Alat musik keyboard. Harpsichord: sejarah, video, fakta menarik, dengarkan Harpsichord: foto

Saya harus mengakui bahwa saya berbicara tentang harpsichord sebagai subjek yang sangat pribadi bagi saya.

Setelah tampil di sana selama hampir empat puluh tahun, saya telah mengembangkan kasih sayang yang mendalam terhadap penulis tertentu dan telah memainkan siklus lengkap dari semua yang mereka tulis untuk instrumen ini di konser. Hal ini terutama menyangkut François Couperin dan Johann Sebastian Bach.

Saya harap apa yang telah dikatakan dapat menjadi permintaan maaf atas bias saya, yang saya khawatir tidak dapat saya hindari.

PERANGKAT

Keluarga besar instrumen petik senar keyboard telah dikenal. Sumber daya tersebut bervariasi dalam ukuran, bentuk, dan suara (warna). Hampir setiap ahli yang membuat instrumen seperti itu di masa lalu mencoba menambahkan sesuatu miliknya sendiri ke dalam desainnya.
Ada banyak kebingungan tentang sebutan mereka. Secara umum, instrumen dibagi menurut bentuknya menjadi memanjang (mengingatkan pada piano kecil, tetapi dengan bentuk bersudut - grand piano memiliki bentuk bulat) dan persegi panjang. Tentu saja, perbedaan ini sama sekali tidak bersifat dekoratif: dengan posisi senar yang berbeda dibandingkan dengan keyboard, tempat pada senar di mana karakteristik pemetikan semua instrumen ini dibuat memiliki pengaruh yang sangat signifikan terhadap timbre suara.

J. Wermeer dari Delft. Wanita yang duduk di harpsichord

OKE. 1673–1675. Galeri Nasional, London Harpsichord adalah instrumen terbesar dan paling kompleks dari keluarga ini. Di Rusia sejak abad ke-18. Nama Perancis yang paling banyak digunakan untuk instrumen ini adalah harpsichord ( clavecin), tetapi ditemukan, terutama dalam praktik musik dan akademis, dan bahasa Italia - simbal ( cembalo; Nama-nama Italia juga dikenal clavicembalo, gravicembalo.

). Dalam literatur musikologi, terutama musik barok Inggris, nama bahasa Inggris untuk alat musik ini muncul tanpa terjemahan.

Berbagai jenis instrumen senar keyboard

Patut dicatat bahwa W. Shakespeare memberikan deskripsi tentang tindakan pelompat, dan yang sangat akurat, dalam sonetanya yang ke-128. Dari sekian banyak pilihan terjemahan, esensi permainan harpsichord paling akurat tersampaikan - selain sisi artistik dan puitisnya - melalui terjemahan Modest Tchaikovsky:

Saat kamu, musikku, mainkan,
Gerakkan tombol-tombol ini
Dan, membelai mereka dengan lembut dengan jari-jari Anda,
Harmoni senar menimbulkan kekaguman,
Saya melihat kuncinya dengan cemburu,
Bagaimana mereka menempel di telapak tangan Anda;
Bibir terbakar dan haus akan ciuman,
Mereka iri melihat keberanian mereka.
Oh, seandainya takdir tiba-tiba berbalik
Saya bergabung dengan barisan penari kering ini!
Saya senang tangan Anda menyentuh mereka, -
Ketiadaan jiwa mereka lebih diberkati daripada bibir orang hidup.
Tapi kalau mereka bahagia, ya
Biarkan mereka mencium jarimu, dan biarkan aku mencium bibirmu.

Dari semua jenis instrumen petik senar keyboard, harpsichord adalah yang terbesar dan paling rumit. Ini digunakan baik sebagai instrumen solo maupun sebagai instrumen pengiring. Ini sangat diperlukan dalam musik barok sebagai sebuah karya ansambel. Namun sebelum berbicara tentang banyaknya repertoar instrumen ini, perlu dijelaskan lebih banyak tentang desainnya.

Pada harpsichord, semua warna (timbre) dan dinamika (yaitu, kekuatan suara) pada awalnya ditetapkan dalam instrumen itu sendiri oleh pencipta masing-masing harpsichord. Dengan cara ini, sampai batas tertentu, ia mirip dengan organ. Pada harpsichord, Anda tidak dapat mengubah suara dengan mengubah seberapa keras Anda menekan tombolnya. Sebagai perbandingan: pada piano, keseluruhan seni interpretasi terletak pada kekayaan sentuhan, yaitu pada keragaman cara menekan atau memukul tuts.

Diagram mekanisme harpsichord

Beras. A: 1. Steg; 2. Peredam; 3. Pelompat (pendorong); 4. Bilah pendaftaran; 5. Steg;
6. Rangka pelompat (dorong); 7. Kunci

Beras. B. Pelompat (pendorong): 1. Peredam;

2. Tali; 3. Bulu; 4. Lidah; 5. Polster; 6. Musim semi

Tentu saja, tergantung pada kepekaan pemain harpsichordist, apakah instrumen tersebut terdengar musikal atau “seperti panci” (kira-kira begitulah yang dikatakan Voltaire). Namun kekuatan dan timbre bunyi tidak bergantung pada pemain harpsichordist, karena antara jari pemain harpsichordist dan senar terdapat mekanisme transmisi yang rumit berupa pelompat dan bulu. Sekali lagi, sebagai perbandingan: pada piano, memukul tuts secara langsung mempengaruhi aksi palu memukul senar, sedangkan pada harpsichord, efeknya pada bulu tidak langsung.

Sejarah awal harpsichord sudah ada sejak berabad-abad yang lalu. Ini pertama kali disebutkan dalam risalah John de Muris “The Mirror of Music” (1323).

Salah satu penggambaran harpsichord paling awal ada di Weimar Book of Wonders (1440).

Untuk waktu yang lama diyakini bahwa instrumen tertua yang masih ada dibuat oleh Hieronymus dari Bologna dan bertanggal 1521. Instrumen ini disimpan di London, di Museum Victoria dan Albert. Namun baru-baru ini diketahui bahwa ada instrumen yang beberapa tahun lebih tua, juga diciptakan oleh master Italia - Vincentius dari Livigimeno. Itu diserahkan kepada Paus Leo X. Produksinya dimulai, menurut prasasti pada kasus itu, pada tanggal 18 September 1515. 1440

Piano kuno. Buku Keajaiban Weimar. Untuk menghindari suara yang monoton, pembuat harpsichord, yang sudah berada pada tahap awal pengembangan instrumen, mulai melengkapi setiap tuts bukan dengan satu senar, tetapi dengan dua warna nada yang berbeda. Namun segera menjadi jelas bahwa karena alasan teknis tidak mungkin menggunakan lebih dari dua set string untuk satu keyboard. Kemudian muncul ide untuk menambah jumlah keyboard. Pada abad ke-17 Harpsichord yang paling kaya secara musik adalah instrumen dengan dua keyboard (atau dikenal sebagai manual, dari lat.

manus - "tangan"). Dari sudut pandang musik, instrumen semacam itu adalah sarana terbaik untuk menampilkan beragam repertoar barok. Banyak karya klasik harpsichord yang ditulis khusus untuk efek bermain pada dua keyboard, misalnya sejumlah sonata oleh Domenico Scarlatti. F. Couperin secara khusus menyatakan dalam kata pengantar koleksi ketiga karya harpsichordnya bahwa ia menempatkan di dalamnya karya-karya yang ia sebut

Dari sudut pandang evolusi harpsichord, dua manual ternyata bukanlah batasnya: kita mengetahui contoh harpsichord dengan tiga keyboard, meskipun kita tidak mengetahui karya yang pasti memerlukan instrumen semacam itu untuk memainkannya.

Sebaliknya, ini adalah trik teknis dari masing-masing pemain harpsichordist.

Pada masa kejayaannya yang gemilang (abad XVII-XVIII), harpsichord dimainkan oleh musisi-musisi yang memiliki seluruh alat musik keyboard yang ada pada masa itu, yaitu organ dan clavichord (makanya disebut claviers).

Harpsichord diciptakan tidak hanya oleh pembuat harpsichord, tetapi juga oleh ahli yang membuat organ. Dan wajar untuk menerapkan beberapa ide mendasar dalam konstruksi harpsichord yang telah banyak digunakan dalam desain organ. Dengan kata lain, pembuat harpsichord mengikuti jalur pembuat organ dalam memperluas sumber daya register instrumen mereka. Jika pada organ semakin banyak set pipa baru yang didistribusikan antar manual, maka pada harpsichord mereka mulai menggunakan lebih banyak set senar, juga didistribusikan antar manual. Register harpsichord ini tidak terlalu berbeda dalam volume suara, tetapi dalam timbre - sangat signifikan.
Halaman judul koleksi musik pertama untuk perawan "Parthenia".

London. 1611 Jadi, selain dua set senar (satu untuk setiap keyboard), yang dibunyikan secara serempak dan tingginya sesuai dengan suara yang direkam dalam not, mungkin terdapat register empat kaki dan enam belas kaki.(Bahkan penunjukan register dipinjam oleh pembuat harpsichord dari pembuat organ: pipa.)

organ ditandai dengan kaki, dan register utama yang sesuai dengan notasi musik disebut yang berkaki delapan, sedangkan pipa yang menghasilkan bunyi satu oktaf di atas yang dinotasikan disebut yang berkaki empat, dan yang menghasilkan bunyi satu oktaf lebih rendah disebut yang enam belas kaki. Pada harpsichord, register yang dibentuk oleh set ditunjukkan dalam ukuran yang sama

string

Jadi, jangkauan suara harpsichord konser besar pada pertengahan abad ke-18.

Kami tidak akan menceritakan sejarah perawan di sini, kami hanya akan mencatat bahwa ini adalah jenis alat musik gesek yang dipetik keyboard, suaranya mirip dengan harpsichord. Patut dicatat bahwa dalam salah satu studi menyeluruh terakhir tentang sejarah harpsichord ( Kottick E. Sejarah Harpsichord. Bloomington. 2003) virginel, seperti spinet (varietas lain), dianggap sejalan dengan evolusi harpsichord itu sendiri.

Mengenai nama virginel, perlu dicatat bahwa salah satu etimologi yang diusulkan menelusurinya kembali ke bahasa Inggris perawan dan selanjutnya ke bahasa Latin Virgo, yaitu, “perawan”, karena Elizabeth I, Ratu Perawan, suka berperan sebagai perawan. Faktanya, perawan muncul bahkan sebelum Elizabeth. Asal usul istilah "perawan" lebih tepat berasal dari kata Latin lainnya - virga(“tongkat”), yang menunjukkan pelompat yang sama.

Sangat menarik bahwa dalam ukiran yang menghiasi edisi cetak pertama musik untuk perawan (“Parthenia”), musisi tersebut digambarkan dalam kedok seorang gadis Kristen - St. Cecilia. Omong-omong, nama koleksinya sendiri berasal dari bahasa Yunani. parthenos, yang berarti "gadis".

Untuk menghiasi edisi kali ini, sebuah ukiran lukisan karya seniman Belanda Hendrik Goltzius “St. Cecilia". Namun, pengukir tidak membuat bayangan cermin dari gambar di papan, sehingga pengukiran itu sendiri dan pelakunya ternyata terbalik - tangan kirinya jauh lebih berkembang daripada tangan kanannya, yang tentu saja tidak bisa. telah menjadi kasus bagi seorang perawan pada waktu itu. Ada ribuan kesalahan dalam pengukiran. Mata seorang non-musisi tidak memperhatikan hal ini, tetapi seorang musisi segera melihat kesalahan pengukirnya.

Pendiri kebangkitan harpsichord di abad ke-20 mendedikasikan beberapa halaman indah yang penuh perasaan antusias untuk musik para perawan Inggris. pemain harpsichordist Polandia yang luar biasa Wanda Landowska: “Dicurahkan dari hati yang lebih berharga dari hati kita, dan dipelihara oleh lagu-lagu daerah, musik Inggris kuno - penuh gairah atau tenteram, naif atau menyedihkan - nyanyian alam dan cinta. Dia mengagungkan kehidupan. Jika dia beralih ke mistisisme, maka dia memuliakan Tuhan. Tidak diragukan lagi ahlinya, dia juga spontan dan berani. Seringkali terlihat lebih modern daripada yang terbaru dan tercanggih. Bukalah hati Anda terhadap pesona musik ini, yang pada dasarnya tidak diketahui.

Baris-baris ini ditulis pada awal abad kedua puluh. Selama satu abad terakhir, banyak sekali upaya yang telah dilakukan untuk mengungkap dan mengevaluasi secara keseluruhan warisan musik kaum Virginalis yang tak ternilai harganya. Dan apa nama-nama ini! Komposer William Bird dan John Bull, Martin Pearson dan Gil Farnaby, John Munday dan Thomas Morley...

Ada kontak dekat antara Inggris dan Belanda (ukiran “Parthenia” sudah membuktikan hal ini). Harpsichord dan perawan karya empu Belanda, khususnya Dinasti Ruckers, sudah terkenal di Inggris. Pada saat yang sama, anehnya, Belanda sendiri tidak bisa membanggakan aliran komposisi yang begitu cemerlang.

Di benua ini, sekolah harpsichord yang khas adalah bahasa Italia, Prancis, dan Jerman. Kami hanya akan menyebutkan tiga perwakilan utama mereka - Francois Couperin, Domenico Scarlatti dan Johann Sebastian Bach.

Salah satu tanda yang jelas dan nyata dari bakat seorang komposer yang luar biasa (yang berlaku untuk setiap komposer di era mana pun) adalah pengembangan gaya ekspresi uniknya sendiri, yang murni pribadi. Dan dari jumlah penulis yang tak terhitung jumlahnya, tidak akan ada begitu banyak pencipta sejati. Ketiga nama ini tentu menjadi milik penciptanya. Masing-masing dari mereka memiliki gaya uniknya masing-masing.

François Couperin

François Couperin(1668–1733) - seorang penyair harpsichord sejati. Dia mungkin bisa menganggap dirinya orang yang bahagia: semua (atau hampir semua) karya harpsichordnya, yaitu apa yang menjadi ketenaran dan signifikansi dunianya, diterbitkan oleh dirinya sendiri dan membentuk empat volume. Dengan demikian, kami memiliki gambaran komprehensif tentang warisan harpsichordnya. Penulis baris-baris ini cukup beruntung untuk menampilkan siklus lengkap karya harpsichord Couperin dalam delapan program konser, yang dipresentasikan di festival musiknya, yang diadakan di Moskow di bawah naungan Tuan Pierre Morel, Duta Besar Prancis untuk Rusia.

Saya minta maaf karena saya tidak dapat menggandeng tangan pembaca saya, mengarahkannya ke harpsichord dan memainkan, misalnya, “The French Masquerade, atau Les Masques of the Dominos” oleh Couperin. Betapa banyak pesona dan keindahan yang dimilikinya! Namun ada juga kedalaman psikologis di dalamnya. Di sini, setiap topeng memiliki warna tertentu dan - yang sangat penting - karakternya. Catatan penulis menjelaskan gambar dan warna. Ada total dua belas topeng (dan warna), dan muncul dalam urutan tertentu.

Saya sudah sempat mengingat lakon Couperin ini sehubungan dengan cerita tentang “Kotak Hitam” karya K. Malevich (lihat “Seni” No. 18/2007).

Faktanya skema warna Couperin, dimulai dengan putih (variasi pertama melambangkan Keperawanan), diakhiri dengan topeng hitam (Fury atau Despair). Jadi, dua pencipta dari era yang berbeda dan seni yang berbeda menciptakan karya dengan makna yang sangat simbolis: di Couperin, siklus ini melambangkan periode kehidupan manusia - usia seseorang (dua belas dalam jumlah bulan, masing-masing enam tahun - ini adalah sebuah alegori dikenal di era Barok). Hasilnya, Couperin bertopeng hitam, Malevich bertopeng hitam. Bagi keduanya, munculnya warna hitam adalah hasil dari banyak kekuatan. Malevich secara langsung menyatakan: “Saya menganggap putih dan hitam berasal dari warna dan sisik warna-warni.” Couperin memberi kami rangkaian warna-warni ini.

Jelas bahwa Couperin memiliki harpsichord yang luar biasa. Ini tidak mengherankan - lagipula, dia adalah pemain harpsichordist istana Louis XIV. Instrumen-instrumennya, dengan suaranya, mampu menyampaikan gagasan penciptanya secara mendalam. Domenico Scarlatti

(1685–1757). Komposer ini memiliki gaya yang sangat berbeda, tetapi seperti Couperin, tulisan tangan yang jelas adalah tanda kejeniusan yang pertama dan jelas. Nama ini terkait erat dengan harpsichord. Meskipun Domenico menulis berbagai musik di masa mudanya, ia kemudian menjadi terkenal sebagai penulis sejumlah besar (555) harpsichord sonata. Scarlatti secara luar biasa memperluas kemampuan pertunjukan harpsichord, memperkenalkan cakupan virtuoso yang sampai sekarang belum pernah ada sebelumnya ke dalam teknik memainkannya.

Semacam paralel dengan Scarlatti dalam sejarah musik piano selanjutnya adalah karya Franz Liszt, yang diketahui secara khusus mempelajari teknik pertunjukan Domenico Scarlatti. (Omong-omong, karena kita berbicara tentang kesejajaran dengan seni piano, Couperin juga, dalam arti tertentu, memiliki pewaris spiritual - ini, tentu saja, adalah F. Chopin.)

Selama paruh kedua hidupnya, Domenico Scarlatti (jangan bingung dengan ayahnya, komposer opera terkenal Italia Alessandro Scarlatti) adalah harpsichordist istana Ratu Spanyol Maria Barbara, dan sebagian besar sonata-nya ditulis khusus untuknya . Kita dapat dengan aman menyimpulkan bahwa dia adalah seorang harpsichordist yang luar biasa jika dia memainkan sonata yang terkadang sangat sulit secara teknis ini. J. Wermeer dari Delft. Gadis di spinet.

Dalam hal ini, saya ingat satu surat (1977) yang saya terima dari pemain harpsichordist Ceko Zuzanna Ruzickova yang terkemuka: “Tuan Majkapar yang terhormat! Aku punya satu permintaan untukmu. Seperti yang Anda ketahui, sekarang ada banyak minat terhadap harpsichord asli, dan ada banyak diskusi seputar hal ini. Salah satu dokumen penting dalam pembahasan instrumen ini sehubungan dengan D. Scarlatti adalah lukisan Vanloo, yang menggambarkan Maria Barbara dari Portugal, istri Philip V. (Z. Ružičkova salah - Maria Barbara adalah istri Ferdinand VI, putra Philip V.- PAGI.). Raphael Pouyana (seorang harpsichordist Prancis kontemporer terkemuka - PAGI.) percaya bahwa lukisan itu dilukis setelah kematian Maria Barbara dan oleh karena itu tidak dapat menjadi sumber sejarah.

Lukisan itu ada di Hermitage. Akan sangat penting jika Anda mengirimkan saya dokumen tentang lukisan ini.” Fragmen.

1768. Pertapaan, St

Lukisan yang dimaksud dalam surat tersebut adalah “Sextet” karya L.M. Vanloo (1768).

Letaknya di Hermitage, di gudang departemen seni lukis Prancis abad ke-18. Penjaga departemen I.S. Nemilova, setelah mengetahui tujuan kunjungan saya, mengantar saya ke sebuah ruangan besar, atau lebih tepatnya aula, di mana terdapat lukisan-lukisan yang tidak termasuk dalam pameran utama. Ternyata banyak karya yang disimpan di sini yang sangat menarik dari sudut pandang ikonografi musik! Satu demi satu, kami mengeluarkan bingkai besar, yang di dalamnya terdapat 10–15 lukisan, dan memeriksa subjek yang menarik minat kami. Dan terakhir, “Sextet” oleh L.M. Vanloo.

Namun Nemilova, seperti Rafael Puyana, meragukan hipotesis tersebut. Lukisan itu dilukis pada tahun 1768, yaitu dua belas tahun setelah sang seniman meninggalkan Spanyol dan sepuluh tahun setelah kematian Maria Barbara. Sejarah ordonya diketahui: Catherine II menyampaikan kepada Vanloo melalui Pangeran Golitsyn keinginan untuk memiliki lukisan karya dia. Karya ini segera datang ke St. Petersburg dan disimpan di sini sepanjang waktu; Golitsyn memberikannya kepada Catherine sebagai "Konser". Adapun nama "Konser Spanyol", kostum Spanyol yang menggambarkan karakter memainkan peran dalam asal-usulnya, dan, seperti yang dijelaskan Nemilova, ini adalah kostum teater, dan bukan kostum yang sedang populer saat itu.

V.Landowska

Dalam gambar tersebut, tentu saja, harpsichord menarik perhatian - instrumen dua manual dengan gaya khas paruh pertama abad ke-18. warna tutsnya kebalikan dari tuts modern (tuts yang berwarna hitam pada piano berwarna putih pada harpsichord ini, dan sebaliknya). Selain itu, masih kekurangan pedal untuk berpindah register, meski saat itu sudah dikenal. Peningkatan ini ditemukan pada sebagian besar harpsichord konser dua manual modern. Kebutuhan untuk mengganti register dengan tangan menentukan pendekatan tertentu dalam memilih registrasi pada harpsichord.

Saat ini, dua arah telah jelas muncul dalam praktik pertunjukan: pendukung yang pertama percaya bahwa seseorang harus menggunakan semua kemampuan modern instrumen (pendapat ini dianut, misalnya, oleh V. Landovska dan, omong-omong, Zuzanna Ruzickova), yang lain percaya bahwa ketika menampilkan musik kuno dengan harpsichord modern, seseorang tidak boleh melampaui sarana pertunjukan yang ditulis oleh para master lama (ini adalah pendapat Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, Rafael Puiana yang sama, dan lainnya).

Karena kami menaruh begitu banyak perhatian pada lukisan Vanloo, kami mencatat bahwa seniman itu sendiri, pada gilirannya, ternyata adalah karakter dalam potret musik: karya harpsichord karya komposer Prancis Jacques Dufly dikenal, yang disebut “Vanloo” .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750).

Harus diakui bahwa terlepas dari semua keunikan Couperin dan Scarlatti, masing-masing dari mereka mengembangkan satu gaya individu. Bach bersifat universal. “Italian Concerto” dan “French Overture” yang telah disebutkan adalah contoh studi Bach tentang musik sekolah nasional ini. Dan ini hanyalah dua contoh, namanya mencerminkan kesadaran Bach. Di sini Anda dapat menambahkan siklus "French Suites" miliknya. Orang bisa berspekulasi tentang pengaruh bahasa Inggris di English Suites-nya. Dan betapa banyak contoh musik dari berbagai gaya dalam karya-karyanya yang tidak mencerminkan hal ini dalam judulnya, tetapi terkandung dalam musik itu sendiri! Tidak ada yang bisa dikatakan tentang seberapa luas tradisi keyboard asli Jerman disintesis dalam karyanya.

Kita tidak tahu persis harpsichord mana yang dimainkan Bach, tapi kita tahu bahwa dia tertarik pada semua inovasi teknis (termasuk organ). Ketertarikannya dalam memperluas kemampuan performa harpsichord dan keyboard lainnya paling jelas ditunjukkan oleh siklus prelude dan fugue yang terkenal di semua kunci, The Well-Tempered Clavier.

Bach adalah ahli harpsichord sejati. I. Forkel, penulis biografi pertama Bach, melaporkan: “Tidak ada yang bisa mengganti bulu harpsichordnya yang sudah tidak dapat digunakan dengan yang baru, sehingga dia akan puas - dia melakukannya sendiri. Dia selalu menyetel harpsichordnya sendiri dan sangat ahli dalam hal ini sehingga menyetelnya tidak pernah memakan waktu lebih dari seperempat jam. Dengan metode penyetelannya, ke-24 tuts siap digunakannya, dan, sambil berimprovisasi, dia melakukan apa pun yang dia mau dengan tuts-tuts itu.”

Semasa hidup pencipta musik harpsichord yang brilian, harpsichord mulai kehilangan posisinya. Pada tahun 1747, ketika Bach mengunjungi Raja Prusia, Frederick Agung, di Potsdam, dia memberinya tema untuk berimprovisasi, dan Bach, tampaknya, melakukan improvisasi pada “pianoforte” (itu adalah nama instrumen baru pada waktu itu) - satu dari empat belas atau lima belas, yang dibuat untuk raja oleh teman Bach, pembuat organ terkenal Gottfried Silbermann. Bach menyetujui suaranya, meskipun dia tidak menyukai piano sebelumnya.

Di awal masa mudanya, Mozart masih menulis untuk harpsichord, namun secara umum pekerjaan keyboardnya tentu saja ditujukan pada piano. Penerbit karya-karya awal Beethoven menunjukkan di halaman judul bahwa sonata-sonatanya (bahkan bayangkan "Pathetique", yang diterbitkan pada tahun 1799) dimaksudkan "untuk harpsichord atau piano". Penerbit menggunakan trik: mereka tidak ingin kehilangan pelanggan yang memiliki harpsichord tua di rumah mereka. Namun semakin sering, hanya badan harpsichord yang tersisa: “isian” harpsichord dihilangkan karena tidak diperlukan dan diganti dengan palu baru, yaitu mekanik piano.

Hal ini menimbulkan pertanyaan: mengapa instrumen ini, yang memiliki sejarah panjang dan warisan seni yang kaya, pada akhir abad ke-18. dipaksa keluar dari latihan musik dan digantikan oleh piano? Dan bukan hanya tergantikan, tapi benar-benar terlupakan di abad ke-19? Dan tidak dapat dikatakan bahwa ketika proses penggantian harpsichord dimulai, piano adalah instrumen terbaik dari segi kualitasnya. Justru sebaliknya! Carl Philipp Emanuel Bach, salah satu putra tertua Johann Sebastian, menulis konser gandanya untuk harpsichord dan pianoforte serta orkestra, dengan tujuan untuk menunjukkan dengan matanya sendiri keunggulan harpsichord dibandingkan piano.

Hanya ada satu jawaban: kemenangan piano atas harpsichord menjadi mungkin dalam kondisi perubahan radikal dalam preferensi estetika. Estetika barok, yang didasarkan pada konsep teori pengaruh yang dirumuskan dengan jelas atau dirasakan dengan jelas (intinya secara singkat: satu suasana hati, memengaruhi, - satu warna suara), yang mana harpsichord merupakan sarana ekspresi yang ideal, pertama-tama memberi jalan pada pandangan dunia sentimentalisme, kemudian ke arah yang lebih kuat - klasisisme dan, akhirnya, romantisme. Dalam semua gaya ini, yang paling menarik dan berkembang, sebaliknya, adalah gagasan variabilitas- perasaan, gambaran, suasana hati. Dan piano mampu mengekspresikan hal ini.

Instrumen ini mengayuh pedal dengan kemampuannya yang luar biasa dan mampu menciptakan naik turunnya kemerduan yang luar biasa ( crescendo Dan berkurang). Harpsichord pada prinsipnya tidak dapat melakukan semua ini - karena kekhasan desainnya.

Mari kita berhenti dan mengingat momen ini sehingga kita dapat memulai percakapan kita berikutnya dengannya - tentang piano, dan khususnya tentang konser besar piano, yaitu, “instrumen kerajaan”, penguasa sejati semua musik romantis.

Kisah kami memadukan sejarah dan modernitas, karena saat ini harpsichord dan instrumen lain dari keluarga ini telah tersebar luas dan diminati karena minat yang besar terhadap musik Renaisans dan Barok, yaitu saat mereka muncul dan mengalami masa keemasannya.

Alat musik keyboard bercirikan sistem produksi suara dengan menggunakan tuas yang dikendalikan dengan tombol. Seperangkat tuts yang disusun menurut urutan tertentu disebut keyboard instrumental.

Organ - alat musik tiup keyboard pertama

Sejarah instrumen keyboard dimulai sejak dahulu kala. Salah satu instrumen keyboard yang pertama adalah organ. Pada organ pertama, suara dihasilkan dengan mengendalikan katup-katup besar. Ternyata cukup merepotkan dan dengan cepat katupnya diganti dengan tuas, yang ukurannya juga cukup mengesankan. Pada abad ke-11, tuas digantikan oleh tombol lebar yang dapat ditekan dengan tenaga tangan. Kunci sempit yang nyaman, ciri khas organ modern, baru muncul pada abad ke-16. Maka organ tersebut berubah menjadi alat musik tiup keyboard.

Clavichord - instrumen keyboard senar pertama

Clavichord pertama ditemukan antara abad ke-14 dan ke-16; sayangnya, para sejarawan tidak mengetahui tanggal pastinya. Perangkat clavichord abad pertengahan menyerupai piano modern. Ciri khasnya adalah suaranya yang tenang dan lembut, sehingga clavichord jarang dimainkan untuk banyak orang. Selain itu, ukurannya cukup kompak, sehingga sering digunakan untuk memutar musik rumahan dan sangat populer di rumah-rumah kaya. Komposer era Barok menciptakan karya musik khusus untuk clavichord: Bach, Mozart, Beethoven.

Piano kuno

Harpsichord pertama kali muncul pada abad ke-14 di Italia; bahkan Boccaccio menyebutkannya dalam Decameron-nya. Alat musik petik ini merupakan alat musik petik, karena cirinya menghasilkan bunyi dengan cara memetik senar dengan pick pada saat tuts ditekan. Peran mediator dilakukan oleh plektrum yang terbuat dari bulu burung.

Ada harpsichord manual satu dan dua. Berbeda dengan clavichord atau piano, senar harpsichord sejajar dengan tutsnya, seperti halnya grand piano.

Piano kuno

Harpsichord menghasilkan suara yang lemah dan keras. Itu sering digunakan dalam musik kamar sebagai pengiring pertunjukan lagu. Badan harpsichord dihias dengan mewah, dan secara umum instrumen ini lebih dipandang sebagai elemen dekoratif.

Spinet, virginel dan muselar adalah jenis harpsichord. Mereka memiliki prinsip produksi suara yang serupa, tetapi desainnya berbeda. Ini adalah instrumen kecil, paling sering dengan satu keyboard dan rentang empat oktaf.

Piano

Ini pertama kali dirancang oleh master Italia Bartolomeo Christofi pada awal abad ke-18. Pada periode ini, instrumen keyboard praktis tidak mampu bersaing dengan instrumen senar, khususnya yang jauh lebih virtuoso dan ekspresif. Piano menjadi instrumen yang mampu memberikan rentang dinamis yang mengesankan dan memenangkan hati para musisi pada masanya.

Bartolomeo Cristofi menyebut instrumen keyboard barunya “bermain dengan lembut dan keras”, yang dalam bahasa Italia berbunyi “piano e forte”. Variasi serupa dari instrumen keyboard diciptakan hampir bersamaan oleh Christophor Gottlieb Schröter dan orang Prancis Jean Marius.

Piano Italia oleh Bartolomeo Christofi dirancang sebagai berikut: menekan tuts akan mengaktifkan palu kempa, palu, pada gilirannya, menyebabkan senar bergetar, dan mekanisme khusus menggerakkan palu ke belakang, mencegahnya menekan senar dan meredam suara. . Piano ini tidak memiliki pedal atau peredam. Belakangan, kemampuan mengembalikan palu hanya setengah ditambahkan, yang ternyata sangat nyaman untuk melakukan berbagai jenis melisma, yang ditandai dengan pengulangan nada yang cepat.

Clavichords berasal dari abad XIV-XV. Awalnya, clavichord portabel kecil dan ringan di Eropa Barat digunakan secara eksklusif oleh musisi keliling, sehingga kita dapat menyimpulkan bahwa instrumen tersebut sangat murah. Clavichord adalah kotak kayu yang berisi papan ketik sempit dan satu set senar logam. Karena semua senar memiliki panjang yang sama, maka clavichord berbentuk persegi panjang.

Belakangan, para pengrajin sampai pada kesimpulan bahwa karena panjang senar yang sama, banyak masalah dan ketidaknyamanan, bahkan dalam penyetelan, sehingga produksi instrumen dimulai dengan panjang senar yang berbeda, serta ukuran yang lebih besar dan adanya kaki. . Karena mekanismenya yang mirip dengan piano, clavichord, dalam istilah modern, memiliki keyboard "dinamis", yang karenanya kekuatan suaranya bergantung pada kekuatan pukulan pada tutsnya. Karya agung diciptakan khusus untuk instrumen ini oleh komposer seperti Bach, Handel, Mozart, Haydn, Telemann dan bahkan Beethoven dalam sonata awalnya.

Ngomong-ngomong, pada clavichord, yang menjadi dasar para master akhirnya menyelesaikan masalah pemerataan seminada buatan, serta kesetaraan flat dan sharp, Johann Sebastian Bach menulis sebanyak empat puluh delapan fugue dan pendahuluan, yang sangat berharga bagi budaya musik dunia, yang menerima nama legendaris “Wohltemperierte Klavier” "

Namun, suara clavichord terlalu pelan dan lembut untuk memungkinkan pertunjukan di aula di depan banyak pendengar. Oleh karena itu, clavichord kemudian banyak digunakan dalam pemutaran musik rumahan.

Jenis alat musik petik keyboard kedua yang populer pada abad ke-15, 16, dan 17 adalah spinet. Faktanya, spinet adalah versi mini (sedikit disederhanakan) dari harpsichord, memiliki satu atau dua keyboard dengan dimensi empat atau lima oktaf. Ciri khas harpsichord, pada umumnya, adalah dekorasinya yang kaya.

Namun alat musik ketiga dan mungkin yang paling tidak biasa - harpsichord itu sendiri - telah mendapatkan popularitas yang jauh lebih besar. Bahkan disebut berbeda: virginel, cymbal, dan clavicembalo. Jika masa kejayaan seni memainkan clavichord sudah ada sejak Jerman, maka harpsichord dengan ragamnya banyak digunakan di Inggris, Prancis, dan Skandinavia.

Harpsichord menyerupai spinet; mekanisme petiknya sama, tetapi ukurannya lebih besar. Di dalam casingnya terdapat senar yang diregangkan dengan ketebalan yang sama, tetapi panjangnya berbeda: inilah yang menjelaskan ciri khas bentuknya - tampilannya menyerupai grand piano modern. Suara dihasilkan dengan menggunakan buluh elastis yang terbuat dari potongan kulit atau ujung bulu burung yang telah dikeratinisasi, yang jika diikatkan pada garis singgung khusus yang digerakkan dengan kunci, akan dipetik senarnya.

Harpsichord dibagi menjadi dua jenis: persegi panjang atau persegi berukuran sedang dan berbentuk sayap horizontal atau vertikal dengan ukuran lebih besar. Instrumen ini sangat populer di era Barok, ketika pakaian mewah dengan crinoline dan embel-embel menjadi mode, dan bahkan arsitektur dan lukisan mencerminkan seni salon dalam semua manifestasinya. Harpsichord sudah menjadi instrumen konser yang nyata.

Awalnya, memainkan musik dengan harpsichord hanya bisa dilakukan di ruang keluarga dan salon sekuler. Di aula besar, suaranya memudar, seperti suara clavichord. Harpsichord menghasilkan suara yang agak spesifik - sedikit kering, "seperti kaca", yang tidak mengeluarkan suara yang cukup panjang untuk membedakan clavichord. Tapi itu adalah alat musik yang berkualitas baik dan relatif nyaring, yang, dengan keterampilan tertentu, dapat memainkan lagu yang bergerak, komposisi ringan dan iringan yang mengiringi resitatif dan nyanyian. Harmoni yang luar biasa dicapai dengan melengkapi satu sama lain dengan bunyi pendek harpsichord dan bunyi-bunyian yang halus dari suara, biola, atau biola. Dengan demikian, harpsichord secara bertahap berubah menjadi instrumen ansambel yang sangat baik.

Dalam orkestra, perannya ada dua: bagian pengiring (konduktor memainkan musik dengan harpsichord, memainkan akord dengan tangan kirinya dan mengarahkan orkestra dengan tangan kanannya), bass umum, dan, secara paralel, bagian dering dan perkusi gemerisik. Berkat sifat-sifat harpsichord inilah kita dapat mengamati bagaimana di hampir semua musik era Barok, bagian dari biola, dan kemudian cello, diduplikasi oleh harpsichord.

Seiring waktu, harpsichord muncul di semua rumah kaya. Instrumennya sudah dibuat dari kayu yang paling berharga. Tatahannya terbuat dari perunggu, gading, dan emas, dan berbagai lukisan dilukis oleh pelukis salon modis di dinding dan sampul harpsichord berbentuk sayap. Kuncinya ditutupi dengan pelat semi mulia. Belum pernah sebelumnya alat musik menjadi mainan yang begitu mahal, berharga, dan dihormati.

Tampilan harpsichord yang mewah membuat para bangsawan istana mengapresiasi musik yang dibawakan di dalamnya. Masa kejayaan musik harpsichord bersama dengan Jerman terjadi di Inggris (Handel, Purcell) dan Perancis (Luly, Couperin, Rameau).

Para empu tentu saja tidak mau menerima kenyataan bahwa suara harpsichord menjadi terlalu monoton, sehingga mereka mulai menciptakan berbagai perbaikan yang dirancang untuk mendiversifikasi suaranya. Misalnya, beberapa keyboard dipasang, seperti pada manual organ, dengan kekuatan suara berbeda; sebuah pedal dipasang, menekannya akan meredam suara - tetapi semuanya sangat tidak nyaman. Terlepas dari kenyataan bahwa popularitas harpsichord telah menurun, instrumen itu sendiri belum sepenuhnya hilang - instrumen itu masih dapat didengar hingga saat ini di konser musik avant-garde kuno dan modern.

Sebuah artikel tentang sejarah zaman dahulu clavichord, harpsichord dan serupa instrumen keyboard. Yang menambah minat adalah artikel ini ditulis oleh Evgenia Braudo, diterbitkan sebagai brosur pada tahun 1916 dalam seri “Musical Contemporary” di bawah No. Seperti biasa, saya mengenali dan menerjemahkannya dari bahasa Rusia pra-revolusioner ke bahasa Rusia modern. Gambar, tentu saja, buruk dalam hal kualitas, tetapi jika Anda mau, saya rasa Anda dapat menemukan yang normal di Internet.

Relatif baru-baru ini, ilmu musik mulai mendapat perhatian serius sejarah instrumen kuno. Bahkan dua puluh tahun yang lalu, orang-orang dari zaman kuno ini, yang membangkitkan gagasan tentang keindahan memikat abad-abad yang lalu, tentang mahakarya musik yang terlupakan, hanya menarik bagi para arkeolog terpelajar dan kurator museum. Dalam beberapa tahun terakhir, berkat keberhasilan kegiatan berbagai “asosiasi memainkan alat musik kuno”, yang jumlahnya cukup banyak di semua pusat kebudayaan utama, bidang penelitian musik ini mulai menarik kekuatan ilmiah yang luar biasa. Karena upaya pertama untuk menampilkan mutiara musik lama dalam bingkai kemerduan yang melekat di dalamnya menunjukkan bahwa seni musik di masa lalu, yang begitu halus dan rapuh, memerlukan perpaduan teknik dan konten yang ahli, dan itu hanya klarifikasi yang akurat. fitur desain dari semua harpsichord, clavichord, dan biola yang aneh ini memungkinkan untuk benar-benar menghidupkan kembali permata pudar dari keahlian lama.

Baris-baris berikut, yang didedikasikan untuk sejarah seribu tahun alat musik yang paling tersebar luas, yang di semua era sejarah telah menjadi penjaga nilai-nilai musik tertinggi, dimaksudkan bukan untuk menyajikan evolusi eksternalnya, tetapi untuk menunjukkannya. fitur struktural nenek moyang jauh piano modern kita, yang tidak diragukan lagi memengaruhi perkembangan gaya keyboard di abad-abad yang lalu.

Silsilah mata piano kembali ke masa yang sangat jauh dari kita. Nenek moyangnya adalah sebuah kotak kayu kecil dengan tali yang direntangkan di atasnya, yang dapat dibagi menjadi dua bagian menggunakan ambang yang dapat digerakkan. Ini adalah monochord, perangkat fisik yang familiar bagi pembaca dari pelajaran fisika SMA. Bahkan di zaman kuno, instrumen ini berfungsi untuk penentuan nada secara matematis. Dengan memperpendek senar, misalnya G, sebesar 1/9 panjangnya dan menggetarkan 8/9 sisanya, kita memperoleh sekon mayor, A; 4/5 dari senar yang sama menghasilkan sepertiga mayor, H; tiga perempat - satu liter, C; dua pertiga - seperlima, D; tiga perlima mayor keenam, E; setengahnya adalah oktaf G.

Namun string tunggal primitif memiliki kelemahan yang sangat signifikan. Senarnya menunjukkan rasio panjang bagian-bagian yang dibunyikan untuk semua nada batu, tetapi tidak memberikan kemungkinan untuk membunyikan segmen-segmen yang dibandingkan secara simultan, dan sudah di era yang sangat awal muncul ide untuk menyediakan "monokord" beberapa string untuk kejelasan interval konsonan yang lebih baik. Aristides Quintilian dan Claudius Ptolemy, ahli teori abad kedua, menggambarkan instrumen yang dilengkapi empat senar dan disebut helikon.

Pada Abad Pertengahan, sebuah "monochord", yang lebih tepat disebut "polikord", mulai digunakan tidak hanya untuk penelitian teoretis, tetapi juga untuk mengiringi nyanyian. Untuk memfasilitasi prosedur yang sangat rumit dalam memainkan instrumen ini, papan suara monochord mulai dilengkapi dengan dudukan dengan tepi yang tajam, memasangnya di lokasi pembagian paling penting dari senar. Ketika, sekitar pertengahan abad ke-12, instrumen tertua dengan kunci, organ portabel kecil, agung, yang digunakan untuk tujuan pendidikan dan ibadah di rumah, mulai menyebar, upaya pertama dilakukan untuk mengadaptasi keyboard ke monochord, di suatu bentuk sistem dudukan, yang masing-masing, ketika ditekan, tombol yang sesuai, diangkat cukup untuk menekan senar dengan kuat di tempat tertentu. Namun, memisahkan bagian senar menggunakan dudukan saja tidak cukup; Anda perlu mengaturnya menjadi getaran, sehingga, seiring berjalannya waktu, dudukan primitif monokord diubah menjadi pin logam (garis singgung). Garis singgung ini, yang dipasang pada tuas keyboard, tidak hanya membagi senar menjadi dua bagian, tetapi sekaligus membuatnya berbunyi.

Sebuah alat yang dibangun berdasarkan prinsip monokord, tetapi yang memiliki lebih banyak senar yang diayunkan menggunakan kunci dan garis singgung logam yang terhubung dengannya, disebut clavichord.

Sekitar seribu tahun berlalu hingga, melalui kerja keras untuk memperbaiki mekanismenya, senar tunggal kuno diubah menjadi clavichord. Sejarah seni musik terus-menerus mencoba, bertentangan dengan bukti, untuk mempertahankan nama monochord di belakang clavichord, yang menyebabkan kesulitan besar bagi para ahli teori abad pertengahan, yang sia-sia mencoba menemukan penjelasan atas perbedaan tersebut. Tidak kalah gigihnya selama berabad-abad, pembuat clavichord telah mencoba untuk mempertahankan prinsip monochord yang paling utuh ketika diterapkan pada instrumen baru. Meskipun monochord hanya melayani tujuan teoritis, cukup jelas bahwa untuk membandingkan nada individu satu sama lain di zaman kuno, string dengan panjang yang sama diambil, yang memungkinkan untuk dengan jelas menunjukkan hubungan langsung antara panjang nada. bagian dan nada suara. Namun karena tradisi sejarah yang aneh, clavichord, yang memiliki penerapan yang sama sekali berbeda dalam seni musik, memiliki panjang senar yang sama, sehingga perbedaan nada pada clavichord hanya disebabkan oleh perbedaan letak penyangganya. yang membuat senarnya bergetar. Selain itu, nomor yang terakhir sama sekali tidak sesuai dengan jumlah kunci. Menurut prinsip lama monochord, setiap senar memiliki serangkaian jembatan yang membaginya pada titik-titik berbeda, dan dengan demikian, dengan bantuan satu senar, beberapa nada dengan nada berbeda dapat dihasilkan. Semua senar disetel ke nada terendah clavichord, G, dihubungkan ke kunci pertama, yang menggetarkan seluruh panjang senar. Kunci berikutnya, dengan pin logamnya yang lebar, memendekkan senar pertama sebanyak sepersembilan sehingga menghasilkan bunyi A. Kunci ketiga memendekkan senar yang sama sebanyak seperlima, sehingga menghasilkan nada N. Hanya kunci keempat yang memukul senar kedua, pisahkan seperempatnya dengan bagian peniti, sehingga dengan bantuan tiga perempat senar diperoleh nada C.

Kita telah melihat bahwa nada G, A dan H dihasilkan dengan menggetarkan senar yang sama. Akibatnya, keduanya tidak bisa dimainkan bersama di keyboard lama. G dan C membentuk konsonan pertama yang tersedia pada tuts instrumen ini. Namun seiring berkembangnya pemikiran harmonis dan meluasnya konsep konsonan, kesenjangan antara jumlah senar dan kunci mulai hilang. Peningkatan instrumen ini berkembang sangat cepat. Bahkan pada akhir abad ke-15, hanya 7 senar yang diambil untuk 22 kunci. Pada abad ke-16, jumlah senar meningkat empat kali lipat; Saya pernah melihat, di museum Sekolah Menengah Seni Musik Berlin, sebuah clavichord dari paruh kedua abad ke-16 dengan 30 senar, dengan 45 tuts, disusun dengan cara yang sama seperti pada piano modern. Namun, dalam contoh ini, beberapa string memiliki 3 kunci. Clavichord "bebas", di mana setiap senar hanya dilayani oleh satu kunci, ditemukan jauh kemudian, pada tahun 1723, dan pada suatu waktu dianggap sebagai yang paling langka.

Bagaimana tuts-tuts tersebut dikoordinasikan dengan senar clavichord belum diklarifikasi. Sekilas melihat struktur internal clavichord, dengan garis tuas kunci yang aneh, sudah cukup untuk melihat trik apa yang harus dilakukan untuk menyelaraskan kunci dan senar. Biasanya, dudukan dengan pin ("fret", demikian sebutannya dengan analogi dengan kecapi) disusun sedemikian rupa sehingga setiap senar melewati tiga dudukan yang dipasang pada papan suara instrumen yang beresonansi. Saat memainkan clavichord, musisi harus menutupi bagian senar yang tidak berbunyi dengan satu tangan. Sejak akhir abad ke-15, ketidaknyamanan ini diatasi dengan menggunakan potongan kain sempit yang ditempatkan pada titik di mana tali terbelah. Pada abad ke-18, upaya dilakukan untuk memasang keyboard kaki ke clavichord, yang meniru organ. Saya melihat salah satu spesimen yang sangat langka dari jenis ini di Museum Bach di tanah air sang guru besar.

Clavichord kuno memiliki bentuk datar segi empat yang sangat khas, yang dihasilkan dari panjang semua senar instrumen yang sama. Secara umum, penampilan mereka menyerupai piano Inggris persegi panjang, yang sangat umum pada tahun dua puluhan abad terakhir di kalangan amatir miskin dan di sini.

Instrumen pertama dari jenis clavichord adalah kotak persegi panjang yang berfungsi tidak hanya untuk musik, tetapi juga untuk semua jenis hiburan rumah lainnya: untuk bermain dadu, catur (karena itulah nama Prancis kuno untuk clavichord "eschi quier" - papan catur), wanita ' kerajinan tangan (contoh sejenis, dengan bantalan untuk peniti, ada bar di Museum Petrograd Stieglitz), dll. Awalnya, volume instrumen sangat kecil sehingga keyboard diletakkan di atas meja untuk dimainkan. Selanjutnya, ketika keyboardnya berkembang menjadi empat setengah oktaf, “kakek piano modern” itu harus berdiri sendiri. Namun bahkan dalam bentuk yang lebih rumit ini, clavichord masih sangat ringan dan portabel sehingga para virtuoso yang menyenangkan telinga nenek moyang kita dapat bepergian ke mana pun dengan clavichord mereka, yang dapat dimasukkan ke dalam kereta.

Suara clavichord, tenang dan rapuh, sebagian besar diserap oleh kain yang digunakan dalam konstruksi instrumen. Oleh karena itu, dalam hal kemerduan, clavichord benar-benar dikerdilkan tidak hanya oleh organnya, tetapi bahkan oleh kecapi. Suara gemetarnya yang lesu penuh dengan pesona yang menakutkan. Faktanya adalah bahwa clavichord dicirikan oleh getaran lembut khusus pada senar, yang membuat nada individu menjadi tidak jelas dan buram. Fitur ini berakar pada mekanisme instrumen itu sendiri, karena semakin keras pemain menekan tuts, semakin tinggi pin logam mengangkat senar itu sendiri, dan suara yang dihasilkannya meningkat, meskipun sedikit. Penganut Clavichordist sangat ahli dalam menggunakan getaran suara (Bebung) ini untuk berbagai dekorasi melismatik. Piano modern, yang strukturnya lebih maju, tentu saja asing dengan formasi suara yang samar-samar; dengan kemajuan teknologi, sumber kenikmatan musik ini menghilang tanpa jejak; Sementara itu, hanya aroma kemerduan clavichord kuno yang dapat memberi kita gambaran sebenarnya tentang pesona menawan musik halus abad ke-17 dan ke-18.

Namun, logika sejarah, yang menempatkan clavier sebagai pemimpin perkembangan musik Eropa, pada pertengahan abad ke-15 menuntut penggantian clavichord yang intim dan mandiri dengan instrumen lain yang rata, jelas, kuat. suara. Selain clavichord, instrumen keyboard baru, yang dikenal dalam sejarah musik dengan nama clavicimbala, pertama kali muncul di Italia, dan kemudian di negara-negara utara. Nama yang kurang enak di telinga ini menunjukkan bahwa prototipenya adalah dulcimer vulgar, yang memiliki suara tajam dan menggelegar yang dihasilkan dengan memukulkan palu pada senar baja dengan berbagai panjang dan laras.

Gembrengan sampai hari ini mereka adalah bagian dari orkestra rakyat Rumania dan Hongaria dan di sini, di selatan Rusia, mereka memiliki sejarah menarik yang berusia berabad-abad. Instrumen jenis ini sudah tidak asing lagi bagi orang Mesir pada zaman kuno dan diturunkan kepada orang Yunani dari mereka. Di Eropa mereka menyebar luas pada pertengahan abad ke-7. Tidak ada satu pun festival rakyat yang lengkap tanpa tarian diiringi suara simbal.

Awalnya, dulcimer berbentuk kotak segitiga kecil dengan 10 senar logam yang direntangkan di atas papan suara. Belakangan, jumlah yang terakhir bertambah menjadi empat oktaf. Berkat volume instrumen yang besar, kemerduannya dapat ditingkatkan dengan menggunakan dua dan tiga rangkaian senar paduan suara yang terbuat dari bahan berbeda. Senar ini melewati dua sistem dudukan dan diperkuat dengan pasak logam dan kayu. Deknya dilengkapi dengan dua lubang bundar. Kelemahan signifikan dari simbal adalah kurangnya alat untuk meredam suara, dan permainan yang paling terampil tidak berdaya untuk mengatasi dosa asal instrumen tersebut - nadanya yang samar dan mendengung.

Namun, sejarah musik telah melestarikan sejumlah nama virtuoso pada alat musik ini, yang berusaha menyempurnakan teknik memainkannya.

Dari jumlah tersebut, yang paling terkenal pada masanya adalah Pantaleone Gebenstreit(1669 - 1750), penemu "pantaleon" yang dinamai menurut namanya, dulcimer yang sangat canggih yang memainkan peran utama dalam penemuan mekanisme clavier baru, piano dengan palu. Betapa hebatnya sensasi seni virtuoso yang diciptakan pemain simbal ini di dunia musik ditunjukkan oleh fakta bahwa bahkan master hebat seperti Telemann pun menganggap mungkin untuk mengikuti kompetisi publik dengan Gebenstreit. Salah satu muridnya, seorang Bavaria dengan nama keluarga Gumpenguber yang sangat khas, mendapatkan ketenaran besar di istana Permaisuri Elizabeth Petrovna. Para pemain dulcimer sudah memainkan “For the Sovereign’s Joy” di Mikhail Fedorovich selama pintu keluar tertinggi... ke pemandian. Simbal sampai batas tertentu mengingatkan pada "yarovchaty gusli", yang menjelaskan kemampuan beradaptasi mereka terhadap kehidupan sehari-hari di kehidupan Rusia kuno.

Perbedaan utama klavicymbala(yaitu, simbal dengan tuts) dari clavichord adalah bahwa pada awalnya, setiap tuts berhubungan, seperti pada piano modern, dengan senar khusus yang disetel dengan nada tertentu, sehingga tidak diperlukan lagi a sistem dudukan yang memisahkannya dari bagian yang membunyikan senar. Selain itu, clavicymbal secara alami membutuhkan pukulan yang sangat berbeda. Alih-alih garis singgung clavichord, yang membangkitkan suara senar yang indah dengan sentuhan lembutnya, tongkat kayu digunakan di sini, di ujung atasnya dipasang potongan kecil sayap gagak, kulit keras, atau buluh logam, mengaitkan senarnya. Untuk meningkatkan kemerduan, clavicymbal, seperti clavichord, dibuat dengan dua dan tiga paduan suara, dan setiap senar digetarkan dengan tongkat khusus dengan lidah. Dari pemaparan selanjutnya kita akan melihat betapa pentingnya fitur desain clavicimbal ini untuk memperoleh berbagai corak suara.

Sangat sulit untuk mengatakan kapan ide penerapan keyboard pada simbal pertama kali muncul. Filolog terkenal Scaliger (1484 - 1556) mengatakan dalam karyanya “Poetices Libri VII” (Lyon, 1561) bahwa di masa kecilnya, mazmur (sejenis instrumen perkusi kuno yang mirip dengan simbal), dilengkapi dengan kunci, ditemukan di hampir semua rumah. .

Pada orang awam mereka disebut "monochords" atau "manichords". Dengan cara ini kita dapat memastikan bahwa pada pertengahan abad ke-15, clavicymbal sudah tersebar luas.

Clavicimbal adalah orang pertama yang memperoleh hak kewarganegaraan dalam kehidupan musik Inggris, dan instrumen kecil jenis ini menjadi subjek hobi musik khusus. Ratu Elizabeth sendiri adalah pemain harpsichordist yang hebat, dan sejak lama para sejarawan percaya bahwa nama Inggris untuk instrumen tersebut "perawan" (Suci), sejak 20 tahun sebelum kelahirannya, untuk melestarikan kenangan Ratu Perawan (virgo) bagi generasi kita. Kami menyajikan foto instrumen yang dihiasi dengan warna merah tua, emas, dan lambang dari pertengahan abad ke-16. Komposisi menawan dari para master Inggris Kuno dihidupkan kembali; senar yang panjang dan senyap berdesir lembut; Variasi anggun pada tema rakyat, topi Panama yang megah, galliard yang ceria memikat telinga kita... Clavicimbal ini, terbuat dari kayu cedar, adalah hasil karya Venesia. Pada Fedora Ioannovich Duta Besar Elizabeth membawakan Tsar of Muscovy perawan serupa dengan pemain yang sesuai sebagai hadiah. Seorang penulis bahasa Inggris tentang kehidupan sehari-hari Rus' mengatakan bahwa Tsarina Irina Fedorovna, ketika memeriksa hadiah itu, sangat terkesan dengan penampilan perawan, yang disepuh dan dihiasi dengan enamel, dan “mengagumi harmoni alat-alat musik ini, yang belum pernah dilihat sebelumnya. atau mendengarnya. Ribuan orang berkerumun di sekitar istana untuk mendengarkan mereka.”

Namun, perawan pertama itu sendiri masih menyisakan banyak hal yang diinginkan dalam hal keindahan suara, dan kelemahan terpentingnya adalah fragmentasi, kekerasan, dan kekeringan nada. Oleh karena itu, seluruh ketekunan para perajin yang berupaya menyempurnakan alat musik jenis ini direduksi menjadi pengenalan variasi tertentu ke dalam corak suara clavicymbal. Pada akhir abad ke-16. Peningkatan yang sangat penting dilakukan oleh master Amsterdam yang terkenal, Hans Ruckers. mekanisme keyboard. Dia mulai memproduksi perawan dengan dua keyboard untuk pertama kalinya. Saat bermain di keyboard atas, hanya satu senar yang ditentukan; ketika Anda menekan tombol bawah, dua senar akan bergetar, dan perawan berbunyi dengan kekuatan dan kecemerlangan ganda. Untuk memberikan kepenuhan khusus pada suaranya, Ruckers menambahkan senar ketiga yang lebih tipis, disetel satu oktaf lebih tinggi, ke dua senar “chorus”. Jadi, dua keyboard perawan Rookers memungkinkan untuk memainkan tiga senar sekaligus atau hanya salah satunya. Salah satu ilustrasi kami menunjukkan gambar fotografi seorang perawan karya Ruckers. Tutupnya menggambarkan persaingan warna antara Apollo dan Mars, motif favorit untuk dekorasi artistik para clavier. Dari Hans Ruckers, seni membuat perawan diwariskan kepada keempat putranya, yang dengan hormat menaati perintah ayah mereka. Bahkan pada awal abad ke-18, klavikula Ruckers sangat populer dan dijual secara luas. Seniman hewan dan alam mati terbaik Belanda - Frank, Jan van Heysum - menghiasinya dengan kuas terampilnya, sehingga harga instrumennya mencapai 3000 livre. Tapi - sayang sekali! - pembeli sering membongkar clavicymbal itu sendiri menjadi beberapa bagian untuk menjaga lukisannya.

Pembaca melihat salah satu alat terbaik karya putra Ruckers dalam ilustrasi terlampir. Ini "piano kuno"(large virginel) karya Handel, yang pernah menggugah kekaguman komposer sezaman dengan keindahan dan kelembutan suaranya. Instrumen tiga paduan suara ini dilengkapi dengan dua keyboard dengan tuts yang disesuaikan dengan sangat cermat dan papan suara yang dibuat dengan luar biasa. Gagang kayu kecil yang ditempatkan di pojok kiri berfungsi untuk menyambung dan melepaskan keyboard. Namun, meskipun volumenya relatif besar, harpsichord ini belum dilengkapi dengan kaki atau pedal (ditemukan pada abad ke-15 oleh organis Venesia Bernardino), yang berfungsi untuk menggandakan oktaf nada bass.

Kita melihat semua perangkat ini pada harpsichord besar buatan London, yang mewakili kata terakhir dalam konstruksi clavier. Alat musik ini dikeluarkan pada tahun 1773 dari bengkel terkenal Bradwood, yang hingga saat ini tetap mempertahankan reputasi sebagai pabrik piano terbaik di Inggris. Secara tampilan, hampir tidak ada bedanya dengan grand piano modern (dengan pengecualian, tentu saja, dua keyboard). Rangka kayunya dengan rusuk melintang, pertama kali digunakan oleh Bradwood, membuat penasaran. Berkat sejumlah register amplifikasi dan berbagai modifikasi kemerduan, harpsichord ini memberikan nada yang sangat rata dan kuat.

Sedangkan orang Inggris lebih menyukai instrumen yang kemerduannya mendekati piano, di Prancis, pecinta musik sangat menghargai clavicymbal kecil dengan satu keyboard, "duri", dinamai menurut nama master Venesia Giovanni Spinetti, yang hidup pada awal abad ke-16 (etimologi lain dari kata ini dari “spina” (jarum) sekarang ditinggalkan). Menurut Praetorius, penulis deskripsi ilmiah terlengkap tentang alat musik abad ke-16, “spinet” adalah instrumen berbentuk segi empat kecil yang disetel seperlima lebih tinggi atau lebih rendah dari nada sebenarnya. Biasanya ditempatkan di atas keyboard. Saya telah melihat instrumen seperti itu dari akhir abad ke-16, yang menggabungkan clavier biasa dengan spinet (untuk meningkatkan kemerduan), dalam koleksi Jerman dan Italia kuno. Variasi spinet yang sangat menarik adalah instrumen "clavicytherium". Seperti “spinet vertikal”, dilengkapi dengan tali usus. Penggunaan yang terakhir hanya dapat dianggap sebagai pengalaman buruk, karena string usus tidak selaras, mudah menyerah pada pengaruh atmosfer. Clavicytherium bertahan hingga abad ke-17, tampaknya dengan rangkaian usus yang tidak praktis. Namun gagasan tentang susunan senar vertikal telah mencapai zaman kita dan diterapkan di piano, yang tanah airnya adalah Italia. Instrumen yang kami foto dari awal abad ke-16 termasuk dalam spesimen clavicytherium tertua dan sangat langka.

Pada abad ke-17, nama “spinet” diperluas hingga mencakup semua clavicymbal potongan tunggal.

Peningkatan instrumen keyboard jenis ini merupakan prestasi besar para master Paris, yang produknya pada pertengahan abad ke-18 dianggap yang terbaik di Eropa. Orang Paris menjadi sangat terkenal karena harpsichordnya (sebutan spinet besar di Prancis). Pascal Tasken, setelah membuat instrumen "en peau de buffle" pada tahun 1768. Inti dari penemuannya adalah, bersama dengan bulu dan buluh elastis, ia menggunakan buluh kulit kerbau dalam instrumen tiga paduan suaranya, yang menurut keyakinannya sendiri, tidak menarik, tetapi membelai senar dengan sentuhannya. Yang disebut "jeu de buffle" dapat digunakan secara terpisah atau bersamaan dengan bulu. Memang menurut para ahli pada masa itu, instrumen-instrumen tersebut melampaui segala sesuatu yang selama ini dilakukan di bidang konstruksi harpsichord. Suaranya yang manis, lembut, dan lembut, dengan bantuan register, memberikan berbagai peningkatan kekuatan, dan nada bassnya dibedakan berdasarkan kepadatan dan kontennya yang tinggi.

Penemuan Tasquin, tentu saja, dengan cepat menyebar di Prancis dan luar negeri, dan seiring berjalannya waktu “clavecin en peau de buffle” muncul; kronik musik diperkaya hampir setiap tahun dengan penemuan-penemuan baru di bidang mekanisme keyboard. Misalnya, lidah yang terbuat dari kulit kerbau digunakan oleh ahli Dresden I.G. Wagner untuk penemuannya pada tahun 1775. "clavecin royal", yang memiliki empat pedal yang dapat digunakan untuk meniru permainan harpa, kecapi, dan simbal.

Nama “clavecin royal” sendiri memiliki beberapa kemiripan dengan sebutan Rusia untuk claviers "piano". Harpsichord yang lebih baik mulai dibuat untuk pertama kalinya di Rusia pada masa pemerintahan Catherine II, dan di antara dayang-dayang istananya terdapat banyak harpsichordist yang terampil.

Pada saat yang sama, "cembalo angelico" dirilis di Roma dengan garis singgung kulit yang dilapisi beludru untuk mendapatkan suara selembut mungkin. Sebaliknya, penemu lain mencoba menarik minat para pecinta dan amatir dengan efek suara baru yang dapat diambil dari instrumen mereka.

Besar Johann Sebastian Bach menemukan apa yang disebut kecapi clavicimbal. Penemuannya diperbaiki oleh seorang master Hamburg I. Fleisher, yang membuat klavicymbal theorbic khusus (theorbo - bass lute), yang menghasilkan suara satu oktaf lebih rendah dari clavier biasa. Bangunan kontra-outbuilding ini dilengkapi dengan tiga register yang menggetarkan string logam yang terakhir. Clavicymbal theorbic Fleischer sangat mahal - uang kami mencapai 2000 rubel.

Yang sangat menarik adalah upaya untuk mendapatkan kemerduan ansambel gesek dengan menggunakan instrumen keyboard. Penemuan ini dilakukan pada tahun 1600 oleh seorang organis Joseph Haydn dari Nuremberg. Instrumen semacam ini sangat umum di abad ke-18. Ciri-ciri utama mekanismenya bermuara pada fakta bahwa dengan bantuan kunci, sejumlah busur yang berdekatan dengan tali usus digerakkan. Pedal instrumen memungkinkan untuk mengatur tekanan.

Jenis sayap busur ini harus mencakup "keajaiban musik" pada zaman Catherine yang Agung - orkestra Strasser, yang sekarang disimpan di Hermitage. Tentang harpsichord serupa, yang dibuat pada tahun 1729 oleh Tuan. de Virbes, kata sejarawan terkenal I.H. Clavicimbal ini memiliki kemampuan untuk meniru 18 instrumen berbeda, dan “ilusinya begitu lengkap sehingga memungkinkan untuk memainkan seluruh simfoni di dalamnya, terdengar sama seperti saat dibawakan oleh orkestra.”

Namun tetap saja, kekuasaan harpsichord akan segera berakhir. Pada tahun 1711 Bartolomeo Cristofori, keliru juga disebut Cristofali, instrumen keyboard baru ditemukan, yang seiring waktu menggantikan tipe lama yang sudah ada. Cristofori mengganti sistem garis singgung dan sayap pada harpsichord dengan palu yang memukul senar sehingga membuatnya berbunyi. Meskipun pada clavicimbal paling canggih hanya dimungkinkan untuk mencapai sedikit nuansa kemerduan melalui prosedur registrasi yang rumit, sentuhan sederhana pada jari pada tuts instrumen baru memungkinkan untuk meningkatkan kemerduan dari pianissimo yang paling halus hingga fortissimo yang menggelegar. . Pada awal abad ke-18, seorang master Italia akhirnya merancang sebuah mekanisme yang berisi semua fitur penting dari grand piano modern kita. Berkat mekanisme perkusi, kekuatan suara kini hanya bergantung pada kekuatan menekan tuts, yang segera membuka area permainan yang benar-benar baru dengan variasi yang tak terhingga dengan nuansa dinamis saat menampilkan komposisi untuk pemain kunci. Cristofori menyebut instrumennya, yang dapat dimainkan dengan lembut atau keras sesuka hati, “Gravicembalo (distorted clavicembalo) col piano e forte.”

Penemuan Cristofori luput dari perhatian orang-orang sezamannya, dan kurator sederhana di Museum Pangeran Medici mungkin tidak pernah membayangkan bahwa piano yang ia buat (fotonya disertakan dalam artikel ini) akan disimpan dengan hati-hati sebagai harta nasional di museum terbaik Italia. . Gagasannya harus menanggung perjuangan sengit dengan sisa-sisa musik kuno, yang baru berakhir pada tahun 20-an abad ke-19.

Terlepas dari kenyataan bahwa dari luar sejarah tulang selangka kuno telah dipelajari secara rinci, masih banyak pertanyaan yang belum cukup tercakup oleh penelitian ilmiah. Pertanyaan-pertanyaan ini menyangkut sifat kemerduan dan penggunaan kedua instrumen tersebut dalam pertunjukan musik kuno.

Dari kedua jenis clavier tersebut, clavicimbal memainkan peran yang jauh lebih penting dalam sejarah seni musik. Sejak munculnya nyanyian solo, ia telah menduduki posisi terdepan sebagai bass umum dan instrumen pengiring. Selain itu, musik keyboard solo, yang perkembangannya disebabkan oleh kejeniusan musik masyarakat Romawi, tumbuh secara eksklusif berdasarkan kemerduan harpsichord.

Seperti yang telah kami tunjukkan, dengan clavicimbalo (atau “cembalo”, menurut tata nama Italia), kekuatan kemerduan tidak bergantung pada pemain itu sendiri. Dalam hal ini ia menyerupai sebuah organ. Sistem register hanya sampai batas tertentu menghilangkan kelemahan utama instrumen ini, dan harpsichord rumahan yang murah biasanya hanya memiliki satu register. Karena di satu sisi berhubungan dengan organ, clavicimbal di sisi lain menyerupai kecapi sebagai alat musik perkusi. Sungguh luar biasa bahwa pada awalnya kecapi dan organ memainkan peran yang sama dalam penampilan bass umum seperti yang dilakukan clavicimbal di era selanjutnya. Yang terakhir, berkat kelebihan istimewanya, akhirnya meraih kemenangan atas para pesaingnya. Dibandingkan dengan kecapi, ia dibedakan oleh kemudahan memainkan akordnya, tetapi ia lebih unggul daripada organ dalam mobilitasnya, serta kemampuannya untuk menyatu dengan warna nada instrumen lain, biasanya ditekan oleh kemerduan organ yang sangat besar. Nada halus dari clavicimbal tampaknya diciptakan untuk bagian bass umum dari orkestra kuno, dan ini segera terlihat ketika suara piano yang keras dan tajam menggantikannya.

Para ahli teori abad ke-18 dengan suara bulat mengakui bahwa tidak ada musik ansambel yang dapat dibayangkan tanpa partisipasi simbal. “Kemerduan universal dari clavicimbal,” tulis Matheson, “menciptakan landasan yang tak terelakkan bagi semua musik gereja, teater, dan kamar.” Hingga pertengahan abad ke-18, clavicimbal juga berfungsi sebagai satu-satunya instrumen keyboard solo, dan keadaan ini memaksa kita untuk mempertimbangkan fitur suaranya saat memainkan musik keyboard pada periode pra-piano. Deskripsi yang sangat elegan tentang kemerduan klavikula diberikan oleh Chr. Schubart, penulis risalah tentang estetika musik: “Nada clavicimbal memiliki karakter linier yang sederhana, tetapi sejelas gambar Kneller atau Chodowiecki, tanpa corak apa pun memainkan alat musik ini dengan jelas, sama saja dengan mempelajari notasi musik.” Perbandingan ini dengan sangat tepat mendefinisikan esensi kemerduan klavikula. Tenun polifonik yang kaya pada abad ke-18 terlihat sangat jelas pada instrumen semacam itu, dan ini, sampai batas tertentu, menjelaskan tulisan polifonik yang sangat indah dari para ahli clavier kuno.

Kesulitan yang melekat dalam memainkan beberapa suara musik yang sama dengan perbedaan yang sama tidak diketahui oleh clavicimbalo. Karena tutsnya dipukul secara merata, senarnya memberikan efek yang persis sama. Pada saat yang sama, berbeda dengan piano, di mana polifoni dengan mudah berubah menjadi kekacauan suara yang tidak dapat dipahami, suara clavicimbal dirasakan oleh telinga secara terpisah dan jelas.

Tidak sulit untuk menentukan kualitas mana yang sangat berharga di mata para musisi abad yang lalu. Perlu diingat bahwa sastra harpsichord dikembangkan selama periode sejarah musik ketika memainkan alat musik kunci hanya berfungsi untuk hiburan yang menyenangkan di waktu senggang. Segala sesuatu yang dalam dan agung yang terkandung dalam musik harpsichord dipinjam dari perbendaharaan komposisi organ.

Penulis Prancis terutama mengagumi mobilitas dan ringannya suaranya. Sejarawan dan penyair Jerman mengagungkan warna keperakan instrumen tersebut. Namun mereka semua sepakat bahwa clavicymbal yang tidak berjiwa tidak cocok untuk mengekspresikan emosi yang lembut, melankolis dan kepekaan hati manusia, dan oleh karena itu, di era sentimentalisme, clavichord yang dilupakan secara tidak adil, yang mampu menyampaikan nuansa ekspresi musik yang paling halus, sekali lagi muncul kedepan.

Clavichord, seperti yang sudah diketahui pembaca, memiliki mekanisme dampak yang sangat primitif. Namun justru kesederhanaan dalam mentransfer pukulan ke tuts inilah yang menciptakan kedekatan khusus antara pemain dan alat musik yang dimainkannya. Suara clavichordnya lemah dan karakternya lebih mirip dengan nada keperakan harpsichord daripada piano modern. Namun individualitas musik clavichord masih sangat sedikit dipelajari sehingga bukti sejarah yang paling signifikan adalah deskripsinya yang kita temukan dalam novel-novel era Werther dan Charlotte.

“Clavichord,” tulis Schubart, yang telah kami kutip, “clavichord melankolis yang kesepian, memiliki keunggulan besar dibandingkan piano. Dengan menekan tuts, kita tidak hanya dapat menyebabkan pewarnaan suara penuh, tetapi juga mezzotint, terutama getar, portamentos, atau getaran lembut, dengan kata lain, semua ciri dasar yang menjadi sumber perasaan kita."

Kita tahu apa itu “getaran yang diperlukan”, yang digunakan dengan sangat terampil oleh para clavichordist, dari deskripsi Burney, kritikus Inggris terkenal, pengagum setia F. E. Bach, yang pada masanya dianggap sebagai virtuoso terhebat di clavichord.

“Ketika Bach perlu mengeluarkan nada yang diinginkan dari claviernya, dia mencoba memberikannya sedikit kesedihan dan penderitaan mendalam, yang hanya mungkin dilakukan pada clavichord.”

Dalam buku Bach kami juga menemukan instruksi rinci mengenai bermain dengan getaran yang diperlukan ini. Itu diperoleh dengan sedikit menggetarkan jari pada tutsnya (seperti yang dilakukan pemain biola dalam kasus serupa pada instrumen mereka).

Clavichord menjadi instrumen favorit di era sentimentalisme. Namun “era clavichord” tidak berlangsung lama. Pada akhir abad ke-18, piano mulai mendapatkan hak kewarganegaraan dalam penggunaan musik. Mozart adalah virtuoso pertama yang memainkan "hammer clavier" di depan umum, dan kejeniusannya menyucikan instrumen baru ini. Pertumbuhan pesat perbaikan teknis dalam mekanisme piano akhirnya menggantikan bentuk clavier yang lebih tidak sempurna, dan pada awal abad ke-19, ingatan akan suara lembut clavichord yang menawan masuk ke dunia kuno yang jauh, ke dalam dunia kuno. ranah legenda musik yang setengah terlupakan.

Alat musik: Harpsichord

Pasti di konser Anda pernah memperhatikan alat musik yang mirip dengan piano, tetapi ukurannya jauh lebih kecil, dengan beberapa keyboard dan suara metalik yang sangat berbeda? Nama alat musik ini adalah harpsichord. Di setiap negara disebut berbeda: di Prancis dan Rusia disebut harpsichord, di Italia disebut cymbalo (dan terkadang clavicembalo), di Inggris disebut harpsichord. Harpsichord adalah alat musik petik keyboard yang bunyinya dihasilkan dengan cara dipetik.

Suara

Suara harpsichord sulit dikacaukan dengan instrumen lainnya; suaranya istimewa, cemerlang, dan tiba-tiba. Begitu Anda mendengar suara ini, Anda langsung membayangkan tarian kuno, pesta dansa, dan dayang-dayang bangsawan dalam gaun megah dengan gaya rambut yang tak terbayangkan. Perbedaan utama antara harpsichord adalah suaranya tidak dapat mengubah dinamika dengan mulus, seperti instrumen lainnya. Untuk mengatasi masalah ini, para pengrajin memiliki ide untuk menambahkan register lain yang diaktifkan menggunakan sakelar dan tuas manual. Letaknya di sisi keyboard. Beberapa saat kemudian, pergantian kaki juga tampak membuat permainan menjadi lebih mudah.

Foto:

Fakta menarik

Harpsichord selalu dianggap sebagai instrumen aristokrat yang menghiasi salon dan aula orang terkaya di Eropa. Itu sebabnya pada zaman dahulu terbuat dari jenis kayu yang mahal, kuncinya dilapisi dengan pelat cangkang kura-kura, induk mutiara, dan terkadang bertatahkan batu mulia.
Pernahkah Anda memperhatikan bahwa beberapa harpsichord memiliki tuts bawah berwarna hitam dan tuts atas berwarna putih - semuanya sangat bertolak belakang dengan grand piano atau piano tegak? Harpsichord dengan warna-warna kunci seperti ini umum terjadi di Prancis pada abad ke-17. Seperti yang dijelaskan oleh para sejarawan, dekorasi keyboard ini dikaitkan dengan gaya gagah yang dominan dalam seni pada saat itu - tangan pemain harpsichordist yang seputih salju terlihat sangat anggun dan menonjol pada keyboard hitam.
Awalnya harpsichord diletakkan di atas meja, beberapa saat kemudian, pengrajin menambahkan kaki yang indah.

Pada suatu waktu, konduktor harus duduk di depan harpsichord, dan dia berhasil bermain dengan tangan kirinya dan mengarahkan para musisi dengan tangan kanannya.
Mencoba menciptakan kembali suara harpsichord, beberapa master menggunakan tipu daya. Jadi, pada piano Red October, yang dibuat pada zaman Soviet, pedal ketiga menurunkan kain khusus ke senar, yang diikatkan buluh logam. Palu menghantam mereka dan terdengar suara khas. Piano Accord Soviet memiliki desain yang sama.
Sakelar kaki pada harpsichord baru muncul pada tahun 1750.
Pada mulanya dinamika bunyi diubah dengan menggandakan dan melipattigakan senar; baru pada abad 17-18 mereka mulai membuat instrumen dengan 2 atau bahkan 3 manual, letaknya satu di atas yang lain dengan register yang berbeda. Dalam hal ini, manual atas disetel satu oktaf lebih tinggi.
Untuk waktu yang lama, harpsichord tertua yang bertahan hingga saat ini dianggap sebagai instrumen master Italia Hieronymus pada tahun 1521. Namun, kemudian mereka menemukan harpsichord yang lebih tua, dibuat pada tanggal 18 September 1515 oleh Vincentius dari Livigimeno.
Harpsichord abad ke-16 sebagian besar berasal dari Italia (Venesia) dan terbuat dari pohon cemara. Instrumen Perancis dengan dua keyboard (manual) terbuat dari kenari.
Kebanyakan harpsichord punya kecapi register, hal ini ditandai dengan timbre hidung. Untuk menghasilkan suara seperti itu, senarnya diredam dengan potongan kain kempa atau kulit.
Pada Abad Pertengahan, di istana Raja Spanyol Philip II ada apa yang disebut “kucing harpsichord”. Itu adalah perangkat yang terdiri dari keyboard dan kotak persegi panjang dengan beberapa kompartemen tempat kucing ditempatkan. Sebelumnya, hewan-hewan tersebut didengarkan dengan cara menginjak ekornya dan diberi peringkat berdasarkan suaranya. Kemudian ekor kucing malang itu diikatkan di bawah kunci, ketika ditekan, sebuah jarum ditusukkan ke dalamnya. Hewan itu berteriak keras, dan pemainnya terus memainkan melodinya. Perth I diketahui juga memesan “harpsichord kucing” untuk lemari keingintahuannya.
Pemain harpsichord Prancis terkenal F. Couperin memiliki risalah “Seni Memainkan Harpsichord,” yang masih digunakan oleh para musisi di zaman kita.
Couperin-lah yang mulai aktif menggunakan ibu jari (jari pertama) saat memainkan harpsichord, sebelumnya musisi hanya bermain dengan empat jari, dan jari kelima tidak digunakan. Ide ini segera diambil oleh pemain lain.
Pemain terkenal Handel, sebagai seorang anak ia terpaksa berlatih bermain harpsichord di loteng, karena ayahnya menentang karir sebagai musisi dan memimpikan putranya menerima pendidikan hukum.
Menariknya, aksi pelompat tersebut digambarkan oleh W. Shakespeare dalam sonetanya yang ke-128.
Musisi yang memainkan harpsichord disebut pemain kunci, karena mereka berhasil memainkannya tubuh dan clavichord.
Patut dicatat bahwa jangkauan harpsichord konser pada pertengahan abad ke-18 lebih luas daripada jangkauan piano, yang menggantikannya beberapa saat kemudian.

Bekerja

ADALAH. Bach - Konserto untuk harpsichord, string dan basso continuo di D mayor (dengarkan)

M. Corette - Konserto untuk harpsichord dan orkestra di D minor (dengarkan)

G.F. Handel - Harpsichord Suite No.4 Sarabande (dengarkan)

Desain

Secara eksternal, harpsichord terlihat seperti piano. Bentuk segitiga memanjang dilengkapi dengan kaki-kaki yang indah, dan senarnya disusun secara horizontal sejajar dengan tuts. Setiap tuts dilengkapi dengan penekan, kadang disebut juga pelompat, dengan lidah menempel di ujung atasnya. Suara harpsichord dihasilkan dengan cara dipetik. Saat Anda menekan tombol, lidah elastis yang terbuat dari bulu burung akan bergerak; model yang lebih modern sudah menggunakan yang plastik. Mereka menangkap senar yang kencang, dan karena itu, timbul suara pemetikan yang khas.

Cerita asal

Informasi pertama tentang alat musik ini biasanya dikaitkan dengan tahun 1511, sehingga diyakini berasal dari abad ke-16. Namun, beberapa saat kemudian, muncul informasi baru bahwa sumber Italia tahun 1397 (“Decameron” oleh G. Boccacio) juga memuat informasi tentang instrumen tersebut. Gambar tertua berasal dari tahun 1425 - di sebuah altar di Minden.

Harpsichord berasal dari psalterium. Desain pendahulu kuno ini diubah dan mekanisme keyboard ditambahkan. Harpsichord pertama tidak terlalu mirip dengan versi modern. Bentuknya persegi panjang dan lebih mirip clavichord "bebas", hanya senarnya yang panjangnya berbeda.

Pada suatu waktu, harpsichord sangat populer dan berhasil digunakan dalam ansambel dan orkestra. Pada abad 17 – 18, alat musik ini tersebar luas sebagai alat musik solo. Timbre harpsichord yang unik sangat cocok dengan momen gagah ini. Pada awal abad ke-19, alat musik tersebut praktis tidak digunakan lagi, hingga budaya memainkannya dihidupkan kembali pada pergantian abad ke-19-20.

Varietas

Nama “harpsichord” mengacu pada instrumen keyboard dengan jangkauan hingga 5 oktaf dan berbentuk sayap. Ada juga jenis instrumen yang lebih kecil, yang dilengkapi dengan satu set senar, dan jangkauannya hanya mencapai 4 oktaf. Jadi, di antara mereka yang menonjol: spinet, di mana senarnya terletak secara diagonal, muselar - berbentuk persegi panjang dan dengan senar yang terletak tegak lurus dengan keyboard. Selain itu, virginel juga beragam.

Video: mendengarkan harpsichord