Konser sebagai genre musik

Konser (dari lat. – kompetisi)- genre musik yang didasarkan pada pertentangan yang kontras dari bagian-bagian seorang solois, beberapa solois, dan sebagian kecil pemain terhadap keseluruhan ansambel.

Ada konser untuk satu atau lebih instrumen dengan orkestra, untuk orkestra, dan untuk paduan suara tanpa pendamping. Pekerjaan disebut"konser", pertama kali muncul di akhirabad ke-16. Di Italia. Biasanya, ini adalah karya polifonik vokal, tetapi instrumen juga dapat berpartisipasi dalam penampilannya. DI DALAMXVIIV. konser adalah karya vokal untuk suara yang diiringi dengan iringan instrumental. Di Rusia diXVII-XVIIIberabad-abad jenis konser khusus dibentuk -karya paduan suara polifonik tanpa iringan .

Prinsip “kompetisi” lambat laun merambah ke musik instrumental murni. Penjajaran seluruh ansambel (tutti) dengan beberapa instrumen (solo) menjadi dasar dari konser grosso - sebuah genre yang tersebar luas di era Barok (contoh puncak dari konser grosso adalah milikA.Corelli, A.Vivaldi, J.S.Bach, G.F.Handel).

Pada era Barok, jenis konser solo untuk alat musik clavier, biola, dan instrumen lainnya juga berkembang dengan diiringi orkestra. Dalam kreativitasW.A.Mozart, L.Beethovenjenis konser instrumental untuk instrumen solo/umum dengan orkestra mendapat perwujudan klasiknya. Pada gerakan pertama, tema-tema dibawakan terlebih dahulu oleh orkestra, kemudian oleh solois dan orkestra; sesaat sebelum akhir gerakan pertama, cadenza muncul - improvisasi bebas oleh solois. Tempo gerakan pertama biasanya lincah. Bagian kedua lambat. Musiknya mengungkapkan pemikiran dan kontemplasi yang luhur. Bagian ketiga - bagian akhir - cepat, ceria, sering dikaitkan dengan sumber bergenre folk. Ini adalah berapa banyak konser yang dibangun,diciptakan oleh komposerXIX-XXberabad-abad

Misalnya, P. I. Tchaikovsky dalam karyanya yang terkenalkonser pertamauntuk piano dan orkestra menggunakan bentuk siklus tiga bagian.Di bagian pertamagambar menyedihkan dan liris-dramatis digabungkan. Komposer mendasarkan tema utamanya pada melodi para pemain kecapi (penyanyi tunanetra yang mengiringi dirinya sendiri dengan kecapi). Bagian kedua bersifat liris. Yang ketiga, Tchaikovsky menciptakan kembali gambaran kegembiraan yang meriah, menggunakan lagu rakyat Ukraina-vesnyanka.

Perkembangan konser instrumental dalam karya-karya komposer romantis berjalan ke dua arah: di satu sisi, konser dalam skala dan gambaran musiknya mendekati simfoni (misalnya, dalam I. Brahms), di sisi lain, prinsip virtuoso murni diintensifkan (dalam konser biola N. . Paganini).

Dalam musik klasik Rusia, genre konser instrumental menerima interpretasi yang unik dan sangat nasional dalam konser piano Tchaikovsky danS.V. Rachmaninov, dalam konser biola A.K. Glazunov dan P.I. Tchaikovsky.

Bentuk instrumental dari konser dapat dianggap sebagai kontribusi asli Barok, yang mewujudkan cita-cita estetika suatu zaman yang ditandai dengan perubahan mendadak, kegelisahan dan antisipasi yang menegangkan. Konser adalah sejenis permainan musik cahaya dan bayangan, sejenis konstruksi di mana setiap bagian komponennya bertentangan dengan bagian lainnya. Dengan munculnya konser, lahirlah kecenderungan ke arah pengisahan cerita musikal, menuju perkembangan melodi sebagai salah satu bahasa yang mampu menyampaikan kedalaman perasaan manusia. Sebenarnya, etimologi kata “concertare” berasal dari kata “bersaing”, “bertarung”, meskipun pengertian makna bentuk musik ini juga dihubungkan dengan “consertus” atau “conserere” yang artinya “ untuk menyelaraskan”, “menertibkan”, “menyatukan”. Makna etimologisnya sangat sesuai dengan tujuan para komposer, yang, melalui bentuk baru, berkontribusi pada kemajuan luar biasa bahasa musik pada zaman itu.

Sejarawan menganggap kelahiran grosso konser instrumental terjadi pada tahun 70-an abad ke-17, dan asal-usulnya dapat ditelusuri kembali ke konserto instrumental vokal dan organ dan orkestra canzone abad ke-16-17, yang dalam banyak hal dekat dengannya, atau dengan ansambel sonata yang berkembang pada abad ke-17. Genre ini, bersama dengan opera, mewujudkan ciri utama gaya musik baru - Barok.

L. Viadana, dalam kata pengantar kumpulan konsernya (Frankfurt, 1613), menekankan bahwa melodi dalam konser terdengar jauh lebih jelas daripada di motet, kata-katanya tidak dikaburkan oleh tandingan, dan harmoni, didukung oleh bass umum organ, jauh lebih kaya dan penuh. Faktanya, fenomena yang sama dijelaskan pada tahun 1558 oleh G. Zarlino: “Kebetulan beberapa mazmur ditulis dengan cara choros pezzato (menyiratkan penampilan oleh “paduan suara yang terpecah dan terkoyak” - N. 3.). sering dinyanyikan di Venesia selama kebaktian malam dan pada jam-jam khusyuk lainnya dan ditempatkan atau dibagi menjadi dua atau tiga paduan suara, dengan masing-masing empat suara.

Paduan suara bernyanyi secara bergantian dan terkadang bersama-sama, yang sangat bagus di bagian akhir. Dan karena paduan suara tersebut letaknya cukup jauh satu sama lain, maka komposer, untuk menghindari disonansi antar suara individu, harus menulis sedemikian rupa sehingga setiap paduan suara secara terpisah terdengar bagus... Bass dari paduan suara yang berbeda harus selalu bergerak serempak atau satu oktaf, kadang-kadang sepertiga, tetapi tidak pernah seperlima." Pergerakan bass berbagai paduan suara secara serempak menunjukkan pembentukan homofoni secara bertahap. Secara paralel, peniruan terus-menerus dari polifoni lama digantikan oleh prinsip gema dinamis , terkait dengannya, tetapi sudah mengarah ke era baru - salah satu prinsip pembentukan non-polifonik pertama.

Namun, imitasi juga terus memainkan peran penting dalam perkembangan musik - seringkali berbentuk stretta, seperti pada gaya lama. Dasar-dasar bentuk yang akan menjadi ciri khas konser grosso masa depan terlihat jelas. Eksposisi ganda akan sangat umum dalam konser berdasarkan tema tari, dan meskipun di Corelli eksposisi pertama biasanya solo, pada konser selanjutnya pembukaan tutti lebih populer. Secara umum, eksposur ganda adalah hal yang wajar untuk konser grosso: lagipula, pendengar perlu membayangkan kedua massa suara tersebut sejak awal. Cara pengembangan yang paling sederhana sudah jelas - panggilan dua massa. Dan hasil dari “perselisihan konser” harus diringkas dalam tutti terakhir: demikian pula dengan Pretorius, demikian pula dengan Bach, Handel, Vivaldi. Contoh dari Misa Benevoli mengantisipasi bentuk konser, atau ritornello, yang mendominasi musik pada paruh pertama abad ke-18. Masih belum ada konsensus mengenai asal usul bentuk ini.

Penemunya X. Riemann mengaitkannya dengan fugue dan menyamakan ritornello dengan sebuah tema, dan pengembangan solo dengan selingan. Sebaliknya, Schering, mengutip kesaksian A. Scheibe (1747), mempermasalahkan hubungan bentuk konser dengan fugue dan langsung menurunkannya dari aria dengan ritornello. A. Hutchings, pada gilirannya, tidak setuju dengan ini: ia menganggap sumber bentuk ini adalah sonata untuk orkestra terompet dan gesek, yang ada di Bologna pada akhir abad ke-17 dan, menurut pendapatnya, memiliki dampak langsung. pada resital. Hutchings menekankan bahwa hanya setelah distribusi konser barulah aria opera dengan ritornello memperoleh bentuk akhirnya.

Hanya satu hal yang tidak dapat disangkal: pada paruh pertama abad ke-18, bentuk konser ditemukan di hampir semua genre, dan bukan suatu kebetulan jika para peneliti menganggapnya sebagai bentuk utama pada masanya (seperti bentuk sonata pada paruh kedua abad ke-18). abad ke-18). Menjadi “formasi independen antara monotematik dan dualisme tematik klasik”, bentuk konser memberikan kesatuan tematik dan tingkat kontras yang diperlukan, dan juga memberikan kesempatan kepada pemain untuk menunjukkan keahliannya dalam bagian solo. Namun, dengan segala kebaruannya, sampel yang dianalisis langsung mengikuti musik abad ke-16, terutama dari canzone - nenek moyang dari hampir semua genre instrumental selanjutnya. Di canzone instrumental (canzonada sonar) siklus sonata masa depan lahir, bentuk-bentuk seperti fugue atau reprise tipe bingkai tiga bagian mulai mengkristal (banyak canzone diakhiri dengan tema awal); Canzones adalah karya instrumental pertama yang diterbitkan dan, akhirnya, di sini untuk pertama kalinya kelompok orkestra murni mulai dibandingkan, tanpa partisipasi suara.

Diyakini bahwa langkah menuju konser grosso baru ini dilakukan oleh G. Gabrieli, organis Katedral St. Markus di Venesia (dari tahun 1584 hingga 1612). Lambat laun, dalam canzones dan sonata-nya, tidak hanya jumlah instrumen dan paduan suara yang bertambah, tetapi juga muncul kontras tematik: misalnya, akord tutti yang khusyuk dikontraskan dengan konstruksi tiruan salah satu paduan suara. Dalam kontras inilah banyak bentuk Barok awal dan tengah akan dibangun: seluruh siklus instrumental akan tumbuh darinya, dan di beberapa bagian kontras seperti itu, ciri khas canzone, akan bertahan hingga era Corelli dan bahkan setelahnya.

Melalui canzone, teknik pembentukan bentuk yang menjadi ciri motet - merangkai episode-episode dengan tema yang berbeda - merambah ke dalam musik instrumental Barok.

Secara umum, melodi Barok - baik itu "mosaik" canzone dan sonata awal, atau "melodi tak berujung" Bach dan orang-orang sezamannya - selalu bersifat kemajuan dari dorongan tertentu. Energi impuls yang berbeda menentukan durasi perkembangan yang berbeda, tetapi ketika inersia habis, irama harus dimulai, seperti yang terjadi pada canzone abad ke-17 atau dalam miniatur polifonik Barok dewasa. B.V. Asafiev merefleksikan pola ini dalam rumus terkenal i:m:t. Penyebaran konser mengatasi isolasi formula ini, memikirkan kembali irama, mengubahnya menjadi dorongan penyebaran baru atau menundanya tanpa henti dengan bantuan impuls dan modulasi lokal yang semakin baru pada tingkat struktur motivasi (modulasi struktural - istilah A. Milka ).

Lebih jarang, kontras mendadak digunakan, yang mentransfer perkembangan ke bidang lain. Dengan demikian, dalam sonata Marini, “teknik transisi bertahap” yang menjadi ciri khas Barok mulai terbentuk: perkembangan selanjutnya langsung mengikuti perkembangan sebelumnya, meskipun mengandung unsur-unsur yang kontras. Sebagai warisan musik Renaisans, Barok awal juga mewarisi prinsip pembentukan bentuk lainnya: ketergantungan pada formula ritme dan intonasi tarian populer yang ditetapkan dalam musik Renaisans sehari-hari.

Disebutkan juga tentang sonata "ruang" dan "gereja". Menurut sejarawan, kedua genre tersebut akhirnya terbentuk pada paruh kedua abad ke-17, ketika Legrenzi berkarya. Nama-nama genre tersebut dikaitkan dengan teori “gaya” (selanjutnya istilah “gaya” dalam pengertian abad ke-18 diberikan dalam tanda petik), yang selanjutnya merupakan bagian dari estetika “rasionalisme retoris. ” Umum untuk semua seni Barok. (Istilah ini diusulkan oleh A. Morozov dalam artikel “Masalah Barok Eropa”).

Retorika berkembang dalam praktik pidato Yunani Kuno dan dituangkan dalam risalah Aristoteles dan kemudian Cicero. Tempat penting dalam retorika diberikan, pertama, pada “locitopici” - “tempat umum” yang membantu pembicara menemukan, mengembangkan topik dan menyajikannya dengan jelas dan meyakinkan, instruktif, menyenangkan dan menyentuh, dan, kedua, pada “teori gaya ”, yang menurutnya sifat tuturan berubah tergantung pada tempat, subjek, komposisi penonton, dll. Bagi musisi barok, locitopici menjadi seperangkat sarana ekspresif seni mereka, cara untuk mengobjektifikasi perasaan individu sebagai sesuatu yang terkenal. dan khas. Dan kategori “gaya” membantu memahami keragaman genre dan bentuk zaman modern, memperkenalkan kriteria historisisme ke dalam estetika musik (seringkali dengan kedok kata “fashion”), menjelaskan perbedaan antara musik dari berbagai negara, menyoroti ciri-ciri individu dalam karya komposer terbesar pada masa itu, dan mencerminkan pembentukan sekolah pertunjukan.

Pada akhir abad ke-17, istilah sonata da camera, dachiesa tidak hanya berarti tempat pertunjukan, tetapi juga sifat siklusnya, yang dicatat pada tahun 1703 oleh de Brossard, penulis salah satu musikal pertama. kamus. Empat puluh delapan siklus Corelli, digabungkan menjadi empat karya, sebagian besar sesuai dengan deskripsi Brossard: op. 1 dan 3 - sonata gereja, op. 2 dan 4 - ruang.<...>Prinsip dasar konstruksi untuk kedua jenis siklus adalah tempo dan seringkali kontras metrik. Namun, dalam sonata gereja, bagian lambat biasanya kurang independen: berfungsi sebagai perkenalan dan penghubung ke bagian cepat, sehingga rencana nadanya sering kali terbuka.

Bagian lambat ini hanya terdiri dari beberapa bar atau pendekatan arioso instrumental, dibangun di atas denyut akord piano yang terus menerus, dengan penundaan atau peniruan yang ekspresif, kadang-kadang bahkan mencakup beberapa bagian independen, dipisahkan oleh caesura. Bagian cepat dari sonata gereja biasanya berupa fugue atau formasi konser yang lebih bebas dengan unsur imitasi, kemudian Allegro tersebut dapat menggabungkan bentuk fugue dan konser. Dalam sonata kamar, seperti dalam rangkaian orkestra atau clavier, bagian-bagiannya sebagian besar tertutup secara nada dan lengkap secara struktural; dalam bentuknya, perkembangan lebih lanjut dari struktur dasar dua dan tiga bagian dapat ditelusuri.

Tema lonceng, dan khususnya sarabands dan gavottes, biasanya homofonik, seringkali simetris; dasar-dasar bentuk sonata terlihat jelas. Sebaliknya, allemandes dan gigues sering kali bergerak tanpa henti atau berulang; elemen polifonik adalah hal yang umum di allemandes; Sonata dachiesa dan dacamera tidak dihubungkan oleh skema komposisi yang ketat.

Semua konser kamar dimulai dengan pendahuluan, diikuti dengan tarian, hanya kadang-kadang “diganti” dengan perkenalan lambat atau konser Allegro. Konser gereja lebih khusyuk dan serius, tetapi irama gigue, gavotte, atau minuet sesekali terdengar dalam temanya. Kebingungan yang cukup besar dalam pembagian genre pada awal abad ke-18 disebabkan oleh apa yang disebut konser kamar, yang tidak memiliki kesamaan dengan sonata dacamera yang mirip suite dan, menurut para peneliti, tidak berasal dari musik kamar, tetapi dari musik gereja. dari sekolah Bologna.

Kita berbicara tentang kontemporer dan "kembaran" dari apa yang disebut pembukaan Italia - konser tiga bagian oleh Torelli, Albinoni dan Vivaldi, deskripsi buku teks yang diserahkan kepada kita oleh I.-I. Kuantz. Bagian pertama dari “konser ruang” biasanya disusun dalam empat ketukan, dalam bentuk konser; ritornello-nya seharusnya dibedakan dari kemegahan dan kekayaan polifoniknya; di masa depan, diperlukan kontras yang konstan antara episode yang brilian dan heroik dengan episode liris. Bagian kedua, bagian lambat dimaksudkan untuk menggairahkan dan menenangkan nafsu, kontras dengan yang pertama dalam meteran dan kunci (anak di bawah umur dengan nama yang sama, kunci tingkat kekerabatan pertama, minor dominan dalam mayor) dan memungkinkan sejumlah tertentu dekorasi di bagian solois, yang menjadi subordinasi semua suara lainnya.

Terakhir, gerakan ketiga sekali lagi cepat, tetapi sama sekali berbeda dari gerakan pertama: gerakan ini tidak terlalu serius, sering kali seperti tarian, dalam meteran tiga ketukan; ritornello-nya pendek dan penuh semangat, tetapi bukannya tanpa sifat genit, karakter umumnya lincah dan menyenangkan; Alih-alih pengembangan polifonik padat pada gerakan pertama, yang ada adalah iringan homofonik ringan. Quantz bahkan menyebutkan durasi optimal konser semacam itu: bagian pertama 5 menit, bagian kedua 5-6 menit, bagian ketiga 3-4 menit. Dari semua siklus dalam musik Barok, siklus tiga bagian adalah bentuk yang paling stabil dan tertutup secara kiasan. Namun, bahkan “bapak” bentuk ini, Vivaldi, sering kali memvariasikan tipe genre dari masing-masing bagian. Jadi, misalnya, dalam konser dua tanduk “Dresden” di A mayor (dalam kumpulan karya Vivaldi yang diedit oleh F. Malipiero - volume XII, no. 48), ia membuka bagian pertama dari siklus tiga bagian, menambahkan bingkai lambat ke Allegro dalam karakter pembukaan Prancis. Dan dalam Konserto Kedelapan dari Volume XI koleksi Malipiero, gerakan ketiga, tidak seperti deskripsi Quantz, adalah sebuah fugue.

Bach terkadang bertindak dengan cara yang sama: dalam Brandenburg Concerto No. 2, bentuk siklus “dimodulasi” dari tiga bagian menjadi empat bagian, gereja, ditutup dengan fugue. Seringkali, bagian-bagian yang dipinjam dari suite, sonata gereja, atau pembukaan opera ditambahkan ke siklus tiga bagian. Dalam Brandenburg Concerto No. 1 itu adalah minuet dan polonaise. Dan dalam Violin Concerto di F mayor oleh G. F. Telemann, bentuk ritornello dari gerakan pertama diikuti oleh kelanjutan suite yang khas: Corsicana, allegrezza (“gaiety”), scherzo, rondo, polonaise dan minuet. Modulasi pada tingkat siklus dilakukan melalui tautan umum - Corsicana: dalam 3/2 waktunya, Unpocograve, tetapi dengan keanehan melodi dan sudutnya, ia menjauhi jenis genre tradisional dari bagian lambat dari konser. Dengan demikian, kita dapat melihat semakin pentingnya “improvisasi”.

Sementara itu, Quantz, seperti ahli teori lain pada masa itu, menganggap salah satu ciri terpenting dari konser grosso adalah “campuran imitasi yang cerdik dalam suara konser”, sehingga telinga akan tertarik pada satu instrumen atau lainnya, tetapi pada saat yang sama. waktu semua solois akan tetap sama. Akibatnya, pada masa Corelli, konser grosso sudah terkena pengaruh saudara-saudaranya - konser solo dan rippie (tanpa solois). Pada gilirannya, dalam resital, solois tambahan dari orkestra kadang-kadang disorot, misalnya di bagian pertama konser “Spring” op. 8 Vivaldi di episode pertama yang menggambarkan kicau burung, biola solo digabungkan dengan dua biola lagi dari orkestra, dan di akhir konser, biola solo kedua diperkenalkan tanpa maksud bergambar - untuk memperkaya tekstur.

Genre ini dicirikan oleh campuran berbagai instrumen konser, berjumlah dua hingga delapan atau bahkan lebih. Rekan senegaranya Quantz, Matteson, menganggap jumlah bagian dalam konser grosso berlebihan dan menyamakan konser semacam itu dengan sebuah meja yang diatur bukan untuk memuaskan rasa lapar, tetapi demi kemegahan dan kesan. “Semua orang bisa menebak,” tambah Matteson sambil berpikir, “bahwa dalam perselisihan antar instrumen… tidak ada kekurangan gambaran kecemburuan dan dendam, pura-pura iri dan benci.” Baik Quantz dan Matteson berasal dari tradisi konsertogrosso Jerman. Schering mengaitkan kecintaan orang Jerman terhadap komposisi campuran dalam genre ini dengan tradisi memainkan alat musik tiup: di Jerman abad pertengahan ada serikat Stadtpfeifer (musisi kota) yang bermain di gereja, di upacara, di pesta pernikahan, dan juga memberikan berbagai sinyal. dari benteng atau menara balai kota.

Konsert tiup, menurut Schering, muncul sangat awal, hampir bersamaan dengan senar. Modelnya yang paling populer juga merupakan trio dua obo dan bassoon serempak "bass". Terkadang obo digantikan oleh seruling. Meluasnya penggunaan komposisi semacam itu (segera juga akan ada dua terompet dengan “bass” timpani) tidak hanya disebabkan oleh keunggulan akustik dan kemiripannya dengan trio string, tetapi juga karena otoritas Lully, yang pada tahun 70-an abad ke-17 memindahkannya dari band militer Prancis ke opera. Penjajaran tiga dan lima suara—murni dinamis, bukan timbre—mengatur dan mengartikulasikan bentuknya dengan sangat baik. Sebenarnya, ini merupakan pengembangan lebih lanjut dari teknik konser multichoral lama.

Mengikuti contoh Lully, Georg Muffat akan menggunakan gema massa tertutup di bagian pengembangan konsertigrossinya; teknik ini tidak akan diabaikan oleh Corelli dan para pengikutnya. Namun, pada abad ke-18, Vivaldi “membuang pemahaman lama tentang konsertino, yang membutuhkan kesatuan gaya dari kedua materi suara, dan mengedepankan pemahaman baru, penuh warna dan terprogram, yang ditentukan oleh semangat zaman itu sendiri dikenal oleh komposer opera Venesia. Torelli dan Corelli secara bertahap mengembangkannya dalam konser pastoral mereka, Vivaldi menggabungkannya dengan puisi konser solo." Seperti yang sering terjadi dalam sejarah musik, interpretasi terprogram orkestra yang penuh warna masuk ke dalam gaya simfoni dari gaya teatrikal. Pada gilirannya, banyak pembukaan opera, oratorio, dan kantata pada awal abad ke-18 berubah menjadi siklus konser grosso. Salah satu "tawaran Italia" pertama - ke opera "Eraclea" (1700) oleh A. Scarlatti - siklus "Vivaldi" tiga bagian.

Prinsip penjajaran massa suara adalah salah satu prinsip dasar orkestra Barok, dan bukan tanpa alasan bentuk ritornello, berdasarkan penjajaran ini, sangat cocok dengan semua genre. Pengaruhnya dapat ditelusuri kembali ke simfoni klasik awal (penjernihan tekstur di bagian sekunder, invasi tutti - “ritornellos”, dll.), dalam opera Gluck, Rameau, dan Graun bersaudara. Dan simfoni untuk dua orkestra, yang di dalamnya ditambahkan perbandingan konsertini yang diisolasi dari mereka, ditulis di Italia pada paruh kedua abad ke-18; dalam musik sehari-hari dan program, polikoran terkadang digunakan oleh Haydn dan Mozart.

Jerman Konzert, dari bahasa Italia. konser - konser, menyala. - kompetisi (suara), dari lat. konsert - bersaing

Sebuah karya untuk banyak pemain, di mana sebagian kecil dari instrumen atau suara yang berpartisipasi menentang mayoritas atau keseluruhan ansambel, menonjol karena fitur tematiknya. bantuan musik. materi, suara warna-warni, penggunaan seluruh kemampuan instrumen atau suara. Sejak akhir abad ke-18. Yang paling umum adalah konser untuk satu instrumen solo dengan orkestra; yang lebih jarang adalah konser untuk beberapa instrumen dengan orkestra - "double", "triple", "quadruple" (Jerman: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Variasi khusus mencakup musik untuk satu instrumen (tanpa orkestra), musik untuk orkestra (tanpa bagian solo yang ditentukan secara ketat), musik untuk suara dengan orkestra, dan musik untuk paduan suara akapela. Di masa lalu, musik polifonik vokal banyak diwakili. K. dan konser grosso. Prasyarat penting bagi munculnya musik adalah polikorani dan penjajaran paduan suara, solois, dan instrumen, yang pertama kali digunakan secara luas oleh perwakilan sekolah Venesia, yang menonjol dalam instrumen vokal. komposisi bagian solo suara dan instrumen. Katedral paling awal muncul di Italia pada pergantian abad ke-16 dan ke-17. di dalam wajan. gereja polifonik musik (Concerti ecclesiastici untuk paduan suara ganda oleh A. Banchieri, 1595; Motets untuk nyanyian suara 1-4 dengan bass digital “Cento Concerti ecclesiastici” oleh L. Viadana, 1602-11). Dalam konser semacam itu berbagai jenis digunakan. komposisi - dari yang besar, termasuk banyak. wajan dan inst. pesta yang jumlahnya hanya beberapa wajan. bagian dan bagian bass umum. Selain nama konser, komposisi sejenis sering kali diberi nama motetti, motectae, cantios sacrae, dll. Tahap tertinggi perkembangan musik gereja. K. polifonik gaya mewakili yang muncul di babak pertama. abad ke-18 kantata oleh J. S. Bach, yang dia sendiri sebut sebagai konser.

Genre K telah diterapkan secara luas dalam bahasa Rusia. gereja musik (dari akhir abad ke-17) - dalam karya polifonik untuk paduan suara cappella, terkait dengan bidang nyanyian partes. Teori “penciptaan” K. tersebut dikembangkan oleh N. P. Diletsky. Rusia. Komposer telah banyak mengembangkan teknik polifonik musik gereja (bekerja dengan 4, 6, 8, 12 suara atau lebih, hingga 24 suara). Di perpustakaan Paduan Suara Sinode di Moskow terdapat hingga 500 lagu dari abad ke-17 dan ke-18, yang ditulis oleh V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin dan lain-lain abad ke-18. M. S. Berezovsky dan D. S. Bortnyansky, yang karyanya didominasi oleh gaya melodi-ariotik.

Pada abad ke-17, awalnya di Italia, prinsip “kompetisi”, “kompetisi” beberapa suara solo (“konser”) merambah ke dalam instrumen. musik - di kamar suite dan gereja. sonata, mempersiapkan munculnya genre musik instrumental (Balletto Concertata P. Melli, 1616; Sonata Concertata D. Castello, 1629). Penjajaran yang kontras (“kompetisi”) antara orkestra (tutti) dan solois (solo) atau sekelompok instrumen solo dan orkestra (in Concerto grosso) didasarkan pada kontras yang muncul pada akhir abad ke-17. contoh pertama instrumental K. (Concerti da kamera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da kamera a 2 biola e Basso continuo G. Torelli, 1686). Namun konserto Bononcini dan Torelli hanyalah bentuk peralihan dari sonata ke K., yang sebenarnya terbentuk pada babak pertama. abad ke-18 dalam karya A. Vivaldi. K. kali ini merupakan komposisi tiga bagian dengan dua bagian luar yang cepat dan bagian tengah yang lambat. Bagian cepat biasanya didasarkan pada satu topik (lebih jarang pada 2 topik); Tema ini dibawakan dalam orkestra dalam bentuk yang tidak berubah sebagai refrain-ritornello (allegro monotematik tipe rondal). Vivaldi menciptakan konser grossi dan solo K. - untuk biola, cello, viol damour, berbagai minuman beralkohol. peralatan. Bagian dari instrumen solo dalam konser solo pada awalnya melakukan fungsi-fungsi penghubung, tetapi seiring berkembangnya genre, ia memperoleh karakter konser dan karakter tematik yang semakin jelas diungkapkan. kemerdekaan. Perkembangan musik dibangun di atas pertentangan antara tutti dan solo, yang kontrasnya ditonjolkan oleh dinamika. cara. Tekstur figuratif gerakan halus dari tipe homofonik atau polifonik murni mendominasi. Konser solois biasanya bersifat ornamen virtuositas. Bagian tengahnya ditulis dengan gaya aria (biasanya aria menyedihkan dari solois dengan latar belakang iringan akord orkestra). K. menerima tipe ini di babak pertama. abad ke-18 distribusi umum. Komposisi keyboard yang dibuat oleh J. S. Bach juga termasuk dalam kelompok ini (beberapa di antaranya mewakili adaptasi dari konser biola miliknya sendiri dan konser biola Vivaldi untuk clavier ke-1, ke-2, dan ke-4). Karya-karya J. S. Bach, serta K. untuk clavier dan orkestra oleh G. F. Handel, meletakkan dasar bagi pengembangan php. konser. Handel juga pendiri musik organ. Sebagai instrumen solo, selain biola dan clavier, cello, viol damour, oboe (yang sering digunakan sebagai pengganti biola), terompet, bassoon, seruling melintang, dll. digunakan sebagai instrumen solo.

Di babak ke-2. abad ke-18 sebuah klasik terbentuk. sejenis musik instrumental solo, yang dengan jelas mengkristal di antara musik klasik Wina.

Di K. bentuk sonata-simfoni didirikan. siklus, tetapi dalam pembiasan yang aneh. Siklus konser, biasanya, hanya terdiri dari 3 bagian; tidak ada bagian ke-3 dari siklus empat bagian yang lengkap, yaitu minuet atau (kemudian) scherzo (scherzo yang terakhir kadang-kadang dimasukkan dalam K. - sebagai ganti dari bagian yang lambat, seperti, misalnya, dalam K. pertama untuk biola dan orkestra oleh Prokofiev, atau sebagai bagian dari siklus empat bagian lengkap, seperti, misalnya, dalam konser untuk piano dan orkestra oleh A. Litolf, I. Brahms, di K. pertama untuk biola dan orkestra. Fitur-fitur tertentu juga ditetapkan dalam konstruksi masing-masing bagian K. Pada bagian pertama, prinsip paparan ganda digunakan - pertama, tema bagian utama dan sekunder dibunyikan dalam orkestra di bagian utama. nada suara, dan baru setelah itu pada eksposisi ke-2 disajikan peran utama solois - tema utama dalam dasar yang sama. kuncinya, dan kunci sekundernya ada di kunci yang berbeda, sesuai dengan skema sonata allegro. Perbandingan dan persaingan antara solois dan orkestra terjadi terutama dalam pengembangan. Dibandingkan dengan masa pra-klasik sampel, prinsip konsertisasi telah berubah secara signifikan, dan menjadi lebih erat kaitannya dengan tema tematik. perkembangan. Di K., solois memberikan improvisasi pada tema komposisi, yang disebut. iramanya terletak pada transisi ke coda. Di Mozart, tekstur K., meski tetap dominan figuratif, bersifat melodis, transparan, dan plastis; di Beethoven, teksturnya dipenuhi ketegangan sesuai dengan dramatisasi gaya secara umum. Baik Mozart maupun Beethoven menghindari klise apa pun dalam konstruksi adegan mereka, sering kali menyimpang dari prinsip pemaparan ganda yang dijelaskan di atas. Konserto Mozart dan Beethoven mewakili puncak tertinggi perkembangan genre ini.

Di era romantisme terjadi penyimpangan dari era klasik. hubungan bagian-bagian dalam K. Kaum Romantis menciptakan satu bagian K. dari dua jenis: bentuk kecil - yang disebut. konsertük (kemudian disebut konsertino), dan bentuknya yang besar, strukturnya sesuai dengan puisi simfoni, dalam satu gerakan yang mewujudkan ciri-ciri siklus simfoni sonata empat bagian. Secara klasik K. intonasi dan tematik. hubungan antar bagian, sebagai suatu peraturan, tidak ada dalam romantisme. K. monothematisme, hubungan motif utama, dan prinsip “pembangunan ujung ke ujung” menjadi sangat penting. Contoh nyata romantisme. puisi satu bagian karya K. diciptakan oleh F. Liszt. Romantis mengklaim babak pertama. abad ke-19 mengembangkan jenis keahlian warna-warni dan dekoratif khusus, yang menjadi ciri gaya seluruh gerakan romantisme (N. Paganini, F. Liszt, dll.).

Setelah Beethoven, dua jenis (dua jenis) musik muncul - "virtuoso" dan "simfonisasi". Dalam virtuoso K. instr. keahlian dan konsertisasi menjadi dasar bagi perkembangan musik; Bukan tematik yang mengemuka. pengembangan, dan prinsip kontras antara cantilena dan keterampilan motorik, decl. jenis tekstur, warna nada, dll. Dalam bentuk jamak virtuoso K. tematik. perkembangannya sama sekali tidak ada (konserto Viotti untuk biola, konserto Romberg untuk cello) atau menempati posisi bawahan (gerakan pertama dari konser Paganini ke-1 untuk biola dan orkestra). Dalam K. yang disimfonkan, perkembangan musik didasarkan pada simfoni. dramaturgi, prinsip tematik. pengembangan, berdasarkan kontras antara figuratif dan tematik. bola Implementasi simfoni dramaturgi dalam K. ditentukan oleh kesesuaiannya dengan simfoni dalam arti kiasan, artistik, ideologis (konserto J. Brahms). Kedua jenis K. berbeda dalam dramaturginya. fungsi dasar komponen: musik virtuoso dicirikan oleh hegemoni penuh dari solois dan peran bawahan (pendamping) orkestra; untuk K. yang disimfonkan - dramatis. aktivitas orkestra (pengembangan materi tematik dilakukan bersama-sama oleh solois dan orkestra), sehingga menghasilkan kesetaraan relatif antara solois dan orkestra. Dalam simfoni K., kebajikan menjadi sarana drama. perkembangan. Simfonisasinya bahkan mencakup elemen virtuoso khusus dari genre tersebut seperti cadenza. Jika dalam virtuoso K. cadenza dimaksudkan untuk menunjukkan keterampilan teknis. penguasaan solois, dalam simfoni dia terlibat dalam perkembangan musik secara umum. Sejak zaman Beethoven, para komposer sendiri mulai menulis cadenza; di fps ke-5. Konser Beethoven, cadenza menjadi organik. bagian dari bentuk karya.

Perbedaan yang jelas antara musik virtuoso dan musik simfoni tidak selalu memungkinkan. Tipe K telah tersebar luas, di mana konser dan simfoni muncul dalam kesatuan yang erat. Misalnya, dalam konser simfoni F. Liszt, P. I. Tchaikovsky, A. K. Glazunov, S. V. Rachmaninov. Dramaturgi dipadukan dengan karakter virtuoso brilian dari bagian solo. Pada abad ke-20 dominasi pertunjukan konser virtuoso merupakan ciri khas konser S. S. Prokofiev, B. Bartok, dominasi simfoni. kualitas diamati, misalnya, dalam konser biola pertama Shostakovich.

Memiliki pengaruh yang signifikan terhadap K., simfoni tersebut selanjutnya dipengaruhi oleh K. Pada akhir abad ke-19. berbagai simfoni "konser" khusus muncul, diwakili oleh prod. R. Strauss ("Don Quixote"), N. A. Rimsky-Korsakov ("Capriccio Spanyol"). Pada abad ke-20 Cukup banyak konser untuk orkestra yang didasarkan pada prinsip konser (misalnya, dalam musik Soviet - oleh komposer Azerbaijan S. Gadzhibekov, komposer Estonia J. Rääts, dll.).

Praktis K. diciptakan untuk seluruh Eropa. instrumen - fp., biola, cello, viola, double bass, alat musik tiup kayu dan kuningan. R. M. Gliere memiliki K. yang sangat populer untuk suara dan orkestra. burung hantu. komposer yang ditulis oleh K. untuk rakyat. instrumen - balalaika, domra (K.P. Barchunov dan lainnya), tar Armenia (G. Mirzoyan), kokle Latvia (Ya. Medin), dll. Di burung hantu. musik, genre K. telah menyebar luas di berbagai bidang. bentuk standar dan terwakili secara luas dalam karya banyak komposer (S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, D. B. Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, T. N. Khrennikov, S. F. Tsintsadze, dan lainnya).

Literatur: Orlov G.A., Konser piano Soviet, Leningrad, 1954; Khokhlov Yu., Konser biola Soviet, M., 1956; Alekseev A., Genre konser dan kamar musik instrumental, dalam buku: Sejarah musik Soviet Rusia, vol.1, M., 1956, hlm.267-97; Raaben L., Konser instrumental Soviet, Leningrad, 1967.

Pengembangan metodologi

BUKA PELAJARAN

Pelajaran musik di kelas 6 dengan topik: “Konser instrumental »

guru musik

MBOU RSOSH No.1, Rudnya

wilayah smolensk

Datskiv Ilona Aleksandrovna

2016

kamu musik rock di kelas 6 "Konser instrumental"

Jenis pelajaran -pembentukan dan peningkatan pengetahuan baru, tetapi dengan mempertimbangkan persyaratan Standar Pendidikan Negara Federal, ini adalah pelajaran dalam “penemuan” pengetahuan baru.

Tujuan pelajaran: memberikan gambaran tentang genre konser instrumental, kapan dan bagaimana kemunculannya, serta perkembangannya.

Berdasarkan tujuan pembelajaran dikemukakan hal-hal sebagai berikut:tugas:

Pendidikan : mengenalkan siswa pada asal usul dan perkembangan genre konser instrumental dengan menggunakan contoh konser “The Four Seasons” karya A. Vivaldi, mengkonsolidasikan gagasan tentang berbagai jenis konser, memperluas gagasan tentang program musik.

Pembangunan : terus memperkenalkan contoh-contoh terbaik musik Barok.

Pendidikan : menumbuhkan daya tanggap emosional terhadap persepsi musik klasik, mengembangkan minat dan rasa hormat terhadap warisan musik komposer dari negara lain.

Belakangan ini, tugas pelajaran musik semakin meluas. Hal ini menjadi semakin pentingpendidikan mandiri Danmerangsang tugas.

Pendidikan mandiri : mengembangkan keterampilan dan kemampuan pendidikan mandiri musik dan estetika (kerja mandiri dalam kelompok)

Merangsang: mempromosikan pembentukan minat yang berkelanjutan terhadap apa yang dipelajari, mendorong anak sekolah untuk meningkatkan pengetahuan, mengembangkan kebutuhan untuk terus-menerus mengisi, memperbarui, mengembangkan pengetahuan mereka (penggunaan berbagai alat pengajaran)

Aktivasi aktivitas kreatif dan kognitif siswa dicapai melalui penggunaan teknologi pedagogi modern, melalui integrasi berbagai jenis seni dan teknologi informasi.

Dengan menggunakan contoh lukisan musik dan karya sastra, tunjukkan kepada siswa peran musik dalam kehidupan dan karya seni rupa dan sastra, hubungan musik dengan jenis seni lainnya.

Melalui kejelasan kerja, ungkapkan topik pelajaran dengan cara yang menyenangkan dan mudah diakses.

Metode :

organisasi dan pelaksanaan kegiatan ilmiah dan pendidikan:

penjelasan dan ilustratif

stimulasi dan motivasi kegiatan pendidikan dan kognitif:

situasi yang menghibur

perbandingan, analisis, generalisasi

metode perbandingan dengan seni terkait

menurut sumber informasi dan sifat kegiatan:

verbal-induktif (percakapan), visual-deduktif (perbandingan, analisis karya musik yang didengar, insentif empati, retrospektif).

Pembelajaran didasarkan pada dua jenis kegiatan praktik musik siswa - mendengarkan (persepsi aktif) musik dan intonasi, yang diekspresikan dalam kegiatan pertunjukan. Pilihan jenis kegiatan ini ditentukan oleh topik pelajaran, maksud dan tujuannya.

Teknologi: informasi dan komunikasi, menjaga kesehatan

Peralatan: proyektor multimedia, sistem stereo, laptop, fonograf untuk buku teks “Musik” untuk kelas 6, kamus musik oleh V. Razhnikov, kata-kata tercetak dari lagu “Musim” karya A. Ermolov

KEMAJUAN PELAJARAN

1. Momen organisasi

Guru:

– Halo teman-teman!
Jawaban anak-anak:

– Halo!

Guru: Halo teman-teman dan tamu-tamu terkasih, saya senang bertemu Anda. Saya harap Anda mengambil bagian aktif dalam pelajaran ini. Pada gilirannya, saya akan mencoba membuat pelajaran ini menarik dan informatif untuk Anda.

Musik menginspirasi seluruh dunia, membekali jiwa dengan sayap, mendorong terbangnya imajinasi,
musik memberi kehidupan dan kegembiraan pada segalanya...
Dia bisa disebut perwujudan dari segala sesuatu yang indah dan agung.

Plato

Guru: Dan kita akan memulai pelajarannya, tentu saja, dengan musik!

(Kutipan dari konser instrumental Vivaldi “The Four Seasons” dimainkan.

Mari kita coba menjawab, apa yang akan kita bicarakan pada pelajaran hari ini?

Musik oleh Antonio Vivaldi (1 slide)

Teman-teman, ingatkan saya tentang topik paruh kedua tahun ini:

Siswa: “Dunia gambar kamar dan musik simfoni”

Guru: Apa itu musik kamar?

Siswa: Kamar, mis. musik ruangan yang ditujukan untuk pertunjukan di ruangan kecil untuk penonton kecil.

Guru: Untuk memahami apa yang akan kita bicarakan dalam pelajaran hari ini, mari kita pecahkan teka-teki silang musik. Kata itu disembunyikan secara vertikal (slide 2)

7.

Ke

HAI

N

ts

e

R

T

Sekelompok besar musisi instrumental menampilkan sebuah lagu bersama-sama (ORCHESTRA)

Karya multi-gerakan untuk paduan suara, solois dan orkestra (CANTATA)

Pertunjukan musik yang sarana ekspresi utamanya adalah nyanyian (OPERA)

Pengenalan orkestra pada sebuah opera, drama, atau karya simfoni independen (OVERTURE)

Ansambel empat pemain (penyanyi atau instrumentalis) (QUARTET)

7. (vertikal) Karya musik besar untuk orkestra simfoni dan alat musik solo apa pun, terdiri dari 3 bagian (CONCERT)

Merumuskan topik pelajaran

Topik pelajarannya adalah “Konser instrumental” ( geser 3)

Tujuan apa yang bisa kita tetapkan?

Apa itu konser?

Konser (itu.konser – kompetisi, dari lat. –konser – persetujuan) (slide 4)

solo

instrumen (piano, biola, dll) dan orkestra simfoni.

Genre konserto muncul pada abad ke-17 sehubungan dengan perkembangan intensif pertunjukan biola.

-H Apa yang akan kita lakukan di kelas hari ini?

Rencana pelajaran:

Salam musik

Dengarkan musik

Analisis sebuah karya musik

Kerja kelompok

Pekerjaan kosakata

Nyanyian

Kesimpulan. Hasil.

Pekerjaan rumah (5 slide)

Siapa Antonio Vialdi?

Apa yang kita ketahui tentang dia?

Guru: Antonio Vivaldi - pemain biola virtuoso, konduktor dan guru, salah satu komposer terhebatXVII – XVIIIberabad-abad Tinggal dan bekerja di era tersebutbarok
Dia adalah pencipta genre -konser instrumental .(slide 6-7)

Siklus "Musim"

Puncak kreativitas Vivaldi. Siklus ini bersatuempat konser untuk biola solo dan orkestra gesek. Di dalamnya, pengembangan citra musik didasarkan pada perbandingan suara* biola - solo* orkestra – tutti(diterjemahkan dari bahasa Italia artinyaSemua ) " Prinsip kontras menentukan bentuk konser tiga bagian: gerakan pertama – cepat dan energik; 2 – liris, merdu, bentuknya kecil; Bagian 3 – final, hidup dan cemerlang(8-9 geser)

Guru: Di atas meja di depan Anda terdapat kamus emosi estetika V. Razhnikov.

Saya sarankan Anda mendengarkan salah satu bagian dari konser dan bekerja dalam kelompok.Alam selalu menyenangkan para musisi, penyair, dan seniman. Keindahan alam, pergantian musim: musim gugur, musim dingin, musim semi, musim panas - unik, masing-masing dengan caranya sendiri

Menurut Anda, apakah para seniman dan penyair mengangkat tema musim?

Tahukah Anda karya-karya seperti itu?

Penyair banyak menulis puisi tentang alam, seniman banyak menulis gambar tentang alam, dan komposer banyak menulis musik yang menggambarkan gambar alam.

Hari ini kita akan membandingkan bagaimana setiap musim digambarkan dalam puisi, lukisan, dan musik. Dan puisi penyair Rusia, reproduksi lukisan karya seniman Rusia, dan musik magis komposer Italia Antonio Vivaldi, yang berhasil mencerminkan keindahan alam aslinya dengan musiknya, akan membantu kita dalam hal ini. Italia adalah negara yang kaya akan budaya, monumen kuno, dan alam yang indah. Itulah sebabnya banyak seniman Rusia, setelah lulus dari Akademi Seni, magang di Italia

Puisi, lukisan, dan musik akan membantu kita melihat, mendengar, dan merasakan setiap musim.(Bagian pertama diputar, guru tidak menyebutkan judulnya) .

Grup 1: komposer

Perasaan apa yang diungkapkan musik ini?

Jam berapa tahun ini musik dapat dikaitkan??

Siswa: Siswa menentukan intonasi awal, sifat musik, tempo cepat, kontras dinamika, momen artistik - tiruan kicau burung - musim semi

Musik yang saya dengarkan cerah, nyaring, dan menyenangkan. Anda bisa merasakan penerbangan, gerakan, dan kicau burung di dalamnya. Melodinya ringan, musiknya merasakan datangnya musim semi.

Bagaimana Anda mendeskripsikan melodinya?

Siswa: Kemungkinan jawaban dari anak-anak: Anda dapat dengan jelas mendengar di mana orkestra dimainkan dan di mana biola solo dibunyikan. Melodi yang dibawakan orkestra dalam tangga nada mayor sangat jernih, cerah, mudah diingat, dalam irama tarian. Melodi yang dibawakan oleh solois jauh lebih kompleks, mahir, indah, dihiasi dengan nyanyian musik, mirip dengan kicauan burung).

Siswa menentukan bahwa itu adalah SPRING

Grup 2: seniman

Di atas meja ada reproduksi lukisan musim

Tuliskan di tabel warna apa yang Anda dengar dan lihat, dan perasaan apa yang ditimbulkan oleh karya seni ini dalam diri Anda, dan, tentu saja, tentukan waktu dalam setahun.

Katakan padaku, warna apa yang mendominasi?

Jawaban siswa: Warna tanaman hijau pertama kuning kehijauan, mekar bunga pertama putih, merah muda, langit biru, burung di langit.

Kelompok 3: penyair

Guru: Siklus konser "Musim" -esai program , yang didasarkan pada soneta puitis, yang dengannya komposer mengungkapkan isi dari setiap konser dalam siklus tersebut. Diasumsikan bahwa soneta tersebut ditulis oleh komposernya sendiri

Di setiap meja ada puisi tentang salah satu musim.

Tuliskan di tabel puisi mana yang dikaitkan dengan musik ini, dan perasaan apa yang ditimbulkan oleh karya seni ini dalam diri Anda

Salju sudah mencair, sungai mengalir,

Ada hembusan musim semi melalui jendela...

Burung bulbul akan segera bersiul,

Dan hutan akan dihiasi dedaunan!

Biru surgawi murni,

Matahari menjadi lebih hangat dan cerah,

Saatnya badai salju dan badai yang jahat

Sekali lagi sudah lama berlalu... A. Pleshcheev

Pembahasan jawaban kerja kelompok (slide 10)

Guru: Saya sarankan Anda mendengarkan penggalan bagian 2 konser (slide 11)

Tentukan kandungan emosional bagian, tempo, dinamika?

Dengarkan bagian biola. Gambar apa yang terlintas dalam pikiran?

Matahari bersinar terang,
Ada kehangatan di udara.
Dan ke mana pun Anda melihat,
Segala sesuatu di sekitarnya ringan.
Padang rumput itu berwarna-warni
Bunga cerah,
Tercakup dalam emas
Seprai gelap.
Hutan tertidur; bukan suara
Daunnya tidak berdesir
Hanya seekor burung
Ada dering di udara. I. Surikov.

Guru: mendengarkan bagian 3 konser

Hutan itu seperti menara yang dicat,
Ungu, emas, merah tua,
Dinding yang ceria dan beraneka ragam
Berdiri di atas tempat terbuka yang terang.
Pohon birch dengan ukiran kuning
Berkilau dalam birunya biru,
Seperti menara, pohon cemara semakin gelap,
Dan di antara pohon maple warnanya menjadi biru
Di sana-sini menembus dedaunan
Jarak bebas di langit, seperti jendela. K.Balmont

(slide 12)

Bagian ke-4 dari konser: “Musim Dingin”(slide 13)

Pesona di Musim Dingin
Tersihir, hutan berdiri,
Dan di bawah pinggiran salju,
tidak bergerak, bisu,
Dia bersinar dengan kehidupan yang indah.
Dan dia berdiri, tersihir,
Tidak mati dan tidak hidup -
Terpesona oleh mimpi ajaib,
Semuanya puber, semuanya terbelenggu
Rantai ringan... F. Tyutchev

menit pendidikan jasmani

Guru: Tema musim selalu populer dalam seni.

Di zaman modern kita juga terdapat karya-karya bergenre vokal tentang musim.

Mari kita nyanyikan lagu komposer modern Alexander Ermolov “Seasons”.

Pekerjaan vokal dan paduan suara atas lirik lagu "Seasons". dan musik Alexandra Ermolova

Mari kita tentukan tugasnya: karakter apa yang akan kita nyanyikan, tugas artikulasi apa yang akan kita selesaikan.

Mari kita periksapekerjaan rumah

Jelajahi apakah musik Vivaldi kontemporer saat ini.

Apa rahasia popularitas musik komposernya?

Manakah dari tokoh seni modern yang beralih ke karya komposer.

Fakta menarik dari kehidupan komposer

Puisi tentang komposer dan karyanya

Cerminan

Apa yang Anda ingat, apa yang menarik, apa yang mengejutkan Anda selama pelajaran?

Konser piano adalah salah satu genre paling penting dan dicari di dunia musik. Sifat genre konser, yang diwujudkan dengan dinamisme, logika permainan yang berkembang, dan kemampuan menyampaikan benturan kehidupan yang mendalam, ternyata sangat menarik bagi komposer dari berbagai masa dan tradisi nasional. Perwakilan klasisisme Wina menunjukkan minat khusus pada genre yang diteliti, yang karyanya konser instrumental solo menerima kristalisasi akhir.

Studi tentang genre konser piano menentukan bidang minat ilmiah para ahli musik seperti: L. N. Raaben ("Konser instrumental Soviet"), I. I. Kuznetsov ("Piano konser" (untuk sejarah dan teori genre)), M. E. Tarakanov (“Konser instrumental”), G. A. Orlova (“Konser piano Soviet”). Perspektif signifikan terhadap tren terkini dalam analisis genre, dari sudut pandang praktik pertunjukan, ditunjukkan oleh karya-karya A. V. Murga, D. I. Dyatlov, B. G. Gnilov; genre dan aspek sejarah konser piano dianalisis dalam publikasi ilmiah oleh D. A. Nagin, O. V. Podkolozin, Sh. G. Paltajanyan dan lain-lain pembelajaran memerlukan kajian yang lebih mendalam. Keadaan ini ditentukan target publikasi: jelajahi ciri-ciri asal usul dan perkembangan genre konser piano. Untuk mencapai tujuan ini, hal-hal berikut diidentifikasi: tugas publikasi:

1. Jelajahi asal usul genre konser instrumental;
2. Menganalisis asal usul terbentuknya dan berkembangnya genre konser piano;
3. Identifikasi spesifik genre konser piano.

Pergerakan sejarah musik jelas tercermin dalam nasib genre musik. Hubungan zaman yang hidup terlihat jelas dalam contoh konser instrumental - salah satu genre musik Eropa paling kuno. Menurut peneliti, etimologi kata "konser" dikaitkan dengan bahasa Italia "concertare" ("setuju", "mencapai kesepakatan") atau bahasa Latin "concertare" ("sengketa", "pertarungan"), karena hubungannya antara instrumen solo dan orkestra mengandung unsur “kemitraan” dan “rivalitas”. Secara tradisional, konser didefinisikan sebagai karya musik satu gerakan atau multi-gerakan untuk satu atau lebih instrumen solo dan orkestra.

Salah satu jenis konser instrumental adalah konser piano. Karena sejarah perkembangan konser piano tidak lepas dari asal usul konser instrumental secara keseluruhan, maka kita akan mendalami ciri-ciri asal usul genre musik unik ini. Asal usul konser piano kembali ke masa lalu musik yang jauh. Kami fokus pada fakta itu hingga akhir abad ke-17. Konser instrumental tidak ada sebagai genre independen. Konsep “konser” pertama kali ditemukan dalam penggunaan musik pada abad ke-16. Definisi ini digunakan untuk menunjuk karya vokal-instrumental. Konser adalah komposisi spiritual paduan suara dengan iringan instrumental. Sebagai contoh, disarankan untuk menyebutkan konser G. Gabrieli, L. da Viadana dan G. Schütz. Munculnya genre konser instrumental dikaitkan dengan munculnya gaya homophonic dalam musik. Pada tahap ini, para komposer, lebih dari sebelumnya, berusaha untuk menekankan pentingnya prinsip melodi yang diungkapkan oleh instrumen solo, dibandingkan dengan orkestra yang mengiringinya. Persaingan antara alat musik solo dan orkestra telah mewujudkan pentingnya prinsip virtuoso dalam genre konser. Perkembangan konser instrumental juga sangat dipengaruhi oleh praktik ansambel instrumental dan tradisi memainkan alat musik bersama-sama, sejak pembuatan musik rakyat dalam budaya Eropa pada Abad Pertengahan.

Perlu dicatat bahwa selama periode penelitian, orkestra (dalam pengertian modern) tidak ada. Asosiasi ansambel musisi sangat populer, yang minat dan preferensinya menentukan bentuk-bentuk penggabungan instrumen yang stabil. Fitur ansambel konser abad ke-17. adalah partisipasi wajib dari apa yang disebut bagian Continuo, yang biasanya ditugaskan ke harpsichord. Instrumen ini bertindak sebagai pemimpin ansambel, konduktornya, sehingga memperkuat keseluruhan suara. Pada saat inilah prinsip utama permainan konser merambah ke genre konser instrumental - prinsip kompetisi dan kompetisi. Bentuk kompetisinya mengandaikan adanya hubungan organik antara koordinasi dan pencak silat, perpaduan antara pemimpin dan pendamping, dan saling koordinasi dalam upayanya. Harpsichord mendukung atau menggandakan suara bass dan memenuhi apa yang disebut “lantai tengah” ruang musik. Namun hal utama tidak terletak pada sifat-sifat eksternal musik konser abad ke-17, tetapi pada sifat internal yang menjadi ciri kesadaran musik orang Eropa pada periode yang diteliti. Genre baru konser instrumental memiliki banyak kesamaan dengan dance suite.

Master konser instrumental abad ke-17. adalah A. Corelli, penulis contoh klasik pertama dari genre Concerto Grosso (konser besar), berdasarkan perbandingan solo ripieno dan pengiring Grosso. Konser A. Corelli biasanya memiliki banyak bagian. Komposer memasukkan empat hingga tujuh bagian dalam konsernya, serta Adagio kecil, yang berfungsi sebagai penghubung antara bagian-bagian cepat. Kesatuan musik Concerto Grosso karya A. Corelli juga diwujudkan dalam pelestarian nada suara utama di seluruh gerakan. Musik di hampir semua konser master Italia yang luar biasa ini menyedihkan, terkadang Anda dapat mendengar melodi liris di dalamnya, dan Anda dapat merasakan hubungannya dengan asal-usul folk.

Tempat khusus dalam sejarah perkembangan konser instrumental abad 17 – 18. milik komposer Italia, pemain biola virtuoso A. Vivaldi. Dalam konser komposer brilian ini, struktur khas konser instrumental berkembang, yang mengambil bentuk tripartit. Jika dalam Concerto Grosso karya A. Corelli suatu keseluruhan yang tertutup dibentuk oleh episode-episode solo yang pendek, maka dalam A. Vivaldi bagian-bagian solois lahir dari pelarian fantasi yang tidak terbatas dan berlangsung dalam presentasi improvisasi yang bebas. Dalam konser A. Vivaldi, skala ritornellos orkestra meningkat, dan keseluruhan bentuknya memperoleh karakter dinamis baru. Pencipta resital mengupayakan suara yang cerah dan tidak biasa, mencampur warna nada instrumen yang berbeda, dan sering kali memasukkan disonansi ke dalam musik.

Perlu dicatat bahwa konser A. Vivaldi memberikan banyak kesempatan kepada para musisi untuk memamerkan permainan virtuoso mereka dan menunjukkan penguasaan instrumen yang sempurna. Dialog konser tertentu muncul antara solois dan peserta lain dalam pertunjukan konser. Dalam konser A. Vivaldi pergantian solo dan tutti menjadi ciri umum konser Allegro. Selain itu, ciri khas yang menentukan dari bentuk ini adalah rondalitas, yang menjadi konsekuensi dari sifat konser instrumental abad ke-17 – awal abad ke-18 yang meneguhkan kehidupan. Contoh mencolok dari gaya konser instrumental oleh A. Vivaldi adalah siklus “The Seasons”.

Tahap baru dalam evolusi konser instrumental dikaitkan dengan karya perwakilan mendiang Barok - J. S. Bach dan G. F. Handel. Penemuan para ahli pemikiran musik di bidang konser instrumental ini menjadi wawasan ke masa depan yang jauh. Kelimpahan kontras timbre, keragaman kombinasi ritme, interaksi intens antara solois dan ansambel-orkestra - semua ini mempersulit dan menafsirkan konser lebih dalam. Jadi, contoh mencolok dari keterampilan konser J. S. Bach adalah “Brandenburg Concertos” untuk berbagai komposisi instrumental dan “Italian Concerto”, yang menetapkan signifikansi independen clavier sebagai instrumen konser. Kami fokus pada fakta bahwa konser keyboard J. S. Bach-lah yang menentukan vektor perkembangan konser piano masa depan. Menurut kesaksian para peneliti, J. S. Bach telah lama bekerja di bidang genre konser; Dia dengan cermat mempelajari konser biola karya master Italia dan membuat transkripsi konser biola untuk clavier. Kemudian komposer mulai menulis konser biolanya sendiri dan mengaransemennya. Belakangan, J. S. Bach beralih menulis konser keyboardnya sendiri. Perlu dicatat bahwa, saat membuat konser keyboard, J. S. Bach mengikuti tradisi dan pengalaman para master Italia, yang diekspresikan dalam struktur siklus tiga bagian, tekstur ringan, ekspresi melodi, dan keahlian.

Konser instrumental solo juga mengungkap dasar vital yang mendalam dari karya G.F. Handel. Bukan suatu kebetulan bahwa dalam sebuah surat kepada salah satu temannya M.I. Glinka menulis: "Untuk musik konser - Handel, Handel dan Handel." Puncak kreativitas konser instrumental dari master luar biasa ini adalah Concerto Grosso - harta karun musik orkestra abad ke-18. Karya-karya ini dibedakan oleh ketelitian klasik dan pengekangan penulisan. Berbicara tentang kemeriahan genre ini dalam G.F. Handel, seseorang dapat mendefinisikan gayanya sebagai “Handelian baroque” dan mencirikannya sebagai gaya yang energik, hidup, cemerlang dengan kontras yang cerah dan ritme yang berlimpah. Konserto G. F. Handel memiliki melodi dan tekstur yang ketat, dan struktur komposisinya lebih singkat. Musik Concerto Grosso didominasi homofonik. Struktur setiap siklus bervariasi (dari dua hingga enam bagian); Setiap konser dicirikan oleh koneksi genre khusus, penampilan figuratif dan puitis tertentu. Dengan demikian, tradisi yang didirikan dalam musik konser abad ke-17 berkembang sepanjang abad ke-18.

Pencipta konser instrumental jenis baru adalah perwakilan klasisisme Wina. Dalam karya klasik Wina itulah konser instrumental menjadi genre musik konser baru, berbeda dari Concerto Grosso sebelumnya, serta dari konser tunggal abad ke-17. Dalam gaya klasik, tampilan komposisi siklik berubah, siklus tiga bagian normatif yang ketat ditetapkan, dengan aksentuasi bagian pertama sonata Allegro.

Karya konser J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven dalam bunyi dan skala pengembangan materi tematiknya tidak kalah dengan simfoninya dan memadukan prinsip musik solo dan konser-simfoni, yang menjadi ciri khasnya. genre ini secara keseluruhan.

Terlepas dari kenyataan bahwa konser instrumental klasik Wina dikaitkan dengan simfoni, genre yang diteliti bukanlah jenis simfoni. Konser di era klasisisme berperan sebagai genre mapan yang independen dengan ciri-ciri tertentu. Komposisi orkestra sangat penting, di mana kelompok dawai merupakan hal yang mendasar, dilengkapi dengan kelompok alat musik tiup kayu dan alat musik tiup, dan kadang-kadang instrumen perkusi juga digunakan. Praktek continuo praktis dihilangkan - instrumen keyboard meninggalkan komposisi utama orkestra. Instrumen solo (biola atau piano) menjadi peserta setara dalam kompetisi konser dan dialog konser. Pemain solo dan orkestra menjadi lebih dekat dalam teknik pertunjukannya, sehingga menciptakan kondisi interaksi yang lebih erat. Masuknya tema-tema baru dan variabilitas fungsi dalam penyajian satu tema menunjukkan terbentuknya interaksi jenis baru antara solois dan orkestra.

Kebaruan konser piano klasik juga terletak pada metode menunjukkan emosi. Jika konser instrumental barok merekam emosi yang tidak bergerak, maka konser era klasik menunjukkan transfer pengaruh dalam gerakan, perkembangan, dan kontras internal. Konsert barok yang stabil digantikan oleh konsert klasik yang dinamis.

Penggambaran proses pengalaman, perubahan afek, gambaran gerakan mental, memerlukan bentuk musik yang khusus. Pelaksanaan tugas semantik yang diberikan adalah bentuk sonata yang fungsinya memperkuat, mempertajam ketidakstabilan awal dan hanya pada akhirnya mencapai keseimbangan. Skala, pilihan komposisi orkestra yang tidak lazim, dan monumentalitas siklus konser piano klasik berkontribusi pada intensifikasi proses pembebasan batas-batas genre konser. Akibat asumsi inovatif tersebut, komposer diberi lebih banyak kesempatan untuk mewujudkan ide artistiknya. Perlu dicatat bahwa selain dramaturgi dan bentuk musik, konser piano klasik menunjukkan sikap terhadap irama dan tematik yang tidak khas untuk konser di era sebelumnya; hubungan antara solois dan orkestra diubah.

Seperti yang disaksikan para peneliti, genre konser piano klasik dapat dibandingkan dengan aksi teatrikal, di mana logika permainan musik bertindak sebagai logika situasi permainan dan berubah menjadi logika aksi panggung, yang memungkinkan dramaturgi yang kompleks dan subteks penulis yang tersembunyi untuk ditampilkan. diwujudkan melalui sarana genre konser.

Inovasi yang menentukan kemunculan konser piano era klasik juga merupakan sikap komposer dan pemain terhadap cadenza. Menurut kesaksian para peneliti, dalam genre konser di era sebelum klasisisme, perhatian khusus diberikan pada cadenza. Pada abad ke-18, ketika seni improvisasi bebas berkembang pesat, cadenza dianggap sebagai “puncak” pertunjukan. Cadenza-lah yang menunjukkan kecerdikan kreatif, serta keahlian pemainnya. Iramanya harus sesuai dengan suasana umum karya tersebut dan mencakup tema-tema terpentingnya. Setiap virtuoso kelas atas harus menguasai seni ini. Kemampuan berimprovisasi bukan hanya tanggung jawab seorang musisi, tetapi juga hak yang ia nikmati saat membawakan karya orang lain (penulis).

Perlu dicatat bahwa cadenza yang ditemukan dalam konser instrumental barok menyebabkan banyak siksaan bagi pemain yang tidak berpengalaman dalam improvisasi. Banyak pemain yang mempelajari iramanya terlebih dahulu. Lambat laun, irama yang disisipkan mulai dipaksa keluar dari konser. Selama periode klasisisme Wina terjadi perubahan besar dalam sifat struktur irama, yang menyelesaikan transisi irama dari kerangka budaya improvisasi menjadi tradisi tertulis murni. Dalam bentuk konser klasik yang sudah mapan, cadenza, sebagai pertunjukan solo virtuoso oleh pemainnya, merupakan bagian wajib dari bentuk tersebut. Langkah pertama ke arah ini diambil oleh L. van Beethoven, yang menulis seluruh cadenza seluruhnya dalam catatan di Konserto Kelimanya. Dalam konser piano era klasik, cadenza yang rumit dan virtuoso adalah hal biasa. Awal cadenza, paling sering, ditekankan dengan akord yang cerah atau bagian yang virtuoso. Saat penggalan konser ini diputar, perhatian pendengar semakin tajam. Prinsip-prinsip yang digunakan untuk membangun irama dikonkretkan oleh unsur-unsur kejutan, permulaan virtuoso yang cemerlang, dan keterlaluan. Ketika mengeksplorasi kekhasan pembentukan dan perkembangan irama dalam konser piano, disarankan untuk mengutip aturan dari “Sekolah Piano” oleh D. G. Turk: “Irama seharusnya tidak hanya mendukung kesan yang dibuat oleh karya musik, tetapi juga , sedapat mungkin perkuat. Cara paling pasti untuk mencapai hal ini adalah dengan menyajikan ide-ide utama yang paling penting dalam irama yang sangat ringkas atau mengingatkannya dengan bantuan bergantian. Oleh karena itu, irama harus berkaitan erat dengan karya yang dibawakan dan, terlebih lagi, iramanya harus mengambil bahan utama dari karya tersebut. Irama, seperti halnya ornamen bebas lainnya, tidak boleh terdiri dari kesulitan-kesulitan yang sengaja dibuat, melainkan pemikiran-pemikiran yang sesuai dengan karakter utama drama tersebut.

Konserto piano era klasik merupakan genre yang mengusung tema musik, tidak hanya sebagai pembawa ekspresi tertentu, tetapi juga sebagai gambaran artistik yang mengandung potensi pengembangan. Dalam konser piano itulah komposer sekolah klasik Wina mencapai penguasaan tertinggi di bidang pengembangan tematik, pengembangan, menggunakan berbagai teknik - mengubah nada suara, harmonisasi, ritme, dan elemen melodi. Ciri khasnya juga adalah pembagian tema menjadi motif-motif tersendiri, yang dengan sendirinya mengalami berbagai transformasi dan dipadukan satu sama lain dengan cara yang berbeda-beda. Materi tematik konser piano klasik Wina dibedakan berdasarkan relief figuratif dan karakter individualnya.

Salah satu sumber musik terpenting adalah musik daerah. Mengandalkan kekayaan seni lagu daerah, perwakilan aliran klasik Wina mencapai pemahaman baru tentang melodi, fungsi dan kemampuannya.

Tema musik konser piano klasik Wina, yang dipengaruhi oleh gaya bel canto Italia, sangatlah unik. Seperti yang dinyatakan oleh G. F. Telemann: “Nyanyian adalah dasar universal dari musik. Siapa pun yang menggarap komposisinya harus bernyanyi di setiap bagian. Siapapun yang memainkan alat musik harus pandai menyanyi.” Karena bel canto melibatkan kombinasi ornamen cantilena dan virtuoso yang indah, dalam konser piano klasik ada dua jenis tema: tema yang dekat dengan vokal cantilena dan kompleks tematik virtuoso. Dalam hal ini, solois tampil dalam dua peran - sebagai musisi yang terinspirasi dan pemain virtuoso.

Perwakilan aliran klasik Wina menyadari dirinya dalam genre konser piano dengan cara yang cukup menarik dan beragam, sehingga membangkitkan minat dan perkembangan genre ini di era romantisme, serta dalam karya komposer abad ke-20.

Para peneliti secara tradisional mengidentifikasi hal-hal berikut sebagai sifat spesifik yang paling penting dari genre konser piano: logika permainan, keahlian, improvisasi, kompetisi, konser.

Prinsip pembentuk genre dari konser klasik adalah permainan. Dalam konser instrumental komponen kunci dari permainan ini terwujud sepenuhnya - pertentangan antara prinsip dan persaingan yang berbeda. Dalam musikologi, konsep permainan logika musik digunakan oleh E. V. Nazaikinsky. Karya brilian ilmuwan (“The Logic of Musical Composition”) menyajikan definisi dari definisi yang diteliti sebagai logika pertunjukan konser, benturan berbagai instrumen dan kelompok orkestra, berbagai komponen jalinan musik, berbagai garis perilaku, bersama-sama membentuk gambaran teatrikal “stereofonik” dari aksi yang berkembang. Karena konsep permainan sangat menentukan genre konser, mari kita bahas lebih detail karakteristiknya.

Literatur ensiklopedis menyajikan definisi permainan sebagai berikut: “permainan adalah suatu jenis aktivitas tidak produktif yang bermakna, yang motifnya terletak pada hasil dan proses itu sendiri.”

Permainan ini merupakan atribut dari setiap pertunjukan musik dan teater. Di antara konsep permainan modern, tempat khusus ditempati oleh teori sejarawan budaya Belanda J. Huizinga, yang mengkaji fungsi budaya permainan dalam perkembangan sejarahnya. Karya-karya ilmuwan mengatakan bahwa "permainan", pertama-tama, adalah aktivitas bebas. Bermain berdasarkan pesanan bukan lagi sebuah permainan. J. Huizinga menemukan hubungan antara musik dan permainan melalui upaya menemukan istilah-istilah yang umum untuk kedua konsep tersebut. “Permainan ini berada di luar kehati-hatian dalam kehidupan praktis, di luar lingkup kebutuhan dan kemaslahatan. Hal yang sama berlaku untuk ekspresi musik dan bentuk musik. Hukum permainan beroperasi di luar norma akal, kewajiban, dan kebenaran. Hal yang sama berlaku untuk musik... Dalam aktivitas musik apa pun ada permainan. Baik musik menyajikan hiburan dan kegembiraan, atau berupaya mengekspresikan keindahan yang luhur, atau memiliki tujuan liturgi yang sakral, musik tetaplah sebuah permainan.”

Permainan ini terungkap di hadapan pendengar sebagai rangkaian peristiwa yang menarik, yang masing-masing, sebagai respons terhadap peristiwa sebelumnya, pada gilirannya menimbulkan respons baru atau aliran pemikiran baru. Logika permainan berkembang dalam musik sebagai memainkan alat musik. Seperti yang dikatakan oleh komposer besar Jerman R. Schumann, “kata “bermain” adalah kata yang sangat bagus, karena memainkan suatu alat musik harus sama dengan memainkannya. Jika kami tidak memainkan alat musik, kami juga tidak akan memainkannya.”

Dalam genre konser, logika permainan sangatlah penting. Gradasi dinamika dalam mikrokosmos logika permainan seringkali menjadi sarana perbandingan yang kontras, intrusi, dan aksen yang tidak terduga. Seperti yang dicatat oleh E.V. Nazaikinsky, pada tingkat komposisi, logika permainan dapat memanifestasikan dirinya dalam interpretasi bentuk yang khusus. Secara sintaksis, dalam “figur permainan” khusus. Sebagai “figur permainan”, ilmuwan mengidentifikasi hal-hal berikut: perubahan mode, jebakan intonasi, invasi, kontestasi, isyarat kedua, pengulangan yang tidak terlihat, pemotongan pukulan, revolusi, tumpang tindih, penggabungan, mengatasi rintangan, nada macet, pilihan varian -up, kesalahan permainan dll. Perlu dicatat bahwa peserta dalam aksi permainan dapat bertindak sebagai struktur tematik tertentu, serta motif kecil dan isyarat musik pendek. Kombinasi keduanya membentuk dasar logika permainan instrumental.

Sifat menyenangkan dari konser piano diwujudkan melalui keahlian. Kami fokus pada fakta bahwa elemen penentu keahlian adalah keterampilan pertunjukan musisi, yang harus jauh lebih baik daripada pemain rata-rata. Virtuoso (dari virtuoso Italia - dari bahasa Latin Virtus - keberanian, bakat) - seorang pemain yang ahli menguasai teknik seni. Penyebutan "virtuoso" pertama kali dikaitkan dengan Italia pada abad 16-17. Istilah ini dimaksudkan untuk seseorang yang menonjol dalam bidang intelektual atau seni apa pun. Istilah ini telah berkembang seiring berjalannya waktu, secara bersamaan memperluas dan menyusutkan cakupannya. Awalnya, musisi dianugerahi klasifikasi ini karena menjadi komposer, ahli teori, atau maestro terkenal, yang lebih penting daripada penampilan ahli.

Konser sebagai sebuah genre melibatkan manifestasi demonstratif di depan umum dari keterampilan musisi yang tampil dan keahliannya. Pada saat yang sama, keahliannya tunduk pada konten internal musik dan merupakan elemen organik dari gambar artistik. Perlu juga dicatat bahwa keahlian tidak lebih dari prinsip artistik kepribadian manusia dan merupakan bagian dari gaya pertunjukan musisi itu sendiri. Untuk pertama kalinya, genre konser mewujudkan kesatuan organik antara keahlian dan melodi. Keahlian dalam peran solois, di satu sisi, menjadikannya pemimpin dalam dialog dengan orkestra, dan di sisi lain, berkontribusi pada “keramahan” genre konser itu sendiri.

Prinsip yang sama pentingnya yang menentukan sifat genre konser piano adalah prinsip kompetisi. Perlu dicatat bahwa gagasan kompetisi berakar pada Yunani kuno, tempat lahirnya Olimpiade. Hingga saat ini, persaingan menentukan hampir semua bidang kehidupan manusia, mendorong ekspresi kreatif, serta realisasi diri kreatif individu. Prinsip persaingan dalam musik, khususnya dalam konser instrumental, tidak berarti konfrontasi “serius”. Kompetisi konser adalah suatu situasi bersyarat yang merasakan suasana dialog yang diungkapkan dalam “komunikasi” para peserta utama kompetisi. Oleh karena itu, persaingan dalam sebuah konser hanyalah gambaran ideal dari konfrontasi antara solo dan orkestra. Daya saing melibatkan pergantian pergantian pemain solo dan penampilan orkestra, oleh karena itu beberapa pemikiran dapat muncul baik dari pihak peserta utama dalam kompetisi, maupun dalam pertunjukan orkestra murni dengan atau tanpa partisipasi pemain solo. Perlu dicatat bahwa dalam kompetisi konser, seperti dalam aksi permainan lainnya, yang penting bukanlah hasil (siapa yang pertama?), melainkan aksi itu sendiri, melainkan fakta adanya konfrontasi tersebut.

Berbagai jenis hubungan antara orkestra dan solois, yang menentukan cara khusus pengorganisasian tekstur materi musik, serta instrumentasi konser, ditentukan oleh prinsip-prinsip pertunjukan konser. Kami fokus pada fakta bahwa prinsip konsertisasi pertama kali diterapkan di Italia, pada pergantian abad 16 – 17, dalam penafsiran konser vokal dan instrumental. Namun, berdasarkan penelitian ilmiah sejarawan musik Jerman A. Schering, kita dapat berbicara tentang asal usul prinsip ini yang lebih kuno. Menurut peneliti, asal-usulnya "...dapat ditelusuri kembali ke zaman kuno, ke nyanyian peralihan dalam tragedi Yunani dan mazmur Yahudi kuno, yang kemudian ditemukan kembali pada periode abad pertengahan sebagai antiphora dalam ritual Katolik." Ini merupakan indikasi asal mula musikal dan dramatis dari konser tersebut. Menurut B.V. Asafiev, melalui konsertisasi ciri-ciri dialog instrumental sebuah konser diwujudkan, berdasarkan pengungkapan impuls-impuls yang tertanam dalam tesis, yang peranannya dapat dimainkan oleh berbagai unsur, hingga nyanyian atau “the pasangan suara yang paling sederhana”, belum lagi konstruksi yang diperluas seperti tema melodi.

Teknologi konser, yaitu interaksi pemain solo dengan orkestra dalam genre konser, bermula dari konser A. Vivaldi. Poin mendasarnya adalah pergantian tutti dan solo, genre dan pemrograman, penggunaan timbre, sarana ekspresi dinamis dan ritmis. Kombinasi fitur-fitur ini, dalam kombinasi yang harmonis, meningkatkan signifikansi dan relevansi prinsip konser. Perlu dicatat bahwa di era klasik Wina, prinsip ini berubah secara signifikan. Konser menjadi terkait erat dengan pengembangan tematik. Improvisasi oleh solois (irama) disediakan. Peran solois bersifat ornamen virtuositas.

Penerapan ekspresi diri yang bebas dan kreatif dalam konser piano merupakan prinsip improvisasi. Prinsip ini melambangkan manifestasi tertinggi dari sifat main-main dari sebuah konser piano. Improvisasi merupakan konsekuensi dari inisiatif kreatif spontan dari musisi yang tampil. Hakikat improvisasi terletak pada unsur baru interpretasi karya dan aspek ekspresi musik.

Perlu dicatat bahwa peran melakukan improvisasi dalam aktivitas musisi abad ke-17 - paruh pertama abad ke-18 sangat besar. Menurut praktik pada masa itu, pianis seharusnya menggunakan motif musik sebelumnya dalam improvisasi yang santai, tetapi ia juga dapat memasukkan tema-tema baru yang asing ke dalamnya. Dalam konser instrumental era ini, terdapat episode musikal dimana orkestra terdiam, dan pemain solo mendapat kesempatan untuk menunjukkan keahlian dan imajinasinya. Diketahui bahwa W. A. ​​​​Mozart dan L. van Beethoven adalah improvisasi hebat, yang tercermin dalam konser piano mereka.

Kecepatan reaksi artistik, kecerahan gambar yang muncul secara tiba-tiba, kecerdikan dalam perubahannya yang akut adalah kualitas yang harus dimiliki seorang improvisasi. Perkenalan solois, cakupan tema yang bervariasi secara tiba-tiba, perbandingannya, kontras harmoni dan warna orkestra ditandai dengan kejutan improvisasi. Namun perubahan ini disatukan oleh logika musik yang bijaksana. Sifat improvisasi juga merupakan ciri cadenza dari konserto klasik, tetapi prinsip improvisasi dalam cadenza dari konser piano klasik diatur secara ketat.

Jadi, setelah memeriksa ciri-ciri asal usul dan perkembangan konser piano, serta menganalisis secara spesifik sifat genre-nya, kami sampai pada kesimpulan bahwa konser piano adalah salah satu genre musik instrumental monumental terbesar. Munculnya genre yang diteliti dikaitkan dengan munculnya gaya homophonic dalam musik. Kristalisasi fitur genre utama konser (struktur kontras multi-bagian, prinsip kompetisi dan improvisasi, citra yang jelas) dilakukan di era Barok (karya A. Vivaldi, A. Corelli, J. S. Bach, G. F. Handel). Tonggak baru dalam sejarah perkembangan genre konser piano dibuka oleh para empu “klasisisme Wina” (J. Haydn, W. A. ​​​​​​Mozart, L. van Beethoven). Konser piano para inovator kosakata musik ini dibedakan berdasarkan skala konsepnya, dramatisasi gambar musik, kecerahan melodi, pengembangan simfoni materi tematik, dan keahlian dengan hubungan organik yang hebat antara solois dan orkestra. . Esensi genre konser piano ditentukan oleh prinsip-prinsip berikut: logika permainan, keahlian, improvisasi, kompetisi, konser. Prinsip-prinsip yang teridentifikasi tidak hanya menentukan ciri-ciri struktur dan isi konser, tetapi juga membentuk bidang tugas dan metode penyelesaiannya dalam praktik pertunjukan pianis.

Hasil yang disajikan dalam karya ini tidak mengklaim sebagai studi lengkap dari masalah yang dianalisis dan tidak menyarankan pengembangan lebih lanjut. Disarankan untuk mempelajari ciri-ciri penerapan sifat genre konser menggunakan contoh spesifik karya konser komposer klasik, serta perwakilan budaya musik paruh kedua abad ke-19 – awal abad ke-21.

LITERATUR

1. Alekseev A.D. Sejarah seni piano: buku teks untuk siswa musik. universitas: pada jam 3 / A.D. Alekseev. – Ed. ke-2, putaran. dan tambahan – Bagian 1. – M.: Muzyka, 1967. – 286 hal.
2. Asafiev B.V. Bentuk musik sebagai proses / B.V. Asafiev. – Ed. ke-2. – M.: Musik, Leningrad. departemen, 1971. – 373 hal.
3. Badura-Skoda E. Interpretasi Mozart / E. Badura-Skoda, P. Badura-Skoda. – M.: Musik, 1972. – 373 hal.
4. Ensiklopedia Besar Soviet / bab. ed. B.A.Vvedensky. – Ed. ke-2, putaran. dan tambahan – M.: TSB, 1954. – T.28. – 664 hal.
5. Konserto piano Druskin M. S. Mozart / M. S. Druskin. – Ed. ke-2. – M.: Muzgiz, 1959. – 63 hal.
6. Kamus ensiklopedis musik / bab. ed. G.V.Keldysh. – M.: Burung hantu. ensiklus., 1990. – 672 hal.
7. Nazaikinsky E.V. Logika komposisi musik / E.V. – M.: Muzyka, 1982. – 320 hal.
8. Rosenschild K. K. Sejarah musik asing: hingga pertengahan abad ke-18 / K. K. Rosenschild. – Ed. ke-3, putaran. dan tambahan – Jil. 1. – M.: Muzyka, 1973. – 375 hal.
9. Tarakanov M. E. Konser instrumental / M. E. Tarakanov. – M.: Pengetahuan, 1986. – 55 hal.
10. Huizinga J. Homo Ludens. Dalam Bayangan Hari Esok / J. Huizinga. – M.: Kemajuan, 1992. – 464 hal.

KONSER PIANO PRISCHEPA N. A.: SEJARAH, TEORI MASALAH

Publikasi ini menyajikan analisis genre piano konserto sebagai salah satu jenis musik instrumental. Ciri-ciri perkembangan sejarah genre yang diteliti diuraikan. Fitur struktural dan genre konser diidentifikasi dan dianalisis.

Kata kunci: konser piano, genre, struktur, bentuk musik.

PRISCHEPA N. A. PIANO CONCERTO: SEJARAH, TEORI PERTANYAAN

Artikel ini membahas tentang analisis genre konser piano sebagai bentuk musik instrumental. Ciri-ciri perkembangan genre ditentukan. Karakteristik struktural dan genre konser piano dianalisis.

Kata kunci: konser piano, genre, struktur, bentuk musik.