Detail artistik dan perannya dalam menciptakan citra Manilov. Detail artistik dan perannya dalam menciptakan citra Manilov - esai

Atas: Evgeny Yevtushenko, Andrey Voznesensky, Bella Akhmadulina. Bawah: Bulat Okudzhava, Robert Rozhdestvensky. Foto dari situs my.mail.ru

A A. Voznesensky, "B.Akhmadulina"

Istilah "enam puluhan" milik seorang kritikus sastra Stanislav Rassadin, yang menerbitkan artikel dengan nama yang sama di majalah "Youth" pada bulan Desember 1960. Enam puluhan dalam arti luas, mereka mengacu pada lapisan intelektual Soviet yang terbentuk selama “pencairan” Khrushchev, setelah Kongres CPSU ke-20, yang menentukan kebijakan negara Soviet yang baru dan lebih liberal, termasuk dalam kaitannya dengan tokoh budaya. , dibandingkan dengan periode Stalin. Perlu dicatat bahwa, terlepas dari liberalisme budaya dan keluasan pikiran, mayoritas tahun enam puluhan tetap setia pada ide-ide komunisme: ekses-ekses di tahun 30-an bagi mereka tampak sebagai distorsi terhadap cita-cita komunis, kesewenang-wenangan pihak berwenang.

Dalam pembentukan ideologi tahun enam puluhan, mereka memainkan peran yang sangat besar majalah sastra. Secara khusus, majalah "Yunost", yang menerbitkan karya-karya penulis pemula, menemukan nama-nama baru dalam sastra. Yang paling populer majalah "Dunia Baru", yang, tanpa berlebihan, merupakan publikasi kultus kaum intelektual Soviet, terutama pada masa ketika diterbitkan oleh A.T. TVardovsky. Karya-karya penulis "letnan prosa" diterbitkan di sini: Viktor Nekrasov, Yuri Bondarev, Grigory Baklanov, Vasil Bykov. Acara khusus adalah penerbitan cerita “Suatu Hari dalam Kehidupan Ivan Denisovich.” Pada saat yang sama ada pembungaan Fiksi ilmiah Soviet , dikaitkan dengan nama saudara Strugatsky, Ivan Efremov, Evgeny Veltistov, dan lainnya.

Evgeny Yevtushenko di Museum Politeknik. Bingkai dari film "Ilyich's Outpost" (sutradara Marlen Khutsiev)

Namun, ia menempati tempat khusus dalam budaya tahun enam puluhan puisi . Untuk pertama kalinya sejak Zaman Perak, era popularitas puisi yang belum pernah terjadi sebelumnya telah tiba: secara harfiah, puisi telah menjadi fenomena sosial berskala besar. Para penyair tahun enam puluhan menarik ribuan penonton (yang paling berkesan adalah malam puisi di Museum Politeknik di Moskow dan di monumen Mayakovsky di tempat yang sekarang disebut Lapangan Kemenangan), koleksi lirik mereka langsung terjual habis, dan penulisnya sendiri selama bertahun-tahun tidak hanya menjadi penguasa jiwa dan pikiran, tetapi juga semacam simbol kebangkitan kreatif, pemikiran bebas, perubahan sosial. Yang terdepan dalam puisi pada tahun 1960-an adalah

• Robert Ivanovich Rozhdestvensky(1932-1994), salah satu penyair Rusia yang paling kuat dan energik, penulis lebih dari 30 koleksi lirik, penerjemah, pembawa acara TV; banyak puisi karya R.I. Rozhdestvensky menyetel musik (“Momen”, “Lagu tentang tanah air yang jauh/Di suatu tempat yang jauh”, “Nocturne”, “Panggil aku, telepon...”, “Gema cinta”, “Cinta telah datang”, “Tanah airku /Saya , kamu, dia, dia - bersama seluruh negeri...", "Gravitasi Bumi", dll.);
• Evgeniy Aleksandrovich Yevtushenko(1932-2017), penyair, humas, aktor, tokoh masyarakat; penulis lebih dari 60 koleksi liris, puisi “Pembangkit Listrik Tenaga Air Bratsk”, “Babi Yar”, “Di Bawah Kulit Patung Liberty”, “Merpati di Santiago”, “Tiga Belas”, “Pertumbuhan Penuh”, novel “Berry Tempat” dan “Jangan Mati Dulu” dari kematian"; beberapa puisi penyair menjadi lagu (“Apakah Rusia menginginkan perang?”, “Dan salju turun…”, “Inilah yang terjadi padaku…”, “Dia mengobrol dengan kita di trem yang penuh sesak…” , dll.).
• Andrey Andreevich Voznesensky(1933-2010), seorang penyair avant-garde yang menulis puisi suku kata-tonik tradisional untuk puisi Rusia, dan puisi bebas, dan puisi dalam semangat puisi “muskil” futuristik, dan puisi prosa; penulis lebih dari 40 kumpulan lirik dan puisi "Masters" (tentang pembangun Katedral St. Basil), "Lonjumeau" (tentang Lenin), "Oza" (tentang cinta di era robotisasi), "Avos" (sebuah puisi tentang diplomat dan pengelana Rusia Nikolai Rezanov berdasarkan opera rock terkenal "Juno dan Avos") dan lainnya.
• Bella Akhatovna Akhmadulina(1937-2010), penyair wanita, yang namanya dikaitkan dengan pencapaian tertinggi puisi abad ke-20; Joseph Brodsky menyebut Akhmadulina sebagai “pewaris garis Lermontov-Pasternak yang tidak diragukan lagi dalam puisi Rusia,” penulis lebih dari 30 koleksi liris.

Selain nama penulisnya, penyair cemerlang lainnya juga termasuk generasi enam puluhan, misalnya saja Gennady Shpalikov, Boris Chichibabin, Yunna Moritz. Di era 60an, raksasa puisi Rusia seperti.

Fenomena terpisah pada tahun 1960an adalah penulis lagu, atau “penyair.” Kategori penyair ini termasuk penulis yang menampilkan puisi mereka sendiri dengan musik mereka sendiri - di antaranya Bulat Okudzhava, Alexander Galich, Vladimir Vysotsky, Yuri Vizbor. Fenomena unik ini disebut.

Streltsova Anna

Esai ini didedikasikan untuk era 60-an, perselisihan terkenal antara fisikawan dan penulis lirik, mengungkapkan suasana hati, tren baru di bidang puisi, menjelaskan munculnya genre baru - lagu bard.

Unduh:

Pratinjau:

Masa “Pencairan” Khrushchev tinggal setengah abad lagi dari sekarang, namun perselisihan, masalah, hubungan antara “fisikawan” (dan sekarang teknisi) dan penulis lirik dan humanis masih relevan hingga saat ini. Mungkin karena perselisihan ini - tentang manfaat keduanya - bersifat abadi dan tidak terpecahkan. Bahkan Bazarov karya Turgenev menciptakan semacam "ledakan", menolak pentingnya seni bagi manusia dan hanya menyatakan manfaat material dari sains: "Seorang ahli kimia yang baik dua puluh kali lebih berguna daripada penyair mana pun." Tapi hidup menempatkan segalanya pada tempatnya. Pada suatu waktu, Einstein yang terkenal berkata tentang F. Dostoevsky bahwa dia (Dostoevsky) memberinya “lebih dari pemikir ilmiah mana pun, lebih dari Gauss.”

Masa yang paling dekat dengan zaman kita adalah masa booming di akhir tahun 50an dan awal tahun 60an. Bukan kebetulan bahwa saat itulah nama-nama puitis baru pertama kali terdengar. Dan bukan suatu kebetulan bahwa ruang konser, tempat Yevgeny Yevtushenko dan Andrei Voznesensky yang masih muda tampil, diserbu oleh kerumunan orang, nyaris tidak dapat ditahan oleh polisi yang berjaga.

Saat itu membuat kami takjub dengan keterbukaan dan kemanusiaannya yang naif. Orang diperbolehkan menjadi manusia biasa. Generasi “enam puluhan” percaya bahwa “rezim dapat dimanusiakan, bahwa rezim itu sendiri ingin menjadi manusia.” Sistem Soviet tampaknya tak tergoyahkan; yang perlu dilakukan hanyalah menghilangkan keropeng Stalinisme darinya. Dengan demikian, emansipasi spiritual rakyat Soviet selama tahun-tahun “pencairan”, sentimen liberal - semua ini membuka jalan bagi perestroika yang akan datang.

Semangat zaman itu sendiri adalah “mencair”. Oleg Efremov, seorang aktor dan sutradara terkenal, mengenang hal ini: “Saat membuat Sovremennik, kami merasa bersama - tidak hanya di dalam tim, tetapi juga di luar tim. Artinya, suasana sosial tertentu membantu generasi saya menemukan suaranya. Mereka mengharapkan sesuatu dari kami, sekarang saya mengerti - mereka benar-benar mendorong kami maju dan menuntut agar kami tetap bersama. Dan semua orang merasakan – dengan jiwa, tubuh, siku, saraf mereka: Saya tidak sendirian!”

Suasana ini turut andil dalam lahirnya karya-karya penting dalam segala bentuk seni. Novel "The Master and Margarita" diterbitkan, sebuah buku 9 volume oleh I. Bunin diterbitkan, karya pertama yang dapat diandalkan tentang kamp "One Day in the Life of Ivan Denisovich" oleh A. Solzhenitsyn muncul, dan "parit kebenaran” oleh Yu. Bondarev “Batalyon bertanya” muncul di depan mata pembaca api", "Dibunuh di dekat Moskow" karya K Vorobyov. Pada tanggal 1 Desember 1956 dan 1 Januari 1957, cerita Mikhail Sholokhov "The Fate of a Man" diterbitkan di surat kabar utama Uni Soviet, Pravda. Kisah tersebut menimbulkan resonansi yang luas di negara tersebut, yang tidak mengherankan, karena tokoh utama di dalamnya adalah seorang pria yang beberapa tahun lalu jelas-jelas diklasifikasikan sebagai musuh rakyat - mantan tawanan perang Andrei Sokolov. Namun, kini situasi di Tanah Air telah berubah secara signifikan. Film karya S. Bondarchuk, sutradara debutan, menjadi legenda sinema Soviet. Pengakuan populer bertepatan dengan pengakuan resmi, meskipun faktanya pahlawan film tersebut adalah seorang pria yang ditangkap, dan ideologi komunis tidak diungkapkan dalam film tersebut. Bahkan di antara penentang paling gigih film-film S. Bondarchuk berikutnya, "The Fate of a Man" tetap ada dalam benak mereka sebagai kesuksesan yang tak terbantahkan - baik sebagai sutradara maupun aktor (Bondarchuk memainkan peran utama dalam filmnya). Selama periode ini, peran apa yang disebut "samizdat" - puisi avant-garde yang bersatu - meningkat tajam. Begitulah kemunculan rangkaian karya seni yang menegaskan hubungan baru antara penulis dan masyarakat, hak penulis untuk melihat dunia sebagaimana adanya.

Pada tahun 60an, negara ini mengalami “boom” puitis. Puisi "Pencairan" bagi puisi Rusia tidak hanya menjadi masa kebangkitan, tetapi juga masa berkembang. Dengan munculnya bakat-bakat puisi yang cemerlang, minat terhadap puisi meningkat berkali-kali lipat. Aula besar Stadion Luzhniki, aula konser dinamai demikian. P.I. Tchaikovsky, Museum Politeknik di Moskow, teater dan ruang konser di Leningrad dan kota-kota lain di negara itu terisi penuh ketika malam puisi diumumkan. Selama berjam-jam, para pendengar yang bersyukur mendengarkan suara penyair favorit mereka. Koleksi puisi benar-benar tersapu dari rak-rak toko buku. Area yang dikhususkan untuk puisi di majalah dan almanak “tebal” telah meningkat secara nyata. Almanak “Hari Puisi” yang sangat populer didirikan dan diterbitkan selama beberapa tahun. Patos puisi tahun-tahun itu adalah penegasan nilai, keunikan kepribadian manusia, martabat manusia:

Orang-orang pergi... Mereka tidak dapat dibawa kembali.
Dan dunia rahasia tidak dapat dihidupkan kembali.
Dan setiap kali saya menginginkannya lagi
Dari ketidakmampuan untuk berteriak.
(E.Yevtushenko)

Seorang penyair marah pada masyarakat di mana seseorang dianggap seperti roda penggerak, penyair lainnya yakin: “Tidak ada orang yang tidak menarik di dunia ini,” penyair ketiga menyatakan: “Semua kemajuan adalah reaksioner jika seseorang runtuh.” Puisi tahun 60-an dengan tegas menjauh dari klise ideologis, menjadi polemik, dan menghasilkan penemuan-penemuan artistik. Prestasi luar biasa dalam ilmu pengetahuan dan teknologi: peluncuran satelit pertama, masuknya manusia ke luar angkasa - berdampak pada kesadaran masyarakat:

Sesuatu fisika
Sangat dihargai
Lirik sesuatu
Di paddock
– tulis Slutsky.

Beberapa penyair mencoba menafsirkan situasi ini secara berbeda:

Dan biarkan visi elektronik
Banyak yang telah dipercayakan, tapi
Semua aspek dari fenomena apa pun
Seni hanya diberikan untuk dilihat.

* * *
Dan di suatu tempat dalam pekerjaan tanpa akhir,
Bahwa Anda tuli terhadap kesuksesan yang mudah,
Akurat bertemu sains
Ketepatan ayat yang dipahat.
(V.Shefner)

Lingkungan yang mendukung menciptakan keajaiban nyata.

Penyair terkenal tahun 1920-1930-an, yang telah lama terdiam atau melupakan cita rasa kemenangan kreatif yang sesungguhnya, kembali menemukan suaranya: M. Svetlov - koleksi "Hunting Lodge" (1961), N. Aseev - koleksi " Lad” (1961), L. Martynov – koleksi “Hak Kesulungan” (1965), dll.

Namun peran utama dalam booming puisi tahun 60an tentu saja milik kaum muda.

Saat itulah impian V. Mayakovsky menjadi kenyataan: “Memiliki lebih banyak penyair, baik dan berbeda”

Orang-orang sezaman mengidentifikasi dua cabang puisi tahun 1960-an.

Beberapa penyair, melanjutkan tradisi V. Mayakovsky, menemukan diri mereka di atas panggung, menyajikan apa yang disebut puisi keras: R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina, E. Yevtushenko, A. Voznesensky, dll.

Mengikuti lirik filosofis dan lanskap Rusia, lawan mereka menggunakan puisi “tenang”: A. Zhigulin, N. Rubtsov, V. Sokolov, Y. Smelyakov, dan lainnya.

Waktu telah memaksa kita untuk meninggalkan klasifikasi artifisial ini, berdasarkan pemahaman yang disederhanakan tentang cara kreatif banyak penyair.

Pada tahun 50-an, genre lagu aslinya muncul dan kemudian menjadi sangat populer - B. Okudzhava, A. Galich, Yu. Vizbor, V. Vysotsky, dan lainnya.

Jika kita berbicara tentang teknik puitis para empu pada masa itu, maka pada dasarnya mereka tetap sejalan dengan tradisi puisi klasik Rusia.

Namun pada tahun 60-an, puisi avant-garde juga dihidupkan kembali (I. Brodsky, A. Voznesensky, G. Sapgir, dll.), meskipun, dengan beberapa pengecualian, tidak berhasil dicetak.

Genre utama dalam puisi tahun 60an adalah puisi liris - sipil, filosofis, cinta, lanskap.

Perselisihan primitif tahun enam puluhan antara “fisikawan” dan “penulis lirik” berada di bawah tanda saling tidak percaya. Para “fisikawan” menganggap “penulis lirik” sebagai pemimpi dan penelan kekosongan, orang-orang yang terputus dari kehidupan. Mereka menganggap diri mereka sebagai orang-orang “konkret” yang tahu cara “membuat perangkat keras” dan mewujudkan ide-ide. Para “penulis lirik” berbicara tentang bahaya kelambanan kemajuan teknis yang tidak dipikirkan dengan matang. Singkatnya, “penulis lirik” adalah orang yang pesimis dan skeptis, hampir merosot, sedangkan “fisikawan” adalah orang yang optimis dan pengusaha.

Penulis lirik selalu merasa meremehkannya. Mitos negara yang berlaku membuat bidang kemanusiaan tidak menarik dan tidak menguntungkan. Apa yang bisa dihasilkan di sini jika semuanya ada, pengetahuan apa yang dibutuhkan, jika ada “Buku Catatan Filsafat” Lenin yang mengupas semua pertanyaan dan memberikan semua jawaban?

Cukup dengan kuliah di universitas teknik mana pun di kota mana pun di negara ini dan kemudian ke universitas kemanusiaan untuk memahami perbedaan sikap negara terhadap yang pertama dan kedua. Bangunan-bangunan kolosal untuk “fisikawan”, dilengkapi dengan segala hal terkini, dan bangunan-bangunan tua bobrok dengan langit-langit runtuh untuk para humanis. Anda tidak perlu berjalan jauh. Bahkan di Universitas Negeri Moskow, pemisahan ini sangat mencolok: bagi “fisikawan” bangunan utama dikenal di seluruh dunia, bagi “penulis lirik” di bidang humaniora, bangunan tersebut adalah sebuah kemelaratan yang datar, hanya diketahui oleh mereka yang memasuki MSU untuk jurusan filologis, historis, dan filosofis. studi.

Kami diberitahu: kemampuan pertahanan adalah yang utama. Perlombaan senjata, kita memerlukan lebih banyak rudal, rudal yang bagus dan jarak jauh.

Dan semua orang menganggukkan kepala.

“Runtuhnya komunisme adalah 50 persen ulah The Beatles, 50 persen lainnya adalah ulah Solzhenitsyn.”

Fenomena penting dalam perselisihan antara "fisikawan" dan "penulis lirik" adalah kemunculan puisi "Atomic Tale" pada tahun 1968 oleh penyair muda Yuri Kuznetsov.

Saya mendengar kisah bahagia ini
Aku sedang dalam mood yang sekarang,
Bagaimana Ivanushka keluar ke lapangan
Dan dia menembakkan panahnya secara acak.
Dia pergi ke arah penerbangan
Mengikuti jejak perak takdir.
Dan dia berakhir dengan seekor katak di rawa,
Tiga lautan dari gubuk ayahku.
- Ini akan berguna untuk tujuan yang adil! -
Dia memasukkan katak itu ke dalam saputangan.
Membuka tubuh kerajaan putihnya
Dan memulai arus listrik.
Dia meninggal dalam penderitaan yang lama,
Berabad-abad berdetak di setiap pembuluh darah.
Dan senyum pengetahuan dimainkan
Di wajah bahagia orang bodoh.

Tentu saja menakjubkan bagaimana masalah yang sangat sulit bisa dirumuskan dalam sebuah puisi kecil.

Mari kita mulai dengan namanya.

Pertama, ini sebuah dongeng yang didalamnya terdapat kebohongan disertai petunjuk.Dengan kata lain, membaca teks tanpa penguraian semantik bahwa “Saya kasihan pada katak” berarti melihat kebohongan dan tidak melihat petunjuknya.

Ini yang pertama.

Kedua. Dongeng merupakan salah satu bentuk pemikiran dasar masyarakat yang telah melewati berabad-abad, membangun sinkretisme konseptual dan mitologisnya. Dengan kata lain, tokoh-tokoh utama dalam dongeng adalah tokoh-tokoh transferensi, yang condong ke arah simbolisme (reprodusibilitas dalam kesadaran sebagai tanda-tanda yang stabil). Dengan kata lain, kita tidak hanya berbicara tentang katak, tetapi tentang generalisasi dongeng.

Berbicara tentang penolakan yang tidak patut terhadap kegunaan lirik, B.A. Slutsky mengungkapkan pendapat umum yang langsung mendapatkan ketenaran dan hampir menjadi sebuah pepatah:

Entah bagaimana fisikawan dijunjung tinggi. Sesuatu yang liris di paddock. Ini bukan soal perhitungan kering, ini soal hukum dunia.

Dan seperti apa mereka, penulis lirik, pemberita kebebasan selama periode “Pencairan, yang memunculkan kebebasan berpendapat?”

Voznesensky: Kami adalah penyanyi dan bahkan saat itu kami tidak takut pada apa pun. Kami semua menyanyikan Okudzhava saat itu. Dia belum menulis lagu "About Fools", tapi mereka menganggap lagunya berbahaya.

B.Akhmadulina : Saya mengendarai Moskvich. Wajahku bersinar karena musik.

Yevtushenko: Saya orang pertama di Moskow yang mengenakan setelan nilon.

Natal: Saya punya sweter ski, tapi saya dengan penuh semangat membaca puisi sipil dari panggung.

Fenomena mencolok tahun 60an, “BOOM”, adalah fenomena lagu aslinya.

Di antara para penyair yang berdiri di awal mula genre seni lagu, perlu disebutkan nama Mikhail Ancharov, Yuri Wisborn, Ada Yakusheva, Yuli Kim, Alexander Vertinsky.

Namun, pendiri dan tokoh kunci sebenarnya adalah Bulat Okudzhava, Vladimir Vysotsky, Alexander Galich.

Menjadi salah satu wujud paling cemerlang dari tumbuhnya kesadaran diri spiritual pada masa “pencairan”, yang didefinisikan Bulat Okudzhava sebagai “masa menunggu perubahan”, lagu pengarangnya pada tahun 1960-an-1970-an menjadi bentuk nyata konfrontasi dengan pejabat. , pejabat, dan dogmatisme.

Muncul pada tahun 1950-an atas dasar berbagai, terutama tradisi cerita rakyat, termasuk roman perkotaan, pelajar. turis, lagu-lagu "halaman", kemudian mengalami perubahan signifikan dalam konten dan aspek artistik dan gaya.

Memperhatikan bahwa pencipta lagu asli “biasanya menggabungkan penulis melodi, penulis lirik, pemain dan pengiring”, bahwa “yang dominan di sini adalah teks puisi, dan sisi musik serta cara pertunjukannya. berada di bawahnya,” Vl. Novikov, pada saat yang sama, berhati-hati untuk tidak menggunakan kata “genre” sehubungan dengan itu.

Namun, ia masih menganggap mungkin saat ini untuk mulai “menganggap lagu pengarangnya sebagai fenomena sastra murni, sebagai fakta puisi Rusia pada paruh kedua abad ke-20”.

Omong-omong, mari kita perhatikan bahwa B. Okudzhava. menggunakan kata “fenomena”, “gerakan”, “arah” sehubungan dengan itu, ia lebih dari sekali berbicara tentang genre yang unik, berulang kali menekankan bahwa genre ini terutama didasarkan pada puisi: “Ini bukan hanya sebuah lagu pertunjukan puisi.”

Pencipta lagu aslinya, dengan segala orisinalitas genre karya yang diciptakannya, tidak dibimbing oleh massa pendengarnya, melainkan oleh individunya. Mereka dicirikan oleh perhatian yang dekat terhadap orang biasa, biasa, bahkan “kecil”. Justru berkat himbauan bukan kepada semua orang, melainkan kepada setiap individu. lagu penulis menerima ketenaran terluas, dan dalam kasus Vysotsky, benar-benar nasional.

Biasanya, pencipta lagu aslinya berusaha menghindari kewarganegaraan terbuka, terutama pathos, yang selalu melunakkannya dengan ironi. Beralih ke dunia batin individu, ke untaian jiwa manusia yang disayangi, mereka memperkenalkan nada keintiman, lirik, dan percakapan yang tulus dan rahasia tentang hal-hal paling mendalam dan penting ke dalam penampilan dan isi lagu. Begitulah intonasi percakapan, komunikasi yang bersahabat, menciptakan suasana “perhatian kemanusiaan yang tulus, komunikasi dan saling pengertian”

Oleh karena itu kealamian yang menawan dari sebuah perasaan, sebuah kata, sebuah gambaran, spontanitas pengalaman, seruan terhadap kehidupan sehari-hari yang nyata, keberadaan sehari-hari dan saat ini, dan pada saat yang sama, melalui masa kini, yang biasa - menuju yang abadi, dalam, utama. kehidupan, nilai-nilai spiritual. yang dibawa seseorang dalam jiwanya: tanah air dan alam, persahabatan dan cinta, iman dan harapan, kehormatan dan hati nurani.

Berbeda dengan lagu pop, dalam lagu pengarang peran terpenting dan dominan dimainkan oleh puisi itu sendiri, syair, kata puitis, dan musik, melodi, yang biasanya ditentukan oleh bunyi intonasi semantik teks puisi dan menyampaikan coraknya yang paling halus. . berfungsi sebagai sarana untuk meningkatkan dampak kata-kata penyair. Itu adalah puisi yang terdengar, kata-kata yang terdengar berdasarkan tradisi sejarah dan budaya yang panjang.

Bulat Okudzhava, meskipun ia pertama kali menyatakan kehadirannya di akhir tahun 50-an bersama dengan para penyair "periode pencairan" - "enam puluhan" (E. Yevtushenko, A. Voznesensky, B. Akhmadulina,...), tetapi pada intinya dia masih salah satu penyair generasi militer atau garis depan - mereka yang bakatnya terbentuk dalam cobaan berat, di garis depan, di bawah tembakan artileri dan senapan mesin, di parit dan galian Perang Patriotik.

Berbicara kepada pendengar pada tahun 1961, penyair itu mencatat: “Sebagian besar puisi saya adalah puisi yang saya baca dan saya nyanyikan dengan tema militer. Ketika saya berusia 17 tahun, saya maju ke depan sejak kelas sembilan kemudian saya tidak menulis puisi, dan tentu saja, kesan masa muda ini begitu kuat sehingga mereka masih mengikuti saya. Jadi, Anda tidak akan terkejut dengan dominasi tema militer dalam diri saya.

Penyair dan pahlawannya dicirikan oleh penolakan yang tajam, penolakan terhadap perang - tepatnya tentang kematian dan kehancuran, dan pada saat yang sama, penegasan kehidupan, keyakinan akan kemenangannya, pada kemenangan atas kematian:

"Tidak, jangan bersembunyi, jadilah tinggi,

Jangan ada peluru atau granat

Dan jangan menyayangkan dirimu sendiri

Dan masih

Cobalah untuk kembali"

Namun rangkaian tematik dan kiasan dari lagu-lagu Okudzhava sama sekali tidak terbatas pada perang. Liriknya menegaskan keindahan dan puisi kehidupan sehari-hari. Landasan duniawi, tanah vital di mana perasaan dan pengalaman tumbuh, dan pada saat yang sama, inspirasi romantis dalam persepsi dan rekreasi kreatif dari fenomena yang paling biasa, terlihat jelas di dalamnya.

“Kami adalah orang-orang duniawi. Dan sama sekali

persetan dengan dongeng tentang dewa!

Kami hanya membawamu dengan sayap

Itu. apa yang mereka bawa di tangan mereka.

Anda hanya harus benar-benar percaya

suar biru ini,

dan kemudian pantai yang tak terduga

akan keluar dari kabut kepadamu."

Dalam sistem artistik Okudzhava, kehidupan sehari-hari dan duniawi, secara harfiah di depan mata kita, diubah menjadi sesuatu yang tidak biasa dan sangat romantis, membentuk “dunia puitis Anda sendiri, benua puitis Anda sendiri”

Peran kiasan yang tidak diragukan lagi dalam penciptaan dunia puitis ini di Okudzhava sendiri. Dalam lagu-lagunya, “Wanita, Yang Mulia” muncul di hadapan kita, yang matanya “seperti kubah berlian di langit”, “dua bintang biru yang dingin”, seperti “mercusuar biru”, mengingatkan pada “pantai yang tak terduga”, yang menjadi “pantai dekat”. Artinya, hal yang tidak biasa ternyata ada di dekatnya: "dia tinggal di jalan kita", dia memiliki "tangan pecah-pecah dan sepatu tua", "mantel... lampu di tubuhnya"..

Dalam metafora Okudzhava, kehidupan sehari-hari, duniawi dan romantis, diarahkan ke atas dan ke kejauhan, surgawi dan laut, bergabung dan digabungkan. Dalam puisinya, jalan biasa di Moskow mengalir “seperti sungai”, aspalnya transparan, “seperti air di sungai”.

Dalam dunia puisi Okudzhava, tempat terpenting ditempati oleh tema dan gambaran tanah air, rumah dan jalan, motif pergerakan dan harapan yang terkait dengannya, pemahaman moral dan filosofis tentang kehidupan, fondasi keberadaan, dan - sudah sebagai bentuk perwujudan dari semua ini - prinsip musik dan gambar. Semua ini bersama-sama membentuk sistem artistik yang hidup, integral, dan bergerak.

“Tanah air bersejarah saya adalah Arbat,” kata B. Okudzhava. Ia menjelaskan: “Bagi saya, Arbat bukan sekadar jalan, namun tempat yang bagi saya melambangkan Moskow dan tanah air saya.”

“Pejalan kakimu bukanlah orang-orang hebat,

tumit mereka berbunyi klik - mereka sedang terburu-buru untuk menjalankan tugas

Ah, Arbat, Arbatku, kamulah agamaku,

trotoarmu terletak di bawahku.

Cintamu tidak akan menyembuhkanmu sama sekali,

empat puluh ribu trotoar penuh kasih lainnya.

Ah, Arbat, Arbatku, kamu adalah tanah airku,

Aku tidak akan pernah bisa melewatimu!"

“Arbat tidak punya halaman belakang, tapi secara umum ada distrik Arbat, sebuah negara. Sejarah yang hidup dan dinamis, budaya kita.. Saya bahkan menduga ia memiliki jiwa dan selama beberapa abad telah memancarkan gelombang tak kasat mata yang memilikinya. memberikan dampak yang menguntungkan bagi kesehatan moral kita.”

Dalam puisi dan lagu Okudzhava, yang sosio-historis dan yang abadi, yang universal selalu terjalin secara gelap. Keinginannya akan keharmonisan, untuk menonjolkan keindahan dalam hidup dan manusia, terkait dengan iman, harapan dan cinta, tidak terlepas dari perasaan drama dan tragedi berada di dunia.

Dalam salah satu puisi selanjutnya yang didedikasikan untuk Novella Matveeva, Okudzhava mencirikan masa "pencairan" harapan, yang, khususnya, memunculkan fenomena seperti lagu penulisnya:

"Kami adalah orang-orang romantis dari masa lalu

Dari masa lalu dan masa yang mengerikan.

Kita lahir dari bawah tekanan,

untuk menyanyikan pujian bagi halaman kota"

Perasaan romantis masa muda itu wajar. telah mengalami perubahan yang signifikan, menyerap kesedihan dan kepahitan dari “renungan ironi”, yang mendorong kita untuk memikirkan kembali gambaran puisi kita sendiri:

"Pelipisku bersandar pada darah,

Namun, sama seperti proyek konstruksi lainnya.

Pohon Tahun Baru ada di tempat sampah.

Tidak ada harapan, tidak ada nasib, tidak ada cinta."

Dasar dari kreativitas liris Bulat Okudzhava adalah ketidakterpisahannya dengan kehidupan dan nasib rakyat, pengalaman dan tradisi puisi Rusia yang diserap secara organik dan, tentu saja, asal usul cerita rakyat.

Vladimir Vysotsky berkata di salah satu konser: “... ketika saya mendengar lagu Bulat Okudzhava, saya melihat bahwa puisi saya dapat ditingkatkan dengan musik, melodi, ritme.

Kelahiran genre baru seni lagu dan orisinalitas fenomena artistik di Vysotsky dibuktikan dengan kata-katanya sendiri, serta pernyataan dan karakteristik orang-orang sezamannya. Dalam pidatonya, V. Vysotsky berulang kali menekankan perbedaan antara lagu pengarang dan lagu pop, dan sebaliknya, dari lagu “amatir”, percaya bahwa lagu pertama selalu didasarkan pada kreativitas puitis asli seseorang, tidak dapat dipisahkan dari a pertunjukan "langsung" yang murni individual, pengarang, yang membedakan nuansa puisi semantik dan musik-ritmik yang paling halus.

Adapun kekhasan kreativitas lagu V. Vysotsky, menurut pernyataan R. Rozhdestvensky yang benar, ia menciptakan "peran lagu", secara organik membiasakan diri dengan gambaran karakter-pahlawan puisinya.

“Setiap lagunya adalah pertunjukan tunggal, di mana Vysotsky berperan sebagai penulis naskah drama, sutradara, dan pemain.”

Vysotsky tidak menyukainya. ketika lagu-lagu awalnya dibicarakan tentang pencuri, pekarangan, dia lebih suka menghubungkannya dengan tradisi romansa perkotaan.

“Saya memulai dengan lagu-lagu yang entah kenapa disebut lagu pekarangan, lagu jalanan. Itu merupakan penghormatan terhadap romansa urban, yang benar-benar terlupakan pada saat itu. Dan orang-orang mungkin mendambakan percakapan yang sederhana dan normal dalam sebuah lagu , keinginan untuk tidak disederhanakan, yaitu intonasi manusia yang sederhana. Lagu-lagu pertama ini tidak berseni, tapi di dalamnya ada semangat yang membara akan kebenaran, cinta untuk teman-temannya, wanita, orang-orang terdekatnya."

Berbicara tentang kreativitas lagu Vysotsky sebagai sistem artistik, filosofis dan puitis yang unik, tentang cara menggabungkan puisi individu ke dalam kelompok tematik, tentang cara siklisasi. Kita terutama harus memikirkan puisi-puisi siklus militer dan orisinalitas solusi penulis terhadap topik ini.

Salah satu puisi kunci dari siklus perang adalah “Dia tidak kembali dari pertempuran.” Di dalamnya, kematian tragis salah satu prajurit Perang Besar yang tak terhitung jumlahnya ditafsirkan sebagai fakta sehari-hari yang memiliki makna simbolis. Kesedihan karena kehilangan, hubungan darah antara yang hidup dan yang mati dikontraskan di sini dengan gambaran yang begitu tenteram dengan latar belakang tragedi kemanusiaan yang bersifat abadi dan indah:

“Hari ini musim semi telah berlalu, seolah-olah dari penangkaran.

Secara tidak sengaja saya memanggilnya:

“Teman, berhenti merokok!” - dan sebagai tanggapannya - diam...

Dia tidak kembali dari pertempuran kemarin.

Kematian kita tidak akan meninggalkan kita dalam kesulitan.

Kejatuhan kita seperti penjaga...

Langit terpantul di hutan, seperti di air, -

Dan pepohonannya berwarna biru."

Dalam puisi-puisi siklus perang, penyair mencapai kapasitas khusus dalam menciptakan citra puitis. Ini adalah simbol Api Abadi dalam puisi "Mass Grave", yang biasa digunakan Vysotsky untuk membuka penampilan konsernya.

Selain tema militer - atau, mungkin, lebih tepatnya, anti-perang -, tema Tanah Air-Rusia saat ini dan sejarah masa lalunya menempati tempat penting dalam karya penyair.

Mengenai lirik cinta, Vysotsky memiliki contoh-contoh luar biasa yang dibuat pada berbagai tahap jalur kreatifnya dan dalam berbagai bentuk.

"Saya membuat tempat tidur untuk kekasih -

Biarkan mereka bernyanyi dalam mimpi dan kenyataan!..

Saya bernafas, dan itu berarti saya cinta!

Saya cinta, dan itu berarti saya hidup! "

Penting untuk diperhatikan keragaman genre, kekhususan bentuk dan modifikasi puisi dan lagu Vysotsky. Sebutan genrenya sendiri sering kali menyertakan kata-kata lagu, lagu pendek , dan, mungkin, lebih sering daripada yang lain, kata itu muncul di nama mereka kidung.

Vysotsky sendiri selalu menekankan dasar epik, plot-naratif dari penulisan lagunya: “Secara umum, saya mencoba menulis semua lagu saya sebagai cerita pendek - sehingga sesuatu terjadi di sana.” Dan di sisi lain. Mengikuti para pendengarnya, ia menarik perhatian pada nada liris dan non-naratif dari karya-karyanya, sekaligus menekankan bahwa penampilan mereka melibatkan kontak dan interaksi yang sangat diperlukan dengan orang-orang yang dituju.

Dalam upaya berdialog dengan orang yang dituju lagu tersebut, penyair terkadang menggunakan bentuk lirik dan ironi tradisional. alamat surat satir ke berbagai penerima. Ini misalnya, “Surat untuk Teman, atau Sketsa tentang Paris”, “Surat untuk Editor Program Televisi “Jelas-Luar Biasa” dari Rumah Gila di Kanatchikova Dacha”, “Surat dari Para Pekerja dari Pabrik Tambov kepada Para Pemimpin Tiongkok”.

Dan meskipun, mungkin, kaburnya batas-batas genre dari banyak karya Vysotsky, siklus tematik genre-nya membentuk keseluruhan artistik, dunia artistik yang kompleks dan holistik. Menanggapi lagu-lagunya terhadap “walaupun hari ini”, penyair melihat dan memahaminya dalam skala besar, secara historis dan bahkan kosmis: Bumi dan langit, unsur-unsur alam, waktu, keabadian, alam semesta hidup dalam puisi-puisinya, masa kini. tidak dapat dipisahkan dari sejarah, yang sesaat - dari yang abadi. Oleh karena itu keterbukaan spatio-temporal, luasnya dan skala dunia puitisnya.

Vysotsky dicirikan oleh kepekaan khusus terhadap keadaan sehari-hari. rincian perilaku dan psikologi manusia, perasaan dan pengalaman, gerak tubuh dan tindakan, dan yang paling penting, keandalan sepenuhnya dari rekreasi bahasa lisan yang hidup dari banyak karakter dalam puisi dan lagunya. Setiap saat, semua ini dimotivasi oleh gambaran tertentu, karakter, susunan mental, dan keadaan karakter monolog lagu dan menemukan ekspresi dalam kosa kata yang unik. struktur ucapan fraseologis, intonasi-sintaksis.

Contoh corak intonasi percakapan yang hidup, yang menentukan ciri sintaksis ujaran, terdapat pada tuturan mendadak “Reconnaissance in Combat”:

“Siapa yang bersamaku? Dengan siapa aku harus pergi?

Ya, Borisov.. Ya, Leonov..

dan perhatian lembut dari "Mountain Lyrical":

"Saat itu hari apa?

Oh ya - Rabu!

dalam suara seruan dan pertanyaan satir “Dialog di TV”:

“Oh, Van, lihatlah burung beo itu!

Tidak, aku akan berteriak pada Tuhan!

Dan siapa yang memakai kaos pendek ini?

Aku, Van, menginginkan hal yang sama."

dalam daya tarik ekspresif dari puisi program "Tightrope":

"Lihat, ini dia

pergi tanpa asuransi.

Miring sedikit ke kanan-

akan jatuh, menghilang!

Sedikit ke kiri miring-

Masih tidak bisa diselamatkan...

Tapi tenang saja, dia harus pergi

tidak lebih dari seperempat jalan! "

Adapun ciri-ciri puisi dan gaya, Vysotsky dicirikan oleh kecenderungan interaksi dan sintesis berbagai prinsip gaya: realisme dan romansa, konvensi dan fantasi dongeng, kesederhanaan alami dan pada saat yang sama ketegangan ekstrem, ekspresif dalam penggunaan. sarana artistik, visual, ucapan, dan puitis. Pencarian sintesis seni diwujudkan dengan menyerap pengalaman seni terkait. Seperti yang telah berulang kali dicatat, Vysotsky adalah seorang penyair dan komposer, penulis puisi dan musik, sutradara panggung dan aktor yang menampilkan karyanya di depan penonton dan pendengar.

Munculnya bentuk puisi baru, tema baru. seruan terhadap dunia batin seseorang, pemahaman baru tentang nasib negara dan individu - ini adalah pencapaian ledakan puitis tahun 60an. Semua ini ternyata merupakan perubahan yang paling signifikan dan menentukan, gelombang puitis yang kuat yang meningkatkan cadangan ketinggian spiritual. Dalam puisi ini hiduplah gambaran Tanah Air yang lebih beragam dan lebih kompleks secara spiritual.

Daftar literatur bekas:

1. V.A.Chalmaev, S.A. Zinin "Sastra" kelas 11, buku teks untuk lembaga pendidikan, LLC "TID "Kata Rusia" 2008.

2.V.A.Zaitsev "Okudzhava, Vysotsky, Galich. Puisi, genre, tradisi" 2003 GKCM V.S.Vysotsky

3.http://1001material.ru

4.http://www.computerbooks.r

5.http://ishevelev.narod.ru/ipavlova.htm

Igor SHEVELYOV.

Moskow
bawah tanah.

6. Puisi oleh V. Vysotsky, B. Okudzhava.

7. http://ivancgalina.ya.ru/replies.xml?item_no=1300

Berbicara tentang periode sejarah dengan nama musim semi “mencair”, tidak mungkin kita bisa tinggal diam tentang suasana romantis yang luar biasa saat itu. Bukan banyak sejarawan atau serial TV bermodel baru yang membantu kita menciptakannya kembali lima puluh tahun kemudian dan merasakannya, melainkan literatur tahun 60an, seolah-olah ia telah menyerap udara lembab dari pencairan ke dalam garis-garis cahayanya. Peningkatan spiritual, yang diilhami oleh harapan akan perubahan yang cepat, diwujudkan dalam puisi tahun enam puluhan: Andrei Voznesensky, Robert Rozhdestvensky, Evgeny Yevtushenko, dan lainnya.

Enam puluhan- ini adalah perwakilan muda intelektual kreatif Uni Soviet di tahun 60an. Sebuah galaksi penyair terbentuk selama “pencairan”. Voznesensky, Rozhdestvensky dan Yevtushenko, para pemimpin lingkaran puisi itu, mengembangkan aktivitas kreatif yang kuat, mengumpulkan seluruh aula dan stadion (karena peluang seperti itu muncul karena melemahnya rezim politik). Mereka disatukan oleh dorongan emosional yang tulus dan kuat yang bertujuan untuk membersihkan keburukan masa lalu, mendapatkan masa kini dan mendekatkan masa depan yang cerah.

1. Evgeniy Yevtushenko(tahun hidup: 1933-2017) – salah satu penulis paling terkenal. Atas kontribusinya pada sastra, ia dinominasikan untuk Hadiah Nobel, tetapi tidak menerimanya. Karyanya yang paling terkenal adalah “Pembangkit Listrik Tenaga Air Bratsk,” di mana ia pertama kali menyebutkan ungkapan yang menjadi slogan puisi Soviet: “Seorang penyair di Rusia lebih dari sekadar penyair.” Di rumah ia aktif dalam kehidupan publik dan mendukung perestroika, namun pada tahun 1991 ia beremigrasi ke Amerika Serikat bersama keluarganya.
2. Andrey Voznesensky(tahun hidup: 1933-2010) - tidak hanya seorang penyair, tetapi juga seorang seniman, arsitek, dan humas. Ia dikenal karena menulis lirik lagu legendaris “A Million Scarlet Roses” dan libretto opera rock pertama negara itu, “Juno and Avos.” Komposisi “Aku tidak akan pernah melupakanmu” milik penanya. Kemampuan unik Voznesensky adalah menciptakan karya-karya yang bernilai seni tinggi, sekaligus populer di kalangan masyarakat dan dapat dipahami oleh mereka. Ia berkali-kali berkunjung ke luar negeri, namun tinggal, bekerja dan meninggal di tanah kelahirannya.
3. Robert Rozhdestvensky(tahun hidup: 1932-1994) – seorang penyair yang juga menjadi terkenal sebagai penerjemah. Di masa Soviet, ia dianiaya karena independensi berpendapat, sehingga ia terpaksa mengungsi ke Kyrgyzstan dan mencari nafkah dengan menerjemahkan teks penyair dari republik lain. Dia menulis banyak lagu pop, misalnya soundtrack film “New Adventures of the Elusive.” Di antara karya puisi, yang paling terkenal adalah “Surat dari Seorang Wanita”, “Semuanya Dimulai dengan Cinta”, “Harap Lebih Mudah”, dll.
4. Bulat Okudzhava(tahun hidup: 1924-1997) - penyair, penyanyi, komposer dan penulis skenario populer. Ia menjadi sangat terkenal karena lagu-lagu aslinya, misalnya, "Di Tverskoy Boulevard", "Lagu tentang Lyonka Korolev", "Lagu tentang Bola Biru", dll. Ia sering menulis komposisi musik untuk film. Dia bepergian ke luar negeri dan mendapatkan kehormatan di luar negeri. Ia aktif terlibat dalam kegiatan publik, menganjurkan nilai-nilai demokrasi.
5. Yuri Vizbor(tahun hidup: 1934-1984) - pemain lagu seni terkenal dan pencipta genre baru - "Report Songs". Ia juga menjadi terkenal sebagai aktor, jurnalis, penulis prosa dan artis. Dia menulis lebih dari 300 puisi yang diiringi musik. Yang paling terkenal adalah “Mari kita isi hati kita dengan musik”, “Jika saya sakit”, “Nyonya”, dll. Banyak ciptaannya digunakan dalam film.
6. Bella Akhmadulina(tahun hidup: 1937-2010) - seorang penyair yang menjadi terkenal dalam genre puisi liris. Keahliannya sangat dihargai di bioskop. Misalnya, karyanya “On My Street Where Year” ditampilkan dalam “The Irony of Fate.” Karyanya bercirikan suara klasik dan daya tarik ke akarnya. Gaya lukisannya sering disamakan dengan impresionisme.
7. Yunna Moritz(tahun kehidupan: 1937 - sekarang) - di masa Soviet, penulisnya praktis tidak dikenal, karena puisi Moritz dilarang karena sentimen oposisi. Dia juga dikeluarkan dari institut sastra. Tapi karyanya mendapat pembaca di samizdat. Dia menggambarkannya sebagai "lirik perlawanan murni". Banyak puisinya yang diiringi musik.
8. Alexander Galich(tahun hidup: 1918-1977) – penulis skenario, dramawan, penulis dan pemain lagu-lagunya sendiri. Pandangan kreatifnya juga tidak sesuai dengan yang disetujui secara resmi, sehingga banyak karyanya didistribusikan secara bawah tanah, tetapi mendapatkan cinta rakyat yang tulus. Dia diusir dari negaranya dan meninggal di luar negeri karena kecelakaan. Dia selalu berbicara negatif tentang rezim Soviet.
9. Novella Matveeva(tahun hidup: 1934-2016) - penyair, penerjemah, penulis naskah drama, dan kritikus sastra. Dia sering tampil di konser dan festival, namun sebagian besar karyanya diterbitkan setelah kematiannya. Ia tidak hanya menampilkan karyanya sendiri, tetapi juga lagu-lagu berdasarkan puisi suaminya.
10. Yuli Kim– (tahun hidup: 1936 – sekarang) - penyair pembangkang, penyair, penulis skenario dan komposer. Dikenal karena lagu-lagunya yang menentang dan berani pada masanya “Gentlemen and Ladies”, “Lawyer’s Waltz”, dll. Komposisi drama “Moscow Kitchens” memiliki arti khusus. Kim dengan sinis mengkritik masyarakat dan kekuasaan di Uni Soviet. Setelah perestroika, ia menulis banyak libretto untuk musikal, termasuk “Count Orlov”, “Notre Dame de Paris”, “Monte Cristo”, “Anna Karenina” dan lainnya.

Puisi pendek karya penyair tahun enam puluhan

Banyak penyair pada masa Pencairan memiliki karya yang tidak banyak jumlahnya. Misalnya, puisi liris tentang cinta karya Andrei Voznesensky:

Di dalam tubuh manusia
Sembilan puluh persen air
Mungkin seperti di Paganini,
Sembilan puluh persen cinta.
Sekalipun – sebagai pengecualian –
Kerumunan akan menginjak-injak Anda
Secara manusia
Tujuan -
Sembilan puluh persen bagus.
Sembilan puluh persen musik
Sekalipun dia dalam masalah
Jadi di dalam diriku
Meskipun ada sampah
Sembilan puluh persen dari Anda.

Yevgeny Yevtushenko juga dapat membanggakan singkatnya sebagai saudara perempuan yang berbakat:

Pandanglah temporalitas secara manusiawi.
Tidak perlu membayangi segala sesuatu yang tidak abadi.
Ada penipuan seminggu yang bersifat sementara
Desa Potemkin yang tergesa-gesa.
Tapi mereka juga mendirikan asrama sementara,
sampai lebih banyak rumah dibangun...
Setelah kematian yang tenang, Anda akan memberi tahu mereka
terima kasih atas waktu jujur ​​mereka.

Jika Anda ingin melihat lebih dekat salah satu puisi pendek pada periode itu dan memahami suasana serta pesannya, maka Anda harus memperhatikannya.

Ciri-ciri kreativitas

Intensitas emosional lirik sipil tahun enam puluhan menjadi ciri utama fenomena budaya ini. Puisi yang lugas, responsif, dan hidup terdengar seperti tetesan air. Para penyair menanggapi nasib sulit negara dan masalah seluruh dunia dengan tulus dan terlepas dari kemanfaatan ideologis. Mereka mengubah kesedihan tradisional Soviet yang stagnan menjadi suara generasi yang progresif dan jujur. Jika mereka berbelas kasih, maka dengan histeris dan putus asa; jika mereka bahagia, maka dengan sederhana dan mudah. Voznesensky mungkin mengatakan segalanya tentang penyair tahun enam puluhan dalam puisinya “Goya”:

Akulah tenggorokannya
Wanita gantung diri yang tubuhnya seperti lonceng
mengalahkan kotak kosong...

Karya tahun enam puluhan dianggap sebagai salah satu halaman paling cemerlang dalam sejarah sastra Rusia.

Tahun Enam Puluh sebagai fenomena budaya

Puisi periode Pencairan merupakan angin segar di negara yang sedang dilanda dampak moral teror Stalin. Namun jalur kreatif mereka tidak terbatas pada satu era; banyak dari mereka yang masih menulis. Para penyair tahun 60-an tidak ketinggalan zaman, meskipun mereka tetap mempertahankan nama bangga "enam puluhan" atau "60 puluhan" - kependekan dari frasa biasa yang telah menjadi mode.

Tentu saja, gerakan kreatif apa yang bisa berjalan tanpa perlawanan? Tahun enam puluhan berperang melawan “kekuatan malam” – pusat kejahatan dan ketidakadilan yang gelap dan abstrak. Mereka menjaga cita-cita awal Revolusi Oktober dan komunisme, meskipun mereka kehilangan kontak langsung dengan hal tersebut seiring berjalannya waktu. Namun, simbol-simbol khas telah dibangkitkan dalam puisi: budenovka, bendera merah, baris lagu revolusioner, dll. Merekalah yang melambangkan kebebasan, kemurnian moral, dan tidak mementingkan diri sendiri, seperti salib dada dalam Ortodoksi, misalnya. Ideologi utopis benar-benar menggantikan agama dan meresap ke dalam puisi masa Pencairan.

Topik utama

Masyarakat peka terhadap “kejahatan pemujaan terhadap kepribadian,” yang dipublikasikan pada tahun 1956, ketika Nikita Khrushchev berkuasa dan mengutuk penindasan yang dilakukan Stalin, merehabilitasi dan membebaskan banyak korban hukuman yang tidak adil. Para penyair tidak hanya mengungkapkan kebingungan dan kemarahan umum atas “distorsi” ide yang luar biasa, tetapi juga kesedihan sosialis dari orang-orang yang telah kembali ke jalan yang benar. Banyak yang percaya bahwa Pencairan adalah tahap baru yang fundamental dalam perkembangan Uni Soviet, dan kebebasan, kesetaraan, dan persaudaraan yang dijanjikan akan segera terwujud. Pandangan dunia kaum intelektual kreatif yang baru muncul, yang masih sangat muda, sejalan dengan sentimen ini. Kegembiraan masa muda, maksimalisme, cita-cita romantis, dan keyakinan yang tak tergoyahkan terhadap mereka - inilah insentif bagi kreativitas mereka yang jujur ​​dan terkadang bahkan naif. Oleh karena itu, puisi-puisi penyair tahun enam puluhan masih digandrungi pembaca.

Tahun 1960-an memberikan lukisan indah mereka bentuk retoris terbuka, menghiasinya dengan alegori transparan. Pikiran dan perasaan, yang begitu dekat dengan masyarakat saat itu, seringkali diungkapkan dalam bacaan langsung, namun mimpi dan keyakinan paling rahasia hanya muncul secara tidak sadar yang tersirat. Rasa haus akan inspirasi segar, kebaruan, dan perubahan terasa dalam puisi-puisi kiasan.

Apa yang menyebabkan kemunduran gerakan ini?

Karya penyair tahun enam puluhan berasal dari tahun 60an abad ke-20, dan ini adalah era kontradiksi internal. Komunisme entah bagaimana dipadukan dengan individualisme, cita rasa seni terjalin dengan filistinisme yang norak, fisikawan berteman dengan penulis lirik, kota dengan pedesaan, demokrasi dengan teknokrasi, dll. Bahkan tahun enam puluhan itu sendiri dan nasib mereka berbeda, dan ini, secara paradoks, menyatukan mereka. Keharmonisan Taman Eden di bumi tidak dapat bertahan lama, sehingga pada tahun 70-an utopia Pencairan mulai runtuh. Kesatuan publik dan pribadi secara alami berubah menjadi konfrontasi, pribadi berkonflik dengan negara, dan para pemikir bebas romantis kehilangan platform mereka untuk berpidato: belas kasihan pihak berwenang digantikan oleh kemarahan. Pengaruh penyair terhadap suasana hati masyarakat tidak lagi dianggap bermanfaat atau bahkan diperbolehkan, jika hanya karena penciptanya peka terhadap “pendinginan” yang menggantikan pencairan, dan tidak bisa menyembunyikannya dalam puisinya.

Puisi-puisi para penyair tahun enam puluhan ditujukan kepada khalayak kaum muda, dan ketika generasi mereka menjadi dewasa dan menyadari betapa naifnya kesedihan revolusioner ini di negara dengan birokrasi yang menang, mereka tidak lagi menciptakan dan merasakan harapan yang antusias akan kemenangan akhir dari kehangatan. .

Seseorang dapat berbicara dengan antusias tentang puisi tahun enam puluhan selama pencairan, tetapi setelah itu, ketika cuaca jelas-jelas “semakin dingin”, orang membutuhkan puisi lain yang mencerminkan kemunduran daripada kebangkitan. Ketergantungan pada zaman juga ditunjukkan dengan “nama” para penyair. Fenomena budaya, sebagai cerminan perubahan sejarah, tidak dapat mendistorsi dan memperbaiki perubahan tersebut.

Menarik? Simpan di dinding Anda!

V.N. Barak

Puisi tahun 60an

Sebagian besar peneliti percaya dan terus percaya bahwa pada pergantian tahun 50-an - 60-an tahap baru dalam sejarah puisi dimulai, terkait dengan perubahan sosial: dengan terungkapnya kultus kepribadian dan “pencairan” yang mengikutinya. Sastra, setelah jeda sejenak, merespons peristiwa tersebut dengan lonjakan aktivitas kreatif. Semacam “kartu panggil” pada masa itu adalah puisi A. Tvardovsky “Beyond the Distance - the Distance” (1953-1960), pada saat yang sama B. Pasternak menciptakan siklus puisi “When it clears” ( 1956-1959), koleksi N. Zabolotsky diterbitkan: “Puisi " (1957) dan "Puisi" (1959); E. Yevtushenko: "Jalan Raya Penggemar" (1956); V. Sokolova: “Rumput di bawah salju” (1958). Kecintaan bangsa terhadap puisi merupakan "tanda zaman pada pertengahan tahun lima puluhan: almanak sastra diterbitkan hampir di setiap kota daerah". (386, hal.80). “Rehabilitasi” S. Yesenin memainkan peran besar dalam hal ini: “Ingatan masyarakat dan waktu telah mencabut larangan atas nama penyair. (386, hal.82). Inilah yang ditulis N. Rubtsov tentang S. Yesenin saat itu (dia mencari jejak tinggal penyair di Murmansk): “Apa pun itu, saya akan selalu mengingatnya. Dan tidak mungkin saya melupakan apa pun yang memprihatinkan Yesenin.” (386, hal.83).

Tahun 60an adalah masa kejayaan puisi Soviet. Perhatian yang diberikan padanya luar biasa besar. Buku-buku karya E. Yevtushenko diterbitkan: “Tenderness” (1962), “White Snows Are Falling” (1969), puisinya “Babi Yar” (1961) dan puisi “Heirs of Stalin” (1962) menjadi sangat terkenal; Ketenaran A. Voznesensky semakin berkembang (Koleksi "Antimiry", 1964, dll.). “Second Wind” juga dibuka dengan “master” yang diakui: “Lad” (1961-1963) oleh N. Aseev, “One Day Tomorrow” (1962-1964) oleh S. Kirsanov, “Post-War Poems” (1962) oleh A. Tvardovsky, “Hak Kesulungan" (1965) oleh L. Martynov, "Conscience" (1961) dan "Barefoot on the Ground" (1965) oleh A. Yashin, "Russia Day" (1967) oleh Y. Smelyakov. Koleksi terakhir A. Akhmatova “The Running of Time” (1965) diterbitkan.

Lirik yang “keras” dan “tenang” tidak hanya menjadi fenomena sastra, tetapi juga memiliki makna sosial. Baik penyair “tenang” maupun “keras” menerbitkan banyak koleksi yang tidak luput dari perhatian. Pada paruh pertama tahun 60an, "variasi" memecahkan semua rekor popularitas. Malam hari di Museum Politeknik, di mana A. Voznesensky, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky ambil bagian, menarik perhatian banyak orang. Meski begitu, jurnalisme terbuka dari “penyanyi variety” melampaui batas. Bahkan dalam puisinya yang didedikasikan untuk masa lalu ("Lonjumeau" oleh A. Voznesensky, "Kazan University" oleh E. Yevtushenko, dll.), hanya terdapat sedikit sejarah aktual. Namun ada banyak upaya untuk “menyesuaikannya” dengan kebutuhan masa kini, tanpa terlalu mengkhawatirkan kebenaran sejarah. “Dosa” mereka yang lain adalah hasrat mereka yang tak terkendali untuk bereksperimen. Pada awal tahun enam puluhan, hobi ini tersebar luas tidak hanya di kalangan penyair, tetapi juga di kalangan musisi, seniman, dan arsitek. Omong-omong, bahkan N. Rubtsov mengalami, meskipun hanya sebentar, periode "penciptaan kata" - berikut salah satu contohnya:

Sax Fox diretas, lantai bergetar
Dari kaki gila.
Pria itu menyebalkan
ke ruang koktail
Dan memesan batu.

Tidak ada yang salah dengan semua ini, hanya rasa sakit yang biasa saja. Jadi, A. Voznesensky membangun deklarasinya dari hiperbola dan abstraksi yang banyak dan aneh. Semua penemuannya yang sungguh menakjubkan (“Saya senang menjadi orang Rusia, saya melihat seperti ini, saya hidup seperti ini, Dan saya mengunyah udara seperti remah yang membeku”) hilang di bawah tumpukan konstruksi verbal.

Kesalahan nyata para penyair pop adalah glorifikasi era NTR. Teknologi tidak dan tidak dapat membawa nilai-nilai spiritual kepada manusia, namun turut menghancurkannya. Satu-satunya hal yang dapat dilakukan oleh seniman kata-kata adalah memuliakan, memanusiakannya, dan akhirnya menderita (“Saya menderita, seperti tertular, Cinta untuk kota-kota besar,” tulis Rubtsov). Di jalan ini, para penyair menghadapi kegagalan total: “Aku mencintaimu dengan trem yang berkarat” (V. Sokolov), tetapi tidak ada jalan keluar lain, jalan lain mana pun menuju ke eklektisisme1

"Kesalahan" dari "pemain variety show" adalah bahwa dalam mengejar "kejahatan hari ini" mereka kehilangan yang abadi, yang tidak dapat binasa. Jadi, puisi terbaik E. Yevtushenko ("Pernikahan", "Salju Putih Berjatuhan.. .”, “Mantra”, dll. .) tetap berada dalam “minoritas” - penyair berjuang untuk skala (sayangnya, hanya eksternal), untuk pemahaman sejarah yang membuat zaman (puisi “Pembangkit Listrik Tenaga Air Bratsk”, “Kazan Universitas”) dan yang terpenting - untuk jurnalisme, “mengejar fakta-fakta realitas . Ia adalah seorang penyair dari “jepretan” kehidupan. Inilah “rahasia” daya tarik puisi-puisinya yang bertema topikal, sesuai dengan kata-kata mutiaranya, yang mampu menyentuh kesadaran dan memusatkan perhatian pada fakta ini atau itu. Tapi tidak lebih. Tidak ada pemahaman puitis yang mendalam atas fakta-fakta ini, karena penyair melihatnya semata-mata melalui “mata” pengarangnya. Namun tidak seluruh dunia hidup, berpikir dan melihat seperti Yevtushenko. Ini juga merupakan "rahasia" kerapuhan, bahkan nilai informasi dari slogan puitis, seruan, dan wahyu lirisnya." (589, hlm. 184-185). Dalam puisi Yevtushenko, "ketergesaannya yang terburu-buru hampir secara fisik terasa - untuk punya waktu untuk melakukan segalanya dengan benar - tulis P. Weil dan A. Genis. - Bukan besok, bukan untuk besok, tapi sekarang dan untuk saat ini. Khrushchev, dengan kesembronoan puitis, menyelesaikan semua masalah dengan menanam jagung, dan Yevtushenko sudah terburu-buru:

Seluruh dunia adalah sebatang jagung,
renyah di gigi!

Keduanya adalah kawan dan rekan penulis - penyair-transformator Khrushchev dan penyair-pemberita Yevtushenko." (379, hal. 36). Oleh karena itu, setelah tersingkirnya Khrushchev, ketika situasi di masyarakat berubah, Yevtushenko mulai " memudar." Romantis- karya menyedihkan R. Rozhdestvensky (puisi "Requiem", "Letter to the 20th Century"). R. Rozhdestvensky juga banyak bekerja dan berhasil sebagai penulis lagu. Namun, penyair "pop" dari tahun 50-an dan 60-an memberikan kontribusi yang sangat berharga ( dan benar-benar belum dihargai) terhadap pembaruan syair, mereka banyak menggunakan “ketidakteraturan imajiner” (Yu. Mineralov), asonansi dan rima akar, metafora kompleks, asosiasi, dan cara penggambaran lainnya.

Apa yang disebut “lagu penulis” menjadi “penemuan genre” sejati pada tahun-tahun itu. Keintiman awal pertunjukan di era produksi massal Soviet menurunkannya ke latar belakang budaya resmi, tetapi tidak di hati masyarakat. Lagu-lagu tahun perang adalah konfirmasi paling jelas tentang hal ini. Omong-omong, “lagu penulis” pertama kali muncul pada tahun 1941 (“Tentang teman artis saya” oleh M. Ancharov). Mulai dari paruh kedua tahun 50-an, lagu-lagu M. Ancharov, Yu. Vizbor, A. Galich, A. Gorodnitsky, A. Dulov, Yu. Kim, N. Matveeva, B. Okudzhava, A. Yakusheva dan lainnya “ bards” digunakan dengan sukses besar, terutama di kalangan anak muda. Masa kejayaan “art song” terjadi pada tahun 60an dan 70an. Implikasi sosialnya jelas bagi semua orang. Yang paling penting dalam seri ini, tidak diragukan lagi, adalah karya V. Vysotsky. Ia menjadi “penyair nasionalisme Rusia baru” (P. Weil dan A. Genis). “Pahlawan dalam lagu-lagunya mengontraskan kekaisaran dengan kesadaran nasionalnya yang telanjang dan menyakitkan, Vysotsky, yang menggantikan Yevtushenko sebagai komentator pada era tersebut pada akhir tahun 60an, membuka tema Rusiaisme yang hipertrofi menjadi jiwa khas Rusia, yang digambarkan Vysotsky sebagai perpaduan ekstrem ekstrem. (379, hal. 290-291).

Di antara penyair tahun 60an - 80an, Vysotsky dan Rubtsov menikmati popularitas yang tulus, bukan dipaksakan "dari atas". Ada bibliografi yang luas dari karya penulis dan publikasi tentang kehidupan dan karya mereka, semakin banyak museum dan monumen baru dibuka, buku, surat kabar, almanak, majalah yang didedikasikan untuk mereka diterbitkan ("Vagant" di Moskow dan "Nikolai Rubtsov" di St.Petersburg); Ada juga kritik sastra khusus “amatir” yang diciptakan oleh “penggemar” sejati puisi mereka.

N. Rubtsov dan V. Vysotsky adalah orang-orang dari generasi "enam puluhan" yang sama; karya terbaik mereka ditulis pada akhir tahun 60an: "Bathhouse in White" (1968), "Wolf Hunt" (1968), "Dia Tidak' t Kembali dari pertempuran" (1969), "Saya tidak cinta" (1969) - dari Vysotsky dan "Sampai akhir" (1968), "Di jalan yang rusak" (1968), "Di bawah cabang rumah sakit pohon birch..." (1969), "Kereta "(1969) - dari Rubtsov. Pada pertengahan tahun 60-an, Nikolai Rubtsov, bersama dengan sesama mahasiswa Institut Sastra, pergi ke Teater Taganka, dan sehari setelah pertunjukan, di belakang panggung, pertemuan penyair dan penulis prosa masa depan dengan aktor, termasuk Vysotsky, berlangsung. N. Rubtsov suka mendengarkan lagu-lagu Vladimir Semenovich; setelah kematian Rubtsov pada tahun 1971 di Vologda, kaset-kaset dengan rekaman penyair ditemukan di antara barang-barang pribadinya. Belakangan, penulis German Aleksandrov mengenang: “Di lain waktu, ketika saya datang ke Nikolai di malam hari, dia sedang duduk di lantai, ada pemutar rekaman di sebelahnya, lagu-lagu Vysotsky diputar berulang kali sekali lagi, mendengarkan baik-baik kata-kata yang sama dan kemudian bertanya:

Bisakah kamu melakukan itu?

Dan seolah-olah dia menjawab sendiri: “Saya mungkin tidak akan…” (386, p. 266). Vysotsky berada di luar batas puisi “Soviet”, Rubtsov masih berada di dalamnya, meskipun dengan sangat keberatan.

Salah satu tema utama V. Vysotsky adalah tema manusia “kecil”, dan subteks sosial dari liriknya dalam banyak hal mirip dengan subteks serupa dalam puisi N. Rubtsov. Mereka disatukan oleh rasa sakit yang sama, tragedi (khususnya, konflik tragis antara kekuasaan dan kepribadian), dan orientasi terhadap pembaca (pendengar) tertentu “dari masyarakat.” “Vysotsky,” tulis V. Bondarenko, “adalah tanah barak, tanahnya adalah “batas” tahun tujuh puluhan, penduduk “Khrushchev”, kaum Arkharov dari pemukiman tipe perkotaan yang lain - tetapi akar hidup dari suatu bangsa yang hidup.” (375, hal.68).

Beralih ke kehidupan rakyat mau tidak mau mengarah pada cerita rakyat. Vladimir Vysotsky, dengan mengandalkan lagu rakyat, memperkenalkan konten sosial yang diperluas ke dalam tema tradisionalnya, mendorong batas-batas bahasa puitis lirik Rusia, banyak menggunakan kosakata sehari-hari dan bahasa gaul. V. Vysotsky memperkenalkan ke dalam sirkulasi artistik genre folk dari lagu-lagu "pencuri" dan "penjara", roman kejam, yang dianggap "cabul" dalam puisi, dan menciptakan varietas baru di antaranya: lagu kronik, lagu monolog permainan peran, lagu dialog, lagu dongeng. Genre favorit Vysotsky adalah, selain “lagu pencuri” dan romansa “kejam”, yaitu. genre cerita rakyat perkotaan, dan lagu liris, balada, dongeng. Tetapi Vysotsky memodernisasi karakter tradisional dongeng - Baba Yaga, Zmey Gorynych, dan lainnya memparodikan fenomena sosial tertentu.

N. Rubtsov membahas cerita rakyat “pencuri” dalam lirik awalnya:

Berapa banyak vodka yang diminum!
Berapa banyak gelas yang pecah!
Berapa banyak uang yang hilang!
Berapa banyak wanita yang ditelantarkan!
Di suatu tempat anak-anak menangis...
Di suatu tempat burung kutilang berdenting...

Eh, singa abu-abu!
Hidup itu... indah!
(“Liburan di desa”)

Namun dalam karyanya yang matang, Rubtsov fokus terutama pada genre lagu liris “petani” dan genre klasik, misalnya elegi.

Yang umum dalam gaya Rubtsov dan Vysotsky adalah pengenalan peribahasa dan ucapan ke dalam teks sastra, penggunaan julukan rakyat, ironi (dalam karya awal), paralelisme lagu, serta meluasnya penggunaan kosakata sehari-hari. Tetapi N. Rubtsov jarang menggunakan, tidak seperti V. Vysotsky, sindiran dan parodi, peran dan prinsip kepenulisannya tidak diungkapkan dengan jelas, tidak ada banyak karakter seperti Vysotsky, keragaman strofik seperti itu (di sini Rubtsov lebih tradisional), tidak sama sekali tidak ada fiksi sosial.

Baik puisi Vysotsky maupun lirik Rubtsov mencerminkan gambaran dan gagasan mitologis tertentu; pemikiran artistik mereka dicirikan oleh semacam mitologi. Pertama-tama, ia mengekspresikan dirinya dalam pemindahan ke dalam teks sistem kuno oposisi biner (atas - bawah, putih - hitam, Barat - Timur, dll.), serta dalam makna simbolis dari banyak gambaran puisi mereka. , termasuk yang umum. Jadi, kapal dalam puisi Vysotsky adalah sarana untuk menyeberang ke dunia lain; Perahu Rubtsov adalah simbol cinta yang hilang, harapan yang tidak terpenuhi dan, pada akhirnya, kematian; Bagi keduanya, kuda melambangkan tragedi waktu dan nasib. Misalnya, dari Vysotsky kita membaca:

Tapi kemudian Takdir dan Waktu menaiki kuda,
Dan di sana - dengan cepat, dengan peluru di dahi...

Rubtsov mengatakan ini dengan lebih lembut dan penuh elegi: “Aku akan berlari melintasi perbukitan tanah airku yang tertidur…” Kedua penyair ini juga dipersatukan oleh keinginan yang sama untuk menggunakan kosakata dan ungkapan alkitabiah, meskipun hal ini tidak menentukan gaya mereka. Salah satu komponen citra puitis mereka adalah mitologi Slavia dan dunia serta cerita rakyat Rusia, tetapi gambar-simbol dalam puisi Vysotsky tidak begitu banyak dan tidak selalu sesuai dengan makna mitologis dan cerita rakyat, sedangkan di Rubtsov mereka menjadi dasar kiasannya. sistem.

Pada paruh kedua tahun 60an, puisi “samizdat” bawah tanah dari budaya “tidak resmi” atau “paralel” mulai berkembang di Uni Soviet. Puisi ini ditakdirkan untuk dianiaya dan tidak dikenal: “Semangat budaya bawah tanah seperti cahaya apostolik awal” (V. Krivulin). Kelompok-kelompok berikut dikenal luas (dalam lingkaran sempit): SMOG (Kedalaman Gambar Pemikiran Keberanian atau Masyarakat Jenius Termuda) - muncul pada pertengahan tahun 60-an di Moskow, termasuk V. Aleinikov, L. Gubanov, Yu dan lain-lain . ; Kelompok puisi Lianozovskaya (V. Nekrasov, Y. Satunovsky, V. Nemukhin, B. Sveshnikov, N. Vechtomov, dll.); Sekolah Leningrad (G. Gorbovsky, V. Uflyand, A. Naiman, D. Bobyshev, I. Brodsky, dll.); kelompok "Beton" (V. Bakhchanyan, I. Kholin, G. Sapgir, Y. Satunovsky, dll.).

Pada tahun 1991, M. Eisenberg, dalam artikelnya “Some Other…” (“Teater”, No. 4), melakukan upaya pertama untuk menggambarkan secara lengkap jalur puisi non-resmi beberapa dekade terakhir. Banyak nama yang ia sebutkan, namun tidak mungkin disebutkan semuanya, apalagi banyak yang kemudian berpindah dari satu kelompok atau sekolah ke kelompok atau sekolah lain.

Tokoh terbesar dalam daftar ini adalah I. Brodsky. Meskipun pendahulunya yang sebenarnya “harus dianggap sebagai salah satu tokoh paling misterius dari “budaya paralel” - Stanislav Krasovitsky. Analisis terhadap puisi Krasovitsky memungkinkan kita untuk menyimpulkan bahwa dialah penyair pertama di generasinya yang “berubah.” sekutu,” yaitu, untuk tidak mengacu pada pengalaman tradisional puisi Prancis dan Jerman di Rusia, namun pada pengalaman puisi Inggris, yang menyiratkan pernyataan Brodsky yang belakangan menyatakan “melihat sesuatu dari luar.” (470, hal.6). Pada musim semi tahun 1960, Anna Akhmatova “berbicara tentang perkembangan puisi yang belum pernah terjadi sebelumnya, mungkin hanya sebanding dengan awal abad kita.” “Saya dapat menyebutkan,” ini adalah kata-katanya yang sebenarnya, “setidaknya sepuluh penyair muda generasi, tidak kalah dengan standar tinggi “Zaman Perak”. Berikut nama mereka: Stanislav Krasovitsky, Valentin Khromov, Genrikh Sapgir dan Igor Kholin di Moskow, dan di Leningrad - Mikhail Eremin, Vladimir Uflyand, Alexander Kushner, Gleb Gorbovsky, Evgeny Rein dan Anatoly Naiman." (769, hal. 187). Stanislav Krasovitsky berada di urutan pertama dalam daftar ini. Dan ini bukan suatu kebetulan: selama lima tahun bekerja, dia, pemimpin puisi “yang tidak dikenal” yang diakui, “meletakkan dasar-dasar bahasa puisi baru, pandangan baru tentang tempat manusia di dunia. ” (769). Saya tahu banyak yang menganggapnya penyair jenius. Sulit untuk menerapkan julukan seperti itu kepada orang-orang sezaman, tetapi juga sulit untuk menyalahkan pembaca pertama atas sikap meninggikan yang berlebihan. Puisi-puisi Krasovitsky masih membuat kita takjub, tapi kemudian seolah-olah jatuh dari langit..." (659). Pada tahun 1962, S. Krasovitsky melakukan tindakan yang, mungkin, tidak ada penyair mapan yang berani melakukannya bahkan sampai sekarang. : dia membakar manuskrip, mengutuk karyanya, menganggap kegiatan ini tidak bermoral dan, meninggalkan Moskow dan kariernya, berangkat ke desa terpencil, menasihati teman-temannya untuk melakukan hal yang sama. Baru pada pertengahan tahun 80-an Krasovitsky kembali ke puisi (tapi bukan ke Moskow) sebagai penulis karya keagamaan sesuai dengan isi puisinya.

Di pengasingan, Brodsky dan Rubtsov sangat banyak menulis (I. Brodsky saat ini mengalami ketertarikan jangka pendek dengan cerita rakyat Rusia), bekerja, dan terkadang bepergian ke kota untuk urusan bisnis (menurut beberapa informasi, Brodsky pergi ke Vologda pada tahun itu ( 767)). Dan kebetulan selanjutnya terus berlanjut!..

“Brodsky punya takdirnya sendiri, dan Rubtsov punya takdirnya sendiri,” tulis N. Konyaev. “Tidak perlu menyatukan mereka secara paksa, namun tetap mengejutkan betapa menakjubkannya pola takdir ini bertepatan , perasaan serupa. Bahkan geografi dan itu hampir bersamaan.” (459, hal. 126).

Sumber yang berbeda memupuk karya para penyair ini (Brodsky - tradisi Anglo-Amerika dan klasik Rusia, Rubtsova - cerita rakyat dan tradisi klasik), mereka bergerak ke arah yang berbeda, yang lebih mencolok tidak hanya (dan tidak begitu banyak) geografis dan kebetulan kronologis (seolah-olah takdir sendiri yang memeriksa jam hidup mereka), tetapi konvergensinya terutama bersifat puitis. Kesamaan karya mereka adalah: 1) motif kesepian, motif mimpi mirip kematian; 2) struktur lirik yang sangat dialogis; 3) pengembangan genre elegi: "Great Elegy to D. Donne" (1963), "New Stanzas for Augusta" (1964), "Letter in a Bottle" (1964) - dari Brodsky dan "I will ride..." (1963) , "Tiang" (1964), "Sketsa Musim Gugur" (1965) - dari Rubtsov. Hal terpenting dalam puisi Brodsky dan Rubtsov adalah kesamaan sikap, pengakuan, dan kesetiaan terhadap syair klasik.

P. Weil dan A. Genis menyebut Brodsky Ovid, seorang pengasingan: "Pengasingan dari ruang dan waktu nyata" (pahlawan liris Rubtsov adalah "pemuda yang tidak dikenal." - V.B.), tetapi "pandangan dunia Brodsky "Romawi" selalu a pemandangan dari provinsi, dari tepi ekumene, dari tempat yang koordinat geografis dan budayanya tidak signifikan." (379, hal. 289). Bagi Rubtsov, inilah Rusia (kesamaan yang mereka miliki adalah penolakan terhadap waktu, bukan ruang).

Bagi para pahlawan Dostoevsky, konsep “pergi” (ke Amerika) dan “binasa” adalah sinonim. I. Brodsky, setelah meninggalkan Rusia, tidak hanya melanggar tradisi nasional. Perpisahan dengan tanah airnya lebih signifikan, sikapnya selanjutnya terhadapnya (seruan untuk mengebom tidak hanya Serbia, tetapi juga Rusia, penolakan demonstratif untuk bertemu dengan para penulis demokrasi Rusia, dengan sengaja mengabaikan semua undangan untuk mengunjungi St. Petersburg) menjadi menyakitkan. Mungkinkah di balik “kebencian” ini tersembunyi cinta yang tak terkalahkan dan rasa takut untuk mengakuinya pada diri sendiri? Terlebih lagi, di luar negeri I. Brodsky terus-menerus beralih ke karya-karya yang ditulis di Rusia sebagai sumber konten baru. Misalnya, "Part of Speech" berakar pada "Songs of a Happy Winter", "Autumn Cry of a Hawk" mengikuti dari "Great Elegy to J. Donne", "Marble" - dari "Gorbunov dan Gorchakov". V. Kulle menyebut jalan Brodsky sebagai “nasib ideal seorang “penyair yang diasingkan”, “seorang yang tabah dan kosmopolitan” (470, hal. 1). seorang spiritualis,” sama “idealnya.” dan tragis. Dan fakta bahwa para penyair yang berbeda memiliki pandangan dunia yang serupa di tahun 60an menunjukkan banyak hal.

Pada paruh kedua tahun 60an, penulis lirik “tenang” mendominasi puisi: A. Zhigulin (Koleksi “Bunga Kutub” (1966)); V. Kazantsev (“Glades of Light” (1968)); A. Peredreev (“Kembali” (1972)); A. Prasolov ("Earth and Zenith" (1968); V. Sokolov ("Snow in September" (1968)), dll. Pada tahun 1967, buku terkenal N. Rubtsov "Star of the Fields" diterbitkan. Salah satu karya penyair puisi “Tenang tanah airku" dan memberi para kritikus alasan untuk menyebut gerakan puitis lirik "tenang". Ini menarik perhatian dengan analisis mendalam tentang jiwa manusia, seruan pada pengalaman puisi klasik. V. Sokolov, misalnya , menyatakan ini dengan jelas dan pasti: "Nekrasov dan Afanasy Fet bersamaku lagi". Psikologi halus, dikombinasikan dengan lanskap, tidak hanya menjadi ciri khas lirik V. Sokolov, tetapi dalam banyak hal ia berada di depan penyair "tenang" lainnya, jika hanya karena pada tahun 50-an ia menerbitkan kumpulan puisi yang sangat bagus ("Rumput di bawah salju" (1958)).

Pada tahun 1974, V. Akatkin mengajukan pertanyaan retoris: “Bukankah fakta ini merupakan sanggahan terhadap skema mekanis gerak puisi sebagai pengganti sederhana antara “keras” dengan “tenang”, apakah ada indikasi kesatuan ( penekanan ditambahkan - V.B.) dari proses yang terjadi di dalamnya ?" (660, hal. 41).

Baik penyair yang “tenang” maupun yang “keras” secara objektif mengangkat puisi Rusia ke tingkat artistik yang baru. Arti lirik “tenang” telah dibahas di atas, tetapi “artis variety” tidak hanya “memperluas jangkauan sarana dan teknik artistik” (644, hal. 30), tetapi juga mengungkapkan, meskipun secara dangkal, suasana hati, aspirasi dan harapan yang juga hidup pada saat itu masyarakat.

Pemahaman yang terlalu sempit tentang perkembangan puisi tahun 60-an sebagai pertarungan dua arah telah lama ditolak oleh para sarjana sastra (V. Obuturov, A. Pavlovsky, A. Pikach, dll). Memang, selama tahun-tahun ini, tidak hanya di kalangan penyair yang terjerumus ke dalam lingkaran “tenang”, tetapi juga di seluruh arah “tanah”, pendekatan historis dalam pemahaman artistik tentang realitas, keinginan untuk memahami nasional dan sosial. asal muasal modernitas semakin intensif, dan terjadi perpaduan organik dari kedua prinsip ini. Seluruh konstelasi nama puitis diberikan kepada generasi yang menjadi dikenal luas selama tahun-tahun ini.

Pada akhir tahun 60an, para penyair aliran ini “akan semakin bersatu di bawah nama “penyair desa” yang konvensional dan tidak akurat. Ini berarti asal usul dan komitmen mereka terhadap tema alam dan desa, serta pilihan tertentu tradisi yang datang dari Koltsov dan Nekrasov hingga Yesenin dan Tvardovsky. Bersamaan dengan istilah penyair “desa”, istilah “puisi tenang” muncul, yang memungkinkan untuk mencakup penyair “desa” dan penyair “kota”, tetapi mirip dengan yang pertama. dalam perhatian mereka pada alam, serta dalam perhatian mereka pada alam. nada suara puitis, dihindari dengan nada keras dan cenderung pada timbre elegi, kesederhanaan suara dan kata-kata yang tidak mengganggu. harus dikatakan bahwa perhatian terhadap alam para penyair paling berbakat dari gerakan ini tidak terbatas pada kerangka penggambaran puitis, tetapi, sebagai suatu peraturan, diresapi oleh prinsip spiritual dan filosofis yang kuat, yaitu secara sadar atau tidak, tetapi bisa dikatakan, memiliki karakter konseptual." (444, hal. 207).

Sejak tahun 1965, puisi terjebak dalam “pendinginan umum” (I. Shaitanov), namun yang terpenting, gagasan pemersatu supranasional itu sendiri sedang mengalami krisis: “tujuan bersama adalah membangun komunisme” (P. Weil, A. Genis) - didiskreditkan, “kutub penyatuan terletak secara retrospektif - di masa lalu Rusia (bukan di masa lalu, tetapi dalam nilai-nilai abadi masa lalu. - V.B.) Jalan menuju ke sana dibuat secara bertahap, jauh dari kosmopolitan. tekanan di awal tahun 60an, setelah tersingkirnya Khrushchev Barat - jalan ini ternyata menjadi pilar. ... Beralih ke akar-akarnya menjadi reaksi alami terhadap krisis ideologi liberal ... Rakyat Soviet - sebuah komunitas yang terpelintir di sekitar inti ide dan tujuan bersama - dikelompokkan menjadi beberapa negara." (379, hal. 236-237). Di kalangan orang Rusia di Uni Soviet, pochvenisme terwujud dalam sinema (Andrei Rublev oleh A. Tarkovsky), dan dalam lukisan (I. Glazunov, K. Vasiliev), dan dalam musik (G. Sviridov), dan dalam minat umum pada sejarah (karya D. .S. Likhachev, pelestarian monumen kuno, berkembangnya novel sejarah), tetapi terutama dalam “sastra besar” (“prosa dan puisi desa”). Popularitas penyair "tanah" tidak kalah dengan popularitas penyair "variasi". Dengan demikian, takdir kreatif Boris Primerov berkembang - “Anda tidak dapat membayangkan sesuatu yang lebih sukses: penampilannya di Politeknik, Teater Variasi, dan di Aula Besar Gedung Pusat Penulis menimbulkan tepuk tangan meriah dari panggung, di radio. Di antara pembacanya adalah seniman luar biasa Dmitry Zhuravlev. Kreativitas dan takdir penyair muda, seperti yang disaksikan A. Kalinin di halaman Ogonyok, tertarik pada M.A. Sholokhov Institut Sastra, rekan-rekan mahasiswanya memasang spanduk yang lucu, namun bukannya tanpa makna: “Dalam puisi, Boris Primerov adalah contoh bagi kami!” (803, hal. 164). penyair nasional Rusia,” wajah Primerov menjadi prototipe potret Ilya Glazunov “Icarus Rusia” dan “Boris Godunov.” Ia diakui sebagai “salah satu pemimpin” puisi muda di House of Pioneers di awal tahun 60an, Contoh mengatakan sesuatu tentang Tuhan... Segera Suslov sendiri memanggilnya "di atas karpet." Penyair itu diselamatkan oleh akalnya: "Jika tidak ada Tuhan, lalu mengapa kamu berkelahi dengannya dia. ?"

Pada paruh kedua tahun 60an, karena krisis ideologis, muncul kebutuhan obyektif akan “sistem nilai yang lebih efektif. Tuhan menjadi kebutuhan yang mendesak, dan Dia ditemukan... - di Rusia, di antara masyarakat, di Ortodoksi.” (379, hal. 267). Pada awalnya tidak ada kedalaman, terutama di kalangan intelektual: “Dalam buku V. Soloukhin “Black Boards” dijelaskan bahwa mengoleksi barang antik berarti “mengumpulkan jiwa masyarakat”. , sepatu kuda atau pot - apa- Entah bagaimana mereka mengumpulkan semuanya Meskipun Soloukhin sendiri tidak menyerukan pencarian Tuhan, minat terhadap kehidupan petani segera dikaitkan dengan hasrat terhadap iman rakyat dari kehidupan petani pra-revolusioner datang ke kaum intelektual beserta ikon dan lampunya." (379, hal. 268). Sastra, “yang mengedepankan Matryona karya Solzhenitsyn alih-alih Pavka Korchagin, tentu saja, tidak menjadi Kristen, tetapi mempersiapkan landasan bagi apa yang kemudian disebut kebangkitan agama.” (379, hal. 272). Terlebih lagi, bukan kaum intelektual yang menjadi asal muasal fenomena ini, “kebenaran ini ada, terletak di lapisan terdalam, bersembunyi di bagian bawah air gunung es sebelum tahun enam puluhan memahaminya…” (671, p. 336 ). Valentin Rasputin mengenang: “Itu adalah kembalinya secara alami ke tanah Rusia, yang bertepatan dengan matinya desa lama.” Oleh karena itu, tidak mungkin lagi menentang proses ini secara terbuka. Bukan suatu kebetulan bahwa A. Yakovlev, setelah mengutuk “idealisasi kaum tani” dalam puisi, segera terpaksa membuat reservasi: “Kami menghargai perasaan cinta terhadap tanah, terhadap sifat asli kami, yang melekat pada kaum tani pekerja. , rasa kebersamaan dalam bekerja, tanggap terhadap kebutuhan orang lain... Kami sangat mengutuk pengabaian kosmopolitan terhadap tradisi rakyat." (986, hal.4). Tapi apa yang menjadi perdebatan saat itu? Tentang perbedaan “pendekatan kelas” atau yang lainnya? Yakovlev hanya mengisyaratkan satu kali dalam artikel panjang ini: “Dalam banyak puisi kita menemukan pemuliaan gereja dan ikon, dan ini jauh dari pertanyaan puitis.” (986, hal.4). Perselisihan terjadi pada tingkat subteks; tidak ada pihak yang berani berbicara secara terbuka, terutama karena “subteks” itu sendiri dipahami lebih secara intuitif daripada secara sadar. Jadi, O. Mikhailov bingung: “Mengapa sekarang, tanpa motivasi yang terlihat, ketertarikan yang tulus, tulus dan bersemangat terhadap tradisi kita yang kaya berkembang dengan kekuatan baru? di bawah tanah, tanpa disadari, tetapi juga tak tertahankan... Ada gaya masa lalu, dan ada minat yang hidup dan memberi kehidupan terhadap Tanah Air, yang datang “dari kebutuhan terdalam zaman kita”. (851, hal. 19). “Sosok diam” lebih dari sekadar fasih di sini, tetapi semuanya kembali diputuskan pada tingkat subjektif. Namun, ditemukan kata sebagai simbol sandi: “Spiritualitas... Tampaknya hari-hari kita membawanya kembali ke tindakan, perasaan (penekanan ditambahkan - V.B.) bahwa itu lebih baik mendefinisikan seluruh kehidupan mental dan moral seseorang daripada padanannya yang modis - “intelektualitas” (765, p. 207). Pembaca dengan cepat “menguraikan” arti kata ini, tidak hanya menerima kenikmatan estetis: “Isi internal karya Aesop adalah katarsis, yang dialami pembaca sebagai sebuah kemenangan. atas kekuatan represif” (483). , P. 5). Semua perubahan ini begitu serius sehingga bahkan penyair “Soviet” yang diakui, misalnya, perwakilan puisi “garis depan”, S. Orlov, tidak dapat menghindarinya. mereka.

Sergei Orlov dikenal terutama sebagai penulis puisi dan puisi yang menyentuh hati tentang perang. Tema “garis depan” tidak diragukan lagi merupakan tema utama dalam karyanya, namun baik karya tahun-tahun perang maupun puisi-puisi yang ditulis pada tahun-tahun pascaperang “hampir selalu dibedakan berdasarkan skala pemikiran dan perasaan puitis.. . hal ini tidak menghilangkan konkrit realistis, ketenangan pandangan, tanah duniawi” (432, hal. 65). Pada tahun 1945, di kota asalnya Belozersk, Orlov, yang didemobilisasi setelah terluka parah, menciptakan siklus puitis, motif dominannya adalah motif tradisional kembali dalam lirik Rusia (st. “Mountain Village”, “A cloud tertangkap dalam sebulan...”, “Musim Gugur”, “Utara Cerah, hutan lebat...”, dll.). Namun sang penyair masih melihat pedesaan Rusia berdasarkan lirik Blok:

Dalam dekade-dekade berikutnya, Sergei Orlov, dengan segala genre dan keragaman tematik karyanya, mencari inspirasi dalam cinta terhadap tanah airnya, menyadari bahwa cinta terhadap tanah adalah “sebuah tradisi, yang akar puitisnya hilang dalam kabut sejarah. jarak” (174, vol. 2, C .207). Dari lirik lanskap biasa (artikel tahun 1961: "Lanskap", "Itu terjadi: musim semi telah tiba...", "Musim Semi", dll.) ia beralih ke pemahaman liris tentang sejarah Rusia ("Tales of Dionysius", 1962), untuk memahami penemuan filosofis berskala besar yang diarahkan ke luar angkasa.

“Aku masih putramu, desa…”, sang penyair mengakui, dan meskipun puisi itu hilang dalam kekacauan abad ke-20 (“Desaku tidak ada lagi…”), ia menemukan puisi di negerinya.

Pada paruh kedua tahun 60an - paruh pertama tahun 70an, S. Orlov tidak bisa lagi mengabaikan tren puitis baru, terutama pengalaman “lirisisme yang tenang”, yang menentang penghancuran rezim pedesaan.

Sebagian besar puisi pada periode ini ditulis dalam genre elegi (“Burung terbang ke selatan di bawah langit…”, “Seolah-olah kerajaan kuno adalah peninggalan…”, “Perpisahan Musim Panas,” dll.). Keanggunan ini menjadi dasar kumpulan puisi seumur hidup terakhir S. Orlov, “White Lake” (1975). Puisi utama dari kumpulan ini: “Hari ini aku memimpikan tanah airku di malam hari…” (1975) - bersifat simbolis, banyak makna yang dapat diambil dari subteksnya: baik hasil kehidupan penyair maupun tragedi besar yang menimpanya. menimpa pedesaan, (dan bukan hanya pedesaan) Rusia, dan ringkasan filosofis, dll... Ini tentang desa Megra, tempat kelahiran penulis lirik, dibanjiri oleh perairan salah satu waduk raksasa yang tak terhitung jumlahnya. Teknik mitologis dalam menciptakan situasi simbolis juga menarik perhatian: pahlawan liris dalam mimpi kembali ke desa yang hilang, tetapi bahkan dalam mitologi dunia diyakini bahwa jiwa orang yang sedang tidur meninggalkan tubuh dan mengunjungi tempat asalnya. Gambaran simbolis puisi itu memiliki asal usul kuno yang sama: tanah yang dibanjiri air berarti terlupakan, dan dalam cerita rakyat Rusia melambangkan kesedihan dan kesedihan.

“Dalam lirik S. Orlov,” tulis E. Ben, “gambar bumi hadir di hampir sepertiga puisi.” (684, hal.65). Dari segi frekuensi penggunaan, hanya gambar langit yang mampu menandinginya. Ketertarikan bumi dan keinginan akan surga adalah dua komponen terpenting dunia puisinya. “...Setiap penyair sejati memiliki “tanahnya”, buminya sendiri, langitnya sendiri, dari mana mereka menciptakan puisi,” Orlov sendiri percaya (174, vol. 2, hal. 194). Puisi buku teks “Dia dimakamkan di bumi…” (1944) adalah konfirmasi yang jelas atas kata-katanya. “Ruang lingkup kosmik pemikiran penyair (“sejuta abad”, “Bima Sakti”),” catat V. Zaitsev, “tidak menentang konkrit duniawi dari gambaran seorang pejuang yang gugur…” (432, hal. 67). Perlu ditambahkan bahwa bagi Orlov, “bola bumi” adalah bumi manusia dan benda kosmik. Dalam oposisi biner “bumi - langit”, konsep-konsep ini semakin dekat, menjadi bergantung satu sama lain, tetapi tidak setara. Vertikal ideologis ini dalam cerita rakyat, dan dalam Alkitab, dan dalam “Filsafat Penyebab Bersama” karya N. Fedorov, dan dalam karya-karya K. Tsiolkovsky, yang sangat disukai S. Orlov, memperoleh makna simbolis hanya jika dipasangkan. gambar bumi dan langit. Pada zaman dahulu, orang-orang mengangkat mata dan tangan mereka ke langit, mengharapkan bantuan dari kekuatan super. Kristus, melalui kelahirannya di Bumi dan kenaikannya ke Surga, memberikan makna ilahi pada kehidupan manusia. Dan bahkan dalam mimpi umat manusia yang murni materialistis seperti terbang ke bintang-bintang, mencari “saudara seiman”, mudah untuk melihat keinginan akan keabadian (pencarian surga yang hilang) - pusat agama (dan agama-filosofis). , dan karena itu puitis) motif. “Pikiran tidak bisa menyetujui kesepian di Bumi,” tulis S. Orlov (174, vol. 2, p. 54). Dalam oposisi biner “bumi - langit” ada juga motif eskatologis: pribadi - jiwa orang yang meninggal meninggalkan bumi, tetapi tubuh tetap di dalamnya - dan universal: akhir sejarah duniawi, Penghakiman Terakhir. Hubungan erat antara dua pertentangan ini diasumsikan di masa depan: kebangkitan orang-orang benar dalam tubuh baru, surga (pendirian surga) di Bumi baru, dan neraka, “kegelapan luar” (dalam kaitannya dengan bumi “surgawi”) bagi orang-orang berdosa. Tidak diragukan lagi, dalam lirik S. Orlov, kemuliaan surgawi memiliki tanda-tanda duniawi yang cukup terlihat, dan suasana elegi dalam puisi terakhirnya, “Bumi terbang, hijau, menuju ...” secara akurat menempatkan aksen etika dan estetika yang paling penting:

Maafkan aku, bumi, karena aku meninggalkanmu,
Bukan karena kesalahanmu sendiri, tapi karena kesalahan orang lain,
Dan aku tidak akan pernah melihat abu gunung
Baik dalam kenyataan, maupun dalam mimpi yang tidak bisa ditembus...

Aleksey Prasolov, di tahun 60an, dengan serius dan penuh pertimbangan beralih ke contoh terbaik puisi Rusia abad ke-19 dan ke-20 - kepada A. Pushkin, F. Tyutchev, A. Blok, N. Zabolotsky. Liriknya adalah “lirik filosofis dengan sungguh-sungguh” (755, hal. 5).

Kematangan puitis datang ke Prasolov pada usia 33 - pada tahun 1963 ia menulis lebih dari 30 puisi, yang menjadi dasar koleksinya. Prasolov ditemukan untuk masyarakat pembaca umum oleh A. Tvardovsky - pertama, atas permintaan pribadinya, penyair itu dibebaskan lebih awal dari penjara pada musim panas 1964, kemudian dalam edisi kedelapan Novy Mir untuk tahun yang sama siklus “Sepuluh Puisi ”oleh penulis yang saat itu tidak dikenal diterbitkan. Selama masa hidup penyair, empat koleksinya diterbitkan: "Day and Night" (1966), "Lyrics" (1966), "Earth and Zenith" (1968), "In Your Name" (1971). Sudah dalam tinjauan koleksi pertama, intonasi utama dalam karya Prasolov diidentifikasi - "sifat dramatis kehidupan", dan "kesatuan keadaan pahlawan liris" dicatat (893, hal. 300). Keadaan ini memang mengkhawatirkan dan mengancam, namun tidak berubah menjadi kesuraman. Secara lahiriah, penyair tidak meninggalkan kerangka sempit lirik “tenang” yang banyak dijejali oleh para kritikus yang menggunakan istilah ini. Tanda-tanda "tenang" terlihat dalam alamat ke rumah, ke bumi: "Tanah saya, saya semua dari sini, Dan akan ada satu jam - saya akan datang ke sini ...", tetapi Prasolov melangkah lebih jauh, dia berusaha untuk menemukan makna luhur keberadaan, pertama-tama, dalam jiwa manusia, ia berbicara “dalam kata yang luhur, khusyuk, sering kali kuno: keabadian, alam semesta, kenabian, surga, ketinggian, tak terlupakan, rupa, kegelapan, cahaya, dll.” (661, hal.151). Liriknya menjadi "puisi dunia yang terbelah", "puisi pemikiran"1 dari "kata yang tercetak", dalam kata-kata Yu. memang, tenang, “tak terucapkan dengan lantang”: “Dan keheningan mempunyai lidah – Ia menyatukan masa kini dengan masa lalu.” Seperti puisi Rubtsov, puisi ini dibangun di atas kontras, tetapi di atas kontras yang statis dan tidak bergerak; penyair tidak menyerah pada suara elemen; dia setia pada dialektika pemikiran manusia, yang secara organik dipadukan dengan grafik hitam putih lanskapnya:

Tapi milikku berbeda - ia mengandung kegelapan dan cahaya dalam jumlah yang sama,
Dan terkadang, apa pun yang Anda lakukan,
Baginya, dunia ini sepertinya memiliki dua warna -
Hanya hitam dan putih.
("Pada satu jam seperti hujan singkat dan cerah meriah...)

“Jiwa pemikirannya” juga terlihat dalam lirik cintanya, luar biasa murni, sangat tragis dalam rasa sakit yang tak terhindarkan, berjuang untuk keabadian:

Tapi kemauan yang serius
Jiwa membumbung semakin curam, semakin tinggi, -
Tidak ada simpati atas rasa sakitnya,
Di sana, hanya kebenaran yang bernafas lega.
(“Matahari terbenam telah memudar, kelembutan telah memudar…”)

Nasib A. Prasolov sama sulitnya dengan nasib N. Rubtsov; Kedua penyair tersebut menerima pendidikannya cukup terlambat, dan mulai menerbitkannya relatif terlambat. Mereka meninggal kira-kira pada waktu yang sama: N. Rubtsov - pada tahun 1971, A. Prasolov - pada tahun 1972, dan pada waktu yang hampir bersamaan, puisi mereka secara bertahap mulai mendapat pengakuan universal. Pandangan dunia para penulis lirik yang sangat sensitif ini memang serupa,1 tetapi cara penyampaiannya berbeda. Perbandingan cara-cara kreatif mereka dapat memberikan banyak pemahaman tentang proses-proses tersebut dalam pemahaman puitis modernitas yang terjadi pada tahun 60-70an.