Dengan bantuan pendongeng atau penyanyi Jepang yang mengiringi diri mereka sendiri selama pertunjukan. Analog shamisen Eropa yang paling dekat adalah. Shamisen bersama dengan seruling hayashi dan shakuhachi, drum tsuzumi dan . Mengacu pada alat musik tradisional Jepang.

Namanya kontras dengan genre musik bunraku dan kabuki - nagauta (lagu panjang). Gaya pertunjukan yang paling terkenal dan paling kompleks adalah gidayu, dinamai Takemoto Gidayu (1651-1714), seorang tokoh teater boneka bunraku dari Osaka. Instrumen dan plektrum Gidayu adalah yang terbesar, dan Gidayu sendiri adalah seorang penyanyi sekaligus komentator tentang apa yang terjadi di atas panggung. Pekerjaan pendongeng begitu kompleks sehingga di tengah pementasannya gidayu mengalami perubahan. Narator harus mengetahui teks dan melodi dengan tepat. Sejak abad ke-19, onna-gidayu, pendongeng perempuan, juga bermunculan.

Asal

Shamisen dalam bentuk aslinya berasal dari kedalaman Asia Barat, dari sana sampai ke Cina (abad ke-13), di mana ia mendapat nama “sansian”, kemudian pindah ke Kepulauan Ryukyu (Okinawa modern) dan hanya dari sana sampai ke Jepang. . Peristiwa ini ditandai dengan sangat jelas dalam sejarah - tidak seperti saat kemunculan alat musik lainnya - dan dimulai pada tahun 1562.

Pendahulu dari shamisen adalah sanshin yang dimainkan di Kerajaan Ryukyu yang saat itu menjadi sebuah prefektur. Sanshin, pada gilirannya, berasal dari instrumen sanjian Tiongkok, yang berevolusi dari instrumen Asia Tengah.

Shamisen juga merupakan instrumen penting bagi musisi gojo buta keliling yang muncul pada awal masa Keshogunan Tokugawa.

Berbeda dengan Eropa yang alat musik tradisional/antiknya kurang mendapat perhatian, shamisen dan alat musik tradisional lainnya di Jepang dikenal dan digandrungi secara luas. Popularitasnya tidak hanya karena rasa hormat orang Jepang terhadap budaya dan sejarahnya, tetapi juga karena penggunaan instrumen nasional, khususnya shamisen, dalam teater tradisional Jepang - terutama di teater Kabuki dan Bunraku.

Shamisen mendapatkan distribusi terbesar di era Tokugawa, dan keterampilan memainkannya termasuk dalam program pelatihan wajib bagi maiko - pelajar geisha. Itulah sebabnya “tempat ceria” sering disebut “tempat di mana shamisen tidak pernah berhenti”.

Varietas dan aplikasi

Ada beberapa jenis instrumen yang berbeda satu sama lain dalam ketebalan leher.

Alat dengan leher sempit dipanggil hosozao dan terutama digunakan dalam musik nagauta.

Alat dengan papan jari tengah ketebalan disebut chuzao dan digunakan dalam genre musik seperti kiyomoto, tokiwazu, jiuta dll.

Di Jepang bagian utara, khususnya di daerah Tsugaru (bagian barat Prefektur Aomori), tersendiri sejenis shamisen dengan leher tebal — Tsugarujimisen, permainan yang memerlukan keahlian khusus. Tsugarujamisen dengan batang paling tebal disebut futozao dan digunakan di joruri.

Perangkat

Badan shamisen berupa rangka kayu yang dilapisi kulit rapat. Di Kepulauan Ryukyu misalnya, kulit ular digunakan, dan di Jepang sendiri kulit kucing atau anjing digunakan untuk tujuan ini. Bodinya dilapisi kulit pada kedua sisinya, ditambah sepotong kecil kulit yang direkatkan pada selaput depan untuk melindunginya dari hantaman plektrum (bati).

Tiga senar dengan ketebalan berbeda-beda direntangkan di antara pasak dan ujung bawah leher, yang menonjol dari bagian tengah tubuh bagian bawah. Senar terbuat dari sutra, nilon dan tetlon. Panjang shamisennya sekitar 100 cm.

Shamisen dimainkan dengan bati plektrum berukuran besar yang terbuat dari bahan-bahan seperti kayu, gading, cangkang kura-kura, tanduk kerbau, dan plastik. Bati untuk nagaut dan dziut hampir berbentuk segitiga beraturan, dengan tepi yang sangat lancip.

Tsugarujamisen menyarankan plektrum yang lebih kecil, lebih mengingatkan pada daun pohon ginkgo.

Teknik bermain Shamisen

Tiga gaya bermain shamisen telah muncul:

Uta-mono adalah gaya lagu. Salah satu genre utama musik pengiring pertunjukan teater Kabuki. Genre ini diwakili oleh selingan musik panjang yang dimainkan oleh ansambel Hayashi (ansambel ini biasanya mengiringi pertunjukan teater dan terdiri dari seruling dan tiga jenis drum).

Katari-mono – gaya yang fantastis. Ini adalah ciri khas musik tradisional Jepang dan diwakili oleh jenis nyanyian tertentu.

Minyo adalah lagu daerah.

Ketika shamisen pertama kali muncul di Jepang, senarnya dipetik dengan pick kecil (yubikake), dan seiring berjalannya waktu para musisi mulai menggunakan plektrum, yang secara signifikan memperluas kemampuan timbral instrumen tersebut. Setiap kali senar bawah dipetik, selain bunyinya, nada tambahan dan sedikit kebisingan juga terdengar, fenomena ini disebut “sawari” (“sentuhan”). Savaris juga muncul ketika senar lain beresonansi dengan senar yang lebih rendah, terutama ketika interval nada antar senar adalah satu oktaf (dua oktaf, tiga, seperlima, dst.). Kemampuan menggunakan suara tambahan ini merupakan tanda keterampilan tinggi sang pemain, dan efek akustiknya sendiri dikontrol secara ketat oleh pembuat shamisen.

Plektrum dipegang di tangan kanan, dan pada saat yang tepat bunyi senar dihentikan oleh tiga jari tangan kiri pada fretless neck. Ibu jari dan kelingking tidak digunakan dalam permainan. Teknik memainkan shamisen yang paling khas adalah memukul plektrum secara bersamaan pada membran dan senar. Selain itu, masih banyak faktor penting lainnya yang menentukan bunyi tertentu, misalnya ketebalan senar, leher, kepala, tempat tumbukan plektrum pada senar, dll. Anda juga dapat memetik senar dengan tangan kiri pada shamisen, sehingga menghasilkan timbre yang lebih elegan. Kemampuan mengubah timbre adalah salah satu ciri khas shamisen.

Selain cara memainkannya, timbre instrumen dapat diubah dengan memvariasikan panjang senar, leher atau plektrum, serta ukuran, ketebalan, berat, bahan - indikator massanya! Ada hampir dua lusin shamisen, berbeda dalam nada dan timbre, dan musisi memilih instrumen yang paling cocok dengan genre musik mereka, atau menyetelnya kembali segera sebelum pertunjukan.

Dalam musik shamisen, garis suara praktis bertepatan dengan yang dimainkan pada instrumen: suara hanya sedikit di depan melodi, sehingga Anda dapat mendengar dan memahami teks, dan juga menekankan kontras antara suara dan suara. shamisen itu.

Shamisen dalam musik modern

Shamisen, karena suaranya yang spesifik, sering digunakan untuk meningkatkan suara “nasional” di beberapa film dan anime Jepang (seperti di Rusia). Demikianlah suara shamisen dalam soundtrack serial anime Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu bermain dengan gaya New Age.

Ini digunakan oleh perwakilan musik avant-garde Eropa (misalnya, Henri Pousseur).

Komposisi yang dibawakan oleh Yoshida Brothers cukup populer; suara shamisennya.

Michiro Sato melakukan improvisasi pada shamisen, dan pianis jazz Glenn Horiuchi memasukkan potongan permainan shamisen ke dalam komposisinya.

Gitaris Kevin Kmetz memimpin band California God of Shamisen, di mana dia memainkan tsugarujamisen.

Video: Shamisen di video + suara

Berkat video ini, Anda dapat mengenal instrumen tersebut, menonton permainan sebenarnya, mendengarkan suaranya, dan merasakan secara spesifik tekniknya:

Penjualan: dimana membeli/memesan?

Ensiklopedia belum memuat informasi dimana Anda bisa membeli atau memesan alat musik ini. Anda bisa mengubahnya!

Saya pernah berjanji untuk berbicara tentang alat musik Jepang. Waktunya telah tiba. Biva jatuh ke tangan saya secara tidak sengaja, tetapi dialah yang membuka topik :)

Hari ini perhatian kita akan tertuju pada suara magis - meskipun tidak lembut, dan tidak lapang, melainkan keras, metalik dan berirama - dari alat musik tradisional Jepang yang disebut biwa.
Biwa adalah salah satu jenis kecapi atau mandolin Jepang, datang ke Jepang dari Tiongkok pada abad ke-7, di Tiongkok alat musik serupa disebut pipa, tetapi datang ke Tiongkok dari Persia pada abad keempat Masehi.
Dan akar kecapi Eropa juga sampai ke Asia Tengah.
Di Jepang, selama lebih dari seribu tahun perkembangan biwa, banyak model, banyak sekolah bermain dan menyanyi telah bermunculan.

(Ini semacam konser biwa dengan orkestra. Gion shoja. Komposer Hirohisa Akigishi
Rekaman tersebut mencakup prolog dari "Kisah Heike" (kisah Heike, yang juga disebut "Taira monogatari"). Ini adalah karya modern utama yang ditampilkan pada biwa. Rekaman ini dibuat di Seoul , pada tahun 2004 di pusat Sejong)

Bentuk alat musiknya mirip kacang almond yang mengarah ke atas. Dinding bodi depan agak melengkung ke depan, punggung rata. Dindingnya - yaitu dua papan kayu - tidak berjauhan, alatnya cukup datar. Ada tiga lubang di dinding depan.
Biwa memiliki empat atau lima senar yang terbuat dari benang sutra terbaik yang direkatkan dengan lem beras. Ada lima fret yang sangat tinggi di leher.

Senarnya dikencangkan cukup longgar, artinya tidak terlalu tegang. Musisi, menekan senar lebih keras, mengubah ketegangannya, yaitu meningkatkan nada. Kita dapat mengatakan bahwa instrumen tersebut tidak disetel sama sekali dalam pengertian Eropa Barat, tetapi musisi dapat memainkan nada-nada tertentu dengan mengubah kekuatan menekan senar.
Namun inti dari permainan ini bukanlah untuk mencapai nada yang benar. Oleh karena itu, tidak ada cengkeraman maut pada senar; jari mengubah tekanan sepanjang waktu, yang membuat suara melayang. Selain itu, Anda dapat menggerakkan senar di sepanjang fret lebar dengan jari Anda, yang menyebabkan senar berdengung, seperti pada alat musik petik India seperti sitar atau veena.

Biva dipegang secara vertikal dan pada saat dimainkan digunakan pick kayu berbentuk segitiga yang berbentuk seperti kipas kecil. Panjang salah satu sisinya mencapai 30 sentimeter, semacam spatula. Membuat bilah ini adalah seni yang hebat, bilahnya harus keras dan elastis pada saat yang bersamaan. Kayu untuk dipetik dikeringkan selama sepuluh tahun. Jelas bahwa kayu yang digunakan merupakan jenis kayu langka.
Dengan pick Anda tidak hanya dapat memukul senarnya, tetapi juga badannya, dan juga menggores senarnya, namun para ahli mengatakan bahwa ini adalah teknik modern yang belum pernah terjadi sebelumnya.
Namun jelas bahwa ada lebih dari satu cara untuk memukul senar dengan pick yang begitu besar - dan ini, tentu saja, dapat didengar dengan sempurna.

BIWA (Catatan Raja, 1990)
CD berisi dua track instrumental dan empat track instrumental vokal. Yang paling mengesankan adalah lagu epik "Kawanakajima" ("Pulau Antara Dua Sungai") yang dibawakan oleh Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui meninggal pada tahun 1978, dan dilahirkan kembali pada abad ke-19. Ia adalah salah satu ahli biwa terkenal pada era sebelum Perang Dunia II.
Pada abad ke-19 dan paruh pertama abad ke-20, seni biwa mengalami kebangkitan; di Tokyo saja ada 30 ahli pembuat alat musik; setelah perang, hanya ada satu yang tersisa di seluruh Jepang - dan seluruh dunia. Seni ini sempat hilang selamanya, karena liriknya dijiwai dengan semangat samurai yang secara politis tidak benar.
Dibandingkan dengan penyanyi generasi baru, suara Enomoto Shizuya terdengar lebih tragis, lebih histeris, dan menurut saya, lebih kejam.
Pulau tempat lagu ini dipersembahkan adalah sebidang tanah di antara dua sungai. Beberapa pertempuran terjadi di situs ini pada abad ke-16 antara pasukan dua pemimpin militer.
Saya entah bagaimana tidak percaya bahwa ini adalah musik menghibur yang didengarkan orang-orang di malam hari, karena bosan dengan hal-hal penting. Tidak, tidak, musik ini jelas mengingatkan para samurai akan tugas mereka dan menyulut semangat juang mereka.

Yang terkenal lainnya adalah Atsumori, dan ada juga biwa di gambarnya.

Pukulan logam yang tajam - seperti pukulan pedang - kontras dengan suara penyanyi yang perlahan terungkap. Vokalnya berlarut-larut dalam waktu yang lama, ritmenya bebas, banyak jeda dalam musik, tetapi tidak bisa disebut lamban. Dia sangat tegang dan fokus.
Omong-omong, jeda, kekosongan, momen hening dalam tradisi Jepang juga dianggap sebagai elemen akustik, yaitu suara. Itu disebut dengan kata "ma". Keheningan bisa berlangsung singkat atau lama, tegang atau tenang, tidak terduga atau logis. Keheningan menekankan suara-suara tertentu dan menggeser penekanan dalam frasa musik.

Dalam sejarah biwa ada dua aliran yang sejajar: pertama, biwa adalah bagian dari orkestra istana. Sebuah biwa kuno tergeletak secara horizontal di lantai dan dimainkan dengan pick kecil. Itu adalah instrumen perkusi.
Pada Abad Pertengahan, biva dimainkan oleh bangsawan dan pengikutnya. Musik ini diyakini murni instrumental. Dalam kesusastraan klasik, banyak gambaran tentang biwa solo abad pertengahan, suaranya yang anggun dan halus serta melodi luhur yang berasal dari Tiongkok telah dilestarikan, namun hingga saat ini, dalam tradisi musik istana, biwa solo belum dilestarikan. Dalam orkestra Gagaku, bagian biwa sangat sederhana sehingga tidak mungkin lepas dari kesan bahwa sesuatu yang penting telah hilang seiring berjalannya waktu.
Tradisi biwa sebagai instrumen solo terputus pada abad ke-13 dan baru dihidupkan kembali pada abad ke-20.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Eksekusi Eropa, seperti yang mudah dilihat

Namun fungsi utama biwa adalah mengiringi lagu dan cerita yang panjang.
Hingga abad ke-20, biwa dimainkan hampir secara eksklusif oleh musisi tunanetra; mereka disebut bivahoshi. Beberapa dari mereka adalah biksu Buddha dan membacakan sutra dan himne, tetapi sebagian besar penyanyi menceritakan peperangan dan pertempuran para pahlawan legendaris.
Epik heroik paling terkenal dari repertoar biwahoshi adalah Heike Monogatari.
Ini adalah puisi besar dan agak berdarah tentang bagaimana klan Heike (alias Taire), setelah masa kejayaan yang singkat, dikalahkan oleh klan Genji (alias Minamoto) pada paruh kedua abad ke-12.
Puisi ini memiliki 200 episode, 176 di antaranya biasa, 19 rahasia, dan 5 sisanya sangat rahasia.

(maaf mengenai kualitas gambar dan suaranya. Dimainkan oleh Yukihiro Goto)
Semua cerita dalam satu atau lain cara menggambarkan gagasan Buddhis tentang sebab dan akibat, serta ketidakkekalan nasib.
Saat ini, Heike Monogatari hanya dibawakan oleh beberapa pemain biwa. Semua orang memiliki repertoar yang jauh lebih modern.
Namun, ada pendapat bahwa lagu-lagu heroik yang dibawakan pada Abad Pertengahan oleh para biksu buta menghilang, begitu pula tradisi instrumental biva istana. Tradisi nyanyian heroik dihidupkan kembali beberapa kali, tetapi kemungkinan besar sama sekali tidak dalam bentuk yang ada 700 tahun yang lalu.
Meski sejarah alat musik ini sudah ada sejak abad ke-7, namun musik yang bertahan hingga saat ini rupanya sudah tidak ada hubungannya lagi dengan Abad Pertengahan; gaya yang sekarang disebut kuno dan klasik ini terbentuk belum lama ini .
Poin penting dalam sejarah biwa adalah abad ke-16.
Kemudian terciptalah alat musik baru yaitu Satsuma biwa: pemimpin marga Satsuma memerintahkan untuk meningkatkan kecapi para biksu buta yang berkekuatan rendah dan sederhana agar menjadi alat musik yang keras dengan suara yang mengesankan dan tajam. Biwa menjadi lebih besar, tubuhnya terbuat dari kayu yang lebih keras. Suaranya menjadi lebih maskulin, bahkan agresif.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(suara lebih baik, tetapi penyematan dilarang)
Lagu-lagu baru juga diciptakan. Tujuan dari tindakan ini adalah untuk mendidik dan propaganda: para pemuda yang menjalani pelatihan militer - yaitu calon samurai - seharusnya memperkuat semangat mereka dan mempelajari dasar-dasar keberanian ksatria sambil mendengarkan lagu-lagu ini.
Saat itu tidak ada aturan bermain dan bernyanyi - samurai mana pun dapat meneriakkan teks heroik dan, untuk ekspresi yang lebih besar, menabuh senar dari waktu ke waktu. Lagu-lagu tersebut tidak hanya mengajak generasi muda untuk melakukan tindakan heroik, para samurai yang selamat dari perang juga menceritakan kampanye mereka dengan diiringi suara biwa.
Seiring berjalannya waktu, masyarakat sipil mulai menaruh minat pada musik militeristik ini. Oleh karena itu, sebuah gaya muncul untuk warga sipil: machi fu (gaya urban) - dan untuk militer: shi fu (gaya samurai).
Jenis instrumen baru muncul. Katakanlah chikuzen biwa (chikuzen-biwa) muncul pada abad ke-19, memiliki satu tambahan - senar tinggi. Oleh karena itu, biwa ini dianggap feminim, lebih lembut. Oleh karena itu, wanita memainkannya.

Dalam semua lagu epik yang dinyanyikan dengan iringan biwa, teksnya berupa prosa ritmis yang diselingi petikan puisi pendek. Beberapa frasa dinyanyikan dengan melodi kanonik, diikuti dengan bagian instrumental pendek. Namun, biasanya, satu atau dua pukulan pada senar biwa dibunyikan di akhir setiap frasa atau bait. Ketukan ini berbeda dalam timbre - biwa memiliki lebih banyak kemungkinan daripada drum.
Jika bunyi biwa menggambarkan apa yang dinyanyikan narator, maka hanya dengan timbre - bunyi tipis atau bunyi tumpul, terdengar metalik atau mendesis... Teks dinyanyikan dalam bahasa Jepang klasik, pendengar harus memahami apa yang dibicarakan : intonasi, irama dan pewarnaan bunyi berkaitan dengan isi drama.
Ini adalah musik untuk didengarkan langsung, bagi mereka yang berempati dengan aksinya dan benar-benar terpesona olehnya.
Kita, yang tidak mengetahui bahasanya, tampaknya tidak terlalu memahami musik ini, namun, yang mengejutkan, hal ini tidak menjadikannya eksotis, aneh, atau fantastis. Tidak, tidak, ia tetap mempertahankan kebermaknaan dan daya persuasifnya.
Menarik juga bahwa ini adalah musik yang sangat emosional, sangat intens, terbuka. Dan orang Jepang – seperti semua umat Buddha lainnya – tampaknya menghindari menunjukkan perasaan mereka.

Di Jepang, gaya yang menggerakkan alam semesta disebut ki. Ini adalah kekuatan spiritual yang mirip dengan pneuma Yunani.
Ekspresi ki memiliki prioritas tertinggi dalam semua seni Jepang. Dalam makrokosmos, ki berhubungan dengan angin; dalam mikrokosmos, ki berhubungan dengan pernapasan manusia. Ada banyak kata yang berhubungan dengan ki dalam bahasa Jepang: ki-shф (cuaca), ki-haku (roh).
Dasar dari suara nyanyian adalah pernafasan, oleh karena itu nyanyian merupakan salah satu perwujudan ki.
Orang Jepang kuno percaya bahwa dengan berbicara, atau lebih baik lagi, mengembuskan napas, mereka melakukan tindakan spiritual. Dan dalam bahasa Rusia, kata “nafas” dan “roh” sama sekali tidak asing satu sama lain.
Tradisi menyanyi Jepang berkaitan langsung dengan sikap terhadap kata sebagai nafas yang sarat makna.

Dan rekaman pendek ini bukan sekedar penggalan musik, melainkan Gagaku - musik seremonial istana kekaisaran Jepang.

Nyanyian Eropa - seperti musik lainnya - didasarkan pada nada dan durasi bunyi. Di Jepang kuno, nyanyian menggabungkan elemen akustik seperti warna suara, energi, volume, dan kualitas menjadi satu hieroglif suara.
Ini adalah sesuatu yang jauh lebih dari sekadar nada yang tepat.
Dan musik biwa dalam banyak hal berbeda dengan musik Eropa Barat. Instrumen Jepang memiliki sikap yang sangat berbeda terhadap suara dan ritme.
Komposer modernis Jepang Toru Takemitsu menulis beberapa karya yang menggunakan biwa selain orkestra simfoni. Ada cara tradisional untuk merekam musik biwa - dibandingkan dengan cara Eropa Barat, cara ini tampaknya sangat mendekati.

Musik Kwaidan, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Ini didedikasikan untuk Toru Takemitsu

Ketika pemain biwa dalam salah satu komposisinya mengajukan diri untuk mempelajari notasi Eropa Barat, Takemitsu melarangnya. “Ini adalah hal terakhir yang saya harapkan dari Anda,” kata sang komposer. - Saya akan mempelajari sendiri notasi tradisional musik biwa dan mempelajari cara menggunakannya, Anda tidak memerlukan nada Barat. Saat ini, indera bunyi tradisional sedang sekarat karena sistem penyempurnaan alat musik dan notasi musik Barat.”

Suatu hari, Kaisar Tennoh kehilangan sebuah biwa kuno dari istananya. Namanya Genjo. Dia tidak punya harga, dia sangat mahal. Kaisar tidak dapat menemukan tempat untuk dirinya sendiri. Jika dicuri, maka pencuri harus memecahkannya - tidak mungkin menjualnya. Kaisar yakin biwa miliknya telah dicuri untuk menggelapkan jiwanya.
Minamoto no Hiromasa adalah seorang bangsawan dan musisi yang hebat. Ia pun sangat sedih atas kehilangan tersebut.
Suatu malam dia mendengar suara senar – tidak diragukan lagi: itu adalah biwa Genjo. Hiromasa membangunkan anak pelayan itu dan mereka pergi menangkap pencuri itu. Mereka mendekati suara itu, tetapi suara itu terus menjauh. Ada roh yang sedang memainkan biwa - hanya Hiromasa yang bisa mendengar suara senarnya.
Dia mengikuti suara itu sampai dia mencapai titik paling selatan Kyoto – Gerbang Rashomon yang tidak menyenangkan. Hiromasa dan pelayannya berdiri di bawah gerbang, suara kecapi terdengar dari atas. “Ini bukan manusia,” bisik Hiromasa, “ini adalah iblis.”
Dia meninggikan suaranya, “Hei, siapa yang bermain Genjo di sana! Kaisar Tenno telah mencari instrumen tersebut sejak hilang. Aku tahu kamu di sini, aku mengikutimu sepanjang jalan dari istana!”
Musik berhenti, sesuatu jatuh dari atas dan tergantung di lorong. Hiromasa mundur - dia mengira itu adalah setan. Tapi yang digantung di tali di atas adalah kecapi Genjo.
Kaisar sangat senang dengan kembalinya Genjo; tidak ada yang meragukan bahwa iblislah yang mencuri harta itu dan kemudian memberikannya. Hiromasa diberi imbalan yang besar.
Genjo masih berada di istana kekaisaran. Ini bukan sekedar kecapi, ini adalah sesuatu yang hidup dengan karakternya sendiri. Jika musisi yang tidak kompeten mengambilnya, maka tidak akan ada suara yang dihasilkan.
Suatu hari terjadi kebakaran di istana. Semua orang lari dan tidak ada yang berpikir untuk menyelamatkan Genjo. Tapi, secara misterius, dia ditemukan di halaman depan istana, di mana dia rupanya mencapai dirinya sendiri!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Alat Musik: Kecapi

Di era kecepatan supersonik dan nanoteknologi, terkadang Anda sangat ingin bersantai, melepaskan diri dari segala hiruk pikuk dunia dan menemukan diri Anda berada di dunia lain di mana tidak ada gejolak modern, misalnya di era romantis Renaisans. Saat ini, Anda tidak perlu menciptakan mesin waktu untuk melakukan hal ini, cukup menghadiri konser musik otentik di suatu tempat di Izmailovo Kremlin atau Istana Sheremetyev. Di sana Anda tidak hanya akan mendengar melodi indah yang secara mental membawa Anda ke masa lalu, tetapi juga berkenalan dengan alat musik menarik yang dimainkan oleh nenek moyang kita beberapa abad yang lalu. Ketertarikan terhadap musik kuno semakin meningkat saat ini; para pemain modern dengan antusias menguasai instrumen-instrumen masa lalu, termasuk seruling melintang, biola da gamba, biola treble, biola bas ganda barok, piano kuno dan, tidak diragukan lagi, kecapi adalah instrumen kelas atas dan patut mendapat perhatian khusus. Pada Abad Pertengahan, orang Arab berhak menyebutnya ratu alat musik.

Suara

Kecapi termasuk dalam keluarga alat musik petik; sifat suaranya agak mirip gitar, namun suaranya jauh lebih lembut dan lembut, dan timbrenya lembut dan bergetar, karena lebih jenuh dengan nada tambahan. Sumber bunyi pada kecapi adalah senar berpasangan dan tunggal, yang dipetik pemain dengan tangan kanannya dan menekan fret dengan tangan kirinya, mengubah panjangnya, sehingga mengubah nada.

Teks musik untuk alat musik ini ditulis menggunakan huruf-huruf dalam enam baris, dan durasi bunyinya ditunjukkan dengan nada-nada yang ditempatkan di atas huruf-huruf tersebut. Jangkauan instrumennya sekitar 3 oktaf. Alat ini tidak memiliki pengaturan standar tertentu.

Foto:

Fakta menarik

• Bagi banyak orang, gambar kecapi berfungsi sebagai simbol harmoni, masa muda, dan cinta. Bagi orang Tionghoa, ini menandakan kebijaksanaan, serta koherensi dalam keluarga dan masyarakat. Bagi umat Buddha - keharmonisan di dunia para dewa, bagi umat Kristiani - kecapi di tangan para bidadari menandakan keindahan surga dan rekonsiliasi kekuatan alam. Dalam seni Renaisans, ini melambangkan Musik, dan instrumen dengan senar putus menunjukkan ketidaksepakatan dan perselisihan.
• Kecapi adalah lambang – gambaran simbolis sepasang kekasih.
• Pada masa Renaisans, kecapi sangat sering digambarkan dalam lukisan; bahkan Orpheus dan Apollo dilukis oleh seniman pada masa itu bukan dengan kecapi, tetapi dengan kecapi. Dan komposisi yang lebih harmonis daripada perempuan atau laki-laki dengan instrumen romantis ini tidak dapat dibayangkan.
• Pada suatu waktu, kecapi, yang sangat populer, dianggap sebagai instrumen istimewa dari kalangan sekuler, kaum bangsawan dan bangsawan. Di Timur disebut Sultan Instrumen, dan di negara-negara Eropa ada pepatah yang mengatakan bahwa organ adalah “Raja segala instrumen”, dan kecapi adalah “instrumen segala raja”.
• Penyair dan penulis drama besar Inggris W. Shakespeare sangat sering menyebut kecapi dalam karyanya. Dia mengagumi suaranya, menghubungkannya dengan kemampuan untuk membawa pendengar ke keadaan ekstasi.
• Pematung, seniman, penyair, dan pemikir terhebat Italia Michelangelo Buonarroti, yang mengagumi penampilan lutenis terkenal Francesco da Milano, mengatakan bahwa ia terinspirasi secara ilahi oleh musik dan semua pikirannya pada saat itu tertuju ke surga.
• Pemain kecapi disebut lutenis, dan pengrajin yang membuat alat musik disebut luthier.
• Instrumen master Bolognese - luthier L. Mahler dan G. Frey, serta perwakilan dari keluarga pengrajin Tiffenbrucker dari Venesia dan Padua, yang dibuat pada abad ke-17 dan ke-18, menghabiskan banyak uang menurut standar tersebut.
• Belajar memainkan kecapi tidaklah terlalu sulit, namun menyetem alat musik tersebut, yang banyak senarnya terbuat dari bahan alami, namun tidak dapat menyetel dengan baik karena perubahan suhu dan kelembapan, merupakan masalah. Ada sebuah lelucon yang sangat terkenal: seorang musisi yang memainkan kecapi menghabiskan dua pertiga waktunya untuk menyetel instrumennya, dan sepertiganya memainkan musik dengan instrumen yang tidak disetel.

Desain

Desain kecapi yang sangat elegan mencakup badan dan leher, diakhiri dengan blok penyetelan. Badan berbentuk buah pir mencakup dek dan badan, yang berfungsi sebagai resonator.

• Bodinya terbuat dari ruas melengkung berbentuk setengah bola yang terbuat dari kayu keras: eboni, rosewood, cherry, atau maple.
• Deck merupakan bagian depan bodi yang menutupi bodi. Bentuknya datar, berbentuk lonjong dan biasanya terbuat dari pohon cemara resonator. Di bagian bawah geladak terdapat stand, dan di tengahnya terdapat lubang suara berupa pola rumit yang anggun atau bunga yang indah.

Leher kecapi yang relatif lebar namun pendek dipasang pada badan kecapi setinggi papan suara. Fretboard kayu eboni direkatkan padanya, dan fret stop catgut juga dipasang. Pada bagian atas leher terdapat mur yang mempengaruhi tinggi tegangan senar.

Blok penyetelan kecapi, tempat pin pengatur tegangan senar berada, juga memiliki ciri khas tersendiri. Itu terletak pada kenyataan bahwa balok itu terletak dalam kaitannya dengan leher pada sudut yang cukup besar, hampir siku-siku.

Jumlah senar yang dipasangkan pada kecapi yang berbeda sangat bervariasi: 5 hingga 16, dan terkadang 24.

Berat instrumennya sangat kecil dan beratnya kira-kira 400 g., panjang alat - sekitar 80 cm.

Varietas

Kecapi yang sangat populer pada masanya berkembang sangat intensif. Musisi terus-menerus bereksperimen dengan bentuk, jumlah senar, dan penyetelannya. Hasilnya, sejumlah besar jenis instrumen bermunculan. Misalnya, kecapi Renaisans, selain instrumen tradisional, termasuk instrumen dengan jumlah pasangan senar - paduan suara yang berbeda, memiliki jenis ukuran berbeda yang mirip dengan nada suara manusia: oktaf kecil, treble kecil, treble, alto, tenor, bass, dan bass oktaf. Selain itu, keluarga kecapi meliputi kecapi barok, al-ud, archlute, torban, kobza, theorba, kittaron, sitar, bandora, cantabile lute, orpharion, vandervogel lute, mandora, mandola.

Aplikasi

Sejarawan seni menganggap kecapi tidak hanya salah satu instrumen yang paling menarik, tetapi juga instrumen yang sangat penting dalam sejarah musik Eropa pada abad ke-16 dan ke-17. Telah mendapat pengakuan dari berbagai lapisan masyarakat, dari rakyat jelata hingga bangsawan, dan telah digunakan sebagai instrumen pengiring, solo, dan ansambel. Popularitas kecapi yang berkembang pesat terus-menerus membutuhkan pengisian dan pembaruan repertoar. Seringkali komposer karya juga merupakan pemain, itulah sebabnya seluruh galaksi komposer luten yang hebat muncul di negara-negara Eropa. Di Italia - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Di Spanyol - L. Milan, M. Fuenllana. Di Jerman - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Di Inggris - D. Dowland, D. Johnson, F. Pemotongan, F. Rosseter, T. Campion. Di Polandia - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Di Prancis - E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese. Perlu juga dicatat bahwa bahkan master terhebat seperti ADALAH. Bach, A.Vivaldi, G.Handel, J.Haidn memperhatikan kecapi, memperkaya repertoarnya dengan karya-karyanya.

Saat ini, minat terhadap musik kuno, dan pada saat yang sama terhadap kecapi, tidak berkurang. Suaranya semakin terdengar di panggung-panggung gedung konser. Di antara komposer modern yang saat ini menggubah instrumen tersebut, banyak karya menarik yang patut diperhatikan oleh I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems , A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Artis terkenal

Sangat modis di era Renaisans dan Barok, tetapi digantikan oleh instrumen lain dan dilupakan secara tidak adil, kecapi kini kembali membangkitkan minat yang besar, dan tidak hanya di kalangan musisi asli. Suaranya kini semakin terdengar di berbagai tempat konser, tidak hanya secara solo, tetapi juga secara ansambel dengan alat musik kuno indah lainnya. Pada abad ke-21, pemain virtuoso paling terkenal yang banyak mempopulerkan alat musik tersebut adalah V. Kaminik (Rusia), P. O'Dette (AS), O. Timofeev (Rusia), A. Krylov (Rusia, Kanada) , A. Suetin (Rusia), B. Yang (Cina), Y. Imamura (Jepang), R. Lislevand (Norwegia), E. Karamazov (Kroasia), J. Held (Jerman), L. Kirchhoff (Jerman), E. Eguez (Argentina), H. Smith (AS), J. Lindberg (Swedia), R. Barto (AS), M. Lowe (Inggris), N. North (Inggris), J. van Lennep (Belanda) dan banyak lainnya.

Cerita

Tidak mungkin menelusuri seluruh sejarah kemunculan kecapi, yang di negara-negara timur dianggap sebagai salah satu instrumen tercanggih. Instrumen serupa sudah tersebar luas di banyak negara di dunia empat ribu tahun lalu. Mereka dimainkan di Mesir, Mesopotamia, Cina, India, Persia, Asyur, Yunani Kuno dan Roma. Namun, pakar seni berpendapat bahwa kecapi memiliki pendahulunya - oud - sebuah instrumen yang masih dihormati secara khusus di Timur Tengah, dengan alasan bahwa kecapi adalah hasil ciptaan cucu Nabi. Oud memiliki badan berbentuk buah pir, terbuat dari kayu kenari atau pir, badan kayu pinus, leher pendek dan kepala melengkung ke belakang. Suara diekstraksi menggunakan plectrum.

Penaklukan Eropa dengan kecapi dimulai pada abad ke-8 dari Spanyol dan Catalonia, setelah bangsa Moor menaklukkan Semenanjung Iberia. Instrumen ini tidak hanya dengan cepat menyatu dengan budaya negara-negara ini, tetapi juga, sebagai akibat dari Perang Salib, mulai menyebar dengan cepat ke negara-negara Eropa lainnya: Italia. Perancis, Jerman, menggusur alat musik lain yang digunakan saat itu, seperti cistra dan pandura. Kecapi, yang semakin populer, terus mengalami berbagai perbaikan. Para pengrajin melakukan perubahan pada desain alat musiknya, memodifikasi badan dan leher, serta menambahkan senar. Jika awalnya memiliki 4 hingga 5 string berpasangan - paduan suara, kemudian jumlahnya meningkat secara bertahap. Pada abad ke-14, kecapi di Eropa tidak hanya terbentuk sempurna, tetapi juga menjadi salah satu instrumen paling populer tidak hanya di istana, tetapi juga dalam pembuatan musik rumahan. Tidak lagi hanya digunakan sebagai alat musik pengiring, tetapi juga sebagai alat musik solo. Mereka menggubah berbagai jenis musik untuk kecapi, mengaransemen tidak hanya lagu dan tarian populer, tetapi juga musik sakral. Pada abad ke-15, popularitas instrumen ini semakin meningkat; para pelukis sering menggambarkannya di kanvas artistik mereka. Komposer terus memperkaya repertoarnya secara intensif. Para pemain meninggalkan plektrum, lebih memilih metode ekstraksi jari, yang secara signifikan memperluas kemampuan teknis, memungkinkan pertunjukan musik pengiring harmonis dan polifonik. Kecapi terus berkembang, dan instrumen dengan enam senar berpasangan menjadi yang paling populer.

Pada abad ke-16, popularitas kecapi mencapai puncaknya. Itu mendominasi di kalangan musisi profesional dan amatir. Alat musik ini dibunyikan di istana raja dan bangsawan tinggi, serta di rumah warga biasa. Itu digunakan untuk menampilkan karya solo dan ansambel, untuk mengiringi vokalis dan paduan suara, dan, sebagai tambahan, untuk bergabung dengan orkestra. Sekolah untuk produksi instrumen kecapi didirikan di berbagai negara, yang paling terkenal berlokasi di Italia di Bologna. Instrumennya terus dimodifikasi, jumlah senar yang dipasangkan bertambah: pertama sepuluh, lalu empat belas, dan selanjutnya jumlahnya mencapai 36, yang karenanya memerlukan perubahan dalam desain instrumen. Jenis kecapi itu banyak sekali, di antaranya ada tujuh yang sesuai dengan tessitura suara manusia, dari diskon hingga bass.

Pada akhir abad ke-17, popularitas kecapi mulai menurun secara nyata, karena secara bertahap digantikan oleh instrumen seperti gitar, piano kuno, dan beberapa saat kemudian piano. Pada abad ke-18 sebenarnya sudah tidak digunakan lagi, kecuali beberapa varietas yang ada di Swedia, Ukraina dan Jerman. Dan hanya pada pergantian abad ke-19 dan ke-20, karena minat baru terhadap instrumen kuno para penggemar Inggris, yang dipimpin oleh pembuat instrumen, musisi profesional dan ahli musik Arnold Dolmich, perhatian terhadap kecapi kembali meningkat pesat.

Kecapi adalah alat musik kuno yang anggun dengan suara yang indah dan lembut, yang pada suatu waktu terpaksa tidak digunakan lagi dan dilupakan secara tidak adil. Waktu berlalu, para musisi mengingatnya, menjadi tertarik dan kembali membawanya ke panggung konser untuk memikat pendengar dengan suaranya yang canggih. Saat ini, kecapi sering mengambil bagian dalam konser musik otentik, tampil baik sebagai instrumen solo maupun ansambel.

Video: mendengarkan kecapi

Dutar. Dua - dua. Tar - tali. Instrumen dengan fret tetap dan dua senar otot. Apakah menurut Anda semakin sedikit senarnya, semakin mudah memainkannya?

Nah, selanjutnya simak lakon salah satu pemain dutar terbaik – Abdurakhim Khait, seorang Uyghur asal Xinjiang, China.
Ada juga dutar Turkmenistan. Senar dan fret dutar Turkmenistan terbuat dari logam, badannya berlubang, terbuat dari sepotong kayu, suaranya sangat terang dan nyaring. Dutar Turkmenistan telah menjadi salah satu instrumen favorit saya selama tiga tahun terakhir, dan dutar yang ditunjukkan dalam foto dibawakan kepada saya dari Tashkent baru-baru ini. Alat luar biasa!

Saz Azerbaijan. Kesembilan senar tersebut dibagi menjadi tiga kelompok yang masing-masing disetel secara serempak. Alat musik serupa di Turki disebut baglama.

Pastikan untuk mendengarkan bagaimana instrumen ini terdengar di tangan seorang master. Jika Anda kekurangan waktu, maka tontonlah setidaknya mulai pukul 2:30.
Dari saz dan baglama muncullah instrumen Yunani bouzouki dan versi Irlandianya.

Oud atau al-ud, jika menyebut alat musik ini dalam bahasa Arab. Dari nama Arab alat musik inilah nama kecapi Eropa berasal. Al-ud - kecapi, kecapi - apakah kamu mendengar? Oud biasa tidak memiliki fret - fret pada contoh koleksi saya ini muncul atas inisiatif saya.

Dengarkan bagaimana seorang master dari Maroko memainkan oud.

Dari biola dua senar Cina erhu dengan badan resonator sederhana dan membran kecil yang terbuat dari kulit muncullah gijak Asia Tengah, yang di Kaukasus dan Turki disebut kemancha.

Dengarkan bunyi kamancha saat Imamyar Khasanov memainkannya.

Rubab memiliki lima senar. Empat yang pertama digandakan, masing-masing pasangan disetel secara serempak, dan ada satu senar bass. Leher panjang memiliki fret yang sesuai dengan skala kromatik hampir dua oktaf dan resonator kecil dengan membran kulit. Menurut Anda apa arti tanduk melengkung ke bawah yang memanjang dari leher ke arah instrumen? Bukankah bentuknya mengingatkanmu pada kepala domba jantan? Tapi bentuknya oke - suaranya luar biasa! Anda seharusnya sudah mendengar suara instrumen ini! Ia bergetar dan bergetar bahkan dengan lehernya yang besar; ia memenuhi seluruh ruang di sekitarnya dengan suaranya.

Dengarkan suara rubab Kashgar. Tapi sejujurnya, rubab saya terdengar lebih baik.

Tar Iran mempunyai badan berlubang ganda yang terbuat dari sepotong kayu dan selaput yang terbuat dari kulit ikan tipis. Enam senar berpasangan: dua senar baja, kemudian kombinasi baja dan tembaga tipis, dan pasangan berikutnya disetel ke satu oktaf - senar tembaga tebal disetel satu oktaf di bawah baja tipis. Tar Iran memiliki fret intrusif yang terbuat dari urat.

Dengarkan seperti apa suara tar Iran.
Tar Iran adalah nenek moyang dari beberapa instrumen. Salah satunya adalah setar India (se - three, tar - string), dan dua lainnya akan saya bahas di bawah.

Tar Azerbaijan tidak memiliki enam senar, melainkan sebelas senar. Enam sama dengan tar Iran, satu lagi bass tambahan dan empat senar yang tidak dimainkan, tetapi beresonansi saat dimainkan, menambah gema pada suara dan membuat suara bertahan lebih lama. Tar dan kemancha mungkin adalah dua instrumen utama musik Azerbaijan.

Dengarkan selama beberapa menit mulai pukul 10:30 atau setidaknya mulai pukul 1:50. Anda belum pernah mendengar ini dan tidak dapat membayangkan bahwa pertunjukan seperti itu dapat dilakukan pada instrumen ini. Ini diperankan oleh saudara laki-laki Imamyar Khasanov, Rufat.

Ada hipotesis bahwa tar adalah nenek moyang gitar Eropa modern.

Baru-baru ini, ketika saya berbicara tentang kuali listrik, saya dicela karena telah mengeluarkan jiwa dari kuali. Mungkin, hal yang sama dikatakan kepada seseorang yang 90 tahun lalu menebak untuk memasang pickup pada gitar akustik. Sekitar tiga puluh tahun kemudian, gitar elektrik terbaik diciptakan dan tetap menjadi standar hingga hari ini. Satu dekade kemudian, The Beatles, The Rolling Stones muncul, dan setelah mereka Pink Floyd.
Dan semua kemajuan ini tidak menghalangi produsen gitar akustik dan pemain gitar klasik.

Namun alat musik tidak selalu menyebar dari timur ke barat. Misalnya, akordeon menjadi instrumen yang sangat populer di Azerbaijan pada abad ke-19, ketika pemukim Jerman pertama tiba di sana.

Akordeon saya dibuat oleh master yang sama yang menciptakan instrumen untuk Aftandil Israfilov. Dengarkan bagaimana instrumen tersebut berbunyi.

Dunia alat musik oriental sangat besar dan beragam. Saya bahkan belum menunjukkan kepada Anda sebagian dari koleksi saya, dan itu masih jauh dari lengkap. Tapi saya pasti harus memberi tahu Anda tentang dua alat lagi.
Pipa dengan lonceng di bagian atasnya disebut zurna. Dan alat musik yang berada di bawahnya disebut duduk atau balaban.

Perayaan dan pernikahan dimulai dengan suara zurna di Kaukasus, Turki dan Iran.

Seperti inilah instrumen serupa di Uzbekistan.

Di Uzbekistan dan Tajikistan, zurna disebut surnay. Di Asia Tengah dan Iran, bunyi surnay dan rebana harus dilengkapi dengan bunyi instrumen lain - karnay. Karnai-surnai adalah frasa stabil yang menunjukkan awal hari raya.

Sangat menarik bahwa instrumen yang berhubungan dengan carnai ada di Carpathians, dan namanya akrab bagi banyak orang - trembita.

Dan pipa kedua yang terlihat di foto saya disebut balaban atau duduk. Di Turki dan Iran, alat musik ini disebut juga mei.

Dengarkan bagaimana Alikhan Samedov memainkan balaban.

Kita akan kembali ke balaban nanti, tapi untuk saat ini saya ingin berbicara tentang apa yang saya lihat di Beijing.
Seperti yang Anda pahami, saya mengoleksi alat musik. Dan begitu saya mempunyai waktu luang selama perjalanan ke Beijing, saya langsung pergi ke toko alat musik. Apa yang saya beli sendiri di toko ini, akan saya ceritakan lain kali. Dan sekarang tentang apa yang tidak saya beli dan apa yang sangat saya sesali.
Di etalase berdiri sebuah pipa dengan bel, desainnya persis seperti zurna.
- Apa namanya? - Saya bertanya melalui penerjemah.
“Sona,” mereka menjawabku.
- Betapa miripnya dengan "sorna - surnay - zurna" - pikirku keras-keras. Dan penerjemah membenarkan dugaan saya:
- Orang Cina tidak mengucapkan huruf r di tengah kata.

Anda dapat mempelajari lebih lanjut tentang varietas zurna Tiongkok
Tapi tahukah Anda, zurna dan balaban berjalan beriringan. Desain mereka memiliki banyak kesamaan - mungkin itu alasannya. Dan bagaimana menurut Anda? Di sebelah instrumen anak ada instrumen lain - guan atau guanji. Ini dia penampakannya:

Seperti inilah rupanya. Teman-teman, sekalian, ini dia yang duduk!
Kapan dia sampai di sana? Pada abad kedelapan. Oleh karena itu, kita dapat berasumsi bahwa itu berasal dari Tiongkok - waktu dan geografinya bertepatan.
Sejauh ini yang terdokumentasi hanyalah instrumen ini menyebar ke arah timur dari Xinjiang. Nah, bagaimana mereka memainkan alat musik ini di Xinjiang modern?

Tonton dan dengarkan mulai detik ke-18! Dengarkan saja suara mewah balaman Uyghur - ya, di sini namanya sama persis dengan dalam bahasa Azerbaijan (ada juga pengucapan namanya seperti itu).

Mari kita cari informasi tambahan di sumber independen, misalnya di ensiklopedia Iranica:
BĀLĀBĀN
CH. Baiklah
alat musik tiup buluh ganda dengan lubang silinder, panjang sekitar 35 cm dengan tujuh lubang jari dan satu lubang ibu jari, dimainkan di Azerbaijan timur di Iran dan di Republik Azerbaijan.

Atau apakah Iranika bersimpati dengan orang Azerbaijan? Nah, TSB juga menyebutkan bahwa kata duduk berasal dari bahasa Turki.
Apakah orang Azerbaijan dan Uzbek menyuap penyusunnya?
Baiklah, Anda pasti tidak akan curiga orang Bulgaria bersimpati dengan orang Turki!
di situs web Bulgaria yang sangat serius untuk kata duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dyudyuk (dari bahasa Turki düdük), pishchalka, svorche, glasnik, tambahan - Alat musik darven rakyat jenis aerophonite, trubi semi tertutup.
Mereka kembali menunjuk pada asal kata Turki dan menyebutnya sebagai alat musik rakyat mereka.
Ternyata alat musik ini tersebar luas terutama di kalangan masyarakat Turki, atau di kalangan masyarakat yang pernah berhubungan dengan Turki. Dan setiap negara berhak menganggapnya sebagai instrumen nasional dan rakyatnya. Tapi hanya satu yang mendapat pujian atas penciptaannya.

Lagi pula, hanya orang malas yang belum pernah mendengar bahwa “duduk adalah alat musik Armenia kuno”. Pada saat yang sama, mereka mengisyaratkan bahwa duduk diciptakan tiga ribu tahun yang lalu - yaitu, di masa lalu yang tidak dapat dibuktikan. Namun fakta dan logika dasar menunjukkan bahwa tidak demikian.

Kembali ke awal artikel ini dan lihat kembali alat musiknya. Hampir semua instrumen ini juga dimainkan di Armenia. Tetapi sangat jelas bahwa semua instrumen ini muncul di antara lebih banyak orang dengan sejarah yang jelas dan dapat dipahami, di mana orang-orang Armenia tinggal. Bayangkan sebuah bangsa kecil yang hidup tersebar di antara negara-negara lain yang memiliki negara bagian dan kerajaannya sendiri. Akankah orang-orang seperti itu menciptakan satu set alat musik lengkap untuk seluruh orkestra?
Harus saya akui, saya juga berpikir: “Oke, itu adalah instrumen yang besar dan rumit, mari kita kesampingkan saja. Tapi bisakah orang Armenia membuat pipa?” Tapi ternyata tidak, mereka tidak memikirkannya. Jika mereka yang menemukannya, maka pipa ini akan memiliki nama murni Armenia, dan bukan tsiranopokh (jiwa pohon aprikot) yang puitis dan metaforis, tetapi sesuatu yang lebih sederhana, lebih populer, dengan satu akar, atau bahkan onomatopoeik. Sementara itu, semua sumber menunjuk pada etimologi Turki dari nama alat musik ini, dan geografi serta tanggal penyebarannya menunjukkan bahwa duduk mulai menyebar dari Asia Tengah.
Baiklah, mari kita buat asumsi lain dan katakan bahwa duduk datang ke Xinjiang dari Armenia kuno. Tapi bagaimana caranya? Siapa yang membawanya ke sana? Bangsa apa yang berpindah dari Kaukasus ke Asia Tengah pada pergantian milenium pertama? Tidak ada negara seperti itu! Namun Turki terus berpindah dari Asia Tengah ke barat. Mereka bisa saja menyebarkan instrumen ini di Kaukasus, dan di wilayah Turki modern, dan bahkan di Bulgaria, seperti yang ditunjukkan dalam dokumen.

Saya memperkirakan argumen lain dari para pembela versi duduk asal Armenia. Konon duduk asli hanya terbuat dari kayu aprikot, yang dalam bahasa latin disebut Prúnus armeniáca. Namun, pertama, aprikot tidak kalah umum di Asia Tengah dibandingkan di Kaukasus. Nama latinnya tidak menunjukkan bahwa pohon ini menyebar ke seluruh dunia dari wilayah wilayah yang menyandang nama geografis Armenia. Hanya saja dari sanalah ia merambah ke Eropa dan dideskripsikan oleh para ahli botani sekitar tiga ratus tahun yang lalu. Sebaliknya, ada versi aprikot yang menyebar dari Tien Shan, sebagian di China, dan sebagian lagi di Asia Tengah. Kedua, pengalaman orang-orang yang sangat berbakat menunjukkan bahwa alat musik ini bahkan bisa dibuat dari bambu. Dan balaban favorit saya terbuat dari murbei dan terdengar jauh lebih enak daripada balaban aprikot, yang juga saya miliki dan dibuat di Armenia.

Dengarkan bagaimana saya belajar memainkan alat musik ini dalam beberapa tahun. Artis Rakyat Turkmenistan Hasan Mamedov (biola) dan Artis Rakyat Ukraina, rekan saya penduduk Fergana, Enver Izmailov (gitar) mengambil bagian dalam rekaman tersebut.

Dengan semua ini, saya ingin memberikan penghormatan kepada pemain hebat Armenia duduk Jivan Gasparyan. Pria inilah yang menjadikan duduk sebagai instrumen yang terkenal di dunia; berkat karyanya, sekolah permainan duduk yang luar biasa muncul di Armenia.
Namun sah-sah saja mengatakan “Armenian duduk” hanya tentang instrumen tertentu, jika dibuat di Armenia, atau tentang jenis musik yang muncul berkat J. Gasparyan. Hanya orang-orang yang membiarkan diri mereka membuat pernyataan tidak berdasar yang dapat menunjukkan asal usul duduk dari Armenia.

Perlu diketahui bahwa saya sendiri tidak menunjukkan tempat pastinya atau waktu pasti kemunculan duduk tersebut. Mungkin mustahil untuk membuktikan hal ini dan prototipe duduk lebih tua dari masyarakat mana pun yang masih hidup. Namun saya membangun hipotesis saya tentang penyebaran duduk, berdasarkan fakta dan logika dasar. Jika ada yang ingin menolak saya, maka saya ingin bertanya terlebih dahulu: tolong, ketika membangun hipotesis, andalkan fakta yang dapat dibuktikan dan diverifikasi dari sumber independen, jangan menghindar dari logika dan coba cari penjelasan lain yang masuk akal. untuk fakta-fakta yang tercantum.

Xi Jinping, Ketua Republik Rakyat Tiongkok, berbicara pada simposium yang menandai peringatan 69 tahun kemenangan atas penjajah Jepang selama Perang Dunia II, menyerukan Jepang untuk mengambil pendekatan yang lebih bertanggung jawab dalam menilai...

ditambahkan: 04 Maret 2014

Musik dan instrumen nasional Jepang

Negeri Matahari Terbit Jepang mempunyai budaya yang khas dan unik. Warisan suatu bangsa besar erat kaitannya dengan musik. Musik nasional Jepang adalah fenomena asli yang sama yang disebabkan oleh isolasi negaranya.

Masyarakat Jepang selalu memperlakukan monumen budaya tanah airnya dengan hati-hati dan hormat. Musik apa pun tidak mungkin terjadi tanpa alat musik. Budaya musik Jepang memiliki genre yang unik. Hal ini menjelaskan beragamnya instrumen yang digunakan untuk menciptakan karya musik.

Alat musik terkenal

Salah satu alat musik Jepang yang paling terkenal adalah malusen, yang dianalogikan dengan kecapi. Itu termasuk dalam kategori instrumen petik tiga senar. Dia berasal sansina, yang pada gilirannya berasal Sanxian, yang kampung halamannya adalah Tiongkok.

Musik dan tarian Jepang tidak dapat dilakukan tanpa shamisen, yang masih dihormati di kepulauan Jepang dan sering digunakan dalam teater Jepang. Bunraku dan Kabuki. Penting juga bahwa permainan shamisen dimasukkan dalam program pelatihan geisha - maiko.

Musik nasional Jepang juga terkait erat dengan seruling. Alat musik bahan bakar termasuk dalam keluarga seruling yang terkenal dengan suaranya yang bernada tinggi. Mereka terbuat dari bambu. Seruling ini berasal dari pipa Cina - “ paixiao«.

Seruling paling terkenal dari keluarga fue adalah shakuhachi, yang digunakan sebagai alat musik oleh biksu Buddha Zen. Menurut legenda, shakuhachi ditemukan oleh petani biasa. Ketika dia sedang mengangkut bambu, dia mendengar melodi indah yang datang dari bambu ketika angin bertiup ke dalamnya.

Seruling fue, seperti halnya shamisen, sering digunakan untuk pengiring di teater Banraku dan Kabuki, dan berbagai macam ansambel. Beberapa fouet dapat disetel ke gaya Barat, dan dengan demikian menjadi solois. Menariknya, sebelumnya memainkan fue hanya merupakan ciri khas para biksu pengembara Jepang.

Suikinkutsu

Instrumen lain yang mewakili budaya Jepang adalah suikinkutsu. Bentuknya seperti kendi terbalik dengan air mengalir dari atasnya. Masuk ke dalam melalui lubang-lubang tertentu menyebabkan alat musik tersebut mengeluarkan suara yang sangat mirip dengan bunyi bel. Alat musik ini dimainkan sebelum upacara minum teh, dan juga digunakan sebagai atribut taman tradisional Jepang.

Ngomong-ngomong, untuk kenyamanan, upacara minum teh bisa dilakukan di taman. Suara instrumen menjerumuskan seseorang ke dalam perasaan relaksasi yang tidak dapat dijelaskan dan menciptakan suasana kontemplatif. Keadaan ini sangat cocok untuk menyelami Zen, karena bersantai di taman saat upacara minum teh merupakan bagian dari tradisi Zen.

Alat ini lebih mudah dimengerti oleh persepsi kita taiko,yang diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia berarti “drum”. Ngomong-ngomong, Taiko menjadi terkenal dalam urusan militer, sama seperti rekan-rekannya di negara lain. Seperti yang mereka katakan, dalam kronik Gunji Yeshu, sembilan kali sembilan pukulan berarti seruan untuk berperang, dan sebaliknya, sembilan kali tiga berarti musuh harus dikejar.

Perlu diperhatikan bahwa dalam penampilan seorang drummer, perhatian diberikan pada estetika pertunjukan yang ia tawarkan, karena tidak hanya melodi dan ritme pertunjukan yang penting, tetapi juga penampilan instrumen yang memainkan melodi tersebut. .

Genre musik Jepang

Musik rakyat Jepang telah mengalami kemajuan pesat dalam perkembangannya. Asal usulnya adalah lagu-lagu ajaib; kemudian, Konfusianisme dan Budha mempengaruhi perkembangan dan pembentukan genre musik. Jadi, musik Jepang, dalam satu atau lain cara, dikaitkan dengan ritual, hari raya tradisional, pertunjukan teater, dan aktivitas lainnya. Musik etnik Jepang, yang di dunia modern dapat didengarkan secara online kapan saja dan di mana saja, telah menjadi bagian penting dari warisan budaya negara tersebut.

Ada dua jenis musik nasional Jepang yang utama dan terpopuler.

• Yang pertama adalah syomio, yang mewakili nyanyian Buddha.
• Kedua - gagaku, yaitu musik istana orkestra.

Namun ada juga genre yang tidak memiliki akar kuno. Mereka milik Yasugi Bushi dan Enka.

Genre lagu daerah Jepang yang paling populer adalah Yasugi Bushi, yang diambil dari nama kota Yasugi. Tema genre ini berkaitan dengan sejarah kuno dan dongeng mitos dan puitis. Tapi Yasugi Bushi bukan hanya lagu, tapi juga tarian sukui dojo, serta seni juggling musik Zeni Daiko, yang menggunakan batang bambu berisi koin sebagai alat musiknya.

Enka, sebagai sebuah genre, muncul relatif baru, pada periode pasca perang. Di dalamnya, motif rakyat Jepang dipadukan dengan musik jazz dan blues. Dengan demikian, musik Jepang memiliki ciri khas nasionalnya sendiri, sehingga berbeda dengan genre musik lain di negara lain. Jadi, ada alat musik yang disebut sumur bernyanyi, yang tidak akan Anda lihat di mana pun di dunia, kecuali mungkin di Tibet.

Musik Jepang dicirikan oleh tempo dan ritme yang terus berubah. Seringkali tidak ada ukuran. Musik Jepang dekat dengan suara alam, sehingga membuatnya semakin misterius dan tidak biasa.

Video: musik Jepang online