serta seniman grafis lainnya berhasil bekerja dengan galeri.

Di banyak koleksi pribadi Prancis dan Amerika, saya berulang kali menemukan karya-karya dari semua master di atas, serta Vladimir Grigorovich, Valentina Kropivnitskaya, Vitaly Dluga, Valentina Shapiro... Selain itu, menarik bahwa di Barat, khususnya di Paris, sudah di pertengahan tahun 70-an kolektor seni Rusia bebas mulai bermunculan.

“Bagaimana para seniman ini tinggal dan di mana mereka bekerja?” - pembaca mungkin bertanya.

Saya akan menjawab bahwa dari segi perumahan dan ruang kerja, semuanya tertata dengan baik. Dalam kasus terburuk, salah satu ruangan di apartemen berfungsi sebagai studio artis. Banyak yang memiliki studio terpisah - misalnya, Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov. Dan beberapa bahkan lebih suka memiliki apartemen dan bengkel di satu tempat, bisa dikatakan, tanpa membuang waktu di jalan (Unknown, Cooper, O. Rabin, Mezhberg).

“Apakah ini benar-benar mungkin,” beberapa pembaca yang tidak percaya akan bertanya, “apakah semuanya begitu baik bagi seniman emigran, kesuksesan dan pencapaian yang berkelanjutan?”

Tentu saja tidak. Beberapa master berbakat kita tidak dapat menemukan diri mereka di Barat, tidak dapat bertahan dalam persaingan, dan bangkrut. Saya tidak ingin menyebutkan nama di sini—ini sudah sulit secara psikologis bagi banyak orang.

Tentu saja ada seniman yang tidak mampu hidup dari penjualan karyanya. Mereka terpaksa mencari nafkah dengan melakukan pekerjaan lain. Namun banyak sekali di kalangan pelukis dan seniman grafis Barat. Kita pasti terkejut melihat betapa banyak master Rusia, dibandingkan dengan pelukis Barat (dalam persentase), yang sudah lama tinggal di Barat semata-mata karena kreativitas mereka.

Namun yang menarik adalah bahkan para seniman kita yang berada di Barat tidak berada dalam situasi keuangan terbaik dan terpaksa mencari nafkah baik melalui desain industri, atau dengan mendesain surat kabar atau buku, atau dengan cara lain, tidak mampu. peduli dengan nasib mereka tanpa penyesalan. Mengapa?

Ketika saya sedang menulis buku tentang seniman kami yang tinggal di Barat, yang diterbitkan di luar negeri pada tahun 1986, saya mendapat kesempatan untuk melakukan cukup banyak wawancara. Salah satu pelukis yang saat itu (pertengahan tahun 80-an) nasibnya kurang sejahtera, mengatakan kepada saya: “Tidak, saya tidak menyesali apa pun. Apakah itu sulit? Tentu saja itu sulit. Sungguh tidak menyenangkan bahwa saya harus melepaskan diri dari kuda-kuda untuk mencari nafkah; terkadang sayang sekali bahwa para kolektor belum menghubungi saya. Tapi apakah kita datang ke sini demi uang? Kami pergi agar kami dapat dengan bebas, tanpa rasa takut pada siapa pun atau apa pun, menulis apa dan bagaimana kami ingin dan memamerkannya dengan bebas, di mana pun kami mau. Namun, saya juga menulis dengan bebas di Rusia. Tapi, bisa dibilang, tidak mungkin ikut pameran. Dan di sini dalam empat tahun saya sudah berpameran sebelas kali. Dan saya bahkan menjual beberapa barang di pameran ini. Ini memang bukan yang utama, tapi dari segi menjaga semangat tetap penting.”

Namun, dengan variasi yang berbeda, saya mendengar hal yang kurang lebih sama dari seniman emigran lain yang tidak mencapai kesuksesan di Barat seperti, misalnya, Komar dan Melamid atau Yuri Cooper.

Dan menurut saya tidak ada satu pun dari mereka yang menunjukkan wajah bagus, seperti yang mereka katakan, saat bermain buruk. Bagaimanapun, kesempatan untuk berpameran secara luas merupakan kebutuhan bagi sebagian besar seniman. Dan bagi para pelukis Rusia, yang kehilangan hal ini di tanah air mereka, faktor ini sangat penting. Dari tahun 1979 hingga 1986, saya menyimpan catatan statistik pameran Rusia di Barat. Setiap kali jumlahnya lebih dari tujuh puluh per tahun. Itu banyak. Dan geografi pameran ini sangat luas. Pameran pribadi Shemyakin, misalnya, diadakan di Paris, New York, Tokyo, dan London; O. Rabin - di New York, Oslo dan Paris; Cooper - di Perancis, Amerika Serikat dan Swiss; Zaborov - di Jerman Barat, Amerika Serikat dan Paris; Komara dan Melamid - di Eropa dan Amerika...

Dan berapa banyak pameran kelompok seni kontemporer Rusia yang telah berlangsung selama bertahun-tahun, yang diikuti oleh seniman emigran Rusia dan lainnya. Dan geografi mereka juga luas: Prancis, Italia, Inggris, Kolombia, Amerika Serikat, Belgia, Jepang, Swiss, Kanada...

Dan seperti yang sudah saya katakan, kritikus seni dan jurnalis Barat cukup banyak menulis tentang pameran-pameran ini (baik pribadi maupun kelompok). Hampir setiap pameran besar dibarengi dengan pelepasan katalog. Ini dia di rak buku saya: Ernst Neizvestny, Yuri Cooper, Oscar Rabin, Mikhail Shemyakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovich, Harry Fife, Vitaly Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaya... Dan berikut katalog pameran kelompok ; “Seni Rusia Kontemporer” (Paris), “Seni Rusia Baru” (Washington), “Seni Rusia Tidak Resmi” (Tokyo), “Biennale Seni Rusia” (Turin)... Dan inilah buku “Seni Rusia Tidak Resmi dari USSR”, diterbitkan pada tahun 1977 di London, dan dirilis ulang di New York pada tahun berikutnya.

Jadi, seperti yang Anda lihat, bagi seniman emigran Rusia, mungkin tidak semua, tetapi bagi sebagian besar, kehidupan di Barat secara umum berjalan baik. Tak satu pun dari mereka kelaparan. Mereka punya tempat tinggal. Banyak yang memiliki bengkel. Setiap orang mempunyai kesempatan untuk membeli kanvas dan cat. Beberapa di antaranya bekerja sama dengan galeri bergengsi. Semuanya terekspos.

Dan betapa senangnya mengetahui lukisan Anda dibeli oleh kolektor, terutama museum atau Kementerian Kebudayaan, misalnya, di Prancis. Dan tak kalah menyenangkannya melihat bagaimana pecinta seni Barat berdiam diri di depan lukisan Anda. Ngomong-ngomong, tidak seperti kritikus seni, yang sebagian besar tidak langsung menerima seniman Rusia yang tiba-tiba jatuh cinta pada mereka, pemirsa Barat dapat mengapresiasi seni Rusia yang bebas dengan sangat cepat. Saya telah mendengar dari mereka lebih dari sekali, di Paris, Brunswick, dan New York, bahwa dalam seni Rusia ini mereka menemukan sesuatu yang tidak dapat mereka temukan dalam seni modern mereka. Apa sebenarnya? Perasaan manusia yang hidup (sakit, melankolis, cinta, penderitaan...), dan bukan bekisting dingin, yang sayangnya sering ditemukan di banyak pameran di galeri-galeri di Eropa dan Amerika.

Dengan kata lain, dalam seni Rusia bebas mereka menemukan prinsip spiritual yang selalu menjadi ciri seni asli Rusia, bahkan yang paling avant-garde sekalipun. Bukan tanpa alasan bahwa buku Wassily Kandinsky yang agung diberi judul “Tentang Spiritual dalam Seni.”

Artikel-artikel yang disajikan untuk perhatian Anda menampilkan 13 seniman. Esai yang didedikasikan untuk mereka tidak disusun berdasarkan abjad. Mereka dibagi menjadi tiga kelompok, sesuai dengan tiga generasi ahli seni Rusia tidak resmi (seperti yang disebut pada masa pra-perestroika).

Saya berharap berkat inisiatif penerbit Znanie, para pecinta seni rupa kontemporer bisa mengetahui nasib para pelukis kita yang suatu saat terpaksa meninggalkan tanah air demi kebebasan berkreasi.

NONCONFORMISME

50-60an "mencair". Pada tanggal 1 Maret 1953, Stalin meninggal. Banyak intelektual pada masa itu yang sangat senang dan memutuskan bahwa segalanya pada akhirnya akan berbeda. Negara ini mulai kembali ke kehidupan normal setelah kegagalan budaya yang terjadi pada masa Stalin. Seni dibedakan oleh konservatisme yang mengerikan. Realisme sosialis (berdasarkan lukisan Peredvizhniki akhir, patung neoklasik dan abad ke-20 sebagaimana ditafsirkan oleh Maillol dan Bourdelle) mendapat dukungan. Ini adalah strategi anti-modernis yang efektif. Untuk proses artistik yang hidup, ini adalah kegagalan yang mengerikan. Penindasan perbedaan pendapat. Ahli waris dari segala sesuatu yang paling terbelakang akan mengambil alih kepemimpinan pemerintahan nasional. Periode tertutup. Seniman meninggalkan ide dan perkembangan mereka. Realisme sosialis benar-benar heterogen, namun masih ada penyatuan di seluruh negeri. Ironisnya Picasso mengatakan bahwa seniman Soviet harus memiliki cat khusus untuk seragam dan sepatu bot mereka. Individualitas para seniman tidak terlihat. Di masa Soviet, tidak ada sosok seniman bebas (freelancer) sama sekali. Semuanya diatur dengan ketat. Pabrik yang indah (seperti pabrik). Aplikasi untuk komposisi diterima di sana. Tanaman monumental, tanaman patung... Perintah dapat dilakukan oleh seniman sendiri, atau dapat dilakukan oleh kelompok. Artis itu diberi pekerjaan dan penghasilannya bagus. Ada mekanisme yang rumit dalam memberi dan menerima pekerjaan: baik tokoh terkemuka di pabrik maupun beberapa orang yang diundang mengevaluasinya. Tidak ada inspirasi dan gairah yang tepat. Tugasnya banyak, jadi tidak ada waktu untuk menangani semua pekerjaan secara bertanggung jawab. Ada sekumpulan bagian tubuh yang kosong dan barang-barang lainnya (Lenin dapat dirakit sepotong demi sepotong). Di Rusia, sesuatu yang hebat selalu diharapkan dari seorang seniman, tetapi seniman Soviet sering kali adalah seorang seniman yang teliti. Seni tahun-tahun terakhir pemerintahan Stalin dan karya-karya pertama periode Pencairan tidak sesuai dengan kesedihan tahun-tahun sebelumnya. (bosan dengan seni Stalinis: lukisan “Deuce Again” oleh Fyodor Reshetnikov adalah karya anekdot). Hak atas privasi dipulihkan.

Mencairkan: generasi tua dengan kelelahan yang menumpuk (seni konservatif Reshetnikov) dan generasi muda, yang menyadari penindasan yang tidak dapat ditoleransi (bertepatan dengan dimulainya kebijakan yang lebih terbuka).

Pada tahun 50-an diadakan sejumlah pameran (Festival Pemuda dan Pelajar). Ekspresionisme abstrak sungguh menakjubkan. Bahkan Vrubel dan Serov tidak ada di museum. Gambaran spesifik seni dunia telah tercipta. Maka seni terbaru Barat jatuh ke tangan orang-orang Soviet yang tidak siap. Tidak ada yang bisa dibandingkan dengan wahyu seperti itu. Runtuhnya paradigma pandangan dunia.

Inisiatif kreatif seniman kami untuk mengatasi stagnasi tersebut:

GAYA KASAR

Dibagi menjadi kanan (komitmen pada abad ke-19, Pengembara) dan kiri (Andronov, Nikonov, beralih ke warisan arah pra-avant-garde dan avant-garde, OST "a).

Nikolai Andronov “Kasau”, 1960-1961.

Melambangkan deklarasi zaman baru, manusia baru. Kecenderungan impresionisme Rusia. Tidak terpikirkan bagi seorang seniman pada masa Stalin untuk meninggalkan kelengkapan sebuah lukisan. Orang-orang yang bernasib sulit digambarkan. Dimonumentalisasi dengan tegas. Bentuknya lebih sederhana, lebih tangguh, lebih monumental. Menekankan siluet para pahlawan. Strategi bergambar Neo-OST. Ini adalah khotbah. Panduan moral. (“Anda harus menjadi pembangun masa depan kita yang sederhana”). Penempatan sosok yang tidak biasa dengan punggungnya merupakan pernyataan gambar yang berani.

Seni dapat diakses oleh massa. Seniman gaya keras akan menjadi arus utama. Melemahnya penindasan ideologis dan keterbukaan budaya secara umum menghidupkan banyak seniman yang tidak terhubung dengan dunia seni secara umum dan dengan pendidikan seni. Seniman muncul dari bohemia yang baru terbentuk (Oscar Rabin, Ilya Kabakov).

Seni dibagi menjadi beberapa lapisan yang tidak berhubungan.

Vladimir Yakovlev "Kucing dan Burung", 1981

Mengingatkan saya pada Picasso. Kompleks sekunder. Konstanta artis Soviet. Anda bisa melihat bagaimana para seniman berusaha menjembatani kesenjangan yang muncul. Banyak kutipan. Banyak seniman yang tetap berada dalam sejarah sebagai penafsir tanpa individualitasnya sendiri. Dan banyak kaum nonkonformis yang terluka oleh sifat sekunder ini.

Sosok sosok mesianis tahun enam puluhan, berperan profetik.

Dorongan budaya yang kuat, tetapi tidak semuanya bagus. Pada awalnya, pihak berwenang menganggapnya enteng dan menganggapnya sebagai keanehan. Tapi pada tahun 60an. mereka tidak bisa lagi diabaikan. 1962 - pameran "Realitas Baru" (Yankilevsky, Tidak Diketahui, dll.). Seorang koresponden Eropa Barat secara tidak sengaja mengunjungi pameran ini dan menulis catatan singkat, yang mengejutkan Khrushchev (di Eropa semua orang tahu tentang ini, tapi di sini kita tidak tahu?!). Ini adalah seni yang salah jika dipamerkan di lingkungan yang tepat. Sebuah pameran yang didedikasikan untuk ulang tahun ketiga puluh Persatuan Seniman Moskow sedang diselenggarakan di Manege, Deineka, Falk dan lainnya ditampilkan di sana. Manajemen kami belum pernah mengunjungi pameran sebanyak itu. “pendarahan di Persatuan Seniman Moskow”. Khrushchev menghadapi Cézannisme dan eksperimen baru lainnya. Mereka dijuluki "pabrik orang-orang aneh".

Keesokan harinya mereka menulis tentang pameran ini di halaman depan surat kabar Pravda.

Ernst Neizvestny

Patung “Centaur dengan Tangan Terangkat”, 1962.

Memiliki korespondensi yang panjang dengan Henry Moore. Karakter utama dunia kreatif Unknown adalah seorang centaur. Sebagian hewan, sebagian manusia, dan sebagian lagi mesin. Ada kemiripan dengan peralatan mesin. Sangat ekspresif. Tidak ada pose yang tenang dan statis. Seni plastiknya dipengaruhi oleh Rodin, Moore dan lain-lain. Ide tentang kewajiban sipil sang seniman.

"Tangan Neraka" 1971

Banyaknya lubang dalam komposisi.

Seperti tubuh manusia yang terluka.

dia membawa bentuk paksaan keluar dari perang.

"Pohon Kehidupan"

Awalnya saya menginginkan struktur yang terdiri dari banyak patung, yang di dalamnya akan ada sebuah bangunan. Patung-patung itu seharusnya menunjukkan sejarah umat manusia sejak awal zaman. Itu dipasang dalam versi ruang.

“Batu Nisan Khrushchev” Batu nisan paling penting. Menggunakan warna sebagai sarana ekspresi.

Sejumlah monumen korban penindasan.

“Topeng Kesedihan” dekat Magadan.

Vadim Sidur

Lulusan Stroganovka. Dia melewati perang dan terluka parah.

“Mesin yang mereplikasi diri” di akhir tahun 50an. Patung yang setara dengan sebuah mekanisme. Kegembiraan di depan mobil digantikan oleh kengerian.

“Disabled” Bagian tengahnya terlihat seperti penggiling daging.

GrobArt adalah variasi seni pop yang ironis.

“Man from the Coffin” (“Dead Man”) Disusun dari benda-benda yang ditemukan di tempat pembuangan sampah.

Perlengkapan air "Nabi" dan sarung tangan yang menggembung.

Dia banyak bekerja sebagai pematung monumental.

“Monumen bagi mereka yang terbunuh oleh bom,” 1965

Seorang pematung dengan proporsi yang tragis.

"Monumen bagi mereka yang mati karena cinta"

"Kesedihan" 1972

“Monumen bagi mereka yang terbunuh karena kekerasan”, 1965

Akurasi “Penelepon” dari solusi formal. Kepala digantikan oleh gerakan telapak tangan terbuka yang kuat.

Eliy Belyutin

Dia menulis buku tentang sejarah furnitur dan secara umum merupakan seorang desainer interior yang sukses. Dia mendirikan asrama kreatif komunal dan menyelenggarakan pameran di hutan.

"Pemakaman Lenin", 1962

Kanvas naratif dengan pencapaian seni lukis abstrak. Luasnya isyarat bergambar, cakupannya yang fantastis. Panjang kanvas adalah 4 meter. Pengenalan potret Lenin. Sebuah paradoks yang fantastis, sesuatu yang tidak mungkin ada. Hal itu mudah diwujudkan dalam gelombang antusiasme kreatif. Salah satu karya seni lukis tahun 60an yang paling berani dan inovatif.

“Wanita dan Anak” Mengingatkan saya pada mendiang Picasso. Format besar. Penerapan warna yang berani.

Seni bergantung pada seni Barat. Seni dalam negeri selalu mengejar ketinggalan. Surealisme sama sekali tidak ada. Belakangan, minat muncul padanya sebagai fenomena yang terlewatkan. Meski saat itu bukan hal baru sama sekali, namun secara umum sudah menjadi sejarah.

Hulo Sooster

Yang paling dekat dengan karya seninya adalah Max Ernst. Diperbaiki pada motif telur.

"Telur Merah", 1964. tekstur kasar dan noda.

Vladimir Yankilevsky

“Ruang Pengalaman” 1961. “seseorang menyusul Miro!”

Komune seni Lianozovskaya. Di sekitar keluarga Kropivnitsky (Evgeny Rukhin, Oscar Rabin, Nemukhin, galaksi penyair...).

Oscar Rabin

Seniman-seniman sebelumnya berada dalam kerangka sistem, tetapi ia sama sekali tidak sesuai dengan kenyataan. Dalam posisi orang buangan.

Ini mengusung budaya avant-garde Rusia dari grup Jack of Diamonds. Gagal menyelesaikan pendidikan seninya. Dalam lukisan-lukisan itu ada “kehidupan sehari-hari yang chernukha, suram.”

"Paspor" adalah karya paling terkenal dan memalukan. Mengingatkan saya pada Jasper Johns (Bendera). Gravitasi pada persamaan paspor dan pesawat. Karena pekerjaan inilah dia diusir dari negara itu.

Di apartemennya di Lianozovo, seluruh komponen artistik tidak resmi Moskow berkumpul. Mengorganisir kehidupan artistik tidak resmi Moskow. Semua seniman menggabungkan kehidupan hukum dengan aktivitas seni subversif.

Anatoly Zverev

Saya belajar selama satu tahun di Pyatak. Menerima hadiah utama pada pameran pemuda dan mahasiswa. Seorang improvisasi yang brilian. Faktanya, dia adalah seorang tunawisma. Dia tidak menciptakan sistem artistiknya sendiri. Dia terkenal dengan eksibisionisme kreatifnya.

Vladimir Nemukhin

“Masih Hidup dengan Kartu” 1989.

Secara umum kartu merupakan motif yang tetap dalam karyanya. Gambaran tersebut menunjukkan fenomena post-avant-garde, sebuah upaya untuk mengatasi avant-garde. Keadaan garis batas antara gambar dan objek. Kartu tersebut merupakan salah satu modul plastik. Suprematis konvensional, keadaan batas objek nyata dan komposisi geometris. Lukisan itu adalah sebuah benda, sekaligus meja karton dan pesawat. Gerakan selanjutnya diuraikan dengan kapur.

"Solitaire yang Belum Selesai" 1966.

Penghormatan kepada Tachisme (lukisan isyarat).

"Poker di Pantai" 1974. Pada pandangan pertama, pembagian ilusi abstrak ditekankan.

Eduard Steinberg

artis kreatif belyutin yang tidak dikenal

Dia tidak memiliki kerumitan tentang ketergantungannya pada seni tahun 20-an. Ia merasa seperti seorang inovator, meskipun ia hanya bereaksi terhadap apa yang telah ditemukan. Namun dia tidak mencoba membangkitkan Suprematisme secara harfiah. Tidak ada nuansa warna merah, hitam, putih yang tajam dan kaya.

Komposisi dari tahun 1972. Sebuah persegi diambil sebagai titik acuan, namun ukurannya menjadi kecil, sehingga menimbulkan bayangan yang tajam. Perkembangan Suprematisme yang disempurnakan. Visi yang menyimpang dari karya Malevich.

“Komposisi dengan bagian melingkar” Bidang-bidang berputar, berpotongan, suatu varian dari konsep abstraksi geometris.

Rotasi “Komposisi 1983”, lingkaran. Realitas supernatural metafisik sedang aktif saat ini.

Dmitry Plavinsky

Tipe seniman tanah. Berfokus pada masalah kehidupan Rusia. Mengatasi dunia desa Rusia yang terlupakan. Fragmen gubuk, kayu gelondongan (metafora kehancuran kehidupan asli Rusia).

"Pantat Besar" 1978.

Seniman adalah seorang filsuf. Metafora yang kuat dalam gambaran gubuk yang membusuk.

Nikolai Kharitonov

Gambar yang sangat indah dan primitif. Soilisme konservatif dalam lukisan metafisika Moskow. Sebagian besar kanvas didedikasikan untuk gereja-gereja Rusia kuno. Sesuatu yang mirip dengan karya seni Kustodiev. Selaras dengan neo-impresionisme. Terlihat sangat provinsial dengan latar belakang seni dunia. Gambaran orang buangan yang romantis.

"Hari libur"

Ada berbagai cara untuk menerima kenyataan. Beberapa seniman terjun lebih jauh ke dalam realitas buruk Soviet. Kohabitasi komunal Soviet menjadi salah satu tema utama seni tidak resmi Moskow.

Mikhail Roginsky

Dia menggambarkan berbagai macam teko, kompor primus, korek api... Sejajar dengan seni pop, tapi kita memiliki cara hidup yang sangat berbeda. Namun, kesuraman Rabin asing baginya; dia tidak merendahkan kenyataan.

"Teko" 1963.

Lukisan yang sangat berani dan tebal. Menampilkan kualitas plastik alam. Mengintip lingkungannya, saya memilih perwujudan gambar yang sesuai untuknya. Anti-estetika yang demonstratif.

“Di departemen daging” 1981-1982.

Teknik gambar dan situasi psikologis itu penting.

“Sniper Pavlyuchenko” 1966 Gambar objek sehari-hari diperbesar. Kotak itu melebihi ukuran lukisan itu. Paralel yang paling dekat dengan seni pop.

Oleg Tselkov

Aktif bekerja di tahun 60-70an. Senimannya adalah seorang individualis dan menjauhi gerakan-gerakan umum. Tema makhluk antropomorfik (moncong, gambar). Makhluk antropomorfik aneh dicat dengan warna-warna cerah. Topeng yang aneh. Orang yang khas dari rezim totaliter, pahlawan sistem yang tidak berwajah. Itu mengikat semua orang menjadi satu.

"Akrobat dan Capung" 1974. Setumpuk daging berwarna.

"Berita kematian" 1971. Sebuah upacara peringatan yang menakutkan dan indah. Wajah merah membayang.

“Genius tahun enam puluhan” adalah individualisme yang istimewa. Keinginan untuk menciptakan gaya Anda sendiri. Kemudian hal itu mulai membuat mereka sendiri jengkel. Generasi setelah avant-garde kedua sangat berbeda dari mereka.

Konseptualisme romantis Moskow

(istilah ini diperkenalkan oleh Boris Groys)

Perwakilan: Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Viktor Pivovarov, Oleg Vasiliev, Andrey Monastyrsky.

Terintegrasi dengan baik ke dalam sistem. Kami mengilustrasikan buku anak-anak (segmen kontrak pemerintah yang menguntungkan). Sastra anak menawarkan banyak kesempatan untuk ekspresi diri dan mencari bentuk-bentuk baru. Etika dari lingkaran Kabakov adalah membuat peretasan berhasil.

60-70an - konseptualisme.

KONSEPTUALISME MOSKOW

Joseph Kosuth mengangkat pertanyaan tentang ide sebagai hal utama dalam seni. Kehadiran sebuah ide menentukan nilai sebuah karya.

Fauvisme, kubisme - interpretasi baru terhadap subjek.

Seniman Rusia mendambakan sesuatu di luar dunia seni. Kandinsky dan Malevich membuang subjek tersebut dari bidang minat artis. Bagi seniman Rusia, subjeknya tidak begitu penting (kecuali karya Monastyrsky). Konflik bahasa, bukan pertikaian dengan subjek. Semuanya fiksi dan fantasi.

Dalam seni Soviet terdapat konflik antar bahasa deskripsi (bahasa iklan rumah tangga). Kosakata cabul sangat penting dalam konseptualisme. Orang-orang tahun enam puluhan mengekspresikan diri mereka dalam satu bahasa - masing-masing dalam bahasa mereka sendiri.

“Konseptualisme bukanlah lukisannya, tetapi penontonnya” (I. Kabakov)

Bagi seorang konseptualis, penonton adalah kaki tangannya. Seorang konseptualis adalah warga negara Soviet yang teliti. Orang-orang berprestasi, bukan orang-orang yang terpinggirkan. Jenis perilaku lain dalam seni Rusia yang bahkan mereka yang “tahu” tidak dapat memahaminya.

Ekspresifitas konten (seni Rusia selalu tentang sesuatu, seniman mencoba menceritakan sesuatu). Mereka menggunakan orang yang berbicara. Ini bukan pidato seorang seniman, tetapi seorang tokoh fiksi.

Ilya Kabakov

“Lalat siapa ini?” tahun 1960-an

Sepertinya papan buletin Soviet. Di tengah ada lalat, di atas ada dialog tentang lalat. Kisah sedih tentang kehidupan komunal. Teksnya terlibat penuh. Fontnya seperti koran dinding.

Instalasi total adalah semacam ruang total untuk penggunaan beberapa jenis seni.

Instalasi total adalah instalasi yang dibangun atas penyertaan penonton di dalam dirinya, dirancang untuk reaksinya di dalam ruang tertutup tanpa jendela, seringkali terdiri dari beberapa ruangan. Hal utama yang menentukan dalam hal ini adalah suasananya, aura yang timbul dari pengecatan dinding, pencahayaan, konfigurasi ruangan, dll., Sementara banyak peserta “biasa” dalam instalasi - benda, gambar, lukisan, teks - menjadi komponen biasa dari keseluruhan. I.Kabakov. Tentang instalasi total. Kanz, 1994.

"Dapur umum"

Dengan rela membahas topik museum.

“Papan Penjelasan untuk 3 Penjelasan 6 Lukisan” Teks instruksi menempati tempat yang sangat penting. Ada instruksinya, tapi tidak ada gambarnya, gambarnya tidak penting, tapi instruksinya abadi. Kualitas artistik diratakan.

Dia tertarik pada orang kebanyakan, bukan orang jenius.

Ilustrasi untuk buku anak-anak “The Tale of Terro Ferro”

Semua seni kontemporer Rusia adalah hasil kreativitas.

Salah satu master instalasi pertama.

"Pria yang Terbang Keluar dari Kamarnya Sendiri" 1986

Gagasan untuk melarikan diri, mengatasi batasan, adalah tema yang sering muncul. Hal ini membawa situasi ke titik absurditas. Seorang penduduk Soviet dengan hati-hati merencanakan pelariannya. Ada lubang besar di langit-langit. Hanya sepatu yang tergeletak di lantai yang tersisa dari pria ini. Kamarnya kecil, ada tempat tidur lipat, kursi, semacam meja, semua dindingnya ditutupi poster. Mikromuseum budaya massa Soviet. Sebuah instalasi tentang pelarian seseorang dari masa kini sosialis. Menghindari teks; narasi yang hilang harus dikembalikan secara detail. Sikap penulis yang sangat terpisah.

“Pria yang Terbang ke dalam Gambarnya Sendiri” Sebuah petunjuk tentang situasi yang tidak masuk akal. Mengatasi batas antara kenyataan dan ilusi. Kursi - ketidakhadiran dan kehadiran seseorang.

Daya tarik aktif untuk melukis dari siklus

"Liburan" atau "Liburan", 1987.

Gambar yang dikumpulkan secara acak. Adegan kehidupan Soviet yang bahagia. Potong bunga di atasnya.

Sebuah siklus yang sulit untuk dipahami.

“Lukisan Rusia adalah perubahan simulacra yang konstan, kumpulan kepalsuan”

Dalam seni lukis, ia tertarik pada cara bergambar yang rata-rata, rata-rata, tidak ada bahasa bergambar.

Pengabaian demonstratif terhadap integritas gambar. Bagian dominan komposisinya diisi dengan adegan sehari-hari. Perbandingan adegan minum teh dan berenang, kehidupan sehari-hari warga Soviet yang bahagia.

Gaya lukisan rata-rata sering digunakan oleh Kabakov.

Charles Rosenthal adalah karakter fiksi, rata-rata seniman yang terlupakan. Murid Malevich yang hilang. Karakter aneh yang menggabungkan arah yang berbeda. Berharga sebagai artis gagal pada umumnya. Sejarah seni adalah sejarah para genius, dan dia tidak tertarik pada mereka, dia tertarik pada norma. Dia memiliki “sejarah seni alternatif” sendiri. Ia menciptakan seniman-seniman “normal” yang juga memiliki jalur kreatifnya sendiri, perkembangannya sendiri. Bukan takdir seni yang mapan, tapi tipe teladan.

Instalasi Referensi “Mobil Merah”.

Sejarah Soviet sedang dikompres menjadi satu. realitas Soviet. Sketsanya lebih jelas dari pada instalasinya sendiri. Membagi pekerjaan menjadi tiga bagian. Konstruksi bersyarat: perancah super kompleks dengan tangga. Penonton bisa masuk ke sana. Mengekspresikan ide adalah gerakan ke atas. Metafora optimisme yang tak terkendali. Konstruksinya tidak ada gunanya - mereka hanya membuat gerbong merah. Ketidaksesuaian antara ambisi dan hasil. Kereta itu seperti ruang tertutup yang menakutkan. Bagian terakhir dari instalasi adalah TPA. Hasil dari segala upaya. Di sinilah sejarah Soviet mengarah. Upaya untuk mewujudkan sejarah Soviet secara kiasan.

Dalam waktu singkat ia menjadi artis Rusia paling terkenal di luar negeri. Membentuk citra seniman khas Rusia. Ini persis seperti klise tentang bagaimana seni Rusia dipandang di luar negeri.

Eric Bulatov Gambar-teks.

Mereka ditemukan di antara berbagai seniman; dalam seni rupa Rusia mereka digunakan dalam avant-garde dan konstruktivisme.

“Kemuliaan bagi CPSU” Konflik internal dengan gambaran tradisional, realitas teks yang diproyeksikan ke dalam kenyataan. Pekerjaan yang sangat dingin telah selesai.

Gaya Shishkin. Dekat dengan lingkaran Bulatov, misalnya Oleg Vasiliev.

Gambar pemimpin, slogan, pandangan VDNH - di balik semua itu tidak ada informasi yang memberatkan. Dia hanya melihat dan menemukan cara akurat untuk merepresentasikan apa yang dilihatnya.

"Abad XX Rusia"

Oleg Vasiliev

"Rotasi"

Motif cahaya sering diberikan, seperti pada karya ini. Dieksekusi di grisaille. Mengambil inspirasi dari seniman abad ke-19.

"Jalan"

Hanya marka jalan yang menunjukkan karakter modern. Pemandangan tradisional.

Victor Pivovarov

Menggunakan formulir yang sudah jadi.

“Papan pesan”, wadah untuk komposisi tentang pengoperasian alat pemadam kebakaran, pencegahan kebakaran, dll. Perbedaan yang aneh antara bahasa dan konten.

“Maria Maksimovna, ketelmu mendidih” Mencemooh empati orang Rusia terhadap sastra. Mengungkapkan kepada pemirsa apa yang ingin dia lihat di sana. Suka paradoks.

"Tidak, kamu tidak ingat aku" 1975

Dekat dengan lanskap Dadaist dan surealis.

Kaum konseptualis mempunyai momen-momen yang tidak nyata.

Bekerja dengan bentuk yang tidak masuk akal.

Ia banyak bekerja dengan memahami persoalan seni itu sendiri.

Konstantin Zvezdochetov

"Dua pahlawan" 2005

Bahasanya lebih menyedihkan. Siluet yang disederhanakan. Gambar tersebut ditafsirkan dalam gaya Pivovarov.

“Viola di atas meja”

Penolakan citra seorang master hebat, kualitas lukisan museum.

Konstantin Zvezdochetov, Sven Gundlach, Mironenko bersaudara.

Karakter lucu yang diucapkan. Perawatan hooligan gratis, dan bukan karya seni tertentu yang luar biasa. Membalikkan praktik konseptualis. Energi muda yang berani dan mengejutkan. Tindakannya menyenangkan, berani, dan berbahaya. Suatu hari mereka menguburkan salah satu anggota kelompok di hutan dan mencarinya selama dua jam hingga mereka menyadari bahwa mereka sebenarnya tidak mengetahui keberadaannya. Kontak keras yang agresif dengan penonton. Parodi aksi kolektif. Mereka menggunakan provokasi; dengan tegas menolak keseriusan para konseptualis. Pengurangan yang jelas dalam kebutuhan plastik. Penggunaan gambar anak-anak secara demonstratif. Seni pop buatan sendiri.

“Rubel Panjang” Ketidakmampuan dan keriangan yang berlebihan.

Pendahulu lelang Moskow.

Mereka merekam “Album Emas”, sebuah kolase puisi lucu dan parodi pop. Dibuat sebagai lelucon, untuk teman-teman. Namun kesuksesan tak terduga menimpa.