Impresionisme muncul di Prancis pada tahun 1860-an dan menjungkirbalikkan gagasan tradisional tentang seni lukis. Melihat lukisan-lukisan seniman gerakan ini yang cerah, memberi kehidupan, dan penuh cahaya, sulit dipercaya bahwa karya-karya mereka tidak mendapat pengakuan untuk waktu yang lama dan dianggap menyimpang dari kanon seni lukis klasik. “Around the World” mengundang Anda untuk berkeliling Prancis dan melihat bagaimana berbagai bagian negara tersebut digambarkan dalam karya seniman impresionis.

Claude Monet. "Lapangan bunga poppy di Argenteuil" (1873)

Lukisan “Field of Poppies…” dilukis oleh Monet di Argenteuil, yang terletak hanya 10 kilometer dari Paris dan pada abad ke-19 menjadi tempat liburan favorit warga ibu kota. Monet dan keluarganya tinggal di pinggiran kota ini selama tujuh tahun dan menciptakan banyak lukisan cerah dan berwarna-warni.

Di Argenteuil, sang seniman banyak bekerja di udara terbuka: ia selalu tertarik dengan kesempatan untuk menggambarkan di atas kanvas suatu fragmen waktu, aksi, dan ruang tertentu. Lukisan “Field of Poppies at Argenteuil” mencerminkan hasrat lain sang seniman - kecintaannya pada bunga. Monet bahkan pernah menyebut tamannya sebagai mahakarya utamanya.

Lukisan ini jelas terbagi menjadi beberapa bagian, yang terpenting adalah lukisan bunga berwarna merah tua, kontras dengan kanvas bagian kanan yang kosong. Kita juga melihat dua pasangan dilukis bersama istri artis Camille dan putra sulungnya Jean. Penataannya membantu menyusun ruang gambar dan menyampaikan gerakan yang ditangkap.

Saat mengerjakan lukisannya, Monet tidak mencampurkan cat, melainkan mengaplikasikan guratan warna berbeda, yang dilihat mata manusia sebagai corak warna berbeda. Pada saat yang sama, sang seniman melukis hal-hal yang lebih penting dengan lebih hati-hati. Oleh karena itu, penekanan di sini adalah pada bunga dan bagian atas sosok manusia di latar depan, sedangkan bidang di sisi kanan gambar dan langit kurang jelas.

Pierre Auguste Renoir. "Jembatan ke Chatou" (1875)

Chatou adalah sudut indah Prancis lainnya, yang dicintai oleh seniman gerakan baru. Sering disebut pulau impresionis, karena pada titik ini Sungai Seine terbagi menjadi dua cabang. Seperti kota tetangganya Argenteuil, kota Chatou pada abad ke-19 memiliki suasana yang ceria dan aktivitas yang bising.

Orang-orang datang ke sini untuk berenang, naik perahu, atau piknik, dan pemandangan sederhana ini tercermin dalam lukisan kaum Impresionis. Pendirian Pastor Fournaise di bawah jembatan Chatou, di mana orang tidak hanya bisa bermalam tetapi juga menyewa kamar, adalah tempat favorit Renoir. Di tempat inilah sang seniman menciptakan lukisannya “The Rowers’ Breakfast”, di mana ia menggambarkan kenalan dan teman-temannya. Pada tahun 1990, restoran Maison Fournaise dipugar dan sekarang menjadi museum kecil.

Lukisan "Jembatan di Chatou" berbeda dengan kebanyakan karya Renoir. Berbeda dengan Monet, sang seniman lebih suka menggambarkan orang, dan juga lebih menyukai palet warna yang lebih jenuh. Namun “Jembatan di Chatou” adalah lanskap di mana orang-orang tampak sebagai sosok gelap yang kabur. Jembatan digambar lebih hati-hati dibandingkan elemen lainnya, selain itu, perahu populer digambarkan di sini. Bentang alamnya dicirikan oleh garis-garis kabur dan lingkungan udara ringan berasap. Ketiadaan sosok manusia yang terdefinisi dengan jelas menciptakan perasaan jarak, dan palet cahaya serta warna membantu melihat kegembiraan dalam hal-hal biasa.

Frederik Kemangi. "Pemandangan di tepi sungai Lez" (1870)

Berkat lanskap Basil, kami melakukan perjalanan dari Prancis tengah ke selatan, ke wilayah asal sang seniman. Nama Basil kurang dikenal dibandingkan nama teman-temannya Monet dan Renoir, karena dia meninggal pada usia 28 tahun. “Landscape on the Banks of the Lez” adalah salah satu karya terakhir sang seniman: tak lama setelah menyelesaikan pekerjaan di atas kanvas, Basil menjadi sukarelawan untuk Perang Perancis-Prusia, di mana ia segera meninggal.

Sang seniman menyelesaikan lanskapnya dalam waktu singkat; hanya membutuhkan waktu dua bulan untuk menyelesaikannya. Saat bekerja, kerabat Basil sedang pergi dan tidak mengalihkan perhatiannya dari lukisan itu. Selain itu, dia juga mengenal daerah tersebut dengan baik. Jadi, dalam sebuah surat kepada saudaranya, dia menunjukkan dengan tepat tempat yang dia gambarkan: “Tepi Sungai Lez dekat pabrik dekat Navilau dan jalan menuju Clappier.”

Lukisan tersebut sangat berbeda dengan pemandangan Monet dan Renoir, karena Basil lebih suka melukis matahari pada puncaknya, dan juga menggambarkan cahaya yang keras, berbeda dengan cahaya tanpa bobot dan berasap di kanvas teman-temannya. Basil juga menggunakan warna-warna kontras yang cerah, serta lebih presisi dan teliti saat mengerjakan detail gambar. Berkat ini, kita dapat mengenali di kanvas “Pemandangan di tepi Sungai Lez” pepohonan dan karakteristik vegetasi bagian selatan Prancis.

Camille Pissarro. "Jembatan Boildieu di Rouen saat Hujan" (1896)

Camille Pissarro memasuki sejarah impresionisme sebagai ahli lanskap perkotaan. Ia melukis beberapa lukisan yang menggambarkan Rouen, yang terletak di utara Perancis. Pissarro pergi ke kota ini setelah melihat sepeda Claude Monet yang didedikasikan untuk Katedral Rouen.

Pissarro, seperti Monet, menggunakan cahaya dan udara saat membuat kanvas. Ia tertarik dengan kemungkinan menggambarkan kota sebagai organisme hidup yang terus bergerak. Ia menggunakan warna yang lebih gelap dan sapuan kuas yang lebih tebal, namun lukisannya tampil lebih realistis. Perspektif yang tidak biasa ini sering dijelaskan oleh fakta bahwa Pissarro melukis dari jendela hotel.

Sang seniman berusaha untuk merefleksikan di atas kanvas ciri-ciri industri yang secara bertahap muncul dalam penampilan kota. Inilah yang membuat Pissarro menarik tentang Rouen, yang meskipun memiliki arsitektur indah, menjadi kota pelabuhan dan pusat industri pada akhir abad ke-19.

Paul Cezanne. "Pemandangan Teluk Marseille dari Estac" (1885)

Pemandangan Paul Cézanne sekali lagi membawa kita kembali ke selatan Perancis, tetapi pada saat yang sama sangat berbeda dari lukisan yang telah dibahas. Kanvas Cezanne bahkan bagi pemirsa yang tidak terlatih tampak lebih berani dibandingkan karya impresionis lainnya. Bukan suatu kebetulan jika seniman sering disebut sebagai bapak seni modern.

Lahir di selatan negara itu, Cézanne sering menggambarkan pemandangan selatan dalam lukisannya. Lingkungan sekitar desa nelayan Estac menjadi salah satu subjek favoritnya dalam lanskapnya. Pada tahun 1880-an, Cézanne, dalam upayanya untuk menghindari masalah keluarga, datang ke Estac dan melukis sekitar sepuluh lukisan yang menggambarkan Teluk Marseille.

"Pemandangan Teluk Marseille dari Estac" adalah salah satu karya puncak periode ini dan memungkinkan kita melihat ciri-ciri lukisan Cézanne yang memengaruhi Pablo Picasso. Yang kita bicarakan terutama adalah tentang guratan horizontal padat khusus sang seniman, serta penggunaan warna-warna yang dalam dan kaya seperti oranye-kuning. Cezanne berhasil mencapai gambar tiga dimensi air melalui penggunaan berbagai warna biru, serta inklusi hijau dan ungu. Seperti impresionis lainnya, Cezanne suka melukis laut, langit, dan pegunungan, tetapi dalam gambarnya semuanya tampak lebih padat dan jelas.

Claude Monet. bunga poppy. 1773 Musée D'Orsay, Paris

“Poppies,” salah satu karya Claude Monet yang paling terkenal, saya lihat di . Namun, aku tidak melihatnya dengan benar saat itu. Sebagai penggemarnya, saya sungguh terpesona dengan semua mahakarya yang ada di museum ini!

Nanti, tentu saja, saya melihat “Poppies” dengan benar. Dan saya menemukan bahwa saya bahkan tidak memperhatikan beberapa detail menarik di museum. Jika Anda melihat gambarnya lebih dekat, Anda mungkin memiliki setidaknya tiga pertanyaan:

1. Mengapa bunga poppy begitu besar?
2. Mengapa Monet menggambarkan dua pasang figur yang hampir identik?
3. Mengapa sang seniman tidak menggambar langit dalam gambarnya?

Saya akan menjawab pertanyaan-pertanyaan ini secara berurutan.

1. Mengapa bunga poppy begitu besar?

Bunga poppy digambarkan sangat besar. Kebanyakan dari mereka berukuran sebesar kepala anak yang digambarkan. Dan jika Anda mengambil bunga poppy dari latar belakang dan mendekatkannya ke gambar di latar depan, maka ukurannya akan jauh lebih besar daripada kepala anak dan wanita yang digambarkan. Mengapa hal ini tidak nyata?

Menurut pendapat saya, Monet sengaja memperbesar ukuran bunga poppy: dengan cara ini, dia sekali lagi memilih untuk menyampaikan kesan visual yang jelas daripada realisme objek yang digambarkan.

Omong-omong, di sini Anda dapat menarik kesejajaran dengan tekniknya menggambarkan bunga lili air dalam karya-karyanya selanjutnya.

Untuk lebih jelasnya, lihatlah potongan-potongan lukisan bunga lili air dari tahun yang berbeda (1899-1926). Karya teratas adalah yang paling awal (1899), yang terbawah adalah yang terbaru (1926). Tentu saja, seiring berjalannya waktu, bunga lili air menjadi semakin abstrak dan kurang detail.

Tampaknya “Poppies” hanyalah pertanda dominasi abstraksionisme dalam lukisan-lukisan Monet selanjutnya.

Lukisan oleh Claude Monet. 1. Kiri atas: Bunga lili air. 1899 g.Koleksi pribadi. 2. Kanan atas: Bunga lili air. 1908 g.Koleksi pribadi. 3. Tengah: Kolam dengan bunga lili air. 1919 Museum Seni Metropolitan, New York. 4. Bawah: Bunga Lili. 1926 Museum Seni Nelson-Atkins, Kota Kansas.

2. Mengapa ada dua pasang bangun datar yang identik pada gambar?

Ternyata penting juga bagi Monet untuk menunjukkan gerakan dalam lukisannya. Dia mencapai ini dengan cara yang tidak biasa, menggambarkan jalan setapak yang nyaris tak terlihat di atas bukit di antara bunga-bunga, seolah-olah diinjak di antara dua pasang sosok.

Di bawah bukit dengan bunga poppy adalah istrinya Camille dan putranya Jean. Camilla secara tradisional digambarkan dengan payung hijau, seperti dalam lukisan “Wanita dengan Payung”.

Di atas bukit ada sepasang wanita dan seorang anak, yang kemungkinan besar juga dipotret oleh Camilla dan putranya. Itu sebabnya kedua pasangan ini sangat mirip.

Claude Monet. bunga poppy. Fragmen. 1873 Musee D'Orsay, Paris.

Sepasang sosok di atas bukit ini mungkin digambarkan semata-mata untuk efek visual gerakan yang dicita-citakan Monet.

3. Mengapa Monet tidak melukis langit?

Hal penting lainnya: perhatikan betapa buruknya gambar langit, hingga ke area kosong di kanvas yang tertinggal.

Claude Monet. bunga poppy. Fragmen. 1873

Bisakah Anda bayangkan di tengah hutan kota Kanada tiba-tiba mekar? bidang opium? Kedengarannya tidak masuk akal, tetapi tidak ada yang mustahil dalam dunia seni. Dan sudah ada presedennya: belum lama ini bunga poppy muncul di Zweibrücken di Montreal - ini sudah menjadi semacam kelanjutan dari tradisi bunga.

Pencipta instalasi “bunga” – seniman dan arsitek Claude Cormier, pengagum berat impresionisme. Cinta untuk kanvas Claude Monet sudah pernah menginspirasinya untuk berkreasi, yang menyerupai bunga wisteria yang sedang mekar. Karya saat ini di Montreal merupakan penghormatan dan kekaguman terhadap “Poppy Fields” dari seniman hebat. Ingatlah bahwa Claude Monet tanpa lelah melukis hamparan hijau Giverny, dihiasi dengan bunga-bunga merah, dari lukisannya Anda dapat menciptakan keseluruhan siklus “opium”.

Untuk membuat instalasinya, dibutuhkan 5.060 spidol berwarna merah, hijau, dan putih yang tersebar di gang depan Museum Seni Rupa. Karya Claude Cordier merupakan bagian dari pameran tahunan. Setiap orang akan bisa mengagumi mewahnya ladang opium di tengah lautan aspal.

Ngomong-ngomong, ini bukan pertama kalinya karya-karya impresionis ternama menginspirasi seniman untuk menciptakan karya seni. Kami telah memperkenalkan pembaca kami pada desain yang mengingatkan pada Rumah Biru di Zaandam, serta serangkaian poster iklan, salah satunya menggambarkan Monet dengan bunga lili air favorit lainnya.

Field of Poppies (1873), dipamerkan pada pameran Impresionis pertama, menggambarkan istri Monet, Camille dan putra mereka Jean di lapangan dekat rumah mereka di Argenteuil. Seperti dalam banyak karya Monet lainnya, Camille dilukis dengan payung di tangannya, dan garis luarnya yang anggun memberikan pesona tersendiri pada lukisan itu.

Monet melukis “Field of Poppies” di udara terbuka, di atas kanvas portabel kecil. Meskipun lukisan tersebut menyampaikan perasaan alami dan spontan, namun dikomposisikan dengan cermat. Hal ini terungkap tidak hanya dalam kenyataan bahwa sang seniman mengulangi gambar tersebut dua kali di atasnya, tetapi juga dalam pilihan sudut, yang diatur sedemikian rupa sehingga bunga poppy cerah yang mengisi sisi kiri komposisi terletak secara diagonal, di sepanjang mana Camille dan Jean berjalan, seolah-olah meninggalkan gambar itu. Kekayaan warna dan gerakan yang memenuhi area lukisan ini sangat kontras dengan corak tenang di tepi kanan atas kanvas, di mana atap rumah terakota dengan terampil menghubungkan latar belakang dengan latar depan komposisi.

Gairah terhadap bunga

Sepanjang hidupnya, Monet sangat suka melukis bunga - bunga liar, taman atau bunga potong, mereka selalu hadir di lanskapnya.

Monet pernah mengakui bahwa dua minat terbesar dalam hidupnya adalah melukis dan berkebun. Saat dia melukis bunga, kedua gairah ini digabungkan. Di Field of Poppies, seperti di banyak lukisannya yang lain, Monet menikmati bunga-bunga liar dan semarak. Beberapa lukisan alam benda bunga potong karya Monet yang indah telah diketahui, tetapi yang paling penting dia suka melukis bunga yang tumbuh di tamannya, pertama di Argenteuil dan kemudian di Giverny. Pada tahun 1871, Monet pindah bersama keluarganya ke Argenteuil untuk mencari rumah dan taman pertamanya. Namun, gairah utama dalam kehidupan sang seniman adalah tamannya di Giverny. Monet memilih bunga untuk tamannya sedemikian rupa sehingga tersusun dalam urutan tertentu, warnanya kontras, dan mekar sepanjang tahun. Dia menanam banyak bunga yang tidak biasa di tamannya. Kecintaan Monet terhadap bunga juga dimiliki oleh banyak seniman Impresionis lainnya, terutama Gustave Caillebotte. “Pastikan datang hari Senin, sesuai kesepakatan,” tulisku pada temanku Mona. “Semua irisku akan mekar.”

Obsesi dengan cahaya dan warna

Obsesi Monet terhadap cahaya dan warna menghasilkan penelitian dan eksperimen selama bertahun-tahun, yang tujuannya adalah untuk menangkap nuansa alam yang sekilas dan sulit dipahami di atas kanvas.

LUKISAN MONET melahirkan gerakan baru dalam seni lukis - impresionisme, dan Monet sendiri diakui sebagai perwakilan terbesar dan paling khas dari gerakan ini. Sepanjang hidupnya yang panjang, Monet terus mengikuti aturan dasar impresionisme - untuk menangkap pemandangan kehidupan modern di atas kanvas (bagi Monet, ini adalah lanskap) dan bekerja di udara terbuka.

BEKERJA DI UDARA PLEIN Praktik seorang seniman berkarya di udara terbuka (plein air) bukanlah sesuatu yang benar-benar baru. Pada awal abad ke-19, seniman Inggris John Constable sering melukis sketsa dan studinya tentang minyak di alam. Pada tahun 1840, mengikuti teladannya, sekelompok seniman Prancis berkumpul di desa Barbizon dekat hutan Fontainebleau dengan tujuan melukis pemandangan yang menggambarkan “alam sejati”. Camille Corot, yang sangat dihormati oleh banyak kaum Impresionis karena pandangannya yang tidak ideal tentang alam, juga melukis dengan cat minyak di udara, mendesak para seniman untuk “mengikuti kesan pertama Anda.”

Peran paling penting dalam perkembangan Monet sebagai seorang seniman dimainkan oleh persahabatan masa mudanya dengan pelukis lanskap Eugene Boudin, yang berspesialisasi dalam lanskap pantai kecil dan lapang yang ia ciptakan di udara terbuka. Bodin bersikeras agar Monet bergabung dengannya dalam salah satu sesi di Le Havre. “Tiba-tiba timbangan itu jatuh dari mataku,” tulis Monet kemudian.

Di sana, di Le Havre, Monet bertemu dengan seniman Belanda Johan Barthold Jonkind, yang mencoba menyampaikan nuansa udara dan suasana paling lembut di bentang lautnya. Monet kemudian berkata tentang dia: “Dialah orang yang akhirnya mengembangkan visi saya.”

APA YANG BENAR-BENAR DILIHAT MATA Monet mengetahui bahwa sebuah lukisan yang dilukis di luar ruangan memiliki kesegaran dan vitalitas unik yang tidak dapat dicapai dengan bekerja di studio, di mana sang seniman memiliki gagasan yang sudah terbentuk sebelumnya tentang karya yang akan ia ciptakan. Nasihat yang diberikan Monet kepada para seniman dengan jelas mengungkapkan pendekatannya sendiri terhadap melukis: “Cobalah melupakan apa yang Anda lihat di depan Anda - pohon, rumah, ladang, apa pun. Bayangkan saja di tempat ini ada kotak kecil berwarna biru, ada sosok merah jambu memanjang, dan lanjutkan hingga Anda mendapat kesan naif terhadap gambar yang ada di depan mata Anda. Jadi, kesan adalah suatu dorongan visual yang diciptakan oleh apa yang dilihat pada momen tertentu.

IDE REVOLUSIONER Bagi semua kaum Impresionis, dan khususnya bagi Monet, tujuan utama seni adalah menangkap kesan sekilas yang sulit dipahami. Pada saat itu, gagasan seperti itu tampak revolusioner dan mengejutkan seperti realisme terang-terangan Courbet dalam TEKNIK BARU Untuk mencapai tujuannya, sang seniman membutuhkan teknik teknis penulisan yang baru. Monet, khususnya, mengembangkan teknik melukisnya sendiri, menerapkan guratan lebar dan kasar, titik-titik tersebar tebal, garis putus-putus, zigzag, dan guratan tebal pada kanvas dengan kuas pendek. Monet mengerjakan seluruh ruang lukisan secara bersamaan, dengan keyakinan, seperti yang kemudian dia katakan, bahwa “lapisan cat pertama harus menutupi sebanyak mungkin kanvas, tidak peduli seberapa kasar penerapannya.”

Monet menggunakan warna dengan cara yang benar-benar baru dan revolusioner, tidak diragukan lagi terinspirasi oleh penemuan Eugene Chevreul tentang metode persepsi visual. Chevreul membuktikan bahwa warna-warna primer yang berdekatan dari roda warna saling melembutkan, dan kontras terbesar dicapai ketika warna-warna komplementer berdekatan. Penemuan penting lainnya adalah bahwa warna bukanlah sifat yang melekat pada suatu benda. Warna hanyalah cara cahaya bercampur saat dipantulkan pada permukaan suatu benda. Seperti rekan-rekan Impresionisnya, Monet biasanya menggunakan palet terbatas, lebih memilih warna-warna murni dan tidak tercampur dan melukis di atas kanvas yang telah dilapisi dengan cat dasar putih atau krem, yang membuat warna yang diaplikasikan lebih terang dan cerah.

Penemuan penting lainnya yang mempengaruhi visi seniman adalah fotografi. Dalam foto-foto pada masa itu, objek bergerak dianggap sebagai titik buram, dan hanya objek diam yang memiliki garis tepi yang jelas. Efek ini jelas tercermin dalam sosok manusia mirip semut yang kita lihat dalam lukisan Monet “Boulevard des Capucines” (1873).

MENGUBAH SUBJEK GAMBAR

Sangat menarik untuk menelusuri bagaimana sikap Monet terhadap objek yang digambarkannya berubah sepanjang hidupnya. Terlepas dari kenyataan bahwa ia terus-menerus asyik dengan permainan cahaya, dalam lukisan awalnya Monet paling sering menggambarkan sosok manusia yang dilukis dengan cara yang familiar dengan latar belakang lanskap.

Namun, menjelang tahun 1880-an, Monet mulai semakin tertarik pada alam dalam bentuknya yang paling murni. Jika sosok atau benda mati muncul dalam lukisan periode ini, biasanya mereka berperan sebagai pendukung dan menghilang ke latar belakang.

SERI LUKISAN

Terlepas dari kenyataan bahwa seniman selalu membuat serangkaian sketsa dari pemandangan yang sama, sebelum Monet tidak ada orang yang melukis objek yang sama beberapa kali dalam pencahayaan berbeda dan kondisi cuaca berbeda. Lukisan Monet mewakili keseluruhan rangkaian yang menggambarkan tumpukan jerami, pohon poplar, katedral di Rouen, pemandangan London dari Sungai Thames dan, terakhir, bunga lili air.

Lanskap London karya Monet, yang dilukis antara tahun 1899 dan 1901, dengan cahaya yang tersebar dan warna yang tersebar, adalah karya seni dramatis dan virtuoso yang menelusuri evolusi gaya seniman menuju cara yang hampir abstrak. Mereka menunjukkan kemajuan bertahap sang seniman menuju objek yang akan ia lukis sepanjang sisa hidupnya, menciptakan tamannya dan mengubahnya menjadi karya seni langka.

Dari sekitar tahun 1905 hingga akhir hayatnya, Monet berkonsentrasi sepenuhnya pada bunga lili air. Lukisan-lukisan ini, di mana cangkir-cangkir bunga lili air secara harfiah muncul di permukaan air yang tidak memiliki garis cakrawala, menjadi studi yang menangkap keragaman warna dan cahaya yang tak ada habisnya dan unik. Faktanya, rangkaian lukisan ini, seperti karya seni brilian lainnya, tidak dapat dijelaskan. Inilah karya seorang penyair yang memiliki kepekaan terhadap alam dan mampu menyampaikan keindahannya dalam lukisannya.