Budaya artistik Rusia abad 17 - 18. Budaya artistik Rusia abad ke-17 Budaya artistik abad ke-17 dan ke-18

Abad ke-17 ternyata sangat menguntungkan bagi perkembangan seni budaya. Keberhasilan ilmu pengetahuan alam telah secara signifikan memperluas dan memperumit gagasan tentang dunia sebagai kesatuan yang tidak terbatas, dapat berubah, dan kontradiktif. Ada perasaan dominan tentang hubungan manusia yang tidak dapat dipisahkan dengan dunia ini, ketergantungannya pada realitas di sekitarnya, pada kondisi dan keadaan keberadaannya. Oleh karena itu, tidak hanya manusia yang menjadi pengemban kreativitas seni, tetapi juga seluruh keragaman realitas, hubungannya yang kompleks dengan manusia. Sejalan dengan itu, tema kreativitas seni dan repertoar plot menjadi lebih kaya, genre dan gaya independen baru dikembangkan, dan genre yang telah berkembang di era budaya sebelumnya berkembang dan diperdalam. Pada abad ke-17, hampir bersamaan, muncul gaya-gaya yang bersifat nasional dan menganut berbagai jenis seni - klasisisme dan barok.

Karya berisi 1 file

Abad ke-17 ternyata sangat menguntungkan bagi perkembangan seni budaya.docx

- 17,56 Kb (Unduh)

Abad ke-17 ternyata sangat menguntungkan bagi perkembangan seni budaya. Keberhasilan ilmu pengetahuan alam telah secara signifikan memperluas dan memperumit gagasan tentang dunia sebagai kesatuan yang tidak terbatas, dapat berubah, dan kontradiktif. Ada perasaan dominan tentang hubungan manusia yang tidak dapat dipisahkan dengan dunia ini, ketergantungannya pada realitas di sekitarnya, pada kondisi dan keadaan keberadaannya - 130

vaniya. Oleh karena itu, tidak hanya manusia yang menjadi pengemban kreativitas seni, tetapi juga seluruh keragaman realitas, hubungannya yang kompleks dengan manusia. Sejalan dengan itu, tema kreativitas seni dan repertoar plot menjadi lebih kaya, genre dan gaya independen baru dikembangkan, dan genre yang telah berkembang di era budaya sebelumnya berkembang dan diperdalam. Pada abad ke-17, hampir bersamaan, muncul gaya-gaya yang bersifat nasional dan menganut berbagai jenis seni - klasisisme dan barok.

Klasisisme diwakili dalam sastra dengan nama-nama seperti - P. Corneille, J. Racine, J. B. Moliere (Prancis), D. Fonvizin (Rusia); dalam lukisan - N. Poussin, C. Lauren (Prancis); dalam seni pahat - E. M. Falconet (Prancis), Thorvaldsen (Denmark); dalam arsitektur - J. A. Gabriel, C. N. Ledoux (Prancis); dalam musik - K.V. Gluck, W.A. Mozart (Austria).

Perwakilan terkemuka gaya Barok dalam sastra adalah Calderon (Spanyol), D. Milton (Inggris); dalam lukisan - P. P. Rubens (lahir di Jerman), dalam arsitektur - L. Bernini (Italia); dalam musik - J. S. Bach, G. F. Handel (Jerman), A. Vivaldi (Italia).

Seni Eropa abad ke-18 menggabungkan dua prinsip antagonis yang berbeda: klasisisme dan romantisme. Klasisisme berarti subordinasi manusia terhadap sistem sosial, sedangkan romantisme yang berkembang berupaya memaksimalkan prinsip individu dan pribadi. Namun, klasisisme abad ke-18 berubah secara signifikan dibandingkan dengan klasisisme abad ke-17, dalam beberapa kasus membuang salah satu ciri paling khas dari gaya tersebut - bentuk klasik kuno. Selain itu, klasisisme “baru” Pencerahan, pada intinya, tidak asing dengan romantisme.

Awal baru yang penting dalam seni rupa abad ke-18 adalah munculnya gerakan-gerakan yang tidak memiliki gerakannya sendiri bentuk gaya dan tidak merasa perlu untuk mengembangkannya. Gerakan kebudayaan terbesar ini adalah yang pertama sentimentalisme, sepenuhnya mencerminkan gagasan Pencerahan tentang kemurnian asli dan kebaikan sifat manusia, yang hilang seiring dengan “keadaan alami” asli masyarakat, jaraknya dari alam. Sentimentalisme ditujukan terutama pada dunia perasaan dan pikiran manusia yang internal, pribadi, dan intim, dan oleh karena itu tidak memerlukan desain gaya khusus. Sentimentalisme sangat dekat dengan romantisme; orang “alami” yang dimuliakannya pasti mengalami tragedi benturan dengan unsur-unsur alam dan sosial, dengan kehidupan itu sendiri, yang sedang mempersiapkan pergolakan besar, yang firasatnya memenuhi seluruh budaya abad ke-18.

Salah satu ciri terpenting dari budaya Pencerahan adalah proses penggantian prinsip seni religi dengan prinsip sekuler. Pada abad ke-18, arsitektur sekuler untuk pertama kalinya lebih diutamakan daripada arsitektur gereja di hampir seluruh Eropa. Invasi sekularisme ke dalam lukisan religius juga terlihat jelas di negara-negara di mana ia sebelumnya memainkan peran utama - Italia, Austria, Jerman. Lukisan bergenre, yang mencerminkan pengamatan sehari-hari sang seniman terhadap kehidupan nyata orang-orang nyata, tersebar luas di hampir semua negara Eropa, terkadang berusaha untuk mengambil tempat utama dalam seni. Potret seremonial, yang begitu populer di masa lalu, mulai digantikan

potret intim, dan dalam lukisan pemandangan, apa yang disebut “lanskap suasana hati” muncul dan menyebar di berbagai negara (Watteau, Gainsborough, Guardi).

Ciri khas seni lukis abad ke-18 adalah meningkatnya perhatian terhadap sketsa tidak hanya di kalangan seniman itu sendiri, tetapi juga di kalangan penikmat karya seni. Persepsi dan suasana hati pribadi, individu yang tercermin dalam sebuah sketsa terkadang menjadi lebih menarik dan menimbulkan dampak emosional dan estetika yang lebih besar daripada karya akhir. Gambar dan ukiran lebih dihargai daripada lukisan karena menciptakan hubungan yang lebih langsung antara penonton dan senimannya. Selera dan kebutuhan zaman juga mengubah kebutuhan warna lukisan. Dalam karya seniman abad ke-18, pemahaman dekoratif tentang warna ditingkatkan; sebuah lukisan tidak hanya harus mengekspresikan dan mencerminkan sesuatu, tetapi juga menghiasi tempat di mana ia berada. Oleh karena itu, seiring dengan kehalusan halftone dan kehalusan warna, seniman mengupayakan warna-warni dan bahkan variasi.

Produk dari budaya Pencerahan yang murni sekuler adalah gaya "usang", yang mendapat perwujudan paling sempurna dalam bidang seni terapan. Hal ini juga terwujud di bidang lain di mana seniman harus memecahkan masalah dekoratif dan desain: dalam arsitektur - dalam perencanaan dan desain interior, dalam lukisan - dalam panel dekoratif, lukisan, layar, dll. Arsitektur dan lukisan Rococo terutama difokuskan pada penciptaan kenyamanan dan rahmat bagi orang yang mau merenungkan dan menikmati ciptaannya. Kamar-kamar kecil tidak terkesan sempit berkat ilusi “ruang bermain” yang diciptakan oleh para arsitek dan seniman yang dengan terampil menggunakan berbagai sarana artistik untuk ini: ornamen, cermin, panel, warna-warna khusus, dll. rumah-rumah, di mana, dengan beberapa teknik, ia memperkenalkan semangat kesenangan dan kenyamanan tanpa menekankan kemewahan dan kemegahan. Abad kedelapan belas memperkenalkan banyak barang rumah tangga yang memberikan kenyamanan dan kedamaian bagi seseorang, mencegah keinginannya, sekaligus menjadikannya objek seni sejati.

Aspek yang sama pentingnya dari budaya Pencerahan adalah daya tarik untuk menangkap sensasi dan kesenangan manusia (baik spiritual maupun fisik) melalui sarana artistik. Di antara para pemikir terbesar Pencerahan (Voltaire, Helvetius), kita dapat menemukan “adegan gagah berani” di mana protes terhadap moralitas sok suci pada masa itu terkadang berkembang menjadi kesembronoan. Di Prancis, sejak awal abad ke-18, baik publik maupun kritikus mulai menuntut seni baru, pertama-tama, yang “menyenangkan”. Persyaratan seperti itu diberlakukan pada seni lukis, musik, dan teater. “Menyenangkan” berarti “sensitif” dan murni sensual. Ungkapan Voltaire yang terkenal, “Semua genre itu bagus, kecuali yang membosankan” paling jelas mencerminkan tuntutan zaman ini.

Kecenderungan seni rupa untuk bersifat menghibur, naratif dan sastra menjelaskan kedekatannya dengan teater. Abad ke-18 sering disebut sebagai “zaman keemasan teater”. Nama Beaumarchais, Sheridan, Fielding, Gozzi, Goldoni merupakan salah satu halaman paling mencolok dalam sejarah drama dunia.

Teater ternyata dekat dengan semangat zaman. Kehidupan itu sendiri bergerak ke arahnya, menyarankan plot dan konflik yang menarik, mengisi bentuk-bentuk lama dengan konten baru. Bukan suatu kebetulan bahwa pada Zaman Pencerahan, karnaval Venesia yang terkenal tidak hanya menjadi hari libur, tetapi justru menjadi cara hidup, suatu bentuk kehidupan sehari-hari.

Musik menempati tempat penting dalam hierarki nilai-nilai spiritual pada abad ke-18. Jika seni rupa Rococo pertama-tama berusaha menghiasi kehidupan, teater -

untuk mengekspos dan menghibur, maka musik Pencerahan memukau seseorang dengan skala dan kedalaman analisis sudut paling tersembunyi dari jiwa manusia. Sikap terhadap musik juga berubah, yang pada abad ke-17 hanya sekedar instrumen pengaruh yang diterapkan baik dalam bidang budaya sekuler maupun agama. Di Perancis dan Italia, pada paruh kedua abad ini, bentuk musik sekuler baru, opera, berkembang pesat. Di Jerman dan Austria, bentuk karya musik paling "serius" berkembang - oratorio dan massa. Pencapaian budaya musik era Pencerahan tidak diragukan lagi merupakan karya Bach dan Mozart.

Era Pencerahan ditandai dengan keinginan akan petualangan, petualangan, perjalanan, dan keinginan untuk menembus ruang “budaya” yang berbeda. Ia menemukan manifestasinya dalam opera magis dengan banyak transformasi luar biasa, dalam tragikomedi, dongeng, dll.

Kontribusi luar biasa terhadap sejarah kebudayaan dunia adalah dimulainya penerbitan Ensiklopedia Dasar Ilmu Pengetahuan, Seni dan Kerajinan D.Diderot(1713-1784) dan D'Alembert. Ensiklopedia mensistematisasikan pencapaian ilmiah terpenting umat manusia dan menyetujui sistem nilai budaya yang mencerminkan pandangan paling progresif pada masa itu.

Dia sepenuhnya mencerminkan tanda-tanda zaman, semua kompleksitas dan ketidakkonsistenannya - filsuf, naturalis, penyair dan penulis prosa - Voltaire. Salah satu karya Voltaire yang paling mendalam dan menyindir "Candide, atau Optimis" sepenuhnya mencerminkan tren umum dalam perkembangan literatur pendidikan.

Pendiri romantisme pendidikan dalam sastra - JJ Rousseau. Cita-cita moral dan estetikanya tercermin sepenuhnya dalam novelnya yang paling terkenal dan penting "Eloise Baru" Pengikut Rusiaisme adalah Karamzin (“Liza yang malang”), Goethe (“Kesedihan Werther Muda”), Chaderlos de Laclos (“Hubungan Berbahaya”).

Era Pencerahan merupakan titik balik besar dalam perkembangan spiritual Eropa, yang mempengaruhi hampir semua bidang kehidupan sosial-politik dan budaya. Setelah menghilangkan prasangka norma-norma politik dan hukum, kode estetika dan etika masyarakat kelas lama, para pencerahan melakukan pekerjaan besar-besaran untuk menciptakan sistem nilai-nilai positif, yang ditujukan terutama kepada manusia, terlepas dari afiliasi sosialnya, yang secara organik menjadi bagian dari daging dan darah peradaban Barat. Kul-134

Warisan tur abad ke-18 masih memukau dengan keragamannya yang luar biasa, kekayaan genre dan gaya, kedalaman pemahaman tentang hasrat manusia, optimisme dan keyakinan terbesar pada manusia dan pikirannya.

I. Seni dan arsitektur Rusia abad ke-17.

1. Perkembangan seni lukis Rusia pada abad ke-17.

Dalam perkembangan seni lukis Rusia abad ke-17, terjadi benturan dua arah. Di satu sisi, tradisi kanon masih kuat dalam seni lukis, dan upaya terus-menerus dilakukan untuk membuat tradisi tidak dapat diganggu gugat. Sebaliknya, pada abad ke-17, keinginan untuk melepaskan diri dari tekanan tradisi-tradisi yang sudah ketinggalan zaman semakin terasa, tradisi-tradisi Eropa Barat mulai merambah, dan gereja menjadi sekuler.

Perpecahan gereja semakin memperburuk kontradiksi dalam perkembangan budaya abad ke-17. Perselisihan antara kaum skismatik dan gereja resmi di bidang seni berujung pada pergulatan dua pandangan estetis. Pendukung gaya baru berupaya memastikan bahwa ikon tersebut, pertama-tama, indah, sehingga menggantikan konsep ketuhanan dengan konsep keindahan. Kriteria estetika dalam menilai lukisan mengemuka. Upaya untuk mendekatkan seni dengan kenyataan semakin nyata. Sebaliknya, para pembela tradisi membela dengan segala cara sikap mereka terhadap ikon sebagai objek pemujaan, di mana setiap ciri dan bahkan papan ikon itu sendiri adalah sakral. Seni religi, menurut gagasan mereka, tidak ada hubungannya dengan realitas, dengan realitas. Jadi misalnya wajah orang suci tidak boleh sama dengan wajah orang biasa.

Sekolah melukis.

Dalam lukisan paruh pertama abad ke-17, dua tren mendominasi. Tradisi melukis ikon terus ada, berfokus pada pengulangan gaya lukisan para empu besar masa lalu: Andrei Rublev dan Dionysius - yang disebut Sekolah "Godunov". , dibentuk pada akhir abad ke-16, yang perwakilannya bekerja atas perintah istana kerajaan dan dengan demikian mewakili arah “resmi” dalam seni. Para isografer Godunov mewarisi tradisi monumental masa lalu, dengan ketat mengikuti kanon ikonografi, mencoba menghidupkan kembali semangat seni Rusia kuno yang memudar. Namun demikian, dalam karya-karya aliran “Godunov” terdapat keinginan yang nyata untuk menyampaikan materialitas suatu objek, meskipun baru langkah awal yang diambil ke arah tersebut.

Pada saat yang sama, sebuah fenomena artistik baru muncul - Sekolah "Stroganov". , yang mendapatkan namanya dari para pedagang Stroganov, yang memiliki kekayaan moneter yang sangat besar dan bertindak sebagai pelindung dan pelanggan. Tidak hanya pelukis ikon Stroganov, tetapi juga Moskow, penguasa kerajaan dan patriarki berafiliasi dengan sekolah tersebut. Ikon “Stroganov” berukuran kecil, bukan merupakan gambar doa melainkan miniatur yang berharga, dibedakan dari sifat dekoratifnya dan dirancang untuk para penikmat seni. Ciri khasnya adalah tulisan yang cermat dan sangat halus, gambar yang sangat bagus, ornamen yang kaya, dan emas dan perak yang berlimpah. Kelebihan para empu “Stroganov” adalah untuk pertama kalinya dalam sejarah lukisan Rusia kuno mereka menemukan keindahan dan puisi lanskap.

Simon Fedorovich Ushakov.

Pada pertengahan abad ke-17, Gudang Senjata menjadi pusat seni tidak hanya di Moskow, tetapi juga di seluruh negeri. Kekuatan artistik terbaik terkonsentrasi di sini. Di sini untuk pertama kalinya, orang asing yang diundang, dan kemudian para master Rusia, mulai melukis potret Tsar, Patriark, dan para bangsawan yang dekat dengan Tsar. Semua pekerjaan melukis di Gudang Senjata dipimpin oleh guru kerajaan Simon Ushakov , yang menjadi salah satu tokoh sentral seni rupa pada paruh kedua abad ke-17. Ushakov adalah orang dari era baru, tipe pemikir dan pencipta baru. Dia meninggalkan tradisi penggambaran gambar datar tanpa tubuh, yang berasal dari seni Bizantium, dan berusaha memberikan kemiripan pada gambar tersebut dengan kehidupan nyata, untuk mencapai “kehidupan”, dan menuntut dari para pelukis gambar yang jujur ​​​​dan realistis.

Sejak tahun-tahun pertama kreativitas independennya, minat Ushakov dalam menggambarkan wajah manusia sudah ditentukan. Topik favoritnya menjadi Juru Selamat Tidak Dibuat dengan Tangan. Sang seniman berusaha untuk menyingkirkan kanon konvensional lukisan ikon dan mencapai corak sewarna daging, volumenya, dan keteraturan fitur yang hampir klasik. Dengan demikian, tanpa disadari ia mungkin memanusiakan gambaran tradisional Tuhan. Pada tahun 1668, Ushakov melukis ikon Bunda Maria dari Vladimir, yang disebut “Menanam pohon negara Rusia”. Ikon ini bisa dianggap sebagai gambaran kejayaan kenegaraan Rusia. Di bagian bawahnya tergambar tembok Kremlin Moskow, di belakangnya ada Katedral Assumption, kuil utama negara Rusia. Di kaki katedral, Pangeran Ivan Kalita, kolektor tanah Rusia, dan Metropolitan Peter, orang pertama yang memindahkan kursi metropolitan dari Vladimir ke Moskow, sedang menanam pohon negara Rusia. Di cabang-cabangnya terdapat medali dengan potret tokoh politik paling penting di Rus Kuno. Medali tengah menampilkan ikon Bunda Maria dari Vladimir, yang dihormati sebagai pelindung Moskow.

Parsun.

Pertanda seni masa depan adalah munculnya genre sekuler murni - potret. Mereka dipanggil Parsun (dari kata "persona" yang terdistorsi - kepribadian). Genre ini muncul pada pergantian abad 16-17. Gambar Ivan IV, Pangeran M.V. Skopin-Shuisky dari segi cara pelaksanaannya masih mendekati ikon, namun sudah memiliki kemiripan potret tertentu. Ada juga perubahan pada bahasa gambar. Terlepas dari semua kenaifan bentuk, sifat statis, lokalitas, sudah ada, meskipun malu-malu, upaya pemodelan cahaya dan bayangan. Pada pertengahan abad ke-17, beberapa parsun dilukis oleh seniman asing. Dipercayai bahwa kuasnya adalah orang Belanda Wuchters milik potret Patriark Nikon dengan pendeta. Parsun dari pramugara V. Lyutkin, L.Naryshkina akhir abad ke-17 sudah bisa disebut potret lengkap.

Lukisan fresko.

Dalam ansambel lukisan dinding abad ke-17, lukisan dinding menutupi dinding dan pilar dengan satu pola yang berkesinambungan, di mana adegan bergenre terjalin dengan ornamen yang rumit. Ornamen meliputi arsitektur, figur manusia, kostumnya, dan latar lanskap yang tumbuh dari ritme ornamen. Dekorativisme merupakan salah satu ciri khas lukisan fresco abad ke-17. Ciri kedua adalah kemeriahan dan ketertarikan yang terus-menerus pada seseorang dalam kehidupan sehari-harinya, penekanan dalam kisah-kisah Kitab Suci pada keindahan alam, kerja manusia, yaitu kehidupan dengan segala keanekaragamannya. Dalam lukisan dinding seperti itu, adegan-adegan dari kitab suci sering kali diubah menjadi cerita yang menarik, di mana aspek sekuler sering kali lebih diutamakan daripada konten keagamaan. Contoh lukisan tersebut adalah ansambel lukisan dinding Gereja Elia Nabi di Yaroslavl , dilukis pada tahun 1681 oleh seorang master dari Gudang Senjata Guriem Nikitin dengan artelnya. Tema utama dalam lukisan gereja adalah kisah menarik tentang dunia yang indah di mana tidak banyak orang suci yang berpikiran pertapa hidup dan bertindak, melainkan manusia biasa. Hal ini tercermin dalam hasrat sang seniman untuk menggambarkan sosok cantik yang dikelilingi oleh lanskap yang sama indahnya dan arsitektur yang kaya.

Dengan demikian, pada abad ke-17, kurang lebih terbentuk gagasan bahwa tugas melukis adalah mencerminkan realitas yang sebenarnya. Pada abad ke-17, seni mulai berbicara tentang manusia “duniawi” yang sederhana. Akan tetapi, pengamatan realistik yang tersebar belum sepenuhnya merupakan metode kreatif baru, pendekatan baru terhadap realitas bagi seniman. Inilah tugas sejarah seni abad berikutnya.

Perkembangan seni lukis Rusia pada abad ke-17

2. Monumen arsitektur Rusia abad ke-17 abad.

Awal abad ke-17 abad ini ditandai dengan Masalah. Perekonomian negara mengalami kemunduran: ladang petani ditumbuhi semak-semak, dan di kota-kota banyak pengrajin terpaksa meninggalkan kerajinan mereka. Oleh karena itu, hingga tahun 20-an. abad ke-17 tidak ada konstruksi di Moskow. Ketika Tsar Mikhail Romanov yang baru memutuskan untuk memperingati kemenangan terakhir atas orang asing dengan mendirikan sebuah kuil di tanah milik Rubtsov miliknya, konstruksinya ternyata sangat besar, sederhana, dan kasar - seolah-olah para ahli tukang batu lupa cara memegang peralatan sederhana mereka.

Hanya di usia 30an. abad ke-17 Arsitektur Rusia memasuki jalur perkembangan baru. Tonggak penting dalam jalur ini adalah Moskow Gereja Tritunggal di Nikitniki , dipentaskan di halaman pedagang kaya Grigory Nikitnikov. Kuilnya kecil - pedagang dan keluarganya tidak membutuhkan kuil yang besar - tetapi kuil itu elegan. Dengan latar belakang merah dinding bata, detail batu putih menonjol: platina rumit, kolom berpasangan yang mengartikulasikan fasad, dan ukiran cornice. Di bagian atas, barisan kokoshnik runcing ditempatkan satu di atas yang lain, sehingga bagian atas candi menyerupai kerucut kayu cedar; Kepala kokoshnik ada lima, dan yang ringan, berjendela, hanya yang tengah, dan yang samping hanya ditambahkan untuk kecantikan. Gereja ini memiliki dua gereja kecil independen, serta galeri, beranda, dan menara lonceng. Menara lonceng seperti itu belum pernah dibangun sebelumnya: sebuah tenda ditempatkan di atas segi delapan yang tinggi (segi delapan), dan jendela dibuat di dalam tenda. Tujuan ini disebut rumor. Hal itu diperlukan agar bunyi lonceng tidak meredup di bawah atap tenda, melainkan sampai ke luar.

Semua gereja Rusia sebelumnya terlihat sangat sederhana. Gereja Tritunggal di Nikitniki, sebaliknya, mencolok dalam keaktifan, keragamannya yang luar biasa, dan tampaknya merupakan produk dari hiruk pikuk kehidupan kota perdagangan Tiongkok. Semua bagiannya ditempatkan secara asimetris; segala sesuatunya tampak tumbuh, bergerak, berkembang di depan mata kita. Bagian dalam gereja nyaman. Tidak ada pilar, banyak cahaya masuk dari jendela besar, dan ruangan terang dan tenang. Lukisan warna-warni menutupi dinding dengan karpet yang kokoh. Orang-orang datang ke sini untuk berdoa bukan kepada Tuhan yang mereka takuti, tetapi kepada Dia yang membantu manusia dalam urusan sehari-hari di dunia. Arsitektur yang menggembirakan ini tidak meninggikan, tetapi tidak membuat hati manusia takut.

Pada pertengahan abad ke-17. Rusia telah pulih sepenuhnya dari dampak Masa Kesulitan. Industri dan perdagangan mulai aktif berkembang. Yaroslavl saat itu berada di urutan kedua setelah Moskow dalam hal jumlah penduduk dan barang yang diproduksi. Pedagang Yaroslavl, Skripin bersaudara, memperoleh modal besar dari perdagangan bulu dan menjadi hampir lebih kaya daripada tsar. Ketika Mikhail Fedorovich membutuhkan uang, dia beralih ke keluarga Skripin, yang seolah-olah menjadi bankir kerajaan. Dan sebagai rasa terima kasih atas pinjaman yang diberikan, raja memberi saudara-saudaranya relik ajaib - bagian dari jubah (pakaian) Kristus. Saudara-saudara memutuskan untuk mengungkapkan rasa syukur mereka kepada Tuhan dengan membangun sebuah kuil besar. Gereja Elia Nabi di Yaroslavl (1647 - 1650) ukurannya tidak kalah dengan katedral Kremlin Moskow. Dan itu didirikan bukan di alun-alun atau bahkan di jalan, tetapi hanya di halaman Skripinsky di antara perumahan dan gudang, seperti Gereja Tritunggal Moskow - di halaman keluarga Nikitnikov.

Tidak semua anggota pendeta menyukai mode “pakaian bermotif” yang tersebar luas. Patriark Nikon melarang pembangunan gereja tenda dan mencoba membangun salinan Gereja Kebangkitan dan Makam Suci di Yerusalem di Biara Yerusalem Baru dekat Moskow di tanah Rusia. Namun, Nikon sendiri tidak perlu lama berkuasa. Tsar tidak puas dengan klaim patriark atas kekuasaan tertinggi di negara bagian. Kesenjangan antara Nikon dan Alexei Mikhailovich menyebabkan pengasingan dan deposisi sang patriark. Dan arsitektur berpola melanjutkan perjalanan kemenangannya di seluruh negeri.

Pada abad ke-17, istana, gedung administrasi, gedung tempat tinggal, dan halaman tamu didirikan dalam skala yang belum pernah terjadi sebelumnya. Penampilan arsitekturalnya tidak hanya mencerminkan keinginan para arsitek untuk mengikuti tradisi terbaik masa lalu, tetapi juga keinginan untuk menciptakan jenis bangunan yang benar-benar baru dan mengembangkan gaya baru.

Istana Terem Kremlin Moskow , dibangun pada tahun 1635 - 1636, dengan ukuran dan kemegahan dekorasinya yang megah, seolah menantang tradisi bangunan abad sebelumnya. Pergantian volume bertingkat tradisional, asimetri ekstensi yang indah, atap runcing digabungkan di sini dengan elemen gaya baru - simetri dan keteraturan. Fasadnya, yang dipisahkan secara merata oleh pilaster dan bukaan jendela, menciptakan ritme yang jelas bingkai jendela yang dihiasi pola bunga, serta bilah relief dan cornice dengan ubin, memberikan kemegahan dan keanggunan. Arsitektur Istana Terem beberapa dekade lebih maju dari masanya dan memengaruhi pembangunan gedung Kremlin lainnya.

Sebuah ciptaan unik arsitektur Rusia abad ke-17. adalah istana kayu di desa Kolomenskoe dekat Moskow , dibangun pada tahun 1667 - 1669. Ini terdiri dari rumah-rumah besar multi-bingkai yang terletak di ruang bawah tanah (lantai bawah yang memiliki kepentingan ekonomi). Fasad ruang depan perumahan didekorasi secara mewah dengan platina berukir dan berbagai finishing berupa tenda, tong, atap berbentuk kotak dan berundak. Komposisi rumah kayu yang indah dengan beranda dan detail berwarna cerah memberikan kesan meriah. Menurut orang asing J. Reitenfels, istana itu menyerupai “permata yang baru dikeluarkan dari wadahnya”. Istana asli di Kolomensky tidak bertahan (dibongkar karena rusak pada abad ke-18), tetapi orang dapat mengetahui penampilannya berkat gambar dan model. Pada awal abad ke-21, rekonstruksi istana terkenal muncul di Kolomensky.

Berbagai jenis bangunan sipil juga termasuk bangunan tempat tinggal, halaman, sel dan ruang makan biara, ruang gudang, menara dan gerbang upacara, berbagai gedung administrasi - dari ruang berkubah kecil hingga Menara Sukharev yang megah (akhir abad ke-17). Tidak hanya di kota-kota besar, tetapi juga di pinggiran negara bagian, arsitek Rusia menciptakan mahakarya arsitektur sipil yang sesungguhnya.

Pada akhir abad ke-17 abad di pinggiran Moskow di desa Fili, seorang kerabat Tsar muda Peter Lev Kirillovich Naryshkin memerintahkan pembangunan sebuah gereja. Naryshkin tidak membutuhkan ruangan yang besar, karena gereja tersebut ditujukan untuk keluarganya, namun ia ingin bangunannya tinggi dan representatif. Gereja Syafaat di desa Fili - tipe baru untuk Rusia, berasal dari Ukraina. Basisnya berbentuk kubus (segi empat). Tonjolan berbentuk setengah lingkaran berdampingan dengan kubus di semua sisinya, sehingga denah gereja tampak seperti bunga dengan empat kelopak. Sebuah segi delapan lebar (segi delapan) ditempatkan di atas kubus, dan satu lagi yang lebih sempit ditempatkan di atasnya; dengan bukaan untuk lonceng, dan di atas yang ketiga - dasar bab berbentuk segi delapan. Bangunan itu ternyata tinggi, kokoh, tetapi tidak menjulang ke atas, seperti tombak yang diarahkan ke langit, tetapi menjulang dengan kokoh dan mulus. Para pengrajin tidak menyisihkan batu putih untuk dekorasinya: platina yang rumit membingkai jendela, kolom-kolom direntangkan di sudut-sudut, dan setiap tingkat bangunan diakhiri dengan punggung bukit yang mengingatkan pada busa batu putih - “jengger”. Dekorasi arsitektur baru menjadi serupa dengan yang menjadi mode di Eropa Barat; Ini bukan lagi pola lama, namun merupakan firasat akan perubahan di masa depan. Batu putih dan bata merah terlihat anggun di langit, dikelilingi dedaunan hijau di musim panas atau salju putih di musim dingin. Para peneliti menyebut arsitektur ini Moskow, atau Naryshkin, Barok.

Bangunan Naryshkin memiliki sifat organik, integritas, dan kesempurnaan artistik yang luar biasa. Mereka menjadi jembatan antara yang lama dan yang baru, antara Bizantium dan Eropa, antara Tsar Alexei Mikhailovich Moskow dan Palmyra Utara putranya Kaisar Peter Agung.

Arsitektur Rusia abad ke-17

Arsitektur Rusia abad ke-17

II. Seni Rusia abad ke-18.

Reformasi yang dilakukan oleh Peter SAYA mempengaruhi tidak hanya manajemen, tentara dan perekonomian di Rusia, tetapi juga seni. Tujuan dari kaisar Rusia pertama adalah untuk menempatkan seni Rusia setara dengan seni Eropa, untuk mengelilingi istana dengan arsitek, seniman, pematung, dan untuk mempromosikan penyebaran minat terhadap “seni” di kalangan masyarakat yang tercerahkan. Baik Peter maupun pewaris takhta Rusia pada abad ke-18 percaya bahwa arsitektur, patung, dan lukisan harus mengagungkan kekuatan negara Rusia, kemenangannya, dan pencapaian lainnya, serta menyebarkan pencerahan dan kesalehan.

Pada abad ketujuh belas, perlahan-lahan, sedikit demi sedikit, Rusia abad pertengahan mulai berkembang menjadi negara modern. Pada abad kedelapan belas, hanya dalam dua dekade, seni Rusia berubah dari religius menjadi sekuler, menguasai gaya baru (barok, di paruh kedua abad ini - klasisisme), genre (misalnya, potret, lanskap, dan benda mati dalam lukisan) dan tema (mitologis, sejarah). Pada awal abad ini, puluhan anak muda berbakat belajar seni di luar negeri, dan master asing menjadi guru di Rusia. Pada pertengahan - paruh kedua abad ini, Akademi Seni mulai beroperasi, di mana sudah dimungkinkan untuk belajar dari rekan senegaranya dan bekerja dengan orang asing secara setara. Pada akhir abad tersebut, seni rupa Rusia muncul dalam bentuk yang diperbarui, dengan banyak koleksi seni yang tidak kalah dengan koleksi tertua Eropa dalam hal ukuran dan kualitas.

1. Arsitektur era Barok Peter Agung (kuartal pertama abad ke-18).

Mengandalkan kekayaan warisan arsitektur Rusia dan teori arsitektur dunia, para arsitek kuartal pertama abad ke-18 mampu menciptakan banyak bangunan megah dan, yang terpenting, meletakkan dasar bagi sekolah arsitektur Rusia yang baru.

Bangunan pertama yang secara jelas memadukan tradisi Rusia dan Barat muncul di Moskow pada akhir abad ke-17. Salah satunya adalah yang terkenal Menara Sukharevskaya (Sukharev). , didirikan oleh arsitek Mikhail Choglokov. Menara ini mendapatkan namanya untuk menghormati Lavrenty Sukharev, yang resimen senapannya pada akhir abad ke-17 membela Peter selama konflik dengan Putri Sophia. Sebagai rasa terima kasih, raja memerintahkan agar gerbang batu baru dengan jam dibangun menggantikan yang lama. Belakangan, Sekolah Navigasi yang terkenal dan observatorium pertama di Rusia berlokasi di gedung gerbang ini. Sayangnya, pada tahun 1934 menara ini dibongkar karena... "mengganggu pergerakan." Proyek restorasi belum dilaksanakan. Tapi itu bertahan Menara Menshikov – Gereja Malaikat Jibril. Kuil ini dibangun pada tahun 1707 atas perintah Alexander Menshikov. Penulisnya adalah Ivan Zarudny. Komposisinya didasarkan pada menara lonceng Barok yang tebal dan tinggi.

Pada dekade kedua abad ke-18. St Petersburg menjadi pusat pengembangan arsitektur Rusia. Didirikan selama Perang Utara sebagai benteng untuk melindungi tanah yang ditaklukkan, Peter langsung menyukai Sankt Peterburg SAYA , yang tidak menyukai Moskow kuno dan bermimpi menciptakan "surga" di sini - kota yang ideal dan sempurna. Setelah kemenangan di Poltava, tsar memutuskan untuk memindahkan ibu kota Rusia ke sini. Arsitek asing terbaik diundang ke sini, yang untuk pertama kalinya dalam sejarah Rusia menyusun rencana konstruksi (rencana Leblon, rencana Trezzini). Jalan raya utama menjadi Neva dengan banyak cabang, saluran dan anak sungai serta saluran galian, seperti di Amsterdam. Jembatan sengaja tidak dibangun untuk membiasakan warga Sankt Peterburg dengan elemen air. Banyak perhatian diberikan pada penampilan dan perbaikan kota: rumah-rumah dibangun “di garis merah”, jalanan lurus dan lebar, sebagian besar beraspal, sebelum lampu jalan muncul di banyak ibu kota Eropa. Desain rumah standar dikembangkan untuk berbagai kategori warga; pemiliknya wajib menjaga kebersihan daerah setempat. Konstruksi batu bahkan dilarang di seluruh Rusia agar ibu kota baru dapat segera mendapatkan kembali kemegahannya. Anda dapat membayangkan penampakan Peter the Great's Petersburg dari ukiran kuno, dari monumen yang masih ada, dari tata letak jalan di Admiralteysky, Kepulauan Vasilyevsky, dan Sisi Petrogradskaya. Sejak itu, tampilan khusus bagian tengahnya tetap dipertahankan, di mana sungai lebar dibingkai oleh tanggul yang tertata rapi dengan deretan rumah yang rapi, dan dominasi gedung-gedung tinggi membuat lanskap datar menjadi indah.

Gedung Dua Belas Perguruan Tinggi di Pulau Vasilievsky dimaksudkan untuk menampung Senat, Sinode, dan kolegium - badan tertinggi pemerintahan Rusia, yang didirikan oleh Peter I. Menurut rencana Tsar, Pulau Ludah Vasilievsky akan menjadi pusat upacara kota, yaitu ditutup dari barat oleh bangunan megah. Oleh karena itu, bangunan Dua Belas Kolese yang memanjang menghadap Neva dengan fasad ujungnya dan dibagi menjadi bangunan tiga lantai yang independen, namun berukuran sama. Pada abad ke-18, setiap bangunan ditutupi dengan atap tersendiri dan memiliki pintu masuk tersendiri. Semuanya digabungkan menjadi satu komposisi bujursangkar (panjang total - sekitar 400 meter). Fasadnya diproses secara identik dalam semangat Barok Peter yang Agung. Mereka dicat oranye-merah, di mana pilaster putih, bilah, dan selubung jendela terlihat lega. Denah bangunannya bersifat simbolis: mencerminkan independensi masing-masing dewan sekaligus menonjolkan kesamaan dalam menyelesaikan permasalahan kenegaraan. Setelah kematian Petrus SAYA tujuan pembangunan dan peran Pulau Vasilievsky secara keseluruhan berubah. Karena cuaca utara yang tidak menentu dan banjir, pulau ini sering kali terputus dari wilayah utama kota. Karena itu, menurut rencana baru yang disetujui pada tahun 1737 di bawah Anna Ioannovna, sisi Angkatan Laut menjadi pusat St. Petersburg, di mana badan-badan pemerintahan tertinggi mulai berlokasi. Gedung Dua Belas Perguruan Tinggi sebagian kosong. Pada abad ke-19, sebagian dari gedung Dua Belas Collegium dipindahkan ke Institut Pedagogis Utama, dan kemudian ke Universitas St. Petersburg, dan oleh karena itu sebagian dibangun kembali.

Arsitek gedung Dua Belas Kolese, Domenico Trezzini (c. 1670 - 1734) adalah salah satu pengrajin paling sukses dan produktif yang bekerja di Peter's Petersburg. Kita hanya tahu sedikit tentang Trezzini sendiri: dia adalah orang Italia sejak lahir, mengenyam pendidikan yang baik, dan datang ke Rusia dari Kopenhagen, ibu kota sekutu Rusia, Denmark. Artinya dia sudah mengetahui gaya Barok Utara, versi Barok Katolik yang lebih terkendali. Peter menyukai gaya ini setelah perjalanannya ke Belanda. Domenico Trezzini menjadi kepala arsitek Peter's Petersburg. Menurut rancangannya, Kronstadt dan Alexander Nevsky Lavra didirikan pada tahun 1706, rekonstruksi Benteng Peter dan Paul dari batu dimulai; Istana Musim Panas Peter I di Taman Musim Panas, Gerbang Petrovsky Dan Katedral Peter dan Paul Benteng Peter dan Paul, Pelabuhan Galernaya dan sejumlah besar bangunan lain yang tidak lagi dilestarikan (misalnya, Gostiny Dvor, Istana Musim Dingin ke-2); Dialah yang mengembangkan desain standar untuk bangunan tempat tinggal pribadi. Bangunan Trezzini dibedakan oleh geometri yang ketat dan "keteraturan" denah, dekorasi dan dekorasi yang sederhana, dan kombinasi elemen tatanan individual dengan detail Barok. Semua bangunan didekorasi dengan pilaster datar dengan ibu kota yang anggun, cornice yang direntangkan, rustication, bingkai platina dengan “telinga”, memiliki atap Belanda yang tinggi “dengan retakan” dan lukisan dua warna yang elegan.

Katedral Peter dan Paul dan sekarang terlihat tidak biasa bagi gereja Ortodoks. Bangunannya didominasi bukan oleh kubah, melainkan oleh puncak menara lonceng bertingkat yang lancip. Tidak ada altar apse biasa. Terdapat jendela-jendela besar di dinding, yang bersama dengan lukisan dinding marmer palsu, lampu gantung mewah, dan ikonostasis berukir emas bersinar dalam bentuk lengkungan kemenangan (master Ivan Zarudny), menyerupai interior istana. Katedral Peter dan Paul adalah contoh khas kuil yang dibangun dengan gaya Peter the Great Baroque.

Bangunan penting Peter's Petersburg lainnya yang bertahan hingga hari ini adalah Istana Menshikov (D. Fontana, I. Schedel), Gedung Kunstkamera (G. Mattarnovi, N. Gerbel, G. Chiaveri dan M. Zemtsov), Katedral Sampson , Istana Petrus II dan beberapa lainnya.

Arsitektur era Barok Peter Agung

2. Arsitektur era Barok Rusia (Elizabethan) yang megah (pertengahan abad ke-18).

Pada pertengahan abad ke-18. Seni Barok di Rusia mencapai puncaknya. Kreasi arsitektur yang paling mencolok terkonsentrasi di ibu kota negara bagian yang baru - St. Di antara para master yang bekerja di kota, Bartolomeo Francesco (Bartholomew Varfolomeevich) Rastrelli menonjol karena bakat dan efisiensinya.

Francesco Bartolomeo Rastrelli lahir pada tahun 1700 di Paris. Pada tahun 1716, ia datang ke St. Petersburg bersama ayahnya, pematung Bartolomeo Carlo Rastrelli, di mana ia mulai bekerja keesokan harinya. Awalnya dia membantu ayahnya, kemudian dia pergi ke Prancis, tempat dia menyelesaikan studinya. Dia kembali ke Rusia, menjadi pengrajin independen dan bekerja secara eksklusif di negara kami.

Rastrelli bertugas di istana Rusia selama 48 tahun dan menciptakan istana, rumah besar, dan bangunan keagamaan yang megah, beberapa di antaranya mencolok dalam keberanian solusi dan skala arsitekturnya. Istana Pangeran Vorontsov di Jalan Sadovaya (1749), Istana Agung di Peterhof (1747 - 1752), Istana Pangeran Stroganov di Nevsky (1753), Biara Smolny (1748 - 1754), Istana Catherine di Tsarskoe Selo (1752 - 1757) dan ciptaan yang paling megah Istana Musim Dingin (1754 - 1762) . Setelah menjabat sebagai "kepala arsitek" istana selama lebih dari 20 tahun, Rastrelli adalah pemimpin resmi semua kegiatan arsitektur pemerintah dan sebagian besar membentuk penampilan ibu kota baru Rusia - St. Petersburg.

Salah satu karya terbaik Francesco Bartolomeo Rastrelli - Biara Smolny (Kebangkitan Novodevichy). ditugaskan ke arsitek oleh Permaisuri Elizaveta Petrovna. Struktur lima kubah tradisional Rusia, diwujudkan dalam bentuk Barok yang rumit, di sini menyatu secara organik dengan volume utama bangunan katedral. Kubah utama dua lantai yang tinggi, di atasnya terdapat kubah bulat, di keempat sisinya dikelilingi oleh menara samping yang tinggi. Proyeksi dinding yang jelas, dihiasi dengan kumpulan kolom, pedimen berbagai bentuk, lengkungan volute, cornice yang menjorok menciptakan permainan cahaya dan bayangan yang menakjubkan. Detail putih pada latar belakang dinding biru dan banyak penyepuhan menekankan hubungan luar biasa antara bentuk dan proporsi bangunan. Katedral yang berbentuk salib berujung sama ini terlihat sama bagusnya dari segala sisi. Pembangunan katedral tertunda dan tidak pernah selesai pada saat kematian Ratu Elizabeth. Arsitek V.P. Stasov, menyelesaikan pembangunan biara pada tahun 1832-1835, meninggalkan dekorasi barok yang mewah dan memberikan dekorasi interior karakter yang lebih sederhana, bertentangan dengan rencana F.B. Rastrelli.

Pada tahun 1746 - 1755, sang arsitek mengerjakan pembuatan ansambel Peterhof. Istana Peterhof yang Agung Ruang depan terbuka yang luas menghadap ke Taman Atas dan jalan di sepanjang tanah. Fasad utama istana menghadap ke laut. Dari lantai dasar taman dengan air mancur, teras lebar mengarah ke puncak punggung bukit tempat istana didirikan. Istana menjulang di atas teras, mencoba melepaskan diri dari tanah. Gedung baru ini panjangnya hampir 300 meter. Birunya laut, gemerisik pancaran air mancur, dinding istana berwarna biru kehijauan di langit, cahaya putih atap, hiasan ukiran emas yang berkilauan di bawah sinar matahari - semuanya menyatu menjadi satu ansambel. Dan dalam semua kasus, kemewahan luar biasa dari desain interior dengan banyak cermin, ukiran emas, dan lukisan dekoratif. Sejarawan seni dan seniman terkenal abad ke-20, Alexander Benois, menulis, mengagumi karya Rastrelli: “Peterhof sepertinya lahir dari buih laut. Peterhof adalah kediaman raja lautan.”

Istana Musim Dingin - Ciptaan Rastrelli yang paling cemerlang, arsitekturnya merupakan himne nyata untuk menghormati era Barok Rusia. Strukturnya, bentuknya rumit, mendekati bentuk persegi dengan halaman tertutup. Fasad yang menghadap tanggul Neva dirancang untuk dilihat dari kejauhan; sebaliknya, fasad selatan berorientasi ke depan Alun-alun Istana, menghadap ke kota.

Istana itu luar biasa ukurannya. Itu memiliki lebih dari 1.050 kamar dan ruangan terpisah, 1.886 pintu, 1.945 jendela dan 177 tangga. Tak satu pun dari fasad tersebut mengulangi yang lain; dalam desainnya, imajinasi penulis sepertinya tidak mengenal batas. Irama kolom yang kompleks, kekayaan dan variasi bentuk platina, banyaknya detail plesteran, banyaknya vas dekoratif dan patung yang terletak di atas tembok pembatas dan di atas banyak pedimen menciptakan dekorasi dekoratif bangunan, yang luar biasa di kemegahan dan kemegahannya. Fasad selatan dipotong oleh tiga lengkungan pintu masuk yang mengarah ke halaman depan, dimana pintu masuk utama keraton terletak di tengah bangunan utara.

Rastrelli hidup selama tujuh puluh satu tahun, sebagian besar di Rusia. Sesampainya di ibu kota utara sebagai seorang pemuda, murid ayahnya, ia meraih semua penghargaan yang mungkin didapat sebagai seorang arsitek, tetapi karena perubahan selera pelanggan (Permaisuri Catherine yang baru II lebih menyukai gaya klasisisme) mati menganggur, dalam kemakmuran sederhana (1771). Tempat pemakaman arsitek besar itu tidak diketahui. Namun istana dan kuil yang dibangunnya - baik yang bertahan maupun yang dibangun kembali dari reruntuhan setelah berakhirnya Perang Dunia II - kini membangkitkan kekaguman kami yang tulus, karena merupakan bagian dari budaya spiritual dan artistik yang kami warisi.

Selain Rastrelli, master berbakat lainnya juga menciptakan bangunan mereka di era Barok Rusia yang megah: sesuai dengan desain S.I. Chevakinsky di St. Petersburg, Katedral Angkatan Laut St. Nicholas dan "Rumah Air Mancur" yang terkenal dibangun - Istana Sheremetev di Fontanka (bersama dengan F.S. Argunov), D.V. Ukhtomsky merancang menara lonceng Biara Trinity-Sergius di Sergiev Posad, dll.

Arsitektur Barok Elizabeth

3. Arsitektur Rusia era klasisisme (paruh kedua abad ke-18).

Klasisisme (dari bahasa Latin classicus - teladan), suatu gerakan gaya dalam seni dan arsitektur, yang didasarkan pada pemujaan terhadap akal dan tatanan ideal, dan warisan kuno digunakan sebagai sumbernya. Arsitektur klasisisme dicirikan oleh bentuk volume geometris yang ketat, simetri, tatanan arsitektur sebagai motif utama dekorasi, struktur skala besar, subordinasi bentuk hierarkis, sintesis dengan lukisan dan patung.

Klasisisme Rusia adalah salah satu halaman paling cemerlang dalam sejarah arsitektur dunia. Berasal dari Eropa pada abad ke-17, gaya klasisisme merambah ke Rusia pada pertengahan abad ke-18. Ia melewati beberapa tahap dalam perkembangannya dan mencapai puncaknya pada akhir abad ke-18 pada masa pemerintahan Catherine II.

Tahap awal perkembangan arsitektur klasik (60-70an abad ke-18) dapat dikategorikan sebagai transisi: pada bangunan-bangunan, meskipun ciri-ciri klasisisme dominan, unsur-unsur barok masih ada. Contohnya adalah St. Petersburg gedung Akademi Seni , dibangun sesuai proyek Aleksandr Fedorovich Kokorinov bekerja sama dengan Jean-Baptiste Vallin-Delamote. Bagian tengah fasad utama adalah serambi empat kolom yang spektakuler, yang mengalir perlahan ke sayap bangunan yang memanjang. Dalam teknik ini seseorang dapat melihat gema Barok yang keluar. Contoh lain - Istana Marmer , dibuat oleh proyek Antonio Rinaldi. Fasadnya, menghadap ke Neva, didesain sederhana dan ketat, dan bangunan pusat, menghadap halaman, ditonjolkan oleh risalit kecil, diakhiri dengan loteng dengan menara Barok yang elegan.

Klasisisme yang ketat (80-90an abad ke-18) adalah kebalikan dari gaya Barok, antitesisnya. Ia dicirikan oleh penggunaan bentuk dan teknik arsitektur klasik kuno yang ketat dan konsisten. Penggunaan motif dekoratif apa pun pada tampilan luar tidak diperbolehkan, dan penggunaan patung tidak termasuk. Di Moskow, ahli klasisisme ketat yang paling cemerlang adalah Matvey Fedorovich Kazakov. Bangunannya, di antaranya yang paling luar biasa adalah Gedung Senat di Kremlin Moskow Dan Rumah Sakit Golitsynskaya , ditandai dengan kesederhanaan, kecerahan ritme, kejelasan siluet. Bangunan-bangunan tersebut ditinggikan ke lantai dasar yang tinggi, di mana serambi ditempatkan di bagian tengah komposisi.

Petersburg, contoh terbaik dari klasisisme ketat adalah gedung Akademi Ilmu Pengetahuan di tanggul Universitetskaya di Pulau Vasilievsky (arsitek Giacomo Quarenghi) Dan Istana Tauride (arsitek YAITU. Starov).

Ivan Egorovich Starov (1745-1808) adalah ahli klasisisme Rusia yang luar biasa. Ia belajar di gimnasium Universitas Moskow, kemudian di Akademi Seni yang baru didirikan, dan lulus pada tahun 1762. Segera setelah kembali dari perjalanan pensiunnya dan menerima gelar akademisi, kerja praktis Starov yang ekstensif dimulai, termasuk perencanaan kota, konstruksi bangunan umum, istana kota, perkebunan, kuil. Menurut rancangannya, Katedral Tritunggal Alexander Nevsky Lavra, rumah bangsawan Demidov di Taitsy, dan Istana Catherine dibangun. II di Pele, tata letak Ekaterinoslav (sekarang Dnepropetrovsk di Ukraina), sejumlah proyek untuk Nikolaev dan banyak bangunan di Moskow dan wilayah Moskow dikembangkan. Namun dalam sejarah arsitektur Rusia, nama Starov terutama dikaitkan dengan konstruksinya Istana Tauride – kawasan kota besar G.A. Potemkin.

Di bagian dalam halaman depan, dipisahkan dari jalan oleh pagar rendah, terdapat bangunan tengah berlantai dua dengan serambi enam kolom, di atasnya terdapat kubah datar di atas drum rendah; Bidang dinding yang halus dipotong oleh jendela-jendela tinggi dan dilengkapi dengan entablature berdesain ketat dengan dekorasi triglif. Tampilannya sangat sederhana, dindingnya dibiarkan mulus. Tatanan Doric yang singkat menentukan skala utama seluruh struktur. Bangunan induk disatukan oleh galeri satu lantai dengan bangunan samping dua lantai yang berbatasan dengan halaman depan yang luas.

Awalnya, Istana Tauride terbuka ke arah Neva, dari situ terdapat kanal yang berakhir di pelabuhan ember. Perspektif arsitektur ini, bagian dari panorama tepian Neva, sudah ada sebelum dibangun pada pertengahan abad ke-19. di seberang menara air istana dan bangunan lain di Pengairan Pusat Kota. Kesederhanaan dan kesederhanaan yang luar biasa dari fasad Istana Tauride kontras dengan kemewahan dan kemegahan dekorasi interior yang luar biasa, tetapi interiornya hanya dipertahankan di beberapa aula, itupun hanya sebagian. Hal ini difasilitasi oleh berbagai pembangunan kembali istana terkait dengan perubahan nasibnya.

Pada akhir abad ke-18 - sepertiga pertama abad ke-19, gaya klasisisme di Rusia mencapai puncaknya. Era ini akan dibahas pada pelajaran selanjutnya.

Klasisisme dalam arsitektur Rusia abad ke-18

4. Lukisan Rusia sepertiga pertama abad ke-18

Hingga awal abad ke-18, tradisi lukisan ikon sebagian besar berkembang dalam seni rupa Rusia. Namun, pada abad ke-18, lukisan secara bertahap mulai memperoleh ciri-ciri Eropa: seniman menguasai perspektif linier, berusaha menyampaikan volume objek dengan benar menggunakan chiaroscuro, dan mempelajari anatomi untuk menggambarkan tubuh manusia secara akurat. Teknik lukisan cat minyak menyebar (ikon dilukis dengan tempera), dan genre baru berkembang. Potret menempati tempat khusus dalam seni Rusia abad ke-18. Contoh paling awal dari genre ini terjadi pada abad ke-18. dekat dengan parsuna - karakter di dalamnya statis dan khusyuk.

Ivan Nikitich Nikitin (sekitar 1680 - 1742) adalah salah satu pelukis potret Rusia pertama. Ia dilahirkan dalam keluarga pendeta Nikita Nikitin, yang bertugas di Izmailovo dekat Moskow. Nikitin mungkin mulai mempelajari seni lukis di bawah bimbingan orang Belanda A. Schonebeck di bengkel ukiran di Gudang Senjata Moskow. Rupanya, ia belajar melukis potret sendiri, mempelajari dan menyalin karya-karya master asing yang ada di Rusia. Sudah dalam karya awalnya - potret saudara perempuan Peter SAYA Natalya Alekseevna dan putrinya Anna Petrovna , dibuat sekitar tahun 1715-1716, Nikitin menyampaikan volume dan pose alami para model dengan keterampilan yang langka pada masa itu. Benar, pada saat yang sama, ia masih belum mengetahui bagaimana cara menyesuaikan figur dengan lingkungan, menyampaikan struktur figur, dan menunjukkan tekstur bahan.

Pada 1716-1719 Nikitin belajar di Venesia dan Florence, dan setelah kembali ke St. Petersburg ia menjadi Hofmahler (seniman istana). Dengan dekrit Peter, sang seniman mulai, dengan biaya perbendaharaan, membangun sebuah bengkel di sisi Angkatan Laut, di “Sungai Mie” dekat Jembatan Biru, yang belum selesai dibangun pada masa Tsar. Perjalanan ke Italia berkontribusi pada pertumbuhan keterampilan pelukis, gambarnya menjadi lebih canggih, dan ia mampu melepaskan diri dari kendala yang melekat pada lukisan parsun Rusia. Di tahun 20an abad ke-18 Nikitin menciptakan karya terbaiknya: “Potret Pangeran G. I. Golovkin”, “Potret Lantai Hetman” , dan terkenal "Potret Peter I". Dalam “Potret Seorang Hetman Lantai” kita melihat seorang pria tenggelam dalam pikirannya sendiri. Posturnya yang lelah, kepalanya sedikit menunduk, rambutnya yang acak-acakan, kelopak matanya yang sedikit memerah, meradang, bibirnya yang terkatup rapat - semuanya menekankan jalan hidup yang sulit dari seorang pria yang kuat dan berani. Meski menghadapi kesulitan dan kesulitan, kemauannya yang kuat tidak melemah dan energinya tidak pudar.

Setelah kematian Tsar, Nikitin tetap menjadi staf istana, tetapi sebenarnya tidak memiliki pekerjaan. Nasib selanjutnya sangat dramatis. Pada Agustus 1732, ia ditangkap karena memiliki buku catatan yang berisi pencemaran nama baik terhadap Feofan Prokopovich. Nikitin sedang diselidiki oleh Kantor Rahasia, berada di sel isolasi di Benteng Peter dan Paul, dijatuhi hukuman cambuk dan diasingkan ke Tobolsk “untuk hidup dalam penjagaan selamanya.” Tiga dekrit dikeluarkan mengenai pengampunannya: oleh Anna Ioannovna sebelum kematiannya, oleh Anna Leopoldovna setelah aksesinya, dan oleh Elizaveta Petrovna. Dalam perjalanan dari pengasingan ke St. Petersburg, artis tersebut meninggal.

Karya pelukis yang pendek namun cemerlang ini berasal dari akhir tahun 20-an - 30-an abad ke-18. Andrey Matveev (1701-1739). Setelah menghabiskan lebih dari 10 tahun di Belanda dan Flanders, Matveev menjadi master Rusia pertama yang mampu “menulis cerita dan orang”, yaitu tidak hanya potret, tetapi juga lukisan tentang subjek mitologi dan sejarah. Seniman muda itu kembali ke Rusia setelah kematian pelindung kerajaannya - Peter I dan Catherine I. Dari dokumen diketahui bahwa Matveev melukis lukisan pertempuran untuk Rumah Musim Panas, lukisan untuk Peterhof, berpartisipasi dalam lukisan Katedral Peter dan Paul, dan merancang gerbang kemenangan Anichkov dan Angkatan Laut yang tidak terpelihara.

Yang paling menarik dari sisa warisan Andrei Matveev adalah potretnya. Sangat sedikit dari mereka yang bertahan hingga zaman kita, di antaranya yang terkenal "Potret Pasangan" , di mana, kemungkinan besar, sang seniman menggambarkan dirinya bersama istrinya, yaitu, ini adalah potret diri pertama dalam lukisan Rusia. Matveev secara mengejutkan secara halus menyampaikan perasaan saling mencintai dan kelembutan yang ada dalam keluarga. Dengan hati-hati, nyaris tidak menyentuh, artis itu memeluk bahu istrinya. Pasangan ini berperilaku sederhana dan alami, memancarkan energi baik. Skema warna yang diredam menekankan sifat intim dari potret tersebut.

Andrei Matveev, seperti banyak seniman Rusia, meninggal dalam kemiskinan. Pada bulan April 1739, janda tersebut menulis dalam sebuah petisi bahwa “dia ditinggalkan oleh suaminya Matveev bersama anak-anaknya yang masih kecil, dan dia tidak memiliki apa pun untuk menguburkan jenazah suaminya.”

Penciptaan Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761) terhubung dengan St. Petersburg, di mana ia tiba di antara “pengrajin” yang dibawa untuk membangun dan mendekorasi ibu kota baru. Berbeda dengan orang-orang sezamannya I. Nikitin dan A. Matveev, Vishnyakov tidak belajar di luar negeri - karya seninya terbentuk di bawah pengaruh sekolah seni lukis Rusia pada era pra-Petrine.

Vishnyakov mendapat pengakuan terutama sebagai pelukis potret. Kehalusan gambar, kehangatan suasana hati, kurangnya tingkah laku, warna keperakan - inilah ciri khas gaya artistiknya. Yang paling halus potret Vishnyakova menggambarkan Sarah Eleanor Fermor , putri kepala Kanselir gedung (1749). Seorang gadis muda dengan gaun satin mewah berwarna perak abu-abu bersulam bunga sedang bersiap untuk memberi hormat. Dia dengan anggun memegang kipas di tangannya. Lukisan renda yang halus dan latar belakang lanskap dekoratif yang motifnya menggemakan sulaman pada gaun itu juga menarik perhatian.

Ivan Nikitin, Andrei Matveev, dan Ivan Vishnyakov tidak menggoyahkan fondasi seni dunia dengan kreativitas mereka, tetapi mereka memberikan kontribusi besar terhadap perkembangan seni lukis Rusia, mengambil langkah percaya diri pertama dalam pengembangan genre potret.

Lukisan Rusia awal abad ke-18

Saat menyusun teks, bahan dari Y. Pelevin dan G. Danilova digunakan.

5. Seniman Rusia pada pertengahan paruh kedua abad ke-18 V.

Alexei Antropov (1716-1795)

Dalam karya Alexei Petrovich Antropov, terdapat kesinambungan yang jelas antara pensiunan pelukis era Peter I dan seniman paruh kedua abad ke-18. Sang master mencapai kesuksesan terbesar dalam genre potret. Di bidang inilah Antropov memainkan peran penting dalam memperkuat tradisi nasional, yang diekspresikan dalam refleksi realitas yang akurat dan tidak memihak.

A.P. Antropov dilahirkan dalam keluarga "tukang kunci" di Gudang Senjata. Dia memulai perjalanan kreatifnya yang panjang pada masa pemerintahan Anna Ioannovna. A.P. Antropov menghabiskan bertahun-tahun di bawah bimbingan seniman terkenal Ivan Vishnyakov. Seniman yang bercita-cita tinggi ini mengerjakan dekorasi istana dan katedral, ikut serta dalam melukis istana Musim Panas, Musim Dingin, Anichkov, Peterhof, dan Catherine. Yang sangat penting bagi pengembangan kreatifnya adalah karyanya di Kyiv pada ikonostasis dan lukisan di Katedral St. Andrew yang Dipanggil Pertama, yang sedang dibangun kembali sesuai dengan desain F. B. Rastrelli.

Karya kuda-kuda awal oleh A.P. Antropov, misalnya, potret Permaisuri Elizabeth Petrovna dan potret berpasangan Grand Duke Peter Fedorovich dan Grand Duchess Ekaterina Alekseevna dieksekusi dengan standar yang ditetapkan dan diuji dari “sampel lukisan” yang dibuat oleh master istana asing. Pada tahun 1758, babak baru dalam karya seniman dimulai di St. Pada tahun keempat puluh dua hidupnya, ia mulai belajar potret dengan Pietro Rotari, seorang seniman Italia di istana Elizabeth Petrovna. Sang master asal Italia merasa senang dengan muridnya dan bahkan menjulukinya sebagai “pelukis terbaik di Rusia”.

Sejak akhir 1750-an, kita dapat berbicara tentang awal karir seni independen A.P. Antropov, seorang pelukis potret. Salah satu karyanya yang paling penting dianggap potret Anastasia Mikhailovna Izmailova, pengiring pengantin senior Permaisuri Elizabeth Petrovna. Pelukis itu menggambarkan nyonya negara secara langsung dan sederhana, tanpa lika-liku genit, dengan sangat jujur: pegawai istana digambarkan sebagai seorang wanita tua yang lembek, dengan perona pipi buatan yang sengaja dibuat, alis yang dirajut, dan mata yang sedikit berair. Potret tersebut mencerminkan fitur utama metode artistik A.P. Antropov - keaslian alami penampilan sang model. Masa kejayaan karyanya terjadi pada tahun 60an, ketika ia menciptakan kanvas-kanvas terbaiknya, seperti potret M. A. Rumyantseva, V. V.Fermor, A. V.Buturlina. Dalam semua karya tersebut, sang seniman sama sekali tidak berupaya menembus dunia kompleks pengalaman spiritual orang-orang yang ia gambarkan, melainkan hanya menangkap penampakannya dengan sangat presisi. Pada saat yang sama, dalam gaya potret A.P. Antropov sepanjang periode karyanya, pengaruh tradisi seni lukis lama pada akhir abad ke-17 - awal abad ke-18 terasa. Kaitannya dengan teknik ikon dan parsuna terlihat jelas dalam banyak karyanya. Selain itu, kita tidak boleh lupa bahwa A.P. Antropov melukis ikon sepanjang hidupnya. Fokus serupa juga tercermin pada sejumlah karya A.P. Antropov, misalnya potret A.L. Apraksina, serta berbagai potret pendeta yang kerap ia lukis sebagai seniman anggota Sinode.

Pada tahun 1762, setelah kematian Elizabeth Petrovna dan naik takhta Peter III, Sinode Suci mempercayakan A.P. Antropov dengan potret seremonial kaisar baru. Kesempatan nyata muncul untuk membuat dirinya dikenal di istana; keberuntungan seakan tersenyum pada sang artis. A.P. Antropov melukis tiga potret seremonial besar penguasa. Namun, kaisar baru hanya memerintah selama enam bulan dan digulingkan oleh istrinya, calon Permaisuri Catherine II. AP Antropov tidak pernah menjadi pelukis istana, yang menjadi penghalang popularitasnya di masyarakat - lagipula, di Rusia, ketenaran, kehormatan, dan uang universal hanya dapat dicapai melalui pengakuan dari orang-orang paling agung.

Pada 1770-an-1780-an, kekuatan kreatif A.P. Antropov mulai menurun. Pada periode terakhir, A.P. Antropov semakin jarang bekerja dari kehidupan, tetapi menciptakan banyak ikon. Hingga akhir hayatnya, sang master melukis gambar “untuk dipersembahkan kepada orang-orang tertinggi”. Sinode mempercayakannya dengan berbagai tugas yang tidak hanya berkaitan dengan kendali atas pelukis ikon. Jadi, dia dikirim ke Moskow untuk memeriksa katedral Kremlin. Pada tahun 1789, sang seniman melakukan tindakan penting - ia memindahkan rumahnya sendiri ke Ordo Amal Umum untuk pendirian sekolah umum di dalamnya. Ia juga membuka sekolah melukis swasta, di antara murid-muridnya terdapat pelukis potret hebat masa depan D. G. Levitsky.

Antropov meninggal pada tahun 1795 dan dimakamkan di Alexander Nevsky Lavra, tempat ia pernah melukis ikon dan potret. Batu nisan di makamnya masih bertahan hingga saat ini. Alexei Petrovich Antropov menempati tempat yang layak dalam budaya artistik Rusia abad ke-18. Bakat pelukis yang luar biasa, kejujuran yang ketat dalam menggambarkan alam, serta kegiatan mengajar memberikan pengakuan yang layak bagi sang master.

Fyodor Rokotov (1735?-1808)

Pelukis potret terbesar Rusia pada paruh kedua abad ke-18, Fyodor Stepanovich Rokotov, benar-benar dilupakan oleh keturunannya. Karya-karyanya harus ditemukan kembali pada awal abad kedua puluh.

Asal usul Rokotov tidak diketahui secara pasti. Ia lahir di Moskow. Menurut beberapa sumber, Fyodor Stepanovich berasal dari keluarga budak, menurut hipotesis lain, ia adalah anak haram Pangeran P. I. Repnin. Informasi tentang guru pertama sang seniman belum disimpan; mungkin di masa mudanya ia belajar di Moskow dengan pelukis ikon. Pada tahun 1760, “atas perintah lisan” dari I. I. Shuvalov, Rokotov diterima di Akademi Seni. Seniman muda ini membuat kemajuan pesat dan nyata. Pendakiannya ke tangga pengakuan difasilitasi oleh perintah istana. Rokotov menulis “Potret Grand Duke Pavel Petrovich sebagai seorang anak.” Dengan naiknya takhta Catherine II, Rokotov dibawa lebih dekat ke istana. Pada tahun 1763, ia melukis potret seremonial Permaisuri sehubungan dengan penobatannya di Moskow. Untuk ciptaan ini dia dianugerahi. Sang seniman juga dipercaya untuk melukis favorit kerajaan Grigory Orlov dan putra tidak sah Catherine II dan Grigory Orlov, Alexei Bobrinsky.

Seniman berhasil: dia mendapatkan bengkelnya sendiri, dia punya murid. Dia menciptakan galeri potret perwakilan keluarga paling mulia: Yusupovs, Kurakins, Bestuzhevs-Ryumins, Golenishchevs-Kutuzovs. Rokotov, seperti seniman lain pada paruh kedua abad ke-18, masih memperhatikan status sosial modelnya: ia secara akurat menggambarkan seragam, tanda kebesaran, tatanan, dll. Namun, pada tahap awal St. Petersburg, sikap terhadap model terwujud dalam karyanya, yang ditandai dengan minat pada kualitas pribadi seseorang, pada dunia individualnya.

Selama ini Rokotov mengabdi di Akademi Seni, namun hal ini menyita banyak waktu seniman dan mengganggu kreativitasnya. Setelah menerima gelar akademisi, Rokotov berhenti dari dinasnya dan antara tahun 1765 dan 1767 ia pindah ke Moskow, di mana, tampaknya, ia tinggal sampai akhir hayatnya. Di kampung halamannya, sang seniman sebagian besar bekerja atas perintah swasta. Rokotov dengan demikian menjadi salah satu “seniman bebas” pertama di Rusia, yang tidak bergantung pada layanan pemerintah. Saat ini, sang seniman menghindari potret resmi yang sombong. Dia tertarik dengan tugas melukis lainnya: penciptaan ruang, kanvas intim yang mencerminkan gagasan sang master tentang struktur spiritual luhur para pahlawannya. Ia menciptakan jenis potret yang sesuai dengan gagasan kaum intelektual yang mulia tentang kehormatan, martabat, budaya, dan “rahmat spiritual”. Pelukis potret tidak diragukan lagi dipengaruhi oleh ide-ide Pencerahan dengan permasalahan karakter moral kelas istimewa dan “martabat sejati seorang bangsawan”.

Kebangkitan kreatif sang pelukis terungkap dalam serangkaian gambar wanita cantik. Masing-masing dari mereka luar biasa dengan caranya sendiri. Wajah-wajah perempuan muncul dari kegelapan dan tampak seperti semacam penglihatan dalam kabut warna terang; wajah-wajah itu dipenuhi dengan puisi luhur dan kenikmatan estetis. Uknyagini E. N. Orlova memiliki mata yang besar, sedih, dan penuh perhatian. Citranya dipenuhi dengan kemurnian bercahaya dan keindahan abadi masa muda.V. N. Surovtseva sangat feminin, dengan wajah Rusia yang sederhana dan tatapan mata yang bersinar. “Potret Countess E.V. Santi” menarik karena skema warnanya, kombinasi spektakuler warna kehijauan, merah muda dan kuning. Tapi mata Countess itu dingin dan jauh, tidak ada kehangatan di dalamnya.

Orang-orang dalam kanvas Rokotov sepertinya menyembunyikan sesuatu yang intim dan penting dalam diri mereka. Di balik ketenangan dan pengendalian, seseorang dapat mengasumsikan adanya gerakan internal, meski belum sepenuhnya disadari. Ini adalah potret Alexandra Struyskaya.

Setengah senyum misterius sang pahlawan wanita, matanya yang terbuka, kabut tipis yang indah, dan latar belakang gelap yang menjadi sumber munculnya garis-garis yang tidak jelas menciptakan salah satu gambar paling penuh perasaan dalam seni potret Rusia.

Sedikit yang diketahui tentang dekade terakhir kehidupan artis tersebut. Pada tahun 1790-an, permintaan akan potret Rokotov yang dipesan menurun secara signifikan. Di tahun-tahun kemundurannya, sang guru mulai mengajar. Di usianya yang sudah lanjut, sang artis jelas sudah tidak berkarya lagi. Dia menjalani hidupnya di Moskow dalam kesendirian. Dia tidak memiliki keluarga sendiri; kerabat terdekat dan ahli warisnya adalah keponakannya. Fyodor Stepanovich Rokotov meninggal pada 12 Desember (gaya lama) 1808 dan dimakamkan di Biara Novospassky. Makamnya hilang, hanya tinggal catatan di daftar pemakaman biara.

Karya Rokotov merupakan keseluruhan tahapan dalam sejarah potret Rusia. Sang master berusaha menemukan cita-cita keindahan, tanpa berusaha menjadikannya pahlawan atau membawanya lebih dekat ke standar abstrak. Sepanjang hidupnya, Rokotov secara eksklusif melukis potret perwakilan kelas bangsawan: dari kaisar hingga pemilik tanah provinsi. Pada era ini kaum bangsawanlah yang menjadi pengemban kebudayaan, pencerahan dan pendidikan. Namun, sang seniman mengedepankan ciri-ciri kepribadian yang memiliki nilai kemanusiaan universal. Dia menciptakan gambaran yang sangat ideal dan menghapus segala sesuatu yang bersifat pribadi dan tidak perlu. Selain itu, ia tidak pernah memberikan gambaran yang lengkap tentang karakteristik potretnya. Secara puitis merangkum ciri-ciri model, dia membesarkan seseorang, menjadikannya lebih baik dan lebih bersih. Itulah mengapa wajah-wajah “misterius” dan penuh inspirasi di kanvas F. S. Rokotov begitu menarik.

Dmitry Levitsky (1735-1822)

Levitsky akhirnya menetap di St. Petersburg. Periode paling bermanfaat dalam hidupnya dimulai. Selama bertahun-tahun ia mengasosiasikan dirinya dengan Akademi Seni, yang pada saat itu merupakan pusat kehidupan seni di Rusia. Pada tahun 1771, sang seniman mengepalai kelas potret dan memimpinnya terus menerus selama hampir tujuh belas tahun. Pada saat yang sama, ia mulai menerima perintah pengadilan, perintah dari Akademi dan individu dari elit bangsawan St. Petersburg.

Di antara karya-karya Levitsky yang masih ada dari tahun 1770-an, berbagai versi potret seremonial mendominasi. Tujuan utama dari potret semacam itu adalah untuk memuliakan seseorang yang berstatus sosial tinggi. Orang yang digambarkan muncul di hadapan penonton dalam bentuk yang paling representatif - berseragam, dengan perintah, lencana, dan dorongan kerajaan. Perabotan dan atribut harus dengan fasih memberikan kesaksian tentang pentingnya seseorang dan tindakannya, terhadap tingkat prestise yang dicapai. Contohnya adalah potret arsitek A.F. Kokorinov, rektor Akademi Seni dan salah satu penulis gedungnya di Pulau Vasilyevsky. Kokorinov difoto di kantornya - pengaturan umum untuk menggambarkan pejabat tinggi pemerintah. Arsitek menunjuk pada denah gedung Akademi Seni yang terletak di depannya - gagasan favoritnya. Arsiteknya mengenakan setelan mewah dengan tekstur yang dibuat dengan indah - kamisol bersulam emas dan kaftan dengan hiasan bulu. Penonton disuguhkan dengan seorang bangsawan yang jasanya bagi perkembangan seni di Rusia. Namun, penetrasi psikologis yang mendalam ke dalam dunia batin manusia belum tercapai.

Tahun tujuh puluhan abad kedelapan belas bagi Levitsky merupakan dekade kebangkitan kekuatan kreatif tertinggi. Metode artistik pelukis potret berkembang sejalan dengan klasisisme Pencerahan: latar depan dalam memahami seseorang adalah kesesuaiannya dengan model warga negara yang ideal, kualitas moralnya. Levitsky juga menciptakan gambar-gambar menyentuh hati yang mengungkapkan batin seseorang yang kualitas pribadinya membangkitkan simpati sang master. Tren ini berlaku dalam potret ruang, sebagaimana biasa disebut gambar payudara atau pinggang format kecil dengan latar belakang netral, tanpa perabotan apa pun. Sang master menciptakan galeri potret orang-orang yang dekat secara spiritual dengannya - penulis A. V. Khrapovitsky, filsuf pencerahan Perancis Denis Diderot, M. A. Dyakova.

Keberhasilan pelukis yang diakui secara umum adalah serangkaian potret Smolyankas - murid dari Masyarakat Pendidikan untuk Gadis Mulia di Biara Smolny (kemudian - Institut Smolny). Murid-murid yang menonjol dalam bidang sains dan seni berpose untuk pelukis potret. Pengerjaan seri ini selesai pada tahun 1776, yang bertepatan dengan wisuda pertama siswanya. Gambar berpasangan dari F. S. Rzhevskaya dan A. M. Davydova, E. N. Khrushcheva dan E. N. Khovanskaya, menari dengan anggun N. S. Borscheva, E. I. Nelidova dan A.P. Levshina mengungkapkan jenis genre baru untuk seni Rusia - “potret dalam peran.” Kanvas-kanvas tersebut mengungkap narasi indah tentang para pahlawan wanita yang hidup baik dalam bentuk teatrikal maupun dalam dunia tertutup masa muda mereka yang semakin dewasa.

Pada 1780-an, Dmitry Grigorievich Levitsky adalah seorang seniman terkenal dan populer. Dia tidak kehilangan pesanan bergengsi untuk potret seremonial. Salah satu potret representatif yang menjadi tonggak sejarah jalur kreatif sang master adalah “Catherine II - Legislator”. Karya tersebut tidak biasa bagi sang seniman: di dalamnya gagasan gambar potret terungkap melalui komposisi alegoris. Karya tersebut sukses besar, dan penulis mengulangi karyanya beberapa kali.

Pada tahun 1790-an, Levitsky melukis sejumlah besar potret pesanan. Ini adalah komandan perang Catherine yang terkenal P. A. Rumyantsev-Zadunaisky, A. V. Suvorov, N. V. Repnin; diplomat dan penasihat terkemuka Catherine II G. A. Potemkin, A. A. Bezborodko. Potret siri ini mewakili jenis potret perwakilan pendidikan baru yang dikembangkan oleh Levitsky. Setelah meninggalkan kemegahan barok dan perlengkapan klasik, sang seniman memeriksa modelnya dengan bijaksana dan efisien. Dia tidak mencari solusi komposisi baru, pose spektakuler, atau gerak tubuh. Kesederhanaan dan harga diri adalah “rahmat spiritual” yang ia tekankan.

Kemuliaan Levitsky memudar pada paruh kedua tahun 1810-an, setelah berakhirnya perang dengan Napoleon. Namanya menghilang dari halaman jurnal dan laporan dewan akademik, dan dia tidak menerima perintah resmi. Pada tanggal 7 April 1822, kehidupan Dmitry Grigorievich Levitsky terputus.

Abad ketujuh belas merupakan titik balik dalam sejarah Rusia dan budayanya. Pada abad ini, hampir semua tanah Rusia kuno menyatu. Fakta terpenting dalam kehidupan politik negara adalah reunifikasi masyarakat Rusia dan Ukraina. Pada akhir abad ini, Rusia mencapai Laut Hitam dan memulai perang dengan Swedia untuk mendapatkan akses ke Laut Baltik. Lahan di bagian timur negara ini sedang dikembangkan dengan lebih pesat.

Ini adalah masa konflik sosial yang akut yang menunjukkan kekuatan rakyat, keinginan mereka untuk melawan penindasan yang tak tertahankan dari kelas penguasa. Pada abad ke-17, ikatan politik dan budaya antara Rusia dan negara-negara tetangganya yang berjauhan meluas dan mendalam. Keterkaitan ini memaksa masyarakat untuk semakin memperhatikan kehidupan budaya Eropa Barat, yang berdampak signifikan terhadap seni Rusia. Yang paling penting adalah ideologi agama yang dominan sudah retak. Protes terhadap otoritas sekuler dan gerejawi memunculkan berbagai gerakan ideologis, di mana muncul keinginan untuk menyingkirkan pengawasan agama yang menindas dan untuk membenarkan prioritas akal dan akal sehat di atas dogma-dogmanya. Proses ini dapat ditelusuri dalam seni keagamaan, yang lambat laun kehilangan karakter dogmatisnya yang tidak fleksibel dan terkadang diisi dengan konten sekuler yang terbuka. Runtuhnya sistem seni abad pertengahan, pemecahan prinsip-prinsipnya secara tegas, membuka jalan bagi seni zaman modern di abad ke-18. Fakta terpenting kehidupan seni Rusia abad ke-17 adalah sentralisasi manajemen seni. Perubahan di dalamnya diatur oleh pihak berwenang. Di semua negeri, Moskow telah menjadi otoritas yang tak terbantahkan di bidang seni. Pada saat yang sama, tentu saja tidak menutup kemungkinan berkembangnya sekolah seni lokal atau aktivitas seniman provinsi yang masih berpegang teguh pada norma seni lama.

Sudah pada pergantian abad 16-17, seiring dengan tren seni lukis ikon yang berorientasi pada gaya lukisan monumental abad 15-awal abad 16 dan diberi nama huruf “Godunov”, arah lain pun terbentuk. Hal ini diwakili oleh ikon tulisan “Stroganov”, yang penulisnya menetapkan tujuan mereka untuk menciptakan karya (biasanya berukuran kecil) yang ditujukan untuk doa di rumah. Ikon Procopius Chirin, Istoma Savin, Nikifor Savin, Emelyan Moskvitin dibedakan berdasarkan perawatan dekorasi dan penggunaan emas dan perak.

Pada pertengahan abad ke-17, teknik penulisan miniatur para empu Stroganov dipindahkan ke karya berukuran besar. Begitulah ikon “John in the Wilderness” (20-30an) atau “Annunciation with Akathist” (1659, penulis Yakov Kazanets, Tavrilo Kondratyev, Simon Ushakov).

Pada pertengahan dan paruh kedua abad ke-17, para pelukis ikon bekerja, mempersiapkan lukisan Rusia untuk transisi ke posisi seni realistik. Pertama-tama, Simon Ushakov adalah milik mereka. Benar, dalam praktik kreatif ia kurang konsisten dibandingkan dengan penalaran teoretis. Salah satu komposisi favorit sang seniman adalah “Penyelamat yang Tidak Dibuat dengan Tangan.” Dalam ikon-ikon ini, Ushakov mengupayakan bentuk tiga dimensi yang dimodelkan dengan cermat, untuk menciptakan lingkungan spasial yang nyata. Pada saat yang sama, ia tidak mampu mengatasi konvensi penulisan ikon lama. Namun, keinginan untuk kebenaran yang hidup, yang ditunjukkan oleh Simon Ushakov dan rekan-rekannya - Bogdan Saltanov, Yakov Kazanets, Kirill Ulanov, Nikita Pavlovets, Ivan Bezmin dan master lainnya dalam karya mereka, membuahkan hasil di masa depan. Tren baru dalam seni lukis Rusia abad ke-17 secara khusus termanifestasi dengan jelas dalam “parsuna” (dari kata “orang”), yang merupakan langkah pertama menuju pengembangan potret realistik. Benar, baik dalam lukisan ikon maupun lukisan pada zaman ini kita menemukan gambaran orang-orang nyata. Namun, di sini gambar-gambar ini tunduk pada aturan penulisan ikon. Hal lain ada di parsun. Tugas utama yang ditetapkan penciptanya untuk dirinya sendiri, mungkin, adalah transmisi yang lebih akurat tentang ciri-ciri khas orang tertentu. Dan dalam hal ini, seniman terkadang mencapai ekspresi yang luar biasa, menunjukkan ketajaman visi artistik yang luar biasa. Parsun terbaik termasuk gambar Tsar Fyodor Ioannovich, Pangeran Skopin-Shuisky, Ivan IV dan lainnya. Pada paruh kedua abad ke-17, banyak pelukis asing bekerja di Moskow, termasuk seniman Belanda D. Wuchters. Potret kelompok "Patriark Nikon menyampaikan khotbah kepada pendeta" dikaitkan dengannya. Tidak diragukan lagi, karya-karya master asing memengaruhi pelukis Rusia, membantu mereka mengambil jalur seni realistis. Bukan suatu kebetulan jika di paruh kedua muncul karya-karya potret yang paling mengantisipasi seni potret abad ke-18.

Dari abad ke-17 hingga zaman kita, banyak siklus lukisan dinding yang bertahan. Penulisnya adalah seniman dari Moskow, Kostroma, Yaroslavl, Vologda, artel Nizhny Novgorod, dan ahli pusat seni lainnya. Karya mereka terkadang tumpang tindih dengan lukisan ikon, namun pada saat yang sama, bentuk lukisan mural itu sendiri memerlukan teknik dan metode penggambaran khusus. Patut dicatat bahwa dalam lukisan-lukisan itulah, pertama-tama, tren-tren baru muncul: sebuah cerita yang menghibur, banyak detail sehari-hari.

Sifat lukisan monumental abad ke-17 ditentukan oleh aktivitas seniman yang bekerja di Moskow. Monumen paling menarik di sini antara lain lukisan Katedral Malaikat Agung (1652-1666).

Kesan terpenting yang ditinggalkan lukisan abad ke-17 adalah kesan dinamika dan energi internal. Benar, lukisan-lukisan Rostov masih mempertahankan penguasaan garis halus dan fleksibel, dengan bebas menguraikan siluet sosok-sosok itu. Di Gereja Juru Selamat di Senya, diaken disajikan dengan jubah pesta. Pose mereka tenang, gerakan mereka terukur dan khusyuk. Namun di sini juga, sang seniman memberi penghormatan kepada waktu: pakaian brokat dihiasi dengan pola bunga dan geometris yang rumit. Lukisan Gereja Juru Selamat di Senya dan Gereja Kebangkitan (1670-an) adalah seni yang meriah dan khusyuk. Berbeda dengan lukisan-lukisan Rostov yang disebutkan di atas, lukisan-lukisan gereja-gereja Yaroslavl karya Elia sang Nabi (1694-1695, artel seniman di bawah kepemimpinan D. Plekhanov) penuh dengan gerakan aktif. Seniman tidak memperhatikan kelangsingan siluet atau kecanggihan garis. Mereka benar-benar asyik dengan aksi yang terungkap dalam berbagai adegan. Para “pahlawan” lukisan dinding memberi isyarat dengan penuh semangat, dan isyarat ini adalah salah satu cara utama untuk mencirikan mereka. Warna lukisan Yaroslavl memainkan peran yang sangat penting dalam menciptakan kesan pesta. Warna-warna di dalamnya cerah dan nyaring. Hal ini bahkan menghilangkan rasa ketegangan dramatis pada adegan eskatologis, meskipun para seniman mencoba dalam komposisi seperti “The Last Judgment” of the Forerunner Church untuk membuat pemirsa berpikir tentang pembalasan yang tak terhindarkan “di dunia berikutnya” atas dosa-dosa di dunia ini. Georgieva T. S. Budaya Rusia: sejarah dan modernitas: buku teks. uang saku. - M.: Yurayt, 1998. - Hal.25.

Dengan demikian, budaya seni Rusia abad ke-17 didasarkan pada Moskow dan sekolah seni lokal, dan dipengaruhi oleh sekolah seni asing. Pada saat yang sama, ia semakin memperoleh karakter sekuler.

dalam mata kuliah Kulturologi

Topik: Kebudayaan dan seni abad 17 – 19

1. Kebudayaan dan seni abad 17-18

1.1 Era absolutisme

1.2 Estetika klasisisme

1.3 Seni Barok

1.4 Karya Rembrandt dan El Greco

2. Kebudayaan dan seni abad ke-19

2.1 Filsafat Kant

2.2 Teori Schiller

2.3 Ide estetis dalam karya romantisme Jerman

2.4 Karya Goethe

2.5 Filsafat Hegel

2.6 Impresionisme

2.7 Pasca-Impresionisme

3. Daftar sumber yang digunakan

1. Kebudayaan dan seniXVII- XVIIIberabad-abad

Dengan munculnya era baru, warisan Renaisans tidak memudar selamanya dan, setelah mengalami perubahan, terus menjalani kehidupannya sendiri. Seni Abad Pertengahan dengan mahakarya arsitektur dan lukisannya tidak hilang dari muka bumi, meskipun terjadi perang dan kehancuran agama, kampanye Perang Salib dan kebakaran inkuisitorial, masih memusatkan perhatian pada vertikal Gotik. Zaman kuno mengingatkan kita akan dirinya sendiri dengan subjek mitologis dan keinginan abadi untuk menghidupkan kembali harmoni yang hilang. Kebudayaan dunia terus mengumpulkan potensinya, diperkaya dengan pencarian dan penemuan baru dan mencoba membangun gambaran baru tentang dunia, tidak hanya didasarkan pada pemahaman religius dan artistik tentang dunia dan manusia, seperti pada era sebelumnya, tetapi pada pemahaman ilmiahnya semakin berkembang.

1.1 Era absolutisme

Pada abad ke-17 Budaya artistik Italia secara signifikan kehilangan kehebatannya sebelumnya, dan pusat budaya spiritual Eropa berpindah ke Prancis. Semangat inovatif seni rupa Prancis terbentuk bukan tanpa pengaruh kondisi politik dan ekonomi baru. Perancis adalah contoh negara klasik absolutisme yang menjadi prinsip pemersatu masyarakat. Di kota-kota abad pertengahan, pemerintahan sendiri lokal digantikan oleh dominasi kaum borjuis dan kekuasaan terpusat. Sebuah masyarakat sipil baru telah muncul dengan sendirinya.

Selain peran progresifnya, absolutisme juga memiliki sisi negatif, yang pertama-tama berdampak pada menguatnya stratifikasi sosial masyarakat dan memburuknya kehidupan kaum tani yang berada di tangga sosial paling bawah. Hal ini menyebabkan banyak pemberontakan petani, yang ditindas secara brutal oleh otoritas kerajaan. Basis sosial era absolutisme terasa menyempit dibandingkan budaya Renaisans sebelumnya. Pertama-tama, ini mencerminkan kepentingan dua kelas, yaitu kaum bangsawan dan borjuasi.

Absolutisme yang diperkuat (di Spanyol, Prancis, dan negara-negara Eropa lainnya) didirikan prinsip pengaturan dan pengaturan universal semua aspek kehidupan - mulai dari ekonomi dan politik hingga budaya dan seni. Hal ini menyebabkan penindasan terhadap semua inisiatif dan kebebasan pribadi. Dasar dari perilaku manusia adalah kewajiban yang dipersonifikasikan oleh negara dan harus dipatuhi oleh setiap anggota masyarakat. Kepatuhan yang ketat terhadap semua persyaratan kekuasaan negara dan penyerahan tanpa syarat kepadanya dinyatakan sebagai kebajikan tertinggi. Perilaku seseorang dibatasi oleh norma dan aturan perilaku tertentu. Dibandingkan dengan budaya Renaisans sebelumnya, seseorang tidak hanya dirampas kebebasan berperilaku, tetapi juga kebebasan memandang dunia. Absolutisme berhasil ditundukkan kekacauan keinginan egois individu individu yang berusaha mewujudkan kepentingannya di era kapitalisme.

1.2 Estetika klasisisme

Sifat tenaga kerja berubah secara signifikan: manufaktur berhasil berkembang, yang memerlukan pembagian kerja, yang menghasilkan keberhasilan yang cukup tinggi dalam produksi material. Industri tertarik pada pengembangan ilmu eksakta fisika, matematika, kimia, astronomi, dll. Dalam filsafat, ia menang rasionalisme, prinsip-prinsip dasar yang dituangkan dalam karyanya “Discourse on Method” (1637) oleh R. Descartes, di mana ia merumuskan empat aturan “untuk bimbingan pikiran”, yang diringkas sebagai berikut:

1) jangan menerima apa yang Anda ragukan sebagai benar;

2) membagi setiap kesulitan menjadi banyak kesulitan kecil;

3) pengetahuan harus dimulai dari yang sederhana sampai yang kompleks;

4) untuk menghindari kelalaian, Anda perlu menyajikan alasan Anda secara konsisten tentang subjek tersebut.

Prinsip-prinsip ini menjadi landasan filosofis estetika klasisisme, yang paling banyak tercermin dalam sastra, teater, dan arsitektur abad ke-17. Ahli teori klasisisme adalah N. Boileau, yang menguraikan pandangannya dalam “Poetic Art” (1674). Berbicara kepada para penyair, dia menulis:

“Jadi biarlah maknanya menjadi yang paling kamu sayangi,

Biarkan saja dia memberi kilau dan keindahan pada puisi!”

Yang indah, menurut klasisisme, tidak mungkin berada di luar kebenaran, dan karena subjek Kristen pada dasarnya tidak rasional, maka mereka tidak mendapat tempat dalam seni. Isi dan bentuk pengungkapannya harus jelas dan tepat. Dasar keindahan dinyatakan sebagai keselarasan bagian-bagian dan keseluruhan; persyaratan ini sepenuhnya tercermin dalam seni dramatis Corneille, Racine dan Moliere, serta dalam arsitektur.

P. Boileau menaruh banyak perhatian tanggung jawab moral artis, pada tugas dan keterampilan profesionalnya, yang harus ia kuasai dengan cemerlang. Salah satu syarat utama yang dikemukakan para ahli teori klasisisme kepada seniman adalah syarat dalam segala hal mengikuti zaman kuno, berdasarkan mitologinya. Namun, penulis Prancis menguasai zaman kuno dengan caranya sendiri: pertama-tama, mereka dipandu oleh seni Romawi dengan karakternya yang tegas dan berani yang menarik perhatian mereka dan konsisten dengan kebutuhan kehidupan masyarakat Prancis. Bukan suatu kebetulan bahwa pahlawan positif Corneille adalah Augustus dan Horace, yang mempersonifikasikan tugas dan patriotisme serta mendahulukan kepentingan negara di atas kepentingannya sendiri.

Persyaratan seperti itu juga memiliki sisi positifnya; berkontribusi pada sosialisasi individu, membatasi keinginan egoistik individu. Situasi dalam masyarakat ini telah diramalkan oleh Shakespeare, yang memperingatkan bahwa jika tidak, maka “perang semua melawan semua” akan terjadi. Oleh karena itu, seni, dengan mengikuti tuntutan kaum klasik, tidak hanya tidak membatasi kebebasan warga negara, tetapi juga mendisiplinkan mereka, memenuhi tujuan luhurnya dan mendidik masyarakat sesuai dengan tuntutan negara.

Kekhususan sarana bergambar dan ekspresif dalam seni ditentukan oleh prinsip-prinsip dasar (yang menjadi kanon) yang dikemukakan oleh estetika klasisisme: bahasa seni harus diusahakan jelas, jelas dan rasionalistik; komposisinya harus dibangun sesuai dengan aturan yang ditetapkan secara ketat, dll. Aturan yang jelas untuk seni drama adalah persyaratannya tiga kesatuan tempat, waktu dan tindakan, yang diikuti dengan ketat oleh penulis naskah drama saat menciptakan karyanya. Dalam melukis, preferensi diberikan pada gambar daripada komposisi, warna dan cat. Tugas utama seniman adalah mempengaruhi masyarakat dengan kekuatan nalar dan logika yang jelas. Menurut seniman klasik N. Poussin, lukisan tidak lebih dari sebuah “penggambaran konsep-konsep spiritual”, yang diwujudkan dalam gambar-gambar material yang diciptakan dengan cara klasisisme tertentu. Oleh karena itu idealisasi subjek lukisannya, hiasannya yang mencolok dan beberapa keabstrakan .

Yang indah diidealkan oleh kaum klasik; mereka melihat sumbernya bukan pada alam, tetapi pada prinsip spiritual tertentu, yang pedomannya adalah akal. Mereka menempatkan keindahan spiritual di atas keindahan alam, dan karya seni di atas ciptaan alam. Keindahan alam harus terbebas dari kekasaran awal, dibersihkan dari lapisan-lapisan dan dibentuk sesuai dengan kebutuhan akal. Namun karena pikiran diasosiasikan dengan pemikiran abstrak – konsep yang mencerminkan hal yang umum, maka seni harus ditujukan untuk mencerminkan hal yang paling umum dan khas.

Tokoh-tokoh tokoh dalam drama, menurut syarat estetika klasisisme, tidak boleh berkembang dan bertentangan. Mengikuti aturan ini, sebagian besar pahlawan Moliere bersifat statis dan skematis, memiliki serangkaian karakter tertentu. Tidak ada hal baru yang muncul di dalamnya - sepanjang drama mereka tetap sama: yang pelit itu pelit, dan yang bodoh itu bodoh. Dengan demikian, gagasan pokok estetika klasisisme direduksi menjadi keharusan untuk mensubordinasikan seni pada peraturan yang ketat dengan alasan, seperti halnya seseorang harus tunduk kepada masyarakat.

1.3 Seni Barok

Pada saat yang sama, dalam seni abad ke-17. ciri-ciri dan kecenderungan yang diwarisi dari masa lalu tetap dipertahankan. Dalam banyak hal, hal-hal tersebut merupakan kebalikan dari apa yang dibahas di atas. Seni barok, yang paling tersebar luas di Roma, dengan caranya sendiri mencerminkan gagasan Renaisans akhir tentang ketidakstabilan dan kerapuhan keberadaan, sifat kebahagiaan manusia yang bersifat jangka pendek, kesia-siaan upaya dan pencarian cita-cita dalam kehidupan duniawi. Sikap pesimistis akibat tak terpenuhinya harapan yang dipendam para humanis Renaisans terungkap dalam gaya seni Barok dan Rococo yang unik. Seni Barok dicirikan oleh ciri-ciri berikut - garis-garis berliku dan gugup dalam lukisan, kepura-puraan dan konglomerasi banyak detail individu dalam arsitektur, serta tema tertentu dari karya sastra yang berusaha menggambarkan para martir demi iman Kristen, adegan bunuh diri. Barok dibedakan dari seni klasisisme, yang dibedakan oleh kekerasan, dinginnya dan dalam segala hal konsisten dengan logika akal, dinamisme dan kontradiksi, emosionalitas dan sensualitas gambar. Yang pertama berbau harmoni yang ketat, yang kedua - kehangatan dan keramahan, fisik dan kehausan akan kehidupan. Ciri-ciri tersebut tercermin dalam lukisan P. Rubens. Dengan menggunakan subjek kuno, ia menciptakan karya yang memancarkan energi dan kegembiraan kehidupan sensual.

1.4 Karya Rembrandt dan El Greco

Terlepas dari pengaruh prinsip artistik barok dan klasisisme, ada seniman yang karyanya tidak dapat dikaitkan dengan gerakan atau gaya tertentu. Orang jenius selalu berada di atas norma dan aturan apa pun yang didiktekan dari luar. Mereka tetap bebas dalam berkreasi, seringkali jauh lebih maju dari zamannya. abad ke-17 kaya akan talenta, tetapi Rembrandt dan El Greco berhak menempati tempat yang layak di antara mereka.

Abad ke-17 ternyata sangat menguntungkan bagi perkembangan tersebut budaya seni. Abad ini tidak hanya menjadi abad ilmu pengetahuan, tetapi juga menjadi abad seni. Benar, mengingat perkembangan ilmu pengetahuan baru saja dimulai, sedangkan seni telah mencapai puncaknya. Meski begitu, langit di atasnya masih cerah tak berawan. Prestisenya di masyarakat sangat tinggi. Dalam hal jumlah seniman besar abad ke-17, tampaknya ia melampaui semua seniman lainnya, termasuk zaman Renaisans. Apalagi jika pada masa Renaissance Italia tidak ada bandingannya dalam bidang seni, maka pada abad ke-17. seni sedang meningkat di semua negara Eropa, dan Perancis sekarang terlihat lebih disukai.

Seperti bidang kebudayaan lainnya, seni juga mengalami dampak diferensiasi. Keterasingannya menjadi semakin menonjol dan berbeda. Bahkan hubungannya dengan agama pun terasa melemah. Akibatnya, subjek agama dan mitologi menghilangkan kesedihan yang berlebihan dan dipenuhi dengan vitalitas dan kealamian yang mendalam.

Akibat lain dari diferensiasi adalah hilangnya kepribadian universal yang menjadi ciri khas zaman itu di kalangan seniman. tidak hanya seorang seniman yang brilian, tetapi juga seorang ilmuwan, pemikir, dan penemu yang hebat. Meskipun pada tingkat yang lebih rendah, hal yang sama dapat dikatakan tentang L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais dan lain-lain. Kini figur berskala besar seperti itu sudah mulai langka. Pada saat yang sama, terjadi peningkatan prinsip subjektif dalam seni. Hal ini terwujud dalam semakin banyaknya individu cerdas, dalam kebebasan berkreasi dan keberanian yang lebih besar, dan dalam pandangan yang lebih luas.

Dalam seni juga terjadi proses diferensiasi, genre-genre yang ada berubah dan bermunculan genre-genre baru. DI DALAM lukisan Lanskap dan potret menjadi genre yang sepenuhnya independen, di mana psikologi diperkuat. Lukisan alam benda dan gambar binatang muncul. Pentingnya solusi komposisi asli, warna, keindahan, dan rasa semakin meningkat.

DI DALAM musik opera lahir. Pencipta genre ini adalah komposer Italia C.Monteverdi (1567-1643), menulis opera "Orpheus", yang dipentaskan 1607 dan menjadi mahakarya seni opera yang sesungguhnya. Untuk pertama kalinya, musik di dalamnya tidak hanya melengkapi puisi, tetapi menjadi tokoh utama, mengungkapkan makna dari segala sesuatu yang terjadi di atas panggung. Selain opera, kantata dan oratorio juga muncul dalam musik.

Gaya utama dalam seni abad ke-17. Barok dan klasisisme muncul. Beberapa sejarawan seni percaya bahwa pada saat yang sama realisme muncul sebagai gaya khusus dalam seni, tetapi pandangan ini masih diperdebatkan, meskipun adanya kecenderungan realistis diakui.

Barok

Barok muncul pada akhir abad ke-16. di Italia. Kata “barok” sendiri berarti “aneh”, “aneh”. Gaya Barok dicirikan oleh gambaran dinamis, ketegangan, kecerahan, keanggunan, kontras, keinginan akan keagungan, kemegahan dan kemegahan, sintesis seni, kombinasi realitas dan ilusi, peningkatan emosi dan sensualitas. Barok adalah gaya elit aristokrat dari masyarakat feodal yang keluar, gaya budaya Katolik.

Perwakilan terkemuka dari Barok Italia adalah arsitek, pematung, dan pelukis Romawi L.Berni (1598-1680). Karyanya mewujudkan semua ciri gaya yang paling khas - baik yang kuat maupun yang lemah. Banyak karyanya terkonsentrasi di monumen utama Roma Katolik - Katedral St. Louis. Petra. Di bawah kubahnya, dibangun oleh Michelangelo yang agung, berdiri struktur monumental dan dekoratif yang megah - kanopi setinggi tiga puluh meter, dan di altar terdapat mimbar marmer Petrus yang sama megahnya, dihiasi dengan emas dan patung-patung yang menggambarkan malaikat dan dewa asmara, para Bapa Gereja dan orang-orang kudus.

Ciptaan Bernini yang lebih megah lagi adalah barisan tiang yang megah, terdiri dari 284 kolom, ditempatkan dalam empat baris dan membingkai sebuah persegi besar di depan Katedral St. Louis. Petra. Karya pahatan Bernini yang paling signifikan adalah “Apollo dan Daphne” dan “The Ecstasy of St. Teresa.”

Tokoh Barok Eropa yang paling terkenal adalah seniman Flemish P.Rubens (1577-1640). Dia berhak disebut sebagai kepribadian universal, yang skalanya tidak kalah dengan para raksasa Renaisans. Dia dekat dengan humanis dan menyukai karya klasik Antiquity - Plutarch. Seneca, Horace, tahu enam bahasa, termasuk bahasa Latin. Rubens bukanlah seorang ilmuwan atau penemu, namun ia memahami masalah astronomi dan arkeologi, menunjukkan ketertarikan pada jam tanpa mekanisme, pada gagasan gerak abadi, mengikuti perkembangan baru dalam filsafat, banyak memahami tentang politik dan berpartisipasi aktif dalam dia. Yang terpenting dia mencintai kehidupan manusia itu sendiri.

Rubens mewujudkan komitmennya terhadap humanisme dalam karyanya. Ia menjadi penyair hebat dalam kehidupan yang penuh dengan kebahagiaan, kesenangan, dan lirik. Dia tetap menjadi penyanyi daging manusia - laki-laki dan terutama perempuan yang tak tertandingi, keindahan sensual tubuh manusia. Hanya Rubens yang mampu, dengan keberanian dan cinta seperti itu, menyampaikan keindahan daging itu sendiri, kehangatannya yang lembut, kelenturannya yang lembut. Ia berhasil menunjukkan bahwa daging bisa menjadi indah tanpa harus memiliki bentuk yang indah.

Salah satu tema sentral karyanya adalah wanita, cinta dan anak sebagai buah cinta yang alami dan indah. Sisi karyanya ini dapat dilihat dan dirasakan dalam film-film seperti “Venus dan Adonis”. "Juno dan Argus", "Perseus dan Andromeda", "Batsyeba".

Selama di Italia, Rubens bersekolah di sekolah seni yang bagus. Namun, temperamen Flemishnya tidak mengambil segalanya dari orang-orang Italia yang hebat. Diketahui bahwa para master Italia lebih menyukai keseimbangan, ketenangan dan harmoni, yang memungkinkan mereka menciptakan keindahan abadi. Rubens mematahkan semua ini demi pergerakan. Sosok manusia yang ia gambarkan seringkali menyerupai pegas yang terkompresi, siap untuk segera terbuka. Dalam hal ini, ia paling dekat dengan Michelangelo, yang pahatannya penuh dengan ketegangan dan gerakan internal. Karya-karyanya juga penuh dengan dinamisme yang kuat. Ini, khususnya, adalah lukisan “Pertempuran Amazon”, “Penculikan Putri Leucippus”, “Perburuan Singa”, “Perburuan Babi Hutan”.

Dalam karya Rubens, warna dan keindahan lebih diutamakan daripada gambar. Di sini Titian menjadi teladannya. Rubens tidak menyukai kontur yang terlalu jelas. Tampaknya memisahkan materi dari bentuk, menjadikannya bebas, hidup, dan duniawi. Sedangkan untuk warna, sang seniman lebih menyukai warna-warna cerah, bersih dan kaya, penuh dengan vitalitas yang sehat. Dia tidak terlalu mengupayakan harmoninya melainkan orkestrasinya, untuk menciptakan simfoni warna. Rubens pantas disebut sebagai komposer warna yang hebat.

Klasisisme

Tanah air klasisisme menjadi Perancis. Jika Barok mengutamakan perasaan, maka klasisisme bertumpu pada akal. Norma tertinggi dan contoh ideal baginya adalah seni kuno. Prinsip utamanya adalah kejelasan, keteraturan, konsistensi logis, keselarasan dan keselarasan.

Menurut klasisisme, subjek seni harus luhur dan indah, heroik dan mulia. Seni seharusnya mengekspresikan cita-cita moral yang tinggi, mengagungkan keindahan dan kekayaan spiritual manusia, mengagungkan kemenangan tugas sadar atas unsur perasaan. Penilai seni bukan hanya selera, tapi juga akal.

Klasisisme berbagi prinsip-prinsip dasar rasionalisme dan, di atas segalanya, gagasan tentang struktur dunia yang rasional. Namun, dalam memahami hubungan antara manusia dan alam, ia berbeda dengannya, melanjutkan garis humanisme Renaisans dan percaya bahwa hubungan ini harus dibangun di atas prinsip keharmonisan dan harmoni, bukan dominasi dan ketundukan. Apalagi bagi seni yang salah satu tugasnya adalah mengagungkan keharmonisan manusia dengan alam yang indah.

Pendiri dan tokoh utama klasisisme di lukisan adalah seorang seniman Perancis N.Poussin (1594-1665). Dalam karyanya, ia sepenuhnya mengandalkan rasionalisme R. Descartes, percaya bahwa sensasi selalu bersifat parsial dan sepihak, dan hanya akal yang dapat memahami subjek secara komprehensif dan dalam segala kompleksitasnya. Oleh karena itu, akal harus menilai segalanya.

Poussin menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Italia, namun hal ini tidak menghentikannya untuk menjadi seniman Prancis sejati, yang menciptakan salah satu gerakan mata dalam seni yang ada hingga saat ini. Di antara para master Italia, Raphael memiliki pengaruh terbesar padanya. yang karya-karyanya merupakan contoh ideal dari kesempurnaan yang utuh, serta Titian, yang darinya semua seniman berikutnya mengambil pelajaran tentang keindahan murni.

Meski Poussin lebih mengutamakan akal, karya seninya tidak bisa disebut kering, dingin, dan rasional. Ia sendiri mencatat bahwa tujuan seni adalah kesenangan, bahwa segala upaya seniman ditujukan untuk memberikan kenikmatan estetis kepada penontonnya. Karya-karyanya sudah mengandung dua unsur utama seni, ketika menjadi fenomena yang benar-benar mandiri dan mandiri.

Salah satunya terkait dengan plastisitas, yang diciptakan melalui sarana bergambar yang murni artistik, kombinasi garis dan warna, yang merupakan sumber kenikmatan estetis yang istimewa. Yang kedua dikaitkan dengan ekspresi, ekspresi, yang dengannya seniman memengaruhi pemirsa dan membangkitkan dalam dirinya keadaan pikiran yang ia alami sendiri.

Kehadiran kedua prinsip tersebut memungkinkan Poussin memadukan kecerdasan dan perasaan. Keutamaan akal dipadukan dengan kecintaannya pada daging dan sensualitas. Hal ini dibuktikan dengan lukisannya “Venus dan Adonis”, “Sleeping Venus”, “Bacchanalia” dan lain-lain, dimana kita melihat seseorang yang sempurna baik jasmani maupun rohani.

Pada periode awal karya Poussin, kanvas bertema sejarah dan agama-mitologis mendominasi. Karya-karya seperti “Pemerkosaan Wanita Sabine”, “Penangkapan

Yerusalem", "Gembala Arcadian". Kemudian tema keselarasan antara manusia dan alam mengemuka. Hal ini terwakili dalam lukisan “The Triumph of Flora”, “Landscape with Polyphemus”, “Landscape with Orpheus and Eurydice”, dll. Alam bukan sekedar tempat tinggal seseorang. Kesepakatan indrawi yang mendalam terjalin di antara mereka, komunitas jiwa tertentu; mereka membentuk satu kesatuan. Poussin menciptakan simfoni nyata antara manusia dan alam.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, sang seniman mencurahkan seluruh perhatiannya untuk memuji alam. Dia menciptakan seri puisi "Musim".

Klasisisme dalam arsitektur menemukan perwujudan idealnya di Istana Versailles, yang dibangun atas perintah raja Prancis Louis XIV. Ansambel megah ini mencakup tiga istana megah dan taman besar dengan kolam, air mancur, dan patung. Ansambel ini dibedakan dari tata letaknya yang ketat, gang-gang taman geometris, patung-patung megah, pepohonan dan semak-semak yang dipangkas.

Realisme

tren yang realistis dalam seni abad ke-17. diwakili terutama oleh seniman Belanda Rembrandt(1606-1669). Asal usul tren ini berasal dari karya pelukis Italia Caravaggio (1573-1610), yang memiliki pengaruh besar pada banyak seniman.

Seni Rembrandt dalam beberapa hal menempati posisi tengah antara Barok dan Klasisisme. Dalam karya-karyanya orang dapat menemukan ciri-ciri dari kedua gaya ini, tetapi tanpa sifat ekstrim yang melekat pada masing-masing gaya tersebut. Secara khusus, "Danae" miliknya yang terkenal terlihat sangat sensual dan duniawi, tetapi tidak seperti yang dilakukan Rubens. Sama halnya dengan klasisisme. Beberapa cirinya terdapat dalam karya-karya Rembrandt, namun tidak ada keindahan yang murni dan ideal di dalamnya, tidak ada yang agung atau heroik. tidak ada kesedihan, dll. Segala sesuatu di dalamnya tampak lebih dekat ke tanah, semuanya jauh lebih sederhana, lebih alami, lebih jujur, lebih hidup.

Namun, orisinalitas utama seni Rembrandt terletak di tempat lain. Itu terletak pada kenyataan bahwa berkat dia arah baru muncul dalam lukisan Eropa - psikologi. Rembrandt adalah orang pertama yang secara serius menanggapi seruan terkenal Socrates: “kenali dirimu sendiri.” Dia mengalihkan pandangannya ke dalam, dan dunia batin yang besar dan tidak diketahui, sepadan dengan Alam Semesta yang tak terbatas, terungkap kepadanya. Subyek seninya adalah kekayaan kehidupan spiritual manusia yang tiada habisnya.

Rembrandt tampaknya mengintip dan mendengarkan luapan keadaan psikologis yang tak ada habisnya, manifestasi karakter individu manusia yang tiada habisnya. Oleh karena itu banyaknya tidak hanya potret, tetapi juga potret diri, di mana ia menggambarkan dirinya pada periode berbeda dalam hidupnya - di masa muda dan tua, di berbagai negara bagian - penuh vitalitas dan setelah sakit. Dalam karya-karyanya, potret tidak hanya menjadi genre independen, tetapi juga mencapai ketinggian yang belum pernah terjadi sebelumnya. Semua karyanya bisa disebut seni potret.

Perubahan ini sebagian besar dijelaskan oleh fakta bahwa Rembrandt - tidak seperti Rubens dan Poussin yang Katolik - adalah seorang Protestan. Sebelum munculnya Protestantisme, manusia tidak secara sadar berusaha memisahkan diri dari orang lain. Sebaliknya, dia tidak menganggap dirinya berada di luar komunitas kolektif. Di zaman kuno, komunitas seperti itu didukung oleh norma-norma politik dan moral. Pada Abad Pertengahan, agama Kristen memperkuat fondasi sebelumnya dengan komunitas iman.

Protestantisme melanggar tradisi ini, menempatkan tanggung jawab utama atas nasib seseorang pada dirinya sendiri. Sekarang masalah keselamatan, pertama-tama, menjadi masalah pribadi setiap individu. Pergeseran besar terjadi dalam kesadaran manusia Barat, dan Rembrandt adalah orang pertama yang merasakan secara mendalam perubahan yang terjadi dan mengungkapkannya dalam karya seninya.

Banyak karya dari periode awal karya Rembrandt, dan terutama potret dirinya, berbicara tentang perhatian yang cermat terhadap rahasia kehidupan batin seseorang, tentang pencarian kebenaran pribadinya. Hal ini juga dibuktikan dengan lukisannya seperti “Rasul Paulus di Penjara”, “Kristus di Emaus”, dll, yang mengedepankan pengalaman psikologis dan refleksi tentang makna hidup dan keberadaan. Pada masa dewasa dan terutama setelah terkenal "Jaga malam" tren ini menjadi semakin kuat. Mereka tampak sangat jelas dalam lukisan “Potret Seorang Lelaki Tua Berbaju Merah” dan “Potret Seorang Wanita Tua”. Lukisan “The Syndics” menjadi puncak seni potret kelompok.

Pada periode terakhir karyanya, Rembrandt semakin terjun ke kedalaman kesadaran manusia. Dia menyerang masalah yang benar-benar baru bagi seni Eropa - masalah kesepian manusia. Contohnya adalah lukisannya “The Philosopher” dan “The Return of the Prodigal Son”.