Sofia Asgatovna Gubaidulina. Musik untuk instrumen harpsichord dan perkusi dari koleksi Mark Pekarsky

Jadi, fokus kita hari ini adalah pada karya musik klasik paling terkenal. Musik klasik telah menggairahkan pendengarnya selama beberapa abad, menyebabkan mereka mengalami badai perasaan dan emosi. Telah lama menjadi bagian dari sejarah dan terjalin dengan masa kini dengan benang tipis.

Tidak diragukan lagi, di masa depan yang jauh, musik klasik tidak akan kalah peminatnya, karena fenomena dalam dunia musik seperti itu tidak bisa kehilangan relevansi dan signifikansinya.

Sebutkan karya klasik apa pun - karya itu akan layak mendapat tempat pertama di tangga musik mana pun. Namun karena tidak mungkin membandingkan karya musik klasik paling terkenal satu sama lain, karena keunikan artistiknya, karya-karya yang disebutkan di sini disajikan hanya sebagai karya referensi.

"Sonata Cahaya Bulan"

Ludwig van Beethoven

Pada musim panas 1801, karya brilian L.B. Beethoven, yang ditakdirkan untuk menjadi terkenal di seluruh dunia. Judul karya “Moonlight Sonata” ini sudah diketahui semua orang, baik tua maupun muda.

Namun pada awalnya, karya tersebut diberi judul “Hampir Sebuah Fantasi”, yang penulis persembahkan untuk murid mudanya, Juliet Guicciardi yang dicintainya. Dan nama yang dikenal hingga saat ini ditemukan oleh kritikus musik dan penyair Ludwig Relstab setelah kematian L.V. Beethoven. Karya ini merupakan salah satu karya musik komposer yang paling terkenal.

Ngomong-ngomong, koleksi musik klasik yang luar biasa diwakili oleh publikasi surat kabar "Komsomolskaya Pravda" - buku kompak dengan cakram untuk mendengarkan musik. Anda dapat membaca dan mendengarkan musiknya - sangat nyaman! Kami merekomendasikan pesan CD musik klasik langsung dari halaman kami : klik tombol “beli” dan segera pergi ke toko.

"Pawai Turki"

Wolfgang Amadeus Mozart

Karya ini merupakan gerakan ketiga Sonata No. 11 yang lahir pada tahun 1783. Awalnya disebut “Turkish Rondo” dan sangat populer di kalangan musisi Austria, yang kemudian mengganti namanya. Nama “Turkish March” diberikan pada karya tersebut juga karena selaras dengan orkestra Janissari Turki, yang suara perkusinya sangat khas, seperti yang dapat dilihat pada “Turkish March” oleh V.A. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Komposernya sendiri menulis karya ini untuk puisi “The Virgin of the Lake” oleh W. Scott, atau lebih tepatnya untuk penggalannya, dan tidak bermaksud untuk menulis komposisi yang begitu religius untuk Gereja. Beberapa saat setelah karya tersebut muncul, seorang musisi tak dikenal, yang terinspirasi oleh doa “Ave Maria”, menyetel teksnya ke dalam musik oleh F. Schubert yang brilian.

"Fantasi-dadakan"

Frederic Chopin

F. Chopin, seorang jenius pada masa Romantis, mendedikasikan karya ini untuk temannya. Dan dialah, Julian Fontana, yang tidak menaati instruksi penulis dan menerbitkannya pada tahun 1855, enam tahun setelah kematian sang komposer. F. Chopin percaya bahwa karyanya mirip dengan karya dadakan I. Moscheles, murid Beethoven, seorang komposer dan pianis terkenal, yang menjadi alasan penolakan untuk menerbitkan “Fantasy-Impromptus”. Namun, tidak pernah ada seorang pun yang menganggap karya brilian ini sebagai plagiarisme, kecuali penulisnya sendiri.

"Penerbangan Lebah"

Nikolay Rimsky-Korsakov

Komposer karya ini adalah penggemar cerita rakyat Rusia - dia tertarik pada dongeng. Hal ini menyebabkan terciptanya opera “The Tale of Tsar Saltan” berdasarkan cerita oleh A.S. Pushkin. Bagian dari opera ini adalah selingan “Flight of the Bumblebee”. Dengan mahir, luar biasa jelas dan cemerlang, N.A. menirukan suara terbang serangga ini dalam karyanya. Rimsky-Korsakov.

"Kelakuan No.24"

Niccolo Paganini

Awalnya penulis mengarang segala tingkahnya semata-mata untuk meningkatkan dan mengasah kemampuannya dalam bermain biola. Pada akhirnya, mereka membawa banyak hal baru dan sebelumnya tidak diketahui ke dalam musik biola. Dan caprice ke-24 - caprice terakhir yang digubah oleh N. Paganini, membawakan tarantella cepat dengan intonasi folk, dan juga diakui sebagai salah satu karya yang pernah dibuat untuk biola, yang kompleksitasnya tidak ada bandingannya.

"Vokalisasi, karya 34, no. 14"

Sergei Vasilievich Rachmaninov

Karya ini mengakhiri karya ke-34 sang komposer, yang menggabungkan empat belas lagu yang ditulis untuk suara dengan iringan piano. Vokalisasi, seperti yang diharapkan, tidak mengandung kata-kata, tetapi dilakukan dengan satu bunyi vokal. S.V. Rachmaninov mendedikasikannya untuk Antonina Nezhdanova, seorang penyanyi opera. Seringkali karya ini dibawakan dengan biola atau cello dengan iringan piano.

"Sinar bulan"

Claude Debussy

Karya ini ditulis oleh komposer berdasarkan kesan baris-baris puisi penyair Perancis Paul Verlaine. Judulnya sangat jelas menyampaikan kelembutan dan sentuhan melodi yang menyentuh jiwa pendengarnya. Karya populer komposer brilian C. Debussy ini terdengar di 120 film dari generasi berbeda.

Seperti biasanya, musik terbaik ada di grup kami di kontak .

Saya harus mengakui bahwa saya berbicara tentang harpsichord sebagai subjek yang sangat pribadi bagi saya.

Setelah tampil di sana selama hampir empat puluh tahun, saya telah mengembangkan kasih sayang yang mendalam terhadap penulis tertentu dan telah memainkan siklus lengkap dari semua yang mereka tulis untuk instrumen ini di konser. Hal ini terutama menyangkut François Couperin dan Johann Sebastian Bach.

Saya harap apa yang telah dikatakan dapat menjadi permintaan maaf atas bias saya, yang saya khawatir tidak dapat saya hindari.

PERANGKAT

Keluarga besar instrumen petik senar keyboard telah dikenal. Sumber daya tersebut bervariasi dalam ukuran, bentuk, dan suara (warna). Hampir setiap ahli yang membuat instrumen seperti itu di masa lalu mencoba menambahkan sesuatu miliknya sendiri ke dalam desainnya.
Ada banyak kebingungan tentang sebutan mereka. Secara umum, instrumen dibagi menurut bentuknya menjadi memanjang (mengingatkan pada piano kecil, tetapi dengan bentuk bersudut - grand piano memiliki bentuk bulat) dan persegi panjang. Tentu saja, perbedaan ini sama sekali tidak bersifat dekoratif: dengan posisi senar yang berbeda dibandingkan dengan keyboard, tempat pada senar di mana karakteristik pemetikan semua instrumen ini dibuat memiliki pengaruh yang sangat signifikan terhadap timbre suara.

J. Wermeer dari Delft. Wanita yang duduk di harpsichord

OKE. 1673–1675. Galeri Nasional, London Harpsichord adalah instrumen terbesar dan paling kompleks dari keluarga ini. Di Rusia sejak abad ke-18. Nama Perancis yang paling banyak digunakan untuk instrumen ini adalah harpsichord ( clavecin), tetapi ditemukan, terutama dalam praktik musik dan akademis, dan bahasa Italia - simbal ( cembalo; Nama-nama Italia juga dikenal clavicembalo, gravicembalo.

Ciri utama harpsichord dalam menghasilkan suara adalah di bagian belakang tuts terdapat apa yang disebut pelompat (atau dikenal sebagai pendorong), di bagian atasnya dipasang bulu. Saat pemusik menekan sebuah tuts, bagian belakang tuts akan terangkat (karena tuts merupakan tuas) dan pelompat akan naik, dan bulu akan memetik senarnya.

Saat kunci dilepaskan, bulu akan meluncur tanpa suara berkat pegas yang memungkinkannya sedikit membelok.

Berbagai jenis instrumen senar keyboard

Patut dicatat bahwa W. Shakespeare memberikan deskripsi tentang tindakan pelompat, dan yang sangat akurat, dalam sonetanya yang ke-128. Dari sekian banyak pilihan terjemahan, inti permainan harpsichord yang paling akurat - selain sisi artistik dan puitis - disampaikan oleh terjemahan Modest Tchaikovsky:
Saat kamu, musikku, mainkan,
Gerakkan tombol-tombol ini
Dan, membelai mereka dengan lembut dengan jari-jari Anda,
Harmoni senar menimbulkan kekaguman,
Saya melihat kuncinya dengan cemburu,
Bagaimana mereka menempel di telapak tangan Anda;
Bibir terbakar dan haus akan ciuman,
Mereka iri melihat keberanian mereka.
Oh, seandainya takdir tiba-tiba berbalik
Saya bergabung dengan barisan penari kering ini!
Saya senang tangan Anda menyentuh mereka, -
Ketiadaan jiwa mereka lebih diberkati daripada bibir orang hidup.
Tapi kalau mereka bahagia, ya

Biarkan mereka mencium jari mereka, biarkan aku mencium bibirmu.

Dari semua jenis instrumen petik senar keyboard, harpsichord adalah yang terbesar dan paling rumit. Ini digunakan baik sebagai instrumen solo maupun sebagai instrumen pengiring. Ini sangat diperlukan dalam musik barok sebagai sebuah karya ansambel. Namun sebelum berbicara tentang banyaknya repertoar instrumen ini, perlu dijelaskan lebih banyak tentang desainnya.

Pada harpsichord, semua warna (timbre) dan dinamika (yaitu, kekuatan suara) pada awalnya ditetapkan dalam instrumen itu sendiri oleh pencipta masing-masing harpsichord. Dengan cara ini, sampai batas tertentu, ia mirip dengan organ. Pada harpsichord, Anda tidak dapat mengubah suara dengan mengubah seberapa keras Anda menekan tombolnya. Sebagai perbandingan, pada piano, keseluruhan seni interpretasi terletak pada kekayaan sentuhan, yaitu pada keragaman cara menekan atau memukul tuts.

Diagram mekanisme harpsichord Beras. A:
1. Steg; 2. Peredam; 3. Pelompat (pendorong); 4. Bilah pendaftaran; 5. Steg;

6. Rangka pelompat (dorong); 7. Kunci

Tentu saja, tergantung pada kepekaan pemain harpsichordist, apakah instrumen tersebut terdengar musikal atau “seperti panci” (kira-kira begitulah yang dikatakan Voltaire). Namun kekuatan dan timbre bunyi tidak bergantung pada pemain harpsichordist, karena antara jari pemain harpsichordist dan senar terdapat mekanisme transmisi yang rumit berupa pelompat dan bulu. Sekali lagi, sebagai perbandingan: pada piano, memukul tuts secara langsung mempengaruhi aksi palu memukul senar, sedangkan pada harpsichord, efeknya pada bulu tidak langsung.

CERITA

Sejarah awal harpsichord sudah ada sejak berabad-abad yang lalu. Ini pertama kali disebutkan dalam risalah John de Muris “The Mirror of Music” (1323).

Salah satu penggambaran harpsichord paling awal ada di Weimar Book of Wonders (1440).

Untuk waktu yang lama diyakini bahwa instrumen tertua yang masih ada dibuat oleh Hieronymus dari Bologna dan bertanggal 1521. Instrumen ini disimpan di London, di Museum Victoria dan Albert. Namun baru-baru ini diketahui bahwa ada instrumen yang beberapa tahun lebih tua, juga diciptakan oleh master Italia - Vincentius dari Livigimeno. Itu diserahkan kepada Paus Leo X. Produksinya dimulai, menurut prasasti pada kasus itu, pada tanggal 18 September 1515. 1440

Piano kuno. Buku Keajaiban Weimar. Untuk menghindari suara yang monoton, pembuat harpsichord, yang sudah berada pada tahap awal pengembangan instrumen, mulai melengkapi setiap tuts bukan dengan satu senar, tetapi dengan dua, tentu saja, warna nada yang berbeda. Namun segera menjadi jelas bahwa karena alasan teknis tidak mungkin menggunakan lebih dari dua set string untuk satu keyboard. Kemudian muncul ide untuk menambah jumlah keyboard. Pada abad ke-17 Harpsichord yang paling kaya secara musik adalah instrumen dengan dua keyboard (atau dikenal sebagai manual, dari lat.

manus - "tangan").(bermain dengan menyilangkan [lengan]). “Karya dengan nama seperti itu,” lanjut sang komposer, “harus dimainkan pada dua keyboard, salah satunya akan terdengar teredam dengan mengganti register.” Bagi yang tidak memiliki harpsichord dua manual, Couperin memberikan rekomendasi cara memainkan alat musik tersebut dengan satu keyboard. Namun dalam beberapa kasus, persyaratan harpsichord dua manual merupakan kondisi yang sangat diperlukan untuk penampilan artistik penuh dari sebuah komposisi. Jadi, pada halaman judul koleksi yang berisi “French Overture” dan “Italian Concerto” yang terkenal, Bach menunjukkan: “untuk clavicembalo dengan dua manual.”

Dari sudut pandang evolusi harpsichord, dua manual ternyata bukanlah batasnya: kita mengetahui contoh harpsichord dengan tiga keyboard, meskipun kita tidak mengetahui karya yang pasti memerlukan instrumen semacam itu untuk memainkannya.

Sebaliknya, ini adalah trik teknis dari masing-masing pemain harpsichordist.

Pada masa kejayaannya yang gemilang (abad XVII-XVIII), harpsichord dimainkan oleh musisi-musisi yang menguasai seluruh alat musik keyboard yang ada pada masa itu, yaitu organ dan clavichord (makanya disebut claviers).

Harpsichord diciptakan tidak hanya oleh pembuat harpsichord, tetapi juga oleh ahli yang membuat organ. Dan wajar untuk menerapkan beberapa ide mendasar dalam konstruksi harpsichord yang telah banyak digunakan dalam desain organ. Dengan kata lain, pembuat harpsichord mengikuti jalur pembuat organ dalam memperluas sumber daya register instrumen mereka. Jika pada organ semakin banyak set pipa baru yang didistribusikan antar manual, maka pada harpsichord mereka mulai menggunakan lebih banyak set senar, juga didistribusikan antar manual. Register harpsichord ini tidak terlalu berbeda dalam volume suara, tetapi dalam timbre - sangat signifikan.
Halaman judul koleksi musik pertama untuk perawan "Parthenia".

London. 1611 Jadi, selain dua set senar (satu untuk setiap keyboard), yang dibunyikan secara serempak dan tingginya sesuai dengan suara yang direkam dalam not, mungkin terdapat register empat kaki dan enam belas kaki. organ ditandai dengan kaki, dan register utama yang sesuai dengan notasi musik disebut yang berkaki delapan, sedangkan pipa yang menghasilkan bunyi satu oktaf di atas yang dinotasikan disebut yang berkaki empat, dan yang menghasilkan bunyi satu oktaf di atasnya. disebut yang enam belas kaki. Pada harpsichord, register yang dibentuk oleh set ditunjukkan dalam ukuran yang sama string.)

Jadi, jangkauan suara harpsichord konser besar pada pertengahan abad ke-18.

Bukan hanya lebih sempit dari piano, tapi bahkan lebih lebar. Padahal notasi musik harpsichord terlihat lebih sempit jangkauannya dibandingkan musik piano.

MUSIK

Pada abad ke-18 Harpsichord telah mengumpulkan repertoar yang sangat kaya. Sebagai instrumen yang sangat aristokrat, ia menyebar ke seluruh Eropa, memiliki pembela yang cerdas di mana-mana. Tetapi jika kita berbicara tentang aliran paling kuat di abad ke-16 - awal abad ke-17, maka pertama-tama kita harus menyebutkan aliran Virginalis Inggris. Kami tidak akan menceritakan sejarah perawan di sini, kami hanya akan mencatat bahwa ini adalah jenis alat musik gesek yang dipetik keyboard, suaranya mirip dengan harpsichord. Patut dicatat bahwa dalam salah satu studi menyeluruh terakhir tentang sejarah harpsichord ( Kottick E.

Sejarah Harpsichord. Bloomington. 2003) virginel, seperti spinet (varietas lain), dianggap sejalan dengan evolusi harpsichord itu sendiri. Mengenai nama virginel, perlu dicatat bahwa salah satu etimologi yang diusulkan menelusurinya kembali ke bahasa Inggris perawan dan selanjutnya ke bahasa Latin Virgo , yaitu, “perawan”, karena Elizabeth I, Ratu Perawan, suka berperan sebagai perawan. Faktanya, perawan muncul bahkan sebelum Elizabeth. Asal usul istilah "perawan" lebih tepat berasal dari kata Latin lainnya - virga

(“tongkat”), yang menunjukkan pelompat yang sama. Sangat menarik bahwa dalam ukiran yang menghiasi edisi cetak pertama musik untuk perawan (“Parthenia”), musisi tersebut digambarkan dalam kedok seorang gadis Kristen - St. Cecilia. Omong-omong, nama koleksinya sendiri berasal dari bahasa Yunani. parthenos

Untuk menghiasi edisi kali ini, sebuah ukiran lukisan karya seniman Belanda Hendrik Goltzius “St. Cecilia". Namun, pengukir tidak membuat bayangan cermin dari gambar di papan, sehingga pengukiran itu sendiri dan pelakunya ternyata terbalik - tangan kirinya jauh lebih berkembang daripada tangan kanannya, yang tentu saja tidak bisa. telah menjadi kasus bagi seorang perawan pada waktu itu. Ada ribuan kesalahan dalam pengukiran. Mata seorang non-musisi tidak memperhatikan hal ini, tetapi seorang musisi segera melihat kesalahan pengukirnya.

Pendiri kebangkitan harpsichord di abad ke-20 mendedikasikan beberapa halaman indah yang penuh perasaan antusias untuk musik para perawan Inggris. pemain harpsichordist Polandia yang luar biasa Wanda Landowska: “Dicurahkan dari hati yang lebih berharga dari hati kita, dan dipelihara oleh lagu-lagu daerah, musik Inggris kuno - penuh gairah atau tenteram, naif atau menyedihkan - nyanyian alam dan cinta. Dia mengagungkan kehidupan. Jika dia beralih ke mistisisme, maka dia memuliakan Tuhan. Tidak diragukan lagi ahlinya, dia juga spontan dan berani. Seringkali terlihat lebih modern daripada yang terbaru dan tercanggih. Bukalah hati Anda terhadap pesona musik ini, yang pada dasarnya tidak diketahui.

Lupakanlah bahwa ia sudah tua, dan jangan menganggap bahwa karena itu ia tidak mempunyai perasaan manusiawi.”

Baris-baris ini ditulis pada awal abad kedua puluh. Selama satu abad terakhir, banyak sekali upaya yang telah dilakukan untuk mengungkap dan mengevaluasi secara keseluruhan warisan musik kaum Virginalis yang tak ternilai harganya. Dan apa nama-nama ini! Komposer William Bird dan John Bull, Martin Pearson dan Gil Farnaby, John Munday dan Thomas Morley...

Ada kontak dekat antara Inggris dan Belanda (ukiran “Parthenia” sudah membuktikan hal ini). Harpsichord dan perawan karya empu Belanda, khususnya Dinasti Ruckers, sudah terkenal di Inggris. Pada saat yang sama, anehnya, Belanda sendiri tidak bisa membanggakan aliran komposisi yang begitu cemerlang.

Salah satu tanda yang jelas dan nyata dari bakat seorang komposer yang luar biasa (yang berlaku untuk setiap komposer di era mana pun) adalah pengembangan gaya ekspresi uniknya sendiri, yang murni pribadi. Dan dari jumlah penulis yang tak terhitung jumlahnya, tidak akan ada begitu banyak pencipta sejati. Ketiga nama ini tentu menjadi milik penciptanya. Masing-masing dari mereka memiliki gaya uniknya masing-masing.

François Couperin

François Couperin(1668–1733) - seorang penyair harpsichord sejati. Dia mungkin bisa menganggap dirinya orang yang bahagia: semua (atau hampir semua) karya harpsichordnya, yaitu apa yang menjadi ketenaran dan signifikansi dunianya, diterbitkan oleh dirinya sendiri dan membentuk empat volume. Dengan demikian, kami memiliki gambaran komprehensif tentang warisan harpsichordnya. Penulis baris-baris ini cukup beruntung untuk menampilkan siklus lengkap karya harpsichord Couperin dalam delapan program konser, yang dipresentasikan di festival musiknya, yang diadakan di Moskow di bawah naungan Tuan Pierre Morel, Duta Besar Prancis untuk Rusia.

Saya minta maaf karena saya tidak dapat menggandeng tangan pembaca saya, mengarahkannya ke harpsichord dan memainkan, misalnya, “The French Masquerade, atau Les Masques of the Dominos” oleh Couperin. Betapa banyak pesona dan keindahan yang dimilikinya! Namun ada juga kedalaman psikologis di dalamnya. Di sini, setiap topeng memiliki warna tertentu dan - yang sangat penting - karakternya. Catatan penulis menjelaskan gambar dan warna. Ada total dua belas topeng (dan warna), dan muncul dalam urutan tertentu.

Saya sudah sempat mengingat lakon Couperin ini sehubungan dengan cerita tentang “Kotak Hitam” karya K. Malevich (lihat “Seni” No. 18/2007).

Jelas bahwa Couperin memiliki harpsichord yang luar biasa. Ini tidak mengherankan - lagipula, dia adalah pemain harpsichordist istana Louis XIV. Instrumen-instrumennya, dengan suaranya, mampu menyampaikan gagasan penciptanya secara mendalam.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Komposer ini memiliki gaya yang sangat berbeda, tetapi seperti Couperin, tulisan tangan yang jelas adalah tanda kejeniusan yang pertama dan jelas. Nama ini terkait erat dengan harpsichord. Meskipun Domenico menulis berbagai musik di masa mudanya, ia kemudian menjadi terkenal sebagai penulis sejumlah besar (555) harpsichord sonata. Scarlatti secara luar biasa memperluas kemampuan pertunjukan harpsichord, memperkenalkan cakupan virtuoso yang sampai sekarang belum pernah ada sebelumnya ke dalam teknik memainkannya.

Semacam paralel dengan Scarlatti dalam sejarah musik piano selanjutnya adalah karya Franz Liszt, yang diketahui secara khusus mempelajari teknik pertunjukan Domenico Scarlatti. (Omong-omong, karena kita berbicara tentang kesejajaran dengan seni piano, Couperin juga, dalam arti tertentu, memiliki pewaris spiritual - ini, tentu saja, adalah F. Chopin.)

Selama paruh kedua hidupnya, Domenico Scarlatti (jangan bingung dengan ayahnya, komposer opera terkenal Italia Alessandro Scarlatti) adalah harpsichordist istana Ratu Spanyol Maria Barbara, dan sebagian besar sonata-nya ditulis khusus untuknya . Kita dapat dengan aman menyimpulkan bahwa dia adalah seorang harpsichordist yang luar biasa jika dia memainkan sonata yang terkadang sangat sulit secara teknis ini.

J. Wermeer dari Delft. Gadis di spinet. OKE. 1670. Koleksi pribadi

Dalam hal ini, saya ingat satu surat (1977) yang saya terima dari pemain harpsichordist Ceko Zuzanna Ruzickova yang terkemuka: “Tuan Majkapar yang terhormat! Aku punya satu permintaan untukmu. Seperti yang Anda ketahui, sekarang ada banyak minat terhadap harpsichord asli, dan ada banyak diskusi seputar hal ini. Salah satu dokumen penting dalam pembahasan instrumen ini sehubungan dengan D. Scarlatti adalah lukisan Vanloo, yang menggambarkan Maria Barbara dari Portugal, istri Philip V. (Z. Ružičkova salah - Maria Barbara adalah istri Ferdinand VI, putra Philip V.- PAGI.). Raphael Pouyana (seorang harpsichordist Perancis kontemporer terkemuka - PAGI.) percaya bahwa lukisan itu dilukis setelah kematian Maria Barbara dan oleh karena itu tidak dapat menjadi sumber sejarah.

Lukisan itu ada di Hermitage. Akan sangat penting jika Anda mengirimkan saya dokumen tentang lukisan ini.” Fragmen.

Lukisan yang dimaksud dalam surat tersebut adalah “Sextet” karya L.M. Vanloo (1768).

Letaknya di Hermitage, di gudang departemen seni lukis Prancis abad ke-18. Penjaga departemen I.S. Nemilova, setelah mengetahui tujuan kunjungan saya, mengantar saya ke sebuah ruangan besar, atau lebih tepatnya aula, di mana terdapat lukisan-lukisan yang tidak termasuk dalam pameran utama. Ternyata banyak karya yang disimpan di sini yang sangat menarik dari sudut pandang ikonografi musik! Satu demi satu, kami mengeluarkan bingkai besar, yang di dalamnya terdapat 10–15 lukisan, dan memeriksa subjek yang menarik minat kami. Dan terakhir, “Sextet” oleh L.M. Vanloo.

Menurut beberapa laporan, lukisan ini menggambarkan Ratu Spanyol Maria Barbara. Jika hipotesis ini terbukti, kita mungkin memiliki harpsichord yang dimainkan oleh Scarlatti sendiri! Apa dasar untuk mengenali pemain harpsichordist yang digambarkan dalam lukisan Vanloo sebagai Maria Barbara? Pertama, menurut saya memang ada kemiripan dangkal antara wanita yang digambarkan di sini dan potret terkenal Maria Barbara. Kedua, Vanloo tinggal di istana Spanyol untuk waktu yang relatif lama dan, oleh karena itu, bisa saja melukis gambar bertema kehidupan ratu. Ketiga, nama lain dari lukisan itu dikenal - “Konser Spanyol” dan, keempat, beberapa ahli musik asing (misalnya, K. Sachs) yakin bahwa lukisan itu adalah Maria Barbara.

Namun Nemilova, seperti Rafael Puyana, meragukan hipotesis tersebut. Lukisan itu dilukis pada tahun 1768, yaitu dua belas tahun setelah sang seniman meninggalkan Spanyol dan sepuluh tahun setelah kematian Maria Barbara. Sejarah ordonya diketahui: Catherine II menyampaikan kepada Vanloo melalui Pangeran Golitsyn keinginan untuk memiliki lukisan karya dia. Karya ini segera datang ke St. Petersburg dan disimpan di sini sepanjang waktu; Golitsyn memberikannya kepada Catherine sebagai "Konser". Adapun nama "Konser Spanyol", kostum Spanyol yang menggambarkan karakter memainkan peran dalam asal-usulnya, dan, seperti yang dijelaskan Nemilova, ini adalah kostum teater, dan bukan kostum yang sedang populer saat itu.

V.Landowska

Dalam gambar tersebut, tentu saja yang menarik perhatian adalah harpsichord - instrumen dua manual dengan ciri khas harpsichord pada paruh pertama abad ke-18. warna tutsnya kebalikan dari tuts modern (tuts yang berwarna hitam pada piano berwarna putih pada harpsichord ini, dan sebaliknya). Selain itu, masih kekurangan pedal untuk berpindah register, meski saat itu sudah dikenal. Peningkatan ini ditemukan pada sebagian besar harpsichord konser dua manual modern. Kebutuhan untuk mengganti register dengan tangan menentukan pendekatan tertentu dalam memilih registrasi pada harpsichord.

Saat ini, dua arah telah jelas muncul dalam praktik pertunjukan: pendukung yang pertama percaya bahwa seseorang harus menggunakan semua kemampuan modern instrumen (pendapat ini dianut, misalnya, oleh V. Landovska dan, omong-omong, Zuzanna Ruzickova), yang lain percaya bahwa ketika menampilkan musik kuno dengan harpsichord modern, seseorang tidak boleh melampaui sarana pertunjukan yang ditulis oleh para master lama (ini adalah pendapat Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, Rafael Puiana yang sama, dan lainnya).

Karena kami menaruh begitu banyak perhatian pada lukisan Vanloo, kami mencatat bahwa seniman itu sendiri, pada gilirannya, ternyata adalah karakter dalam potret musik: karya harpsichord karya komposer Prancis Jacques Dufly dikenal, yang disebut “Vanloo” .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750).

Harus diakui bahwa terlepas dari semua keunikan Couperin dan Scarlatti, masing-masing dari mereka mengembangkan satu gaya individu. Bach bersifat universal. “Italian Concerto” dan “French Overture” yang telah disebutkan adalah contoh studi Bach tentang musik sekolah nasional ini. Dan ini hanyalah dua contoh, namanya mencerminkan kesadaran Bach. Di sini Anda dapat menambahkan siklus "French Suites" miliknya. Orang bisa berspekulasi tentang pengaruh bahasa Inggris di English Suites-nya. Dan betapa banyak contoh musik dari berbagai gaya dalam karya-karyanya yang tidak mencerminkan hal ini dalam judulnya, tetapi terkandung dalam musik itu sendiri! Tidak ada yang bisa dikatakan tentang seberapa luas tradisi keyboard asli Jerman disintesis dalam karyanya.

Kita tidak tahu persis harpsichord mana yang dimainkan Bach, tapi kita tahu bahwa dia tertarik pada semua inovasi teknis (termasuk organ). Ketertarikannya dalam memperluas kemampuan performa harpsichord dan keyboard lainnya paling jelas ditunjukkan oleh siklus prelude dan fugue yang terkenal di semua kunci, The Well-Tempered Clavier.

Bach adalah ahli harpsichord sejati. I. Forkel, penulis biografi pertama Bach, melaporkan: “Tidak ada yang bisa mengganti bulu harpsichordnya yang sudah tidak dapat digunakan dengan yang baru, sehingga dia akan puas - dia melakukannya sendiri. Dia selalu menyetel harpsichordnya sendiri dan sangat ahli dalam hal ini sehingga menyetelnya tidak pernah memakan waktu lebih dari seperempat jam. Dengan metode penyetelannya, ke-24 tuts siap digunakannya, dan, sambil berimprovisasi, dia melakukan apa pun yang dia mau dengan tuts-tuts itu.”

Semasa hidup pencipta musik harpsichord yang brilian, harpsichord mulai kehilangan posisinya. Pada tahun 1747, ketika Bach mengunjungi Raja Prusia, Frederick Agung, di Potsdam, dia memberinya tema untuk berimprovisasi, dan Bach, tampaknya, melakukan improvisasi pada “pianoforte” (itu adalah nama instrumen baru pada waktu itu) - satu dari empat belas atau lima belas, yang dibuat untuk raja oleh teman Bach, pembuat organ terkenal Gottfried Silbermann. Bach menyetujui suaranya, meskipun dia tidak menyukai piano sebelumnya.

Di awal masa mudanya, Mozart masih menulis untuk harpsichord, namun secara umum pekerjaan keyboardnya tentu saja ditujukan pada piano. Penerbit karya-karya awal Beethoven menunjukkan di halaman judul bahwa sonata-sonatanya (bahkan bayangkan "Pathetique", yang diterbitkan pada tahun 1799) dimaksudkan "untuk harpsichord atau piano". Penerbit menggunakan trik: mereka tidak ingin kehilangan pelanggan yang memiliki harpsichord tua di rumah mereka. Namun semakin sering, hanya badan harpsichord yang tersisa: “isian” harpsichord dihilangkan karena tidak diperlukan dan diganti dengan palu baru, yaitu mekanik piano.

Hal ini menimbulkan pertanyaan: mengapa instrumen ini, yang memiliki sejarah panjang dan warisan seni yang kaya, pada akhir abad ke-18. dipaksa keluar dari latihan musik dan digantikan oleh piano? Dan bukan hanya tergantikan, tapi benar-benar terlupakan di abad ke-19? Dan tidak dapat dikatakan bahwa ketika proses penggantian harpsichord dimulai, piano adalah instrumen terbaik dari segi kualitasnya. Justru sebaliknya! Carl Philipp Emanuel Bach, salah satu putra tertua Johann Sebastian, menulis konser gandanya untuk harpsichord dan pianoforte serta orkestra, dengan tujuan untuk menunjukkan dengan matanya sendiri keunggulan harpsichord dibandingkan piano.

Hanya ada satu jawaban: kemenangan piano atas harpsichord menjadi mungkin dalam kondisi perubahan radikal dalam preferensi estetika. Estetika barok, yang didasarkan pada konsep teori pengaruh yang dirumuskan dengan jelas atau dirasakan dengan jelas (intinya secara singkat: satu suasana hati, memengaruhi, - satu warna suara), yang mana harpsichord merupakan sarana ekspresi yang ideal, pertama-tama memberi jalan pada pandangan dunia sentimentalisme, kemudian ke arah yang lebih kuat - klasisisme dan, akhirnya, romantisme. Dalam semua gaya ini, yang paling menarik dan berkembang, sebaliknya, adalah idenya variabilitas- perasaan, gambaran, suasana hati. Dan piano mampu mengekspresikan hal ini.

Instrumen ini mengayuh pedal dengan kemampuannya yang luar biasa dan mampu menciptakan naik turunnya kemerduan yang luar biasa ( crescendo Dan berkurang). Harpsichord pada prinsipnya tidak dapat melakukan semua ini - karena kekhasan desainnya.

Mari kita berhenti dan mengingat momen ini sehingga kita dapat memulai percakapan kita berikutnya dengannya - tentang piano, dan khususnya tentang konser besar piano, yaitu, “instrumen kerajaan”, penguasa sejati semua musik romantis.

Kisah kami memadukan sejarah dan modernitas, karena saat ini harpsichord dan instrumen lain dari keluarga ini telah tersebar luas dan diminati karena minat yang besar terhadap musik Renaisans dan Barok, yaitu saat mereka muncul dan mengalami masa keemasannya.

Menulis dan seni pertunjukan adalah dua sumber yang tidak ada habisnya yang saling memberi makan: tangan sang pemain mengisi pemikiran komposer dengan nafas kehidupan, dan pencipta musik mengambil inspirasi dari keterampilan sang pemain. Seperti banyak komposer lainnya, Sofia Asgatovna Gubaidulina menciptakan banyak karya yang ditujukan untuk pemain tertentu, dan salah satu musisi tersebut adalah Mark Ilyich Pekarsky, yang mengabdikan hidupnya pada instrumen perkusi. Dia bukan hanya pemain luar biasa dan pencipta ansambel perkusi - Mark Ilyich menulis banyak artikel dan buku tentang bidang instrumentasi musik ini, dan mendirikan kelas ansambel perkusi di Konservatorium Moskow.

“Pada drum Anda dapat melakukan segala sesuatu yang dapat dilakukan pada biola, pada piano, pada organ, hanya dengan cara yang sedikit berbeda, tetapi pada prinsipnya, drum mampu menyampaikan kesenangan, penderitaan, kesedihan, dan kegembiraan. , dan apa pun yang Anda inginkan,” - kata sang musisi. Salah satu konfirmasi terbaik dari gagasan ini adalah beragamnya instrumen perkusi yang diciptakan oleh berbagai bangsa di era yang berbeda. Banyak dari instrumen ini disajikan dalam koleksi unik yang dikumpulkan oleh Pekarsky. Keagungan ini pasti menarik perhatian Gubaidulina - lagipula, Sofia Asgatovna selalu berusaha menemukan suara baru bahkan untuk instrumen yang paling umum dan terkenal bagi publik Eropa, dan dalam hal ini komposer dihadapkan pada hamburan hal-hal yang tidak biasa yang sangat berharga. warna nada: crotales (simbal Pompeian), simbal Tiongkok, drum Chang Korea, lonceng Tiongkok Bian Zhong... Tetapi sang komposer melakukan sesuatu yang lebih tidak biasa - ia menggabungkan semua warna nada yang datang dari dunia misterius Timur dengan instrumen Eropa Barat - harpsichord... apakah kontradiksi yang tak terpecahkan muncul dengan kombinasi Timur dan Barat seperti itu? Sofia Gubaidulina tidak berpikir demikian - dia yakin bahwa instrumen oriental “dikombinasikan dengan harpsichord kehilangan konotasi lokal-geografisnya dan termasuk dalam jenis pembuatan musik yang lebih umum, di mana semua sifat timbre cenderung menyatu.”

“Konvergensi” seperti itu memunculkan ansambel yang sangat harmonis dalam karya Gubaidulina, yang mendengarkannya, sulit dipercaya bahwa instrumen yang membentuknya berasal dari belahan dunia dan era yang berbeda - mereka benar-benar “berbicara” dalam bahasa yang sama. .. ya, benar! Dalam karya yang diberi judul sangat sederhana – “Musik untuk instrumen harpsichord dan perkusi dari koleksi Mark Pekarsky” – muncul semacam “ucapan musik” dengan “fonem” (bunyi ujaran) tersendiri yang membentuk “kata-kata”. Bukan suatu kebetulan bahwa Sofia Asgatovna awalnya berencana untuk memberikan karya ini judul yang berbeda - "Logogriff", ini adalah nama permainan kata di mana huruf demi huruf secara bertahap dihapus dari kata tertentu, dan pada saat yang sama muncul kata-kata baru. (misalnya, “sumber - saluran - arus”). Komposer melakukan hal serupa dengan kompleks suara. Misalnya, di awal sebuah karya terdapat “pelapisan” simbal Cina yang berbentuk gelombang, masuk pada ketinggian yang berbeda-beda, dan kemudian secara bertahap “dimatikan” - “penebalan” jalinan musiknya diikuti dengan “penghalusannya ”. Dalam “permainan” suara yang menarik ini, yang ditonjolkan bukanlah nada suara, melainkan sifat timbre-nya (teknik musik serupa disebut sonorik). “Logograf” musik menjadi dasar untuk mengkonstruksi bentuknya. Pada bagian pertama, serangkaian delapan "kata" musik dibangun dengan peningkatan jumlah suara secara bertahap, dan di bagian reprise, kompleks suara yang sama dibangun dalam urutan yang berbeda: "refleksi cermin" yang tepat tidak muncul , namun terdapat kecenderungan umum menuju penurunan bertahap. Kombinasi arah perkembangan yang berlawanan dapat kita amati tidak hanya dalam bentuk bagian yang terpisah, tetapi juga dalam hubungan antar bagian karya: bagian pertama diarahkan terutama pada register tinggi, yang kedua ke register rendah.

Kesan “permainan intelektual” tidak hanya tercipta dari “hubungan matematis” yang harmonis, tetapi juga melalui penggunaan kutipan musik. Pada gerakan pertama muncul motif singkat, tiga nada namun masih dapat dikenali dari waltz C minor, serta penggalan kecil dari fugue G minor dari volume pertama Johann Sebastian Bach. Tampilan kedua kutipan tersebut diubah secara aneh: motif waltz Chopin muncul dalam kunci yang jauh dari aslinya (B-flat minor), yang dibawakan oleh bian-zhun dan simbal Pompeian. Motif dari fugue Bach dibawakan oleh chang (walaupun kemudian dibunyikan dalam penyajian yang lebih “tradisional” - pada harpsichord, namun garis besarnya diubah sedemikian rupa sehingga menimbulkan kesan bunyi palsu).

“Musik untuk Harpsichord dan Perkusi” oleh Sofia Gubaidulina adalah permainan pikiran yang canggih, namun keliru jika menyebutnya sebagai hasil dari “akal sehat”. Dalam permainan warna nada, motif pendek dan kompleks suara, “nafas” emosi yang hidup sangat terasa.

Semua hak dilindungi undang-undang. Dilarang menyalin