Penulis simfoni. Genre musik: Simfoni
Di penghujung era Barok, sejumlah komposer, seperti Giuseppe Torelli (1658–1709), menulis karya orkestra gesek dan basso continuo dalam tiga gerakan, dengan rangkaian tempo cepat-lambat-cepat. Meskipun karya seperti itu biasanya disebut "konser", namun tetap saja tidak berbeda dengan karya yang disebut “simfoni”; misalnya, tema tari digunakan di akhir konser dan simfoni. Perbedaannya terutama berkaitan dengan struktur bagian pertama siklus: dalam simfoni lebih sederhana - ini, sebagai suatu peraturan, adalah bentuk dua bagian biner dari pembukaan, sonata, dan suite Barok (AA BB). Kata “simfoni” sendiri berasal dari abad ke-10. berarti harmoni yang harmonis; pada akhir abad ke-16. penulis seperti J. Gabrieli menerapkan konsep ini pada harmoni suara dan instrumen. Belakangan, dalam musik komposer seperti Adriano Banchieri (1568–1634) dan Salomone Rossi (c. 1570–c. 1630), kata “simfoni” berarti bunyi instrumen secara bersamaan tanpa suara. Komposer Italia abad ke-17. Kata "simfoni" (sinfonia) sering kali berarti pengantar instrumental untuk sebuah opera, oratorio, atau kantata, dan istilah ini dalam arti mendekati konsep "pendahuluan" atau "pembukaan". Sekitar tahun 1680, dalam karya opera A. Scarlatti, jenis simfoni ditetapkan sebagai komposisi instrumental dalam tiga bagian (atau bagian), dibangun berdasarkan prinsip “cepat - lambat - cepat”.
Simfoni klasik.
Pendengar abad ke-18 Saya menyukai karya orkestra dalam beberapa bagian dengan tempo berbeda, yang dibawakan baik dalam pertemuan rumah maupun konser publik. Karena kehilangan fungsi pendahuluan, simfoni berkembang menjadi sebuah karya orkestra independen, biasanya dalam tiga gerakan (“cepat – lambat – cepat”). Dengan menggunakan fitur rangkaian tari barok, opera, dan konser, sejumlah komposer, terutama G.B. Sammartini, menciptakan model simfoni klasik - sebuah karya tiga gerakan untuk orkestra gesek, di mana bagian cepat biasanya berbentuk a rondo sederhana atau bentuk sonata awal. Secara bertahap, instrumen lain ditambahkan ke senar: obo (atau seruling), terompet, terompet, dan timpani. Untuk pendengar abad ke-18. simfoni ditentukan oleh norma-norma klasik: tekstur homofonik, harmoni diatonis, kontras melodi, rangkaian perubahan dinamis dan tematik tertentu. Pusat di mana simfoni klasik dikembangkan adalah kota Mannheim di Jerman (di sini Jan Stamitz dan penulis lain memperluas siklus simfoni menjadi empat bagian, memperkenalkan ke dalamnya dua tarian dari rangkaian Barok - minuet dan trio) dan Wina, tempat Haydn, Mozart , Beethoven (serta pendahulunya, di antaranya Georg Monn dan Georg Wagenseil menonjol, mengangkat genre simfoni ke tingkat yang baru.
Simfoni J. Haydn dan W. A. Mozart adalah contoh cemerlang gaya klasik. Bagian-bagiannya jelas terpisah satu sama lain, masing-masing memiliki materi tematik tersendiri; Kesatuan siklus dipastikan melalui perbandingan nada dan pergantian tempo dan sifat tema yang bijaksana. Senar, alat musik tiup kayu, kuningan dan timpani menyediakan berbagai kombinasi instrumen; permulaan liris yang berasal dari penulisan vokal opera, merambah tema-tema gerakan lambat, bagian trio pada gerakan ketiga dan tema-tema sekunder gerakan-gerakan lainnya. Motif lain yang berasal dari opera (lompatan oktaf, pengulangan bunyi, bagian seperti tangga nada) menjadi dasar tematik gerakan cepat. Simfoni Haydn dibedakan berdasarkan kecerdasannya, daya cipta pengembangan tematik, orisinalitas ungkapan, instrumentasi, tekstur dan tematik; Simfoni Mozart ditandai oleh kekayaan melodi, plastisitas, keanggunan harmoni, dan tandingan yang luar biasa.
Sebuah contoh bagus dari simfoni klasik dari akhir abad ke-18. – Simfoni Mozart No. 41 (K. 551, C mayor (1788), dikenal sebagai Jupiter. Musiknya meliputi seruling, dua obo, dua bassoon, dua terompet, dua terompet, timpani dan sekelompok senar (biola pertama dan kedua, biola, cello, double bass). Simfoni ini terdiri dari empat gerakan. Yang pertama, Allegro vivace, ditulis dengan tempo lincah, dengan kunci C mayor, dalam tempo 4/4, dalam bentuk sonata (yang disebut bentuk sonata allegro: tema mula-mula muncul dalam eksposisi, kemudian berkembang dalam pengembangan. , diikuti dengan reprise, biasanya diakhiri dengan kesimpulan - coda). Simfoni Mozart bagian kedua ditulis dengan tempo sedang (moderato), dengan kunci subdominan F mayor, lagi-lagi dalam bentuk sonata dan bersifat merdu (Andante cantabile).
Gerakan ketiga terdiri dari minuet yang cukup aktif dan trio di C mayor. Meskipun masing-masing dari kedua tarian ini ditulis dalam bentuk biner mirip ronda (minuet - AAVABA; trio - CCDCDC), kembalinya minuet setelah trio memberikan struktur keseluruhan struktur tripartit. Finalnya kembali dalam bentuk sonata, dengan tempo sangat cepat (Molto allegro), dengan kunci utama C mayor. Dibangun di atas motif singkat, tema penutup memancarkan energi dan kekuatan; di coda terakhir, teknik tandingan Bach dipadukan dengan keahlian gaya klasik Mozart.
Dalam karya L. van Beethoven, bagian-bagian simfoni terhubung lebih erat secara tematis, dan siklusnya mencapai kesatuan yang lebih besar. Prinsip penggunaan materi tematik terkait dalam keempat gerakan yang dilakukan dalam Simfoni Kelima Beethoven menyebabkan munculnya apa yang disebut. simfoni siklus. Beethoven menggantikan minuet yang tenang dengan scherzo yang lebih hidup, seringkali rusuh; ia mengangkat perkembangan tematik ke tingkat yang baru, menjadikan tema-temanya mengalami segala macam perubahan, termasuk perkembangan kontrapuntal, mengisolasi fragmen-fragmen tema, mengubah mode (mayor - minor), dan pergeseran ritmis. Penggunaan trombon oleh Beethoven di Simfoni Kelima, Keenam dan Kesembilan serta penyertaan suara di akhir Simfoni Kesembilan sangat mengesankan. Di Beethoven, pusat gravitasi dalam siklus bergeser dari gerakan pertama ke gerakan akhir; di Siklus Ketiga, Kelima, dan Kesembilan, tidak diragukan lagi finalnya adalah puncak dari siklus tersebut. Beethoven memiliki simfoni "karakteristik" dan terprogram - Yang Ketiga ( Heroik) dan Keenam ( Pastoral).
Simfoni romantis.
Dengan karya Beethoven, simfoni memasuki abad baru. Perubahan tempo yang tajam, ciri khas gayanya, luasnya rentang dinamis, kekayaan citra, keahlian dan drama, terkadang kemunculan yang tidak terduga dan ambiguitas tema - semua ini membuka jalan bagi para komposer era Romantis. Menyadari kehebatan Beethoven, mereka berusaha mengikuti jalannya tanpa kehilangan individualitasnya. Komposer romantis, dimulai dengan F. Schubert, bereksperimen dengan sonata dan bentuk lainnya, sering kali mempersempit atau memperluasnya; Simfoni romantisme penuh dengan lirik, ekspresi subjektif dan dibedakan oleh kekayaan timbre dan warna yang harmonis. Schubert kontemporer Beethoven memiliki bakat khusus untuk menciptakan tema liris dan rangkaian harmonik ekspresif yang luar biasa. Ketika logika dan keteraturan klasisisme digantikan oleh subjektivitas dan ketidakpastian yang menjadi ciri seni romantisme, bentuk banyak simfoni menjadi lebih luas dan teksturnya lebih berat.
Di antara simfoni romantis Jerman adalah F. Mendelssohn, R. Schumann dan J. Brahms. Mendelssohn, dengan klasisismenya di bidang bentuk dan proporsi, sangat sukses di bidang Ketiga ( Skotlandia) dan Keempat ( Italia) simfoni yang mencerminkan kesan penulis mengunjungi negara-negara tersebut. Simfoni Schumann, yang dipengaruhi oleh Beethoven dan Mendelssohn, cenderung bersifat siklis dan sekaligus rhapsodik, terutama Simfoni Ketiga ( Rheinland) dan Keempat. Dalam empat simfoninya, Brahms dengan penuh hormat menggabungkan gaya tandingan Bach, metode pengembangan Beethoven, lirik Schubert, dan suasana hati Schumann. P.I. Tchaikovsky menghindari kecenderungan khas romantisme Barat terhadap program simfoni yang terperinci, serta penggunaan sarana vokal dalam genre ini. Seorang orkestra dan melodi yang berbakat, simfoni Tchaikovsky mencerminkan kegemaran penulisnya terhadap ritme tarian. Simfoni melodi berbakat lainnya, A. Dvorak, dibedakan oleh pendekatan yang agak konservatif terhadap bentuk simfoni, yang diadopsi dari Schubert dan Brahms. Simfoni A.P. Borodin sangat nasional isinya dan bentuknya monumental.
Penulis, yang karyanya membentuk jenis simfoni terprogram abad terakhir, yang dalam banyak hal berbeda dari simfoni abstrak atau, bisa dikatakan, simfoni absolut era klasik, adalah G. Berlioz. Dalam sebuah simfoni program, sebuah narasi diceritakan, atau sebuah gambar dilukis, atau, secara umum, terdapat unsur “ekstra-musikal” yang berada di luar musik itu sendiri. Terinspirasi oleh Simfoni Kesembilan Beethoven dengan paduan suara terakhirnya sesuai kata-kata Schiller Odes untuk Sukacita, Berlioz melangkah lebih jauh dalam zamannya Simfoni yang Fantastis(1831), di mana setiap bagian merupakan bagian dari narasi yang tampaknya otobiografi, dan motif utama-pengingat dijalankan sepanjang siklus. Di antara simfoni program komposer lainnya adalah Harold di Italia menurut Byron dan Romeo dan Juliet menurut Shakespeare, selain instrumen, sarana vokal juga banyak digunakan. Seperti Berlioz, F. Liszt dan R. Wagner adalah “avant-gardis” di zaman mereka. Meskipun keinginan Wagner untuk mensintesis kata-kata dan musik, suara dan instrumen membawanya dari simfoni ke opera, penguasaan luar biasa penulis ini memengaruhi hampir semua komposer Eropa generasi berikutnya, termasuk A. Bruckner dari Austria. Seperti Wagner, Liszt adalah salah satu pemimpin romantisme musikal akhir, dan ketertarikannya pada programatisitas memunculkan karya-karya seperti simfoni. Faust Dan Dante, serta 12 puisi simfoni program. Teknik transformasi figuratif tema oleh Liszt dalam proses perkembangannya sangat mempengaruhi karya S. Frank dan R. Strauss, penulis pada periode berikutnya.
Pada akhir abad ke-19. karya sejumlah simfoni berbakat, yang masing-masing memiliki gaya individu yang cemerlang, menandai tahap akhir dari tradisi klasik-romantis dengan dominasi bentuk sonata dan hubungan nada tertentu. G. Mahler dari Austria mengilhami simfoni tersebut dengan tema-tema tematik yang berasal dari lagu dan motif tariannya sendiri; sering kali dia secara langsung mengutip penggalan-penggalan musik folk, religi, atau militer. Empat simfoni Mahler menggunakan paduan suara dan solois, dan kesepuluh siklus simfoninya ditandai dengan variasi dan kecanggihan penulisan orkestra yang luar biasa. Finn J. Sibelius menggubah simfoni yang bersifat abstrak, dijiwai dengan perasaan yang mendalam; Gayanya dicirikan oleh preferensi terhadap register rendah dan instrumen bass, tetapi secara umum tekstur orkestranya tetap jelas. Orang Prancis C. Saint-Saens menulis tiga simfoni, yang paling terkenal adalah yang terakhir (1886) - yang disebut. Simfoni Organ. Simfoni Prancis paling populer pada periode ini mungkin bisa disebut sebagai satu-satunya simfoni karya S. Frank (1886–1888).
Sebuah contoh bagus dari simfoni pasca-Romantis dari akhir abad ke-19. adalah Simfoni Kedua Mahler dalam C minor, diselesaikan pada tahun 1894 (terkadang disebut Kebangkitan sehubungan dengan isi paduan suara di bagian terakhir). Siklus lima bagian raksasa ini ditulis untuk pemain orkestra besar: 4 seruling (termasuk piccolos), 4 obo (termasuk 2 cor anglais), 5 klarinet (termasuk satu bass), 4 bassoon (termasuk 2 contrabassoon), 10 terompet, 10 terompet, 4 trombon, tuba, organ, 2 harpa, dua solois - contralto dan soprano, paduan suara campuran dan grup perkusi besar, termasuk 6 timpani, bass drum, simbal, gong dan lonceng. Pergerakan pertama mempunyai watak seperti mars yang khusyuk (Allegro maestoso) (tanda birama 4/4 pada kunci C minor); dari segi struktur, ini adalah bentuk sonata yang diperluas dengan eksposur ganda. Bagian kedua berlangsung dengan tempo sedang (Andante moderato) dan mengingatkan karakter tarian Ländler Austria yang anggun. Pergerakan ini ditulis dalam kunci submediant (A-flat mayor) dalam waktu 3/8 dan dalam bentuk ABABA sederhana. Gerakan ketiga dibedakan berdasarkan aliran musik yang halus; ditulis dengan kunci utama dan dalam waktu 3/8. Scherzo tiga gerakan ini merupakan pengembangan simfoni dari sebuah lagu yang diciptakan secara bersamaan oleh Mahler Khotbah St. Anthony ke Pisces.
Di bagian keempat, "Cahaya Abadi" ("Urlicht"), suara manusia muncul. Lagu orkestra ini, bersinar dan penuh perasaan religius yang mendalam, ditulis untuk biola tunggal dan orkestra tereduksi; memiliki bentuk ABCB, tanda birama 4/4, kunci D-flat mayor. Final yang penuh badai dan “liar” dengan tempo scherzo mengandung banyak perubahan dalam mood, nada suara, tempo, dan meteran. Ini adalah bentuk sonata yang sangat besar dengan coda yang monumental; Bagian penutup memuat motif pawai, paduan suara, dan lagu-lagu yang mengingatkan pada bagian sebelumnya. Di akhir final, suara-suara masuk (solo soprano dan contralto, serta paduan suara - dengan himne tentang Kristus yang bangkit dengan kata-kata penyair Jerman abad ke-18 F. Klopstock. Dalam kesimpulan orkestra, orkestra yang ringan dan cemerlang warna dan nada suara E-flat mayor, sejajar dengan nada utama, muncul C minor: cahaya iman menghalau kegelapan.
Abad ke duapuluh.
Berbeda sekali dengan siklus romantis akhir Mahler yang luas, terdapat simfoni neoklasik yang diselesaikan dengan cermat oleh penulis Prancis seperti D. Milhaud dan A. Honegger. Penulis Rusia I.F. Stravinsky menulis dalam gaya neoklasik (atau neo-barok), yang mengisi bentuk simfoni tradisional dengan materi melodi dan nada-harmonik baru. P. Hindemith dari Jerman juga menggabungkan bentuk-bentuk yang datang dari masa lalu dengan bahasa melodi dan harmonik yang tajam (ia dicirikan oleh preferensi untuk interval keempat dalam tematik dan akord).
Simfoni Rusia terbesar adalah S.V. Rachmaninov, S.S. Prokofiev dan D.D. Tiga simfoni Rachmaninov melanjutkan tradisi romantis nasional yang berasal dari Tchaikovsky. Simfoni Prokofiev juga diasosiasikan dengan tradisi, tetapi ditafsirkan ulang; Pengarang ini bercirikan ritme motorik yang kaku, pergeseran nada yang tidak terduga, dan ada tema yang berasal dari cerita rakyat. Kehidupan kreatif Shostakovich terjadi pada periode Soviet dalam sejarah Rusia. Yang paling "maju" dapat dianggap sebagai simfoni Pertama, Kesepuluh, Ketigabelas, dan Kelimabelas, sedangkan Simfoni Ketiga, Kedelapan, Kesebelas, dan Keduabelas lebih dikaitkan dengan "gaya Rusia" tradisional. Di Inggris, simfoni terkemuka adalah E. Elgar (dua simfoni) dan R. W. Williams (sembilan simfoni yang ditulis antara tahun 1910 dan 1957, termasuk unsur vokal). Di antara penulis lain, yang masing-masing dikaitkan dengan tradisi negaranya, orang dapat menyebutkan Witold Lutoslawski dari Polandia (lahir 1913) dan K. Penderecki, Boguslav Martinu dari Ceko (1890–1959), E. Villa-Lobos dari Brasil dan Carlos Chavez dari Meksiko (1899–1976).
Pada awal abad ke-20. Charles Ives dari Amerika menyusun sejumlah simfoni avant-garde yang menggunakan kelompok orkestra, interval seperempat nada, poliritme, penulisan harmonik disonan, dan teknik kolase. Pada generasi berikutnya, beberapa komposer (semuanya belajar di Paris pada tahun 1920-an bersama Nadia Boulanger) mendirikan sekolah simfoni Amerika: A. Copland, Roy Harris (1898–1981) dan W. Piston. Dalam gaya mereka, berkat unsur neoklasikisme, pengaruh Prancis terlihat jelas, namun simfoni mereka tetap menciptakan citra Amerika dengan ruang terbuka, kesedihan, dan keindahan alamnya. Simfoni Roger Sessions ditandai oleh kompleksitas dan keanehan garis melodi berwarna, ketegangan perkembangan tematik, dan banyaknya tandingan. Wallingford Rigger menggunakan teknik serial A. Schoenberg dalam simfoninya; Henry Cowell menggunakan ide-ide eksperimental dalam simfoninya seperti melodi fugue dari himne, instrumen eksotis, gugus suara, dan kromatisme disonan.
Di antara simfoni Amerika lainnya pada pertengahan abad ke-20. kita dapat menyoroti H. Hanson, W. Schumann, D. Diamond dan V. Persichetti. Pada paruh kedua abad ini, simfoni menarik diciptakan oleh E. Carter, J. Rochberg, W. G. Still, F. Glass, E. T. Zwilich dan G. Corigliano. Di Inggris, tradisi simfoni dilanjutkan oleh Michael Tippett (1905–1998). Tahun 1990-an terjadi fenomena yang tidak biasa: sebuah simfoni modern menjadi "hit" di kalangan masyarakat umum. Kita berbicara tentang Simfoni Ketiga ( Simfoni lagu sedih) Tiang Heinrich Górecki. Pada pergantian milenium ketiga, komposer dari berbagai negara menciptakan simfoni yang mencerminkan ketertarikan pengarangnya terhadap beragam fenomena seperti minimalis, serialisme total, aleatorik, musik elektronik, neo-romantisisme, jazz, dan budaya musik non-Eropa.
Di antara banyak genre musik, salah satu tempat paling terhormat adalah simfoni. Sejak awal hingga saat ini, ia selalu mencerminkan zamannya secara sensitif: simfoni Mozart dan Beethoven, Berlioz dan Mahler, Prokofiev dan Shostakovich adalah cerminan zaman, manusia, cara hidup dunia, cara hidup di bumi.
Simfoni sebagai genre musik independen muncul relatif baru: sekitar dua setengah abad yang lalu. Namun, dalam periode waktu yang singkat secara historis ini, hal ini telah mengalami kemajuan yang sangat pesat. Kata simfoni diterjemahkan dari bahasa Yunani artinya saja harmoni. Di Yunani Kuno, ini adalah nama yang diberikan untuk kombinasi suara yang menyenangkan.
Kemudian mereka mulai menunjuk orkestra atau pengenalan ruang dansa.
Pada awal abad ke-18, istilah tersebut menggantikan konsep pembukaan yang ada saat ini.
Simfoni pertama dalam pengertian sekarang muncul di pusat Eropa pada paruh kedua abad ke-18. Dan tempat serta waktu kelahirannya bukanlah suatu kebetulan. Berasal secara bersamaan di berbagai belahan Eropa, di kedalaman bentuk musik lama yang sudah ada sebelumnya - rangkaian tari dan pembukaan opera, simfoni ini akhirnya terbentuk di negara-negara berbahasa Jerman. Di Italia seni nasionalnya adalah opera.
Di Prancis pra-revolusioner, yang sudah dipenuhi dengan suasana pemikiran bebas dan pemberontakan, seni lain muncul, seperti sastra, lukisan, dan teater - yang lebih konkrit, secara langsung dan jelas mengekspresikan ide-ide baru yang menggairahkan dunia. Ketika, beberapa dekade kemudian, menjadi musik, lagu tersebut memasuki jajaran pasukan revolusioner sebagai pejuang penuh - "Carmagnola", "Sa ira", "La Marseillaise".
Simfoni - dan hingga hari ini yang paling kompleks dari semua jenis musik yang tidak terkait dengan seni lain - memerlukan kondisi lain untuk pembentukannya, untuk persepsi penuh: diperlukan pemikiran, generalisasi - kerja yang tenang dan terkonsentrasi. Bukan suatu kebetulan jika pusat pemikiran filsafat yang mencerminkan perubahan sosial di Eropa pada akhir abad ke-18 ternyata berada di Jerman, jauh dari badai sosial. Pada saat yang sama, tradisi musik instrumental yang kaya telah berkembang di Jerman dan Austria. Di sinilah simfoni itu muncul.
Itu muncul dalam karya komposer Ceko dan Austria, dan memperoleh bentuk akhirnya dalam karya Haydn, untuk mencapai puncaknya di Mozart dan Beethoven. Simfoni klasik ini (Haydn, Mozart dan Beethoven tercatat dalam sejarah musik sebagai “klasik Wina”, karena sebagian besar karya mereka dikaitkan dengan kota ini) berkembang sebagai siklus empat bagian, yang mewujudkan berbagai aspek kehidupan manusia.
Bagian pertama dari simfoni itu cepat, aktif, terkadang didahului dengan pendahuluan yang lambat. Itu ditulis dalam bentuk sonata.
Bagian kedua lambat - biasanya bijaksana, elegi atau pastoral, yaitu didedikasikan untuk gambaran alam yang damai, istirahat yang tenang atau mimpi. Ada bagian kedua yang menyedihkan, terkonsentrasi, dan mendalam.
Bagian ketiga dari simfoni adalah minuet, dan kemudian, di Beethoven, sebuah scherzo. Ini adalah permainan, kesenangan, gambaran hidup dari kehidupan rakyat, tarian bundar yang menarik...
Final merupakan hasil keseluruhan siklus, kesimpulan dari segala sesuatu yang telah diperlihatkan, dipikirkan, dirasakan pada bagian-bagian sebelumnya. Seringkali akhir ceritanya meneguhkan hidup, khusyuk, penuh kemenangan, atau meriah.
Secara umum, simfoni dari komposer yang berbeda sangat berbeda. Jadi, jika simfoni Haydn sebagian besar tenang, gembira, dan hanya sedikit dari 104 karya genre ini yang ia ciptakan, muncul nada serius atau sedih, maka simfoni Mozart jauh lebih individual, terkadang dianggap sebagai pendahulu seni romantis.
Simfoni Beethoven penuh dengan gambaran perjuangan. Mereka sepenuhnya mencerminkan era Revolusi Besar Perancis dan ide-ide sipil yang luhur yang diilhami olehnya. Simfoni Beethoven merupakan karya monumental, kedalaman isi, keluasan dan kekuatan generalisasinya tidak kalah dengan opera, drama, atau novel. Mereka dibedakan oleh drama yang mendalam, kepahlawanan, dan kesedihan. Simfoni Beethoven yang terakhir, Simfoni Kesembilan, menampilkan bagian refrain yang menyanyikan himne yang meriah dan agung "Embrace, O Millions," yang disetel ke syair ode Schiller "To Joy." Di sini sang komposer melukiskan gambaran megah tentang kemanusiaan yang bebas dan gembira yang berjuang untuk persaudaraan universal.
Ludwig van Beethoven. Ode "To Joy" dari Simfoni No.9
Pada saat yang sama dengan Beethoven, di Wina yang sama, hiduplah komposer Austria hebat lainnya, Franz Schubert. Simfoninya terdengar seperti puisi liris, seperti pernyataan yang sangat pribadi dan intim. Di bawah Schubert, sebuah gerakan baru masuk ke dalam musik Eropa, ke dalam genre simfoni - romantisme. Perwakilan romantisme musik dalam simfoni adalah Schumann, Mendelssohn, Berlioz.
Hector Berlioz, seorang komposer Perancis yang luar biasa, adalah orang pertama yang membuat program simfoni (lihat cerita tentang program musik), menulis program puisi dalam bentuk cerita pendek tentang kehidupan artis.
Simfoni di Rusia terutama adalah Tchaikovsky. Karya-karya simfoninya adalah kisah-kisah seru dan mengasyikkan tentang perjuangan seseorang untuk hidup, untuk kebahagiaan. Tapi inilah Borodin: simfoni-simfoninya dibedakan berdasarkan luasnya yang epik, kekuatan, dan cakupannya yang benar-benar Rusia. Mereka adalah Rachmaninov, Scriabin dan Glazunov, yang menciptakan delapan simfoni yang indah, cerah, dan seimbang.
Simfoni D. Shostakovich mewujudkan abad ke-20 dengan badai, tragedi, dan pencapaiannya. Mereka mencerminkan peristiwa-peristiwa dalam sejarah kita dan gambaran orang-orang sezaman dengan komposer, membangun, berjuang, mencari, menderita dan menang. Simfoni S. Prokofiev dibedakan oleh kebijaksanaan epiknya, drama yang dalam, lirik yang murni dan cerah, serta lelucon yang tajam.
D.Shostakovich. Simfoni No. 7 op. 60 "Leningradskaya" di C mayor. Bagian 1
Simfoni apa pun adalah keseluruhan dunia. Dunia seniman yang menciptakannya. Dunia waktu yang melahirkannya. Mendengarkan simfoni klasik, kita menjadi lebih kaya secara spiritual, kita menjadi akrab dengan khazanah kejeniusan manusia, yang sama pentingnya dengan tragedi Shakespeare, novel Tolstoy, puisi Pushkin, lukisan Raphael.
Kata "simfoni" diterjemahkan dari bahasa Yunani sebagai "konsonansi". Dan memang benar, bunyi dari banyak instrumen dalam sebuah orkestra hanya dapat disebut musik jika instrumen-instrumen tersebut selaras, dan tidak masing-masing instrumen menghasilkan bunyi sendiri-sendiri.
Di Yunani Kuno, ini adalah nama untuk kombinasi suara yang menyenangkan, bernyanyi bersama secara serempak. Di Roma Kuno, ansambel atau orkestra mulai disebut demikian. Pada Abad Pertengahan, musik sekuler pada umumnya dan beberapa alat musik disebut simfoni.
Kata tersebut mempunyai arti lain, tetapi semuanya mengandung arti keterhubungan, keterlibatan, perpaduan yang harmonis; misalnya simfoni disebut juga prinsip hubungan antara gereja dan kekuatan sekuler yang terbentuk pada masa Kekaisaran Bizantium.
Namun hari ini kita hanya akan berbicara tentang simfoni musik.
Varietas simfoni
Simfoni klasik- Ini adalah karya musik dalam bentuk siklik sonata, yang dimaksudkan untuk dibawakan oleh orkestra simfoni.
Sebuah simfoni (selain orkestra simfoni) dapat mencakup paduan suara dan vokal. Ada simfoni-suite, simfoni-rhapsodies, simfoni-fantasi, simfoni-balada, simfoni-legenda, simfoni-puisi, simfoni-requiem, simfoni-balet, simfoni-drama dan simfoni teatrikal sebagai salah satu jenis opera.
Sebuah simfoni klasik biasanya memiliki 4 gerakan:
bagian pertama - masuk langkah cepat(alegro ) , dalam bentuk sonata;
bagian kedua - masuk dengan kecepatan lambat, biasanya dalam bentuk variasi, rondo, rondo sonata, tiga gerak kompleks, lebih jarang dalam bentuk sonata;
bagian ketiga - scherzo atau minuet- dalam bentuk tiga bagian da capo dengan trio (yaitu, menurut skema A-trio-A);
bagian keempat - masuk langkah cepat, dalam bentuk sonata, dalam bentuk rondo atau rondo sonata.
Namun ada simfoni dengan bagian yang lebih sedikit (atau lebih). Ada juga simfoni satu gerakan.
Simfoni Program adalah simfoni dengan isi tertentu, yang dituangkan dalam program atau diungkapkan dalam judul. Jika simfoni mempunyai judul, maka judul tersebut merupakan program minimal, misalnya “Symphony Fantastique” karya G. Berlioz.
Dari sejarah simfoni
Pencipta bentuk klasik simfoni dan orkestrasi dianggap Haydn.
Dan prototipe simfoninya adalah orang Italia tawaran(karya orkestra instrumental yang dibawakan sebelum dimulainya pertunjukan apa pun: opera, balet), yang berkembang pada akhir abad ke-17. Kontribusi signifikan terhadap perkembangan simfoni diberikan oleh Mozart Dan Beethoven. Ketiga komposer ini disebut "klasik Wina". Musik klasik Wina menciptakan jenis musik instrumental yang tinggi, di mana semua kekayaan konten figuratif diwujudkan dalam bentuk artistik yang sempurna. Proses pembentukan orkestra simfoni - komposisi permanen dan kelompok orkestranya - juga bertepatan dengan masa ini.
V.A. Mozart
Mozart menulis dalam segala bentuk dan genre yang ada pada zamannya; ia sangat mementingkan opera, tetapi juga menaruh perhatian besar pada musik simfoni. Karena kenyataan bahwa sepanjang hidupnya ia mengerjakan opera dan simfoni secara paralel, musik instrumentalnya dibedakan oleh merdu aria opera dan konflik dramatis. Mozart menciptakan lebih dari 50 simfoni. Yang paling populer adalah tiga simfoni terakhir - No. 39, No. 40 dan No. 41 (“Jupiter”).
K. Schlosser "Beethoven sedang bekerja"
Beethoven menciptakan 9 simfoni, namun dari segi perkembangan bentuk simfoni dan orkestrasinya, ia dapat disebut sebagai komposer simfoni terbesar pada masa klasik. Dalam Simfoni Kesembilannya, yang paling terkenal, semua bagiannya digabungkan menjadi satu kesatuan dengan tema lintas sektoral. Dalam simfoni ini, Beethoven memperkenalkan bagian vokal, setelah itu komposer lain mulai melakukannya. Dalam bentuk simfoni dia mengucapkan sebuah kata baru R.Schumann.
Namun sudah di paruh kedua abad ke-19. bentuk simfoni yang ketat mulai berubah. Sistem empat bagian menjadi opsional: muncul satu bagian simfoni (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky), simfoni dari 11 bagian(Shostakovich) dan bahkan dari 24 bagian(Hovaness). Final klasik bertempo cepat digantikan oleh final lambat (Simfoni Keenam P.I. Tchaikovsky, Simfoni Ketiga dan Kesembilan Mahler).
Penulis simfoni tersebut adalah F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N .Rimsky- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich dan lainnya.
Komposisinya, seperti yang telah kami katakan, terbentuk di era klasik Wina.
Orkestra simfoni didasarkan pada empat kelompok instrumen: senar membungkuk(biola, biola, cello, double bass), alat musik tiup kayu(seruling, oboe, klarinet, bassoon, saksofon dengan segala ragamnya - perekam kuno, selendang, chalumeau, dll., serta sejumlah instrumen rakyat - balaban, duduk, zhaleika, seruling, zurna), kuningan(klakson, terompet, cornet, flugelhorn, trombone, tuba), drum(timpani, gambang, vibrafon, genta, kendang, segitiga, simbal, rebana, alat musik, tom-tom dan lain-lain).
Terkadang instrumen lain disertakan dalam orkestra: harpa, piano, organ(keyboard dan alat musik tiup, jenis alat musik terbesar), celesta(alat musik perkusi keyboard kecil yang bentuknya seperti piano dan berbunyi seperti lonceng), piano kuno.
Piano kuno
Besar sebuah orkestra simfoni dapat terdiri dari hingga 110 musisi , kecil– tidak lebih dari 50.
Kondektur memutuskan bagaimana menempatkan orkestra. Penataan pemain dalam orkestra simfoni modern bertujuan untuk mencapai kemerduan yang koheren. Dalam 50-70 tahun. abad XX menjadi tersebar luas "Tempat duduk Amerika": biola pertama dan kedua ditempatkan di sebelah kiri konduktor; di sebelah kanan adalah biola dan cello; di kedalaman ada angin kayu dan angin kuningan, double bass; di sebelah kiri adalah drum.
Pengaturan tempat duduk musisi orkestra simfoni
Di antara banyak genre dan bentuk musik, salah satu tempat paling terhormat adalah simfoni. Setelah muncul sebagai genre hiburan, dari awal abad ke-19 hingga saat ini, genre ini mencerminkan zamannya dengan paling sensitif dan penuh, tidak seperti jenis seni musik lainnya. Simfoni Beethoven dan Berlioz, Schubert dan Brahms, Mahler dan Tchaikovsky, Prokofiev dan Shostakovich adalah refleksi skala besar tentang era dan kepribadian, tentang sejarah umat manusia dan cara hidup dunia.
Siklus simfoni, seperti yang kita ketahui dari banyak contoh klasik dan modern, terbentuk kira-kira dua ratus lima puluh tahun yang lalu. Namun, dalam kurun waktu yang singkat secara historis ini, genre simfoni telah berkembang pesat. Panjang dan pentingnya jalan ini justru ditentukan oleh fakta bahwa simfoni tersebut menyerap semua permasalahan pada masanya, mampu mencerminkan era yang kompleks, kontradiktif, penuh gejolak kolosal, dan mewujudkan perasaan, penderitaan, dan perjuangan masyarakat. Cukup membayangkan kehidupan masyarakat di pertengahan abad ke-18 - dan mengingat simfoni Haydn; pergolakan besar di akhir abad ke-18 - awal abad ke-19 - dan simfoni Beethoven yang mencerminkannya; reaksi masyarakat, kekecewaan - dan simfoni romantis; akhirnya, semua kengerian yang harus dialami umat manusia di abad ke-20 - dan bandingkan simfoni Beethoven dengan simfoni Shostakovich untuk melihat dengan jelas jalan yang besar dan terkadang tragis ini. Saat ini, hanya sedikit orang yang ingat seperti apa awalnya, apa asal muasal genre musik murni yang paling kompleks, tidak ada hubungannya dengan seni lain.
Mari kita lihat sekilas musik Eropa pada pertengahan abad ke-18.
Di Italia, negara seni klasik, penentu tren di seluruh negara Eropa, opera berkuasa. Yang disebut opera seria (“serius”) mendominasi. Tidak ada gambaran individu yang jelas di dalamnya, tidak ada aksi dramatis yang asli. Opera seria adalah pergantian kondisi mental berbeda yang diwujudkan dalam karakter konvensional. Bagian terpentingnya adalah aria yang menyampaikan keadaan-keadaan ini. Ada aria kemarahan dan balas dendam, aria keluhan (lamento), aria lambat yang menyedihkan, dan aria keberanian yang menggembirakan. Aria-aria ini digeneralisasikan sedemikian rupa sehingga dapat dipindahkan dari satu opera ke opera lainnya tanpa merusak pertunjukan. Faktanya, hal ini sering dilakukan oleh komposer, terutama ketika mereka harus menulis beberapa opera dalam satu musim.
Unsur opera seria adalah melodi. Seni bel canto Italia yang terkenal mendapat ekspresi tertinggi di sini. Dalam arias, komposer mencapai puncak sebenarnya dari perwujudan negara tertentu. Cinta dan benci, suka dan duka, marah dan sedih disampaikan oleh musik tersebut dengan begitu gamblang dan meyakinkan sehingga Anda tidak perlu mendengar liriknya untuk memahami apa yang dinyanyikan penyanyi tersebut. Hal ini, pada intinya, akhirnya membuka jalan bagi musik tanpa teks yang dirancang untuk mewujudkan perasaan dan hasrat manusia.
Dari selingan - sisipan adegan yang dilakukan di antara aksi opera seria dan tidak terkait dengan isinya - muncullah saudara perempuannya yang ceria, penggemar opera komik. Isinya demokratis (karakternya bukanlah pahlawan mitologi, raja dan ksatria, tetapi orang biasa dari rakyat), sengaja menentang seni istana. Opera buffa dibedakan dari kealamiannya, keaktifan aksinya, dan spontanitas bahasa musiknya, yang sering kali berhubungan langsung dengan cerita rakyat. Ini menampilkan derai vokal, warna parodi komik, dan lagu tarian yang hidup dan ringan. Bagian akhir dari babak tersebut dibuka sebagai ansambel, di mana para karakter terkadang bernyanyi sekaligus. Kadang-kadang akhiran seperti itu disebut "kusut" atau "kebingungan", karena tindakan yang terjadi begitu cepat dan intriknya ternyata membingungkan.
Musik instrumental juga berkembang di Italia, dan terutama genre yang paling erat kaitannya dengan opera - pembukaan. Sebagai pengantar orkestra untuk pertunjukan opera, ia meminjam tema musik yang cerah dan ekspresif dari opera, mirip dengan melodi arias.
Pembukaan Italia pada waktu itu terdiri dari tiga bagian - cepat (Allegro), lambat (Adagio atau Andante) dan cepat lagi, paling sering seluruh minuet. Mereka menyebutnya sinfonia - diterjemahkan dari bahasa Yunani - konsonan. Seiring berjalannya waktu, pembukaan mulai dipentaskan tidak hanya di teater sebelum tirai dibuka, tetapi juga secara terpisah, sebagai karya orkestra independen.
Pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18, sekelompok pemain biola virtuoso yang brilian muncul di Italia, yang juga merupakan komposer berbakat. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli dan lain-lain, yang fasih bermain biola - alat musik yang ekspresinya dapat dibandingkan dengan suara manusia - menciptakan repertoar biola yang luas, terutama dari karya yang disebut sonata (dari bahasa Italia sonare - suara ). Di dalamnya, seperti pada sonata keyboard Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello dan komposer lainnya, beberapa fitur struktural umum berkembang, yang kemudian berubah menjadi simfoni.
Kehidupan musik Perancis dibentuk secara berbeda. Mereka sudah lama menyukai musik yang berhubungan dengan kata-kata dan tindakan. Seni balet mengalami perkembangan yang tinggi; Jenis opera khusus dikembangkan - tragedi liris, mirip dengan tragedi Corneille dan Racine, yang memiliki jejak kehidupan spesifik istana, etiketnya, dan perayaannya.
Komposer Perancis juga tertarik pada plot, program, dan definisi verbal musik ketika membuat karya instrumental. "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - ini adalah nama-nama karya harpsichord, yang merupakan sketsa genre atau potret musik - "Graceful", "Tender", "Hardworking", "Flirtatious".
Karya yang lebih besar, terdiri dari beberapa bagian, berawal dari seni tari. Allemande Jerman yang ketat, mobile, seperti lonceng Prancis yang meluncur, sarabande Spanyol yang megah, dan jig cepat - tarian berapi-api para pelaut Inggris - telah lama dikenal di Eropa. Mereka adalah dasar dari genre suite instrumental (dari suite Prancis - sequence). Seringkali tarian lain dimasukkan dalam suite: minuet, gavotte, polonaise. Sebelum allemande, pendahuluan perkenalan dapat dibunyikan; di tengah suite, gerakan tari yang terukur terkadang disela oleh aria bebas. Namun inti dari rangkaian tersebut - empat tarian beragam bangsa yang berbeda - tentunya hadir dalam rangkaian yang tidak berubah-ubah, menguraikan empat suasana hati yang berbeda, mengarahkan pendengarnya dari gerakan tenang di awal hingga akhir yang seru dan cepat.
Banyak komposer menulis suite, dan tidak hanya di Perancis. Johann Sebastian Bach yang hebat juga memberi mereka penghormatan yang signifikan, yang namanya, serta budaya musik Jerman pada waktu itu secara umum, banyak genre musik yang dikaitkan.
Di negara-negara berbahasa Jerman, yaitu banyak kerajaan, kerajaan, dan keuskupan Jerman (Prusia, Bavaria, Saxon, dll.), serta di berbagai wilayah Kekaisaran Austria multinasional, yang kemudian mencakup “rakyat musisi” - Republik Ceko yang diperbudak oleh Habsburg - Musik instrumental telah lama dikembangkan. Setiap kota kecil, kota kecil atau bahkan desa memiliki pemain biola dan pemain cello sendiri, dan di malam hari ada pertunjukan solo dan ansambel yang dibawakan dengan antusias oleh para amatir. Gereja dan sekolahnya biasanya menjadi pusat pembuatan musik. Gurunya, pada umumnya, juga seorang pemain organ gereja, yang menampilkan fantasi musik pada hari libur dengan kemampuan terbaiknya. Di pusat-pusat Protestan besar di Jerman, seperti Hamburg atau Leipzig, bentuk-bentuk baru pembuatan musik juga berkembang: konser organ di katedral. Konser ini menampilkan pendahuluan, fantasi, variasi, aransemen paduan suara, dan yang terpenting, fugue.
Fugue adalah jenis musik polifonik paling kompleks, yang mencapai puncaknya pada karya I.S. Bach dan Handel. Namanya berasal dari bahasa Latin fuga - berlari. Ini adalah karya polifonik berdasarkan satu tema, yang berpindah (berjalan melintasi!) dari suara ke suara. Setiap baris melodi disebut suara. Tergantung pada jumlah baris tersebut, fugue dapat terdiri dari tiga, empat, lima suara, dll. Di bagian tengah fugue, setelah tema dibunyikan secara lengkap di semua suara, ia mulai berkembang: pertama permulaannya akan muncul dan menghilang lagi, kemudian akan mengembang (setiap nada yang membentuknya akan menjadi dua kali lebih panjang), kemudian akan menyusut - ini disebut tema bertambah dan tema berkurang. Bisa jadi dalam suatu tema, gerak melodi yang menurun menjadi menaik, dan sebaliknya (tema yang beredar). Gerakan melodi berpindah dari satu kunci ke kunci lainnya. Dan di bagian akhir fugue - Reprise - temanya kembali terdengar tidak berubah, seperti di awal, kembali ke nada suara utama drama tersebut.
Izinkan kami mengingatkan Anda lagi: kita berbicara tentang pertengahan abad ke-18. Sebuah ledakan sedang terjadi di kedalaman aristokrat Prancis, yang akan segera menyapu bersih monarki absolut. Waktu baru akan tiba. Dan sementara sentimen revolusioner masih dalam tahap persiapan, para pemikir Perancis bersuara menentang tatanan yang ada. Mereka menuntut persamaan semua orang di depan hukum dan memproklamirkan gagasan kebebasan dan persaudaraan.
Seni, yang mencerminkan perubahan kehidupan sosial, peka terhadap perubahan suasana politik Eropa. Contohnya adalah komedi abadi Beaumarchais. Hal ini juga berlaku pada musik. Saat ini, dalam masa sulit yang penuh dengan peristiwa-peristiwa yang memiliki makna sejarah yang sangat besar, genre baru yang benar-benar revolusioner sedang lahir di kedalaman genre dan bentuk musik lama yang sudah lama ada - simfoni. Ia menjadi berbeda secara kualitatif dan mendasar, karena ia mewujudkan jenis pemikiran baru.
Kita harus berpikir bahwa bukan suatu kebetulan bahwa, dengan prasyarat di berbagai wilayah Eropa, genre simfoni akhirnya terbentuk di negara-negara berbahasa Jerman. Di Italia, opera adalah seni nasional. Di Inggris, semangat dan makna proses sejarah yang terjadi di sana tercermin sepenuhnya dalam oratorio George Handel, seorang Jerman kelahiran yang menjadi komposer nasional Inggris. Di Prancis, seni lain mengemuka, khususnya sastra dan teater, yang lebih konkrit, secara langsung dan jelas mengungkapkan ide-ide baru yang menggairahkan dunia. Karya-karya Voltaire, “The New Heloise” oleh Rousseau, “The Persia Letters” oleh Montesquieu, dalam bentuk yang terselubung namun cukup dapat dipahami, memberikan kritik pedas kepada pembaca terhadap tatanan yang ada, dan menawarkan pilihan mereka sendiri terhadap struktur masyarakat. .
Beberapa dekade kemudian, ketika menyangkut musik, lagu bergabung dengan barisan pasukan revolusioner. Contoh paling mencolok dari hal ini adalah Lagu Tentara Rhine, yang diciptakan dalam semalam oleh perwira Rouget de Lisle, yang menjadi terkenal di dunia dengan nama Marseillaise. Setelah lagu tersebut, musik muncul untuk perayaan massal dan upacara berkabung. Dan terakhir, apa yang disebut “opera keselamatan”, yang isinya adalah pengejaran seorang pahlawan atau pahlawan wanita oleh seorang tiran dan penyelamatan mereka di akhir opera.
Simfoni membutuhkan kondisi yang sangat berbeda baik untuk pembentukannya maupun untuk persepsi penuh. “Pusat gravitasi” pemikiran filosofis, yang paling mencerminkan esensi mendalam perubahan sosial pada masa itu, ternyata berada di Jerman, jauh dari badai sosial.
Di sana, Kant pertama dan kemudian Hegel menciptakan sistem filosofis baru mereka. Seperti sistem filosofis, simfoni - genre kreativitas musik yang paling filosofis, dialektis-prosesual - akhirnya terbentuk di mana hanya gema jauh dari badai petir yang mendekat yang dapat dicapai. Terlebih lagi, tradisi musik instrumental yang kuat telah berkembang.
Salah satu pusat utama munculnya genre baru ini adalah Mannheim, ibu kota Pemilih Bavaria di Pfalz. Di sini, di istana brilian Elector Karl Theodor, pada tahun 40-an dan 50-an abad ke-18 terdapat orkestra yang luar biasa, mungkin yang terbaik di Eropa pada saat itu.
Saat itu, orkestra simfoni baru saja terbentuk. Dan di kapel istana dan di katedral, kelompok orkestra dengan komposisi yang stabil tidak ada. Semuanya bergantung pada sarana yang dimiliki penguasa atau hakim, pada selera mereka yang dapat memberi perintah. Pada awalnya, orkestra hanya memainkan peran terapan, mengiringi pertunjukan istana atau festival dan upacara. Dan itu dianggap, pertama-tama, sebagai opera atau ansambel gereja. Awalnya, orkestra terdiri dari biola, kecapi, harpa, seruling, obo, terompet, dan drum. Lambat laun komposisinya bertambah, jumlah alat musik gesek bertambah. Seiring waktu, biola menggantikan biola kuno dan segera mengambil posisi terdepan dalam orkestra. Alat musik tiup kayu - seruling, obo, bassoon - digabungkan menjadi kelompok terpisah, dan alat musik tiup juga muncul - terompet, trombon. Instrumen wajib dalam orkestra adalah harpsichord, yang menciptakan dasar suara yang harmonis. Di belakangnya biasanya ada pemimpin orkestra yang sambil bermain sekaligus memberikan instruksi perkenalan.
Pada akhir abad ke-17, ansambel instrumental yang ada di Istana para bangsawan tersebar luas. Masing-masing dari banyak pangeran kecil di Jerman yang terfragmentasi ingin memiliki kapelnya sendiri. Perkembangan pesat orkestra dimulai, dan teknik-teknik baru dalam permainan orkestra muncul.
Orkestra Mannheim terdiri dari 30 alat musik gesek, 2 seruling, 2 obo, klarinet, 2 bassoon, 2 terompet, 4 terompet, timpani. Ini adalah tulang punggung orkestra modern, komposisi yang banyak diciptakan oleh komposer era berikutnya. Orkestra ini dipimpin oleh musisi, komposer, dan virtuoso biola Ceko terkemuka Jan Vaclav Stamitz. Di antara seniman orkestra juga terdapat musisi terhebat pada masanya, tidak hanya instrumentalis virtuoso, tetapi juga komposer berbakat Franz Xaver Richter, Anton Filz dan lain-lain. Mereka menentukan tingkat keterampilan pertunjukan orkestra yang luar biasa, yang menjadi terkenal karena kualitasnya yang luar biasa - kemerataan pukulan biola yang sebelumnya tidak dapat dicapai, gradasi warna dinamis terbaik yang belum pernah digunakan sama sekali.
Menurut seorang kontemporer, kritikus Bossler, “pengamatan yang tepat terhadap piano, forte, rinforzando, perluasan dan intensifikasi suara secara bertahap dan kemudian penurunan kekuatannya hingga suara yang nyaris tidak terdengar - semua ini hanya dapat didengar di Mannheim.” Bernie, seorang pecinta musik Inggris yang melakukan perjalanan ke Eropa pada pertengahan abad ke-18, mengutarakan pendapatnya: “Orkestra luar biasa ini memiliki cukup ruang dan aspek untuk menunjukkan semua kemampuannya dan menghasilkan efek yang luar biasa. Di sinilah Stamitz, yang terinspirasi oleh tulisan Yomelli, pertama kali melampaui tawaran opera biasa... semua efek yang dapat dihasilkan oleh kumpulan suara seperti itu dicoba. Di sinilah crescendo dan diminuendo lahir, dan piano, yang sebelumnya digunakan terutama sebagai gema dan biasanya identik dengannya, dan forte diakui sebagai warna musik dengan coraknya sendiri ... "
Di orkestra inilah simfoni empat bagian pertama kali didengarkan - karya yang dibangun menurut satu jenis dan memiliki prinsip umum yang menyerap banyak ciri genre dan bentuk musik yang sudah ada sebelumnya dan meleburnya menjadi sesuatu yang berbeda secara kualitatif; kesatuan baru.
Akord pertama tegas, bersuara penuh, seolah-olah meminta perhatian. Lalu gerakannya yang lebar dan menyapu. Sekali lagi akord, digantikan oleh gerakan arpeggio, dan kemudian melodi yang hidup dan elastis, seperti pegas yang terbuka. Nampaknya hal ini dapat terjadi tanpa henti, namun hal ini akan hilang lebih cepat dari apa yang dikabarkan rumor tersebut: seperti seorang tamu yang diperkenalkan kepada pemilik rumah pada sebuah resepsi besar, ia menjauh dari mereka, memberi jalan kepada orang lain yang mengikuti di belakang. Setelah beberapa saat pergerakan umum, tema baru muncul - lebih lembut, feminin, liris. Namun bunyinya tidak berlangsung lama, larut dalam beberapa bagian. Setelah beberapa waktu, kita melihat tema pertama lagi, sedikit berubah, dengan kunci baru. Aliran musik mengalir dengan cepat, kembali ke nada suara utama simfoni yang asli; Tema kedua secara organik mengalir ke dalam aliran ini, kini menjadi lebih dekat karakter dan suasananya dengan yang pertama. Bagian pertama dari simfoni diakhiri dengan akord gembira yang bersuara penuh.
Gerakan kedua, andante, berlangsung perlahan dan merdu, menonjolkan ekspresi alat musik gesek. Ini adalah semacam aria untuk orkestra, yang didominasi oleh lirik dan refleksi elegi.
Gerakan ketiga adalah minuet gagah yang elegan. Ini menciptakan perasaan rileks dan rileks. Dan kemudian, seperti angin puyuh yang berapi-api, akhir yang berapi-api itu meledak. Ini, secara umum, adalah simfoni pada masa itu. Asal usulnya dapat ditelusuri dengan sangat jelas. Bagian pertama paling mirip dengan pembukaan opera. Namun jika pembukaan hanya sekedar ambang batas pertunjukan, maka di sini aksi itu sendiri terungkap dalam bunyi. Gambaran musik opera yang biasanya dari pembukaan - keriuhan heroik, ratapan yang menyentuh, kegembiraan para badut - tidak dikaitkan dengan situasi panggung tertentu dan tidak memiliki ciri-ciri individu yang khas (ingat bahwa bahkan pembukaan terkenal untuk "The Barber of Seville" karya Rossini memiliki tidak ada hubungannya dengan isi opera dan Secara umum, awalnya ditulis untuk opera lain!), memisahkan diri dari pertunjukan opera dan memulai kehidupan mandiri. Mereka mudah dikenali di simfoni awal - intonasi aria heroik yang tegas dan berani di tema pertama, yang disebut tema utama, desahan lembut aria liris di tema kedua, yang disebut tema sekunder.
Prinsip opera juga tercermin dalam tekstur simfoni. Jika sebelumnya musik instrumental didominasi oleh polifoni, yaitu polifoni, di mana beberapa melodi independen, terjalin, dibunyikan secara bersamaan, maka di sini jenis polifoni yang berbeda mulai berkembang: satu melodi utama (paling sering biola), ekspresif, signifikan, disertai dengan iringan yang menonjolkannya, menekankan individualitasnya. Jenis polifoni ini, yang disebut homofonik, mendominasi sepenuhnya pada simfoni awal. Kemudian dalam simfoni, teknik yang dipinjam dari fugue muncul. Namun, pada pertengahan abad ke-18, hal ini bisa dikontraskan dengan fugue. Biasanya ada satu tema (ada fugue ganda, tripel, dan lebih banyak lagi, tetapi di dalamnya tema-tema tersebut tidak ditentang, tetapi dibandingkan). Hal itu diulang berkali-kali, namun tidak ada yang bertentangan. Intinya, itu adalah sebuah aksioma, sebuah tesis yang dikemukakan berulang kali tanpa memerlukan pembuktian. Hal sebaliknya terjadi dalam sebuah simfoni: dalam kemunculan dan perubahan lebih lanjut dari tema dan gambar musik yang berbeda, orang dapat mendengar perselisihan dan kontradiksi. Barangkali di sinilah tanda zaman terlihat paling jelas. Kebenaran tidak lagi diberikan. Perlu dicari, dibuktikan, dibenarkan, membandingkan pendapat yang berbeda, memperjelas sudut pandang yang berbeda. Inilah yang dilakukan para ensiklopedis di Perancis. Filsafat Jerman, khususnya metode dialektika Hegel, dibangun berdasarkan hal ini. Dan semangat era pencarian tercermin dalam musik.
Jadi, simfoni tersebut mengambil banyak hal dari pembukaan opera. Secara khusus, pembukaan menguraikan prinsip pergantian bagian-bagian kontras, yang dalam simfoni berubah menjadi bagian-bagian yang independen. Pada bagian pertamanya terdapat berbagai sisi, perbedaan perasaan seseorang, kehidupan dalam geraknya, perkembangannya, perubahannya, kontrasnya dan konfliknya. Pada bagian kedua terdapat refleksi, konsentrasi, dan terkadang lirik. Yang ketiga - relaksasi, hiburan. Dan terakhir, bagian akhir - gambaran kegembiraan, kegembiraan, dan sekaligus - hasil perkembangan musik, penyelesaian siklus simfoni.
Beginilah simfoni berkembang pada awal abad ke-19; hal ini, dalam istilah yang paling umum, akan terjadi, misalnya, pada Brahms atau Bruckner. Dan pada saat kelahirannya, dia rupanya meminjam berbagai gerakan dari suite tersebut.
Allemande, courante, sarabande dan gigue adalah empat tarian wajib, empat suasana berbeda yang dapat dengan mudah dilihat pada simfoni awal. Kualitas tarian di dalamnya terekspresikan dengan sangat jelas, terutama pada bagian final yang dari segi sifat melodi, tempo, bahkan besar kecilnya ketukan seringkali menyerupai gigue. Benar, terkadang akhir dari sebuah simfoni lebih mirip dengan akhir gemerlap opera buffa, namun kekerabatannya dengan tarian, misalnya tarantella, tidak dapat disangkal. Sedangkan untuk bagian ketiga disebut minuet. Hanya dalam karya Beethoven tarian - sopan santun atau kasar - akan digantikan oleh scherzo.
Simfoni yang baru lahir dengan demikian menyerap ciri-ciri dari banyak genre musik, dan genre yang lahir di berbagai negara. Dan pembentukan simfoni tidak hanya terjadi di Mannheim. Ada Sekolah Wina, yang diwakili khususnya oleh Wagenseil. Di Italia, Giovanni Battista Sammartini menulis karya orkestra, yang disebutnya simfoni dan dimaksudkan untuk pertunjukan konser yang tidak berhubungan dengan pertunjukan opera. Di Prancis, seorang komposer muda, kelahiran Belgia, François-Joseph Gossec, beralih ke genre baru. Simfoninya tidak mendapat tanggapan dan pengakuan, karena musik Prancis didominasi oleh program, tetapi karyanya berperan dalam pembentukan simfoni Prancis, dalam pembaruan dan perluasan orkestra simfoni. Komposer Ceko Frantisek Micha, yang pernah bertugas di Wina, banyak bereksperimen dan berhasil mencari bentuk simfoni. Rekan senegaranya yang terkenal, Josef Myslewicz, memiliki eksperimen menarik. Namun, semua komposer ini adalah penyendiri, tetapi di Mannheim seluruh sekolah dibentuk, yang juga memiliki "instrumen" kelas satu - orkestra terkenal. Berkat kebetulan yang membahagiakan bahwa Elector of the Saxon adalah seorang pencinta musik yang hebat dan memiliki cukup uang untuk membiayai pengeluaran yang besar, musisi-musisi besar dari berbagai negara berkumpul di ibu kota Saxon - Austria dan Ceko, Italia dan Prusia - masing-masing di antaranya memberikan kontribusi terhadap penciptaan genre baru. Dalam karya Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz dan master lainnya, simfoni muncul dalam fitur utamanya, yang kemudian diteruskan ke karya klasik Wina - Haydn, Mozart, Beethoven.
Jadi, selama setengah abad pertama keberadaan genre baru, muncul model struktural dan dramatis yang jelas yang dapat mengakomodasi konten yang beragam dan sangat signifikan. Model ini didasarkan pada bentuk yang disebut sonata, atau sonata allegro, karena paling sering ditulis pada tempo ini, dan kemudian menjadi ciri khas simfoni dan sonata instrumental serta konser. Keunikannya adalah penjajaran tema musik yang berbeda dan seringkali kontras. Tiga bagian utama bentuk sonata - eksposisi, pengembangan, dan reprise - menyerupai permulaan, perkembangan aksi, dan akhir sebuah drama klasik. Setelah pengenalan singkat atau segera di awal eksposisi, “karakter” lakon tersebut disajikan kepada penonton.
Tema musik yang pertama kali dibunyikan pada kunci utama suatu karya disebut tema utama. Lebih sering - tema utama, tetapi lebih tepat - bagian utama, karena di dalam bagian utama, yaitu segmen tertentu dari bentuk musik, disatukan oleh satu nada suara dan komunitas kiasan, seiring berjalannya waktu, bukan hanya satu, tetapi beberapa tema yang berbeda -melodi mulai muncul. Setelah batch utama, pada sampel awal dengan perbandingan langsung, dan pada sampel selanjutnya melalui batch penghubung kecil, batch sekunder dimulai. Temanya atau dua atau tiga tema berbeda kontras dengan tema utama. Seringkali, bagian sampingnya lebih liris, lembut, dan feminin. Kedengarannya berbeda dari kunci utama, kunci sekunder (karena itu nama bagiannya). Perasaan tidak stabil dan terkadang konflik muncul. Pameran diakhiri dengan bagian terakhir, yang tidak ada dalam simfoni awal atau hanya memainkan peran tambahan sebagai semacam titik, tirai setelah babak pertama drama tersebut, dan selanjutnya, dimulai dengan Mozart, memperoleh makna sebuah gambar ketiga yang independen, bersama dengan gambar utama dan sekunder.
Bagian tengah bentuk sonata adalah pengembangan. Sesuai dengan judulnya, di dalamnya tema-tema musikal yang dikenal oleh pendengar dalam pameran (yaitu dipamerkan sebelumnya) dikembangkan, dapat berubah, dan berkembang. Pada saat yang sama, mereka ditampilkan dari sisi baru, terkadang tidak terduga, dimodifikasi, dan motif individu diisolasi dari mereka - yang paling aktif, yang kemudian bertabrakan. Pembangunan adalah bagian yang sangat efektif. Pada akhirnya muncullah klimaks, yang mengarah ke pengulangan - bagian ketiga dari bentuk, semacam akhir dari drama.
Nama bagian ini berasal dari kata Perancis reprendre - memperbarui. Merupakan pembaharuan, pengulangan eksposisi, namun dimodifikasi: kedua bagian kini dibunyikan dalam kunci utama simfoni, seolah-olah diselaraskan dengan perkembangan peristiwa. Terkadang ada perubahan lain dalam sebuah reprise. Misalnya, dapat dipotong (tanpa ada tema yang dibunyikan dalam eksposisi), dicerminkan (pertama bagian samping dibunyikan, baru kemudian bagian utama). Bagian pertama dari simfoni biasanya diakhiri dengan coda - kesimpulan yang menetapkan kunci utama dan gambar utama sonata allegro. Pada simfoni awal, coda berukuran kecil dan, pada dasarnya, merupakan bagian akhir yang agak berkembang. Belakangan, misalnya, dalam karya Beethoven, hal itu memperoleh proporsi yang signifikan dan menjadi semacam perkembangan kedua, di mana penegasan sekali lagi dicapai melalui perjuangan.
Bentuk ini ternyata sangat universal. Sejak masa simfoni hingga saat ini, ia berhasil mewujudkan konten terdalam, menyampaikan kekayaan gambaran, ide, dan masalah yang tiada habisnya.
Bagian kedua dari simfoni itu lambat. Ini biasanya merupakan pusat liris dari siklus tersebut. Bentuknya bisa berbeda-beda. Paling sering terdiri dari tiga bagian, yaitu memiliki bagian luar yang serupa dan bagian tengah yang kontras, tetapi dapat juga ditulis dalam bentuk variasi atau bentuk lain, hingga sonata, yang secara struktural berbeda dari alegro pertama. hanya dalam tempo yang lebih lambat dan pengembangan yang kurang efektif.
Gerakan ketiga adalah minuet dalam simfoni awal, dan scherzo dari Beethoven hingga zaman modern, sebagai suatu peraturan, merupakan bentuk tiga bagian yang kompleks. Isi bagian ini telah dimodifikasi dan diperumit selama beberapa dekade, mulai dari tarian sehari-hari atau tarian istana hingga scherzos yang sangat kuat di abad ke-19 dan seterusnya, hingga gambaran kejahatan dan kekerasan yang mengancam dalam siklus simfoni Shostakovich, Honegger, dan simfoni lainnya. abad ke-20. Mulai paruh kedua abad ke-19, scherzo semakin berpindah tempat dengan gerakan lambat, yang sesuai dengan konsep baru simfoni, menjadi semacam reaksi spiritual tidak hanya terhadap peristiwa bagian pertama, tetapi juga ke dunia kiasan scherzo (khususnya, dalam simfoni Mahler).
Bagian akhir yang merupakan hasil siklus pada simfoni awal sering kali ditulis dalam bentuk rondo sonata. Pergantian episode-episode ceria yang berkilauan dengan kegembiraan dengan pengulangan tarian yang konstan - struktur seperti itu secara alami mengikuti sifat gambar akhir, dari semantiknya. Seiring berjalannya waktu, seiring dengan semakin mendalamnya permasalahan simfoni, pola struktur penutupnya mulai berubah. Final mulai muncul dalam bentuk sonata, dalam bentuk variasi, dalam bentuk bebas, dan terakhir dengan ciri oratorio (dengan dimasukkannya paduan suara). Gambarannya juga telah berubah: tidak hanya penegasan kehidupan, tetapi terkadang juga hasil yang tragis (Simfoni Keenam Tchaikovsky), rekonsiliasi dengan kenyataan kejam atau pelariannya ke dunia mimpi, ilusi telah menjadi isi akhir dari siklus simfoni di seratus tahun terakhir.
Tapi mari kita kembali ke awal jalan kejayaan genre ini. Muncul pada pertengahan abad ke-18, ia mencapai penyelesaian klasik dalam karya Haydn yang agung.