Pemandangan kota dalam seni abad ke-18 dan ke-19. Lanskap kuda-kuda Rusia abad ke-18 hingga ke-19

Sejak dahulu kala, manusia selalu mengagumi alam. Mereka mengungkapkan rasa cintanya dengan menggambarkannya dalam berbagai jenis mosaik, relief, dan lukisan. Banyak seniman hebat yang mengabdikan kreativitasnya untuk melukis pemandangan alam. Lukisan-lukisan yang menggambarkan hutan, laut, gunung, sungai, ladang sungguh memukau. Dan kita perlu menghormati para guru besar yang dengan begitu detail, penuh warna dan emosional menyampaikan dalam karya mereka semua keindahan dan kekuatan dunia di sekitar kita. Seniman lanskap dan biografinyalah yang akan dibahas dalam artikel ini. Hari ini kita akan berbicara tentang karya pelukis hebat dari waktu yang berbeda.

Pelukis lanskap terkenal abad ke-17

Pada abad ke-17 hiduplah banyak orang berbakat yang lebih suka menggambarkan keindahan alam. Beberapa yang paling terkenal adalah Claude Lorrain dan Jacob Isaac van Ruisdael. Kami akan memulai cerita kami dengan mereka.

Claude Lorrain

Seniman Perancis dianggap sebagai pendiri lukisan pemandangan pada periode klasik. Kanvasnya dibedakan oleh harmoni luar biasa dan komposisi ideal. Ciri khas teknik K. Lorrain adalah kemampuannya menyampaikan sinar matahari, sinarnya, pantulan dalam air, dll dengan sempurna.

Terlepas dari kenyataan bahwa sang maestro lahir di Prancis, ia menghabiskan sebagian besar hidupnya di Italia, tempat ia pergi ketika ia baru berusia 13 tahun. Dia kembali ke tanah airnya hanya sekali, dan kemudian selama dua tahun.

Karya C. Lorrain yang paling terkenal adalah lukisan “View of the Roman Forum” dan “View of the port with the Capitol”. Saat ini mereka dapat dilihat di Louvre.

Yakub Isaac van Ruisdael

Jacob van Ruisdael, perwakilan realisme, lahir di Belanda. Selama perjalanannya di Belanda dan Jerman, sang seniman melukis banyak karya luar biasa, yang dicirikan oleh kontras nada yang tajam, warna yang dramatis, dan dingin. Salah satu contoh mencolok dari lukisan semacam itu adalah “Pemakaman Eropa”.

Namun, karya sang seniman tidak terbatas pada kanvas suram - ia juga menggambarkan pemandangan pedesaan. Karya yang paling terkenal adalah “Pemandangan Desa Egmond” dan “Pemandangan dengan Kincir Air”.

abad ke-18

Lukisan abad ke-18 dicirikan oleh banyak ciri menarik; selama periode ini, dimulainya arah baru dalam bentuk seni tersebut. Pelukis lanskap Venesia, misalnya, bekerja di berbagai bidang seperti lanskap lanskap (nama lain terkemuka) dan arsitektur (atau perkotaan). Dan lanskap terkemuka, pada gilirannya, dibagi menjadi akurat dan fantastis. Perwakilan terkemuka dari vedata fantastis adalah Francesco Guardi. Bahkan seniman lanskap modern pun bisa iri dengan imajinasi dan tekniknya.

Francesco Guardi

Tanpa kecuali, semua karyanya dibedakan oleh perspektif yang sangat akurat dan penampilan warna yang indah. Bentang alam memiliki daya tarik magis tertentu; mustahil untuk mengalihkan pandangan Anda darinya.

Karya-karyanya yang paling menyenangkan termasuk lukisan “Kapal Perayaan Doge “Bucintoro”, “Gondola in the Lagoon”, “Venetian Courtyard” dan “Rio dei Mendicanti”. Semua lukisannya menggambarkan pemandangan Venesia.

William Turner

Artis ini adalah perwakilan dari romantisme.

Ciri khas lukisannya adalah penggunaan banyak corak warna kuning. Palet kuning itulah yang menjadi andalan dalam karya-karyanya. Sang master menjelaskan hal ini dengan fakta bahwa ia mengasosiasikan nuansa tersebut dengan matahari dan kemurnian yang ingin ia lihat dalam lukisannya.

Karya Turner yang paling indah dan mempesona adalah "Taman Hesperides" - pemandangan yang fantastis.

Ivan Aivazovsky dan Ivan Shishkin

Kedua pria ini benar-benar pelukis lanskap terhebat dan paling terkenal di Rusia. Yang pertama - Ivan Konstantinovich Aivazovsky - menggambarkan laut yang megah dalam lukisannya. Kerusuhan unsur-unsur, ombak yang meninggi, percikan busa yang menghantam sisi kapal yang miring, atau permukaan yang tenang dan tenteram diterangi oleh matahari terbenam - pemandangan laut menyenangkan dan memukau dengan kealamian dan keindahannya. Ngomong-ngomong, pelukis lanskap seperti itu disebut pelukis kelautan. Yang kedua, Ivan Ivanovich Shishkin, suka menggambarkan hutan.

Shishkin dan Aivazovsky adalah seniman lanskap abad ke-19. Mari kita membahas biografi orang-orang ini secara lebih rinci.

Pada tahun 1817, salah satu pelukis kelautan paling terkenal di dunia, Ivan Aivazovsky, lahir.

Ia dilahirkan dalam keluarga kaya, ayahnya adalah seorang pengusaha Armenia. Tak heran jika sang maestro masa depan memiliki kelemahan pada elemen laut. Bagaimanapun, tempat kelahiran artis ini adalah Feodosia, sebuah kota pelabuhan yang indah.

Pada tahun 1839, Ivan lulus dari tempat ia belajar selama enam tahun. Gaya seniman sangat dipengaruhi oleh karya pelukis kelautan Prancis C. Vernet dan C. Lorrain, yang melukis kanvas mereka sesuai dengan kanon klasisisme Barok. Karya I.K. Aivazovsky yang paling terkenal dianggap sebagai lukisan “Gelombang Kesembilan”, yang diselesaikan pada tahun 1850.

Selain pemandangan laut, seniman besar ini juga menggarap penggambaran adegan pertempuran (contoh mencolok adalah lukisan “Pertempuran Chesme”, 1848), dan juga mengabdikan banyak kanvasnya untuk tema sejarah Armenia (“Kunjungan J. G. Byron ke biara Mekhitarist dekat Venesia”, 1880 G.).

Aivazovsky beruntung mencapai ketenaran luar biasa selama hidupnya. Banyak pelukis lanskap yang kemudian menjadi terkenal mengagumi karyanya dan mengambil contoh darinya. Pencipta hebat itu meninggal pada tahun 1990.

Shishkin Ivan Ivanovich lahir pada Januari 1832 di kota Elabug. Keluarga tempat Vanya dibesarkan tidak terlalu kaya (ayahnya adalah seorang pedagang miskin). Pada tahun 1852, Shishkin memulai studinya di Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur Moskow, dan lulus empat tahun kemudian, pada tahun 1856. Bahkan karya-karya awal Ivan Ivanovich dibedakan oleh keindahannya yang luar biasa dan tekniknya yang tak tertandingi. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika pada tahun 1865 I. I. Shishkin diberi gelar akademisi untuk kanvas “Pemandangan di Sekitar Dusseldorf”. Dan setelah delapan tahun ia menerima gelar profesor.

Seperti banyak orang lainnya, dia melukis dari kehidupan, menghabiskan waktu lama di alam, di tempat di mana tidak ada seorang pun yang dapat mengganggunya.

Lukisan paling terkenal dari pelukis besar ini adalah “Hutan Belantara” dan “Pagi di Hutan Pinus,” dilukis pada tahun 1872, dan lukisan sebelumnya “Siang. Di sekitar Moskow" (1869)

Kehidupan seorang pria berbakat terhenti pada musim semi tahun 1898.

Banyak seniman lanskap Rusia menggunakan banyak detail dan rendering warna penuh warna saat melukis kanvas mereka. Hal yang sama dapat dikatakan tentang dua perwakilan seni lukis Rusia ini.

Alexei Savrasov

Alexei Kondratyevich Savrasov adalah seniman lanskap terkenal di dunia. Dialah yang dianggap sebagai pendiri lanskap liris Rusia.

Pria luar biasa ini lahir di Moskow pada tahun 1830. Pada tahun 1844, Alexei memulai studinya di Sekolah Seni Lukis dan Patung Moskow. Sejak masa mudanya, ia dibedakan oleh bakat khusus dan kemampuannya menggambarkan lanskap. Namun, meskipun demikian, karena keadaan keluarga, pemuda tersebut terpaksa menghentikan studinya dan melanjutkannya hanya empat tahun kemudian.

Karya Savrasov yang paling terkenal dan dicintai, tentu saja, adalah lukisan “Benteng Telah Tiba”. Itu dipresentasikan pada Pameran Keliling pada tahun 1971. Yang tak kalah menarik adalah lukisan karya I. K. Savrasov “Rye”, “Thaw”, “Winter”, “Country Road”, “Rainbow”, “Elk Island”. Namun, menurut para kritikus, tidak ada satupun karya seniman tersebut yang bisa dibandingkan dengan mahakaryanya “The Rooks Have Arrived”.

Terlepas dari kenyataan bahwa Savrasov melukis banyak kanvas yang indah dan sudah dikenal sebagai penulis lukisan-lukisan indah, ia segera dilupakan untuk waktu yang lama. Dan pada tahun 1897 dia meninggal dalam kemiskinan, putus asa karena masalah keluarga, kematian anak-anak dan kecanduan alkohol.

Namun pelukis lanskap hebat tidak bisa dilupakan. Mereka hidup dalam lukisan-lukisannya yang keindahannya sungguh mempesona dan masih bisa kita kagumi hingga saat ini.

Paruh kedua abad ke-19

Periode ini ditandai dengan prevalensi lukisan Rusia dari arah lanskap sehari-hari. Banyak seniman lanskap Rusia yang mengerjakan hal ini, termasuk Vladimir Egorovich Makovsky. Master yang tidak kalah terkenal pada masa itu adalah Arseny Meshchersky, serta Aivazovsky dan Shishkin yang dijelaskan sebelumnya, yang karyanya terjadi pada pertengahan paruh kedua abad ke-19.

Arseny Meshchersky

Artis terkenal ini lahir pada tahun 1834 di provinsi Tver. Ia menerima pendidikannya di Imperial Academy of Arts, tempat ia belajar selama tiga tahun. Tema utama lukisan pengarangnya adalah hutan dan sang seniman senang menggambarkan dalam lukisannya pemandangan indah Krimea dan Kaukasus dengan pegunungannya yang megah. Pada tahun 1876 ia mendapat gelar profesor lukisan pemandangan.

Lukisannya yang paling sukses dan terkenal adalah lukisan “Musim Dingin. Pemecah Es", "Pemandangan Jenewa", "Badai di Pegunungan Alpen", "Di Danau Hutan", "Pemandangan Selatan", "Pemandangan di Krimea".

Selain itu, Meshchersky juga menyampaikan keindahan Swiss. Di negeri ini, ia memperoleh pengalaman selama beberapa waktu dari master lukisan pemandangan Kalam.

Sang master juga menyukai sepia dan ukiran. Dia juga menciptakan banyak karya menakjubkan dengan menggunakan teknik ini.

Banyak lukisan karya seniman tersebut dipamerkan di pameran baik di Rusia maupun di negara lain di dunia. Oleh karena itu, banyak orang yang berhasil mengapresiasi bakat dan orisinalitas orang kreatif ini. Lukisan Arseny Meshchersky terus memukau banyak orang yang tertarik pada seni hingga saat ini.

Makovsky Vladimir Yegorovich

Makovsky V.E. lahir di Moskow pada tahun 1846. Ayahnya adalah seorang artis terkenal. Vladimir memutuskan untuk mengikuti jejak ayahnya dan menerima pendidikan seni di Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur Moskow, setelah itu ia berangkat ke St.

Lukisannya yang paling sukses adalah “Menunggu. Di Penjara", "Bank Runtuh", "Penjelasan", "Rumah Penginapan" dan "Spring Bacchanalia". Karya-karya tersebut terutama menggambarkan orang-orang biasa dan pemandangan sehari-hari.

Selain pemandangan sehari-hari, yang ia kuasai, Makovsky juga melukis potret dan berbagai ilustrasi.

Abad ke-18 yang mulia! Bersamanya, dalam buku sejarah Rusia yang menarik dan dramatis, tidak hanya babak baru yang dimulai, tetapi, mungkin, keseluruhan volume. Lebih tepatnya, buku ini harus dimulai dengan dekade terakhir abad sebelumnya - abad ke-17, ketika negara kita, setelah ragu-ragu di persimpangan jalan, mulai melakukan perubahan yang kuat dan belum pernah terjadi sebelumnya - dari Abad Pertengahan ke Abad Modern. Menghadapi Eropa.

Rusia saat itu sering diibaratkan sebuah kapal. Kapal ini bergerak maju tak terkendali, membentangkan layar yang subur, tidak takut badai dan tidak berhenti berteriak: “Man overboard!” Dia dipimpin oleh tangan tegas seorang kapten yang brilian, tak kenal takut dan kejam - Tsar Peter, yang menjadikan Rusia sebuah kerajaan dan dirinya sendiri sebagai kaisar pertamanya. Reformasi yang dilakukannya sangat sulit, bahkan kejam. Dia memaksakan kehendaknya pada negara, melanggar tradisi, tanpa ragu-ragu, mengorbankan ribuan nyawa untuk kepentingan negara.

Apakah ini perlu? Apakah ada cara lain? Pertanyaannya sangat kompleks, sejarawan belum bisa menjawabnya. Namun, ada hal lain yang penting bagi kami saat ini. Fakta bahwa hanya dalam beberapa dekade sejak awal reformasi Peter hingga masa Catherine yang Agung, Rusia, yang di mata Eropa Barat adalah negeri asing yang asing dan eksotik berbahaya yang dihuni oleh orang-orang barbar yang tidak dapat diprediksi, menjadi bukan sekadar negara Eropa. kekuatan. Salah satu kekuatan Eropa pertama! Perubahan yang cepat terjadi tidak hanya dalam politik - perubahan ini juga mempengaruhi fondasi kehidupan masyarakat, sikap mereka terhadap dunia dan satu sama lain, kehidupan sehari-hari, pakaian, banyak hal kecil sehari-hari yang sebenarnya membentuk kehidupan. Dan, tentu saja, seni. Selama beberapa dekade ini, seni Rusia telah mengikuti jalur seni Eropa Barat selama berabad-abad.

Artis tidak dikenal. Potret "patriark" Milak - boyar Matvey Filimonovich Naryshkin. 1690-an Minyak di atas kanvas. 86,5 x 75 cm

Kesedihan pengetahuan aktif yang mencengkeram Rusia pada masa Peter the Great, sebagian membuatnya mirip dengan Eropa Barat pada zaman Renaisans. Kemudian di Italia (dan kemudian di negara-negara lain), sekularisasi budaya, pengembangan ilmu-ilmu praktis alih-alih filsafat spekulatif abad pertengahan, dan minat yang besar terhadap harga diri individu (di luar kerangka perusahaan, yang lagi-lagi menjadi ciri khas Abad Pertengahan) terstimulasi. perkembangan pesat seni sekuler, yang mencapai tingkat yang belum pernah terjadi sebelumnya.

Seni ini dicirikan oleh gambaran alam yang akurat, berdasarkan studi tentang hukum perspektif dan anatomi manusia; dan, yang paling penting, pandangan yang dekat dan penuh perhatian terhadap orang tersebut. Para ahli Renaisans menunjukkan kepada kita manusia, pertama-tama, sebagai keajaiban, mahkota ciptaan, yang patut dikagumi. Pada abad ke-17, kegembiraan ini digantikan oleh psikologi yang mendalam dan sadar, kesadaran akan paradoks tragis keberadaan dan sifat manusia itu sendiri (misalnya, dalam karya Velazquez dan Rembrandt).

Seni Rusia abad ke-17 masih bergantung pada tradisi dan kanon. Lukisan sekuler pada masa itu terdiri dari potret parsun (dari kata latin “persona”), yang sangat mengingatkan pada wajah ikonografis. Mereka datar, statis, tanpa chiaroscuro, dan tidak secara akurat menyampaikan penampilan subjek (biasanya diketahui oleh penulis melalui desas-desus). Semua ini tentu saja bukan karena kurangnya bakat. Di hadapan kita ada sistem artistik lain yang ditujukan untuk seni spiritual. Dahulu kala, hal itu menghidupkan karya agung Theophanes orang Yunani dan Andrei Rublev. Namun zaman telah berubah, dan teknik melukis, yang tidak memiliki dasar sejarah, telah berubah menjadi arkaisme.

Perubahan cepat dalam masyarakat - dan juga seni - dimulai pada tahun sembilan puluhan abad ke-17. Contoh tipikalnya adalah potret badut kerajaan Yakov Turgenev, yang dilukis oleh seniman tak dikenal paling lambat tahun 1695. Secara umum, ini adalah parsuna yang khas: gambar beku di pesawat, meskipun cahaya dan bayangan sudah digariskan. Namun yang utama adalah mengindividualisasikan penampilan model: fitur wajah, ekspresi mata; dunia batin dalam potret itu belum tercermin, namun di hadapan kita tidak diragukan lagi ada orang yang hidup.

Ivan Nikitin. Potret Putri Praskovya Ivanovna (?), keponakan Peter I. 1714.
Minyak di atas kanvas. 88 x 67,5 cm

Ivan Nikitin. Potret Baron Sergei Grigorievich Stroganov. 1726
Minyak di atas kanvas. 87 x 65 cm

Ivan Nikitin. Peter I di ranjang kematiannya. 1725
Minyak di atas kanvas. 36,6 x 54,4 cm.Museum Negara Rusia

Fakta bahwa genre potret mulai berkembang dengan sangat cepat tidaklah mengherankan. Pertama, seni ini sudah ada dalam seni lukis Rusia (tidak seperti kebanyakan genre lain yang belum muncul). Alasan utamanya adalah bahwa di era Peter the Great, pentingnya individu meningkat tajam - aktif, haus akan penegasan diri, mendobrak tradisi dan batasan kelas. Inilah “anak-anak ayam dari sarang Petrov” - dari Menshikov hingga Abram Hannibal - orang-orang yang bersemangat dan berbakat dari berbagai asal, berkat siapa kapal Rusia mampu mengatasi lautan badai reformasi radikal. Nasib orang-orang ini seringkali tragis. Nasib serupa menanti seniman terkenal pertama abad ke-18 yang muncul di bawah pemerintahan Peter, Ivan Nikitin.

Ia dilahirkan pada pertengahan tahun 1680-an (tanggal pastinya tidak diketahui) di keluarga seorang pendeta Moskow. Dia menunjukkan kemampuan luar biasa sejak dini: saat masih sangat muda, dia mengajar aritmatika dan menggambar di “sekolah artileri” di Moskow. Ia mulai serius belajar melukis atas arahan Peter I, yang mempelajari bakatnya.

Karya-karya awal Nikitin (misalnya, potret yang diduga menggambarkan keponakan Peter, Praskovya Ioannovna (1714)) dalam banyak hal masih mengingatkan pada parsun karena datar, konvensional, dan mengabaikan anatomi. Namun fitur-fitur baru menjadi semakin terlihat di dalamnya: perhatian terhadap model, upaya untuk menyampaikan karakternya, kehidupan batin. Pada tahun 1716, Nikitin termasuk dalam jumlah pensiunan Peter - kaum muda yang dikirim ke luar negeri untuk belajar dengan biaya negara.

Ivan Nikitin. Potret hetman lantai. 1720-an
Minyak di atas kanvas. 76 x 60 cm

Sebelum berangkat, tsar secara pribadi bertemu dengan sang seniman, dan kemudian menulis surat kepada istrinya (yang saat itu berada di Berlin) memintanya untuk menugaskannya untuk melukis beberapa potret, termasuk raja Prusia, “agar mereka tahu bahwa ada tuan yang baik. dari kalangan rakyat kami.” Dan sekembalinya dari luar negeri, Peter tidak meninggalkan perhatian Nikitin: dia memberinya sebuah rumah di pusat kota St. Petersburg dan memanggilnya "Hofmahler urusan pribadi".

Seniman tersebut merasakan lebih dari sekedar rasa terima kasih kepada kaisar - dia mengagumi kepribadian yang kuat ini dan sangat menghormati kejeniusan negarawannya. Sikap ini sangat terlihat dalam potret terkenal Peter karya Nikitin. Pria dalam potret itu sudah tidak muda lagi; Ada kepahitan dalam tatapannya dan bibir yang terkatup rapat. Rupanya, ia berhasil melihat dan mengapresiasi sisi lain dari prestasi gemilang tersebut. Tapi - menyerah? Mustahil! Ia masih merupakan perwujudan ketabahan dan energi yang tak tergoyahkan. Dan pada tahun 1725, sang seniman harus memenuhi tugas yang menyedihkan: menangkap kaisar di ranjang kematiannya. Lukisan ini memberikan kesan yang kuat. Wajah almarhum, yang secara mengkhawatirkan diterangi oleh nyala lilin (tetap “di belakang layar” gambar), digambarkan dengan sangat realistis dan pada saat yang sama penuh dengan keagungan sejati.

Karya-karya Nikitin ini dan karya-karya lainnya membuktikan pesatnya pertumbuhan keahliannya. Ini misalnya potret Rektor G.I. Golovkin. Sungguh orang yang cerdas, halus, dan ambigu yang digambarkannya! Tampilan matanya yang gelap dan penuh perhatian yang tertuju pada penonton sungguh memesona. Atau “Potret Hetman Lantai” yang megah. Lukisan-lukisan ini singkat, penuh dinamisme internal dan sangat ekspresif. Penulisnya tidak lagi dibatasi oleh kanon; dia mampu melakukan teknik teknis yang paling rumit.

Kekakuan dan kekakuan ini terlihat dalam karya pensiunan Peter Agung lainnya, Andrei Matveev, misalnya, dalam “Potret Diri dengan Istrinya” (1729?). Pose dan ekspresi wajah pasangan muda yang tergambar di dalamnya bersifat statis dan disengaja. Pada saat yang sama, potret itu menarik dengan ketulusan dan kemurnian yang mendalam. Saat kita melihatnya, era yang jauh tiba-tiba muncul di dekatnya dan berbicara langsung kepada kita...

Setelah kematian Peter I, masa-masa sulit dimulai di Rusia. Para penerusnya, yang asyik dengan perebutan kekuasaan, tidak terlalu peduli dengan nasib negara dan rakyatnya yang berbakat. Kehidupan kreatif Ivan Nikitin berakhir menyedihkan. Pada masa pemerintahan Anna Ioannovna, ia ditangkap karena berpartisipasi dalam lingkaran oposisi Moskow, yang darinya muncul pamflet tentang Feofan Prokopovich. Dia menghabiskan lima tahun di benteng, kemudian, pada tahun 1737, dia dipukuli dengan cambuk dan diasingkan ke Siberia. Pengampunan diterima setelah tahun 1742, ketika permaisuri yang suka bertengkar meninggal dunia; sayangnya, sudah terlambat.

Artis yang kelelahan dan sakit itu tidak pernah bisa pulang - dia meninggal dalam perjalanan.

Era kudeta istana, yang hampir membuang segala sesuatu yang telah dicapai di bawah pemerintahan Peter, berakhir pada tahun 1741 dengan naiknya putrinya Elizabeth. Setelah menerima takhta melalui perampasan (Kaisar muda John Antonovich disingkirkan dan dipenjarakan di sebuah benteng), dia dengan tegas berupaya memulihkan ketertiban di negara bagian. Seperti ayahnya, dia berjuang agar Rusia mengambil tempat yang selayaknya di antara negara-negara Eropa. Dia tahu cara menemukan dan mendukung orang-orang berbakat dari berbagai latar belakang sosial. Dan, tidak seperti ayahnya, selama masa pemerintahannya dia tidak menandatangani satu pun surat perintah kematian.

Tidak mengherankan jika pada masa inilah dimulai kebangkitan tinggi kebudayaan nasional. Universitas Moskow didirikan pada tahun 1755, Teater Nasional didirikan pada tahun 1756, dan Akademi Seni didirikan pada tahun 1757. Seni rupa Rusia menjadi benar-benar profesional.

Peran utama dalam seni lukis pada periode ini masih dimiliki oleh potret. Pada tahun empat puluhan dan enam puluhan, I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievsky, K. Golovachevsky bekerja ke arah ini. Seni potret berkembang dalam dua genre: formal dan kamar.

Potret seremonial dalam banyak hal merupakan produk gaya Barok (arah ini, yang berasal dari abad ke-16, kemudian mendominasi di Rusia) dengan kemegahannya yang besar dan kemegahannya yang suram. Tugasnya adalah menunjukkan bukan hanya seseorang, tetapi orang penting dalam segala kemegahan kedudukan sosialnya yang tinggi. Oleh karena itu banyaknya aksesori yang dirancang untuk menekankan posisi ini, kemegahan pose teatrikal. Model digambarkan dengan latar belakang lanskap atau interior, namun tentu saja di latar depan, sering kali dalam ketinggian penuh, seolah-olah menekan ruang di sekitarnya dengan kemegahannya.

Ivan Vishnyakov. Potret M.S.Begichev. 1825 Minyak di atas kanvas. 92x78,5cm
Museum V.A. Tropinin dan seniman Moskow pada masanya, Moskow

Dengan potret seremonial salah satu pelukis potret terkemuka saat itu, I.Ya., menjadi terkenal. Wisnyakov (1699-1761). Karya-karyanya mengikuti tradisi genre, tetapi juga memiliki sejumlah ciri unik dari master ini. Pertama-tama, kecanggihan warna, keanggunan halus, ornamen ringan, yang merupakan ciri khas gaya Rococo. Yang paling indikatif dalam hal ini adalah potret Sarah Eleanor Fermor muda, yang dilukis pada tahun 1749 (beberapa tahun kemudian sang seniman juga membuat potret saudara laki-lakinya).

Seorang gadis kurus bermata gelap dengan wig bubuk dan gaun berbulu halus yang terbuat dari bahan satin kaku membeku dengan latar belakang tirai dan tiang. Kontras antara masa muda yang rapuh dan dekorasi seremonial inilah yang mengesankan, ditekankan oleh seluruh palet gambar berwarna merah muda-perak, warna lipatan keras seperti mutiara, pola halus yang tampak agak miring ke samping. kainnya seperti embun beku di kaca, dan lanskap transparan di latar belakang. Kanvas ini agak mengingatkan pada vas yang terbuat dari porselen halus, yang Anda kagumi, takut untuk disentuh, jangan sampai rusak karena gerakan yang ceroboh.

Vishnyakov adalah pelukis Rusia pertama yang begitu jelas tertarik pada lirik dalam interpretasi gambar. Garis ini akan dilanjutkan dalam karya-karya seniman dan generasi muda sezamannya pada paruh kedua abad ini.

Alexei Antropov. Potret Anna Vasilievna Buturlina. 1763
Minyak di atas kanvas. 60,3 x 47 cm. Galeri Tretyakov Negara

Karya seni potret paling signifikan pada abad ke-18 diciptakan dalam genre potret kamar, bukan potret seremonial. Masa kejayaan genre ini dimulai pada tahun empat puluhan. Hal ini ditandai dengan keringkasan, sejumlah kecil detail (masing-masing menjadi sangat signifikan, menambahkan sesuatu pada karakteristik model), biasanya latar belakang gelap kusam. Ahli potret kamar memusatkan perhatian utama mereka pada wajah, yang ditampilkan dalam jarak dekat, dengan cermat memperhatikan ciri-ciri penampilan, mencapai kemiripan sebanyak mungkin, mencoba menembus dunia batin orang yang digambarkan.

Prestasi utama dalam genre ini adalah milik dua seniman yang, bersama dengan Vishnyakov, dianggap oleh sejarawan seni sebagai pelukis terbesar pada pertengahan abad ke-18 - Antropov dan Argunov.

AP Antropov (1716-1795) belajar melukis dengan kerabatnya, Andrei Matveev, salah seorang pensiunan Pyotr yang Agung. Di masa mudanya, ia mulai bekerja di tim pengecatan Kantor Bangunan di bawah kepemimpinan Matveev pertama, kemudian Vishnyakov. Para master ini memiliki pengaruh besar padanya, dan dia, pada gilirannya, adalah guru Levitsky, karya-karyanya memengaruhi karya Rokotov, dan kemudian Borovikovsky dan Shchukin. Beginilah kesinambungan seni potret Rusia dilakukan sepanjang abad ke-18.

Lukisan Antropov yang paling terkenal dibuat pada tahun lima puluhan dan enam puluhan. Saat ini, menurut peneliti, ia dapat dianggap sebagai tokoh sentral dalam seni lukis Rusia. Potret Buturlin, A.M. Izmailova, M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova dan Ataman Krasnoshchekov digambarkan sebagai orang yang sangat berbeda, tetapi agak mirip - perwakilan dari kelas sosial yang sama, era yang sama. Terkadang lukisan-lukisan ini mengingatkan kita pada Parsun: lukisan-lukisan tersebut (seperti dalam karya-karya Vishnyakov) terkadang kekurangan udara dan dinamisme; Karakteristik eksternal model yang akurat secara konsisten tidak selalu disertai dengan karakteristik internal.

Namun, jika karakteristik ini ada, ia akan menghasilkan kekuatan yang mengesankan. Seperti misalnya pada potret nyonya negara A.M. Izmailova. Wajah wanita paruh baya ini tersembunyi di balik topeng mulus berwarna putih dan merah merona. Ia agung, penuh dengan kekuatan yang angkuh dan kesadaran yang tenang akan keunggulannya sendiri. Pikiran itu tanpa sadar terlintas di benak saya: betapa sulitnya bagi mereka yang berada di bawah komandonya. Namun sang seniman menunjukkan ambiguitas sifat manusia: jika dilihat lebih dekat, kita melihat bahwa mata wanita sombong itu lebih bijaksana dan lembut daripada yang terlihat pada kesan pertama...

Contoh lainnya adalah potret seremonial Kaisar Peter III. Pangeran Holstein ini dipilih oleh Elizabeth yang tidak memiliki anak sebagai penerusnya hanya karena hubungannya (dia adalah keponakannya, cucu Peter I), dan bukan karena kualitas pribadinya, yang sayangnya tidak signifikan. Setelah beberapa bulan pemerintahan yang memalukan, ia dicopot dari takhta oleh istrinya sendiri, calon Permaisuri Agung Catherine. Ketidakberartian kepribadian ini begitu jelas terlihat dalam potret tersebut (walaupun potret itu dipenuhi dengan tirai, tatanan, jubah cerpelai, dan atribut kemegahan dan kekuasaan lainnya) sehingga, sejujurnya, orang merasa kasihan pada kaisar yang malang itu.

Antropov hampir tidak bermaksud untuk menghilangkan prasangka raja sebagai tujuannya. Dia hanya, seperti seorang master sejati, tidak bisa berbohong. Ketepatan yang tak kenal takut seperti itu membuat sang seniman kehilangan kariernya: ia tidak pernah menjadi anggota Akademi Seni yang baru dibuka.

Dengan nama I.P. Argunov (1729-1802) dikaitkan dengan halaman khusus dalam sejarah seni Rusia. Dia adalah seorang budak sepanjang hidupnya. Perbudakan menguat pada abad ke-18, dan secara efektif berubah menjadi sejenis perbudakan. Para bangsawan istana kekaisaran yang brilian, bersaing satu sama lain, mendirikan istana mewah, mendirikan teater dan galeri seni. Kreativitas para arsitek budak, pelukis, musisi, dan aktor sangat diminati. Mereka mencari orang-orang berbakat dan mengasuh mereka, menciptakan kondisi bagi mereka untuk bekerja, tetapi atas kemauan sang majikan, mereka dapat dengan mudah kehilangan segalanya. Argunov juga berada dalam posisi ini, sering kali terpaksa dialihkan perhatiannya dari pekerjaan, baik untuk menyalin lukisan atau mengelola properti pemiliknya.

Ivan Argunov. Bunda Maria. 1753 (?). Minyak di atas kanvas. 202 x 70,7 cm.Museum Negara Rusia
Ivan Argunov. Yesus Kristus. 1753 (?). Minyak di atas kanvas. 198 x 71 cm

Beruntung juga bahwa pemiliknya bukanlah yang terburuk - Sheremetev penting. Sekarang kita berbicara tentang kedua keluarga ini - Sheremetev dan Argunov - yang memuliakan nama mereka dalam sejarah Rusia: yang satu memberi Rusia komandan dan politisi, yang lain - arsitek dan pelukis. Arsiteknya adalah sepupu Ivan Argunov dan putranya Pavel; mereka mengambil bagian dalam pembangunan kompleks istana Kuskovo dan Ostankino. Putra kedua Argunov, Nikolai, yang menjadi terkenal pada pergantian abad ke-18 hingga ke-19, menjadi pelukis potret, seperti ayahnya.

Dengan cara kreatif I.P. Argunov dekat dengan Antropov. Potretnya - terutama yang bersifat seremonial - juga terkadang mengingatkan kita pada Parsun. Orang-orang penting yang digambarkan pada mereka adalah Pangeran dan Putri Lobanov-Rostovsky, Laksamana Jenderal Pangeran M.M. Golitsyn, perwakilan keluarga Sheremetev, dan lainnya menatap tanpa bergerak ke arah penonton, dibatasi oleh kecemerlangan mereka sendiri. Seperti Antropov, Argunov dengan hati-hati menulis tekstur, mengagumi kilauan kain, kilauan perhiasan, dan rangkaian renda yang lapang. (Kekaguman terhadap keindahan dunia material, yang kami catat, tidak hanya terjadi pada para empu ini: ini adalah salah satu ciri khas semua lukisan abad ke-18.)

Karakteristik psikologis para model tersembunyi di balik kecemerlangan ini, namun mereka ada dan cukup mudah diakses oleh mata pemirsa yang penuh perhatian. Dalam potret intim Argunov, ciri khas inilah yang mengemuka. Ini adalah potret Tolstoy, suami dan istri Khripunov, seorang wanita petani tak dikenal dan sejumlah lainnya, yang menggambarkan orang-orang dengan status sosial, usia, dan temperamen yang sangat berbeda. Sang seniman menatap wajah orang-orang ini dengan penuh perhatian dan penuh minat, memperhatikan sedikit pun ciri-ciri penampilan dan karakter, terkadang secara terbuka mengagumi kecantikan mereka, terutama kecantikan batin mereka (ini terutama terlihat dalam potret Khripunova dan seorang wanita petani tak dikenal dalam kostum Rusia. ).

Ivan Argunov mendapatkan pengakuan dari orang-orang sezamannya baik sebagai seniman (bukan tanpa alasan bahwa setelah naik takhta Catherine II, Senat menugaskannya untuk potret seremonial permaisuri muda, yang sangat membuatnya senang), dan sebagai seorang guru. Murid-muridnya, selain putranya Nikolai, K.I. Golovachevsky, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - pelukis terkenal masa depan dan tokoh terkemuka di Akademi Seni.

Genre yang muncul dalam seni Rusia pada tahun-tahun terakhir pemerintahan Peter, mencapai puncaknya pada era pasca-Petrine dan mendapat semacam kelanjutan pada pertengahan dan paruh kedua abad ini, patut mendapat diskusi khusus.
Kita berbicara tentang benda mati.

Genre ini sangat populer dalam seni Eropa abad ke-18 (ketika istilah itu sendiri muncul). Benda mati mewah seniman Flemish dan Belanda sangat terkenal: gelas anggur berkilau, tumpukan buah-buahan, dan hewan buruan mati - semacam simbol kegembiraan duniawi dan kelimpahan materi. Dunia material tidak pernah berhenti memukau dan menyenangkan para pelukis, begitu pula di Rusia, ketika seni rupa sekuler mulai berkembang pesat di sana.

Benda mati Rusia pertama dilukis oleh beberapa master, termasuk yang anonim. Di antara mereka, nama paling terkenal adalah Grigory Teplov. Seorang seminaris, murid Feofan Prokopovich, yang kemudian menjadi negarawan dan ilmuwan, ia menciptakan beberapa lukisan orisinal dan sangat menarik dengan caranya sendiri. Mereka menggambarkan hal-hal sehari-hari yang tersebar seolah-olah acak-acakan di atas papan kayu, di mana kanvas disamarkan. Mereka dilukis dengan sangat hati-hati sehingga tercipta ilusi realitas; bukan tanpa alasan para kritikus seni menyebut jenis still life ini sebagai “trik”.

Ukiran, jam tangan, catatan, botol obat, pulpen dan buku catatan, pada dasarnya benda-benda yang baru mulai digunakan ini merupakan tanda-tanda cara hidup baru yang belum menjadi kebiasaan. Inilah kehidupan orang-orang yang didorong oleh ketertarikan pada dunia dan kehausan akan pengetahuan; bagi mereka suatu benda bukan sekedar barang rumah tangga, melainkan suatu misteri yang patut untuk dipahami. Itulah sebabnya lukisan yang terkesan tanpa seni ini memiliki energi yang begitu kuat. Mereka membuat kita merasakan daya tarik yang luar biasa dari masa-masa yang jauh itu. Seolah-olah “umpan” itu memang nyata, makhluk hidup, yang saat ini, beberapa saat yang lalu, telah disentuh oleh tangan pemiliknya yang telah lama tiada…

Beberapa tahun telah berlalu - dan sekarang kehidupan telah kembali seperti biasanya dan kesedihan sang penemu telah digantikan oleh kegembiraan yang meriah dengan kegembiraan hidup. Begitulah suasana istana Elizabeth - “Elizabeth yang ceria”, begitu orang-orang sezamannya memanggilnya. Seiring dengan Barok, gaya Rococo mulai menjadi mode - ringan, menyenangkan, genit. Enfilade aula istana didekorasi dengan dekorasi yang unik.

Boris Sukhodolsky. Astronomi. Sekitar tahun 1754. Desudeporte
Minyak di atas kanvas. 100 x 210 cm. Galeri Tretyakov Negara

Saat itulah jenis benda mati yang unik - desudéportes, atau panel pintu - berkembang dalam seni Rusia. Mereka menggambarkan vas, bunga dan buah-buahan, pemandangan indah, tirai, dan ornamen. Dirancang untuk mendekorasi dan menyelaraskan interior, mereka jarang dapat dianggap sebagai karya seni independen, di luar arsitektur umum dan, seperti yang mereka katakan sekarang, solusi desain untuk ruang tersebut. Pada saat yang sama, mereka biasanya dilakukan pada tingkat yang sangat tinggi.

Dalam pelatihan para master yang bekerja di bidang ini, lembaga seperti Kantor Bangunan St. Petersburg yang disebutkan di atas, yang memiliki tim arsitektur dan lukisan, memainkan peran utama. Para seniman dari tim lukis melaksanakan berbagai pesanan untuk mengecat istana, gereja, gedung kemenangan dan pesta. Di antara mereka, master seperti Ivan Firsov, saudara Alexei dan Ivan Belsky, dan Boris Sukhodolsky menonjol.

Karya-karya Firsov dan A. Belsky sangat dekoratif; Saat menggambarkan vas, buah-buahan, dan gorden, mereka sama sekali tidak berusaha agar terlihat seperti aslinya. Interior yang didekorasi dengan karya para master ini memperoleh kelengkapan dan kecemerlangan.

Sukhodolsky memandang tugasnya agak berbeda. Desudéportesnya, pada umumnya, adalah lanskap. Diintegrasikan secara artistik ke dalam interior, namun semuanya terlihat sepenuhnya terpisah. Taman dan taman bergaya Barok akhir - dengan tanaman hijau subur, gua, reruntuhan dan air mancur, dihiasi dengan patung-patung dalam semangat kuno dan patung orang-orang hebat. Taman seperti itu sangat populer di abad ke-18; beberapa di antaranya, misalnya taman terkenal di Pavlovsk, masih bertahan hingga saat ini. Ngomong-ngomong, di taman ini, di bawah Catherine II terdapat perpustakaan taman khusus: melihat patung-patung besar, sungguh menyenangkan untuk terlibat dalam pembacaan serius dan refleksi tentang keagungan. Kita juga dapat melihat gambar orang yang sedang membaca di panel Sukhodolsky (misalnya, “Walk”, sekitar tahun 1754).

“Falseaux” dan desudeportes mungkin tampaknya bukan topik yang terlalu serius untuk dipertimbangkan selain pencapaian tinggi dalam seni potret, sejarah, dan genre lukisan.

Namun tanpa mereka, gagasan seni abad ke-18 tidak akan lengkap. Mereka berhubungan erat dengan waktu yang melahirkan mereka. Mungkin tidak berlebihan untuk mengatakan bahwa mereka mengandung jiwa masa kini, pesona uniknya.

Ivan Sablukov. Potret Catherine II. 1770-an Minyak di atas kanvas. 85x65,5cm

Pada tahun 1762, tahta Rusia diduduki oleh mantan putri Jerman Sophia Frederica - Permaisuri Catherine II. Dia menggulingkan suaminya, yang tidak mampu mengatur negara atau mempertahankan setidaknya beberapa prestise istana kekaisaran, dengan bantuan seorang penjaga. “Abad Perempuan”, demikian sebutan abad ke-18, terus berlanjut dan mencapai puncaknya.

Di bawah kepemimpinan Catherine, Rusia menjadi kekuatan yang sangat besar. Keberhasilan menyertai pasukan dan diplomasinya. Tanah baru dianeksasi, termasuk wilayah Laut Hitam Utara, Krimea, dan Kaukasus Utara; Perbatasan kekaisaran bergeser jauh ke selatan dan barat. Di Eropa, Rusia dianggap sebagai sekutu yang diinginkan dan musuh yang sangat berbahaya;
konflik mengenai negara-negara Eropa tidak dapat diselesaikan tanpa partisipasinya.

Kebijakan dalam negeri Catherine sangat tegas dan keras. Dia memilih Peter I sebagai contoh bagi dirinya sendiri (atas perintahnya, sebuah monumen terkenal didirikan untuknya di Lapangan Istana St. Petersburg). Memperkuat fondasi monarki absolut, ia memberikan hak istimewa kepada kaum bangsawan - pendukung utamanya - dan memperkuat perbudakan kaum tani. Sebagai penggemar Pencerahan Prancis, dia, untuk mencegah agar fondasi negara tidak dirusak (dengan dimulainya revolusi di Prancis, tugas ini menjadi sangat mendesak!), menganiaya pemikiran bebas dan tanpa ampun menekan pemberontakan petani.

Catherine, seperti Peter dan Elizabeth, tahu bagaimana menghargai bakat. Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin hanyalah sebagian kecil dari konstelasi nama yang memuliakan masanya. Nama-nama cemerlang pelukis Rusia juga terjalin dalam konstelasi ini.

Ivan Sablukov. Potret Countess L.N. Kusheleva. tahun 1770-an. Minyak di atas kanvas. 65x50cm
Museum Seni Negeri Nizhny Novgorod

Lukisan Rusia, seperti halnya budaya pada umumnya, saat ini sangat dipengaruhi oleh ide-ide Pencerahan. Gerakan sosio-filosofis yang lahir di Perancis ini didasarkan pada pemujaan terhadap nalar, yang mampu memahami dunia dan mengubahnya berdasarkan prinsip keadilan, kemanfaatan dan kemajuan. Bagi para pencerahan, semua konsep ini jelas positif. Apa yang menghambat kemajuan harus dikutuk; yang tidak rasional dan tidak dapat dijelaskan dianggap salah.

Klasisisme menjadi ekspresi ide-ide tersebut dalam seni. Berdasarkan persepsi zaman kuno sebagai suatu cita-cita, gerakan ini, berbeda dengan Barok dan Rococo, mengupayakan kejelasan dan kesederhanaan yang ketat. Kecantikan dapat diukur - inilah kredo klasisisme. Ada undang-undang, yang dengan ketat dipatuhi, Anda dapat menciptakan karya seni yang sempurna. Di satu sisi, ini adalah keakuratan, proporsionalitas, kesatuan bagian; di sisi lain, “publik lebih tinggi dari pada pribadi”, “tugas lebih tinggi dari cinta”.

Di Prancis, seniman, penulis naskah drama, dan arsitek mengikuti prinsip klasisisme pada abad ke-17 - jauh sebelum Pencerahan; Di Rusia, masa kejayaan seni klasik terjadi pada paruh kedua abad ke-18. Kegiatan Akademi Seni, yang didirikan pada tahun 1757 di St. Petersburg, memainkan peran besar dalam hal ini.

Pentingnya Akademi dalam sejarah seni Rusia sangatlah besar. Selama beberapa dekade, lembaga ini tetap menjadi satu-satunya lembaga pendidikan seni tinggi di Rusia. Setelah menerima status Kekaisaran pada tahun 1764, ia tetap berada di bawah pengawasan terus-menerus dari pihak berwenang, yang, di satu sisi, memberikannya kesempatan untuk membiayai perjalanan bisnis jauh ke luar negeri bagi siswa terbaik, dan di sisi lain, untuk membatasi “ideologis kebingungan dan kebimbangan.”

Kirill Golovochevsky. Potret Countess Sofia Dmitrievna Matyushkina di masa kecil. 1763.
Minyak di atas kanvas. 61,2 x 47,5 cm. Galeri Tretyakov Negara

Anton Losenko. Potret penyair dan penulis naskah Alexander Petrovich Sumarokov
Minyak di atas kanvas. 74 x 64,5 cm

Namun sistem penerimaan siswa cukup demokratis dan tidak terbebani oleh formalitas. Tiga siswa I.P. termasuk yang pertama masuk Akademi. Argunova - Losenko, Sablukov dan Golovachevsky. Dengan pelatihan yang baik, mereka tidak hanya belajar, tetapi juga membantu guru mengajar kelas akademik, bahkan pernah memimpin kelas melukis.

Pengajaran di Akademi tentu saja didasarkan pada prinsip klasisisme. Para pemuda yang belajar ditanamkan gagasan tentang perlunya mengandalkan pengalaman masa lalu, nilai-nilai tradisi, terutama tradisi kuno. Seni, jelas para guru, harus berjuang untuk mencapai cita-cita yang, sayangnya, tidak sesuai dengan kehidupan di sekitarnya. Namun, ia juga mengandung pola-pola ideal; seniman yang baik akan mengidentifikasinya dan menampilkan alam di atas kanvas dengan koreksi sebagaimana mestinya.

Mengingat prinsip-prinsip tersebut, tidak mengherankan jika para akademisi menempatkan genre sejarah pada urutan pertama dalam seni lukis (subjek alkitabiah, legenda, dan mitologi juga dianggap sejarah). Setelah pembukaan Akademi, genre ini mulai berkembang dalam seni Rusia.

Di antara mahasiswa I.P. Argunov, yang masuk Akademi Seni, A.P. mencapai kesuksesan kreatif terbesar. Losenko. Dia membuktikan dirinya sebagai pelukis potret yang luar biasa: Sumarokov, Ivan Shuvalov, dan pendiri teater Rusia Fyodor Volkov berpose untuknya. Tapi pertama-tama, kita mengenal dan menghargainya sebagai pelukis sejarah - pendiri genre ini dalam seni Rusia.

Anton Losenko, putra yatim piatu dari seorang petani Rusia Kecil, mampu menjalani hidupnya hanya berkat bakatnya. Di awal masa mudanya dia bernyanyi di paduan suara istana, dari sana dia menjadi murid Argunov. Kemudian dia dikirim ke Akademi. Dia selalu dibedakan oleh observasi, keingintahuan yang hidup, dan keinginan yang rakus akan pengetahuan. Saat berada di luar negeri (pada tahun enam puluhan ia mengunjungi Paris dua kali, lalu Roma), Losenko menyimpan “Jurnal karya seni lukis dan patung terkenal yang saya perhatikan,” di mana ia dengan cermat menganalisis kesannya terhadap karya-karya master besar Eropa - Raphael, Rubens, Rembrandt, Poussin, mempelajari monumen kuno, menentukan jalannya sendiri dalam seni.

Anton Losenko. Kematian Adonis. 1764 Minyak di atas kanvas. 77,6x105,2cm

Anton Losenko. Zeus dan Thetis. 1769
Minyak di atas kanvas. 172 x 126 cm.Museum Negara Rusia

Dan selanjutnya, saat mengajar seniman muda di Akademi, dia tidak pernah berhenti belajar sendiri. Dia berusaha keras untuk menguasai teknik dengan sempurna, pengetahuan yang tepat tentang anatomi dan perspektif. Gambarnya dianggap sebagai salah satu pencapaian tertinggi grafis abad ke-18; untuk waktu yang lama mereka menjadi model bagi siswa Akademi di kelas menggambar. Manual pertama tentang anatomi plastik yang disusun olehnya di Rusia - “Penjelasan tentang proporsi singkat seseorang... untuk kepentingan kaum muda yang berlatih menggambar...” - juga digunakan di Akademi selama beberapa dekade.

Prinsip artistik Losenko ditentukan pada akhir tahun enam puluhan. Logika klasisisme yang jelas pada waktu itu tampak seperti angin segar dengan latar belakang kepura-puraan dekoratif dan dipenuhi dengan alegori mendiang Barok dan Rococo, yang dalam semangat karya seniman asing yang diundang ke Rusia pada waktu itu (misalnya, S .Torelli dan F. Fontainebasso). Pada tahun 1768, Losenko melukis dua "tokoh akademis seukuran orang biasa" - studi tentang tubuh telanjang, yang secara konvensional disebut "Kain" dan "Abel", dan setahun kemudian - lukisan "Zeus dan Thetis". Dalam karya-karyanya ia pertama kali mendeklarasikan dirinya sebagai seniman gerakan klasik.

Karya terbaik Losenko adalah lukisan bergenre sejarah, ditulis dengan tema kuno dan, yang terpenting, sejarah nasional. Pada tahun 1770, ia memamerkan lukisan “Vladimir dan Rogneda” di Akademi. Plotnya didasarkan pada peristiwa di abad ke-10, yang dijelaskan dalam The Tale of Bygone Years. Vladimir, calon Adipati Agung Kiev, merayu putri Polotsk Rogneda dan, setelah menerima penolakan, menangkapnya dengan paksa setelah dia mengalahkan Polotsk dan membunuh ayah dan saudara laki-lakinya. Daya tarik terhadap plot dari sejarah Rusia merupakan hal yang inovatif dan sekaligus sangat indikatif pada paruh kedua abad ke-18, ketika masyarakat Rusia, dalam kondisi kebangkitan nasional, mulai menyadari pentingnya dan kehebatan sejarah masa lalunya. Para pahlawan kronik dan legenda berdiri setara dengan tokoh-tokoh kuno dan alkitabiah, menunjukkan contoh yang sama tentang nafsu yang kuat dan perasaan yang tinggi.

Anton Losenko. Abraham mengorbankan putranya Ishak. 1765
Minyak di atas kanvas. 202 x 157 cm.Museum Negara Rusia

Anton Losenko. Hasil tangkapan ikan yang luar biasa. 1762
Minyak di atas kanvas. 159,5 x 194 cm.Museum Negara Rusia

Dalam gambar tersebut, Vladimir tidak tampil sebagai penakluk yang kejam. Dia jatuh cinta dan tertekan oleh kesedihan wanita yang dicintainya, yang dia sendiri yang menyebabkannya. Apakah kesewenang-wenangan dan cinta cocok? Kisah yang Losenko ketahui dengan baik memberikan jawabannya: Vladimir dan Rogneda hidup dalam pernikahan yang sejahtera selama bertahun-tahun... sampai sang pangeran meninggalkannya demi seorang putri Bizantium, yang harus dinikahinya karena alasan politik.

Tiga tahun kemudian, sang seniman mempersembahkan kepada penonton lukisan lain dengan tema sejarah - “Perpisahan Hector dengan Andromache,” sebuah komposisi multi-figur yang kompleks, dieksekusi dengan kecemerlangan profesional dan mengagungkan pengorbanan diri atas nama Tanah Air.

Mengikuti Losenko, seluruh galaksi pelukis sejarah memasuki seni Rusia, yang sebagian besar adalah muridnya: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov. Mereka semua dibedakan oleh keterampilan tingkat tinggi: gambar yang halus, kefasihan dalam warna dan chiaroscuro, dan penggunaan teknik komposisi yang paling rumit.

Keahlian ini memberikan kesan yang luar biasa dalam lukisan Akimov yang berusia sembilan belas tahun “Adipati Svyatoslav, mencium ibu dan anak-anaknya sekembalinya dari Danube ke Kyiv,” yang ditulis di bawah pengaruh besar seorang guru, tetapi pada tingkat profesional. seorang seniman yang sepenuhnya dewasa. Selanjutnya, I.A. Akimov (1754-1814) menciptakan sejumlah lukisan, terutama bertema mitologi (misalnya, “Bakar Diri Hercules”), diajarkan di Akademi untuk waktu yang lama, dan pernah memimpinnya. Pada tahun 1804, ia menulis salah satu esai pertama tentang seni Rusia - “Informasi sejarah singkat tentang beberapa seniman Rusia.”

Di antara karya-karya P.I. Sokolov (1753-1791) sangat menarik dalam lukisan “Merkurius dan Argus”, di mana sosok orang kuat perkasa yang tertidur dan Merkurius licik yang berbahaya, yang akan memukulnya dengan pedang, dikontraskan. Sokolov juga dikenal sebagai salah satu juru gambar akademis terbaik: penggambarannya tentang pengasuh menggunakan pensil dan kapur Italia di atas kertas berwarna dianggap oleh sejarawan seni sebagai salah satu pencapaian tertinggi grafis Rusia pada abad ke-18.

Karya-karya M. Puchinov (1716-1797) dibedakan oleh peningkatan dekorasinya, berasal dari lukisan Rusia abad pertengahan dan umumnya tidak biasa untuk seni klasisisme. Contoh komposisi dekoratif dan kaya warna adalah lukisan “Pertemuan Alexander Agung dengan Diogenes,” yang menggambarkan pertemuan dengan filsuf Alexander Agung, di mana ia menerima gelar akademisi pada tahun 1762.

Ivan Akimov. Prometheus membuat patung atas perintah Minerva. 1775
Minyak di atas kanvas. 125 x 93 cm

Ivan Akimov. Saturnus dengan sabit, duduk di atas batu dan memotong sayap Cupid. 1802
Minyak di atas kanvas. 44,5 x 36,6 cm. Galeri Tretyakov Negara

Matvey Puchinov. Pertemuan Alexander Agung dengan Diogenes
Minyak di atas kanvas Museum Negara Rusia 217 x 148 cm

Peran khusus dalam pengembangan lukisan sejarah Rusia dimainkan oleh G.I. Ugryumov (1764-1823). Dia jatuh cinta dengan sejarah Rusia dan menggambar subjek lukisannya dari sejarah tersebut. Dia terutama melukis kanvas multi-gambar besar yang didedikasikan untuk peristiwa sejarah penting, mengisinya dengan ide-ide yang dekat dengan masyarakat Rusia pada pergantian abad. Misalnya, dalam lukisan “Panggilan Mikhail Fedorovich kepada Tsar pada 14 Maret 1613” (paling lambat tahun 1800), ia mengembangkan tema kekuasaan sebagai tugas dan beban, yang relevan setiap saat. Mikhail muda, meski tidak yakin dengan kemampuannya, menuruti kemauan rakyat yang memilihnya menjadi raja, karena ia merasa bertanggung jawab di hadapan rakyat dan Tanah Air.

Pahlawan Ugryumov tidak hanya bisa berupa penguasa dan jenderal (“Seremonial masuknya Alexander Nevsky ke kota Pskov setelah kemenangannya atas Jerman,” “Penangkapan Kazan”), tetapi juga orang-orang biasa, seperti kozhemyaki Kyiv yang legendaris Jan Usmar (“Ujian Kekuatan Jan Usmar”). Lukisannya dicirikan, selain konten semantik, oleh solusi komposisi ekspresif, warna yang kaya, dan permainan chiaroscuro yang cerah.

Ugryumov menjadi guru seni lukis sejarah di Akademi pada awal tahun sembilan puluhan (tak lama setelah dia lulus) dan tetap seperti itu selama lebih dari dua puluh tahun. Ia menyempurnakan metode pengajaran menggambar, menjadikannya lebih bebas dan dekat dengan alam. Pelatihan teknis luar biasa yang diberikan Akademi kepada siswanya selama abad berikutnya sebagian besar berkat dia.

Grigory Ugryumov. Pemanggilan Mikhail Fedorovich Romanov naik takhta pada 14 Maret 1613. Paling lambat tahun 1800
Minyak di atas kanvas. 510x393 cm.Museum Negara Rusia

Grigory Ugryumov. Penangkapan Kazan pada tanggal 2 Oktober 1552 Paling lambat tahun 1800. Minyak di atas kanvas. 510x380cm
Museum Seni Nasional Republik Belarus, Minsk

Grigory Ugryumov. Masuknya Alexander Nevsky secara seremonial ke kota Pskov setelah kemenangannya atas Jerman. 1793 (1794?). Minyak di atas kanvas Museum Negara Rusia 197,5×313,5 cm

Grigory Ugryumov. Uji Kekuatan Jan Usmar 1796 (1797?)
Minyak di atas kanvas Museum Negara Rusia 283 x 404 cm

Paruh kedua abad ke-18 adalah masa kejayaan seni potret Rusia. Generasi master baru akan datang, dengan ide dan gagasan baru tentang seperti apa seharusnya sebuah potret. Klasisisme mempengaruhi mereka, tetapi pada tingkat yang jauh lebih rendah dibandingkan pelukis sejarah. Didorong oleh ketertarikan yang besar terhadap kepribadian manusia, mereka berusaha untuk menunjukkannya sedalam dan sekomprehensif mungkin. Tipologi potret semakin meluas: kostum dan mitologis ditambahkan ke potret formal dan ruang yang sudah ada. Lingkaran sosial para model meningkat - dan, yang biasanya terjadi, terutama karena orang-orang yang bekerja kreatif yang mendapatkan ketenaran karena bakat dan pengetahuan mereka, dan bukan karena asal usul mereka yang tinggi. Seni potret tidak lagi bersifat elitis dan melampaui ibu kota: penduduk provinsi Rusia juga ingin mengabadikan diri mereka untuk anak cucu, dan melalui upaya banyak pelukis provinsi, galeri gambar yang luas sedang dibuat; bahan yang sangat menarik bagi kritikus seni dan sejarawan.

Singkatnya, seni potret dapat dengan aman disebut sebagai puncak seni lukis Rusia pada paruh kedua abad ini. Di puncak ini, pertama-tama, ada dua nama: Rokotov dan Levitsky.

Rokotov dan Levitsky. Siapa pun yang pernah melihat potret yang mereka buat akan selamanya terpesona. Sangat mirip dan sangat berbeda. Levitsky yang anggun, bermain-main dengan gambar, dengan murah hati menggunakan detail, alegori, sudut - dia terkadang tidak segan-segan mengolok-olok modelnya, meskipun dia memiliki sikap yang sangat penuh kasih terhadap mereka. Dan Rokotov yang misterius - wajah-wajah dalam lukisannya melayang keluar dari senja yang samar-samar, menggairahkan dan menarik secara luar biasa... Meskipun tekniknya tampak monoton, ia mencapai kedalaman psikologis yang luar biasa dan kekuatan dampak emosional. Sejarawan seni terkadang membandingkan seniman ini dengan dua pelukis potret hebat lainnya - Reynolds dan Gainsborough dari Inggris. Memang benar, persamaannya jelas. Tentu saja, kita tidak berbicara tentang pengaruh atau pinjaman apa pun. Inilah keintiman batin. Satu era, serupa proses sejarah... Orang-orang yang tinggal di berbagai belahan Eropa sering kali menemukan lebih banyak kesamaan daripada yang diyakini secara umum karena alasan tertentu.

Kita. 65:

Fyodor Rokotov. Potret Praskovya Nikolaevna Lanskaya. Awal tahun 1790-an. Minyak di atas kanvas. 74x53 cm (opal). Galeri Tretyakov Negara
Fyodor Rokotov. Potret Varvara Ermolaevna Novosiltseva. 1780 Minyak di atas kanvas. 70,5x59 cm (lonjong). Galeri Tretyakov Negara

Kita tidak tahu banyak tentang kehidupan Fyodor Stepanovich Rokotov. Tanggal lahirnya masih diperdebatkan: 1732 atau 1735; dan mungkin tahun 1736 (artisnya meninggal tahun 1808). Diketahui bahwa ia dilahirkan dalam keluarga budak dan menerima kebebasannya setelah ia mulai melukis. Dia mencapai ketenaran sejak dini: pada akhir tahun lima puluhan, ketika usianya masih jauh dari tiga puluh tahun, dia ditugaskan untuk melukis potret seremonial Grand Duke Peter Fedorovich (calon Peter III). Pada saat yang sama, ia melukis lukisan yang tidak biasa untuk karyanya - salah satu interior Rusia pertama, “Kantor I.I. Shuvalov." Ini bukan sekedar interior, ini semacam “potret tanpa model” (namun, kita masih melihat Shuvalov: potretnya karya J.-L. de Velli digantung di dinding kantornya). Pangeran Ivan Shuvalov tidak hanya seorang negarawan besar, tetapi juga salah satu orang paling terpelajar pada masanya, pendiri Universitas Moskow, seorang ahli dan penikmat seni. Lukisan Rokotov, yang mereproduksi perabotan kantornya dengan akurasi dokumenter, menghidupkan kembali suasananya, membantu kita lebih memahami pria luar biasa ini.

Hingga pertengahan tahun enam puluhan, Rokotov tinggal di St. Meski begitu, ia mendapat begitu banyak pesanan sehingga, meskipun ia bekerja sangat cepat, detail-detail kecil dari potret tersebut harus diselesaikan oleh murid-muridnya. Salah satu orang sezamannya menulis dengan gembira tentang potret luar biasa A.P. Sumarokov, dibuat hanya dalam tiga sesi: “... kamu, hampir bermain, hanya menandai penampilan wajahnya dan ketajaman penglihatannya (tatapan), pada saat itu jiwanya yang berapi-api, dengan segenap kelembutan hatinya, tidak melakukannya sembunyikan asya di kanvas yang dianimasikan olehmu…”

Fyodor Rokotov. Potret Varvara Nikolaevna Surovtseva. Paruh kedua tahun 1780-an.
Minyak di atas kanvas. 67,5x52 cm (lonjong). Museum Negara Rusia

Fyodor Rokotov. Potret Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
lahir Durasova. Paruh pertama tahun 1790-an.
Minyak di atas kanvas. 63,5 x 49,5 cm (lonjong). Museum Negara Rusia
Fyodor Rokotov. Potret Countess Elizaveta Vasilievna Santi, née Lachinova. 1785
Minyak di atas kanvas. 72,5x56 cm (lonjong). Museum Negara Rusia

Potret Grand Duke Pavel Petrovich, yang dilukis pada tahun 1761, sangat bagus. Pria ini, beberapa dekade kemudian, akan menjadi kaisar Rusia yang misterius dengan karakter yang tidak dapat dipahami dan nasib yang tragis. Sementara itu, ini hanyalah seorang anak kecil, lincah dan berubah-ubah; Pesona masa kanak-kanak ditonjolkan oleh kombinasi hangat warna emas dan merah, yang menjadi dasar warna gambar.

Sekitar tahun 1766 sang seniman pindah ke Moskow. Di sana, pada tahun enam puluhan dan delapan puluhan, karya terbaiknya dilukis: potret V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A.Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, suami istri Struisky dan Surovtsev dan banyak lainnya. Dia menulis dengan gaya ruang yang ketat, seiring berjalannya waktu menunjukkan ketertarikan yang semakin besar terhadap kesederhanaan klasik. Detail minimal, latar belakang gelap sederhana. Semua perhatian pemirsa tertuju pada wajah sang model. Wajah-wajah ini sangat berbeda; yang menyatukan mereka adalah bahwa mereka semua bersifat spiritual. Rokotov tidak melukis orang-orang yang dangkal, atau lebih tepatnya, dia mampu melihat kedalaman mereka pada setiap orang yang berpose untuknya. Mata yang hidup menatap kami, terkadang mengejek, terkadang sedih, terkadang dengan kecemasan yang menyakitkan. Mereka selalu mengandung rahasia, teka-teki kehidupan yang tidak kita ketahui. Ketidakmampuan untuk menyelesaikannya membuatnya khawatir, membuatnya melihatnya lagi dan lagi...

Mungkin penyair Nikolai Zabolotsky mengatakan yang terbaik tentang efek menghipnotis potret Rokotov terhadap pemirsanya:

...Apakah kamu ingat bagaimana, dari kegelapan masa lalu,
Hampir tidak terbungkus satin,
Dari potret Rokotov lagi
Apakah Struyskaya sedang melihat kami?
Matanya seperti dua kabut,
Setengah tersenyum, setengah menangis,
Matanya seperti dua tipu daya,
Kegagalan tertutup kegelapan.
Kombinasi dua misteri
Setengah senang, setengah takut,
Kelembutan yang gila,
Antisipasi rasa sakit yang mematikan...
(Dari puisi “Potret”, 1954).

Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) lahir dan menghabiskan tahun-tahun awalnya di Ukraina. Seni menemaninya sejak kecil: ayahnya, seorang pendeta, gemar mengukir dan dianggap sebagai salah satu pengukir Ukraina terbaik. Namun, sulit untuk mengatakan bagaimana nasib Levitsky jika bukan karena pertemuan dengan A.P. Antropov, yang datang ke Kyiv untuk mengawasi pekerjaan lukisan di Gereja St.Andrew. Antropov memperhatikan bakat Dmitry dan menerimanya sebagai murid.

Levitsky belajar banyak dari gurunya. Pertama-tama, kemampuan memberikan gambaran yang akurat dan pasti tentang orang yang digambarkan. Namun ia melangkah lebih jauh dari Antropov, mengisi karya-karyanya dengan kedalaman, memasukkan humanisme dan visi yang luas ke dalamnya, yang membuatnya mirip dengan Rokotov.

Dia melukis lukisan pertama yang memungkinkan kita berbicara tentang Levitsky sebagai seniman dewasa pada pergantian tahun enam puluhan dan tujuh puluhan. Ini adalah potret A.F. Kokorinov (arsitek terkenal, pembangun gedung Akademi Seni) dan N.A. Sezemova. Dalam potret Sezemov, orang dapat melihat penampilan yang tidak biasa dari orang yang digambarkan dalam seni pada waktu itu - penduduk asli kaum tani. Potret Denis Diderot, yang dilukis pada tahun 1773, ketika filsuf Prancis itu datang ke St. Petersburg, juga sangat menarik.

Pada tahun 1773 yang sama, Levitsky menerima pesanan besar dari Catherine II. Hingga tahun 1776, karyanya berlanjut di “Smolyanka” - serangkaian potret mahasiswa Institut Smolny, potret yang sama yang akan memuliakan namanya selamanya, bahkan jika ia tidak melukis apa pun lagi. Kesan keseluruhan yang muncul saat Anda melihat potret-potret menakjubkan ini satu demi satu dapat diungkapkan dalam beberapa kata: kebahagiaan, kegembiraan, perayaan! Gadis-gadis licik dalam kostum teater, dengan malu-malu memerankan adegan pastoral di depan sang seniman, sungguh luar biasa baik. Di sinilah penduduk asli Little Russia yang cerah ini memberikan kebebasan pada kecintaannya pada kehidupan, optimisme, dan kekagumannya terhadap fakta keberadaan. Setiap potret merupakan karya mandiri, setiap wanita Smolensk memiliki karakternya masing-masing. Namun secara keseluruhan mereka membentuk kesatuan semantik dan gaya yang indah, dan dengan kegembiraan yang tidak kalah dengan wajah mereka, sang seniman melukis pakaian mereka, dengan ahli menyampaikan karakteristik kain: sutra dan satin, beludru, renda dan brokat.

Dan ini lukisan indah lainnya, dilukis pada tahun 1773 yang sama. Di dalamnya, Levitsky tidak hanya menunjukkan keterampilan dan selera humor, tetapi juga, mungkin, keberanian yang luar biasa. Ini adalah potret dari peternak terkenal P.A. Demidova. Potret itu bersifat seremonial: Demidov digambarkan dalam pose bangga, dalam pertumbuhan penuh, di belakang punggungnya, sebagaimana mestinya, ada tiang dan tirai. Namun, dia tidak mengenakan seragam yang dipesan, tetapi dengan topi rumah dan gaun rias, dan tidak bersandar pada buku besar atau patung seniman hebat, tetapi pada kaleng penyiram. Isyarat tangan yang agung ditujukan kepada pot bunga: ini dia, pencapaian utama dan karya seumur hidup! Makna ironis dari potret tersebut, tentu saja, tidak sekadar membenamkan sang model di lingkungan rumah: teknik seperti itu, yang lebih dari satu kali ditemukan dalam potret abad ke-18, hanya akan menambah ketulusan dan kehangatan pada gambar tersebut. Namun justru kombinasi dari hal-hal yang tidak sesuai yang membantu memberikan gambaran yang sangat akurat tentang Demidov, yang, di satu sisi, memiliki pikiran yang luar biasa, dan di sisi lain, watak yang sangat aneh dengan tanda-tanda tirani yang tidak masuk akal.

Ketepatan karakteristik ini merupakan ciri khas semua potret karya Levitsky. Dia sangat tahu bagaimana memperhatikan hal utama dalam diri seseorang dan menciptakan citra yang holistik dan jelas. Dan dia tidak pernah memperlakukan modelnya dengan objektivitas yang dingin. Jika dia menyukai seseorang, dia melukiskan gambaran yang memancarkan kehangatan (potret M.A. Dyakova-Lvova, ayah artis dan putrinya, suami-istri Bakunin, dan lain-lain).

Dmitry Levitsky. Potret seorang pendeta (G.K. Levitsky?). 1779
Minyak di atas kanvas. 71,2 x 58 cm. Galeri Tretyakov Negara

Dmitry Levitsky. Potret arsitek Alexander Filippovich Kokorinov. 1769

Dmitry Levitsky. Potret murid dari Imperial Educational Society dari gadis bangsawan Feodosia Stepanovna Rzhevskaya dan Nastasya Mikhailovna Davydova. 1772
Minyak di atas kanvas. Museum Negara Rusia 161 x 103 cm

Dmitry Levitsky. Potret seorang murid dari Imperial Educational Society for Noble Maidens Ekaterina Ivanovna Nelidova 1773.
Minyak di atas kanvas Museum Negara Rusia 164 x 106 cm

Dmitry Levitsky. Potret seorang murid dari Imperial Educational Society for Noble Maidens Ekaterina Ivanovna
Molchanova. 1776. Minyak di atas kanvas. Museum Negara Rusia 181,5 x 142,5 cm

Dmitry Levitsky. Potret Natalya Semyonovna, murid dari Imperial Educational Society for Noble Maidens
Borschova. 1776. Minyak di atas kanvas. 196,5 x 134,5 cm

Dmitry Levitsky. Potret Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
Minyak di atas kanvas. 80,3 x 63,2 cm. Museum Sejarah Negara, Moskow

Dmitry Levitsky. Potret Alexander Vasilyevich Suvorov. 1786
Minyak di atas kanvas. 80,5 x 62,5 cm.Museum V.A. Tropinin dan seniman Moskow pada masanya, Moskow

Dmitry Levitsky. Potret Anna Stepanovna Protasova, mantan pengiring pengantin Catherine II. 1800
Minyak di atas kanvas. 81,5 x 64,5 cm

Dmitry Levitsky. Potret Catherine II. Sekitar tahun 1782
Minyak di atas kanvas. Cagar Alam Museum Negara "Pavlovsk"

Peter Drozhdin. Potret Catherine II. 1796
Minyak di atas kanvas. 251 x 187 cm. Galeri Tretyakov Negara

Ermolai Kamezhenkov. Potret rekan kehormatan Akademi Seni, pelukis Johann Friedrich Groth. 1780
Minyak di atas kanvas. 134 x 102 cm.Museum Negara Rusia

Namun kecemerlangan luar yang paling mempesona tidak dapat membuatnya menyembunyikan kesombongan, ketidakpedulian, atau tipu daya di mana pun ia menyadarinya (misalnya, dalam potret Ursula Mnischek dan Anna Davia).

Namun, di antara karya-karya Levitsky ada satu karya di mana ia tidak membiarkan dirinya menunjukkan bias artistik apa pun. Kita berbicara tentang potret terkenal Catherine II (versi pertama dibuat pada tahun 1783). Di sini ia dihadapkan pada tugas yang jelas: menciptakan citra seorang permaisuri-legislator, perwujudan gagasan monarki yang tercerahkan. Ide ini populer di masyarakat saat itu. Levitsky sendiri membagikannya - itulah sebabnya ia mampu membuat kanvas ini dengan kecemerlangan seperti ode yang khusyuk, dalam semangat "Felitsa" karya Derzhavin.

Selama lebih dari lima belas tahun (dari 1771 hingga 1787) Levitsky mengajar potret di Akademi Seni. Muridnya adalah pelukis potret luar biasa Shchukin, yang merupakan generasi seniman Rusia berikutnya. Tentu saja pengaruhnya tidak hanya dirasakan oleh mereka yang diajarnya melukis. Kita dapat berbicara tentang seluruh kalangan seniman pada masa itu, yang dekat dengan Levitsky dalam gaya dan pandangan tentang seni potret.
Pertama-tama, ini adalah P.S. Drozhdin (1745-1805), yang, selain Levitsky, juga belajar dengan Antropov dan pada tahun 1776 melukis gambar yang sangat hangat dan akurat secara psikologis yang menggambarkan Antropov bersama putranya di depan potret istrinya. Juga dikenal adalah potretnya tentang seorang pemuda dengan kaftan biru (1775), seorang Tverite (1779) dan sejumlah lainnya, yang merupakan galeri karakter manusia yang sangat berbeda.

Tidak mungkin untuk tidak menyebutkan E.D. Kamezhenkov (1760-1818), yang karya terbaiknya (“Potret seorang pria tak dikenal dalam jubah ungu”, “Potret diri dengan putrinya Alexandra”, potret putrinya dengan pengasuhnya, I.F. Grot) juga mencirikannya sebagai seorang seniman dari lingkaran Levitsky.

Mikhail Shibanov. Makan siang petani. 1774
Minyak di atas kanvas. 103 x 120 cm. Galeri Tretyakov Negara

Tentu saja, kami belum mencantumkan semua pelukis potret yang bekerja di Rusia pada masa Catherine. Jumlahnya banyak di ibu kota dan provinsi. Termasuk seniman asing yang, dengan sedikit banyak keberhasilan, cocok dengan gambaran keseluruhan lukisan Rusia (sebagai contoh, kita dapat menyebutkan K. Khristinek, yang gayanya mirip dengan Rokotov). Seni potret terus berkembang terus menerus. Pada tahun sembilan puluhan abad ke-18, hal ini telah mencapai tahap baru.

Berbeda dengan potret, genre sehari-hari baru muncul pada abad ke-18. Masa kejayaannya akan terjadi pada abad berikutnya, yang dikenal dengan kecenderungan demokratisnya. Sementara itu, para seniman yang mengapresiasi keindahan kehidupan sehari-hari sedang mencari tema dan subjek baru dan memandang prospek pembukaan dengan rasa ingin tahu yang hati-hati.

Kehidupan rakyat jelata, khususnya kaum tani, terungkap kepada mereka.

Masalah petani di Rusia selalu akut. Terutama setelah perang Pugachev yang menghancurkan. Namun masyarakat terpelajar tidak ingin melihat petani hanya sebagai perampok atau penghasil kekayaan materi yang tidak berwajah dan tidak berdaya. Kesadaran lahir dalam dirinya bahwa ini adalah orang-orang Rusia. Oleh karena itu bangkitnya minat terhadap kehidupan petani, kostum, ritual dan tradisi. Dalam banyak hal, hal ini juga bersifat etnografis: kaum bangsawan Rusia (masyarakat terpelajar pada abad ke-18, seperti kita ketahui, hampir secara eksklusif adalah kaum bangsawan) berkenalan dengan sisi kehidupan yang secara praktis tidak mereka ketahui.

Mengingat ketertarikan ini, kami mempertimbangkan karya pendiri genre sehari-hari dalam lukisan Rusia, Mikhail Shibanov.

Praktis kita tidak tahu apa pun tentang kehidupannya, kecuali asal usulnya sebagai budak (mungkin Pangeran Potemkin) dan fakta bahwa ia menulis karya terbaiknya pada tahun tujuh puluhan. Dan pekerjaannya luar biasa. Lukisan-lukisan seperti “Makan Malam Petani”, “Konspirasi” dan khususnya “Perayaan Kontrak Pernikahan” memungkinkan kita menggolongkannya sebagai seniman terbaik pada masanya. Tentu saja ia tahu betul kehidupan yang ia gambarkan dalam lukisannya. Di belakang salah satu dari mereka ditunjukkan bahwa itu mewakili “petani di provinsi Suzdal” dan tertulis “di provinsi yang sama, di desa Tatarov.” Kostum Rusia, sehari-hari dan meriah, digambarkan dengan indah di kanvas, dan detail kehidupan sehari-hari ditampilkan dengan andal. Namun hal utama Shibanov adalah wajahnya. Mereka benar-benar hidup. Betapa beragamnya karakter dan suasana hati! Dan wajah wanita tua dari “Perayaan Kontrak Pernikahan”, menurut kami, hanyalah sebuah mahakarya yang nyata.

Mikhail Shibanov. Potret Pangeran A.M. Dmitrieva-Mamonova. 1787
Minyak di atas kanvas. Museum Seni Negeri Nizhny Novgorod

Potret Mikhail Shibanov dari Catherine II. 1787. Minyak di atas kanvas. 70x59cm
Cagar Alam Museum Istana dan Taman Negara "Gatchina"

Penguasaan karakterisasi Shibanov tidak hanya terwujud dalam lukisan sehari-hari. Dia melukis beberapa potret cemerlang: Catherine II dengan pakaian bepergian, A.M. Dmitriev-Mamonov, Spiridonov, Nesterov. Namun ia memasuki sejarah seni Rusia, tentu saja, sebagai pelopor tema rakyat.

I. Ermenev (1746 - setelah 1789), seorang seniman cat air dan seniman grafis, putra seorang pengantin pria, yang lulus dari Akademi Seni dan dikenal karena berpartisipasi dalam penyerbuan Bastille pada 14 Juli 1789, mengerjakan topik ini dengan cara yang sama sekali berbeda. Sangat sedikit karyanya yang bertahan: sejumlah lembar grafis, di antaranya adalah seri tidak biasa yang menggambarkan gambar para petani. Bisa jadi disebut "Pengemis". Para pengemislah yang digambarkan Ermenev dalam berbagai versi dan sudut pandang, dengan cara yang unik dan monumental-aneh. Saat melihat lembaran-lembaran serialnya, Anda mendapat kesan bahwa pertemuan dengan orang-orang malang ini pernah sangat mengejutkan sang artis. Bukankah keterkejutan inilah yang pada akhirnya menjerumuskannya ke dalam badai berdarah revolusi Perancis?..

Kisah lukisan sehari-hari abad ke-18 tidak akan lengkap jika kita tidak menyebutkan lukisan indah karya I. Firsov “Pelukis Muda” - salah satu lukisan pertama yang termasuk dalam genre ini. Ada beberapa misteri yang terkait dengan lukisan ini dan pengarangnya. Apakah ini Firsov yang sama yang, pada tahun lima puluhan, sebagai bagian dari tim pengecatan Kanselir dari Gedung, menciptakan desudeportes barok? Kapan dan dimana lukisan itu dilukis? Ada asumsi bahwa di Paris dan itu menggambarkan keluarga Perancis. Namun, yang terakhir bukanlah inti permasalahannya. Gambarnya sungguh indah - dengan warnanya yang segar, komposisinya yang ringan, keaktifan karakternya yang menawan, terutama anak-anak. Itu tercipta seolah-olah dalam satu tarikan napas. Dan, seperti “Smolyanki” karya Levitsky, film ini memberi kita gambaran tentang udara ringan dan memabukkan yang dihirup Rusia pada abad ke-18.

Era Catherine yang Agung berakhir pada tahun 1796. Dia meninggalkan Rusia dengan kuat, makmur, tetapi dibebani dengan masalah-masalah serius, masih membara, tetapi nyata - masalah-masalah itu akan terwujud dengan kekuatan penuh di abad berikutnya. Situasi eksternal juga sulit. Revolusi yang pecah di Perancis benar-benar menyapu bersih perdamaian dan keseimbangan Eropa. Apa yang dianggap tak tergoyahkan ternyata rapuh dan berumur pendek.

Dalam kondisi seperti ini, simetri dan kepastian moral klasisisme tidak lagi sesuai dengan pencarian spiritual masyarakat. Dunia ternyata jauh lebih kontradiktif. Klasisisme yang diubah mulai menjadi mode (sekali lagi, pertama di Prancis) - gaya Kekaisaran, "kekaisaran" - dengan tegas berorientasi pada zaman kuno, tetapi sudah kehilangan kejelasan yang ketat dan proporsional yang menjadi ciri khasnya sebelumnya.

Seniman masa ini dicirikan oleh keinginan akan kealamian dan minat yang besar pada gerakan paling halus dari jiwa manusia. Bukan suatu kebetulan bahwa pada akhir abad ini lanskap menjadi genre independen dalam lukisan Rusia.

Dalam desain lanskap sebagai sebuah genre, pemandangan kota, taman, istana, dan berbagai tempat kenangan yang diciptakan sebelumnya dan, bisa dikatakan, bersifat mendidik dan topografi, berperan; serta pemandangan teater, lukisan dan panel interior, komponen lanskap dari potret dan lukisan multi-figur. Lanskap berfungsi sebagai dekorasi atau latar belakang, yang paling meningkatkan kesan emosional dari karya tersebut. Namun pada akhir abad ini, kesadaran tumbuh dalam seni Rusia bahwa, pertama, citra alam itu sendiri sangat berharga, dan kedua, bahwa melaluinya suasana hati manusia yang paling kompleks dapat diekspresikan.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) dapat dianggap sebagai pendiri lukisan pemandangan Rusia. Dia adalah perwakilan pertama dari dinasti seniman, yang dimuliakan oleh pelukis lanskap brilian pada paruh pertama abad ke-19, Sylvester Shchedrin, tetapi karyanya sendiri juga memainkan peran yang sangat penting dalam perkembangan seni Rusia.

Mengikuti prinsip klasisisme, Shchedrin percaya bahwa ia harus “mengoreksi” alam dalam lukisannya, mengungkapkan di dalamnya proporsionalitas yang tersembunyi di balik ketidakteraturan dan keacakan. Pada saat yang sama, dalam semangat suasana yang menjadi ciri lingkungan artistik akhir abad ini, ia mencari puisi dan keindahan unik di alam.

Pemandangannya pada tahun tujuh puluhan dan delapan puluhan sebagian besar merupakan gambaran tempat-tempat imajiner, sangat ekspresif, dengan pepohonan indah di dedaunan berenda cerah. Sejak tahun sembilan puluhan, pandangannya terhadap lukisan pemandangan telah berubah, menjadi inovatif dalam banyak hal. Dia menemukan keindahan dalam lanskap nyata. Dia menulis pemandangan taman-taman terkenal di sekitar St. Petersburg - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: "Pemandangan Istana Gatchina dari Long Island" (1796), "Jembatan Batu di Gatchina dekat Connetable Square" (1799-1801). Dan juga Sankt Peterburg sendiri (misalnya, “Pemandangan Bolshaya Nevka dan dacha Stroganov,” 1804), yang dalam penggambarannya alam tetap menjadi hal utama baginya, dan struktur arsitektur dianggap sebagai bagian darinya.

Tentu saja, ini adalah alam yang diatur oleh tangan manusia. Mentransfernya ke kanvas, Shchedrin dengan cermat mengamati simetri klasik, pembagian ruang menjadi tiga bidang, dll. Namun warna langit dan awan, kabut yang mengaburkan cakrawala, silau matahari di air Neva - singkatnya, lingkungan udara terang yang penggambarannya akan dicapai kesempurnaan oleh para seniman abad berikutnya - menjadi semakin penting baginya.

Shchedrin membuka jalan bagi para seniman ini tidak hanya dengan karya-karyanya. Sejak 1799, ia, bersama dengan I. Klauber, memimpin kelas pengukiran lanskap di Akademi Seni, yang darinya pengukir hebat S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, saudara Kozma dan Ivan Chesky. Segera kelas ini mulai melatih pelukis lanskap - lanskap di dalam tembok Akademi akhirnya memperoleh status penuh.

Prestasi terbaik seni lukis Rusia di penghujung abad ini masih dikaitkan dengan potret. Saat ini terjadi pergantian generasi, bermunculan master-master baru. Seniman semakin berupaya menggambarkan kehidupan batin seseorang, pengalaman terdalamnya. Potretnya menjadi lebih intim. Ini mencerminkan gagasan sentimentalisme, sebuah gerakan yang populer pada pergantian abad dan awal abad ke-19. Tren ini paling banyak diungkapkan dalam karya-karya V.L. Borovikovsky (1757-1825) - salah satu master genre potret terbaik dalam seni Rusia.

Borovikovsky lahir di Ukraina dan belajar melukis dengan ayahnya. Dan, mungkin, dia akan tetap menjadi pelukis potret provinsi selama sisa hidupnya, jika bukan karena perjalanan permaisuri ke selatan Rusia, yang dilakukannya pada tahun 1787. Catherine menyukai lukisan istana sementara yang dibuat oleh Borovikovsky. Dan sang seniman pergi ke St. Petersburg untuk meningkatkan keterampilan melukisnya. Dia belajar dengan I.B. Lumpy Sr. dan, mungkin, Levitsky. Dia dengan cepat menjadi terkenal dan menerima banyak pesanan. Kuasnya meliputi potret seremonial brilian Pangeran Kurakin (1801-1802), Paul I dalam kostum Grand Master Ordo Malta (1800), dll. Karakteristik psikologis yang jelas juga diberikan dalam potret kamar - G.R. Derzhavina, D.P. Troshchinsky, Jenderal F.A. Borovsky.

Vladimir Borovikovsky. Potret Countess Anna Ivanovna Bezborodko bersama putrinya Lyubov dan Cleopatra. 1803
Minyak di atas kanvas. 134 x 104,5 cm.Museum Negara Rusia

Namun yang terpenting, Borovikovsky adalah ahli potret intim wanita, atau lebih tepatnya, potret domestik. Dia bahkan melukis Catherine II dalam gambar "pemilik tanah Kazan" yang berjalan melewati taman dengan jubah hangat. Pahlawan wanitanya adalah wanita muda yang melamun dengan senyum licik di bibir mereka, dengan bunga atau apel di tangan mereka, berpose dengan latar belakang pemandangan alam yang indah. Rambut ikal mereka, sesuai dengan selera sentimental, sedikit acak-acakan, dan pakaian mereka sengaja dibuat sederhana. Karakter masing-masing dapat dibaca secara akurat; yang satu tidak dapat disamakan dengan yang lain. Ini adalah potret O.K. Filippova, V.A. Shidlovsky, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva, saudara perempuan Gagarin, perempuan petani Khristinya (yang terakhir ini juga luar biasa karena bagi Borovikovsky yang penting bukanlah gambaran “etnografis” perempuan petani budak, tetapi, seperti dalam potret gadis bangsawan, dunia batin) .

Selama bertahun-tahun, tatapan sang seniman menjadi lebih tajam, keburaman lukisannya, berdasarkan halftone, digantikan oleh pemodelan plastik yang ketat (misalnya, dalam potret “Lady in a Turban” - mungkin penulis Prancis A.-L. -J. de Stael, - D.A. Derzhavina dan M.I.

Nama Borovikovsky bukanlah satu-satunya nama dalam seni potret Rusia pada pergantian abad. Murid Levitsky, S.S., adalah seorang pelukis potret yang sangat cerdas dan orisinal. Shchukin (1762-1828). Seluruh hidupnya terhubung dengan Akademi Seni, di mana ia berakhir sebagai anak laki-laki dari panti asuhan, dan kemudian memimpin kelas potretnya. Dalam potret-potretnya, bahkan potret-potret awal, terdapat firasat romantisme - sebuah gerakan budaya yang baru akan berkembang pada awal abad berikutnya, menggantikan klasisisme dan sentimentalisme. Yang paling indikatif dalam hal ini adalah potret diri tahun 1786 dan potret Kaisar Paul I dalam seragam perwira sederhana, dengan tongkat di tangannya.

Karya M.I. Belsky (1753-1794). Dia, seperti beberapa seniman kontemporer, percaya bahwa kebenaran hidup lebih berharga daripada harmoni puitis dari gambar, dan, mengikuti kesetiaan karakter, tidak menghindari kekerasan dan kontradiksi. Pandangan ini tercermin, misalnya, dalam potret komposer D.S. yang dilukisnya pada tahun 1788. Bortnyansky.

Vladimir Borovikovsky. Potret Daria Alekseevna Derzhavina. 1813
Minyak di atas kanvas. 284 x 204,3 cm. Galeri Tretyakov Negara

Kita. 117:

Stepan Shchukin. Potret arsitek Adrian Dmitrievich Zakharov. Sekitar tahun 1804
Minyak di atas kanvas Galeri State Tretyakov 25,5 x 20 cm

Mikhail Belsky. Potret komposer Dmitry Stepanovich Bortnyansky. 1788
Minyak di atas kanvas. 65,7 x 52,3 cm. Galeri Tretyakov Negara

Nikolay Argunov. Potret Ajudan Jenderal Pangeran Alexander Matveevich Dmitriev-Mamontov. 1812
Minyak di atas kanvas. 151 x 125,6 cm. Galeri Tretyakov Negara

Nikolay Argunov. Potret Matryona Ivanovna Sokolova. 1820 Minyak di atas kanvas. Galeri State Tretyakov 67,1 x 52,8 cm
Nikolay Argunov. Potret T.V. Shlykova. 1789 Minyak di atas kanvas. 79x55 cm (lonjong)
Museum Keramik Negara dan “Perkebunan Kuskovo Abad ke-18”, Moskow

Terakhir, N.I. Argunov (1771 - setelah 1829). Putra dan murid pelukis potret budak terkenal, Nikolai Argunov sendiri adalah seorang budak hingga ia berusia empat puluh lima tahun. Bakatnya yang luar biasa sudah dibuktikan dengan karya-karya mudanya: "Petani Tertawa", "Petani dengan Gelas di Tangan" dan terutama potret puitis penari budak Teater Sheremetev Tatyana Shlykova-Granatova, yang ditulis ketika sang seniman berusia sekitar delapan belas tahun. tahun. Selanjutnya, Argunov menciptakan lebih banyak karya indah, di antaranya potret Praskovya Kovaleva-Zhemchugova yang terkenal, juga seorang aktris budak yang menjadi istri Pangeran N.P. Sheremetev dan meninggal muda, tak lama setelah kelahiran putranya. Potret di mana dia digambarkan pada minggu-minggu terakhir kehamilannya - dengan latar belakang hitam, dalam tudung hitam dan merah, dengan ekspresi mengkhawatirkan di wajahnya yang kurus - dipenuhi dengan firasat akan tragedi.

Karya para seniman ini, seperti jembatan ajaib, menyatukan abad-abad yang berlalu dan mendekat. Jalur cepat yang ditempuh seni Rusia sejak zaman Peter Agung telah membuahkan hasil yang luar biasa. Jalan baru terbentang di depan. Hobi yang penuh gairah, pencarian putus asa akan hal-hal baru, konflik kekerasan, dan pertarungan nyata mengenai pandangan tentang seni - semua ini ada di depan mata. Lukisan Rusia abad ke-18 belum mengetahui hal ini. Tugasnya adalah memahami Manusia. Dan dia menyelesaikan tugas ini dengan cemerlang.

Nikolay Argunov. Potret Ivan Yakimov dalam kostum Cupid. 1790
Minyak di atas kanvas. 142 x 98 cm

Nikolay Argunov. Potret wanita Kalmyk Annushka. 1767
Minyak di atas kanvas. 62 x 50 cm. Museum Keramik Negara dan “Perkebunan Kuskovo Abad ke-18”, Moskow

Nikolay Argunov. Potret Penasihat Penasihat Senator Pavel Stepanovich Runich. 1817
Minyak di atas kanvas. 134x103 cm.Museum Negara Rusia

Nikolay Argunov. Potret Kaisar Paul I. 1797
Minyak di atas kanvas. 285 x 206 cm.Museum Perkebunan Ostankino Moskow

Genre sehari-hari (I. Firsov, M. Shibanov, I. Ermenev)

Seni sekuler yang muncul pada abad ke-18 lebih mengutamakan genre potret dan lukisan sejarah. Kecuali beberapa seniman Rusia yang dilatih di Rusia dan luar negeri, wajah seni lukis Rusia ditentukan oleh para master yang diundang dari negara-negara Eropa. Genre lanskap muncul cukup terlambat. Kemunculannya dikaitkan dengan berdirinya Akademi Seni St. Petersburg, di mana pada tahun 1767 didirikan kelas lanskap yang melatih pelukis lanskap. Pembentukan genre ini juga difasilitasi oleh kelas perspektif dan pemandangan teatrikal, yang banyak melahirkan pelukis lanskap. Spesialisasi sempit, termasuk lukisan pemandangan, diperkenalkan di kelas ukiran.

Kelas lanskap dari tahun 1776 hingga 1804 diajar oleh seorang mahasiswa Akademi Seni Semyon Shchedrin. Seorang pelukis lanskap terkenal lulus dari kelas perspektif Fyodor Alekseev. Ada kesulitan dalam mencari guru untuk kelas desain teater. Oleh karena itu, pada tahun 1776, Dewan Akademik memutuskan untuk mengirim dua siswa ke master teater - Yakov Gerasimov dan Fedora Matveeva, yang kemudian menjadi pelukis lanskap terkenal.

Perjalanan bisnis pensiun dari lulusan Akademi paling berbakat sangat penting untuk pengembangan genre lanskap. Belajar di Italia dan Prancis dengan master-master hebat, para pensiunan meningkatkan keterampilan mereka, mencapai tingkat seni Eropa. Pelukis lanskap terkenal Rusia berkunjung ke luar negeri (dan beberapa tinggal di sana): Maxim Vorobyov, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev, Fyodor Alekseev, Sylvester Shchedrin dan banyak lainnya. Hal ini memungkinkan genre lanskap untuk menjadi setara dengan seni Eropa dan terus menjalani kehidupan Rusia, menemukan identitasnya sendiri, dan menanggapi masalah realitas spiritual negara tersebut.

Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753 - 1824)

Dia mengambil langkah pertama dalam lukisan pemandangan Rusia menuju penggambaran lanskap yang sebenarnya. Subjek seninya adalah lanskap kota. Dalam hal ini, sejumlah perspektif perkotaan telah muncul dalam lanskap Rusia. Alekseev menciptakan lanskap yang dipenuhi udara berkat rencana konstruksi panorama. Perspektif dan lingkungan udara merupakan komponen penting dari lanskapnya. Karya seniman tidak merespon gagasan di luar gambar lanskap, sehingga kurang mengandung unsur interpretasi ekstra-artistik terhadap subjek gambar. Rangkaian nada dingin yang lembut biasanya muncul dalam perspektif Sankt Peterburg. Lukisan cahayanya sesuai dengan warna kota yang sebenarnya, dan lingkungan yang sejuk seolah menunjukkan kegembiraan emosional sang seniman. Interpretasi lanskap melalui udara merupakan inovasi dalam seni Rusia. Mungkin hanya orang Belanda, Claude Lorrain dan Joseph Turner, yang menggunakan teknik ini, yang menjadi salah satu sarana penting penyelesaian gambar terhadap tema tersebut. Lanskap Alekseev bersifat kontemplatif. Cahaya yang mengalir dengan tenang memberikan kualitas tenang pada beberapa karyanya. Petersburg karya Alekseev, orang dapat merasakan pengaruh Francesco Guardi, yang beralih ke panorama udara saat menggambarkan Venesia.

DI DALAM pemandangan Nikolaev dan Kherson sang seniman lebih memperhatikan objektivitas. Lanskap Alekseev jarang dihuni oleh orang-orang, tetapi jika ada kemiripan genre sehari-hari, tema lanskaplah yang menang.

Alekseev mewakili kota baik dalam hal tipe medan dan integritas kehidupannya, dan tidak hanya menikmati fitur arsitekturnya ( Pemandangan dari Pulau Vasilyevsky hingga Tanggul Inggris, 1810-an). Sebaliknya, lanskap Moskow berfokus pada pemandangan zaman kuno, pada “reruntuhan” yang melekat pada lanskap klasisisme. Kota Alekseev ramai dan dihuni oleh pekerja, terutama di lukisan Lapangan Merah di Moskow(1801) dan gambar tanggul St. Petersburg. Dalam hal ini, lukisan-lukisan tersebut tidak mirip dengan lanskap staf Semyon Shchedrin atau Benjamin Paterson.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804)

Lanskap karya Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) terbentuk sebagai genre independen, tidak terbebani oleh berbagai jenis lempung berpasir. Ini bukan lagi latihan dalam tampilan perspektif, namun gambar tampilan medan. Sebagai pensiunan Akademi Seni, Shchedrin belajar di Prancis, di mana ia dilindungi oleh duta besar Rusia di Paris, Pangeran DA Golitsyn, yang merupakan kritikus seni Rusia pertama yang menulis esai tentang teori dan sejarah seni. Dilihat dari karya awal Shchedrin Siang(1779), yang dilaksanakan setelah ia tinggal di Italia, sang seniman jelas dipengaruhi oleh klasisisme yang memiliki konsep ideologis dan plastik tersendiri. Alur dan tema yang telah ditentukan terlihat pada lukisan Siang, yang mana senimannya mendapat gelar akademisi. Karakteristik plot dengan kawanan dan reruntuhan, skema warna khas klasisisme, membagi komposisi menjadi denah - coklat di dekat dan biru di kejauhan, interpretasi dekoratif pepohonan, tidak alami, tetapi menjelma menjadi awan halus, adalah bukti dari munculnya genre lanskap tersusun.

Lukisan pemandangan dimaksudkan untuk menghiasi istana dan oleh karena itu, bersama dengan panel istana, memiliki fungsi dekoratif. Fungsi-fungsi ini menentukan makna dan struktur karya Shchedrin periode St. Petersburg, termasuk lanskap kuda-kuda yang ia buat pada tahun 1792-1798: Pabrik di Pavlovsk (1792), Pemandangan Istana Gatchina dari Long Island (1796), Pemandangan di Taman Gatchina (1798).

Tidak dapat dikatakan bahwa lanskap tersebut seluruhnya disusun oleh Shchedrin. Ini didasarkan pada tipe tertentu, tetapi diubah secara sewenang-wenang oleh senimannya.

Pada 1799-1801, atas perintah Paul I, Shchedrin menulis panel untuk Kastil Mikhailovsky. Di dalamnya, sang seniman tidak hanya memperkuat ciri-ciri dekoratif tingkah lakunya, tetapi juga mengubah karakter lanskap sebagai sebuah genre, yang muncul pada karya-karyanya sebelumnya. Di panel Jembatan Batu di Gatchina dekat Constable Square, makna dan tujuan lanskap Shchedrin berubah secara signifikan. Panel tersebut cocok dengan interior istana, karena tugas khusus mendekorasi aula. Lanskap itu sendiri, yaitu gambaran suatu kawasan, hanya menjadi dalih bagi pelaksanaan fungsi karya yang lain, disesuaikan dengan gaya arsitektur interiornya. Otonomi lanskap yang tampak atau sudah terjadi sebelumnya sebagai genre independen berada di bawah tugas mendekorasi interior istana. Hal ini mengakibatkan penguatan awal dekoratif karya, yang mengabaikan rendering subjek gambar secara akurat. Fungsi karya dekoratif dan karya kuda-kuda berbeda. Tunduk pada tugas dekoratif, genre lanskap berubah menjadi ilusi genre, kehilangan atau mempersempit independensinya dalam mengajukan permasalahan genre-lanskap, dalam mencerminkan dan mereproduksi kehidupan.

Genre sehari-hari

Pada paruh kedua abad ke-18. tunas pertama muncul dalam lukisan Rusia genre sehari-hari. Akademi menganggap genre sehari-hari sebagai jenis lukisan yang lebih rendah dibandingkan lukisan sejarah. Tema genre yang direkomendasikan oleh Akademi mereduksi lukisan sehari-hari menjadi lukisan kehidupan sehari-hari yang sederhana dan mengarahkan seniman pada warisan dari apa yang disebut master kecil seni lukis Belanda abad ke-17. Adegan bergenre yang diperbolehkan oleh estetika akademis dalam lanskap bersifat indah atau etnografis.

Sebaliknya, karya-karya mulai bermunculan dalam seni Rusia yang secara jujur ​​​​menggambarkan penampilan petani Rusia. Tema eksperimen pertama dalam lukisan bergenre realistik Rusia ini memiliki orientasi demokrasi yang jelas. Salah satu karya pertama dari genre sehari-hari Rusia adalah lukisan Ivan Firsov (c. 1733 - setelah 1784) “Pelukis muda” (1765-1770; Galeri Tretyakov), dilaksanakan oleh senimannya, rupanya di Paris dan jelas berdasarkan pengalaman lukisan bergenre realistik Prancis. Lukisan tersebut menggambarkan pemandangan di sebuah bengkel seni, dilukis dengan warna pink lembut dan abu-abu. Hal ini terkenal karena ketertarikan sang seniman terhadap kehidupan pribadi masyarakat kelas menengah dan dijiwai dengan simpati terhadap orang-orang yang digambarkan.

Di antara fenomena paling signifikan dalam bidang genre sehari-hari Rusia saat ini adalah dua karya budak artis Mikhail Shibanov. Aktivitas kreatifnya (ia juga bekerja sebagai pelukis potret) dimulai pada tahun 1770-an. Lukisannya berasal dari masa ini "Makan Siang Petani"(1774) dan "Perayaan kontrak pernikahan"(1777) (keduanya di Galeri Tretyakov). Semua gambar lukisan pertama - seorang petani tua, seorang wanita tua yang mengumpulkan makanan untuk meja, seorang pria muda yang memotong roti, dan seorang wanita yang sedang bersiap memberi makan seorang anak - sangat penting dan penuh harga diri. Pada saat yang sama, mereka cukup individual: sang seniman memperhatikan keseriusan dan bekas kelelahan di wajah seorang lelaki tua, ketidakpedulian seorang lelaki yang lelah di hadapan seorang wanita tua, kelembutan yang tertahan dalam pose dan ekspresi. tentang seorang wanita petani muda dengan seorang anak. Kesederhanaan komposisi, di mana semua detail yang tidak perlu dihilangkan, pengekangan dan ketelitian warna gambar, dirancang dengan warna coklat, meningkatkan signifikansi gambar. Realisme dan kemuliaan spiritual dari gambar juga melekat dalam “Perayaan Kontrak Pernikahan”, yang komposisinya agak dibatasi oleh gaung kanon akademis. Sikap penuh kasih dan perhatian terhadap petani dan kehidupannya diungkapkan di sini dalam kenyataan bahwa sang seniman tidak hanya menyampaikan dengan akurasi etnografis ciri-ciri pakaian pesta petani, tetapi juga berusaha untuk mengungkapkan makna estetisnya.

Fenomena luar biasa lainnya dalam seni Rusia pada paruh kedua abad ke-18. kreativitas muncul Ivan Alekseevich Ermenev(1746 - setelah 1792), masih sangat sedikit dipelajari. Pada tahun 1770-an. dia melukis serangkaian cat air yang menggambarkan pengemis buta yang berkeliaran di sepanjang jalan pedesaan atau bernyanyi di alun-alun desa. Gambaran para pengemis Ermenev bukannya tanpa keagungan yang menyedihkan. Wajah mereka yang tegas dan menderita, sosok mereka yang bungkuk karena penyakit dan kemiskinan, mengenakan jubah lusuh, jatuh lurus, lipatan besar, mengandung unsur monumentalitas.

Daya tarik seniman bergenre Rusia pertama terhadap tema petani bukanlah suatu kebetulan. Setelah Perang Tani tahun 1773-1775. Pertanyaan petani dengan kuat memasuki lingkaran masalah yang mengkhawatirkan kaum intelektual bangsawan. Masalah petani menjadi masalah utama dalam kehidupan paruh pertama abad ke-19 berikutnya; Atas dasar inilah genre sehari-hari Rusia terbentuk.

Jadi, bagi lukisan Rusia, abad ke-18 adalah periode kelahiran dan pembentukan genre utamanya - lukisan sejarah, genre sehari-hari, lanskap; Pada saat yang sama, ini adalah periode pertama berkembangnya seni potret Rusia. Kecenderungan realistik lukisan Rusia abad ini mendapat ekspresi paling mendalam dan konsisten tepatnya dalam potret. Potret tersebut mewujudkan pandangan progresif zaman tentang nilai pribadi manusia. Contoh terbaik potret Rusia saat ini dicirikan oleh konkrit dan ekspresi emosional yang jelas dari karakteristik psikologis, keragaman dan kelengkapan jenis potret itu sendiri. Potret Rusia memberikan kontribusi yang cemerlang dan orisinal terhadap perkembangan potret Eropa abad ke-18.

Pada paruh kedua abad ke-18. Dalam seni lukis Rusia, teknik dan aturan tertentu telah berkembang untuk menciptakan lukisan multi-figur berbasis plot yang mewujudkan prinsip-prinsip klasisisme. Cita-cita patriotik dan sipil pada zaman itu terungkap di sini. Namun, karena sangat penting bagi budaya Rusia pada masanya, karya lukisan sejarah secara umum jauh lebih rendah daripada potret dalam hal objektivitas dalam menafsirkan realitas, dalam hal tingkat keterampilan artistik.

Pada paruh kedua abad ke-18. Lukisan pemandangan Rusia juga mulai terbentuk, mencapai keberhasilan pertamanya dalam pembentukan metode yang mencerminkan secara jujur ​​penampakan dunia sekitar pada akhir periode yang ditinjau. Karya-karya individu bergenre sehari-hari Rusia yang sampai kepada kita, baik karena sifatnya maupun karena kekurangannya yang relatif, bukanlah suatu gerakan artistik yang integral; namun demikian, dalam karya-karya terbaik semacam ini, tren-tren bermanfaat tersebut dituangkan dalam periode sejarah baru - pada abad ke-19 - berkontribusi pada berkembangnya lukisan subjek Rusia yang luar biasa yang didedikasikan untuk kehidupan masyarakat.

Hasil tangkapan ikan yang luar biasa. AP Losenko

(“Tangkapan ikan yang luar biasa” berdasarkan cerita dari Injil. Artis A.P. Losenko). Genre sejarah mendominasi Akademi Seni St. Petersburg, namun tidak mendapat perkembangan yang sama seperti potret. Biasanya, lulusan Akademi diberi tugas melukis gambar setelah lulus dalam genre sejarah. Temanya biasanya bertema mitologi atau alkitabiah. Lukisan diperlukan dalam gaya klasisisme. Seniman bergaya klasik meniru pematung zaman dahulu, sehingga dalam lukisan tokohnya sering menyerupai patung Yunani dan Romawi, tokohnya melakukan perbuatan heroik.

A.P. dianggap sebagai pendiri genre sejarah dalam gaya klasisisme di Rusia. Losenko (1737 - 1773). Di antara kanvasnya terdapat lukisan tentang subjek kuno dan alkitabiah. Losenko juga melukis lukisan pertama dengan tema nasional - “Vladimir dan Rogneda” (1770).

Vladimir dan Rogneda. AP Losenko (1770)

Lukisan itu menggambarkan putri pangeran Polotsk, yang Vladimir, setelah mengalahkan pasukan ayah dan saudara laki-lakinya, secara paksa menjadikannya istrinya. Losenko dibimbing oleh pemikiran suci - untuk menunjukkan Vladimir bukan sebagai pemerkosa, penyerbu, tetapi sebagai pengantin pria yang datang untuk kencan pertamanya. Dalam lukisan sejarah Rusia abad ke-18, adegan kekerasan, pengkhianatan, dan pembunuhan praktis dikecualikan. Gambar tersebut harus selalu bersifat positif.

Perpisahan Hector dengan Andromache. AP Losenko (1773)

Sang master beralih ke epos Yunani kuno. Lukisan itu menggambarkan pahlawan Trojan Hector berangkat melawan musuh yang mengepung kota. Dia harus beradu senjata dengan Achilles, dan hasil pertempuran sudah ditentukan sebelumnya (saat masih bayi, ibu Achilles mencelupkannya ke dalam perairan Styx, yang membuat tubuhnya kebal). Namun, Hector ingin memberikan contoh keberanian kepada para pembela Troy dan memperkuat ketahanan mereka dengan kematiannya sendiri. Di saat-saat perpisahan yang tragis dengan keluarganya, dia berpaling kepada para dewa hanya dengan satu permintaan, agar mereka membantu istrinya Andromache membesarkan anak kecil mereka sebagai putra Troy yang layak. Lukisan itu dilukis dengan semangat klasisisme: adegan perpisahan penuh sandiwara, figurnya menyerupai patung Yunani. Plot gambarnya sarat dengan semangat kewarganegaraan yang tinggi dan dijiwai dengan rasa cinta tanah air.

Perayaan kontrak pernikahan. Mikhail Shibanov

Lukisan rumah tangga (genre) sangat sedikit berkembang pada abad ke-18. Akademi Seni memperlakukannya sebagai orang kedua, tidak penting. Namun beberapa seniman masih memutuskan untuk melukis gambar seperti itu. Meskipun, tentu saja, upaya ini tidak selalu berhasil; seringkali plotnya menghiasi peristiwa nyata, namun gambarannya terlalu dibuat-buat. Artis paling terkenal saat itu adalah Mikhail Shibanov (? - setelah 1789). Lukisannya “Perayaan Kontrak Pernikahan” menunjukkan salah satu momen paling khidmat dalam kehidupan petani Rusia: pernikahan kaum muda. Sang seniman dengan penuh kasih menggambarkan pakaian Rusia yang elegan dan wajah-wajah yang menarik.

F.Ya.Alekseev. Pemandangan Palace Square dari Benteng Peter dan Paul.

Pada paruh kedua abad ke-18, seni lukis pemandangan juga berkembang. Perwakilannya yang paling menonjol adalah F.Ya. Alekseev dan S.F. Shchedrin.

F.Ya. Di Akademi Seni ia belajar melukis teater, tetapi menjadi pelukis lanskap. Awalnya ia meniru pemandangan banyak kota, melukis banyak pemandangan Sankt Peterburg, dan berhasil memperkenalkan fitur-fitur orisinal ke dalam citra kota ini. Alekseev pada dasarnya menjadi pendiri lukisan pemandangan di Rusia. Selama tahun-tahun ini, penampilan holistik “Palmyra Utara” (St. Petersburg) mulai terbentuk dan Alekseev merefleksikannya dalam banyak lukisannya. Dalam pemandangan Tanggul Istana dan Benteng Peter dan Paul yang terkenal, sang seniman menyampaikan kesatuan harmonis antara keindahan arsitektur dan lanskap - langit yang tinggi, permukaan Neva yang selalu bergerak dan cerah. Pada awal abad ke-19, Alekseev sering bepergian keliling kota-kota Rusia, melukis pemandangan kota-kota provinsi dan Moskow. Dia tertarik dengan ibu kota lama dengan Kremlin kuno, Lapangan Merah yang padat

S.F.Shchedrin. Petersburg.

SF Shchedrin (1745 - 1804). Dia memasuki sejarah seni Rusia terutama sebagai pelukis Gatchina dan Pavlovsk Peterhof. Lukisannya menyerupai taman lanskap Inggris, tersebar bebas di antara danau dan saluran, dengan pulau-pulau indah menghiasinya dengan istana dan paviliun. Shchedrin dengan penuh kasih dan penuh perasaan menyampaikan tanaman hijau keriting yang disepuh matahari, pasir merah muda yang menutupi jalan setapak di taman, dan keindahan bunga yang rapuh. Jembatan dan obelisk yang indah, menara, tiang berpadu serasi dengan lingkungan alam. Asap api yang damai, awan yang terpantul di air yang tenang, tajuk pohon yang anggun dan tenang menciptakan rasa keberadaan yang ideal.

S.F. Beranda terjalin dengan anggur. 1828

Lanskap spesies.

Sejak abad ke-17 Pemandangan lanskap topografi tersebar luas (pengukir: M. Merian dari Jerman dan V. Gollar dari Ceko), yang perkembangannya sebagian besar ditentukan sebelumnya oleh penggunaan kamera obscura, yang memungkinkan untuk mentransfer motif individu ke kanvas atau kertas dengan cara yang belum pernah terjadi sebelumnya. presisi. Pemandangan seperti ini di abad ke-18. mencapai puncaknya dalam veditas Canaletto dan B. Belotto, jenuh dengan udara dan cahaya, dalam karya F. Guardi, yang membuka tahap baru secara kualitatif dalam sejarah lanskap, dan menonjol karena reproduksi ahlinya terhadap perubahan cahaya -lingkungan udara. Lihat lanskap di abad ke-18. memainkan peran yang menentukan dalam pengembangan lanskap di negara-negara Eropa, hingga abad ke-18. tidak ada genre lanskap independen (termasuk di Rusia, di mana perwakilan terbesar dari jenis lanskap ini adalah seniman grafis A.F. Zubov, M.I. Makhaev, dan pelukis F.Ya. Alekseev).

Genre lanskap muncul cukup terlambat. Kemunculannya dikaitkan dengan berdirinya Akademi Seni St. Petersburg, di mana pada tahun 1767 didirikan kelas lanskap yang melatih pelukis lanskap. Pembentukan genre ini juga difasilitasi oleh kelas perspektif dan pemandangan teatrikal, yang banyak melahirkan pelukis lanskap. Spesialisasi sempit, termasuk lukisan pemandangan, diperkenalkan di kelas ukiran.

Kelas lanskap dari tahun 1776 hingga 1804 diajar oleh Semyon Shchedrin, seorang mahasiswa Akademi Seni. Pelukis lanskap terkenal Fyodor Alekseev lulus dari kelas perspektif. Ada kesulitan dalam mencari guru untuk kelas desain teater. Oleh karena itu, pada tahun 1776, Dewan Akademik memutuskan untuk mengirim dua siswanya ke master teater - Yakov Gerasimov dan Fyodor Matveev, yang kemudian menjadi pelukis lanskap terkenal.

Perjalanan bisnis pensiun dari lulusan Akademi paling berbakat sangat penting untuk pengembangan genre lanskap. Belajar di Italia dan Prancis dengan master-master hebat, para pensiunan meningkatkan keterampilan mereka, mencapai tingkat seni Eropa. Kami berkunjung ke luar negeri, dan beberapa tinggal di sana. pelukis lanskap terkenal Rusia: Maxim Vorobyov, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev. Fyodor Alekseev, Sylvester Shchedrin dan banyak lainnya. Hal ini memungkinkan genre lanskap untuk menjadi setara dengan seni Eropa dan terus menjalani kehidupan Rusia, menemukan identitasnya sendiri, dan menanggapi masalah realitas spiritual negara tersebut.

Lanskap karya Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) terbentuk sebagai genre independen, tidak terbebani oleh berbagai jenis lempung berpasir. Ini bukan lagi latihan dalam tampilan perspektif, namun gambar tampilan medan. Sebagai pensiunan Akademi Seni, Shchedrin belajar di Prancis, di mana ia dilindungi oleh duta besar Rusia di Paris, Pangeran DA Golitsyn, yang merupakan kritikus seni Rusia pertama yang menulis esai tentang teori dan sejarah seni. Dilihat dari karya awal Shchedrin Siang(1779), dieksekusi setelah dia tinggal di Italia, sang seniman jelas dipengaruhi oleh klasisisme. Karakteristik plot dengan kawanan dan reruntuhan, skema warna khas klasisisme, membagi komposisi menjadi denah - coklat di dekat dan biru di kejauhan, interpretasi dekoratif pepohonan, tidak alami, tetapi menjelma menjadi awan halus, adalah bukti dari munculnya genre lanskap tersusun.

Setibanya di Rusia, Shchedrin menerima sejumlah pesanan untuk menyelesaikan panel lanskap untuk Kastil Mikhailovsky (1799-1801), mural dan panel untuk Gatchina, Pavlovsk, dan Peterhof. AA Fedorov-Davydov mencatat perkembangan seni taman pada akhir abad ke-18 yang mempengaruhi lukisan Shchedrin. Reguler atau gratis, dalam semangat Inggris, taman dibuat di Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, dan Gatchina. Lukisan pemandangan dimaksudkan untuk menghiasi istana dan oleh karena itu, bersama dengan panel istana, memiliki fungsi dekoratif. Fungsi-fungsi ini menentukan makna dan struktur karya Shchedrin periode St. Petersburg, termasuk lanskap kuda-kuda yang ia buat pada tahun 1792-1798: Pabrik di Pavlovsk(1792), Pemandangan Istana Gatchina dari Pulau Dlinny(1796). Pemandangan di Taman Gatchina(1798). Sang seniman menyimpan di dalamnya semua tanda konvensi: warna coklat, sedikit diwarnai dengan hijau dan biru, pohon “anjing kampung”, figur staf yang menunjukkan motif kontemplasi. Waktu seolah membeku dalam gambaran itu, dan hal itu membutuhkan pemahaman.

Tidak dapat dikatakan bahwa lanskap tersebut seluruhnya disusun oleh Shchedrin. Ini didasarkan pada tipe tertentu, tetapi diubah secara sewenang-wenang oleh senimannya. Ya, di lanskap Pabrik di Pavlovsk sifat dekoratif tulisannya terlihat jelas, terinspirasi dari sisa-sisa gaya barok yang belum sempat hilang seiring munculnya zaman modern. Tampaknya “Shchedrin Baroque” dipengaruhi oleh gaya lukisan ikon Rusia abad 17-18, serta interior Naryshkin Baroque. Dalam dua pemandangan - Istana Gatchina dari Long Island dan Taman Gatchina - bersama dengan pepohonan yang dirawat secara dekoratif, kedalaman ruang nyata yang dibangun oleh cahaya terlihat. Jejak stilistika klasisisme terlalu penakut, namun pemahaman lanskap sebagai gambaran suatu negeri yang indah sesuai dengan konsep klasisisme, yang mengoreksi sifat “keji” dengan membandingkannya dengan zaman dahulu. Alam, seolah dipangkas dengan pola dekoratif standar, jauh dari sifat Rusia. Lansekap adalah sejenis kanon gaya, dieksekusi sesuai dengan aturan permainan gaya ini. Namun juga berisi observasi langsung terhadap alam, ditandai dengan keinginan untuk merekam kekaguman terhadap alam dan keindahan realitas. Lebih jelasnya, realitas diwujudkan dalam dua hal Pemandangan Istana Kamennoostrovsky(1803 dan 1804). Sungai dan istana ditulis menurut aturan perspektif. Mereka jelas dan dapat dipercaya. Dalam gambar tersebut orang dapat merasakan pengaruh pelukis lanskap lainnya - Fyodor Alekseev dengan pemandangan udara dan spasial St. Dalam lanskap Shchedrin, gambar digantikan oleh komposisi. Lanskap yang dibuat adalah fiksi, berdasarkan pemandangan suatu area yang sangat spesifik, tetapi dimodifikasi sedemikian rupa sehingga orang hanya bisa menebak prototipe aslinya. Lanskap fiksi Shchedrin adalah lanskap prototipe, bukan tipe medan. Oleh karena itu, bentang alam tidak dapat dikenali sebagai spesies, meskipun pada kenyataannya bentang alam tersebut mempunyai nama Jenis.

Klasisisme memiliki konsep ideologis dan plastiknya sendiri. Plot dan tema yang telah ditentukan terlihat pada gambar Siang, di mana artis tersebut menerima gelar akademisi. Program akademik menetapkan: “Ini akan mewakili sore hari, di mana ternak, penggembala dan penggembala dibutuhkan, seringkali hutan air, gunung, semak-semak, dll.” Pemandangan pedesaan serupa digambarkan dalam lukisan Pemandangan di sekitar Staraya Russa(1803) dan Lansekap dengan gembala dan kawanan domba Arcadia Rusia yang aneh tidak ada hubungannya dengan kenyataan. Sang seniman menerapkan ideologi seni klasik dalam lanskap, yang sistem gambarnya memberikan jarak antara kenyataan dan fiksi, memberikan preferensi pada gambaran kehidupan fiktif dan konvensi interpretasi plastiknya.

Pada 1799-1801, atas perintah Paul I, Shchedrin melukis panel untuk Kastil Mikhailovsky. Di dalamnya, sang seniman tidak hanya memperkuat ciri-ciri dekoratif tingkah lakunya, tetapi juga mengubah karakter lanskap sebagai sebuah genre, yang muncul pada karya-karyanya sebelumnya. Di panel Jembatan batu di Gatchina dekat Constable Square makna dan tujuan lanskap Shchedrin berubah secara signifikan. Panel tersebut cocok dengan interior istana, karena tugas khusus mendekorasi aula. Lanskap itu sendiri, yaitu gambaran suatu kawasan, hanya menjadi dalih bagi pelaksanaan fungsi karya yang lain, disesuaikan dengan gaya arsitektur interiornya. Otonomi lanskap yang tampak atau sudah terjadi sebelumnya sebagai genre independen berada di bawah tugas mendekorasi interior istana. Hal ini mengakibatkan penguatan awal dekoratif karya, yang mengabaikan rendering subjek gambar secara akurat. Fungsi karya dekoratif dan karya kuda-kuda berbeda. Tunduk pada tugas dekoratif, genre lanskap berubah menjadi ilusi genre, kehilangan atau mempersempit independensinya dalam mengajukan permasalahan genre-lanskap, dalam mencerminkan dan mereproduksi kehidupan.

Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753 - 1824) mengambil langkah pertama dalam lukisan pemandangan Rusia menuju penggambaran lanskap yang sebenarnya. Subjek seninya adalah lanskap kota. Dalam pengertian ini, sederet perspektif urban muncul dalam lanskap Rusia, seolah mewarisi seni Canaletto, Bellotto, Guardi, dan lain-lain.

Alekseev menciptakan lanskap yang dipenuhi udara berkat rencana konstruksi panorama. Perspektif dan lingkungan udara merupakan komponen penting dari lanskapnya. Karya seniman tidak merespon gagasan di luar gambar lanskap, sehingga tidak memiliki unsur di luar interpretasi artistik subjek gambar. Rangkaian nada dingin yang lembut biasanya muncul dalam perspektif Sankt Peterburg. Lukisan cahayanya sesuai dengan warna kota yang sebenarnya, dan lingkungan yang sejuk seolah menunjukkan kegembiraan emosional sang seniman. Interpretasi lanskap melalui udara merupakan inovasi dalam seni Rusia. Mungkin hanya orang Belanda, Claude Lorrain dan Joseph Turner, yang menggunakan teknik ini, yang menjadi salah satu sarana penting penyelesaian gambar terhadap tema tersebut. Lanskap Alekseev bersifat kontemplatif. Cahaya yang mengalir dengan tenang memberikan kualitas tenang pada beberapa karyanya. Petersburg karya Alekseev, orang dapat merasakan pengaruh Francesco Guardi, yang beralih ke panorama udara saat menggambarkan Venesia.

Dalam pandangan Nikolaev dan Kherson, sang seniman lebih memperhatikan ciri objektivitas karya Antonio Canaletto dan khususnya Bernardo Bellotto. Lanskap Alekseev jarang dihuni oleh manusia, tetapi jika ada kemiripan genre sehari-hari, tema lanskaplah yang menang. Bagi Canaletto, kehidupan kota hampir menjadi inti dari gambarnya, sehingga cukup sulit untuk menentukan genre berdasarkan subjek gambarnya. Secara umum, suatu genre sering kali mengubah esensinya, memperoleh makna yang sama sekali berbeda dari makna yang biasanya diberikan. Bagi Canaletto, lanskap bukanlah pemandangan kawasan, melainkan pertunjukan kehidupan kota. Kesenjangan ini sangat penting, karena sulit menilai sebuah karya dari sudut pandang tipologi genre. Seperti Canaletto, Alekseev mewakili kota baik sebagai tipe medan maupun integritas kehidupannya, dan tidak hanya menikmati fitur arsitekturnya. (Pemandangan dari Pulau Vasilyevsky ke Tanggul Inggris, 1810-an). Sebaliknya, lanskap Moskow berfokus pada pemandangan zaman kuno, pada “reruntuhan” yang melekat pada lanskap klasisisme. Kota Alekseev ramai dan dihuni oleh pekerja, terutama di film Lapangan Merah di Moskow(1801) dan gambar tanggul St. Petersburg. Dalam hal ini, lukisan-lukisan tersebut tidak mirip dengan lanskap staf Semyon Shchedrin atau Benjamin Paterson.

Bentang alam Moskow sangat berbeda dengan lanskap spasial, terang, dan lapang di Sankt Peterburg. Tampaknya ada bias tertentu yang menyelimuti setiap orang, pandangan yang diterima dengan sengaja. Ibukota kuno tampil dalam aura “zaman kuno”, skema warna hijau seperti patina. Gambarnya melekat pada kerumitan dan deformasi alam. Karena itu, gambar tersebut memperoleh kualitas dekoratif, seni menggambar kembali ke Semyon Shchedrin. Pemandangan Alekseev bergerak seolah tersentak. Mula-mula ia mengikuti jalan kesempurnaan yang realistis, kemudian kembali ke sifat dekorasi yang sangat dangkal.

Faktanya, lanskap Rusia dimulai sebagai lanskap kota, yang memperkenalkan penyesuaian signifikan terhadap skema klasik. Ia menghancurkannya, karena tidak sesuai dengan gagasan seni klasisisme yang agung, menyedihkan, dan bersifat sipil. Sejak awal, lanskap kota ditetapkan sebagai genre rendah, karena terpaksa beralih ke kehidupan kota, ke kehidupan sehari-hari genre yang jelas-jelas digabungkan. Karya Alekseev menonjol dalam seni Rusia abad ke-18. Ia hidup berdampingan dengan dekorativisme Semyon Shchedrin dan klasisisme Fyodor Matveev, tetapi bertentangan dengan keduanya, seolah mengantisipasi tren realistis lanskap berikutnya.

Fyodor Matveevich Matveev (1758 - 1826) melanjutkan impian Renaisans tentang kehidupan yang harmonis. Klasisisme secara keseluruhan memanfaatkan imajinasi Renaisans, yang pada gilirannya didasarkan pada legenda Injil. Klasisisme melengkapi nostalgia akan kehidupan yang harmonis dengan penyesalan atas daya tariknya terhadap mitologi yang hilang realitas. Lanskap klasik abad ke-18 membatasi gagasannya tentang kehidupan yang indah pada perayaan realitas kuno, yang ditemui dalam kenyataan dan mengingatkan pada keberadaan manusia dan alam yang dulunya harmonis. Lanskap klasik Matveev sebagian besar bersifat elegi. Kejelasan Lorrain asing baginya, terbaca seperti himne yang dinyanyikan kepada matahari dan cahaya. Lanskap Matveev adalah elegi cerah yang terdengar dalam satu nada, yang menggabungkan kenyataan dan masa lalu. Lanskapnya tampak retrospektif bukan dalam gaya, tetapi dalam perasaan dan suasana hati yang melekat pada seniman Renaisans, mengoreksi struktur spiritual seni lama, menampilkan apa yang mereka inginkan sebagai kenyataan. forum rim razvaliny

Matveev juga mempertahankan elemen dekoratif. Hal ini menunjukkan bahwa klasisisme tumbuh dari lukisan dekoratif, menjaga plastisitasnya sebagai atavisme. Dekorasi terasa pada stilisasi alam. Modifikasi bentuk menyangkut gambaran pepohonan, mengkilat, hancur, seolah-olah tercetak dedaunan di bagian tengah, serta warna jelas kebiruan atau hijau.

Dalam karya Matveev, muncul filosofi lanskap secara keseluruhan, pemahaman tentang masalah pandangan dunia melalui lanskap. Pemandangannya terdengar seperti simfoni visual, di mana pemikiran pengarangnya terdengar jelas tentang ruang dunia, tentang kelemahan keberadaan duniawi. Berfilsafat dibingkai oleh garis besar alur.

Dalam klasisisme, figuratif didasarkan pada esai yang diubah secara kondisional tentang topik kualitas nyata dari alam, keadaan alam, dan kehidupan. Klasisisme Matveev pada awal abad ke-19 memiliki tema yang sama sekali berbeda dengan klasisisme abad ke-18. Dahulu klasisisme berfantasi tentang tema-tema kuno atau mitos (Nicolas Poussin, Claude Lorrain), kini seolah-olah menjadi kenyataan nyata yang salah satu aspeknya dipilih: “sisa-sisa” kebudayaan kuno, yang ditransformasikan oleh seniman menurut hingga filosofinya menyesali masa lalu, yang diwujudkan dalam bentuk realitas ilusi.

“Keagungan” (dalam terminologi klasisisme) diambil dari alam itu sendiri, di mana motif pegunungan atau ruang megah yang sesuai dipilih, dan diperkuat dengan reruntuhan monumen kuno. Ketika Pyotr Chekalevsky mengatakan bahwa lukisan “memilih tontonan alam yang paling sempurna secara keseluruhan, menghubungkan bagian-bagian berbeda dari banyak tempat dan keindahan banyak orang,” hal ini terutama merujuk pada Matveev. Komunikasinya dengan kenyataan berubah menjadi idealisasinya - sebuah tanda lanskap klasik. Fedorov-Davydov menulis: “Dalam klasisisme, lanskap dari alam dan lanskap imajinasi tidak begitu banyak digabungkan melainkan saling bertarung”2. Kecenderungan alamiah tampaknya tunduk pada fiksi. Fedorov-Davydov mengutip kata-kata Matveev yang membenarkan pertimbangan ini: “Seniman tidak ingin meninggalkan tempat-tempat indah yang dilukis secara alami yang tampaknya sengaja dibuat oleh sang seniman.”

Dalam karya Matveev, daya tarik untuk mengingatkan budaya masa lalu sangat berbeda dengan karya Claude Lorrain atau Hubert Robert, di mana reruntuhannya bersifat fiksi, tetapi konsisten dengan arsitektur Renaisans. Reruntuhan Matveev memiliki karakter nyata: Colosseum, misalnya, atau Kuil Paestum (Pemandangan Heroik). Kemunculan sebenarnya dipersepsikan melalui prisma konsep “transformatif” pengarangnya. Seringkali, seperti dalam View of Rome. Colosseum, kealamian pemandangan mulai mendominasi "filosofi" dan lanskap, meskipun ketatnya arsitektur klasik, tampak seperti gambar alam biasa. Kadang-kadang tampaknya seni Matveev adalah buku teks tentang contoh dan aturan klasisisme. Memang, karyanya memberikan normativitas klasik. Banyak komposisi memiliki keteraturan yang stabil, diapit oleh pepohonan, diimbangi oleh horizontal pegunungan dan vertikal arsitektur. Pemandangan Roma yang sama, Colosseum memiliki konstruksi yang benar dan masuk akal. Ini menunjukkan penggambaran rencana yang ketat: yang pertama ditulis secara rinci, rinci; denah tengah, yang berisi gagasan utama lanskap, dicat hijau, latar belakang “meleleh” dalam kabut kebiruan, berfungsi sebagai semacam latar belakang plot. Namun, dalam banyak karya lain Matveev mempertahankan prinsip lanskap dekoratif. Dalam Vida di Paestum, skema klasik struktur sayap diganggu oleh sekelompok pohon yang terletak hampir di tengah komposisi. Dalam Pemandangan Heroik, kumpulan pepohonan di sisi kanan gambar mengalahkan beban penyeimbang yang lemah di sisi kiri. Unsur seni lukis dekoratif tidak dibatasi oleh komposisi yang tergeser, dalam teknik konstruksi dekoratif tetap dipertahankan tampilannya yang stabil dan monoton. Desainnya cenderung dekoratif, terutama terlihat pada cap setiap daun mahkota pohon besar, terlihat jelas dengan latar belakang langit yang cerah. Klasisisme abad ke-19 mempertahankan ketelitian subjek dan warna coklat, yang memiliki dua atau tiga corak sedikit, dari dekorativisme akhir abad ke-18. Warna Matveev memudar, menjadi membosankan, dan tidak membangkitkan emosi. Yang utama adalah komposisi dan gambar, kadang jelas, kadang berbentuk monogram, rumit dan canggih. Stensil yang dikembangkan mengarah pada satu hasil: komposisi dan transformasi berdasarkan kenyataan. Alam dalam lanskap Pemandangan di sekitar Bern (1817), diubah, kehilangan bentuk aslinya dan diterjemahkan ke dalam panorama megah yang ideal, seolah-olah bukan area tertentu yang digambarkan, tetapi konsep artistik “seluruh bumi” adalah sedang direalisasikan. Matveev memiliki versinya sendiri tentang lanskap ideal. Dia tidak selalu heroik dan agung. Idealisasi tidak hanya menyangkut gambaran suatu negeri yang indah, tetapi juga hal-hal khusus yang membentuk keseluruhannya. Misalnya, pohon bersifat konvensional; pohon tersebut mewujudkan gagasan tentang pohon yang mewah, tetapi tidak menunjukkan tampilan aslinya.

Lanskap dengan sosok-sosok dalam pakaian antik dibedakan dengan detail gambar yang cermat dan dekorasi kerawang. Latar depan, serta mahkota pohon di sebelah kanan, digambarkan dengan sangat presisi. Namun, apakah ketelitian tulisan bertentangan dengan keumuman gambar? Tentu saja sampai batas tertentu. Namun hanya pada tingkat generalisasi yang realistis. Dalam klasisisme, terjadi generalisasi yang berbeda. Gambar klasiknya sama. Dia tidak menanggapi kekhususan dari hal-hal khusus dan keseluruhan. Ini menghasilkan gambar ideal yang seharusnya menunjukkan kualitas tertentu. Dalam versi ini, pohon tersebut mewujudkan ide flora yang mewah. Ini bukanlah sebuah simbol, namun bisa dikatakan, sebuah “detail khas* dalam sistem pengukuran artistik klasik. Dengan sedikit variasi, hal ini berlaku untuk elemen lain (reruntuhan, gunung, dataran, tumbuhan, lembah) yang muncul dalam semua interpretasi alam. Seniman, seperti seorang arsitek, beroperasi dengan “detail standar”, menetapkan matriks gambar, membangun gambaran dunia yang ramping dan selaras secara emosional.

Dunia dalam karya Matveev tidak bergerak. Gunung-gunungnya khusyuk dan statis, langitnya tenang dan cerah, sungai-sungainya lancar dan tenang. Gambaran dunia dalam keseimbangan rasionalnya tampaknya bertentangan dengan elemen lainnya - laut yang gelisah. Dan jika pegunungan menjadi simbol ketenangan klasik, maka laut dan air terjun menjadi pertanda dorongan romantis.

Pelukis lanskap awal abad ke-19 (kebanyakan lulusan Akademi Seni) tidak mencapai tingkat artistik yang tinggi. Namun, beberapa karya mereka di luar dugaan menunjukkan tren yang signifikan. Dengan demikian, pemandangan warna nasional muncul dalam lukisan Andrei Efimovich Martynov (1768 - 1826) Pemandangan Sungai Selenga di Siberia (1817) atau Timofey Alekseevich Vasiliev (1783 - 1838) Pemandangan dermaga Nikolaev di sumber Angara Sungai dari Danau Baikal (1824), yang mempertahankan signifikansi klasik dan skala spesiesnya. Namun ini bukan lagi lanskap heroik, meski fokus pada efek visual. Efektivitas adalah sebuah kesedihan yang akan dilestarikan oleh seni Rusia untuk waktu yang lama. Bentang alam ini tidak terlalu mencerminkan alam melainkan kehidupan di bumi. Penting untuk dicatat bahwa, terlepas dari teknik klasik tradisional, kehidupan sehari-hari yang biasa digambarkan, esensinya menghancurkan motif klasik yang luhur. Dalam kasus di mana alam mempertahankan penampilan megah, kehidupan manusia sehari-hari mulai bertentangan dengan pemaksaan klasik.

Kecenderungan dekoratif dan klasik dalam seni mempunyai hubungan khusus dengan subjeknya. Benda tersebut tidak menarik perhatian seniman dengan nilai independennya yang dapat membangkitkan keinginan untuk mengenalnya dan menemukan kualitas estetis di dalamnya. Subjek termasuk dalam lingkaran refleksi filosofis dan tidak mempunyai makna tersendiri. Ia berdiri di antara komponen gambar lainnya sebagai elemen sekunder, yang diperlukan untuk menunjukkan situasi yang dihasilkan oleh pengarang dan menggambarkan pemandangan panorama yang mengungkapkan filosofi pengarang. Oleh karena itu, objek tidak dipelajari, tidak diteliti, tetapi sebenarnya berperan sebagai staf, yang, bersama dengan komponen lainnya, harus menciptakan gambaran “umum” tentang dunia. Dalam klasisisme, standar untuk menggambarkan desa, gunung, ruang, dan denah dikembangkan. Dengan pengecualian yang jarang terjadi, sebuah pohon digambar sama sekali, tanpa spesies, kecuali pohon pinus dapat dikenali. Dengan demikian, ide mahkota yang mewah, ide pegunungan yang berubah menjadi pemandangan datar terwujud. Dengan kata lain, pendekatan natural terhadap alam belum berkembang sehingga menghilangkan makna spesifik dari segala sesuatu. Citra klasikis jauh dari pemahaman tentang kehidupan alam. Ini lebih mewakili pergerakan pemikiran penulis, ide penulis tentang lanskap, di mana alam diberi peran kelas tiga. Alam tidak terikat oleh waktu. Itu tidak menunjukkan situasi tertentu. Ketidakjelasan mengarah pada konvensionalitas. Dalam hubungan antara alam dan kesadaran artistik, objektivitas penggambaran alam teralihkan oleh pemikiran ilusi pengarang. Ada perubahan yang jelas dalam penggambaran dunia objektif oleh Semyon Shchedrin dan Fyodor Matveev, dan bahkan lebih awal lagi oleh Fyodor Alekseev. Dalam seni mereka, peningkatan peran objektivitas diambil di bawah lensa observasi dan studi. Namun hal ini terjadi sepenuhnya dalam lanskap Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791 - 1830).

Sylvester Shchedrin dilahirkan dalam keluarga pematung Feodosius Shchedrin. Pelukis lanskap Semyon Shchedrin adalah pamannya. Hampir seluruh hidupnya dihabiskan di Italia, di mana dia dikirim sebagai pensiunan dan meninggal di usia muda. Sebahagian besar karyanya didedikasikan untuk Itali. Karya pertamanya mempunyai cap sisa pengaruh dekorativisme: Pemandangan dari Pulau Petrovsky di St. Petersburg (1811). Pemandangan dari Pulau Petrovsky hingga Jembatan Tuchkov dan Pulau Vasilievsky di St. Petersburg (1815), Pemandangan Pulau Petrovsky di St. Berbeda dengan lanskap Alekseev, Shchedrin tidak memiliki udara. Tampaknya telah dipompa keluar dari gambar, sehingga warnanya tidak memudar, tetapi mendapatkan kekuatan yang sebenarnya. Mereka menghadirkan kesan warna subjek yang bersinar tanpa bias dalam skema klasik yang dibangun di atas kontras antara latar depan yang teduh dan latar belakang yang disorot. Gambaran tajuk pohon pada gambar konvensional menyerupai garis hias pohon karya Semyon Shchedrin. Tokoh-tokoh dalam lanskap bersifat staf. Mereka tidak tinggal di dalamnya, mereka tidak bertindak - mereka melambangkan kehidupan, meramaikan lanskap.

Lanskap di Rusia baru saja mulai terbentuk. Ini mempunyai cap konvensi akademis. Tapi dia punya kesempatan untuk pembebasan, karena dia tidak menderita plot dan koherensi tematik yang ada di genre lain. Dalam dua dekade pertama abad ke-19, kebebasan ini diperoleh seniman di luar negeri, terutama di Italia, tempat para mahasiswa Akademi magang (pensiun). Lanskap pertama Shchedrin memiliki kualitas ganda. Penuh ukuran dan kelambatan. Mereka statis, seolah terhenti suatu saat dari rantai waktu. Di sisi lain, mengisi gambar kota dengan staf memberikan warna genre pada lanskap, mengurangi kesan keagungan motif. Pengenalan komponen pecahan sehari-hari: jembatan yang terjalin, kereta kuda, bangunan acak, nelayan - menempatkan lanskap di ambang genre sehari-hari yang muncul dalam lanskap.

Bentang alam tahun 1810-an jelas bukan berasal dari alam. Setelah persiapan menggambar, gambar itu selesai dari ingatan. Karena lanskap tidak berada di garis depan daftar genre, maka diyakini tidak dapat mewujudkan gagasan moral dan keagamaan. Genre lanskap “rendah” menarik pengamatan alam, karena merupakan pathos dari citra daerah. Segera setelah lanskap memperoleh kebebasan, dia segera membebaskan dirinya dari bias kanonik dan berbicara dalam bahasa alami, lebih memilihnya daripada “ketenangan tinggi”. Ketertarikan alami genre ini terhadap keaslian tidak berarti bahwa realisme menjadi tujuan utamanya. Yang sama validnya adalah lanskap yang tersusun, yang mengatur gambar menurut ide yang diberikan. Idenya, pada umumnya, menciptakan semacam mitos tentang negara yang indah, jika bukan ide ketuhanan, yang menunjukkan dan mewujudkan kehadiran roh ketuhanan atau kekuatan kosmik di alam duniawi. Dorongan Shchedrin terhadap realisme setibanya di Italia sama sekali bukan puncak karyanya, meskipun hal itu memberikan contoh luar biasa kepada dunia yang memperluas jangkauan seni bergambar dan plastik. Seniman mengejar keindahan - satu-satunya tujuan akhir seni.

Di Italia, Shchedrin bekerja bersama Matveev, yang memiliki pengaruh padanya. Hal ini terlihat dalam lukisan Colosseum di Roma (1822), yang secara komposisi sebanding dengan Colosseum Matveev, serta dalam lukisan Pemandangan Napoli dari jalan menuju Posilipo (1829). Dalam karya ini, dengan tetap mempertahankan skema klasik, Shchedrin mencoba mengatasinya. Dia dengan cermat mengamati dunia objektif, yang mengalihkan perhatiannya dari komposisi gambar lanskap. Namun sang seniman belum mampu menciptakan kesatuan hubungan warna.

Penemuan penting lainnya yang mengubah “filosofi” lanskap adalah cahaya yang menembus pepohonan dan menerangi laut atau reruntuhan (Roma Kuno, 1824). Cahaya segera mengubah pemahaman tentang alam. Sebenarnya “jendela dunia” dibuka dengan bantuan penerangan ruang visual. Dalam hal ini, Shchedrin mengabaikan pemahaman dunia sebagai alam semesta. Hal itu digantikan oleh perhatian pada kehidupan konkrit. Kehidupan ini dirasakan secara harmonis, sebagai kehidupan manusia yang bahagia. Spekulasi dan imajinasi meninggalkan gambaran tersebut, digantikan oleh pemandangan nyata yang terwujud dengan jelas, dimaknai sebagai takdir bahagia seseorang. Orang-orang dalam lukisan seniman bekerja, memancing, bersantai, merenungkan laut, yang memperluas cakupan lanskap ke genre sehari-hari. Dunia kehidupan tenang yang diamati dipelajari dengan cermat, atau lebih tepatnya, direnungkan, yang memberikan kedamaian dan kekekalan. Berbeda dengan klasisisme, karya Shchedrin bersifat demokratisasi. Dia tidak melukis taman istana, bukan prospek metropolitan, tapi negara rakyat, pekerja biasa. Lingkaran pengetahuan telah meluas, tidak hanya mengungkapkan mata pelajaran baru, tetapi juga diperkaya dengan pandangan dunia yang berbeda. Faktor terpenting dalam lanskap Shchedrin adalah masuknya sang seniman secara alami ke dalam alam, yang ia lukis selaras sepenuhnya dengan pernapasannya. Alam dipersepsikan dalam hubungannya dengan manusia biasa. Dia telah menjadikannya layak huni, dan dalam kelayakan huni ini dia melihat properti baru berupa plot dan motif lanskap. Keagungan dunia yang dulu digantikan oleh kemanusiaan. Seniman melihat dunia dalam bentuk materialnya, sebagai sebuah kemewahan yang dianugerahkan oleh Sang Pencipta. Sentuhan keindahan laut, sensasi fisik pepohonan, udara, ruang yang tercerahkan, terang dan transparannya langit melahirkan dunia yang harmonis. Oleh karena itu, kajian tentang alam menjadi salah satu faktor utama perubahan sikap terhadap bentang alam. Lingkungan alam kehilangan konvensionalitas gambarnya. Oleh karena itu, lukisan tidak lagi dibangun menurut kaidah tontonan megah, tetapi sesuai dengan konsep seni baru, beralih ke pemandangan pribadi, penggalan alam atau kota tepi laut: Tanggul di Napoli (1825), Pemandangan Amalfi dekat Napoli, Pelabuhan Kecil di Sorrento, Di Pulau Capri (semua - 1826).

Cahaya dalam lukisan Shchedrin menyebar, dengan lembut menyelimuti pegunungan, rumah-rumah pesisir, dan pepohonan di kejauhan. Hal ini memunculkan banyak warna laut, langit, pegunungan beludru yang dinaungi warna biru. Di alam yang diberkati seseorang dapat merasakan warisan zaman dahulu, yang dianggap sebagai surga bagi kehidupan damai manusia. Dalam lanskap Italia Shchedrin, prinsip "komposisi" sepenuhnya digantikan oleh reproduksi alam dalam kualitasnya yang indah.

Fedorov-Davydov mencatat penguasaan Shchedrin atas udara plein. Penaklukan nyata atas lanskap tahun 1820-an ini menempatkan Shchedrin di antara pelukis lanskap terkemuka di Eropa. Airisme pleinnya masih belum sempurna. Dibandingkan dengan lukisan Alexander Ivanov yang subur, refleksif, dan berani, suasana plein Shchedrin terasa malu-malu, seolah-olah dihaluskan secara akademis. Ini lebih seperti refleksi spekulatif warna pada warna daripada objek yang dilihat melalui media cahaya warna. Namun yang penting adalah warna monokrom dan rentang warna terbuka setempat dapat diatasi. Disajikan secara spektakuler, alam menunjukkan bahwa keindahan dalam hidup sebanding dengan keindahan dalam seni. Sylvester Shchedrin menggabungkan prinsip panorama ruang, sisa dari klasisisme, dengan prinsip baru - "jendela ke dunia", yang terutama terlihat jelas dalam lanskap "terowongan" dan pemandangan dari foto, di mana kedalaman dibangun oleh warna. diarsir di latar depan dan jarak yang lapang. Inilah terobosan lukisan pesawat menjadi ruang terbuka: Gua di Sorrento dengan pemandangan Vesuvius (1826), Gua Matrimonio di Pulau Capri (1827), Beranda yang dijalin dengan buah anggur (1828), Teras di tepi pantai (1828), Danau Albano di sekitar Roma (1825), Pemandangan dari gua Vesuvius dan Castello dell'Ovo pada malam yang diterangi cahaya bulan (1820-an).

Perenungan yang tenang tentang dunia runtuh dalam lanskap “malam” Shchedrin. Unsur drama muncul. Namun ini bukanlah drama kehidupan nyata, melainkan konsentrasi keadaan pengarang, yang diproyeksikan ke alam. Dari sini muncul kembali unsur-unsur gambaran konvensional langit malam, awan yang berdetak kencang, dll., tetapi konvensi kali ini diwarnai dengan ciri-ciri kesedihan romantis Napoli pada malam yang diterangi cahaya bulan, 1829; dua versi Malam Terang Bulan di Naples, 1828).