Pesan tentang Renaisans singkat saja. Sastra Renaisans
Sejarah Renaisans dimulai pada Periode ini disebut juga Renaisans. Renaissance berubah menjadi kebudayaan dan menjadi cikal bakal kebudayaan New Age. Dan Renaisans berakhir pada abad 16-17, karena setiap negara bagian memiliki tanggal mulai dan berakhirnya masing-masing.
Beberapa informasi umum
Perwakilan Renaisans adalah Francesco Petrarca dan Giovanni Boccaccio. Mereka menjadi penyair pertama yang mulai mengekspresikan gambaran dan pemikiran luhur dalam bahasa yang jujur dan umum. Inovasi ini diterima dengan baik dan menyebar ke negara lain.
Renaisans dan seni
Kekhasan Renaisans adalah tubuh manusia menjadi sumber inspirasi dan bahan kajian utama para seniman saat ini. Dengan demikian, penekanannya adalah pada kesamaan patung dan lukisan dengan kenyataan. Ciri-ciri utama seni Renaisans meliputi pancaran cahaya, penggunaan kuas yang halus, permainan bayangan dan cahaya, kehati-hatian dalam proses kerja, dan komposisi yang kompleks. Bagi seniman Renaisans, gambaran utamanya berasal dari Alkitab dan mitos.
Kemiripan orang sungguhan dengan gambarnya di kanvas tertentu begitu dekat sehingga tokoh fiksinya tampak hidup. Hal yang sama tidak dapat dikatakan tentang seni abad kedua puluh.
Renaisans (tren utamanya diuraikan secara singkat di atas) memandang tubuh manusia sebagai permulaan yang tak ada habisnya. Para ilmuwan dan seniman secara teratur meningkatkan keterampilan dan pengetahuan mereka dengan mempelajari tubuh individu. Pandangan yang berlaku saat itu adalah bahwa manusia diciptakan menurut rupa dan gambar Allah. Pernyataan ini mencerminkan kesempurnaan fisik. Objek utama dan penting seni Renaisans adalah para dewa.
Alam dan keindahan tubuh manusia
Seni Renaisans menaruh perhatian besar pada alam. Elemen karakteristik lanskap adalah vegetasi yang bervariasi dan subur. Langit yang berwarna biru, disinari sinar matahari yang menembus awan putih, memberikan latar belakang yang sangat indah bagi makhluk-makhluk yang mengapung. Seni Renaisans memuja keindahan tubuh manusia. Ciri ini diwujudkan dalam unsur halus otot dan tubuh. Pose yang sulit, ekspresi wajah dan gerak tubuh, palet warna yang serasi dan jelas merupakan ciri khas karya pematung dan pematung masa Renaisans. Ini termasuk Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt dan lain-lain.
Dalam perkembangan seni budaya dunia, Renaisans merupakan era yang memiliki makna luar biasa. Istilah “Renaissance” (fr. renaissance) pertama kali digunakan oleh seorang pelukis, arsitek, dan sejarawan seni terkenal. G.Vasari(1512-74) V dalam bukunya “Biografi Pelukis, Pematung, dan Arsitek Paling Terkenal”. Yang dia maksud adalah kebangkitan zaman kuno. Selanjutnya, terutama dengan XVIII c., era Renaisans Italia dicirikan terutama sebagai era kelahiran kembali manusia, sebagai era humanisme. Namun, asal muasal penafsiran ini berasal dari budaya Italia XIV- XV berabad-abad berasal di era ini. Tidak peduli seberapa banyak sejarawan berdebat tentang apakah Renaisans adalah fenomena global atau apakah proses budaya ini unik di Italia, bagaimanapun juga, budaya Renaisans Italia yang unik dan tak ada bandingannya berfungsi sebagai semacam model yang digunakan untuk fenomena kebangkitan. budaya negara lain dibandingkan.
Ciri-ciri utama budaya Renaisans adalah:antroposentrisme, humanisme, modifikasi tradisi Kristen abad pertengahan, sikap khusus terhadap zaman kuno - kebangkitan monumen seni kuno dan filsafat kuno, sikap baru terhadap dunia. Ciri-ciri ini berkaitan erat satu sama lain. Mempelajari satu hal secara terpisah dari yang lain mengancam kehilangan objektivitas dalam menilai waktu yang menarik ini.
Budaya Renaisans tidak berkembang di semua negara Eropa. Itu memiliki karakter yang berbeda dan batasan waktu yang berbeda. Negara klasik Renaisans adalah Italia. Sudah di akhir abad ke-13. tunas pandangan dunia baru dan seni baru muncul (proto-Renaisans); Kebudayaan ini mendapat perkembangan cemerlang pada abad ke-15 (Awal Renaisans) dan mencapai puncaknya pada awal abad ke-16. (Renaisans Tinggi)- (1490-1530). Renaisans menjadi usang di Italia pada tahun 30-an. XVI abad, tetapi di Venesia hal ini berlanjut hingga akhir abad ini.
Mengapa negara klasik Renaisans adalah Italia? Di Semenanjung Apennine, lebih awal dibandingkan di negara-negara Eropa lainnya, hubungan ekonomi baru mulai terbentuk. Berkat lokasi geografisnya, kota-kota di Italia telah menjadi pusat perdagangan dan perbankan internasional. Kota-kota tersebut adalah Florence, Pisa, Siena, Genoa, Milan, Venesia. Italia juga berbeda dalam struktur politiknya. Ini bukan satu negara, tetapi mewakili sejumlah daerah dan kota independen yang terus-menerus bersaing dan berselisih satu sama lain. Sudah di XI- XIII berabad-abad di beberapa di antaranya terjadi revolusi anti-feodal, yang mengakibatkan kota-kota ini memperoleh kemerdekaan dan membentuk bentuk pemerintahan republik.
Keunggulan di antara negara-negara kota di Italia adalah milik Florence, seperti Athena di Yunani. Kota ini diperintah oleh dewan kepala berbagai bengkel. Pada tahun 1289, para petani dibebaskan dari perbudakan, dan pada tahun 1293 dilakukan “Pembentukan Keadilan”. diadopsi, yang merampas semua hak istimewa bangsawan.
Dan akhirnya, Italia dibedakan oleh satu lagi keadaan penting dari sudut pandang budaya: di sinilah zaman kuno ditemukan kembali. Karya-karya penulis kuno dicari di gudang-gudang yang terlupakan: pecahan kolom, patung Yunani dan Romawi yang indah, relief, dan relief tinggi ditemukan. Pengukuran reruntuhan bangunan kuno menunjukkan pola proporsi yang harmonis.
Terkait dengan pengertian ciri-ciri utama adalah kronologi Renaisans Italia (Renaissance). Periode dalam sejarah kebudayaan Italia biasanya ditandai dengan nama abad:
Ducento - (abad XIII) - Proto-Renaisans;
Trecento (abad XIV) - kelanjutan dari Proto-Renaissance;
Quattrocento (abad XV) - Renaisans Awal;
Cinquecento (abad XVI) - Renaisans Tinggi.
Pada saat yang sama, kerangka kronologis abad ini tidak sepenuhnya bertepatan dengan periode perkembangan budaya tertentu: misalnya, Proto-Renaisans dimulai pada akhir abad ke-13, Renaisans Awal berakhir pada tahun 90-an. Abad XV, dan High Renaissance menjadi usang pada tahun 30-an. abad ke-16 Hanya di Venesia istilah “Renaisans Venesia” atau “Renaisans akhir” lebih sering diterapkan pada periode ini.
Dasar dari perubahan di bidang budaya adalah pandangan dunia baru, disebabkan oleh perubahan signifikan dalam kehidupan banyak negara Eropa: Italia, Belanda, Perancis, Jerman, Inggris. Keberadaan duniawi disebut satu-satunya yang nyata, dan manusia disebut cantik atau berjuang untuk keindahan. Asketisme ditolak, dan hak asasi manusia untuk menikmati kesenangan duniawi diproklamasikan.
Pandangan yang sama sekali berbeda tentang manusia dan dunia di sekitarnya kini muncul. Abad Pertengahan adalah masa dominasi agama, yang menegaskan betapa tidak berartinya manusia di hadapan Tuhan Yang Maha Esa. Asketisme agama menyatakan dunia duniawi dan manusia sebagai perwujudan dosa dan kejahatan, menyerukan perjuangan terus-menerus melawan nafsu, pertobatan, penyiksaan daging, kesabaran dan kerendahan hati dalam mengantisipasi transisi ke dunia lain yang lebih baik. Hal utama dalam pandangan dunia humanistik baru adalah konsep manusia yang luar biasa tinggi. Manusia dinyatakan sebagai pusat alam semesta dan ukuran segala sesuatu, pencipta dirinya sendiri. Tujuan, martabat dan nilainya yang tinggi, kemungkinannya yang tidak terbatas ditegaskan. Ideal menjadi harmonis, kuat, kaya spiritual, berkembang secara menyeluruh (homo universale - pribadi universal) kepribadian. Kebebasan adalah perolehan paling berharga seseorang.
Kaum humanis (terutama Italia) menemukan contoh cinta pagan yang bermoral dan indah terhadap segala sesuatu yang duniawi dalam warisan zaman kuno - monumen seni, sejarah, dan filsafat. Oleh karena itu nama zamannya - Renaisans (dalam bahasa Italia - Rinascimento, dalam bahasa Prancis - Renaisans), meskipun studi dan ketertarikan pada zaman kuno adalah konsekuensi dari pemahaman baru tentang kehidupan.
Di bidang filsafat, ajaran kuno mendapat perkembangan dan isi baru:
Sikap tabah (Petrarch),
ajaran Epikur (Ballah),
Neoplatonisme (Ficino, Pico della Mirandolla),
Panteisme (N.Kuzansky, Paracelsus, Campanella, Bruno). Menurut pandangan panteistik, hukum yang mengatur
dunia, ada hukum alam internal. Tuhan tidak dipahami sebagai kekuatan supernatural eksternal, tetapi diidentikkan dengan alam. Gagasan Yunani kuno tentang identitas mikrokosmos (manusia) dan makrokosmos (alam) juga dihidupkan kembali.
Sekolah humanistik pertama didirikan di Mantua pada tahun 1425 (V. da Feltre). Namanya adalah "Rumah Kegembiraan"- Menekankan keinginan untuk memberikan pembelajaran karakter kesenangan, bukan menjejalkan.
Pada masa Renaisans, babak baru dalam perkembangan ilmu pengetahuan dimulai. Keberhasilan besar dicapai dalam astronomi, geografi, anatomi, matematika: Christopher Columbus menemukan Amerika pada tahun 1492; Vasco de Gamma pada tahun 1498 ia membuka jalur laut ke India; Amerigo Vespucci(1499-1504), Magellan (1519-22) dan navigator lainnya membuktikan kebulatan bumi. Sistem heliosentris menjadi revolusi ilmiah N.Copernicus(diterbitkan 1543). J. Bruno di bawah pengaruh teori Copernicus dan N. Cusanus, ia menciptakan doktrin ketidakterbatasan Alam Semesta dan membuat penemuan-penemuan lain.
RENCANA
Renaisans.
1. Renaisans Awal.
A. Giotto.
B.Brunelleschi.
2. Renaisans Tinggi
A. Bramante
Titan Renaisans.
1.Leonardo da Vinci.
2.Rafael Santi.
3. Michelangelo.
4. Titian.
3. Renaisans Akhir
RENAISANS
Pada akhir abad XIV - awal abad XV. di Eropa yaitu di Italia mulai terbentuk budaya borjuis awal yang disebut budaya Renaisans (Renaissance). Istilah “Renaisans” menunjukkan hubungan budaya baru dengan zaman kuno. Pada masa ini, masyarakat Italia mulai menaruh minat aktif terhadap budaya Yunani Kuno dan Roma, manuskrip penulis kuno dicari, sehingga ditemukan karya Cicero dan Titus Livy. Renaisans ditandai dengan banyak perubahan yang sangat signifikan dalam mentalitas masyarakat dibandingkan dengan Abad Pertengahan. Motif sekuler semakin intensif dalam budaya Eropa, berbagai bidang kehidupan sosial menjadi semakin mandiri dan independen dari gereja - seni, filsafat, sastra, pendidikan, sains. Fokus tokoh-tokoh Renaisans adalah pada manusia, oleh karena itu pandangan dunia para pengusung kebudayaan ini disebut dengan istilah “ humanistik”(dari bahasa Latin humanus - manusia).
Kaum humanis Renaisans percaya bahwa yang penting dalam diri seseorang bukanlah asal usul atau posisi sosialnya, tetapi kualitas pribadi, seperti kecerdasan, energi kreatif, usaha, harga diri, kemauan, dan pendidikan. Kepribadian yang kuat, berbakat dan berkembang secara komprehensif, seseorang yang merupakan pencipta dirinya dan takdirnya, diakui sebagai “pribadi ideal”. Selama Renaisans, kepribadian manusia memperoleh nilai yang belum pernah terjadi sebelumnya; individualisme menjadi ciri terpenting dari pendekatan humanistik terhadap kehidupan, yang berkontribusi pada penyebaran ide-ide liberalisme dan peningkatan umum tingkat kebebasan masyarakat dalam masyarakat. Bukan suatu kebetulan bahwa kaum humanis, yang pada umumnya tidak menentang agama dan tidak menantang prinsip-prinsip dasar agama Kristen, menugaskan Tuhan sebagai pencipta yang menggerakkan dunia dan tidak ikut campur lebih jauh dalam kehidupan manusia.
Manusia ideal, menurut kaum humanis, adalah “manusia universal”, manusia yang pencipta, ensiklopedis. Para humanis Renaisans percaya bahwa kemungkinan pengetahuan manusia tidak terbatas, karena pikiran manusia serupa dengan pikiran ilahi, dan manusia itu sendiri seolah-olah adalah dewa fana, dan pada akhirnya manusia akan memasuki wilayah benda langit dan menetap di sana dan menjadi seperti dewa. Orang-orang terpelajar dan berbakat pada periode ini dikelilingi oleh suasana kekaguman dan pemujaan universal; mereka dihormati sebagai orang suci di Abad Pertengahan. Kenikmatan keberadaan duniawi- Ini adalah bagian tak terpisahkan dari budaya Renaisans.
RENAISSANCE AWAL
Kebangkitan mempunyai tempat khusus dalam kemajuan kebudayaan. Maksudnya bukan hanya bahwa dalam sejarah umat manusia tidak banyak zaman yang ditandai dengan begitu besarnya intensitas kreativitas budaya, terutama seni, begitu melimpahnya bakat-bakat cemerlang, begitu melimpahnya prestasi yang gemilang. Hal lain yang tidak kalah mencoloknya: lima abad telah berlalu, kehidupan telah berubah tanpa dapat dikenali lagi, dan kreasi para ahli seni Renaisans yang hebat tidak pernah berhenti menggairahkan semakin banyak generasi orang.
Apa rahasia vitalitas yang luar biasa ini? Betapapun kesempurnaan bentuk membuat kita terpesona, hal itu saja tidak cukup untuk umur panjang yang aktif. Rahasianya terletak pada kemanusiaan terdalam dari seni ini, pada humanisme yang merasukinya. Setelah seribu tahun Abad Pertengahan, Renaisans adalah upaya kuat pertama dalam emansipasi spiritual manusia, pembebasan dan pengembangan menyeluruh dari potensi kreatif kolosal yang tersembunyi di dalam dirinya. Seni yang lahir pada era ini membawa nilai-nilai etika yang abadi. Mendidik, mengembangkan perasaan manusiawi, membangkitkan Manusia dalam diri seseorang.
Lukisan Byzantium, yang pengaruhnya seniman Italia mulai membebaskan diri hanya menjelang akhir abad ke-13, menciptakan mahakarya yang menggugah kekaguman kita, namun tidak menggambarkan dunia nyata.
Seni seniman abad pertengahan tidak memberikan kesan volume, kedalaman kepada pemirsanya, tidak menimbulkan kesan ruang, dan tidak memperjuangkan hal tersebut.
Hanya memberikan sedikit realitas, para penguasa Bizantium pertama-tama berusaha menyampaikan ide-ide, keyakinan, dan konsep-konsep yang merupakan isi spiritual pada zaman mereka. Mereka menciptakan simbol-simbol gambar yang megah dan sangat spiritual, dan dalam lukisan dan mosaik mereka, sosok manusia tetap seolah-olah tidak berwujud, konvensional, begitu pula lanskap dan keseluruhan komposisinya.
Agar seni baru yang realistis dapat mengalahkan sistem seni Gotik dan Bizantium, diperlukan sebuah revolusi dalam persepsi masyarakat terhadap dunia, yang dapat disebut sebagai salah satu revolusi progresif terbesar dalam sejarah umat manusia.
Apa yang biasa disebut Renaisans adalah penegasan kesinambungan kebudayaan besar kuno, penegasan cita-cita humanisme. Ini adalah akhir Abad Pertengahan dan awal era baru. Para pendukung budaya baru menyebut diri mereka humanis, kata ini berasal dari bahasa Latin humanus - “manusiawi”, “manusia”. Humanisme sejati menyatakan hak asasi manusia atas kebebasan dan kebahagiaan, mengakui kebaikan manusia sebagai dasar struktur sosial, dan menegaskan prinsip-prinsip kesetaraan, keadilan, dan kemanusiaan dalam hubungan antar manusia.
Kaum humanis Italia menemukan dunia zaman kuno klasik, mencari karya-karya penulis kuno di gudang-gudang yang terlupakan dan dengan susah payah membersihkannya dari distorsi yang diperkenalkan oleh para biarawan abad pertengahan. Pencarian mereka diwarnai dengan semangat yang membara. Yang lain menggali pecahan kolom, patung, relief, dan koin. “Saya membangkitkan orang mati,” kata salah seorang humanis Italia yang mengabdikan dirinya pada arkeologi. Dan faktanya, cita-cita kuno tentang keindahan dibangkitkan kembali di bawah langit dan di bumi yang selama ini disayanginya. Dan cita-cita ini, duniawi, sangat manusiawi dan nyata, melahirkan kecintaan yang besar pada keindahan dunia dan keinginan yang gigih untuk memahami dunia ini. Revolusi besar dalam persepsi masyarakat tentang dunia terjadi di tanah Italia setelah Italia memulai jalur baru dalam pembangunan ekonomi dan sosialnya. Sudah pada abad XI-XII. Revolusi anti-feodal terjadi di Italia dengan pembentukan bentuk pemerintahan republik di banyak kota.
Secara historis, di Italia, saluran utama aktivitas kreatif Renaisans yang gencar bukanlah aktivitas mental itu sendiri, atau bahkan sastra halus, melainkan seni rupa. Dalam kreativitas artistik budaya baru diwujudkan dengan ekspresi terbesar; dalam seni ia diwujudkan dalam harta karun yang tidak dapat dikuasai oleh waktu. Mungkin belum pernah sebelumnya (setidaknya sejak zaman klasik) atau sejak umat manusia mengalami era ketika seni rupa memainkan peran yang luar biasa dalam kehidupan budaya dan sosial. Konsep “budaya Renaisans” membangkitkan dalam pikiran, pertama-tama, rangkaian kreasi lukisan, patung, arsitektur yang tak terbatas dan mempesona - yang satu lebih indah dari yang lain. Semua ini sebagian besar berkaitan dengan tahap tertinggi perkembangan budaya ini, dengan periode puncaknya, yang bukan tanpa alasan disebut High Renaissance. Apa yang tadinya merupakan upaya, hanya sebuah terobosan, di sini tampak dalam kepenuhan pemikiran, kesempurnaan harmoni, dalam derasnya arus pergulatan kekuatan-kekuatan raksasa. Namun, pendakian yang panjang dan sulit menuju puncak. Tanpanya, klimaksnya tidak dapat dipahami.
Harmoni dan keindahan akan menemukan dasar yang tak tergoyahkan dalam apa yang disebut rasio emas (istilah ini diperkenalkan oleh Leonardo da Vinci; kemudian istilah lain digunakan: "proporsi ilahi"), yang dikenal pada zaman kuno, tetapi minat terhadap hal tersebut justru muncul pada masa itu. abad ke-15. sehubungan dengan penerapannya baik dalam geometri maupun seni, khususnya arsitektur. Ini adalah pembagian segmen secara harmonis, dimana bagian yang lebih besar adalah rata-rata proporsional antara seluruh segmen dan bagian yang lebih kecil, contohnya adalah tubuh manusia. Jadi, pikiran manusia adalah kekuatan pendorong dibalik seni konstruksi. Ini sudah menjadi kredo para arsitek Quattrocento, dan seratus tahun kemudian Michelangelo akan berkata dengan lebih jelas lagi:
“Anggota arsitektur bergantung pada tubuh manusia, dan siapa pun yang tidak atau tidak ahli dalam bidang figur, serta anatomi, tidak dapat memahami hal ini.”
Dalam kesatuan struktural dan dekoratif-visualnya, arsitektur Renaisans mengubah tampilan katedral - struktur kubahnya yang sentris tidak menghancurkan seseorang, tetapi tidak merobeknya dari tanah, tetapi dengan kebangkitannya yang megah, tampaknya menegaskan supremasi manusia di seluruh dunia.
Setiap dekade abad ke-15. konstruksi sekuler semakin meluas di Italia. Bukan kuil, bahkan bukan istana, melainkan bangunan umum yang mendapat kehormatan tinggi sebagai anak sulung arsitektur Renaisans sejati. Ini adalah Florentine Foundling House, yang pembangunannya dimulai oleh Brunelleschi pada tahun 1419.
Cahaya dan keanggunan Renaisans yang murni membedakan kreasi arsitek terkenal ini, yang menghadirkan galeri melengkung terbuka lebar dengan kolom-kolom tipis pada fasadnya dan dengan demikian, seolah-olah, menghubungkan bangunan dengan alun-alun, arsitektur - "bagian dari kehidupan" - dengan bagian kota. Medali indah yang terbuat dari tanah liat panggang berlapis kaca dengan gambar bayi baru lahir yang dibedong menghiasi timpani kecil, meramaikan seluruh komposisi arsitektur dengan warna-warni.
Dibedah secara ramping dalam fasad horizontalnya yang perkasa, tanpa menara dan lengkungan, istana Florentine tampak megah, megah, dan indah: Palazzo Pitti, Palazzo Ricardi, Palazzo Rucellai, Palazzo Strozzi, dan kuil berkubah pusat Madonna delle Carceli yang indah di Prato. Semua ini adalah monumen arsitektur terkenal dari Renaisans Awal.
Mari tambahkan dua kata lagi tentang genre lukisan lain yang berkembang di Florence pada abad ke-15. Ini adalah peti atau kaset elegan (cassones) yang menyimpan barang-barang favorit, gaun, dan khususnya mahar anak perempuan. Selain ukirannya, juga ditutupi dengan lukisan, terkadang sangat elegan, memberikan gambaran yang jelas tentang mode pada masa itu, terkadang dengan pemandangan yang dipinjam dari mitologi klasik.
Pada asal mula Renaisans ( Lebih awal Renaisans) V Italia berdiri dengan baik Dante Alighieri(1265-1321), penulis “Komedi”, yang oleh keturunannya, mengungkapkan kekagumannya, disebut “ Bersifat ketuhanan komedi" Dante mengambil plot yang akrab dengan Abad Pertengahan dan berhasil, dengan kekuatan imajinasinya, membimbing pembaca melewati semua lingkaran Neraka, Api Penyucian, dan Surga; beberapa orang sezamannya yang berpikiran sederhana percaya bahwa Dante benar-benar mengunjungi dunia berikutnya.
"The Divine Comedy" terdiri dari tiga bagian: "Neraka", "Api Penyucian", "Surga". Di Neraka, jauh di bawah tanah, orang-orang berdosa tersiksa oleh rasa sakit yang kekal - pembunuh, bunuh diri, pengkhianat, pemerkosa, mengalami siksaan mental dan fisik yang kekal. Penghuni Api Penyucian, pulau-pulau pegunungan, bijaksana dan seimbang. Ini adalah orang-orang kafir yang saleh yang tidak mengenal Kristus, semua orang baik yang menyembah dewa-dewa palsu. Mereka yang berada di sini akan menghadapi pemikiran yang panjang dan menyakitkan tentang Tuhan, keadilan dan hukuman atas dosa yang tak terhindarkan; di sini, di Api Penyucian, mereka mencoba memahami tujuan tertinggi alam semesta. Bagian terbaik dari Api Penyucian adalah di puncak gunung. Ini adalah Surga Duniawi. Jiwa banyak orang mampu membersihkan diri dari dosa, menebusnya dengan pertobatan, naik ke Surga Duniawi dan bahkan terbang ke surga, ke Surga surgawi yang nyata. Di Surga Surgawi, “Kemuliaan Dia yang menggerakkan seluruh Alam Semesta mengalir, bersinar terang.” Dante menggambarkan bagaimana dia dan Beatrice mengunjungi Surga Surgawi dan berbicara dengan orang-orang saleh di sana. Bulan dihuni oleh jiwa para biarawati yang diculik dari biara dan dinikahkan secara paksa, yang bukan karena kesalahan mereka sendiri dan atas kemauan mereka sendiri tidak menepati sumpah keperawanan mereka. Ini adalah roh bulan. Di Merkurius, bola langit kedua, hiduplah cahaya jiwa dari tokoh-tokoh ambisius yang hidupnya saleh. Surga ketiga - Venus - adalah surga bagi orang-orang saleh yang penuh kasih. Matahari dihuni oleh jiwa-jiwa yang bersinar dari para teolog, orang bijak, dan filsuf. Jiwa pejuang iman berkumpul di Mars. Yupiter adalah tempat jiwa orang-orang benar melayang-layang. Jiwa orang-orang kontemplatif yang saleh berjuang untuk Saturnus. Bola surgawi kedelapan berikutnya adalah “Sarang Leda” di Konstelasi Gemini, tempat jiwa orang-orang saleh mencari perlindungan. Di konstelasi Gemini yang sama adalah lingkungan Surga tertinggi, kesembilan - Empyrean. Pusatnya adalah titik kecil dan sangat terang, di mana delapan lingkaran surgawi lainnya berputar. Jiwa bayi dan orang yang diberkati datang ke sini; Cahaya Abadi yang tertinggi dan paling mempesona memancar dari sini, membantu memperoleh pengetahuan dan kebenaran tertinggi. Inilah “Cinta yang menggerakkan matahari dan benda-benda penerang.”
Dante, Francesco Petrarki(1304-1374) dan Giovanni Boccaccio(1313-1375) - penyair terkenal Renaisans, adalah pencipta bahasa sastra Italia. Karya-karya mereka, semasa hidupnya, dikenal luas tidak hanya di Italia, tetapi juga jauh melampaui batas-batasnya, dan masuk dalam khazanah sastra dunia.
Soneta Petrarch tentang kehidupan dan kematian Madonna Laura mendapatkan ketenaran di seluruh dunia. Contohnya adalah soneta No. 215 dari “Kitab Nyanyian”.
Dengan darah bangsawan - kesopanan ini,
Pikiran yang cemerlang dan hati yang sederhana,
Dengan penutupan eksternal - kehangatan,
Dan buah yang matang berwarna muda,
Ya, planetnya bermurah hati padanya,
Atau lebih tepatnya, raja para tokoh termasyhur, dan puncak kebajikannya,
Setiap fitur
Mereka akan menghancurkan penyair hebat itu.
Tuhan menggabungkan cinta dan kehormatan dalam dirinya,
Diberkahi dengan pesona yang serasi
Keindahan alam membawa keceriaan bagi mata.
Dan ada sesuatu dalam tatapannya,
Bahwa pada tengah malam hari akan membuatnya bersinar, bersinar,
Ini akan memberi rasa pahit pada madu dan apsintus - rasa manis.
Renaisans ditandai dengan pemujaan terhadap keindahan, khususnya kecantikan manusia. Lukisan Italia, yang pernah menjadi bentuk seni terkemuka, menggambarkan orang-orang cantik dan sempurna. Lukisan Renaisans awal diwakili oleh kreativitas Botticelli(1445-1510), yang menciptakan karya tentang subjek keagamaan dan mitologi, termasuk lukisan “Musim Semi” dan “Kelahiran Venus”, serta Giotto(1266-1337), yang membebaskan lukisan fresco Italia dari pengaruh Bizantium.
GIOTTO
Trecento belum merupakan zaman Renaisans, melainkan Pra-Renaisans, atau Proto-Renaisans. Selain itu, kita dapat mengatakan bahwa tren proto-Renaisans sudah muncul dalam budaya Italia dan pandangan dunia secara umum pada abad ke-13, dan kadang-kadang bahkan pada abad ke-12 dan ke-11. Pra-Renaisans sudah mengangkat semboyan meniru alam. Karena itulah para humanis dengan hangat memuji Giotto. Florentine Giotto adalah yang pertama di antara para raksasa era besar seni Italia. Dia pada dasarnya adalah seorang pelukis, tetapi juga seorang pematung dan arsitek. Ada informasi bahwa dia berpenampilan buruk dan terkenal karena kecerdasannya. Kesan yang dibuat orang-orang sezamannya dengan kreasi Giotto sangat besar. Petrarch menulis bahwa sebelum gambar Giotto Anda mengalami kegembiraan, mencapai titik pingsan. Dan seratus tahun kemudian, pematung terkenal Florentine, Ghiberti, berbicara tentang dia seperti ini:
“Giotto melihat dalam seni apa yang tidak dapat diakses oleh orang lain. Dia membawa seni alam... Dia adalah penemu dan penemu ilmu pengetahuan besar yang terkubur selama sekitar enam ratus tahun.”
“Seni alam”, karena didasarkan pada gambaran dunia sekitar kita sebagaimana mata kita melihatnya.
Di sinilah dimulainya perpisahan dari seni keagamaan abad pertengahan. Di sana, Tuhan yang universal dan supersensitif dianggap sebagai kesempurnaan tertinggi, dan hanya kepada Dia, sebagai satu-satunya cita-cita sejati, seni harus diperjuangkan. Segala sesuatu yang duniawi dan alami dinyatakan menipu, ilusi, tidak layak untuk dikagumi: bagaimanapun juga, hal itu mengalihkan perhatian dari kontemplasi tentang yang tak terlihat - Tuhan. Namun, tidak mungkin untuk menggambarkan dan memahami yang super masuk akal, dan oleh karena itu, untuk menggambarkan Tuhan, malaikat, dan orang suci, seseorang harus menggunakan penggambaran manusia, dan sampai batas tertentu, elemen alam. Namun gambar-gambar ini tidak seharusnya memiliki makna estetis yang berdiri sendiri, tetapi hanya berfungsi sebagai petunjuk, simbol dari “surgawi”, yang ilahi. Yang kasat mata hanya diperbolehkan untuk mengarahkan pikiran orang pada yang tak kasat mata.
Dimulai dengan Giotto, alam dan manusia sendiri menjadi objek kekaguman; mereka mulai mencari (dan menemukan!) keindahan dan kekayaan spiritual di dalamnya. Seolah-olah dunia terbuka kembali di hadapan manusia. Perhatian, ketertarikan, dan kecintaan para seniman semakin terfokus pada manusia dan segala sesuatu yang ada disekitarnya. Inilah kekuatan dan manfaat Renaisans Awal, penemuan filosofis dan artistiknya yang luar biasa: dorongan terhadap manusia dan alam sebagai bidang keindahan dan kebaikan berarti pemindahan pusat gravitasi estetika dan etika dari alam surgawi, imajiner, supernatural. ke dunia manusia yang duniawi, nyata.
Tapi di sinilah letak kelemahannya. Dikagumi oleh dunia yang terbuka sebelumnya, seni mau tidak mau terbawa oleh “dekorasi beraneka ragam” dan dengan mudah tersesat ke jalur naturalisme kecil. Banyak seniman tidak dapat bertahan dalam ujian dan meninggalkan lukisan untuk anak cucu di mana terdapat iring-iringan bunga dan dengan terampil menggambarkan lalat yang duduk di selembar kertas yang dicoret-coret, tetapi di mana seseorang digambarkan kecil, tanpa ekspresi - dia tersesat dalam perada yang meriah atau sehari-hari ini.
Namun, seni Renaisans Awal, dengan segala keterbatasannya, sama sekali tidak bersifat naturalistik, dan jelas sederhana. Hal ini rumit, kontradiktif, dan kontradiksi internal inilah yang membawanya maju. Meskipun kelihatannya aneh pada pandangan pertama, dalam seni Renaisans Awal, bersama dengan detail kecil, kecenderungan sintesis lainnya muncul sejak awal: terkait erat dengan penciptaan gambaran umum, monumental, dan heroik dari orang yang sempurna. .
Salah satu pematung paling terkenal pada masa itu adalah Donatello(1386-1466), pengarang sejumlah karya realistik berjenis potret, yang untuk pertama kalinya sejak jaman dahulu menampilkan tubuh telanjang dalam seni pahat. Arsitek terbesar dari Renaisans Awal - Brunelleschi(1377-1446). Dia berusaha menggabungkan unsur gaya Romawi dan Gotik kuno, membangun kuil, istana, dan kapel.
BRUNELESCHI
Seni Renaisans dimulai pada abad ke-15, ketika pada tahun pertama abad ini Komune Florentine mengumumkan kompetisi untuk mendekorasi pintu Baptistery San Giovanni. Contoh terbaiknya adalah relief yang dibawakan oleh dua seniman muda - Filippo Brunelleschi dan Lorenzo Ghiberti dengan tema yang sama: pengorbanan Abraham. Kedua relief tersebut luar biasa, keduanya inovatif dan berani baik dalam desain maupun bahasa visualnya. Telapak tangan tersebut diberikan kepada Ghiberti mungkin karena pada relief Brunelleschi sosok Ishak yang didandani untuk disembelih oleh ayahnya terlihat terlalu taat kepada Tuhan, ini adalah “makhluk yang gemetar”, seorang budak yang menyedihkan, hampir tidak berbentuk, yang Abraham, seperti seorang yang tidak tanggap. binatang buas, diseret ke altar. Sama sekali tidak sama dengan Ghiberti. Ishaknya asing dengan ciri-ciri nonentitas yang menyedihkan. Dia adalah seorang anak laki-laki ramping dan lincah di ambang masa remaja. Plastisitasnya sangat menarik. Ya, dia dibaringkan berlutut di atas altar, tangannya diikat ke belakang, tetapi dia tidak menundukkan kepalanya dengan patuh. Sebaliknya, Dia dengan bangga membesarkannya, dan kita melihat betapa besar keindahan dan martabat yang ada dalam dirinya. Tak ada bayang ketakutan di wajahnya; yang ada adalah tantangan sombong terhadap ketidakadilan liar yang siap menimpanya. Tantangan yang sama terjadi pada dada telanjang, tanpa rasa takut menghadap bahaya. Pemuda yang tak kenal takut ini tidak akan tunduk di hadapan ayahnya yang kejam, dan, mungkin, di hadapan Tuhan sendiri, yang tidak malu memberikan perintah yang tidak manusiawi tersebut.
“Isaac” Ghiberti tidak hanya mengungkapkan dengan keyakinan yang langka semangat pemberontak dan cinta kebebasan dari Republik Florentine. Dia, pada dasarnya, adalah orang pertama, di ambang Quattrocento, yang mewujudkan dalam generalisasi tinggi citra ideal seorang pria Renaisans yang bangga dan cantik.
Brunelleschi mempunyai dua rencana besar: yang pertama adalah mengembalikan arsitektur yang bagus ke permukaan, yang kedua adalah menemukan, jika dia berhasil, cara untuk mendirikan kubah Santa Maria del Fiore di Florence.
Faktanya adalah bahwa di Eropa abad pertengahan mereka sama sekali tidak tahu cara membangun kubah besar, sehingga orang Italia pada masa itu memandang Pantheon Romawi kuno dengan kekaguman dan iri hati.
Dan beginilah cara Vasari menilai kubah Katedral Santa Maria del Fiore di Florentine, yang didirikan oleh Brunelleschi:
“Dapat dikatakan dengan pasti bahwa orang-orang zaman dahulu tidak mencapai ketinggian seperti itu dalam bangunan mereka dan tidak berani mengambil risiko yang akan membuat mereka bersaing dengan langit itu sendiri, karena kubah Florentine tampaknya benar-benar bersaing dengannya, karena memang demikian. begitu tinggi sehingga pegunungan di sekitar Florence tampak setara dengannya. Dan memang, orang mungkin berpikir bahwa langit sendiri iri padanya, karena langit terus menerus dan sering menyambarnya dengan petir sepanjang hari.”
Kekuatan Renaisans yang membanggakan! Kubah Florentine bukanlah pengulangan dari kubah Pantheon atau kubah St. Sophia dari Konstantinopel, yang tidak membuat kita senang dengan tingginya, bahkan tidak dengan keagungan penampilannya, tetapi terutama dengan kelapangan yang diciptakannya. di bagian dalam kuil.
Kubah Brunelleschi menabrak langit dengan seluruh tubuhnya yang ramping, bagi orang-orang sezamannya menandakan bukan rahmat surga bagi kota, tetapi kemenangan kemauan manusia, kemenangan kota, Republik Florentine yang bangga. Bukan “turun ke katedral dari surga”, tetapi tumbuh secara organik darinya, ia didirikan sebagai tanda kemenangan dan kekuasaan untuk (memang, menurut kami) untuk memikat kota-kota dan masyarakat di bawah bayang-bayangnya.
Ya, itu adalah sesuatu yang baru, belum pernah terjadi sebelumnya, menandai kejayaan seni baru. Tanpa kubah ini, yang didirikan di atas katedral abad pertengahan pada awal Renaisans, kubah-kubah yang, setelah kubah Michelangelo (di atas Katedral Roma Santo Petrus), memahkotai katedral-katedral di hampir seluruh Eropa pada abad-abad berikutnya, tidak akan terpikirkan.
Brunelleschi memasuki budaya dunia sebagai pendiri sistem arsitektur Renaisans dan pembimbing pertama yang bersemangat, sebagai transformator seluruh arsitektur Eropa, sebagai seniman yang karyanya ditandai oleh individualitas yang cemerlang. Mari kita tambahkan bahwa ia adalah salah satu pendiri teori ilmiah tentang perspektif, penemu hukum-hukum dasarnya, yang sangat penting bagi perkembangan seluruh seni lukis pada masa itu.
Di era humanisme, dunia tampak indah bagi manusia, dan ia ingin melihat keindahan dalam segala hal yang mengelilingi dirinya di dunia ini. Oleh karena itu, tugas arsitektur adalah membingkai kehidupan manusia seindah mungkin. Dengan demikian keindahan menjadi tujuan akhir arsitektur. Bagi masyarakat Renaisans, kecantikan dihadirkan sebagai konsep yang tepat, didefinisikan secara objektif, dan sama untuk semua orang.
Leon Battista Alberti, ahli teori seni terbesar abad ke-15, mendefinisikan hukum keindahan sebagai berikut:
“Harmonisasi seluruh bagian menjadi suatu kesatuan yang harmonis sehingga tidak ada satupun yang dapat dihilangkan atau diubah tanpa merusak keseluruhannya.”
Dan, memuji salah satu kreasi Brunelleschi, dia menekankan bahwa “tidak ada satu garis pun yang hidup secara mandiri.”
Seni baru ini didasarkan pada logika, pada wahyu pikiran manusia, yang dikonfirmasi oleh perhitungan matematis. Dan pikiran menuntut kejernihan, keselarasan, proporsionalitas.
Namun tidak mungkin untuk secara langsung melanjutkan tradisi terbaik dari Renaisans Awal - tradisi tersebut perlu dilahirkan kembali, dalam kualitas baru yang lebih tinggi. Seni humanistik harus menemukan dalam dirinya kekuatan dan keberanian untuk menolak godaan tren yang modis, namun salah, dan dekaden di tengah kebingungan spiritual, untuk mengatasi krisis, bergerak maju tanpa rasa takut, untuk memimpin ke mana seni Renaisans Awal mencapainya. , tapi di mana ia tidak pernah bisa bangkit. Hanya para Titan yang mampu melakukan hal ini. Dan mereka muncul.
RENAISSANCE TINGGI
Zaman Keemasan seni Italia adalah zaman kebebasan. Para pelukis High Renaissance menguasai segala cara penggambaran - gambar yang tajam dan berani yang memperlihatkan kerangka tubuh manusia, warna yang menyampaikan udara, bayangan, dan cahaya. Hukum-hukum perspektif entah bagaimana langsung dikuasai oleh seniman, seolah-olah tanpa usaha apapun. Sosok-sosok itu bergerak, dan keselarasan tercapai dalam pembebasan mereka sepenuhnya.
Gerakan menjadi lebih percaya diri, pengalaman menjadi lebih dalam dan bergairah.
Setelah menguasai bentuk, chiaroscuro, dan menguasai dimensi ketiga, para seniman High Renaissance menguasai dunia kasat mata dengan segala keragamannya yang tak terbatas, dalam segala ruang terbuka dan tempat persembunyiannya, untuk menyajikannya kepada kita tidak lagi secara pecahan, tetapi dalam sebuah generalisasi yang kuat, dalam kemegahan keindahan mataharinya.
BRAMANTE
Bramante harus diakui sebagai arsitek brilian dari High Renaissance. Karya Bramante menetapkan arah umum arsitektur Renaisans Tinggi selama beberapa dekade. Perannya dalam arsitektur tak kalah dengan Brunelleschi pada abad sebelumnya.
Arsitektur Cinquecento menahan mobilitas awal Renaisans yang menyenangkan dan mengubahnya menjadi langkah-langkah terukur. Variasi detail yang berkedip-kedip menghilang; pilihan beberapa figur besar meningkatkan kesan tenang dari keseluruhan. Palazzo Cancelleria Romawi yang terkenal (tempat kantor kepausan berada), yang penyelesaiannya diikuti oleh Bramante, menandai kemenangan tembok atas tatanan: bagian dinding yang rampinglah yang menciptakan isolasi megah dari fasad besar. Dan di kuil Tempietto yang berkubah sangat kecil (didirikan di Roma pada tahun 1502), dengan relung di dalam dan di luar, dikelilingi oleh barisan tiang Doric Romawi, Bramante seolah-olah memberikan contoh monumentalitas yang ekstrem, terlepas dari ukuran bangunannya. , sehingga candi ini dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai “manifesto arsitektur baru”.
Seperti seorang jenius sejati, Bramante memang orisinal. Namun, karya seninya dipupuk oleh sari budaya yang sangat tinggi. Ketika dia bekerja di Milan, ada Leonardo da Vinci, yang bekerja sama dengannya dalam menyusun rencana kota.
Bramante yang berusia tujuh puluh tahun meninggal pada tahun 1514 di tengah pekerjaannya membangun kembali Vatikan.
Era Renaisans Awal berakhir pada akhir abad ke-15 dan digantikan oleh Era Tinggi Renaisans- masa berkembangnya budaya humanistik Italia yang tertinggi. Saat itulah gagasan tentang kehormatan dan martabat manusia, tujuan mulianya di Bumi diungkapkan dengan kelengkapan dan kekuatan terbesar. Titan dari High Renaissance adalah Leonardo Ya Vin(1456-1519), salah satu orang paling luar biasa dalam sejarah umat manusia, yang memiliki kemampuan dan bakat serba guna. Leonardo pada saat yang sama adalah seorang seniman, ahli teori seni, pematung, arsitek, matematikawan, fisikawan, astronom, ahli fisiologi, ahli anatomi - dan ini bukanlah daftar lengkap bidang utama aktivitasnya; Ia memperkaya hampir seluruh bidang ilmu pengetahuan dengan tebakan cemerlang. Karya seninya yang paling penting adalah "Perjamuan Terakhir" - sebuah lukisan dinding di biara Santa Maria della Grazie di Milan, yang menggambarkan momen makan malam setelah kata-kata Kristus: "Salah satu dari kalian akan mengkhianatiku," serta potret Mona Lisa muda Florentine yang terkenal di dunia, yang memiliki nama lain - "Gioconda", dinamai menurut nama suaminya Giocondo.
Pelukis hebat itu juga seorang raksasa dari High Renaissance Rafael Santi(1483-1520), pencipta “Sistine Madonna,” karya seni lukis terbesar dunia.
Perwakilan besar terakhir dari budaya High Renaissance adalah Michelangelo Buonarotti(1475-1654) - pematung, pelukis, arsitek dan penyair, pencipta patung Daud yang terkenal, patung "Pagi", "Malam", "Siang", "Malam", dibuat untuk makam di Kapel Medici. Michelangelo melukis langit-langit dan dinding Kapel Sistina di Istana Vatikan; Salah satu lukisan dinding yang paling mengesankan adalah adegan Penghakiman Terakhir. Dalam karya-karya Michelangelo, lebih jelas dibandingkan karya-karya pendahulunya - Leonardo da Vinci dan Raphael Santi, terdengar nada-nada tragis yang disebabkan oleh kesadaran akan batasan yang ada pada manusia, pemahaman akan keterbatasan kemampuan manusia, dan ketidakmungkinan “melampaui alam”.
Seniman luar biasa pada periode ini adalah Giorgione (1477-1510), yang menciptakan lukisan terkenal “Judith” dan “Sleeping Venus”, dan Titian(1477-1576), mengagungkan keindahan dunia dan manusia sekitar. Dia juga menciptakan galeri potret megah orang-orang sezaman yang berkuasa dan kaya.
TITAN DARI RENAISSANCE
Empat orang jenius bersinar di Italia saat itu. Empat orang jenius, yang masing-masing adalah seluruh dunia, lengkap, sempurna, menyerap semua pengetahuan, semua pencapaian abad sebelumnya dan mengangkatnya ke tingkat yang sebelumnya tidak dapat diakses manusia: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian.
LEONARDO DA VINCI
Leonardo da Vinci lahir pada tahun 1452 di desa Anchiano, dekat kota Vinci, di kaki Pegunungan Alban, di tengah-tengah antara Florence dan Pisa.
Pemandangan di tempat ia menghabiskan masa kecilnya sungguh megah: tepian gunung yang gelap, kebun anggur yang hijau subur, dan jarak yang berkabut. Jauh di balik pegunungan terdapat laut, yang tidak terlihat dari Anchiano. Tempat yang hilang. Tapi ada ruang terbuka dan ketinggian di dekatnya.
Leonardo adalah anak tidak sah dari notaris Piero da Vinci, yang merupakan cucu dan cicit dari notaris. Ayahnya rupanya mengurus pendidikannya.
Bakat luar biasa dari guru besar masa depan terwujud sejak dini. Menurut Vasari, di masa kanak-kanaknya ia begitu sukses dalam bidang aritmatika sehingga menempatkan guru pada posisi yang sulit dengan pertanyaan-pertanyaannya. Pada saat yang sama, Leonardo belajar musik, memainkan kecapi dengan indah, dan “menyanyikan improvisasi secara ilahi”. Namun, menggambar dan menjadi model paling menggairahkan imajinasinya. Ayahnya memberikan gambarnya kepada teman lamanya Andrea Verrocchio. Ia kagum dan mengatakan bahwa Leonardo muda harus mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni lukis. Pada tahun 1466 Leonardo memasuki bengkel Verrocchio di Florentine sebagai magang.
Galeri Uffizi yang terkenal di Florence menyimpan lukisan karya master Florentine pada paruh kedua abad ke-15. Andrea Verrocchio “Pembaptisan Kristus.” Warisan artistik Verrocchio - dia adalah seorang pelukis, pematung, pengukir, dan pembuat perhiasan - membuat kita senang hingga hari ini. Namun pada gambarnya kali ini kami hanya akan menonjolkan sosok bidadari depan sebelah kiri saja.
Dibandingkan dengan dia, sosok-sosok lain tampak terkekang dalam gerakannya, bersudut. Hanya dia, bidadari ini, yang bisa dengan mudah berbalik, bernapas lega, meski kekuatan yang masih muda itu penakut, nafas barunya lemah.
Lukisan itu dilukis pada awal tahun tujuh puluhan Quattrocento. Secara keseluruhan sangat khas untuk era ini. Namun seperti yang telah lama diketahui, malaikat ini menyentuh kita seperti suara dari dunia lain. Itu tidak ditulis oleh Verrocchio, tapi oleh murid mudanya Leonardo da Vinci.
Vasari menulis bahwa malaikat Leonardo tampil jauh lebih baik daripada sosok Verrocchio. Tentu saja, Verrocchio seharusnya kagum dengan kreasi siswa tersebut, dan bukan hanya sebagai bukti bakat Leonardo yang lebih hebat. Intinya berbeda: sosok yang dilukis oleh Leonardo seolah-olah menandai transisi ke kualitas baru yang tidak diketahui gurunya, karena itu benar-benar merupakan gagasan dari dunia baru yang lain, yang ditakdirkan untuk memanifestasikan dirinya dalam kemegahan dan kekuatan penuh. hanya beberapa dekade kemudian.
Malaikat ini, yang begitu alami dalam keanggunannya yang sempurna, begitu menawan dalam spiritualitasnya, begitu anggun, dengan tatapan yang bersinar dan dalam, sudah merupakan ciptaan bukan dari Zaman Awal, melainkan dari Renaisans Tinggi, yaitu. zaman keemasan seni Italia. Sosoknya secara alami diselimuti chiaroscuro.
Sudah dalam karya-karya awal Leonardo, terungkap ciri-ciri yang tidak ada dalam seni Quattrocento. Ini lukisan kecil - “Benois Madonna”, tapi betapa banyak yang dibawanya! Maria dengan bayi Yesus dalam pelukannya digambarkan berkali-kali sebelum Leonardo, dan temanya berkembang pesat hingga humanisasi: Maria di antara seniman abad ke-15. tidak lagi duduk di atas takhta, mahkota menghilang dari kepalanya, lingkaran cahaya hanya bisa ditebak - Bunda Allah dan Manusia-Dewa telah kehilangan sebagian besar keilahian mereka, berubah menjadi ibu manusia dengan seorang anak. Namun, keterwakilan hampir selalu dipertahankan: Maria menunjukkan Putra Tuhan kepada orang-orang, dan dia sendiri berpose di depan mereka. Inilah “Madonna” dari seniman Quattrocento terhebat, seperti Andrea Mantegna, Pietro Perugino, Giovanni Bellini.
Sama sekali tidak seperti Leonardo. Baik ibu maupun bayinya tidak menghadap ke arah penonton; Mereka sibuk dengan pekerjaan mereka: di depan kita ada pemandangan hidup seorang ibu muda, seorang gadis sederhana, hampir seperti perempuan, sedang bermain dengan anak sulungnya. Permainan ini benar-benar menangkap keduanya. Sang ibu tersenyum riang, bahkan tertawa mengagumi bayinya; dalam kegembiraan pertama dari permainan ini, jiwanya yang cerdik, kebebasan batinnya, cinta keibuan mudanya terungkap. Makna sakralnya hampir hilang sama sekali.
Belum pernah seorang seniman memusatkan perhatiannya sedemikian rupa pada sisi alam yang paling sulit untuk digambarkan - pada kehidupan batin seseorang, pada gerakan mentalnya. Dan ini adalah salah satu inovasi terpenting yang dibawa oleh Renaisans Tinggi ke dalam seni Renaisans. “Tugas sang seniman,” tulis Leonardo, “adalah menggambarkan apa yang hampir tidak mungkin tercapai: menunjukkan dunia batin dan spiritual manusia.” Ini adalah persyaratan program yang paling penting untuk sebuah keadaan seni humanistik yang secara kualitatif baru, salah satu ciri khas dari High Renaissance.
Konsekuensi penting secara alami mengalir dari sikap fundamental ini, yang secara signifikan mengubah karakter realisme pada tingkat tertinggi seni Renaisans. Jika yang utama adalah seseorang dan, terutama, dunia batinnya, maka segala sesuatu yang asing, sekunder, tidak perlu harus dihilangkan dari gambar. Dalam “Madonna Benois,” sebuah adegan psikologis yang intens terungkap di hadapan penonton. Tapi betapa singkatnya solusinya! Kelompok itu ditempatkan di bagian dalam, tetapi kenyataannya, tidak ada interior: tidak ada satu pun detail rumah atau perabotannya, kecuali bangku tempat Maria duduk, dan bahkan itu pun hampir tidak memiliki garis luar. Yang ada hanya jendela berbentuk setengah lingkaran (mengulangi garis setengah lingkaran yang menutup seluruh komposisi di bagian atas, dan kontur atas kepala ibu dan anak). Tapi itu tidak dipotong atas nama verisimilitude. Ini adalah sumber udara dalam lukisan itu, jika tidak lukisan itu akan mati lemas. Dan - titik cahaya dengan garis anggun, hijau kebiruan, ditembus matahari, seperti debu emas. Ini dengan ringan dan lembut menyertai skema warna kelompok itu sendiri - bayi, ibu muda dan pakaiannya, yaitu, tidak mengalihkan perhatian dari hal utama, tetapi, sebaliknya, menyajikan kesatuan yang lebih besar dari keseluruhan.
Jadi, dalam seni Renaisans Tinggi yang baru muncul, perolehan ciri-ciri baru yang fundamental berarti penolakan terhadap ciri-ciri tertentu dari yang lama - sekarang tidak ada tempat tersisa untuk naturalisme kecil yang menjadi ciri khas Renaisans Awal. Hanya dengan menolak kekaguman terhadap detail eksternal seseorang dapat belajar memahami dan mengagumi kehidupan batin seseorang. Hanya dengan membuang “nominalisme” yang dangkal, realitas tertinggi dapat diungkapkan dalam seni - kekayaan dunia spiritual manusia.
Kesempurnaan “Apollonian” yang luar biasa, kekayaan yang tulus dan keagungan semangat heroik yang dapat dan harus dicapai seseorang, hanya ditunjukkan sepenuhnya oleh seni Renaisans Tinggi - baik dalam “David” karya Michelangelo maupun dalam “Sistine Madonna” karya Raphael. Apa yang ada dalam seni Quattrocento hanya terkandung dalam potensi, sebagai petunjuk, di sini terungkap dalam perkembangan yang luar biasa.
Namun, keliru jika menganggap bahwa seni Renaisans Tinggi sama dengan seni Renaisans Awal, hanya saja “dalam kemegahan manifestasinya”. Meskipun keinginan untuk mengungkap dunia batin manusia muncul dalam beberapa karya terbaik Quattrocento, agar kecenderungan ini benar-benar terwujud, pemahaman tentang manusia, dunia batinnya harus diubah secara signifikan.
Dalam kekayaan warisan Leonardo sang juru gambar, seseorang dikejutkan oleh seluruh galeri wajah-wajah aneh dengan ciri-ciri jelek dan sering kali menjijikkan. Dalam sastra biasa disebut karikatur. Memang, beberapa dari gambar-gambar ini, terutama yang berkelompok, memiliki sifat satir yang menonjol: kekejaman, kebodohan, kesombongan, kelicikan, tidak memperhatikan kejijikan penampilannya. Ini adalah karakteristik sosio-psikologis yang waspada dan kejam pada saat itu, wajah-wajah kejahatan sosial. Diantaranya banyak terdapat gambar wajah “orang terhormat” yang arogan dan menjijikkan, “yang terbaik di masyarakat”.
Namun, orientasi umum “Karikatur” lebih luas; umumnya mengikuti garis ideologi humanistik, meskipun memasukkan sesuatu yang benar-benar baru ke dalamnya. Ini adalah manusia, tetapi manusia, seolah-olah untuk pertama kalinya tidak terlihat dalam kecantikan, kekuatan, dan kemuliaan mereka; tidak, yang kita lihat kebanyakan adalah wajah jelek, termakan kehidupan, terdistorsi oleh keserakahan, haus kekuasaan, kelicikan, kerakusan, iri hati dan sifat buruk lainnya. Sebelum Leonardo, gambaran orang seperti itu tidak ada dalam seni Renaisans. Tentu saja, ada banyak wajah yang rusak karena kehidupan di sekitarnya, tetapi para seniman sepertinya tidak memperhatikannya; seni tidak mencoba menerangi seseorang dari sisi bayangan ini.
Itu adalah sebuah wahyu. Tanpa dia, Leonardo tidak akan pernah mampu menciptakan Perjamuan Terakhirnya yang menakjubkan. Segala keragaman dan ekspresi khas wajah para rasul dan, tentu saja, wajah Yudas, tidak mungkin diciptakan oleh seorang seniman yang pandangannya dibatasi oleh pelangi humanisme awal. Beberapa penelitian mengenai lukisan dinding ini yang sampai kepada kita menunjukkan bahwa Leonardo mempersiapkannya melalui pencarian lokasi yang panjang dan terus-menerus.
“Perjamuan Terakhir” mencerminkan tahap baru kedewasaan kesadaran humanistik dari High Renaissance. Sungguh menakjubkan dengan keragaman tipe, karakter, dan gerak emosional orang, yang paling ekspresif disampaikan oleh sang seniman. Di sini juga, banyak orang yang kewalahan dengan kehidupan. Tapi ini bukanlah hal utama dalam gambar tersebut. Pusat semantiknya adalah sesuatu yang lebih - tindakan pengkhianatan yang mengerikan, kemenangan kejahatan yang menjijikkan. “Penemuan” tragedi dalam kehidupan, keberanian untuk membicarakannya secara terbuka adalah pencapaian High Renaissance, salah satu momen terpenting yang melekat dalam tahap kualitatif baru dalam perkembangan humanisme dan seni humanistik Renaisans. Inilah salah satu poin mendasar dari titik balik antara Renaisans Awal dan Renaisans Tinggi.
Dalam “The Last Supper” ada sosok yang cantik dan gagah, namun ada juga yang botak, ompong, dan penyok. Dan yang terpenting, tidak ada keyakinan bahwa yang satu benar, tidak ada kesatuan. Lebih tepatnya, kesatuan itu hanya terlihat jelas; ia terpecah di depan mata kita. Di samping beberapa orang pemberani, siap beraksi - lelah, pengecut, acuh tak acuh, hanya mementingkan diri sendiri. Lukisan dinding Leonardo adalah pengungkapan kejahatan yang berkeliaran di dunia - dalam menghadapi pengkhianatan, tetapi juga dalam menghadapi apa yang menjadi sumber semua kejahatan - ketidakpedulian manusia.
Itulah sebabnya “Perjamuan Terakhir” menjadi salah satu tonggak utama yang menandai dimulainya tahap baru budaya Renaisans - Renaisans Tinggi. Kehidupan telah menunjukkan bahwa manusia jauh lebih kompleks daripada skema optimis sepihak yang menjadi dasar etika dan estetika Renaisans Awal. Leonardo adalah orang pertama yang berani melihat lebih jauh dari skema ini dan dalam karya seninya menunjukkan sisi lain dari mata uang, mengungkapkan semua kompleksitas manusia yang kontradiktif, tanpa menutup mata terhadap sisi paling menjijikkannya.
Pandangan kritis inilah yang terutama membedakan Renaisans Tinggi dengan Renaisans Awal. Namun zaman Renaisans Tinggi tidak beralih ke misantropi; Dia tidak kehilangan kepercayaan pada manusia, yang sejak awal memupuk seni humanistik. Sebaliknya, hanya High Renaissance yang berhasil mewujudkan cita-cita humanistik manusia dalam seni dengan kedalaman dan kekuatan yang luar biasa. Hanya dalam karya-karya tokoh-tokoh Renaisans Tinggi orang ideal tampak kompleks, ambigu, tetapi sama bijaksana, kuat, dan cantiknya seperti yang hanya bisa diimpikan oleh Renaisans Awal. Gambaran yang dalam dan kompleks secara filosofis seperti La Gioconda berada di luar kemampuan seni Quattrocento.
Apapun yang mereka katakan tentang “La Gioconda”, tidak ada keraguan bahwa di hadapan kita ada seorang wanita yang luar biasa, seorang wanita cantik. Bukan, bukan karena kelucuan atau kecantikannya yang mencolok (Leonardo lebih suka menghindari penggambaran wajah seperti itu, dan jika harus, dia menyerahkan sebagian besar karyanya kepada murid-muridnya). Dan Anda tidak bisa menyebutnya muda. Tapi betapa bagusnya, betapa dalamnya isinya! Betapa besar kewibawaan yang ada pada pembawaan kepala yang angkuh, betapa tingginya kesadaran diri yang terpancar dari wajah ini, betapa besar pesona menawan yang ada pada dahi yang tinggi cerah, pada sorot mata yang dalam, penuh kecerdasan dan pengertian, betapa besarnya batin. kebebasan ada dalam pandangan! Integritas gambar yang luar biasa, ditutup dengan cincin tangan yang indah, menciptakan perasaan kesempurnaan tertinggi. Dalam semua seni Renaisans sebelumnya, seseorang tidak dapat menemukan perwujudan cita-cita humanistik manusia yang sama penuh perasaannya - cantik, luhur, kaya secara spiritual.
Daya tarik La Gioconda yang menarik adalah bukti kedalamannya dan, tentu saja, kesetiaannya terhadap kehidupan. Artinya, misteri potret ini bukanlah sesuatu yang dibuat-buat, melainkan sesuatu yang vital, sesuatu yang dibutuhkan manusia - historis dan manusiawi. Tidak diragukan lagi, di “La Gioconda” terdapat perwujudan tertinggi dari cita-cita Renaisans tentang orang yang cerdas, bangga, dan sempurna. Tapi tidak hanya itu. Senyumannya yang aneh, menawan sekaligus pahit, juga menunjukkan niat lain dari sang seniman, dan tentang keadaan psikologis khusus.
Antara tahun 1513 dan 1516 Leonardo da Vinci menciptakan lukisan “Yohanes Pembaptis”, yang telah lama terkenal sebagai lukisan paling misterius dari semua ciptaannya.
Tentu saja banyak misteri dalam semua karya Leonardo. Diketahui bahwa dia menyimpan semua catatannya dalam tulisan cermin, dan banyak dari pemikirannya yang paling berani dikemas dalam bentuk dongeng, perumpamaan, dan ramalan Aesopian. Seni Vincianza juga terkenal karena kekayaan intelektualnya yang luar biasa. Karya-karya seniman-pemikir terhebat ini sarat dengan muatan ideologis yang begitu dalam dan “berlapis-lapis” sehingga tidak dapat diuraikan dengan pendekatan yang dangkal. Hal ini menimbulkan banyak pertanyaan yang membingungkan, dan terkadang bahkan penilaian yang berlawanan.
Dan yang terpenting, ini berlaku untuk “Yohanes Pembaptis.” Mungkin, dalam semua seni Renaisans klasik, hampir tidak ada karya lain yang menimbulkan penilaian kontroversial seperti lukisan ini. Beberapa orang mengaguminya, yang lain menganggapnya sangat lemah sehingga mereka menolak mengakui kepenulisan Leonardo; beberapa mengagungkan, yang lain siap mengutuk.
Lukisan itu rupanya dilukis atas perintah Perancis, kemungkinan besar oleh Louis XII, pada akhir pemerintahannya di Milan. Dilihat dari banyaknya salinan dan tiruan para seniman, dan dari kesaksian individu dari orang-orang yang mengunjungi istana Prancis pada abad ke-16 dan ke-17, lukisan itu menyenangkan orang-orang sezamannya, dan raja-raja Prancis bangga akan lukisan itu sebagai salah satu mutiara koleksi mereka; Artis itu sendiri bangga padanya.
Dalam lukisan “Yohanes Pembaptis” ada rasa perselisihan yang menjerit. Terpanggil untuk memikirkan hal-hal surgawi dan di sana, dalam kegelapan yang tak dapat ditembus, untuk mencari keselamatan, pengkhotbah asketisme itu sendiri tetap tidak terganggu di dunia yang penuh dosa ini. Dan perselisihan ini sepenuhnya konsisten dengan ambiguitas senyuman ironisnya. Semua ini sangat tidak sesuai dengan gagasan tradisional Yohanes Pembaptis sehingga pada abad ke-17 lukisan itu diberi judul kedua (walaupun digambarkan dengan salib): “Bacchus.”
Ini berarti bahwa tidak masuk akal untuk menyalahkan sang seniman karena kurangnya kepatuhan terhadap “keaslian sejarah” dari gambar karakter Perjanjian Baru. Akan lebih tepat jika kita menyimpulkan bahwa di balik Yohanes ini ada sesuatu yang tersembunyi yang jauh lebih besar dari salah satu wajah kisah Injil, bahwa di baliknya terdapat keseluruhan fenomena dan sikap tertentu dari seniman itu sendiri terhadapnya. Dalam karya terbarunya, seniman humanis ini mengungkap kemunafikan dakwah asketis dan mengutarakan pendapatnya tentang Gereja Katolik.
Dengan lukisan “perjanjian” terakhirnya, seperti tali yang tajam, Leonardo menyelesaikan pertempuran humanisme melawan asketisme, yang dimulai dan dilakukan tanpa lelah oleh Boccaccio, Bruni, Poggio, Valla, dan, pada dasarnya, semua seni Renaisans.
RAFAEL SANTI
Rafael Santi meraih penghargaan tertinggi lebih awal. Paus ingin menobatkannya dengan penghargaan yang belum pernah terjadi sebelumnya bagi seorang pelukis, dan hanya kematian dininya yang menghalangi Raphael untuk menjadi seorang kardinal.
Karakteristik pertama Raphael kita temukan dalam sepucuk surat dari saudara perempuan Adipati Urbino, yang menyebut artis itu - dia saat itu berusia dua puluh satu tahun (1504) - "seorang pemuda yang sederhana dan manis." Gambaran kepribadiannya menurut Vasari harus diberikan hampir secara lengkap.
“Untuk memahami,” tulis Vasari, “bagaimana surga dapat menunjukkan dirinya boros dan penuh kebajikan, dengan menempatkan di satu kepala hanya kekayaan tak terbatas dari harta dan keindahannya, yang biasanya dibagikan dalam jangka waktu yang lama kepada beberapa individu, seseorang harus lihatlah Raphael dari Urbino yang luar biasa dan cantik. Dia secara alami diberkahi dengan kerendahan hati dan kebaikan yang kadang-kadang dapat diamati pada orang-orang yang, lebih dari orang lain, mampu menambahkan pada niat baik alami perhiasan terindah dari kesopanan yang menawan, yang memanifestasikan dirinya dalam segala hal dan dalam segala keadaan sama manis dan manisnya. menyenangkan. Alam memberikan anugerah ini kepada dunia ketika, setelah ditaklukkan oleh seni Michelangelo Buonarroti, ia ingin ditaklukkan pada saat yang sama oleh seni dan kesopanan Raphael.” Dalam Raphael, Vasari bersaksi, “kualitas spiritual yang paling langka bersinar, yang dipadukan dengan begitu banyak keanggunan, ketekunan, keindahan, kerendahan hati, dan moralitas yang baik sehingga kualitas-kualitas itu cukup untuk memaafkan semua kejahatan, tidak peduli betapa memalukannya hal itu. Dengan demikian, dapat ditegaskan bahwa mereka yang diberkahi dengan begitu bahagia seperti Raphael dari Urbino bukanlah manusia, melainkan dewa fana, jika boleh diungkapkan... Sepanjang hidupnya ia tidak pernah berhenti memberikan contoh terbaik tentang bagaimana kita harus memperlakukan. diri kita setara, dan dengan orang-orang di atas dan di bawah kita. Di antara semua kualitasnya yang langka, ada satu hal yang mengejutkan saya: surga telah menganugerahinya kemampuan untuk berperilaku berbeda dari kebiasaan di antara persaudaraan seniman kita; kesepakatan seperti itu terjadi di antara semua seniman yang bekerja di bawah kepemimpinan Raphael sehingga setiap pikiran jahat lenyap saat melihatnya, dan kesepakatan seperti itu hanya ada di bawahnya. Hal ini disebabkan oleh kenyataan bahwa mereka semua merasakan keunggulan dari karakter dan bakatnya yang penuh kasih sayang, tetapi terutama karena sifatnya yang luar biasa, selalu penuh perhatian dan begitu murah hati dalam memberikan bantuan sehingga manusia dan hewan merasakan kasih sayang padanya... Dia terus-menerus memiliki banyak siswa yang dia bantu dan pimpin dengan kasih sayang kebapakan yang murni. Oleh karena itu, ketika pergi ke istana, ia selalu dikelilingi oleh lima puluh seniman, semuanya orang baik dan pemberani, yang membentuk pengiringnya untuk menghormatinya. Intinya, dia hidup bukan sebagai seniman, tapi sebagai pangeran.”
Tentu saja, sikap orang-orang sezamannya tidak dapat dikaitkan hanya dengan kejeniusan Raphael. Rupanya, sifat kreativitas Raphael dan sekaligus kepribadiannya memadukan segala sesuatu yang kemudian dianggap kesempurnaan. Oleh karena itu, dia dekat dan dapat dimengerti oleh semua orang dan tampaknya merupakan perwujudan dari semua kebajikan manusia.
Raphael adalah murid Perugino dan di masa mudanya, sebagai seniman, dia mirip dengan gurunya. Namun, bahkan dalam karya-karyanya yang paling awal, gaya seniman yang berbeda terlihat jelas.
Di Galeri Nasional London tergantung lukisan menawannya “A Knight's Dream,” yang dilukis pada tahun 1500, yaitu. ketika Raphael baru berusia tujuh belas tahun. Ksatria, seorang pemuda yang melamun, digambarkan dengan latar belakang pemandangan yang indah. Dia penuh rahmat, mungkin belum cukup berani, tetapi sudah dipadukan dengan semacam keseimbangan batin, ketenangan pikiran.
Keseimbangan batin ini menerangi Hermitage Madonna Conestabile yang terkenal, dilukis satu atau dua tahun kemudian (dinamai menurut nama pemilik sebelumnya). Tidak ada gambar yang lebih liris dan lebih kuat dalam struktur internalnya. Betapa harmonisnya pandangan Madonna, kemiringan kepalanya, dan setiap pepohonan di lanskap, dalam semua detail dan komposisi secara keseluruhan!
Potret diri Raphael, yang dilukis pada tahun 1506 (Florence, Uffizi) pada usia dua puluh tiga tahun, berasal dari periode karya Raphael di Florentine. Kepala dan bahunya tergambar jelas dengan latar belakang halus. Garis besarnya luar biasa tipis, sedikit bergelombang (di Florence, Raphael sudah ikut serta dalam penemuan lukisan Leonardo). Tampilannya penuh perhatian dan melamun. Raphael tampaknya memandang dunia dan merasakan harmoninya. Tapi artisnya masih pemalu, muda, dan kelembutan lembut tersebar di wajahnya. Namun, melalui ketidakpastian dan kelesuannya, ketenangan pikiran sudah bisa dirasakan. Bibir bawah yang menonjol tajam, garis mulut yang melengkung indah dan penuh semangat, serta dagu oval menunjukkan tekad dan otoritas.
Dan, melihat potret dirinya, bagaimana mungkin seseorang tidak setuju dengan penulis Italia Dolce, rekannya yang lebih muda, yang mengatakan bahwa Raphael menyukai keindahan dan kelembutan bentuk, karena dia sendiri anggun dan ramah, tampil di mata semua orang sama menariknya dengan yang lain. sosok yang ia gambarkan.
Sekitar tahun yang sama, ia menulis “Madonna in Greenery”, “Madonna with the Goldfinch”, “The Beautiful Gardener”, ditandai dengan pencarian komposisi baru yang lebih kompleks dan keterampilan tinggi, yang berasal dari tradisi gambar yang jelas dari sekolah Florentine.
Di luar Florence adalah Roma. Di Roma, seni Raphael mencapai puncaknya.
Namun, kombinasi paling lengkap dan organik dari semangat kebebasan dan pemikiran diwujudkan oleh Raphael dalam lukisan dinding “The School of Athens” (1508-1511). Di tangga bangunan kuno yang megah, di bawah bayang-bayang patung dewa zaman kuno yang paling kreatif - Apollo dan Minerva, orang bijak zaman kuno yang terkenal - filsuf, matematikawan, kosmografer - berkumpul. Di tengah, bertemu bahu-membahu, adalah tokoh-tokoh dari dua arah utama pemikiran filosofis - Plato dan Aristoteles. Plato yang berambut abu-abu, mengangkat tangannya, menunjuk ke langit: ada kebenaran; Sebaliknya, Aristoteles yang jauh lebih muda, mengarahkan telapak tangannya yang terbuka ke tanah dengan sikap energik: tidak, kebenaran ada di sini. Di sebelah kanan dan kiri kedua bapak kebijaksanaan ini terdapat murid-murid dan pendukungnya. Ada yang mendengarkan dengan penuh perhatian, ada yang berpikir dengan penuh perhatian, ada pula yang buru-buru menulis, ada pula yang tidak menyembunyikan keraguannya, berdebat sengit, menggerakkan tangan dengan penuh semangat, dan ada yang terburu-buru agar tidak terlambat dalam debat ilmiah. Kalangan individu tampaknya menjadi terisolasi, namun mereka bekerja keras di mana-mana. Yang paling ekspresif adalah sekelompok anak muda di sudut kanan gambar, berkumpul di sekitar seorang ilmuwan terhormat (Archimedes? Euclid?), membungkuk di atas suatu gambar. Mereka bertubuh atletis, pose dan gerak tubuh mereka penuh minat, wajah mereka berseri-seri karena haus akan ilmu: mereka berusaha memahami dan berpartisipasi aktif dalam memecahkan masalah yang sulit.
Dan - tidak ada paksaan. Dalam gerak-gerik mereka, dalam keingintahuan mereka yang hidup, tercium kelonggaran yang alami (dan sekaligus anggun). Keseluruhan gambaran bergerak dan hidup dengan kebebasan yang sama, setiap pose dan setiap posisi - dari antusiasme yang menggebu-gebu hingga keraguan dan penyangkalan. Penonton tidak ragu lagi, tidak peduli perselisihan apa yang memecah belah orang bijak ini, di hadapan kita terdapat komunitas besar pemikir yang mencari kebenaran.
Untuk menghargai kekuatan dan kedalaman ciptaan ini, Anda perlu mempertimbangkan betapa sulitnya tugas yang diberikan kepada seniman - untuk menggambarkan Filsafat (ini adalah nama asli dari lukisan dinding tersebut). Raphael memecahkan masalah ini dengan cemerlang dan sepenuhnya dalam semangat Renaisans Tinggi: mungkin tidak ada karya lain dalam seni Renaisans di mana yang terpisah dan keseluruhan, individu dan umum, menyatu dan diekspresikan dengan keyakinan artistik seperti itu, dalam harmoni yang begitu kuat.
“The School of Athens” mungkin merupakan kreasi artistik humanisme Renaisans yang paling terprogram, tetapi yang terpenting, ini adalah himne bagi kebebasan dan kekuatan pemikiran manusia, luasnya pelarian pikiran kognitif yang bebas. Dalam lukisan Raphael, pemikiran dihadirkan sebagai perwujudan tertinggi kebebasan dan martabat manusia.
Namun keinginan Renaisans untuk mencapai kebebasan tidak terbatas pada kebebasan pengetahuan dan aktivitas intelektual. Gagasan humanistik tentang dunia sebagai ruang realisasi seluruh potensi manusia tentu mencakup emansipasi lingkungan emosional, kebebasan perasaan manusia. Kegembiraan yang menggembirakan dari persepsi langsung dan indrawi tentang dunia, bisa dikatakan - menyatu dengannya, kemenangan cinta yang bahagia, ketelanjangan yang indah di pangkuan alam yang cerah dan tak terbatas, diungkapkan paling kuat oleh Raphael yang sama dalam lukisan dinding “The Kemenangan Galatea” (1513).
Segala sesuatu di sini bernafas kebebasan - baik ketelanjangan itu sendiri maupun gerakan kekerasan yang melanda semua orang - Nereids, kadal air, dewa asmara, lumba-lumba. Wajah Galatea dan matanya yang besar bersinar karena kebahagiaan dan kemauan. Angin sakal meniup rambutnya. Dia meraih tepi atas lapangan parade dan, sambil mencambuknya, membentangkannya seperti spanduk. Gerakan dominan ini digaungkan oleh rambut Nereid lain yang berkibar ke arah yang sama di latar belakang sebelah kanan, dan syal sutra emas nimfa yang melengkung di latar depan di sebelah kiri. Namun nada utama yang utama masih berupa ujung jubah ungu Galatea yang terlempar ke belakang dalam hembusan badai, yang berkibar di atas kepala sosok di sebelah kiri. Hal ini memberikan seluruh gerakan kelompok karakter penerbangan bebas yang memabukkan. Pernapasan melebar. Kita merasakan “kenikmatan dunia yang tak terbatas.”
Biasanya dicatat bahwa dalam lukisan dinding ini, Raphael, tidak seperti orang lain, mampu memahami dan mengekspresikan pandangan dunia kuno, “pagan”, yang dipenuhi dengan kegembiraan sensual. Hal ini secara umum benar. Namun hampir tidak ada tempat dalam seni kuno yang dapat menemukan begitu banyak dinamika - bukan keracunan bacchanalia, tetapi rasa haus yang sehat akan kebebasan dan kegembiraan. Ini lebih dari sekadar membiasakan diri dengan semangat zaman kuno, ini adalah perwujudan semangat Renaisans yang membara. Gambaran ini adalah ekspresi paling jelas dari persepsi dunia yang bebas, gembira, dan panteistik yang melekat dalam humanisme Renaisans.
Dunia ini indah, dunia duniawi kita! Ini adalah slogan dari semua seni Renaisans. Manusia telah menemukan dan merasakan keindahan dunia kasat mata, dan ia mengaguminya sebagai tontonan paling menakjubkan, yang diciptakan untuk kesenangan mata, untuk kesenangan spiritual. Dia sendiri adalah bagian dari dunia ini, dan karena itu dia mengagumi dirinya sendiri di dalamnya. Kegembiraan merenungkan keindahan duniawi adalah kegembiraan yang memberi kehidupan dan baik hati. Tugas seniman adalah mengungkapkan keselarasan dunia secara lebih utuh, lebih jelas dan dengan demikian mengalahkan kekacauan, meneguhkan suatu tatanan tertentu yang lebih tinggi, yang dasarnya adalah ukuran, suatu kebutuhan batin yang melahirkan keindahan.
Di gereja-gereja abad pertengahan, lukisan, mosaik, atau jendela kaca patri tampaknya menyatu dengan arsitektur, menciptakan keseluruhan yang seharusnya membangkitkan suasana khusyuk pada jamaahnya. Di gereja-gereja Romawi atau Gotik, masyarakat Abad Pertengahan terkadang tidak menyadari bahwa di hadapan mereka bukan hanya simbol-simbol, gambaran-gambaran konvensional yang mengagungkan cita-cita iman mereka, tetapi juga karya seni. Lukisan candi bagi mereka tampaknya bukan ciptaan yang berdiri sendiri; bagus untuk dilihat saat paduan suara gereja sedang bernyanyi, yang, seperti kubah candi itu sendiri dengan lengkungannya yang tinggi, membawa imajinasi mereka ke dunia. mimpi, harapan yang menghibur atau ketakutan takhayul. Oleh karena itu mereka tidak mencari ilusi realitas dalam lukisan ini.
Lukisan Renaisans ditujukan kepada pemirsanya. Betapa indahnya penglihatan melintas di depan matanya, gambaran yang menggambarkan dunia di mana harmoni berkuasa. Orang-orang, lanskap, dan objek di dalamnya sama dengan yang dilihatnya di sekitarnya, tetapi lebih cerah dan ekspresif. Ilusi realitas memang lengkap, namun realitas diubah oleh inspirasi sang seniman. Dan pemirsa mengaguminya, sama-sama mengagumi kepala anak-anak yang menawan dan kepala tua yang keras, yang, mungkin, sama sekali tidak menarik dalam hidup. Di dinding istana dan katedral, lukisan dinding sering kali dilukis setinggi mata manusia, dan dalam komposisinya beberapa figur langsung “memandang” ke arah penonton sehingga melaluinya ia dapat “berkomunikasi” dengan orang lain.
Raphael sudah selesai. Semua karya seninya sangat harmonis, dan akal, yang tertinggi, dipadukan dalam dirinya dengan filantropi dan kemurnian spiritual. Karya seninya, gembira dan bahagia, mengungkapkan kepuasan moral tertentu, penerimaan hidup dalam segala kepenuhannya dan bahkan malapetaka. Berbeda dengan Leonardo, Raphael tidak menyiksa kita dengan rahasianya, tidak membanjiri kita dengan kemahatahuannya, tetapi dengan penuh kasih sayang mengajak kita untuk menikmati keindahan duniawi bersamanya. Selama hidupnya yang singkat, ia berhasil mengekspresikan dalam lukisan, mungkin, semua yang dia bisa, yaitu. kerajaan lengkap harmoni, keindahan dan kebaikan.
Di Roma, kejeniusan Raphael berkembang sepenuhnya, di Roma, di mana pada saat itu impian untuk menciptakan negara yang kuat muncul dan di mana reruntuhan Colosseum, lengkungan kemenangan, dan patung Kaisar mengingatkan akan kebesaran kekaisaran kuno. Rasa takut dan feminitas masa muda menghilang, epik menang atas lirik, dan seni Raphael yang berani, yang kesempurnaannya tak tertandingi, lahir.
“Raphael menyadari,” tulis Vasari, “bahwa dalam anatomi dia tidak dapat mencapai keunggulan atas Michelangelo. Sebagai orang yang sangat cerdas, ia menyadari bahwa lukisan tidak hanya menggambarkan tubuh telanjang, tetapi bidangnya lebih luas... Karena tidak mampu menandingi Michelangelo dalam bidang ini, Raphael berusaha menyamainya, bahkan mungkin mengunggulinya. di tempat lain.”
Raphael, tidak seperti Leonardo dan Michelangelo, tidak membingungkan orang-orang sezamannya dengan keberanian pencariannya: dia berjuang untuk sintesis yang lebih tinggi, untuk penyelesaian cemerlang dari segala sesuatu yang telah dicapai sebelumnya, dan sintesis ini ditemukan dan diwujudkan olehnya.
Florentine Madonna karya Raphael adalah ibu-ibu muda yang cantik, cantik, menyentuh dan mempesona. Madonna diciptakan olehnya di Roma, mis. dalam periode kematangan artistik penuh, mereka memperoleh ciri-ciri lain. Mereka sudah menjadi simpanan, dewi kebaikan dan kecantikan, kuat dalam kewanitaan mereka, memuliakan dunia, melembutkan hati manusia. “Madonna in the Armchair”, “Madonna with the Fish”, “Madonna del Foligno” dan Madonna terkenal di dunia lainnya (ditulis dalam lingkaran atau berkuasa di atas figur lain dalam komposisi altar besar) menandai pencarian baru Raphael, jalannya menuju kesempurnaan dalam perwujudan citra ideal Bunda Allah.
Kesamaan jenis beberapa gambar perempuan Raphael pada masa Romawi memunculkan anggapan bahwa sang seniman berperan sebagai model bagi perempuan yang sama, kekasihnya, yang dijuluki “Fornarina” yang artinya tukang roti. Wanita Romawi dengan ciri-ciri yang jernih dan mulia ini, yang menerima cinta dari pelukis hebat, adalah putri seorang tukang roti. Mungkin gambarannya menginspirasi Raphael, tapi rupanya dia bukan satu-satunya. Karena inilah yang kita baca dalam surat Raphael: “Saya akan memberitahu Anda bahwa untuk melukis keindahan, saya perlu melihat banyak keindahan... Namun karena kurangnya hakim yang baik dan wanita cantik, saya menggunakan beberapa gagasan bahwa terlintas dalam pikiranku. Saya tidak tahu apakah ada kesempurnaannya, tapi saya berusaha keras untuk mencapainya.”
Mari kita lihat ide yang terlintas di benak Raphael ini, sebuah ide yang jelas ia pelihara sejak lama sebelum diwujudkan sepenuhnya dalam seni.
Sistine Madonna (dinamai berdasarkan biara tempat altar ini dilukis) adalah lukisan Raphael yang paling terkenal dan mungkin lukisan paling terkenal yang pernah dilukis.
Maria berjalan di atas awan sambil menggendong anaknya. Kemuliaannya tidak ditekankan oleh apapun. Kaki telanjang. Namun sebagai seorang ratu, Paus Sixtus, yang mengenakan brokat, menyambutnya dengan lutut tertekuk; Saint Barbara menunduk dengan hormat, dan dua malaikat memandang ke atas sambil melamun dan berpikir.
Dia mendatangi orang-orang, muda dan agung, menyembunyikan sesuatu yang mengkhawatirkan di dalam jiwanya; angin mengibaskan rambut anak itu, dan matanya menatap kita, ke dunia dengan kekuatan yang begitu besar dan wawasan yang begitu dalam, seolah-olah dia melihat nasibnya sendiri dan nasib seluruh umat manusia.
Ini bukan kenyataan, tapi tontonan. Bukan tanpa alasan sang seniman sendiri membuka tirai tebal di depan penonton dalam gambar tersebut. Sebuah tontonan yang mengubah realitas dalam keagungan benda, kebijaksanaan dan keindahan, sebuah tontonan yang meninggikan jiwa dengan harmoni mutlaknya, menaklukkan dan memuliakan kita, tontonan yang dirindukan Italia pada zaman Renaisans Tinggi dan akhirnya ditemukan dalam mimpinya tentang sebuah dunia yang lebih baik.
Dan betapa banyak kata-kata indah dan benar yang telah diucapkan sejak lama di seluruh dunia, dan khususnya di Rusia. Memang benar, pada abad yang lalu, para penulis dan seniman Rusia berziarah ke Dresden untuk mengunjungi “Sistine Madonna”. Mari kita dengarkan pendapat mereka tentang gadis yang menggendong bayi dengan penampilan kekanak-kanakan dan menakjubkan, tentang seni Raphael dan tentang apa yang ingin dia ungkapkan dalam gambar-gambar tersebut.
Zhukovsky: “Di depan matamu ada kanvas, di atasnya ada wajah-wajah yang digariskan dengan ciri-ciri, dan semuanya sempit di ruang kecil, dan, meskipun begitu, semuanya sangat besar, semuanya tidak terbatas... Tirai terbuka, dan rahasia surga terungkap ke mata manusia... Pada Bunda Allah yang berjalan melintasi langit, tidak ada gerakan yang terlihat; tapi semakin sering kamu melihatnya, sepertinya dia semakin mendekat.”
Bryullov: “Semakin banyak Anda melihat, semakin Anda merasakan keindahan yang tidak dapat dipahami ini: setiap fitur dipikirkan dengan matang, dipenuhi dengan ekspresi keanggunan, dipadukan dengan gaya yang paling ketat…”
Belinsky: "Dalam tatapannya ada sesuatu yang tegas, terkendali, tidak ada rahmat dan belas kasihan, tetapi tidak ada kebanggaan, penghinaan, dan alih-alih semua ini ada semacam sikap merendahkan yang tidak melupakan kebesarannya."
Herzen: “Dunia batinnya hancur, dia diyakinkan bahwa putranya adalah Putra Tuhan, bahwa dia adalah Bunda Tuhan; dia melihat dengan semacam antusiasme gugup, dengan kewaskitaan keibuan, seolah-olah dia berkata: "Ambil dia, dia bukan milikku." Tetapi pada saat yang sama dia menekannya ke arahnya sehingga, jika memungkinkan, dia akan melarikan diri bersamanya ke suatu tempat yang jauh dan hanya akan membelai dan menyusui bukan penyelamat dunia, tetapi putranya.”
Dostoevsky melihat dalam “The Sistine Madonna” ukuran tertinggi kebangsawanan manusia, manifestasi tertinggi dari kejeniusan ibu. Reproduksi setengah panjangnya yang besar digantung di kamarnya, di mana dia meninggal.
Dengan demikian, keindahan abadi dari karya seni yang benar-benar hebat menginspirasi talenta dan pemikiran terbaik di abad-abad berikutnya...
Sistine Madonna adalah perwujudan cita-cita keindahan dan kebaikan yang secara samar-samar mengilhami kesadaran populer di zaman Raphael dan yang diungkapkan Raphael sampai akhir, membuka tirai, yang memisahkan kehidupan sehari-hari dari mimpi yang diilhami, dan menunjukkan cita-cita ini bagi dunia, bagi kita semua, dan bagi mereka yang akan datang setelah kita.
Raphael bukan hanya ahli komposisi yang dibangun dengan sempurna yang tak tertandingi: warna lukisannya, cerah sekaligus transparan dan terang, berpadu indah dengan gambar yang jelas.
Pelukis hebat ini meninggalkan jejaknya pada seni pahat. Di antara murid-muridnya adalah pematung Lorenzo Lorenzetti. Berdasarkan sketsa dan di bawah bimbingan guru besarnya, ia menyelesaikan beberapa patung, yang hanya satu yang sampai kepada kita - “Bocah Mati di Atas Lumba-lumba.” Ini diwujudkan dalam cita-cita keindahan marmer Raphael, ritme dan harmoninya: tidak ada kengerian kematian, sepertinya anak itu tertidur lelap.
Raphael! Dia meninggal dalam keadaan mekar penuh, di puncak kejayaannya - pada usia tiga puluh tujuh tahun.
MICHELANGELO BUONARROTI
Michelangelo lahir pada tahun 1475 dan meninggal pada tahun 1564, hidup lebih lama dari Leonardo dan Raphael selama empat setengah dekade dan meninggalkan era besar humanisme dan kebebasan jiwa. Cita-cita yang membanggakan ini sebelumnya tidak pernah diwujudkan dalam kehidupan publik Italia, namun dikhotbahkan oleh para filsuf, penyair dan seniman dan disetujui oleh para penguasa yang paling tercerahkan. Waktu yang berbeda telah tiba. Dalam dekade-dekade terakhir hidupnya, Michelangelo menyaksikan bagaimana cita-cita ini diinjak-injak secara kejam, dan reaksi gerejawi serta feodal menang.
Keturunan dari keluarga bangsawan tua namun miskin, Michelangelo Buonarroti adalah seorang patriot dan demokrat. Berbeda dengan Leonardo, kewarganegaraan merasuki pandangan dunianya. Dia mengambil bagian dalam pertempuran melawan tirani, bertanggung jawab atas semua benteng di negara asalnya Florence, dikepung oleh pasukan kaisar dan paus Jerman, dan hanya kemuliaan yang dia menangkan dalam seni yang menyelamatkannya dari pembalasan para pemenang.
Michelangelo sangat merasakan hubungannya dengan penduduk asli, dengan tanah kelahirannya.
Perawatnya adalah istri seorang pemahat batu. Mengingatnya, dia memberi tahu rekan senegaranya Vasari: “Saya menerima semua hal baik dalam bakat saya dari iklim sejuk di kampung halaman kami Arezzo, dan dari susu perawat saya, saya mengekstrak pahat dan palu yang saya gunakan untuk membuat patung saya.” Demokrasi Michelangelo tidak sesuai dengan selera semua orang. Gambar-gambar raksasa Michelangelo kadang-kadang dianggap sebagai pemuliaan kekuatan fisik yang kasar. Oleh karena itu, salah satu kritikus seni pada masa itu menyatakan bahwa “Raphael melukis orang-orang bangsawan, dan Michelangelo melukis para pekerja pelabuhan.”
Nasib menyedihkan tanah airnya, terlupakannya harapan besar yang mengilhami semua karyanya di Italia pada masa itu, sangat melukai jiwa Michelangelo. Dengan keras kepala, hingga akhir hayatnya, ia memperjuangkan cita-citanya, demi keyakinannya.
Kejeniusan Leonardo adalah kemauan untuk memahami dunia dan menguasainya dalam seni, kesadaran penuh dan penegasan akan kekuatan dan kekuatan pikiran manusia.
Raphael memberi umat manusia kegembiraan karena dengan tenang mengagumi dunia dengan segala keindahannya yang agung dan memabukkan, yang diungkapkan oleh kejeniusan sang seniman.
Kejeniusan Michelangelo mengungkapkan prinsip berbeda dalam seni.
Dasar dari keyakinan dan cita-cita Michelangelo adalah bahwa di antara semua perwakilan utama Renaisans, ia paling konsisten dan tanpa syarat percaya pada kemungkinan-kemungkinan besar yang melekat pada manusia, pada kenyataan bahwa manusia, dengan terus-menerus memaksakan kehendaknya, dapat membentuk citranya sendiri, lebih lengkap dan bersemangat dibandingkan yang diciptakan oleh alam. Dan gambaran ini ditempa Michelangelo dalam seni untuk melampaui alam. Kita tidak hanya perlu meniru alam, tetapi juga memahami “niatnya” agar dapat sepenuhnya mengekspresikan dan menyelesaikan karya alam dalam seni dan dengan demikian dapat melampauinya.
Leonardo dan Raphael berusaha keras untuk mencapai tujuan ini, tetapi tidak ada seorang pun sebelum Michelangelo yang menunjukkan keberanian dalam upaya ini sehingga mengejutkan orang-orang sezamannya.
Mengekspresikan kegembiraan umum, Vasari menulis bahwa patung Daud raksasa, yang dibuat oleh Michelangelo, “menghilangkan kejayaan semua patung, modern dan kuno, Yunani dan Romawi.” David ini, seorang pemuda yang agung dan cantik, penuh dengan keberanian dan kekuatan tak terbatas, siap untuk berperang melawan kejahatan, yakin akan kebenarannya dan kemenangannya, adalah monumen sejati bagi kepribadian heroik, bagi manusia sebagaimana mestinya. , mewakili mahkota alam tertinggi.
Dengan segala karya seninya, Michelangelo ingin menunjukkan kepada kita bahwa hal terindah di alam adalah sosok manusia, terlebih lagi di luar itu keindahan tidak ada sama sekali. Dan ini karena kecantikan lahiriah merupakan ekspresi keindahan spiritual, dan jiwa manusia kembali mengungkapkan yang tertinggi dan terindah di dunia.
“Tidak ada satu pun hasrat manusia yang asing bagi saya.” Dan: “Belum ada orang yang dilahirkan, seperti saya, yang cenderung mencintai orang lain.”
Maka, untuk mengagungkan manusia dalam segala keindahan spiritual dan fisiknya, Michelangelo menempatkan seni pahat di atas seni lainnya.
Tentang seni pahat, Michelangelo mengatakan bahwa “ini adalah seni yang pertama”, mengacu pada legenda alkitabiah tentang Tuhan yang memahat sosok manusia pertama dari bumi - Adam.
“Bagi saya,,” tulis Michelangelo, selalu tampak bahwa patung adalah cahaya lukisan dan di antara keduanya terdapat perbedaan yang sama seperti antara matahari dan bulan.”
Michelangelo juga mencatat: “Yang saya maksud dengan patung adalah seni yang diwujudkan melalui pengecilan.” Artis berarti pengurangan segala sesuatu yang tidak perlu. Ini balok marmer: keindahan sudah melekat di dalamnya, Anda hanya perlu mengeluarkannya dari cangkang batunya. Michelangelo mengungkapkan pemikiran ini dalam syair yang indah (omong-omong, dia adalah salah satu penyair pertama pada masanya):
Dan kejeniusan tertinggi tidak akan menambah
Seseorang memikirkan fakta bahwa marmer itu sendiri
Ia menyembunyikan banyak hal - dan itulah yang kita butuhkan
Tangan yang patuh pada akal akan terungkap.
Michelangelo percaya bahwa sama seperti keindahan di alam, kebaikan juga ada di dalam diri manusia. Ibarat seorang pematung, ia harus membuang dalam dirinya segala sesuatu yang kasar, tidak perlu, segala sesuatu yang mengganggu perwujudan kebaikan. Dia membicarakan hal ini dalam ayat-ayat yang penuh makna mendalam, yang didedikasikan untuk pemimpin spiritualnya Vittoria Colonna:
Seperti patung hidup dari batu
Kami mengekstrak, donna,
Yang lebih lengkap lagi,
Semakin banyak batu yang kita ubah menjadi debu, -
Perbuatan baik
Jiwa yang dieksekusi oleh rasa takut,
Menyembunyikan daging kita sendiri
Dengan kelimpahannya yang berlebihan dan kasar...
Bukan tanpa alasan bahwa, beralih ke penyair modis pada masa itu, yang sering kali kosong isinya, meskipun bentuknya elegan, salah satu pengagum Michelangelo yang paling bijaksana berbicara tentang puisinya seperti ini: “Dia mengatakan sesuatu, tetapi Anda mengatakan kata-kata. ”
... Terletak di cekungan pegunungan yang dalam, kota Carrara sudah terkenal dengan marmernya pada zaman dahulu. Di sana, hanya makan roti, Michelangelo tinggal selama lebih dari delapan bulan untuk memecahkan marmer putih Carrara sebanyak mungkin dan mengirimkannya ke Roma. Ide paling muluk muncul dalam imajinasinya ketika dia berjalan sendirian di antara bebatuan. Jadi, sambil memandangi sebuah gunung yang seluruhnya terbuat dari marmer, ia bermimpi mengukir sebuah patung kolosal dari gunung itu yang dapat dilihat oleh para pelaut dari jauh dan berfungsi sebagai mercusuar bagi mereka. Di gunung ini dia sudah dapat melihat gambar raksasa yang akan diambil dari sebagian besar gunung tersebut dengan palu dan pahat.
Michelangelo tidak melaksanakan rencana ini. Namun, apa yang ia capai belum pernah terjadi sebelumnya di dunia seni. Michelangelo memiliki pahatan yang mempertahankan bentuk balok batu. Ada juga yang bagian batunya tidak tersentuh pahat, meski gambarnya tampil dengan sekuat tenaga. Dan inilah pelepasan keindahan yang terlihat oleh kita.
Michelangelo menganggap dirinya sebagai pematung pertama dan terutama, dan bahkan hanya seorang pematung. Dalam pikirannya yang bangga, mungkin dia bermimpi bahwa pahatnya tidak hanya membutuhkan balok marmer yang dia pilih untuk bekerja, tetapi juga setiap batu, gunung, segala sesuatu yang tidak berbentuk, yang bertumpuk secara acak di dunia. Bagaimanapun, tujuan seni adalah menyempurnakan karya alam, menegaskan keindahan. Dan ini, menurutnya, hanya bisa ditandingi oleh seorang pematung.
Michelangelo terkadang berbicara tentang melukis dengan arogan, bahkan jengkel, tetapi bukan tentang keahliannya.
Seperti patung Michelangelo, gambar megah yang diciptakan oleh kuasnya memukau dengan ekspresi plastiknya yang belum pernah ada sebelumnya. Dalam karyanya, dan mungkin hanya dalam karyanya, patung benar-benar merupakan “cahaya lukisan”. Karena seni pahat membantu Michelangelo untuk secara harmonis menyatukan dan memusatkan dalam satu gambar bergambar tertentu semua keindahan plastik yang tersembunyi dalam sosok manusia.
Awal terbentuknya Michelangelo sebagai seniman terjadi dalam kondisi yang membuatnya mirip dengan Leonardo da Vinci. Seperti Leonardo, dia adalah murid dari master Florentine Quattrocento yang terkenal. Ada informasi bahwa guru ini, Domenico Ghirlandaio, seperti guru Leonardo Verrocchio, cemburu pada muridnya. Seperti Leonardo, seni halus dan halus yang berkembang di istana Lorenzo yang Agung tidak dapat memuaskan Michelangelo. Dan salah satu karya pertamanya adalah “Madonna of the Stairs,” yang diukirnya di marmer ketika dia baru berusia enam belas tahun, bukan seorang bangsawan yang dimanjakan atau bahkan seorang ibu muda yang menyentuh cintanya pada bayinya, melainkan seorang gadis yang tegas dan agung. yang menyadari kejayaannya dan mengetahui tentang ujian tragis yang menantinya.
Hanya satu contoh lukisan kuda-kuda Michelangelo yang dapat diandalkan yang bertahan: tondo (lukisan bundar) yang terkenal “Madonna Doni”. Dapat diasumsikan bahwa dalam komposisi ini, Michelangelo yang berusia hampir tiga puluh tahun, yang telah menikmati ketenaran yang luar biasa, membayangkan melampaui Leonardo, untuk menegaskan keunggulannya atas kakak laki-lakinya, yang pencapaian gambarnya dianggap di Florence sebagai wahyu.
“Madonna Doni” oleh Michelangelo dan “St. Anna” oleh Leonardo da Vinci... Paralelnya jelas. Dan tujuan bersama jelas: memusatkan kekuatan gerakan secara maksimal, memanfaatkan energi untuk mengubahnya menjadi monolit yang tak tergoyahkan.
Bagi Leonardo, tujuan tercapai secara harmonis, mendamaikan segala kontradiksi, harmoni, seolah-olah dilakukan oleh alam sendiri.
Michelangelo telah memusatkan kekuatan, dan segalanya adalah perjuangan di mana, di bawah pahat atau di bawah kuasnya, lahirlah orang-orang yang lebih cantik, lebih kuat, dan lebih berani - orang-orang yang heroik. Ketegangan dan dinamisme yang luar biasa di setiap otot mereka, di setiap dorongan, baik fisik maupun spiritual.
Berbeda dengan seniman abad sebelumnya yang berkarya di tengah masyarakat, seniman Cinquecento tergabung dalam kalangan tertinggi, bangsawan. Cita-cita kebebasan rakyat diinjak-injak oleh absolutisme. Penguasa sekuler dan spiritual membutuhkan seni yang dapat memuliakan perbuatan mereka: mereka menarik pelukis, pematung, dan arsitek paling terkenal untuk mengabdi pada mereka. Paus Julius II memanggil Michelangelo ke Roma untuk memberinya tugas besar: pria ambisius yang keras dan keras kepala ini, yang terkadang bermimpi untuk menciptakan kerajaan gerejawi yang lebih kuat daripada kekaisaran Kaisar, berharap bahwa selama hidupnya sebuah makam akan didirikan untuknya. , yang dalam ukuran dan kemegahannya akan melampaui segala sesuatu yang diciptakan sebelumnya di dunia, dan memutuskan bahwa hanya Michelangelo yang dapat mengatasi tugas seperti itu.
Makam kepausan yang megah seperti yang dibayangkan Michelangelo - sebuah mausoleum yang dihiasi empat puluh patung - belum selesai. Michelangelo menambang marmer, yang jumlahnya mengejutkan seluruh Roma, dan hendak mulai bekerja ketika dia tiba-tiba mendengar bahwa Paus tidak mau membayar biaya marmer tersebut. Ketika dia menemui Julius II, mereka tidak mengizinkannya masuk; dia mengumumkan bahwa ini adalah perintah Paus sendiri.
Tersinggung, Michelangelo segera meninggalkan Roma. Paus mengirimnya untuk mengejarnya, menuntut dia kembali, tetapi artis itu tidak taat, yang dianggap kurang ajar.
Faktanya, Julius II, atas saran Bramante, saingan Michelangelo, memutuskan untuk membangun kembali Katedral Santo Petrus, sehingga kuil ini, benteng pertahanan Gereja Katolik, menjadi yang paling megah dan megah di seluruh dunia. dunia Kristen. Akibatnya, pembangunan makam tersebut memudar menjadi latar belakang. Michelangelo mengaitkan keputusan ini dengan “intrik iri” Bramante dan menganggap hubungannya dengan Paus terputus selamanya. Namun hal ini tidak terjadi. Rekonsiliasi terjadi, dan Michelangelo menerima perintah baru dari Paus, yang skalanya tidak kalah dengan batu nisan yang direncanakan.
Julius II menugaskan Michelangelo untuk mengecat langit-langit Kapel Sistina, gereja asal para paus di Vatikan.
Tidak ada satu pun pelukis Italia yang pernah membuat lukisan sebesar itu sebelumnya: sekitar enam ratus meter persegi! Dan bukan di dinding, tapi di langit-langit.
Michelangelo memulai pekerjaan ini pada 10 Mei 1508 dan selesai pada 5 September 1512. Lebih dari empat tahun pekerjaan yang membutuhkan upaya spiritual dan fisik yang hampir seperti manusia super. Gagasan yang jelas tentang hal ini diberikan oleh ayat-ayat sarkastik Michelangelo berikut ini:
Selama persalinanku, aku hanya menderita penyakit gondok, suatu penyakit
(Beginilah air berlumpur membuat kucing membengkak
Di Lombardy sering terjadi masalah!)
Ya, dia memasukkan dagunya ke dalam rahim;
Payudara seperti harpy; tengkorak membuatku kesal
Naik ke punuk; dan janggut berdiri tegak;
Dan lumpur mengalir dari kuas ke wajah,
Mendandaniku dengan brokat, seperti peti mati;
Pinggul bergeser sepenuhnya ke perut;
Dan pantatnya, sebaliknya, membengkak menjadi tong;
Kaki tidak tiba-tiba menyentuh tanah;
Kulitnya menggantung ke depan,
Dan di bagian belakang lipatannya diukir menjadi jahitan,
Dan seluruh tubuhku melengkung seperti busur Suriah.
Berbaring di perancah telentang, dia menulis semuanya sendiri, takut untuk mempercayakannya kepada murid-muridnya. Paus mendesaknya, tetapi Michelangelo tidak mengizinkan pelanggan yang tangguh itu masuk ke kapel selama bekerja, dan ketika dia menembus ke bawah lengkungannya, dia melemparkan papan dari perancah, yang diduga secara tidak sengaja, membuat lelaki tua yang marah itu melarikan diri.
Saat melukis Kapel Sistina, Michelangelo begitu terbiasa melihat ke atas ke lemari besi sehingga kemudian, ketika pekerjaannya selesai dan dia kembali menegakkan kepalanya, dia hampir tidak melihat apa pun; ketika dia harus membaca surat dan makalah, dia harus mengangkatnya tinggi-tinggi di atas kepalanya. Dan hanya sedikit demi sedikit dia terbiasa membaca lagi sambil menunduk ke hadapannya.
Di langit-langit Kapel Sistina, Michelangelo menciptakan gambar-gambar yang hingga hari ini kita melihat perwujudan tertinggi dari kejeniusan dan keberanian manusia. Dalam suratnya kepada saudara laki-lakinya, dia dengan tegas menyatakan: “Saya bekerja dengan kekuatan, lebih dari siapa pun yang pernah ada.”
Titan, yang bernama Michelangelo, diberi kesempatan untuk mengecat langit-langit, dan dia menutupinya dengan gambar-gambar raksasa yang lahir dari imajinasinya, tidak terlalu peduli tentang bagaimana gambar-gambar itu akan “dilihat” dari bawah, baik itu bukan hanya Anda dan saya, tetapi juga Paus Julius II yang tangguh. Namun, dia terkejut dengan kehebatan yang diciptakan. Dan semua orang di Roma pada saat itu terkejut, sama seperti kita saat ini. Terkejut, namun tidak terpesona dengan gembira.
Ya, ini adalah seni yang benar-benar berbeda dari karya Raphael, yang menegaskan keseimbangan dunia nyata yang menakjubkan. Michelangelo seolah-olah menciptakan dunia raksasanya sendiri, yang memenuhi jiwa kita dengan kegembiraan, tetapi pada saat yang sama kebingungan, karena tujuannya adalah untuk melampaui alam, untuk menciptakan manusia raksasa. Michelangelo “mengganggu keseimbangan dunia realitas dan merampas kenikmatan ketenangan Renaisans.”
Ya, dia merampas seni ketenangan era ini, mengganggu keseimbangan damai Raphaelian, dan merampas kesempatan seseorang untuk mengagumi dirinya sendiri dengan tenang. Tapi dia ingin menunjukkan kepada seseorang dia seharusnya menjadi apa, dia bisa menjadi apa.
Michelangelo menciptakan gambaran tentang manusia yang mampu menaklukkan bumi, dan, siapa tahu, mungkin lebih dari bumi!
Dengan menggunakan langit-langit arsitektural untuk desainnya, Michelangelo menciptakan arsitektur baru - "digambarkan" - dengan lukisannya, membagi bagian tengah langit-langit sesuai dengan tirai jendela dan mengisi bidang persegi panjang yang dihasilkan dengan komposisi subjek. Dimensi adegannya sendiri tidak sama, dan skala figurnya juga berubah. Kontras dalam skala dan penataan ruang dari masing-masing adegan dan figur dipikirkan secara mendalam sesuai dengan satu rencana arsitektur dan gambar, dan sebagai hasilnya, “proporsi lukisan terhadap seluruh massa langit-langit tetap terjaga.”
Setiap komposisi ada secara bersamaan baik dengan sendirinya maupun sebagai bagian integral dari keseluruhan, karena semuanya saling konsisten. Ini adalah pencapaian luar biasa lukisan Renaisans Tinggi, yang disempurnakan di sini oleh Michelangelo. Dalam seni abad sebelumnya, kemandirian masing-masing bagian mengganggu kesatuan keseluruhan, dan Quattrocento sering kali melupakannya. Dalam seni abad berikutnya, mis. dalam seni gaya Barok, yang khusus sepenuhnya tunduk pada keseluruhan dan, kehilangan independensinya, tampaknya larut di dalamnya. Hanya di zaman keemasan seni Italia, zaman Leonardo, Raphael, Michelangelo dan Titian, keselarasan antara yang khusus dan keseluruhan, kesetaraan penuh mereka, dimungkinkan - dan oleh karena itu seni abad ini menunjukkan kepada kita, seolah-olah, sebuah prototipe dari tatanan ideal, di mana individualitas menemukan ekspresi lengkapnya dalam tim yang terkoordinasi secara harmonis.
... Selama hampir lima belas tahun (sejak 1520) Michelangelo mengerjakan makam Medici di Florence - atas perintah Paus Klemens VII, yang berasal dari keluarga Medici.
Intinya adalah mengabadikan kenangan bukan tentang mantan Medici yang terkenal, tetapi tentang perwakilan keluarga ini yang secara terbuka mendirikan pemerintahan monarki di Florence, dua adipati yang meninggal lebih awal dan biasa-biasa saja. Potret itu asing bagi Michelangelo. Dia menggambarkan kedua adipati tersebut secara alegoris sebagai pemimpin militer dengan baju besi yang bersinar, yang satu tampak berani, energik, tetapi acuh tak acuh, dalam damai, yang lain tenggelam dalam pemikiran yang mendalam. Dan di sampingnya terdapat gambar “Pagi”, “Sore”, “Siang” dan “Malam”.
Ketegangan internal dan pada saat yang sama keraguan yang mengganggu, firasat akan malapetaka - inilah yang diungkapkan oleh semua angka ini. Kesedihan menyebar ke seluruh penjuru dan berpindah dari dinding ke dinding.
Untuk menghormati tokoh paling terkenal - "Malam" yang indah - puisi-puisi berikut disusun:
Ini adalah malam dimana tidurnya begitu nyenyak
Di hadapanmu adalah ciptaan malaikat.
Dia terbuat dari batu, tetapi di dalamnya ada nafas:
Bangunkan saja dia dan dia akan bicara.
Namun Michelangelo tidak setuju dengan hal ini dan menjawab atas nama "Malam" itu sendiri:
Enaknya tidur, enaknya jadi batu,
Oh, di zaman ini, kriminal dan memalukan,
Tidak hidup, tidak merasakan adalah hal yang patut ditiru,
Tolong diam, jangan berani-berani membangunkanku.
Pada tahun tiga puluhan abad ke-16, Paus Paulus III menugaskan Michelangelo untuk melukis adegan Injil “Penghakiman Terakhir” di dinding altar Kapel Sistina yang sama. Michelangelo mengerjakan lukisan dinding seluas hampir dua ratus meter persegi ini (dengan beberapa interupsi) selama enam tahun.
V.N. Lazarev menulis: “Di sini malaikat tidak dapat dibedakan dari orang suci, orang berdosa dari orang benar, pria dari wanita. Mereka semua terbawa oleh satu arus gerakan yang tiada henti, mereka semua menggeliat dan menggeliat karena ketakutan dan kengerian yang mencekam mereka... Michelangelo menjadikan sosok Kristus sebagai pusat gerakan yang berputar-putar. Dan semakin hati-hati Anda melihat komposisi keseluruhan lukisan dinding itu, semakin Anda merasa bahwa di depan Anda ada roda keberuntungan yang berputar-putar, yang dengan cepat melibatkan semakin banyak kehidupan manusia baru, tidak satu pun di antaranya. bisa lolos dari takdir. Dalam interpretasi bencana kosmik seperti itu, tidak ada lagi ruang tersisa untuk seorang pahlawan dan tindakan heroik, dan tidak ada ruang tersisa untuk belas kasihan. Bukan tanpa alasan Maria tidak meminta pengampunan dari Kristus, tetapi dengan takut berpegang teguh pada-Nya, diliputi rasa takut akan unsur-unsur yang mengamuk. Saat mengerjakan lukisan dinding “The Last Judgment,” Michelangelo ingin menunjukkan kesia-siaan segala sesuatu yang duniawi, kerusakan daging, ketidakberdayaan manusia di hadapan orang buta yang menentukan nasib. Tidak diragukan lagi, ini adalah tujuan utamanya. Dan untuk ini dia harus secara radikal mengubah gagasannya tentang manusia dan sosok manusia, yang seharusnya menjadi rapuh, ringan, dan halus. Tapi ini tidak terjadi... Seperti sebelumnya, ia menggambarkan sosok kuat dengan wajah berani, bahu lebar, batang tubuh berkembang dengan baik, dan anggota badan berotot. Namun para raksasa ini tidak lagi mampu melawan takdir. Itulah sebabnya wajah mereka terdistorsi oleh seringai, itulah sebabnya semua gerakan mereka, bahkan yang paling energik, tegang dan kejang, begitu putus asa... Para raksasa yang ditakdirkan mati telah kehilangan apa yang selalu membantu manusia dalam pertarungan melawan unsur kekuatan. Mereka telah kehilangan kemauannya!”
Sejak Michelangelo masih hidup, “Penghakiman Terakhir”-nya memicu serangan sengit dari para pendukung Kontra-Reformasi.
Karya Michelangelo selanjutnya ditandai dengan kegelisahan, kesadaran akan kelemahan keberadaan, pendalaman mimpi dan pikiran sedih, dan terkadang keputusasaan.
Dalam lukisan dindingnya di Kapel Paolina Vatikan, beberapa gambar memukau dengan ekspresifnya, kuat dan tajam, tetapi secara umum - fragmentasi komposisi, penurunan kemauan pemandu umum, prinsip kepahlawanan yang menang - adegan-adegan ini membuktikan kehancuran spiritual dari pencipta mereka. Pikiran Michelangelo semakin mengarah pada kematian, dan, seperti yang dia sendiri katakan dalam salah satu puisinya, baik kuas maupun pahat tidak membuatnya terlupakan.
“Siapa pun yang ingin menemukan dirinya sendiri dan bersenang-senang,” tulisnya, “tidak boleh mencari hiburan dan kesenangan. Dia harus memikirkan tentang kematian! Karena hanya pemikiran ini yang membawa kita pada pengetahuan diri, membuat kita percaya pada kekuatan kita dan melindungi kita dari kenyataan bahwa kerabat, teman, dan kekuatan dunia ini tidak akan mencabik-cabik kita dengan segala sifat buruk dan keinginan kita, yang melecehkan seseorang. tentang dirinya sendiri.”
Pikiran tentang kematian, seolah-olah sedang merenungkannya, meresapi patung-patung terakhirnya, misalnya “Pieta” (Florence), di mana kekuatan yang meneguhkan kehidupan di tahun-tahun sebelumnya digantikan oleh rasa sakit mental yang menyakitkan. Ekspresi tragis dan spiritualitas yang penuh gairah dari seluruh kelompok benar-benar tidak terbatas.
Kelompok lain, “Pieta Rondanini” (Milan), menekankan kesepian dan malapetaka; dengan upaya apa Bunda Allah menopang tubuh Kristus yang memanjang, betapa halus, betapa tidak nyata sosok-sosok sedih mereka yang saling menempel dalam ekspresi menyakitkan mereka. Michelangelo masih mengerjakan grup ini enam hari sebelum kematiannya.
Karena tidak bisa dilupakan baik dalam kuas maupun pahat, Michelangelo semakin sering menggunakan pensil dalam dua dekade terakhir hidupnya. Dalam studi grafis masa ini, garis solid Michelangelo yang dulu menghilang; dalam bayang-bayang cahaya ia nyaris tidak menguraikan sosok-sosoknya, menuangkan pengalaman mendalamnya yang ditandai dengan kesedihan yang lirih atau penderitaan yang mendalam dalam sebuah gambar yang sangat lembut.
Namun dalam satu seni Michelangelo tetap setia pada cita-cita tahun-tahun sebelumnya - ini adalah seni arsitektur. Di sini keyakinannya pada kekuatan kreatif seniman yang tak terbatas kembali terwujud sepenuhnya. Tidak perlu menggambarkan dunia yang terlihat; biarkan dorongan besar yang terus-menerus memenuhi jiwanya menemukan ekspresinya bukan dalam realitas indrawi - itu terlalu menipu! - tetapi dalam kekompakan, perjuangan dan kemenangan kekuatan-kekuatan yang harmonis dan stabil, yang namanya kolom, cornice, kubah, pedimen. Tidak ada pengkhianatan terhadap cita-cita kecantikan manusia, yang diyakini dan dipujanya, karena Michelangelo menegaskan ketergantungan bagian arsitektural pada tubuh manusia.
Meskipun Michelangelo terlambat beralih ke arsitektur, dia juga mengagungkan namanya dalam seni ini. Kepadanya kita berhutang makam Medici; bagian dalam Perpustakaan Laurenziana (juga di Florence, perpustakaan umum pertama di Eropa) dengan tangga terkenal, yang menurut V.N. Lazarev, seperti “aliran lava yang mengalir dari pintu sempit”, dan tangganya tampak melengkung bagi kita untuk selalu bergerak seolah-olah dalam pergantian yang tidak terkendali. Dia terlibat dalam rekonstruksi megah Alun-Alun Capitol Romawi kuno dengan pemasangan patung berkuda kuno Kaisar Marcus Aurelius di tengahnya, dan menobatkan Palazzo Farnese di Roma dengan cornice besar, sebuah mahakarya arsitektur Renaisans.
Arsitek paling terkenal pada masa itu bekerja secara bergantian pada pembangunan Katedral Santo Petrus yang baru dan megah, yang dengannya negara kepausan ingin memuliakan kekuatannya: Bramante, Raphael, Baldassare Peruzzi, Antonio da Sangallo the Younger. Pada tahun 1546, pengelolaan pekerjaan diserahkan kepada Michelangelo.
Kubah Katedral Santo Petrus merupakan mahkota kreativitas arsitektur Michelangelo. Seperti dalam kreasi kuas dan pahatnya yang paling sempurna, dinamisme badai, pergulatan internal kontras, seluruh gerakan pengisian secara angkuh dan organik dimasukkan dalam keseluruhan proporsi ideal yang tertutup.
Michelangelo meninggal pada tanggal 18 Februari 1564, pada usia delapan puluh sembilan tahun, setelah penyakit singkat yang menimpanya di tengah-tengah pekerjaannya.
TITIAN VECELLIO
Usia pasti Titian belum diketahui. Dia meninggal pada tahun 1576, dan menurut beberapa sumber, lahir pada akhir tahun delapan puluhan, menurut sumber lain - pada akhir tahun tujuh puluhan abad ke-15 atau bahkan lebih awal.
Kami hanya dapat mengatakan dengan pasti bahwa Titian hidup tidak kurang dari delapan puluh tahun dan tidak lebih dari seratus tiga tahun, dan tampaknya meninggal bukan karena usia tua, tetapi karena wabah penyakit.
Selama hidupnya yang panjang, Titian ditakdirkan untuk menyaksikan dengan sedih kontradiksi tragis antara cita-cita luhur Renaisans dan kenyataan. Dia tetap setia sepenuhnya pada cita-cita ini dan tidak mengkhianati humanisme.
Titian Vecellio dilahirkan dalam keluarga militer di kota pegunungan Pieve di Cadore, yang merupakan bagian dari wilayah Venesia. Keluarganya kuno dan berpengaruh di bidang ini. Karena sudah menunjukkan ketertarikannya pada seni lukis sejak kecil, pada usia sembilan tahun ia ditugaskan oleh ayahnya ke bengkel seniman mosaik Venesia. Namun, dia tidak tinggal lama di sana, dan kemudian belajar secara bergantian dengan Gentile Bellini dan Giovanni Bellini. Dia menjadi dekat dengan Giorgione dan sangat dipengaruhi olehnya. Dan setelah kematian dininya, dia menjadi kepala sekolah Venesia yang diakui secara umum.
Ketenaran Titian dengan cepat menyebar ke seluruh Italia, dan kemudian ke seluruh Eropa Barat. Paus Paulus III memanggil Titian ke Roma, di mana, sebagai seorang guru yang matang, ia pertama kali mengenal karya Raphael dan Michelangelo. Raja yang paling berkuasa saat itu, Kaisar Jerman Charles V, mengundangnya ke Augsburg, memberinya gelar bangsawan dan, berpose untuk Titian, bahkan diduga mengambil kuas yang dijatuhkan oleh sang seniman. Putra Charles V, raja Spanyol yang kejam Philip II, raja Prancis Francis I dan banyak penguasa Italia juga merupakan pelanggan Titian, yang memegang jabatan resmi seniman Republik Venesia.
Menurut ahli teori seni Venesia, Dolce, Titian adalah “seorang teman bicara yang luar biasa dan cerdas yang tahu cara menilai segala sesuatu di dunia.”
Kehidupan yang panjang dan bahagia di tengah masyarakat yang beradab dan terpelajar, kehidupan yang sepenuhnya dipenuhi dengan mengagumi keindahan dunia dan mengagungkan keindahan ini dalam seni lukis yang agung. Kreativitas Titian sangat luas: dari segi jumlah ciptaannya hampir melampaui karya Leonardo da Vinci, Raphael dan Michelangelo.
Tak seorang pun dalam lukisan sebelum atau sesudah Titian bernyanyi dengan inspirasi seperti yang ia lakukan tentang kecantikan seorang wanita yang bersinar, kecantikan tengah hari yang menawan, seolah-olah melambangkan kegembiraan hidup, kebahagiaan duniawi.
Dalam salah satu karya awalnya, Titian dengan berani membandingkan “cinta surgawi” yang konformis, puas diri, dan sia-sia dengan cinta duniawi yang bebas dan sangat indah dalam ketelanjangannya, yang, dengan botol di tangan, tampaknya mengungkapkan kepada manusia dunia tanpa batas. alam bebas. “Cinta Duniawi dan Cinta Surgawi” adalah gambaran alegoris, penuh keceriaan yang cerah dan menyenangkan, menandakan kemungkinan kebahagiaan yang begitu membahagiakan dan murah hati. “Flora” kontemporernya mengungkapkan cita-cita luhur yang sama, kegembiraan murni yang sama. Betapa lembutnya warna merah muda yang hangat dari bahu terbuka dewi bunga, betapa “sebuah lukisan” tangan yang benar-benar ilahi dipadukan dengan kemeja putih transparan dan beludru tipis dari jubah tebal. “Bacchanalia” dan “Pesta Venus” adalah mata rantai yang indah dalam satu rantai.
Mahkota tertinggi dari cita-cita ini adalah lukisan “Venus di Depan Cermin”, yang dilukis oleh Titian di masa tuanya. Mungkin kuasnya belum pernah mencapai keindahan seperti itu sebelumnya. Di hadapan kita terdapat feminitas yang benar-benar agung dalam segala kemuliaan aslinya. Dewi cinta yang menyamar sebagai wanita cantik berambut emas menunjukkan kepada kita gambaran cinta dan kebahagiaan yang paling sempurna. Tidak ada yang jahat dalam gambaran ini, sama seperti tidak ada yang jahat dalam keutuhan kebahagiaan. Betapa besar kasih sayang, manis dan penuh hormat yang tak terhingga, dalam tatapan sang dewi, betapa besar kegembiraan yang diberikan wajah ini dan semua keindahan unik yang diciptakan oleh lukisan kepada kita!
Tapi ini gambar wanita lainnya, yang juga diciptakan oleh Titian di masa tuanya, “Gadis Berbuah”, mungkin potret putrinya Lavinia. Kecantikan seorang wanita dan kemewahan alam, emas di langit dan emas brokat, dan betapa agungnya yang terlintas di benaknya, dalam keseluruhan penampilan wanita Venesia yang sedang mekar ini! Sungguh kedamaian yang menggembirakan dan luar biasa, kenikmatan hidup yang utuh, keseluruhan gambarannya bernafas!
Janji besar akan kebahagiaan, harapan akan kebahagiaan dan kenikmatan hidup yang seutuhnya menjadi salah satu landasan karya Titian.
“The Assumption of Mary”, “Assunta” yang terkenal adalah altar besar karya Titian di gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari di Venesia. Ya, ini benar-benar megah, dan wajah Maria yang terilhami tidak kalah dalam kekuatan batinnya, dalam kesedihannya, dalam dorongannya yang penuh gairah dan keagungan terhadap gambaran paling agung dari Kapel Sistina.
“Penuh kekuatan,” tulis Bernson tentang gambar ini, “Bunda Allah bangkit melampaui alam semesta yang tunduk padanya... Tampaknya di seluruh dunia tidak ada kekuatan yang dapat menolak kenaikan bebasnya ke surga. Para malaikat tidak mendukungnya, namun bernyanyi tentang kemenangan keberadaan manusia atas kelemahan.”
Keagungan pandangan dunia dan kekhidmatan yang tinggi dan gembira ini, seperti gemuruh orkestra, juga menerangi dengan pancarannya komposisi-komposisi Titian, sama sekali tidak menyenangkan dalam alur ceritanya, tetapi diciptakan olehnya di tahun-tahun terbaik dan tercemerlang dalam hidupnya, ketika ia sepenuhnya mengabdikan dirinya pada pemujaan keindahan sebagai kebaikan mutlak, yang harus menang di dunia. Hal ini terutama terlihat jelas dalam mahakarya seperti “Entombment”. Tidak diragukan lagi, ini adalah salah satu karya lukisan yang tak tertandingi, karena segala sesuatu dalam gambar ini sempurna: kontras antara tubuh Kristus yang tak bernyawa dan jatuh dengan sosok para rasul yang berani bernafas dengan kekuatan, dan tragedi seluruh komposisi, di mana ada kesedihan dalam keseluruhan harmoni yang penuh rahmat dan keindahan kemerduan seperti itu, kekuatan sedemikian rupa sehingga tampaknya tidak ada dan tidak ada nada yang lebih indah di alam, putih hangat, biru langit, merah muda keemasan, cokelat tua, terkadang menyala-nyala , terkadang menghilang ke dalam kegelapan, dibandingkan dengan yang diberikan Titian pada gambar ini.
Dari musik warna ini, dari harmoni magis yang diciptakannya dari “zat” khusus yang dapat disebut tubuh hidup, bahan utama lukisan, Titian menciptakan gambar-gambarnya, seolah-olah memahatnya dari benda yang indah, terkadang cair ini. , bahan tembus cahaya, terkadang tebal, berair, sangat jenuh, selalu tunduk dan bersyukur. Lukisan seperti itu adalah “lukisan murni”, dan keindahan masing-masing adalah “potongan lukisan”, karena seolah-olah tidak ada apa-apa selain lukisan di dalamnya, lukisan sebagai unsur warna dan cahaya, yang dikomandoi oleh kejeniusan sang seniman. .
Dalam lukisan terkenal lainnya karya Titian, “Denarius of Caesar,” menurut legenda Injil, orang Farisi, yang ingin mempermalukan Kristus, bertanya kepadanya apakah ia harus membayar pajak kepada Kaisar, yaitu. kepada kaisar Romawi, dan Kristus menjawabnya: “Berikan apa yang menjadi milik Tuhan kepada Tuhan, dan apa yang menjadi milik Kaisar kepada Kaisar.” Di hadapan kita ada dua wajah: wajah Kristus, yang terpahat oleh cahaya, dan wajah orang Farisi, yang muncul dari kegelapan yang meninggalkan bekas pada dirinya. Dengan unsur warna dan cahaya, Titian menyampaikan kemuliaan spiritual yang pertama, kehinaan dan pengkhianatan yang kedua, kejayaan cemerlang yang pertama atas yang kedua.
Titian melukis banyak potret, dan masing-masing potret memiliki keunikan, karena menyampaikan keunikan individu yang melekat pada setiap orang. Dengan kuasnya ia menangkap seluruhnya, memusatkannya pada cat dan cahaya, lalu menyebarkannya di hadapan kita dalam sebuah “sebuah lukisan” yang megah.
Betapa kuatnya, betapa besar cadangan energinya, dan betapa besarnya potensi kemarahan dalam potret Pietro Aretino, dalam diri pria dengan dahi yang perkasa, hidung yang perkasa, dan janggut hitam yang perkasa! Dan pakaiannya yang mewah dan luas tampaknya menekankan ruang lingkup sifatnya yang penuh gairah dan tanpa ampun.
Karya besar Titian lainnya adalah “Madonna dari Pesaro” (1519-1526). Gambar itu mencolok dalam integritas dan keagungannya. Dua tiang besar menjulang. Di belakang mereka ada langit luas dengan awan kumulus putih. Di sebelah kanan, di atas mimbar besar di dasar tiang besar, Madonna dan Anak terletak luas, bebas dan sekaligus sangat sederhana. Di sebelah kiri, di seberang kelompok ini, dengan penuh semangat diangkat oleh tangan pembawa panji dan diletakkan miring di tangga sebagai tanda wilayah yang ditaklukkan, sebuah spanduk sutra merah dengan lambang rumah bangsawan Pesaro berkibar tinggi; gagangnya, yang ditinggikan di atas kepala Bunda Allah, seolah bersandar ke langit. Titik terang ini secara warna menyeimbangkan, bahkan melebihi, kelompok Madonna, yang pakaiannya juga didominasi oleh sutra merah. Dengan warna yang sama adalah jubah yang kusut di lutut Rasul Petrus di tengah gambar, dan pakaian mewah yang dikenakan oleh salah satu anggota keluarga bangsawan pelanggan, berdiri di bawah Madonna. Semuanya penuh keagungan dan semangat tinggi.
Garis kemarahan yang akut terhadap kejahatan yang berkuasa, ketidakpercayaan yang pahit terhadap kemenangan kekuatan kebaikan sejak awal tahun 1540-an dikembangkan dalam karya Titian: Louvre “Mahkota Kristus dengan Duri” - penuh badai, kejam, tragis; dan “Lihatlah Manusia itu” (1543). Tidak ada adegan penyiksaan di gambar terakhir, namun tak kalah mengejutkan, dan resonansi sosialnya lebih dalam. Tersiksa, dengan kepala tertunduk, Kristus yang tak berdaya dibawa ke beranda tinggi setelah disiksa. Dia rusak. Pilatus menyeringai puas: Anda tahu, dia hanyalah seorang laki-laki. Dalam kerumunan beraneka ragam dan beraneka ragam di alun-alun, tokoh utama di latar depan adalah seorang bangsawan gemuk dan kaya dengan jubah merah cerah di atas jubah brokat yang mewah (apakah ini petunjuk tentang hierarki tertinggi Gereja Katolik?). Dengan gerakan angkuh dari kepalanya yang dicukur di lehernya yang gemuk, dengan gerakan tangan kanannya yang ekspresif, dia seolah berkata: “Yah, tentu saja, aku tidak meragukannya, dia hanya laki-laki.” Sedikit lebih jauh, seorang wanita sederhana dalam gaun putih (yang sangat kontras dengan sosok depan), menundukkan kepalanya dengan sedih dan menggendong putra kecilnya, menatap bangsawan itu dengan tidak setuju. Pemuda kesepian di pojok kiri bawah gambar, di bawah tangga teras depan, meneriakkan sesuatu dengan ngeri dan marah, tapi tidak ada yang mendengarkannya. Kerumunan di alun-alun berisik, penasaran, mengejek. Kristus kelelahan.
Antara tahun 1572 dan 1575 Titian menciptakan “Mahkota Duri” kedua. Karena kelelahan, dengan tangan terikat, Kristus yang hampir tidak hidup disiksa, kepalanya dipukul dengan tongkat; Mereka menyeret lebih banyak tongkat, dan semua orang mencoba untuk melakukannya lebih jauh dan lebih menyakitkan. Mereka sudah membawa kapak. Dan semua ini terjadi dalam kegelapan pekat, yang tidak hilang, tetapi hanya semakin dipertegas oleh cahaya lampu berasap yang tidak menyenangkan (sepertinya Anda dapat mendengar suara gemeretak api). Gambar tersebut dipenuhi dengan tragedi yang memilukan, yang tidak ada artinya jika dibandingkan dengan kesan menakutkan yang dihasilkan oleh versi pertama dari tema yang sama. Sang seniman mengungkapkan dalam gambar ini kemenangan kebinatangan manusia dan ketidakberdayaan kebaikan.
Di antara lukisan Titian, ada dua yang dikenal di seluruh dunia. Ini adalah "Maria Magdalena yang Bertobat" dan "St. Sebastian". Meski terpisah satu dekade, keduanya dilukis oleh sang seniman besar di masa tuanya, ketika ia telah mencapai kekuasaan atas warna dan dapat menggunakannya sendiri untuk membangun komposisi yang sempurna dan plastis seperti karya Raphael.
Kesedihan yang pedih dari orang berdosa yang bertobat kembali terkubur dalam keindahan lukisan, menandai kemenangan prinsip peneguhan hidup yang melekat dalam seluruh karya Titian. Wajah Magdalena cantik, air mata di matanya indah, terangkat ke langit dengan iman yang begitu besar. Dan bagi kita dalam gambar ini ada kegembiraan pelangi: wanita Venesia yang sedang mekar ini dengan mulut montok setengah terbuka, kulit lembut seperti beludru dan kepang tebal yang sangat halus, dan pemandangan malam musim gugur, yang membentuk satu kesatuan yang tak terpisahkan dengan dia dan kesedihannya. .
“St. Sebastian” ditulis oleh Titian sesaat sebelum kematiannya. Temanya memang tragis, namun hal ini tidak membuat Titian takut: ia ingin mengalahkan penderitaan manusia, malapetaka, dan kegelisahan besar yang mencengkeram jiwanya di usia tua, memperlihatkannya kepada kita secara utuh.
Dari dekat, tampak seolah-olah seluruh gambar adalah sapuan kuas yang kacau balau. Lukisan mendiang Titian harus dilihat dari jarak tertentu. Dan kemudian kekacauan itu hilang: dalam kegelapan kita melihat seorang pemuda sekarat di bawah panah, dengan latar belakang api yang berkobar.
Palet Titian menciptakan simfoni warna yang mengancam, seolah mengumumkan bencana kosmik dengan segala kengerian dan keputusasaannya. Namun seruan keputusasaan telah diatasi di sini juga. Dari simfoni sapuan kuas inilah muncul sosok seorang martir yang cantik dan heroik. Dan sosok dengan proporsi ideal ini juga seluruhnya dibentuk dari warna.
Salah satu siswa Titian meninggalkan penjelasan rinci tentang bagaimana sang master bekerja dalam beberapa tahun terakhir, menyempurnakan simfoni warna ini:
“Titian melapisi kanvasnya dengan segumpal cat, seolah-olah menjadi alas atau landasan atas apa yang ingin ia ungkapkan di masa depan. Saya sendiri pernah melihat lukisan bagian bawah yang begitu energik, dibuat dengan kuas jenuh tebal dengan warna merah murni, yang dimaksudkan untuk membuat garis halftone, atau dengan warna putih. Dengan kuas yang sama, pertama-tama mencelupkannya ke dalam cat merah, terkadang hitam, terkadang kuning, dia mengerjakan relief bagian yang diterangi. Dengan keterampilan hebat yang sama, hanya dengan bantuan empat warna, dia membangkitkan janji akan sosok cantik dari terlupakan... Dia kemudian menutupi kerangka ini, mewakili semacam ekstrak dari semua yang paling penting, dengan tubuh yang hidup, menyelesaikannya melalui serangkaian pukulan berulang-ulang hingga ke keadaan yang menurutnya: Yang hilang hanyalah pernapasan... Dia melakukan sentuhan terakhir dengan sapuan ringan jari-jarinya, menghaluskan transisi dari sorotan paling terang ke halftone, dan menggosok satu nada ke nada lainnya. Kadang-kadang dengan jari yang sama dia menerapkan bayangan tebal di beberapa sudut untuk mempercantik tempat ini, atau dia melapisinya dengan warna merah, seperti tetesan darah, untuk meramaikan permukaan gambar... Menjelang akhir dia benar-benar melukis lebih banyak dengan jari-jarinya daripada dengan kuas.”
Garis tragis dalam karya Titian mencapai klimaksnya pada lukisan terakhirnya - “The Lamentation of Christ” (1573-1576), yang masih belum selesai. Aksi berlangsung di dekat ceruk yang berat, di belakangnya ada tembok kosong. Ekstremitas yang tanpa harapan dan putus asa ini menunjukkan bahwa seniman berusia hampir 90 tahun dalam gambar ini berduka atas dirinya sendiri, dan asumsi ini jelas ada benarnya. Namun apa yang dia gambarkan jauh melampaui hal-hal pribadi.
Tema tradisional berkabung dimaknai dengan cara yang orisinal dan sangat bebas. Penuh dengan kehidupan dan, pada saat yang sama, kesedihan yang mendalam, Maria memegang tubuh Kristus di atas lututnya, dan tubuh itu tergelincir dan mulai runtuh. Kesannya dia baru saja meninggal, atau bahkan kini dia sekarat dalam pelukannya. Raut wajahnya seolah-olah masih berusaha memperjuangkan hidup, seolah ingin mengatakan sesuatu (mulutnya juga setengah terbuka), namun tak mampu lagi: matanya terpejam, dan tangan kirinya terjatuh. tidak berdaya. Kesan ini diperkuat dengan pose dan gerakan Nikodemus yang baru saja berlutut (jubahnya tiba-tiba terlepas dari bahunya) untuk membantu: ia menyentuh tangan Kristus yang tergantung dan sambil mengangkat kepalanya, menatap wajahnya, atau ingin mendengar. kata-kata terakhirnya. Tapi sudah terlambat, Kristus mati, dan ngeri atas apa yang terjadi, Magdalena melompat berdiri dan berteriak putus asa. Dia tidak menangis, dia berbalik ke arah yang berlawanan - ke kiri dan mengulurkan tangannya yang terangkat ke sana: dia berteriak bahwa Kristus telah mati, dia memanggil semua orang. Tapi tidak ada seorang pun, tidak ada yang terburu-buru menjawab panggilan tersebut. Di dekat almarhum hanya ada tiga sosok yang kesepian.
Titian mengambil kebebasan yang belum pernah terjadi sebelumnya: ia menyimpang dari narasi Injil pada intinya dan tidak menyajikan duka atas mayat yang diambil dari salib, tetapi kematian Yesus - bukan di kayu salib, tetapi di pelukan ibunya, di saat ini, di depan penonton. Hal ini semakin memberikan alasan untuk berpikir bahwa seniman dalam karya ini berduka atas kematiannya yang akan segera terjadi. Namun, kegembiraan luar biasa dari Magdalena, dorongan semangatnya yang ditujukan kepada orang-orang, dan kecaman marah terhadap umat manusia, yang dengannya patung batu Musa diledakkan, tidak dapat disangkal memberikan kesaksian tentang makna peringatan yang jauh lebih luas, sosial, dan peringatan dari ciptaan terakhir Titian. Ini benar-benar wasiat rohaninya.
Dan di hadapan kita ada seniman ini sendiri, yang menguasai unsur warna, akhirnya mengatasi peran dominan garis besar dan dengan demikian membuka halaman baru dalam sejarah seni lukis. Seniman yang memberikan kepada dunia seni yang paling menggembirakan, khidmat, dan meriah, seniman yang tidak dapat dibayangi oleh kemerosotan humanisme maupun pemikiran tentang kematian, bahkan di tahun-tahun paling pikunnya. Dia agung, tenang dan tegas dalam potret diri terakhirnya. Kebijaksanaan, kecanggihan yang lengkap, dan kesadaran akan kekuatan kreatif seseorang terhembus dalam wajah bangga dengan hidung bengkok, dahi tinggi dan tampilan yang spiritual dan tajam. Ciri-ciri Titian dipahat dari cat Titian yang menyala-nyala, berbeda dengan jubah hitam yang tampak di atas kanvas sebagai monumen abadi pembawa panji seni besar, monumen yang dibuat sendiri untuk kejayaan seni tersebut.
RENAISSANCE TERAKHIR
Tahap selanjutnya dalam kebudayaan Renaisans adalah Renaisans Akhir, yang secara umum diyakini berlanjut sejak tahun 40-an. Abad XVI hingga akhir XVI - tahun-tahun pertama abad XVII.
Italia, tempat kelahiran Renaisans, juga merupakan negara pertama tempat dimulainya reaksi Katolik. Di tahun 40an abad ke-16 di sini Inkuisisi, yang menganiaya para pemimpin gerakan humanis, direorganisasi dan diperkuat. Di pertengahan abad ke-16. Paus Paulus IV menyusun “Indeks Buku Terlarang”, yang kemudian diisi ulang berkali-kali dengan karya-karya baru. Daftar ini termasuk karya-karya yang dilarang dibaca oleh umat beriman di bawah ancaman ekskomunikasi, karena menurut pendapat gereja, bertentangan dengan prinsip-prinsip dasar agama Kristen dan berdampak buruk pada pikiran masyarakat. Indeks ini juga mencakup karya-karya beberapa humanis Italia, khususnya Giovanni Boccaccio. Buku-buku terlarang dibakar; nasib yang sama bisa saja menimpa para penulisnya dan semua pembangkang yang secara aktif mempertahankan pandangan mereka dan tidak ingin berkompromi dengan Gereja Katolik. Banyak pemikir dan ilmuwan terkemuka tewas dalam bahaya. Jadi, pada tahun 1600 di Roma, di Alun-Alun Bunga, Giordano Bruno (1540-1600) yang agung, penulis karya terkenal “On Infinity, the Universe and Worlds,” dibakar.
Banyak pelukis, penyair, pematung, dan arsitek meninggalkan gagasan humanisme dan hanya berusaha mengadopsi “cara” tokoh-tokoh besar Renaisans. Seniman terpenting yang bekerja dalam gaya tersebut perangai, ada Pontormo (1494-1557), Bronzino (1503-1572), pematung Cellini (1500-1573). Karya-karya mereka dibedakan berdasarkan kompleksitas dan intensitas gambarnya. Pada saat yang sama, beberapa seniman terus mengembangkan tradisi realistik dalam seni lukis: Veronense (1528-1588), Tintoretto (1518-1594), Caravaggio (1573-1610), Caracci bersaudara. Karya beberapa di antaranya, misalnya Caravaggio, memberikan pengaruh besar terhadap perkembangan seni lukis tidak hanya di Italia, tetapi juga di Prancis, Spanyol, Flanders, dan Belanda. Interpenetrasi budaya menjadi semakin mendalam, dan dengan demikian terbentuklah budaya pan-Eropa, peradaban pan-Eropa.
Gerakan humanistik merupakan fenomena pan-Eropa: pada abad ke-15. Humanisme melampaui batas Italia dan dengan cepat menyebar ke seluruh negara-negara Eropa Barat. Setiap negara memiliki ciri khas tersendiri dalam perkembangan budaya Renaisans, prestasi nasionalnya masing-masing, dan pemimpinnya masing-masing.
DI DALAM Jerman Ide-ide humanisme mulai dikenal pada pertengahan abad ke-15, memberikan pengaruh yang kuat di kalangan universitas dan kaum intelektual progresif.
Seorang wakil terkemuka dari sastra humanistik Jerman adalah Johann Reuchlin (1455-1522), yang berusaha menunjukkan keilahian dalam diri manusia itu sendiri. Dia adalah penulis karya satir terkenal "Letters of Dark People", yang menggambarkan serangkaian orang bodoh dan berkulit gelap - master dan bujangan, yang, omong-omong, memiliki gelar akademis.
Kebangkitan di Jerman tidak dapat dipisahkan dari fenomena Reformasi – gerakan reformasi Gereja Katolik, pembentukan “gereja murah” tanpa pemerasan dan pembayaran ritual, pemurnian ajaran Kristen dari segala posisi yang salah. tak terelakkan dalam sejarah Kekristenan yang berusia berabad-abad. Gerakan Reformasi di Jerman dipimpin oleh Martin Luther (1483-1546), seorang doktor teologi dan biarawan di biara Augustinian. Ia percaya bahwa iman adalah keadaan batin seseorang, bahwa keselamatan diberikan kepada seseorang langsung dari Tuhan, dan seseorang dapat datang kepada Tuhan tanpa perantaraan pendeta Katolik. Luther dan para pendukungnya menolak untuk kembali ke Gereja Katolik dan memprotes tuntutan untuk meninggalkan pandangan mereka, yang menandai dimulainya gerakan Protestan dalam agama Kristen. Martin Luther adalah orang pertama yang menerjemahkan Alkitab ke dalam bahasa Jerman, yang memberikan kontribusi besar terhadap keberhasilan Reformasi.
Kemenangan Reformasi pada pertengahan abad ke-16. menyebabkan kebangkitan sosial dan tumbuhnya kebudayaan nasional. Seni rupa mencapai perkembangan yang luar biasa. Pelukis dan pengukir terkenal Albrecht Durer (1471-1528), seniman Hans Holbein the Younger (1497-1543), Lucas Cranach the Elder (1472-1553) bekerja di daerah ini.
Sastra Jerman mencapai peningkatan yang nyata. Penyair Jerman terbesar pada era Reformasi adalah Hans Sachs (1494-1576), yang menulis banyak fabel, lagu, dan karya dramatis yang membangun, dan Johann Fischart (1546-1590), penulis karya satir tajam, perwakilan terakhir dari Reformasi. Renaisans Jerman.
Perwakilan terbesar dari budaya Renaisans di Belanda adalah Erasmus dari Rotterdam (1496-1536). Pentingnya karya-karya humanis dan pendidik besar, termasuk “In Praise of Stupidity” yang terkenal, untuk pendidikan pemikiran bebas dan sikap kritis terhadap skolastik dan takhayul sungguh tak ternilai harganya. Karya satirnya mendapat popularitas luas di Jerman, Prancis, Spanyol, dan Inggris. Bentuknya yang luar biasa dan isinya yang mendalam, mereka telah menemukan pembacanya selama berabad-abad.
Salah satu pelopor dan pendiri liberalisme adalah Dirk Koornhert, eksponen gagasan kebebasan, toleransi beragama, dan kosmopolitanisme. Karya Philip Aldohonde, penulis lagu kebangsaan Belanda, dan seniman Pieter Bruegel (1525-1569), Frans Hals (1580-1660) berasal dari waktu yang sama. Ciri khas kehidupan budaya Belanda adalah masyarakat retoris, yang diselenggarakan tidak hanya di kota, tetapi juga di desa-desa bahkan desa-desa kecil. Anggota masyarakat ini (dan siapa pun dapat bergabung dengan mereka) berkompetisi dalam mengarang puisi, lagu, drama, dan cerita. Masyarakat retoris berkontribusi pada penyebaran pendidikan di masyarakat dan peningkatan tingkat budayanya.
DI DALAM Inggris pusat gagasan humanistik adalah Universitas Oxford, tempat para ilmuwan terkemuka pada masa itu bekerja - Grosin, Linacre, Colet. Perkembangan pandangan humanistik dalam bidang filsafat sosial dikaitkan dengan nama Thomas More (1478-1535), penulis “Utopia”, yang menyajikan kepada pembaca sebuah cita-cita, menurut pendapatnya, masyarakat manusia: di dalamnya setiap orang sama, tidak ada milik pribadi, dan emas bukanlah nilai - Digunakan untuk membuat rantai bagi penjahat. Penulis paling terkenal adalah Philip Sidney (1554-1586), Edmund Spencer (1552-1599).
Tokoh terbesar Renaisans Inggris adalah William Shakespeare (1564-1616), pencipta tragedi terkenal di dunia “Hamlet”, “King Lear”, “Othello”, drama sejarah “Henry VI”, “Richard III”, dan soneta . Shakespeare adalah seorang penulis drama di Globe Theatre London, yang sangat populer di kalangan masyarakat. Teater Inggris pada waktu itu dikunjungi oleh orang-orang dari semua kelas - bangsawan, pejabat, pedagang, juru tulis, petani, pekerja, pengrajin, pelaut. Kebangkitan seni teater, karakter sosial dan demokratisnya, berkontribusi pada perkembangan struktur demokrasi dalam masyarakat Inggris.
Renaisans di Spanyol lebih kontroversial dibandingkan di negara-negara Eropa lainnya: banyak humanis di sini tidak menentang Katolik dan Gereja Katolik. Romansa kesatria, serta novel-novel picaresque, tersebar luas. Genre ini pertama kali dibawakan oleh Fernando de Rojas, penulis tragikomedi terkenal “Celestina” (ditulis sekitar 1492-1497). Garis ini dilanjutkan dan dikembangkan oleh penulis besar Spanyol Miguel de Cervantes (1547-1616), penulis “Don Quixote” yang abadi, dan satiris Francisco de Quevedo (1580-1645), yang menciptakan novel terkenal “The Life Story of seorang bajingan.”
Pendiri drama nasional Spanyol adalah Lope de Vega (1562-1635), penulis lebih dari 1800 karya sastra, termasuk “The Dog in the Manger” dan “The Dancing Teacher”.
Lukisan Spanyol mencapai kesuksesan yang signifikan. Tempat khusus di dalamnya ditempati oleh El Greco (1541-1614) dan Diego Velazquez (1599-1660), yang karyanya memberikan pengaruh besar terhadap perkembangan seni lukis tidak hanya di Spanyol, tetapi juga di negara lain.
Di dalam Perancis Gerakan humanistik baru mulai menyebar pada awal abad ke-16. Seorang wakil terkemuka dari humanisme Perancis adalah Francois Rabelais (1494-1553), yang menulis novel satir “Gargantua dan Pantagruel.” Di tahun 40an abad ke-16 Di Prancis, muncul gerakan sastra yang tercatat dalam sejarah dengan nama “Pleiades”. Tren ini dipimpin oleh penyair terkenal Pierre de Ronsard (1524-1585) dan Joaquin du Bellay (1522-1566). Penyair terkenal lainnya dari Renaisans Prancis adalah Agrippa d'Orbigne (1552-1630) dan Louise Labé (1525-1565).
Tema terpenting dalam puisi Renaisans adalah perayaan cinta. Indikasi dalam hal ini adalah soneta Pierre Ronsard, yang dijuluki “pangeran para penyair”, yang memiliki pengaruh sangat kuat terhadap perkembangan puisi Prancis secara keseluruhan.
Perwakilan terbesar budaya Perancis pada abad ke-16. adalah Michel de Montaigne (1533-1592). Karya utamanya, “Eksperimen,” merupakan refleksi topik filosofis, sejarah, dan etika. Montaigne membuktikan pentingnya pengetahuan eksperimental dan mengagungkan alam sebagai guru manusia. “Pengalaman” Montaigne ditujukan untuk melawan skolastik dan dogmatisme, menegaskan gagasan rasionalisme; karya ini memiliki dampak yang signifikan terhadap perkembangan pemikiran Eropa Barat selanjutnya.
Selama Renaisans, minat terhadap seni Yunani kuno dan Roma muncul, yang mendorong perubahan di Eropa yang menandai akhir Abad Pertengahan dan awal zaman modern. Periode ini bukan hanya masa “kebangkitan” masa lalu, tetapi masa penemuan dan penelitian, masa munculnya ide-ide baru. Contoh klasik mengilhami pemikiran baru, dengan perhatian khusus diberikan pada kepribadian manusia, pengembangan dan perwujudan kemampuan, bukan keterbatasannya, yang merupakan ciri khas Abad Pertengahan. Pengajaran dan penelitian tidak lagi semata-mata menjadi pekerjaan gereja. Sekolah dan universitas baru bermunculan, ilmu pengetahuan alam dan eksperimen medis dilakukan. Seniman dan pematung dalam karyanya berusaha keras untuk mendapatkan kealamian, untuk menciptakan kembali dunia dan manusia secara realistis. Patung klasik dan anatomi manusia dipelajari. Seniman mulai menggunakan perspektif, meninggalkan gambar datar. Objek seninya adalah tubuh manusia, subjek klasik dan modern, serta tema keagamaan. Hubungan kapitalis mulai muncul di Italia, dan diplomasi mulai digunakan sebagai alat dalam hubungan antar negara kota. Penemuan ilmu pengetahuan dan teknologi, seperti penemuan percetakan, berkontribusi pada penyebaran ide-ide baru. Secara bertahap ide-ide baru menguasai seluruh Eropa.
RENAISANS. TITAN DARI RENAISSANCE.
Daftar literatur bekas:
S.M.Stam. Tokoh-tokoh Renaisans. Saratov, 1991
Lev Lyubimov. Seni Eropa Barat. Moskow “Pencerahan”, 1996
Budaya. Sejarah kebudayaan dunia. Diedit oleh Profesor A.N. Moskow, “Budaya dan Olahraga”. Penerbit Asosiasi “UNITY”, 1995
D.Chisholm. Sejarah dunia dalam kurma. Moskow, “Rosman”, 1994
Abad XIV, XV, XVI. bagiannya ditetapkan dalam sejarah seni Italia dengan istilah Italia “trecento” (yaitu 300an), “quattrocento” (yaitu 400an) dan “cinquecento” (yaitu 500an).
Berakhirnya Quattrocento menandai transisi dari Renaisans Awal ke Renaisans Tinggi.
Glasir - aplikasikan lapisan tipis cat transparan sehingga lapisan bawah terlihat.
Isi artikel
RENAISANS, suatu periode dalam sejarah budaya Eropa Barat dan Tengah pada abad ke-14-16, yang isi utamanya adalah pembentukan gambaran dunia yang baru, “duniawi”, dan pada dasarnya sekuler, yang secara radikal berbeda dari gambaran dunia abad pertengahan. Gambaran baru dunia terungkap dalam humanisme, arus ideologis terkemuka pada zaman itu, dan filsafat alam, yang memanifestasikan dirinya dalam seni dan sains, yang mengalami perubahan revolusioner. Bahan bangunan untuk bangunan asli budaya baru adalah zaman kuno, yang diubah melalui Abad Pertengahan dan seolah-olah “dilahirkan kembali” ke kehidupan baru - itulah nama zamannya - “Renaisans ”, atau “Renaisans” (dalam bahasa Prancis), diberikan kepadanya kemudian. Lahir di Italia, kebudayaan baru pada akhir abad ke-15. melewati Pegunungan Alpen, di mana, sebagai hasil sintesis tradisi nasional Italia dan lokal, lahirlah budaya Renaisans Utara. Selama Renaisans, budaya Renaisans baru hidup berdampingan dengan budaya akhir Abad Pertengahan, yang khususnya khas di negara-negara yang terletak di utara Italia.
Seni.
Dengan teosentrisme dan asketisme gambaran dunia abad pertengahan, seni di Abad Pertengahan terutama melayani agama, menyampaikan dunia dan manusia dalam hubungannya dengan Tuhan, dalam bentuk konvensional, dan terkonsentrasi di ruang kuil. Baik dunia kasat mata maupun manusia tidak bisa menjadi objek seni yang berharga. Pada abad ke-13 Tren baru diamati dalam budaya abad pertengahan (ajaran ceria Santo Fransiskus, karya Dante, cikal bakal humanisme). Pada paruh kedua abad ke-13. menandai dimulainya era transisi dalam perkembangan seni rupa Italia - Proto-Renaisans (berlangsung hingga awal abad ke-15), yang membuka jalan bagi Renaisans. Karya beberapa seniman pada masa ini (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini, dll.), yang ikonografinya cukup abad pertengahan, diilhami dengan awal yang lebih ceria dan sekuler, figur-figur tersebut memperoleh volume yang relatif. Dalam seni pahat, kehalusan tokoh Gotik diatasi, emosi Gotik dikurangi (N. Pisano). Untuk pertama kalinya, perpecahan yang jelas dengan tradisi abad pertengahan muncul pada akhir abad ke-13 - sepertiga pertama abad ke-14. dalam lukisan dinding Giotto di Bondone, yang memperkenalkan kesan ruang tiga dimensi ke dalam lukisan, melukis figur yang lebih banyak, lebih memperhatikan latar dan, yang paling penting, menunjukkan realisme khusus, asing bagi Gotik yang agung, dalam menggambarkan manusia pengalaman.
Di tanah yang dibudidayakan oleh para empu Proto-Renaisans, muncullah Renaisans Italia, yang melewati beberapa fase dalam evolusinya (Awal, Tinggi, Akhir). Terkait dengan pandangan dunia baru yang pada dasarnya sekuler yang diungkapkan oleh kaum humanis, ia kehilangan hubungan yang tidak dapat dipisahkan dengan lukisan agama dan patung yang tersebar di luar kuil; Dengan bantuan lukisan, seniman menguasai dunia dan manusia sebagaimana terlihat oleh mata, menggunakan metode artistik baru (mentransfer ruang tiga dimensi menggunakan perspektif (linier, udara, warna), menciptakan ilusi volume plastik, mempertahankan proporsionalitas angka). Ketertarikan pada kepribadian dan ciri-ciri individualnya dipadukan dengan idealisasi seseorang, pencarian “kecantikan sempurna”. Subjek sejarah suci tidak meninggalkan seni, tetapi mulai sekarang penggambarannya terkait erat dengan tugas menguasai dunia dan mewujudkan cita-cita duniawi (karenanya kesamaan antara Bacchus dan Yohanes Pembaptis oleh Leonardo, Venus dan Bunda Allah oleh Botticelli). Arsitektur Renaisans kehilangan aspirasi Gotiknya terhadap langit dan memperoleh keseimbangan dan proporsionalitas “klasik”, proporsionalitas terhadap tubuh manusia. Sistem tatanan kuno dihidupkan kembali, namun unsur tatanannya bukanlah bagian dari strukturnya, melainkan hiasan yang menghiasi baik bangunan tradisional (candi, istana penguasa) maupun jenis bangunan baru (istana kota, vila pedesaan).
Pendiri Renaisans Awal dianggap sebagai pelukis Florentine Masaccio, yang mengambil tradisi Giotto, mencapai wujud figur yang hampir seperti pahatan, menggunakan prinsip-prinsip perspektif linier, dan menjauh dari konvensi dalam menggambarkan situasi. Perkembangan seni lukis selanjutnya pada abad ke-15. bersekolah di Florence, Umbria, Padua, Venesia (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli dan banyak lainnya). Pada abad ke-15 Patung Renaisans lahir dan berkembang (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio dan lain-lain, Donatello adalah orang pertama yang membuat patung bundar berdiri sendiri yang tidak ada hubungannya dengan arsitektur, orang pertama yang menggambarkan telanjang tubuh dengan ekspresi sensualitas) dan arsitektur (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, dll). Ahli abad ke-15 (terutama L.B. Alberti, P. della Francesco) menciptakan teori seni rupa dan arsitektur.
Renaisans Utara dipersiapkan oleh kemunculan gaya baru dalam seni lukis pada tahun 1420-an - 1430-an, berdasarkan gaya Gotik akhir (bukan tanpa pengaruh tidak langsung dari tradisi Giottian), yang disebut "ars nova" - "baru seni” (istilah E. Panofsky). Landasan spiritualnya, menurut para peneliti, pertama-tama adalah apa yang disebut “Kesalehan Baru” dari mistikus utara abad ke-15, yang mengandaikan individualisme spesifik dan penerimaan panteistik terhadap dunia. Pencetus gaya baru ini adalah pelukis Belanda Jan van Eyck, yang juga menyempurnakan cat minyak, dan Master dari Flemalle, disusul oleh G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch dan lain-lain (pertengahan - paruh kedua abad ke-15). Lukisan Belanda Baru mendapat sambutan luas di Eropa: pada tahun 1430-1450-an, contoh lukisan baru pertama kali muncul di Jerman (L. Moser, G. Mulcher, khususnya K. Witz), di Prancis (Master of the Annunciation dari Aix dan, tentu saja, J .Fouquet). Gaya baru ini dicirikan oleh realisme khusus: transfer ruang tiga dimensi melalui perspektif (meskipun, sebagai suatu peraturan, kira-kira), keinginan akan volume. "Seni baru", yang sangat religius, tertarik pada pengalaman individu, karakter seseorang, yang pertama-tama menghargai kerendahan hati dan kesalehan. Estetikanya asing dengan kesedihan Italia tentang kesempurnaan dalam diri manusia, hasrat terhadap bentuk-bentuk klasik (wajah para karakternya tidak proporsional sempurna, bersudut gotik). Alam dan kehidupan sehari-hari digambarkan dengan cinta dan detail yang khusus; benda-benda yang dilukis dengan cermat, pada umumnya, memiliki makna religius dan simbolis.
Sebenarnya seni Renaisans Utara lahir pada pergantian abad ke-15-16. sebagai hasil interaksi tradisi seni dan spiritual nasional negara-negara Trans-Alpine dengan seni Renaisans dan humanisme Italia, dengan perkembangan humanisme utara. Seniman pertama dari tipe Renaisans dapat dianggap sebagai master Jerman yang luar biasa A. Durer, yang tanpa sadar mempertahankan spiritualitas Gotik. Perpecahan total dengan gaya Gotik dicapai oleh G. Holbein the Younger dengan “objektivitas” gaya melukisnya. Sebaliknya, lukisan M. Grunewald dipenuhi dengan keagungan agama. Renaisans Jerman merupakan karya seniman satu generasi dan gagal pada tahun 1540-an. Di Belanda pada sepertiga pertama abad ke-16. Arus yang berorientasi pada High Renaissance dan Mannerisme Italia mulai menyebar (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley, dll). Hal yang paling menarik dalam seni lukis Belanda abad ke-16. - inilah perkembangan genre lukisan kuda-kuda, sehari-hari dan lanskap (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). Seniman paling orisinal secara nasional pada tahun 1550-an–1560-an adalah P. Bruegel the Elder, yang memiliki lukisan bergenre kehidupan sehari-hari dan lanskap, serta lukisan perumpamaan, yang biasanya dikaitkan dengan cerita rakyat dan pandangan yang sangat ironis tentang kehidupan seniman itu sendiri. Renaisans di Belanda berakhir pada tahun 1560-an. Renaisans Prancis, yang sepenuhnya bersifat sopan (di Belanda dan Jerman, seni lebih dikaitkan dengan kaum burgher), mungkin merupakan yang paling klasik di Renaisans Utara. Seni Renaisans baru, yang secara bertahap memperoleh kekuatan di bawah pengaruh Italia, mencapai kematangan pada pertengahan - paruh kedua abad ini dalam karya arsitek P. Lescot, pencipta Louvre, F. Delorme, pematung J. Goujon dan J .Pilon, pelukis F. Clouet, J. Sepupu Senior. “Sekolah Fontainebleau”, yang didirikan di Prancis oleh seniman Italia Rosso dan Primaticcio, yang bekerja dengan gaya tingkah laku, memiliki pengaruh besar pada pelukis dan pematung yang disebutkan di atas, tetapi para master Prancis tidak menjadi tingkah laku, setelah menerima gaya klasik. ideal tersembunyi di bawah kedok tingkah laku. Renaisans dalam seni Prancis berakhir pada tahun 1580-an. Pada paruh kedua abad ke-16. seni Renaisans di Italia dan negara-negara Eropa lainnya secara bertahap digantikan oleh tingkah laku dan barok awal.
Sains.
Kondisi terpenting bagi skala dan pencapaian revolusioner ilmu pengetahuan Renaisans adalah pandangan dunia yang humanistik, di mana aktivitas menjelajahi dunia dipahami sebagai komponen takdir manusia di dunia. Di dalamnya kita harus menambahkan kebangkitan ilmu pengetahuan kuno. Kebutuhan navigasi, penggunaan artileri, pembuatan struktur hidrolik, dll. Memainkan peran penting dalam pembangunan. Penyebaran pengetahuan ilmiah dan pertukarannya antar ilmuwan tidak mungkin terjadi tanpa penemuan mesin cetak kira-kira. 1445.
Prestasi pertama di bidang matematika dan astronomi dimulai pada pertengahan abad ke-15. dan sebagian besar dikaitkan dengan nama G. Peyerbach (Purbach) dan I. Muller (Regiomontanus). Müller menciptakan tabel astronomi baru yang lebih canggih (menggantikan tabel Alfonsian abad ke-13) - “Ephemerides” (diterbitkan pada 1492), yang digunakan oleh Columbus, Vasco da Gama, dan navigator lainnya dalam perjalanan mereka. Kontribusi signifikan terhadap perkembangan aljabar dan geometri dibuat oleh ahli matematika Italia pada pergantian abad L. Pacioli. Pada abad ke-16 N. Tartaglia dan G. Cardano dari Italia menemukan cara baru untuk menyelesaikan persamaan derajat ketiga dan keempat.
Peristiwa ilmiah terpenting abad ke-16. adalah revolusi Copernicus dalam astronomi. Astronom Polandia Nicolaus Copernicus dalam risalahnya Tentang revolusi bola langit(1543) menolak gambaran geosentris Ptolemeus-Aristotelian yang dominan tentang dunia dan tidak hanya mendalilkan rotasi benda langit mengelilingi Matahari, dan Bumi pada porosnya, tetapi juga untuk pertama kalinya menunjukkan secara rinci (geosentrisme sebagai dugaan lahir di Yunani Kuno) bagaimana, berdasarkan sistem seperti itu, dimungkinkan untuk menjelaskan - jauh lebih baik dari sebelumnya - semua data pengamatan astronomi. Pada abad ke-16 sistem dunia baru, secara umum, tidak mendapat dukungan dari komunitas ilmiah. Hanya Galileo yang memberikan bukti meyakinkan akan kebenaran teori Copernicus.
Berdasarkan pengalaman, beberapa ilmuwan abad ke-16 (di antaranya Leonardo, B. Varchi) menyatakan keraguannya terhadap hukum mekanika Aristotelian, yang berkuasa hingga saat itu, tetapi tidak menawarkan solusi mereka sendiri terhadap masalah tersebut (kemudian Galileo akan melakukan ini) . Praktik penggunaan artileri berkontribusi pada perumusan dan pemecahan masalah ilmiah baru: Tartaglia dalam risalahnya Ilmu baru mempertimbangkan masalah balistik. Teori pengungkit dan bobot dipelajari oleh Cardano. Leonardo da Vinci menjadi pendiri hidrolika. Penelitian teoritisnya berkaitan dengan konstruksi struktur hidrolik, pekerjaan reklamasi lahan, pembangunan kanal, dan perbaikan kunci. Dokter Inggris W. Gilbert memprakarsai studi tentang fenomena elektromagnetik dengan menerbitkan sebuah esai Tentang magnetnya(1600), di mana dia menjelaskan sifat-sifatnya.
Sikap kritis terhadap otoritas dan ketergantungan pada pengalaman terlihat jelas dalam bidang kedokteran dan anatomi. Flemish A. Vesalius dalam karyanya yang terkenal Tentang struktur tubuh manusia(1543) mendeskripsikan tubuh manusia secara detail, mengandalkan berbagai pengamatannya saat membedah mayat, mengkritik Galen dan otoritas lainnya. Pada awal abad ke-16. Seiring dengan alkimia, iatrokimia muncul - kimia obat, yang mengembangkan obat-obatan baru. Salah satu pendirinya adalah F. von Hohenheim (Paracelsus). Menolak prestasi para pendahulunya, ia sebenarnya tidak jauh dari teori, namun sebagai praktisi ia memperkenalkan sejumlah obat baru.
Pada abad ke-16 Mineralogi, botani, dan zoologi berkembang (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona), yang pada zaman Renaisans berada pada tahap pengumpulan fakta. Peran utama dalam pengembangan ilmu-ilmu ini dimainkan oleh laporan-laporan para peneliti negara-negara baru, yang berisi deskripsi flora dan fauna.
Pada abad ke-15 Kartografi dan geografi berkembang secara aktif, kesalahan Ptolemy diperbaiki berdasarkan data abad pertengahan dan modern. Pada tahun 1490 M. Beheim menciptakan bola dunia pertama. Pada akhir abad ke-15 – awal abad ke-16. Pencarian orang Eropa terhadap jalur laut antara India dan Cina, kemajuan dalam kartografi dan geografi, astronomi dan pembuatan kapal mencapai puncaknya dengan ditemukannya pantai Amerika Tengah oleh Columbus, yang percaya bahwa ia telah mencapai India (benua bernama Amerika pertama kali muncul di Waldseemüller's peta pada tahun 1507). Pada tahun 1498, Vasco da Gama dari Portugis mencapai India, mengelilingi Afrika. Gagasan mencapai India dan Cina melalui jalur barat diwujudkan oleh ekspedisi Spanyol Magellan - El Cano (1519–1522), yang mengelilingi Amerika Selatan dan melakukan perjalanan keliling dunia pertama (kebulatan bumi terbukti dalam praktek!). Pada abad ke-16 Masyarakat Eropa yakin bahwa “dunia saat ini benar-benar terbuka dan seluruh umat manusia dikenal.” Penemuan-penemuan besar mengubah geografi dan mendorong perkembangan kartografi.
Ilmu pengetahuan Renaisans berdampak kecil pada kekuatan produktif yang berkembang seiring dengan perbaikan tradisi secara bertahap. Pada saat yang sama, keberhasilan astronomi, geografi, dan kartografi menjadi prasyarat terpenting bagi Penemuan Geografis Hebat, yang menyebabkan perubahan mendasar dalam perdagangan dunia, ekspansi kolonial, dan revolusi harga di Eropa. Pencapaian ilmu pengetahuan pada masa Renaisans menjadi syarat penting bagi lahirnya ilmu pengetahuan klasik di zaman modern.
Dmitry Samotovinsky
Renaisans membawa perubahan besar di semua bidang kebudayaan - filsafat, sains, dan seni. Salah satunya adalah. yang semakin independen dari agama, tidak lagi menjadi “pelayan teologi”, meskipun masih jauh dari kemandirian penuh. Seperti di bidang kebudayaan lainnya, ajaran para pemikir kuno, terutama Plato dan Aristoteles, dihidupkan kembali dalam filsafat. Marsilio Ficino mendirikan Akademi Platonis di Florence dan menerjemahkan karya-karya besar Yunani ke dalam bahasa Latin. Ide-ide Aristoteles kembali ke Eropa lebih awal, sebelum Renaisans. Pada masa Renaisans, menurut Luther, dialah, bukan Kristus, yang “memerintah di universitas-universitas Eropa.”
Bersama dengan ajaran kuno, itu filsafat alam, atau filsafat alam. Hal ini dikhotbahkan oleh para filsuf seperti B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Karya-karya mereka mengembangkan gagasan bahwa filsafat seharusnya mempelajari bukan Tuhan yang supernatural, tetapi alam itu sendiri, bahwa alam mematuhi hukum internalnya sendiri, bahwa dasar pengetahuan adalah pengalaman dan observasi, dan bukan wahyu ilahi, bahwa manusia adalah bagian dari alam.
Penyebaran pandangan filsafat alam difasilitasi oleh ilmiah bukaan. Yang utama adalah teori heliosentris N. Copernicus, yang membuat revolusi nyata dalam gagasan tentang dunia.
Namun perlu dicatat bahwa pandangan ilmiah dan filosofis pada masa itu masih sangat dipengaruhi oleh agama dan teologi. Pandangan seperti ini sering kali mengambil bentuk panteisme, di mana keberadaan Tuhan tidak disangkal, tetapi Dia larut dalam alam dan diidentikkan dengannya. Untuk ini kita juga harus menambahkan pengaruh dari apa yang disebut ilmu gaib - astrologi, alkimia, mistisisme, sihir, dll. Semua ini terjadi bahkan pada filsuf seperti D. Bruno.
Perubahan paling signifikan yang dibawa oleh Renaisans adalah seni budaya, seni. Di wilayah inilah perpecahan dengan Abad Pertengahan menjadi paling mendalam dan radikal.
Pada Abad Pertengahan, seni sebagian besar bersifat terapan; seni dijalin ke dalam kehidupan itu sendiri dan seharusnya menghiasinya. Selama Renaisans, seni untuk pertama kalinya memperoleh nilai intrinsik; seni menjadi bidang keindahan yang mandiri. Pada saat yang sama, perasaan estetika yang murni artistik terbentuk pada pemirsa yang melihatnya untuk pertama kalinya, kecintaan terhadap seni demi seni itu sendiri, dan bukan untuk tujuan yang dilayaninya, terbangun untuk pertama kalinya.
Belum pernah seni menikmati kehormatan dan rasa hormat yang begitu tinggi. Bahkan di Yunani kuno, karya seorang seniman secara signifikan lebih rendah signifikansi sosialnya dibandingkan karya seorang politisi dan warga negara. Artis itu menempati tempat yang lebih sederhana di Roma kuno.
Sekarang tempat dan peran artis di masyarakat semakin meningkat tak terkira. Untuk pertama kalinya, ia dipandang sebagai seorang profesional, ilmuwan dan pemikir yang independen dan dihormati, serta individu yang unik. Selama Renaisans, seni dianggap sebagai salah satu sarana pengetahuan yang paling kuat dan, oleh karena itu, disamakan dengan sains. Leonardo da Vinci memandang sains dan seni sebagai dua cara yang setara dalam mempelajari alam. Ia menulis: “Lukisan adalah ilmu pengetahuan dan putri sah alam.”
Seni sebagai kreativitas bahkan lebih dihargai. Dari segi kemampuan kreatifnya, seniman Renaisans disamakan dengan Tuhan Sang Pencipta. Oleh karena itu jelas mengapa Raphael menerima tambahan “Ilahi” pada namanya. Untuk alasan yang sama, “Komedi” Dante juga disebut “Ilahi”.
Perubahan besar sedang terjadi dalam seni itu sendiri. Ini membuat perubahan yang menentukan dari simbol dan tanda abad pertengahan ke gambar yang realistis dan gambar yang dapat diandalkan. Sarana ekspresi seni menjadi baru. Mereka sekarang didasarkan pada perspektif linier dan udara, volume tiga dimensi, dan doktrin proporsi. Seni berusaha dalam segala hal untuk menjadi kenyataan, untuk mencapai objektivitas, keaslian dan vitalitas.
Renaisans terutama terjadi di Italia. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika di Italia seni mencapai puncak dan perkembangan tertingginya selama periode ini. Di sinilah terdapat puluhan nama para raksasa, jenius, seniman hebat dan berbakat. Ada juga nama-nama besar di negara lain, tapi Italia tak tertandingi.
Renaisans Italia biasanya memiliki beberapa tahapan:
- Proto-Renaissance: paruh kedua abad ke-13. - abad XIV
- Renaisans Awal: hampir seluruh abad ke-15.
- Renaisans Tinggi: akhir abad ke-15. - sepertiga pertama abad ke-16.
- Renaisans Akhir: dua pertiga terakhir abad ke-16.
Tokoh utama Proto-Renaissance adalah penyair Dante Alighieri (1265-1321) dan pelukis Giotto (1266/67-1337).
Nasib memberi Dante banyak cobaan. Dia dianiaya karena partisipasinya dalam perjuangan politik, dia mengembara, dan meninggal di negeri asing, di Ravenna. Kontribusinya terhadap budaya melampaui puisi. Ia tidak hanya menulis lirik cinta, tetapi juga risalah filosofis dan politik. Dante adalah pencipta bahasa sastra Italia. Ia kadang-kadang disebut sebagai penyair terakhir Abad Pertengahan dan penyair pertama Zaman Modern. Kedua prinsip ini - lama dan baru - memang terjalin erat dalam karyanya.
Karya pertama Dante - "New Life" dan "Feast" - adalah puisi liris berisi cinta, didedikasikan untuk Beatrice kesayangannya, yang pernah ia temui di Florence dan meninggal tujuh tahun setelah pertemuan mereka. Penyair menyimpan cintanya selama sisa hidupnya. Dari segi genre, lirik Dante sejalan dengan puisi keraton abad pertengahan, yang objek nyanyiannya adalah gambar “Wanita Cantik”. Namun, perasaan yang diungkapkan penyair sudah termasuk dalam zaman Renaisans. Hal itu disebabkan oleh pertemuan dan peristiwa nyata, penuh dengan kehangatan yang tulus, dan ditandai oleh kepribadian yang unik.
Puncak kreativitas Dante adalah "Komedi Ilahi"", yang menempati tempat khusus dalam sejarah kebudayaan dunia. Dalam konstruksinya, puisi ini juga sejalan dengan tradisi abad pertengahan. Ini menceritakan tentang petualangan seorang pria yang menemukan dirinya di akhirat. Puisi ini terdiri dari tiga bagian - Neraka, Api Penyucian dan Surga, yang masing-masing berisi 33 lagu yang ditulis dalam bait tiga baris.
Angka “tiga” yang diulang secara langsung menggemakan doktrin Kristen tentang Tritunggal. Sepanjang cerita, Dante dengan ketat mengikuti banyak persyaratan agama Kristen. Secara khusus, dia tidak mengizinkan rekannya melalui sembilan lingkaran neraka dan api penyucian - penyair Romawi Virgil - ke surga, karena seorang penyembah berhala kehilangan hak tersebut. Di sini sang penyair ditemani oleh almarhum kekasihnya Beatrice.
Namun, dalam pemikiran dan penilaiannya, dalam sikapnya terhadap karakter yang digambarkan dan dosa-dosanya. Dante seringkali dan sangat menyimpang dari ajaran Kristen. Jadi. alih-alih mengutuk cinta sensual sebagai dosa, ia berbicara tentang “hukum cinta,” yang menurutnya cinta sensual termasuk dalam hakikat kehidupan itu sendiri. Dante memperlakukan cinta Francesca dan Paolo dengan pengertian dan simpati. meski cinta mereka ada hubungannya dengan pengkhianatan Francesca terhadap suaminya. Semangat Renaisans juga berjaya dalam diri Dante dalam kasus-kasus lain.
Di antara penyair Italia terkemuka juga Francesco Petrarca. Dalam budaya dunia dia dikenal terutama karena karyanya soneta. Pada saat yang sama, ia adalah seorang pemikir, filsuf, dan sejarawan yang luas. Dia dianggap sebagai pendiri seluruh budaya Renaisans.
Karya Petrarch juga sebagian berada dalam kerangka lirik sopan abad pertengahan. Seperti Dante, dia memiliki kekasih bernama Laura, yang kepadanya dia mendedikasikan “Buku Lagu” miliknya. Pada saat yang sama, Petrarch dengan tegas memutuskan hubungan dengan budaya abad pertengahan. Dalam karya-karyanya, perasaan yang diungkapkan - cinta, kesakitan, keputusasaan, kerinduan - tampak jauh lebih akut dan telanjang. Unsur pribadi lebih kuat dalam diri mereka.
Perwakilan sastra terkemuka lainnya adalah Giovanni Boccaccio(1313-1375). penulis terkenal di dunia Dekameron." Boccaccio meminjam prinsip membangun kumpulan cerita pendek dan garis besar plotnya dari Abad Pertengahan. Segala sesuatu yang lain dipenuhi dengan semangat Renaisans.
Tokoh utama cerpen adalah orang-orang biasa dan biasa saja. Mereka ditulis dalam bahasa sehari-hari yang sangat cerah, hidup. Tidak ada moral yang membosankan di dalamnya; sebaliknya, banyak cerita pendek yang benar-benar berkilau dengan cinta hidup dan kesenangan. Plot beberapa di antaranya bersifat cinta dan erotis. Selain Decameron, Boccaccio juga menulis cerita Fiametta, yang dianggap sebagai novel psikologi pertama dalam sastra Barat.
Giotto di Bondone adalah perwakilan paling menonjol dari Proto-Renaisans Italia dalam seni rupa. Genre utamanya adalah lukisan fresco. Semuanya ditulis berdasarkan subjek alkitabiah dan mitologis, menggambarkan adegan-adegan dari kehidupan Keluarga Kudus, penginjil, dan orang-orang kudus. Namun penafsiran plot-plot tersebut jelas didominasi oleh prinsip Renaisans. Dalam karyanya, Giotto meninggalkan konvensi abad pertengahan dan beralih ke realisme dan verisimilitude. Dialah yang berjasa menghidupkan kembali lukisan sebagai nilai seni tersendiri.
Karya-karyanya menggambarkan pemandangan alam dengan cukup realistis, di mana pepohonan, bebatuan, dan candi terlihat jelas. Semua karakter yang berpartisipasi, termasuk orang-orang kudus itu sendiri, tampil sebagai manusia yang hidup, diberkahi dengan daging fisik, perasaan dan nafsu manusia. Pakaian mereka menggambarkan bentuk alami tubuh mereka. Karya Giotto dicirikan oleh warna cerah dan keindahan, plastisitas halus.
Karya utama Giotto adalah lukisan Chapel del Arena di Padua, yang menceritakan tentang peristiwa-peristiwa dalam kehidupan Keluarga Suci. Yang paling mengesankan adalah siklus dinding, yang mencakup adegan “The Flight into Egypt,” “The Kiss of Judas,” dan “The Lamentation of Christ.”
Semua karakter yang digambarkan dalam lukisan terlihat natural dan dapat diandalkan. Posisi tubuh, gerak tubuh, keadaan emosi, pandangan sekilas, wajah mereka - semua ini ditunjukkan dengan persuasif psikologis yang langka. Pada saat yang sama, perilaku setiap orang sangat sesuai dengan peran yang ditugaskan kepada mereka. Setiap adegan memiliki suasana yang unik.
Jadi, dalam adegan “Penerbangan ke Mesir”, nada emosional yang terkendali dan umumnya tenang muncul. "The Kiss of Judas" dipenuhi dengan dinamisme badai, tindakan tajam dan tegas dari karakter yang benar-benar bergulat satu sama lain. Dan hanya dua peserta utama - Yudas dan Kristus - yang membeku tanpa bergerak dan bertarung dengan mata mereka.
Adegan “Mourning of Christ” ditandai dengan drama khusus. Dia dipenuhi dengan keputusasaan yang tragis, rasa sakit dan penderitaan yang tak tertahankan, kesedihan dan kesedihan yang tidak dapat dihibur.
Renaisans Awal akhirnya terbentuk prinsip-prinsip estetika dan artistik seni yang baru. Pada saat yang sama, cerita-cerita alkitabiah masih sangat populer. Namun, penafsiran mereka menjadi sangat berbeda; hanya sedikit yang tersisa dari Abad Pertengahan di dalamnya.
Tanah air Renaisans Awal Florence menjadi, dan arsiteknya dianggap sebagai “bapak Renaisans” Philippe Brunelleschi(1377-1446), pematung Donatello(1386-1466). pelukis Masaccio (1401 -1428).
Brunelleschi memberikan kontribusi yang sangat besar terhadap perkembangan arsitektur. Dia meletakkan dasar arsitektur Renaisans dan menemukan bentuk-bentuk baru yang bertahan selama berabad-abad. Dia melakukan banyak hal untuk mengembangkan hukum perspektif.
Karya Brunelleschi yang paling penting adalah pendirian kubah di atas struktur Katedral Santa Maria del Fiore di Florence yang sudah selesai dibangun. Dia dihadapkan pada tugas yang sangat sulit, karena kubah yang dibutuhkan harus berukuran besar - diameter sekitar 50 m. Dengan bantuan desain orisinal, dia dengan cemerlang mengatasi situasi sulit. Berkat solusi yang ditemukan, tidak hanya kubahnya sendiri yang ternyata sangat ringan dan seolah-olah melayang di atas kota, namun seluruh bangunan katedral memperoleh harmoni dan keagungan.
Karya Brunelleschi yang tak kalah indahnya adalah Kapel Pazzi yang terkenal, yang didirikan di halaman Gereja Santa Croce di Florence. Ini adalah bangunan kecil berbentuk persegi panjang, bagian tengahnya ditutupi dengan kubah. Bagian dalamnya dilapisi marmer putih. Seperti bangunan Brunelleschi lainnya, kapel ini dibedakan dari kesederhanaan dan kejelasannya, keanggunan dan keanggunannya.
Karya Brunelleschi luar biasa karena ia melampaui bangunan keagamaan dan menciptakan bangunan arsitektur sekuler yang megah. Contoh yang sangat baik dari arsitektur tersebut adalah rumah penampungan pendidikan, dibangun dalam bentuk huruf "P", dengan galeri-loggia tertutup.
Pematung Florentine, Donatello, adalah salah satu pencipta awal Renaisans Awal yang paling menonjol. Dia bekerja dalam berbagai genre, menunjukkan inovasi sejati di mana-mana. Dalam karyanya, Donatello menggunakan warisan kuno, mengandalkan studi mendalam tentang alam, dengan berani memperbarui sarana ekspresi artistik.
Ia berpartisipasi dalam pengembangan teori perspektif linier, menghidupkan kembali potret pahatan dan gambar tubuh telanjang, serta membuat monumen perunggu pertama. Citra yang ia ciptakan merupakan perwujudan cita-cita humanistik dari kepribadian yang berkembang secara harmonis. Dengan karyanya, Donatello memberikan pengaruh yang besar terhadap perkembangan seni patung Eropa selanjutnya.
Keinginan Donatello untuk mengidealkan orang yang digambarkan terlihat jelas dalam patung David muda. Dalam karya tersebut, David tampil sebagai seorang pemuda cantik jelita yang penuh kekuatan mental dan fisik. Keindahan tubuh telanjangnya dipertegas dengan lekuk tubuhnya yang anggun. Wajah muda mengungkapkan perhatian dan kesedihan. Patung ini diikuti oleh serangkaian figur telanjang dalam patung Renaisans.
Prinsip heroik terdengar kuat dan jelas di dalamnya patung St. George, yang menjadi salah satu puncak kreativitas Donatello. Di sini ia berhasil mewujudkan gagasan kepribadian yang kuat. Di hadapan kita adalah seorang pejuang yang tinggi, ramping, berani, tenang dan percaya diri. Dalam karya ini, sang master secara kreatif mengembangkan tradisi terbaik patung kuno.
Karya klasik Donatello adalah patung perunggu komandan Gattamelatta, monumen berkuda pertama dalam seni Renaisans. Di sini pematung hebat mencapai tingkat generalisasi artistik dan filosofis tertinggi, yang membawa karya ini lebih dekat ke zaman kuno.
Pada saat yang sama, Donatello menciptakan potret kepribadian yang spesifik dan unik. Komandan tampil sebagai pahlawan Renaisans sejati, orang yang berani, tenang, dan percaya diri. Patung ini dibedakan dari bentuknya yang singkat, plastisitas yang jelas dan tepat, serta kealamian pose penunggang dan kudanya. Berkat ini, monumen ini telah menjadi mahakarya patung monumental yang sesungguhnya.
Pada periode terakhir karyanya, Donatello menciptakan grup perunggu “Judith and Holofernes”. Karya ini sarat dengan dinamika dan drama: Judith digambarkan pada saat ia mengangkat pedangnya ke atas Holofernes yang sudah terluka. untuk menghabisinya.
Masaccio dianggap sebagai salah satu tokoh utama Renaisans Awal. Ia melanjutkan dan mengembangkan tren yang datang dari Giotto. Masaccio hanya hidup 27 tahun dan hanya mampu berbuat sedikit. Namun, lukisan dinding yang ia ciptakan menjadi sekolah seni lukis nyata bagi seniman Italia berikutnya. Menurut Vasari, seorang kontemporer dari Renaisans Tinggi dan seorang kritikus yang berwibawa, “tidak ada master yang bisa menyamai master modern seperti Masaccio.”
Kreasi utama Masaccio adalah lukisan dinding di Kapel Brancacci Gereja Santa Maria del Carmine di Florence, menceritakan tentang episode-episode dari legenda Santo Petrus, dan juga menggambarkan dua adegan alkitabiah - “Kejatuhan” dan “Pengusiran dari Surga. ”
Meskipun lukisan-lukisan dinding menceritakan tentang mukjizat yang dilakukan oleh St. Peter, tidak ada yang supernatural atau mistis di dalamnya. Kristus, Petrus, para rasul, dan peserta lain dalam peristiwa tersebut yang digambarkan tampaknya adalah orang-orang yang sepenuhnya duniawi. Mereka diberkahi dengan ciri-ciri individu dan berperilaku sepenuhnya alami dan manusiawi. Khususnya, dalam adegan “Pembaptisan”, seorang pemuda telanjang yang menggigil kedinginan ditampilkan dengan sangat andal. Masaccio membangun komposisinya tidak hanya menggunakan perspektif linier, tetapi juga perspektif udara.
Dari keseluruhan siklus, hal ini patut mendapat perhatian khusus lukisan dinding "Pengusiran dari Surga". Ini adalah mahakarya seni lukis yang sesungguhnya. Lukisan dindingnya sangat singkat, tidak ada yang berlebihan di dalamnya. Dengan latar belakang pemandangan yang samar-samar, terlihat jelas sosok Adam dan Hawa yang meninggalkan gerbang surga, di atasnya melayang bidadari dengan pedang. Semua perhatian terfokus pada Ibu dan Eva.
Masaccio adalah orang pertama dalam sejarah seni lukis yang mampu melukis tubuh telanjang dengan begitu meyakinkan dan autentik, menyampaikan proporsi alaminya, memberikan stabilitas dan pergerakan. Keadaan batin para karakter juga sama meyakinkan dan diungkapkan dengan jelas. Berjalan lebar, Adam menundukkan kepalanya karena malu dan menutupi wajahnya dengan tangannya. Terisak-isak Eve menundukkan kepalanya karena putus asa dengan mulut terbuka. Lukisan dinding ini membuka era baru dalam seni.
Apa yang dilakukan Masaccio dilanjutkan oleh seniman-seniman seperti Andrea Mantegna(1431 -1506) dan Sandro Botticelli(1455-1510). Yang pertama menjadi terkenal terutama karena lukisannya, di antaranya tempat khusus ditempati oleh lukisan dinding yang menceritakan tentang episode terakhir kehidupan St. Jacob - prosesi menuju eksekusi dan eksekusi itu sendiri. Botticelli lebih menyukai lukisan kuda-kuda. Lukisannya yang paling terkenal adalah “Spring” dan “The Birth of Venus”.
Sejak akhir abad ke-15, ketika seni Italia mencapai puncaknya, Renaisans Tinggi. Bagi Italia, periode ini ternyata sangat sulit. Terfragmentasi dan karenanya tidak berdaya, wilayah ini benar-benar hancur, dijarah, dan dirusak oleh invasi dari Perancis, Spanyol, Jerman, dan Turki. Namun, seni pada periode ini, anehnya, mengalami perkembangan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Pada saat inilah raksasa seperti Leonardo da Vinci diciptakan. Raphael. Michelangelo, Titian.
Dalam arsitektur, permulaan High Renaissance dikaitkan dengan kreativitas Donato Bramante(1444-1514). Dialah yang menciptakan gaya yang menentukan perkembangan arsitektur pada masa ini.
Salah satu karya awalnya adalah gereja biara Santa Maria della Grazie di Milan, di ruang makan tempat Leonardo da Vinci melukis lukisan dindingnya yang terkenal “Perjamuan Terakhir”. Ketenarannya dimulai dengan sebuah kapel kecil bernama Tempetto(1502), dibangun di Roma dan menjadi semacam "manifesto" dari High Renaissance. Kapel berbentuk rotunda; dibedakan dari kesederhanaan arsitekturnya, keselarasan bagian-bagiannya, dan ekspresi yang langka. Ini adalah mahakarya kecil yang nyata.
Puncak karya Bramante adalah rekonstruksi Vatikan dan transformasi bangunannya menjadi satu kesatuan. Ia juga mengembangkan desain Katedral St. Peter, yang mana Michelangelo akan melakukan perubahan dan mulai menerapkannya.
Lihat juga: Michelangelo Buonarroti
Tempat khusus ditempati dalam seni Renaisans Italia Venesia. Sekolah yang berkembang di sini sangat berbeda dengan sekolah di Florence, Roma, Milan atau Bologna. Yang terakhir ini tertarik pada tradisi dan kesinambungan yang stabil; mereka tidak cenderung pada pembaruan radikal. Pada aliran-aliran inilah klasisisme abad ke-17 bersandar. dan neoklasikisme pada abad-abad berikutnya.
Sekolah Venesia bertindak sebagai semacam penyeimbang dan antipode bagi mereka. Semangat inovasi dan pembaruan radikal dan revolusioner berkuasa di sini. Dari perwakilan sekolah Italia lainnya, Leonardo paling dekat dengan Venesia. Mungkin di sinilah hasratnya terhadap pencarian dan eksperimen dapat dipahami dan diakui. Dalam perselisihan terkenal antara seniman “lama dan baru”, seniman baru mengandalkan contoh Venesia. Dari sinilah muncul aliran-aliran yang mengarah pada Barok dan Romantisisme. Dan meskipun kaum Romantis memuja Raphael, dewa mereka yang sebenarnya adalah Titian dan Veronese. Di Venesia, El Greco menerima muatan kreatifnya, yang memungkinkannya mengguncang lukisan Spanyol. Velázquez melewati Venesia. Hal yang sama dapat dikatakan tentang seniman Flemish Rubens dan Van Dyck.
Sebagai kota pelabuhan, Venesia berada di persimpangan jalur ekonomi dan perdagangan. Itu dipengaruhi oleh Jerman Utara, Bizantium dan Timur. Venesia telah menjadi tempat ziarah bagi banyak seniman. A. Durer berada di sini dua kali - pada akhir abad ke-15. dan awal abad ke-16. Goethe mengunjunginya (1790). Wagner mendengarkan nyanyian para pendayung gondola di sini (1857), di bawah inspirasinya ia menulis babak kedua Tristan dan Isolde. Nietzsche juga mendengarkan nyanyian para pendayung gondola, menyebutnya nyanyian jiwa.
Kedekatannya dengan laut lebih memunculkan bentuk-bentuk cair dan bergerak daripada struktur geometris yang jelas. Venesia tidak terlalu tertarik pada alasan dengan aturannya yang ketat, tetapi pada perasaan, yang darinya puisi seni Venesia yang menakjubkan lahir. Fokus puisi ini adalah alam - materialitasnya yang terlihat dan nyata, wanita - keindahan dagingnya yang menggairahkan, musik - lahir dari permainan warna dan cahaya dan dari suara alam spiritual yang mempesona.
Para seniman aliran Venesia memberikan preferensi bukan pada bentuk dan desain, tetapi pada warna, permainan cahaya dan bayangan. Menggambarkan alam, mereka berusaha menyampaikan impuls dan pergerakannya, variabilitas dan fluiditasnya. Mereka melihat keindahan tubuh perempuan bukan dari keselarasan bentuk dan proporsinya, melainkan dari dagingnya yang hidup dan berperasaan.
Masuk akal dan keaslian yang realistis tidak cukup bagi mereka. Mereka berusaha mengungkap kekayaan yang melekat pada seni lukis itu sendiri. Venesialah yang berhak menemukan prinsip gambar murni, atau keindahan dalam bentuknya yang murni. Seniman Venesia adalah orang pertama yang menunjukkan kemungkinan memisahkan gambar dari objek dan bentuk, kemungkinan memecahkan masalah lukisan dengan bantuan satu warna, sarana bergambar murni, kemungkinan menganggap gambar sebagai tujuan itu sendiri. Semua lukisan selanjutnya, berdasarkan ekspresi dan ekspresi, akan mengikuti jalan ini. Menurut beberapa ahli, dari Titian seseorang dapat melanjutkan ke Rubens dan Rembrandt, lalu ke Delacroix, dan dari dia ke Gauguin, Van Gogh, Cezanne, dll.
Pendiri sekolah Venesia adalah Giorgione(1476-1510). Dalam karyanya ia berperan sebagai inovator sejati. Prinsip sekuler akhirnya menang atas dirinya, dan alih-alih membahas subjek alkitabiah, ia lebih memilih menulis bertema mitologi dan sastra. Dalam karyanya terdapat lukisan kuda-kuda yang tidak lagi menyerupai ikon atau gambar altar.
Giorgione membuka era baru dalam seni lukis, menjadi orang pertama yang melukis dari kehidupan. Menggambarkan alam, untuk pertama kalinya ia mengalihkan penekanan pada mobilitas, variabilitas, dan fluiditas. Contoh yang bagus dari hal ini adalah lukisannya “Badai Petir”. Giorgione-lah yang mulai mencari rahasia melukis dalam cahaya dan transisinya, dalam permainan cahaya dan bayangan, bertindak sebagai pendahulu Caravaggio dan Caravaggisme.
Giorgione menciptakan karya dengan genre dan tema berbeda - “Konser Pedesaan” dan “Judith”. Karyanya yang paling terkenal adalah "Venus Tidur"" Gambar ini tidak memiliki plot apa pun. Dia mengagungkan keindahan dan pesona tubuh perempuan telanjang, mewakili “ketelanjangan demi kepentingannya sendiri.”
Kepala sekolah Venesia adalah Titian(c.1489-1576). Karyanya - bersama dengan karya Leonardo, Raphael dan Michelangelo - adalah puncak seni Renaisans. Sebagian besar masa hidupnya dihabiskan pada zaman Renaisans Akhir.
Dalam karya Titian, seni Renaisans mencapai puncaknya dan berkembang. Karya-karyanya menggabungkan pencarian kreatif dan inovasi Leonardo, keindahan dan kesempurnaan Raphael, kedalaman spiritual, drama dan tragedi Michelangelo. Mereka dicirikan oleh sensualitas yang luar biasa, karena itu mereka memiliki dampak yang kuat pada pemirsanya. Karya-karya Titian ternyata sangat musikal dan melodis.
Seperti yang dicatat Rubens, lukisan Titian memperoleh cita rasa tersendiri, dan menurut Delacroix dan Van Gogh, musik. Kanvasnya dilukis dengan guratan terbuka yang ringan, bebas, dan transparan. Dalam karya-karyanya warna seolah-olah larut dan menyerap bentuk, dan prinsip gambar untuk pertama kalinya memperoleh otonomi dan muncul dalam bentuknya yang murni. Realisme dalam karya-karyanya berubah menjadi lirik yang menawan dan halus.
Dalam karya-karya periode pertama, Titian mengagungkan kegembiraan hidup tanpa beban, kenikmatan barang-barang duniawi. Dia mengagungkan prinsip sensual, daging manusia yang penuh dengan kesehatan, keindahan tubuh yang abadi, kesempurnaan fisik manusia. Lukisannya seperti “Cinta Duniawi dan Surgawi”, “Pesta Venus”, “Bacchus dan Ariadne”, “Danae”, “Venus dan Adonis” didedikasikan untuk ini.
Prinsip sensual mendominasi gambar “Magdalena yang menyesal”, meskipun didedikasikan untuk situasi dramatis. Namun di sini juga, pendosa yang bertobat memiliki daging yang sensual, tubuh menawan yang memancarkan cahaya, bibir penuh dan sensual, pipi kemerahan dan rambut keemasan. Kanvas “Boy with Dogs” dipenuhi dengan lirik yang penuh perasaan.
Dalam karya-karya periode kedua, prinsip sensual tetap dipertahankan, namun dilengkapi dengan psikologi dan drama yang berkembang. Secara keseluruhan, Titian melakukan transisi bertahap dari fisik dan sensual ke spiritual dan dramatis. Perubahan yang terjadi pada karya Titian terlihat jelas dalam perwujudan tema dan subjek yang disinggung dua kali oleh seniman besar itu. Contoh tipikal dalam hal ini adalah lukisan “Saint Sebastian”. Pada versi pertama, nasib seorang penderita kesepian yang ditinggalkan orang sepertinya tidak terlalu menyedihkan. Sebaliknya, orang suci yang digambarkan diberkahi dengan vitalitas dan kecantikan fisik. Dalam versi lukisan selanjutnya, yang terletak di Hermitage, gambar yang sama mengambil ciri-ciri tragedi.
Contoh yang lebih mencolok adalah varian lukisan “The Crowning of Thorns”, yang didedikasikan untuk sebuah episode dari kehidupan Kristus. Yang pertama, disimpan di Louvre. Kristus tampil sebagai atlet yang cantik secara fisik dan kuat, mampu mengusir pemerkosa. Dalam versi Munich, yang dibuat dua puluh tahun kemudian, episode yang sama disampaikan lebih dalam, lebih kompleks, dan lebih bermakna. Kristus digambarkan dalam jubah putih, matanya tertutup, dia dengan tenang menanggung pemukulan dan penghinaan. Sekarang yang utama bukanlah penobatan dan pemukulan, bukan fenomena fisik, melainkan psikologis dan spiritual. Gambaran tersebut dipenuhi dengan tragedi yang mendalam; ia mengungkapkan kemenangan jiwa, kemuliaan spiritual atas kekuatan fisik.
Dalam karya-karya Titian selanjutnya, suara tragisnya semakin intens. Hal ini dibuktikan dengan lukisan “Ratapan Kristus”.