A reneszánsz zenei kultúrájának jellemzői. Zenei irodalom óra "A reneszánsz zenéje"

Reneszánsz, vagy Reneszánsz(francia reneszánsz) - fordulópont az európai népek kultúrtörténetében. Olaszországban már a XIII-XIV. század fordulóján új irányzatok jelentek meg, más európai országokban - a XV-XVI. században. A reneszánsz alakjai az embert - a javát és a szabad személyes fejlődéshez való jogát - a legmagasabb értéknek ismerték el. Ezt a világnézetet „humanizmusnak” nevezik (a latin humanusból - „ember”, „humánus”). A humanisták az ókorban a harmonikus ember eszményét keresték, az ókori görög és római művészet pedig a művészi kreativitás mintájaként szolgált számukra. Az ókori kultúra „újjáélesztésének” vágya adta a nevet egy egész korszaknak - a reneszánsznak, a középkor és az újkor közötti időszaknak (a 17. század közepétől napjainkig).

A reneszánsz világképe a legteljesebben a művészetben, ezen belül a zenében tükröződik. Ebben az időszakban, akárcsak a középkorban, a vokális egyházzene volt a vezető hely. A polifónia fejlődése a többszólamúság megjelenéséhez vezetett (a görög „polis” szóból - „számos” és „telefon” - „hang”, „hang”). Az ilyen típusú többszólamúságnál a mű minden hangja egyenlő. A többszólamúság nemcsak bonyolította a művet, hanem lehetővé tette a szerző számára, hogy kifejezze személyes szövegértését, és nagyobb érzelmeket adott a zenének. A többszólamú kompozíciók szigorú és összetett szabályok szerint születtek, és mély tudást és virtuóz készséget igényeltek a zeneszerzőtől. A többszólamúság keretein belül egyházi és világi műfajok alakultak ki.

Holland polifonikus iskola. Hollandia egy történelmi régió Északnyugat-Európában, amely magában foglalja a modern Belgium, Hollandia, Luxemburg és Északkelet-Franciaország területeit. A 15. századra Hollandia magas gazdasági és kulturális szintet ért el, és virágzó európai országgá vált.

Itt alakult ki a holland polifonikus iskola - a reneszánsz zene egyik legnagyobb jelensége. A 15. századi művészet fejlődése szempontjából fontos volt a különböző országok zenészei közötti kommunikáció és a kreatív iskolák kölcsönös hatása. A holland iskola magába szívta Olaszország, Franciaország, Anglia és Hollandia hagyományait.

Kiemelkedő képviselői: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (1400 körül - 1474. 11. 27., Cambrai), francia-flamand zeneszerző, a holland iskola egyik alapítója. A holland zene többszólamú hagyományának alapjait Guillaume Dufay (körülbelül 1400-1474) fektette le. A flandriai Cambrai városában született (egy tartomány Dél-Hollandiában), és gyermekkorától kezdve egy templomi kórusban énekelt. Ugyanakkor a leendő zenész magán zeneszerzési órákat vett. Fiatal korában Dufay Olaszországba ment, ahol megírta első kompozícióit - balladákat és motettákat. 1428-1437-ben énekesként szolgált a római pápai kápolnában; Ugyanebben az évben Olaszországba és Franciaországba utazott. A zeneszerzőt 1437-ben szentelték fel. Savoyai herceg udvarában (1437-1439) szertartásokra és ünnepekre komponált zenét. Dufay nagy tiszteletnek örvendett a nemesek részéről – tisztelői között volt például a Medici házaspár (az olasz Firenze város uralkodói). [Olaszországban és Franciaországban dolgozott. 1428-37-ben római és más olasz városok pápai kápolnáinak énekese, 1437-44-ben Savoyai hercegnél szolgált. 1445 óta kanonok és zenei tevékenységek igazgatója a cambrai-i katedrálisban. A népi többszólamúsághoz és a reneszánsz humanista kultúrájához kötődő spirituális (3, 4 szólamú misék, motetták), valamint világi (3, 4 szólamú francia sanzonok, olasz dalok, balladák, rondók) műfajok mestere. Az európai zeneművészet vívmányait magába szívó dán művészet nagy hatással volt az európai többszólamú zene további fejlődésére. A kottaírás megújítója is volt (D. nevéhez fűződik a fehér fejű hangjegyek bevezetése). D. teljes műveit Rómában adták ki (6 köt., 1951-66).] Dufay volt az első a zeneszerzők közül, aki elkezdte a misét szerves kompozícióként komponálni. Az egyházi zene létrehozásához rendkívüli tehetségre van szükség: az elvont, megfoghatatlan fogalmak konkrét, anyagi eszközökkel történő kifejezésére. A nehézség az, hogy egy ilyen kompozíció egyrészt nem hagyja közömbösen a hallgatót, másrészt nem vonja el a figyelmét a szolgálatról, és segít jobban koncentrálni az imára. Dufay sok miséje ihletett, tele van belső élettel; úgy tűnik, egy pillanatra segítenek fellebbenteni az isteni kinyilatkoztatás fátylát.

A mise létrehozásakor Dufay gyakran vett egy jól ismert dallamot, amelyhez hozzáadta a sajátját. Az ilyen kölcsönzések a reneszánszra jellemzőek. Nagyon fontosnak tartották, hogy a mise olyan ismert dallamra épüljön, amelyet a hívek egy többszólamú műben is könnyen felismerhetnek. Gyakran használták a gregorián ének töredékét; Nem voltak kizárva a világi munkák sem.

Az egyházi zene mellett Dufay motettákat komponált világi szövegek alapján. Ezekben összetett többszólamú technikát is alkalmazott.

Josquin Despres (1440-1521). A 15. század második felének holland polifonikus iskolájának képviselője. Ott volt Josquin Despres (kb. 1440-1521 vagy 1524), aki nagy hatással volt a következő generáció zeneszerzőinek munkásságára. Ifjúkorában templomi kórusvezetőként szolgált Cambraiban; zeneleckéket vett Okegemből. A fiatal zenész húszévesen Olaszországba érkezett, Milánóban a Sforza hercegeknél (a későbbi nagy olasz művész, Leonardo da Vinci szolgált itt) és a római pápai kápolnában énekelt. Olaszországban Despres valószínűleg zenét kezdett alkotni. A 16. század legelején. Párizsba költözött. Despres ekkor már híres volt, és XII. Lajos francia király hívta meg udvari zenésznek. 1503-tól Despres újra Olaszországban, Ferrara városában, a Duke d'Este udvarában telepedett le, és zenéjét a legszélesebb körökben is hamar elismerték: a nemesség és a nemesség is megszerette. közemberek A zeneszerző nemcsak egyházi, hanem világi műveket is alkotott. Különösen az olasz népdal műfaja felé fordult - frottola (olasz frottola - „tömeg”), amelyet a tánc ritmusa, ill. A Despres a világi művek jellegzetességeit vitte be az egyházi zenébe: a friss, élénk intonáció megtörte a szigorú elhatárolódást és az élettel teli érzést , de ez alkotásai népszerűségének titka .

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufay fiatalabb kortársai Johannes (Jean) Okeghem (körülbelül 1425-1497) és Jacob Obrecht voltak. Dufayhoz hasonlóan Okegem is Flandriából származott. Egész életében keményen dolgozott; A zeneszerzés mellett a kápolna vezetőjeként tevékenykedett. A zeneszerző tizenöt misét, tizenhárom motettát és több mint húsz sanzont alkotott. Okegöm műveit szigorúság, koncentráltság, sima dallamvonalak hosszú fejlődése jellemzi. Nagy figyelmet szentelt a többszólamú technikának, arra törekedett, hogy a mise minden részét egységes egészként fogjuk fel. A zeneszerző alkotói stílusa is kivehető dalaiban - szinte nélkülözik a világi könnyedséget, karakterükben inkább motettákra, olykor tömegtöredékekre emlékeztetnek. Johannes Okegemet hazájában és külföldön is tisztelték (a francia király tanácsadójává nevezték ki). Jacob Obrecht Hollandia különböző városainak katedrálisaiban volt kórusvezető, és kápolnákat vezetett; Több évig szolgált Duke d'Este udvarában, Ferrarában (Olaszország). a többszólamú hagyomány zenéje kontrasztokkal teli, merész, még akkor is, ha a zeneszerző a hagyományos egyházi műfajok felé fordul.

Orlando Lasso kreativitásának sokoldalúsága és mélysége. A holland reneszánsz zene története Orlando Lasso (valódi nevén Roland de Lasso, 1532-1594 körül) munkásságával zárul, akit kortársai a „belga Orpheus”-nak és a „zene hercegének” neveztek. Lasso Monsban (Flandria) született. Gyermekkorától kezdve a templom kórusában énekelt, csodálatos plébánosok csodálatos hangjával. Gonzaga, az olasz Mantua város hercege véletlenül meghallotta a fiatal énekest, és meghívta saját kápolnájába. Mantua után Lasso rövid ideig Nápolyban dolgozott, majd Rómába költözött - ott kapott az egyik katedrális kápolnájának igazgatói posztját. Lasso huszonöt évesen már zeneszerzőként ismert volt, műveire keresettek voltak a zenei kiadók. 1555-ben jelent meg az első műgyűjtemény, amely motettákat, madrigálokat és sanzonokat tartalmazott. Lasso minden elődei (holland, francia, német és olasz zeneszerző) által alkotott legjavát tanulmányozta, tapasztalataikat felhasználta munkáiban. Lasso rendkívüli ember lévén igyekezett legyőzni az egyházzene elvont természetét, és egyéniséget adni neki. Ennek érdekében a zeneszerző időnként műfaji és hétköznapi motívumokat is felhasznált (népdalok, táncok témái), így összehozva az egyházi és a világi hagyományokat. Lasso ötvözte a többszólamú technika összetettségét nagy érzelmességgel. Különösen sikeres volt a madrigálokban, amelyek szövegei a szereplők lelki állapotát tárták fel, például a „Szent Péter könnyei” (1593) Luigi Tranzillo olasz költő versei alapján A zeneszerző gyakran írt nagy számra hangok (öttől hétig), így műveit nehéz előadni.

1556 óta Orlando Lasso Münchenben (Németország) élt, ahol a kápolnát vezette. Élete végére tekintélye zenei és művészeti körökben igen nagy volt, hírneve Európa-szerte elterjedt. A holland polifonikus iskola nagy hatással volt az európai zenei kultúra fejlődésére. A holland zeneszerzők által kidolgozott polifónia elvei egyetemessé váltak, és már a 20. században számos művészi technikát alkalmaztak a zeneszerzők munkáik során.

Franciaország. Franciaország számára a 15-16. század fontos változások korszaka lett: a 15. század végére véget ért az Angliával vívott százéves háború (1337-1453). az államegyesítés befejeződött; században az ország vallásháborúkat élt át katolikusok és protestánsok között. Egy erős államban, abszolút monarchiával megnőtt az udvari ünnepségek és a nyilvános ünnepségek szerepe. Ez hozzájárult a művészet, különösen az ilyen eseményeket kísérő zene fejlődéséhez. Bővült a jelentős számú előadóból álló ének- és hangszeregyüttesek (kápolnák és konzorciumok) száma. Az olaszországi hadjáratok során a franciák megismerkedtek az olasz kultúra vívmányaival. Mélyen átérezték és elfogadták az olasz reneszánsz eszméit - a humanizmust, a harmónia vágyát a környező világgal, az élet élvezetét.

Ha Olaszországban a zenei reneszánsz elsősorban a miséhez kapcsolódott, akkor a francia zeneszerzők az egyházi zenével együtt különös figyelmet fordítottak a világi többszólamú dalra - sanzonra. Franciaországban a 16. század első felében kelt fel iránta az érdeklődés, amikor megjelent Clément Janequin (kb. 1485-1558) zenés darabjaiból. Ezt a zeneszerzőt a műfaj egyik alkotójának tartják.

Clément Janequin (1475-1560) főbb kórusművei. Gyerekként Janequin egy templomi kórusban énekelt szülővárosában, Chatellerault-ban (Közép-Franciaország). Ezt követően, amint azt a zenetörténészek javasolják, a holland mesternél, Josquin Despresnél vagy a köréből származó zeneszerzőnél tanult. A papság megszerzése után Janequin régensként (kórusvezető) és orgonistaként dolgozott; majd Guise hercege meghívta szolgálatra. 1555-ben a zenész a királyi kápolna énekese lett, 1556-1557-ben. - királyi udvari zeneszerző. Clément Janequin kétszáznyolcvan sanzont készített (1530 és 1572 között jelent meg); egyházzenét írt - miséket, motettákat, zsoltárokat. Dalai gyakran figuratív jellegűek voltak. A hallgató szeme előtt csaták képei ("Marignánói csata", "Rentai csata", "Metzi csata"), vadászat jelenetei ("Vadászat"), természetképek ("Madárdal", "Nightingale") ", "Lark" ), mindennapi jelenetek ("Women’s Chat"). A zeneszerzőnek elképesztő világossággal sikerült átadnia a párizsi mindennapi élet hangulatát a „Párizsi kiáltások” című sanzonban: bevezette a szövegbe az eladók felkiáltásait („Tej!” - „Piték!” - „Articsóka!” - "Halak!" - "Gyufa!" - "Galambok"!" - "Régi cipő!" - "Bor!"). Janequin szinte nem használt hosszú és sima témákat az egyéni hangokhoz és az összetett többszólamú technikákhoz, inkább a névsort, az ismétléseket és a névszót részesítette előnyben.

A francia zene másik iránya a páneurópai reformációs mozgalomhoz kötődik.

Az istentiszteletek során a francia protestánsok (hugenóták) felhagytak a latin nyelvvel és a többszólamúsággal. A szakrális zene nyitottabb, demokratikusabb karaktert kapott. Ennek a zenei hagyománynak az egyik legfényesebb képviselője Claude Gudimel (1514 és 1520-1572 között), a bibliai szövegekre és protestáns korálokra épülő zsoltárok szerzője.

Chanson. A francia reneszánsz egyik fő zenei műfaja a sanzon (francia sanzon - „dal”). Eredete a népművészetből (az epikus mesék rímes verseiből megzenésített), a középkori trubadúrok és trouvérek művészetéből származik. Tartalmilag és hangulatilag a sanzon nagyon sokrétű lehetett - voltak szerelmes dalok, hétköznapi dalok, humoros dalok, szatirikus dalok stb. A zeneszerzők a népköltészetet és a modern költészetet vették szövegként.

Olaszország. A reneszánsz eljövetelével elterjedt Itáliában a különféle hangszereken való mindennapi zene; zenekedvelők körei alakultak ki. A szakmai téren a két legerősebb iskola alakult ki: a római és a velencei.

Madrigal. A reneszánsz idején megnőtt a világi műfajok szerepe. A XIV században. a madrigál megjelent az olasz zenében (a régi lat. matricale - „anyanyelvű dal”). Népi (pásztor)dalok alapján alakult. A madrigálok két- vagy háromszólamú dalok voltak, gyakran hangszeres kíséret nélkül. Modern olasz költők verseire írták őket, amelyek a szerelemről beszéltek; köznapi és mitológiai témájú dalok voltak.

A 15. században a zeneszerzők alig fordultak ehhez a műfajhoz; században éledt újra az érdeklődés iránta. A 16. századi madrigál jellegzetessége a zene és a költészet szoros kapcsolata. A zene rugalmasan követte a szöveget, és a költői forrásban leírt eseményeket tükrözte. Idővel egyedi dallamszimbólumok alakultak ki, amelyek gyengéd sóhajokat, könnyeket stb. jeleztek. Egyes zeneszerzők műveiben a szimbolika filozófiai volt, például Gesualdo di Venosa „Haldoklom, szerencsétlen” című madrigáljában (1611).

A műfaj a 16-17. század fordulóján virágzott. Néha egy dal előadásával egyidejűleg a cselekményét is eljátszották. A madrigál lett az alapja a madrigál-vígjátéknak (vígjáték szövegére épülő kóruskompozíció), amely előkészítette az opera megjelenését.

Római többszólamú iskola. Giovanni de Palestrina (1525-1594). A római iskola vezetője Giovanni Pierluigi da Palestrina volt, a reneszánsz egyik legnagyobb zeneszerzője. Az olaszországi Palestrina városában született, innen kapta vezetéknevét is. Palestrina gyermekkora óta a templomi kórusban énekelt, majd felnőtt kora után meghívták a római Szent Péter-bazilika karnagyi (kórusvezetői) posztjára; később a Sixtus-kápolnában (a pápa udvari kápolnájában) szolgált.

Róma, a katolicizmus központja sok vezető zenészt vonzott. Különböző időpontokban itt dolgoztak a holland mesterpolifonikusok, Guillaume Dufay és Josquin Despres. Fejlesztett kompozíciós technikájuk olykor megnehezítette az istentisztelet szövegének érzékelését: a hangok kifinomult összefonódása mögött elveszett, a szavak pedig tulajdonképpen nem is hallhatók. Ezért az egyházi hatóságok óvakodtak az ilyen művektől, és a gregorián énekeken alapuló monofónia visszatérését szorgalmazták. A többszólamúság megengedhetőségének kérdése az egyházzenében még a Katolikus Egyház Tridenti Zsinatán is szóba került (1545-1563). A pápához közel álló Palestrina meggyőzte az egyházi vezetőket arról, hogy olyan műveket hozhatnak létre, amelyekben a kompozíciós technika nem akadályozza a szöveg megértését. Ennek bizonyítékaként megkomponálta a "Marcelló pápa miséjét" (1555), amely egyesíti a bonyolult többszólamúságot minden egyes szó tiszta és kifejező hangzásával. Így a zenész „megmentette” a professzionális többszólamú zenét az egyházi hatóságok üldöztetésétől. 1577-ben a zeneszerzőt meghívták, hogy megvitassák a fokozatos reformációt - a katolikus egyház szent himnuszainak gyűjteményét. A 80-as években Palestrina szent parancsokat vett fel, és 1584-ben tagja lett a Zenemesterek Társaságának, a zenészek szövetségének, amely közvetlenül a pápának jelentett be.

Palestrina munkásságát fényes világkép hatja át. Az általa megalkotott alkotások legnagyobb szaktudásukkal és mennyiségükkel is lenyűgözték kortársait (több mint száz mise, háromszáz motetta, száz madrigál). A zene összetettsége soha nem akadályozta érzékelését. A zeneszerző tudta, hogyan kell megtalálni a középutat kompozíciói kifinomultsága és a hallgató számára hozzáférhetősége között. Palestrina fő alkotói feladatának egy koherens, nagyméretű munka kidolgozását tekintette. Kántjaiban minden egyes hang önállóan fejlődik, ugyanakkor a többivel egy egészet alkot, és gyakran a szólamok markáns akkordkombinációit alkotják. Gyakran úgy tűnik, hogy a csúcsszólam dallama a többi fölött lebeg, a többszólamúság „kupoláját” körvonalazva; Minden hangot simaság és fejlettség különböztet meg.

A zenészek következő generációja példaértékűnek és klasszikusnak tartotta Giovanni da Palestrina művészetét. Műveiből a 19-8. század számos kiemelkedő zeneszerzője tanult.

A reneszánsz zene másik iránya a velencei iskola zeneszerzőinek munkásságához kötődik, melynek alapítója Adrian Willart volt (kb. 1485-1562). Tanítványai Andrea Gabrieli orgonaművész és zeneszerző (1500 és 1520 között - 1586 után), Cyprian de Pope (1515 vagy 1516-1565) zeneszerző és más zenészek voltak. Míg Palestrina műveit letisztultság és szigorú visszafogottság jellemzi, Willaert és követői buja kórusstílust alakítottak ki. A térhatású hangzás és a hangszínjáték elérése érdekében a kompozíciókban több kórust használtak, amelyek a templom különböző helyein helyezkedtek el. A kórusok közötti névsorsolás lehetővé tette a templomtér soha nem látott hatásokkal való megtöltését. Ez a megközelítés a korszak egészének humanista eszméit tükrözte - vidámságával, szabadságával és magával a velencei művészeti hagyományokkal - minden fényes és szokatlan iránti vágyával. A velencei mesterek munkásságában a zenei nyelv is összetettebbé vált: merész akkord-kombinációkkal és váratlan harmóniákkal telt meg.

A reneszánsz kiemelkedő alakja volt Carlo Gesualdo di Venosa (kb. 1560-1613), Venosa város hercege, a világi madrigálok egyik legnagyobb mestere. Emberbarátként, lantosként és zeneszerzőként szerzett hírnevet. Gesualdo herceg barátságban volt Torquato Tasso olasz költővel; Maradt néhány érdekes levél, amelyben mindkét művész az irodalom, a zene és a képzőművészet kérdéseiről tárgyal. Gesualdo di Venosa Tasso számos versét megzenésítette – így jelent meg számos rendkívül művészi madrigál. A zeneszerző a késő reneszánsz képviselőjeként egy új típusú madrigált fejlesztett ki, ahol a viharos és kiszámíthatatlan érzések kerültek előtérbe. Ezért műveit hangerő-változások, sóhajokhoz, sőt zokogáshoz hasonló intonációk, éles hangzású akkordok, kontrasztos tempóváltások jellemzik. Ezek a technikák kifejező, kissé bizarr karaktert adtak Gesualdo zenéjének, ami lenyűgözte és egyben vonzotta kortársait. Gesualdo di Venosa hagyatéka hét többszólamú madrigál gyűjteményből áll; A lelki művek közül - "Szent himnuszok". Zenéje ma sem hagyja közömbösen a hallgatót.

A hangszeres zene műfajainak és formáinak fejlesztése. A hangszeres zenét is új műfajok megjelenése jellemzi, leginkább a hangszeres versenymű. A hegedű, csembaló és orgona fokozatosan szólóhangszerré alakult. A nekik írt zenék nemcsak a zeneszerző, hanem az előadó tehetségének bemutatására is lehetőséget biztosítottak. Mindenekelőtt a virtuozitást (a technikai nehézségekkel való megbirkózást) értékelték, amely fokozatosan öncélúvá és művészi értékké vált sok zenész számára. A 17-18. századi zeneszerzők rendszerint nemcsak zenét alkottak, hanem mesterien hangszeren is játszottak, oktatói tevékenységet folytattak. A művész jóléte nagyban függött az adott megrendelőtől. Általában minden komoly zenész egy uralkodó vagy egy gazdag arisztokrata udvarában (a nemesség sok tagjának volt saját zenekara vagy operaháza) vagy egy templomban igyekezett helyet szerezni. Ráadásul a legtöbb zeneszerző könnyedén kombinálta az egyházi zenét a világi mecénások szolgálatával.

Anglia. Anglia kulturális élete a reneszánsz idején szorosan összefüggött a reformációval. A 16. században a protestantizmus terjedt el az országban. A katolikus egyház elvesztette uralkodó pozícióját, az anglikán egyház államegyház lett, amely nem volt hajlandó elismerni a katolicizmus egyes dogmáit (alapvető rendelkezéseit); A kolostorok többsége megszűnt. Ezek az események hatással voltak az angol kultúrára, beleértve a zenét is. Zenei tanszékeket nyitottak az oxfordi és a cambridge-i egyetemeken. Nemesi szalonokban billentyűs hangszereket játszottak: virginel (csembaló egy fajtája), hordozható (kis) orgona stb. Népszerűek voltak az otthoni zenélésre szánt kis kompozíciók. Az akkori zenei kultúra legkiemelkedőbb képviselője William Bird (1543 vagy 1544-1623) kottakiadó, orgonista és zeneszerző volt. Bird lett az angol madrigál alapítója. Műveit az egyszerűség (kerülte a bonyolult többszólamú technikákat), a szöveget követő formai eredetiség és a harmonikus szabadság jellemzi. Minden zenei eszköz célja az élet szépségének és örömének megerősítése, szemben a középkori szigorúsággal és visszafogottsággal. A zeneszerzőnek sok követője volt a madrigál műfajban.

Madár szellemi műveket (miséket, zsoltárokat) és hangszeres zenét is alkotott. Szűzies kompozícióiban népdalok és néptáncok motívumait használta fel.

A zeneszerző nagyon szerette volna, hogy az általa írt zene „boldogan hordozzon legalább egy kis gyengédséget, kikapcsolódást és szórakozást”, ahogy William Byrd írta egyik zenei gyűjteménye előszavában.

Németország. A német zenei kultúra és a reformációs mozgalom kapcsolata. A 16. században Németországban megkezdődött a reformáció, amely jelentősen megváltoztatta az ország vallási és kulturális életét. A reformáció vezetői meg voltak győződve arról, hogy az istentisztelet zenei tartalmában változtatni kell. Ennek két oka volt. A 15. század közepére. Az egyházi zene műfajában dolgozó zeneszerzők többszólamú készsége rendkívüli összetettséget és kifinomultságot ért el. Néha olyan művek születtek, amelyeket a szólamok dallamgazdagsága és a hosszadalmas énekek miatt a plébánosok többsége nem tudott felfogni és lelkileg átélni. Ráadásul az istentisztelet latinul zajlott, az olaszok számára érthető, de a németek számára idegen.

A reformációs mozgalom alapítója, Luther Márton (1483-1546) úgy vélte, az egyházzene reformjára van szükség. A zenének egyrészt elő kell segítenie a plébánosok aktívabb részvételét az istentiszteleten (ez többszólamú kompozíciók előadásánál lehetetlen volt), másrészt empátiát kell kelteni a bibliai események iránt (amit hátráltat a latin nyelvű istentiszteletek vezetése). Így a következő követelményeket támasztották az egyházi énekléssel szemben: a dallam egyszerűsége és tisztasága, egyenletes ritmus, tiszta énekforma. Ezen az alapon jött létre a protestáns kórus - a német reneszánsz egyházzene fő műfaja. 1522-ben Luther lefordította az Újszövetséget németre – ezentúl lehetővé vált az isteni szolgálatok anyanyelvén történő elvégzése.

Maga Luther, valamint barátja, a német zeneteoretikus Johann Walter (1490-1570) aktívan részt vett a koráldallamok kiválasztásában. Az ilyen dallamok fő forrásai a népi spirituális és világi dalok voltak - széles körben ismert és könnyen érthető. Néhány korálhoz Luther maga komponálta a dallamokat. Egyikük, „Az Úr a mi támaszunk” a reformáció szimbólumává vált a 16. századi vallásháborúk során.

A Meistersingerek és művészetük. A német reneszánsz zene másik fényes oldala a Meistersinger (német Meistersinger - „mesterénekes”) - a kézművesek közül költő-énekesek - munkájához kapcsolódik. Nem hivatásos zenészek voltak, hanem elsősorban kézművesek – fegyverkovácsok, szabók, üvegesek, cipészek, pékek stb. Az ilyen zenészek városi szakszervezetében különböző mesterségek képviselői is helyet kaptak. A 16. században Németország számos városában léteztek mesterénekesek egyesületei.

A Mesterénekesek szigorú szabályok szerint alkották meg dalaikat az alkotói kezdeményezést számos megkötés korlátozta. A kezdőnek először ezeket a szabályokat kellett elsajátítania, majd megtanulni dalokat előadni, majd mások dallamaira szöveget komponálni, és csak ezután alkothatta meg a saját dalát. A híres Meistersinger és Minnesinger dallamai mintadallamoknak számítottak.

század kiemelkedő énekese. Hans Sachs (1494-1576) szabócsaládból származott, de fiatal korában elhagyta szülei otthonát, és Németországba utazott. A fiatalember utazásai során sajátította el a cipész mesterséget, de ami a legfontosabb, megismerkedett a népművészettel. Sachs jól képzett, kiválóan ismerte az ókori és középkori irodalmat, és német fordításban olvasta a Bibliát. Mélyen átitatták a reformáció eszméi, ezért nemcsak világi, hanem lelki énekeket is írt (összesen mintegy hatezer éneket). Hans Sachs drámaíróként is híres lett (lásd „A reneszánsz színházművészete” című cikket).

A reneszánsz hangszerei. A reneszánsz idején a hangszerek összetétele jelentősen bővült a már meglévő vonósok és fúvósok mellé. Közöttük különleges helyet foglalnak el a hegedűk - a meghajolt húrok családja, amelyek lenyűgözőek hangzásuk szépségével és nemességgel. Formájukban a modern hegedűcsalád hangszereihez (hegedű, brácsa, cselló) hasonlítanak, sőt közvetlen elődjüknek számítanak (a zenei gyakorlatban a 18. század közepéig együtt éltek). Azonban még mindig van különbség, és egy jelentős. A violákban rezonáló húrok rendszere van; általában annyi van belőlük, mint a főbbek (hat-hét). A rezonáló húrok rezgései puhává, bársonyossá teszik a brácsa hangját, de a hangszer nehezen használható zenekarban, mivel a nagy húrszám miatt hamar kimegy a hangból.

A hegedű hangját sokáig a zenei kifinomultság mintájának tartották. A viola családban három fő típus létezik. A viola da gamba egy nagy hangszer, amelyet az előadó függőlegesen helyez el, és a lábával oldalról megnyomja (az olasz gamba szó jelentése „térd”). Két másik fajta - a viola da braccio (olasz braccio - "alkar") és a viol d'amour (francia viole d'amour - "szerelem brácsa") vízszintesen állt, és amikor játszották, vállhoz nyomták őket. A viola da gamba hangtartományában közel áll a csellóhoz, a viola da braccio a hegedűhöz, a viol d'amour pedig a brácsához.

A reneszánsz pengetős hangszerek között a fő helyet a lant (lengyel lutnia, az arab „alud” szóból - „fa”) foglalja el. A 14. század végén a Közel-Keletről érkezett Európába, és a 16. század elejére már hatalmas repertoárja volt ennek a hangszernek; Mindenekelőtt dalokat énekeltek lant kíséretében. A lant teste rövid; a felső rész lapos, az alsó rész pedig félgömbhöz hasonlít. A széles nyakhoz egy nyak csatlakozik, amelyet szalagok osztanak, és a műszer feje szinte derékszögben hátra van hajlítva. Ha szeretné, láthatja a lant megjelenésében a tálhoz való hasonlóságot. Tizenkét húr van párokban csoportosítva, és a hangot mind az ujjakkal, mind egy speciális lemezzel - közvetítővel - állítják elő.

A 15-16. században különféle típusú billentyűzetek jelentek meg. Az ilyen hangszerek fő típusait - csembaló, klavikord, cintányér, szűzvirág - aktívan használták a reneszánsz zenéjében, de igazi virágzásuk később következett be.

A reneszánsz zene, akárcsak a képzőművészet és az irodalom, visszatért az ókori kultúra értékeihez. Nemcsak a füleket gyönyörködtette, hanem lelki és érzelmi hatással is volt a hallgatókra.

A művészet és a tudomány újjáéledése a XIV-XVI. században. nagy változások korszaka volt, amely a középkori életmódból a modernitásba való átmenetet jelentette. A zeneszerzés és -előadás ebben az időszakban különös jelentőségre tett szert. Görögország és Róma ókori kultúráját tanulmányozó humanisták a zeneszerzést hasznos és nemes tevékenységnek nyilvánították. Úgy gondolták, hogy minden gyermeknek meg kell tanulnia énekelni és elsajátítani a hangszereket. Emiatt a neves családok zenészeket fogadtak otthonukba, hogy leckéket adhassanak gyermekeiknek és vendégül láthassák a vendégeket.

Népszerű eszközök. A 16. században új hangszerek jelentek meg. A legnépszerűbbek azok voltak, amelyeket könnyen és egyszerűen lejátszhattak a zene szerelmesei anélkül, hogy különösebb készségeket igényelnének. A legelterjedtebbek a violák és a hozzájuk kapcsolódó leszakított virágok voltak. A brácsa volt a hegedű előfutára, és könnyű volt játszani a ráncoknak (facsíkok a nyakon), amelyek segítettek a megfelelő hangok eltalálásában. A brácsa hangja halk volt, de kis termekben jól szólt. Egy másik pengetős hangszer - a lant - kíséretében énekeltek, ahogy most gitárral teszik.

Akkoriban sokan szerettek furulyázni, furulyázni, kürtölni. A legösszetettebb zenéket az újonnan megalkotottakra írták - a csembalóra, a virginelre (angol csembalóra, amely kis méretével különbözik) és az orgonától. A zenészek ugyanakkor nem feledkeztek meg egyszerűbb, magas előadói képességet nem igénylő zenék megalkotásáról sem. Ezzel párhuzamosan a zenei írásban is változások következtek be: a nehéz fa nyomótömböket az olasz Ottaviano Petrucci által feltalált mozgatható fémtípusok váltották fel. A megjelent zeneművek gyorsan elfogytak, és egyre többen kezdtek zenélni.

Zenei irányok.

Az új hangszerek, a zenenyomtatás, a zene széles körű népszerűsége hozzájárult a kamarazene fejlődéséhez. Ahogy a neve is sugallja, kis termekben, kisebb közönség előtt való lejátszásra szánták. Több fellépő is volt, az énekes előadások domináltak, hiszen az énekművészet akkoriban sokkal fejlettebb volt, mint a zenélés. Ezenkívül a humanisták azzal érveltek, hogy a hallgatóra a legerősebben két művészet - a zene és a költészet - „csodálatos fúziója” hat. Így Franciaországban a sanzon (többszólamú dal) jelent meg műfajként, Olaszországban pedig a madrigál.

Sanzonok és madrigálok.

Az akkori évek sanzonjai több szólamban hangzottak el a megható versekig, széles tematikai skálával - a szerelem magasztos témájától a vidéki élet mindennapjaiig. A zeneszerzők nagyon egyszerű dallamokat komponáltak költészethez. Később ebből a hagyományból született egy madrigál - egy 4 vagy 5 hangos mű szabad költői témában.

Később, már a 16. században a zeneszerzők arra a következtetésre jutottak, hogy a madrigálból hiányzik az a mélység és hangerő, amelyre az ókori Görögország és Róma mindig is törekedett, és elkezdték feleleveníteni az ókori zenei métereket. Ugyanakkor a gyors és egyenletes tempók éles változása a hangulat és az érzelmi állapot változásait tükrözte.

Így a zene elkezdett „szavakat festeni” és érzéseket tükrözni. Például egy emelkedő hang jelenthet egy csúcsot (érzelmet), a csökkenő hang jelenthet egy völgyet (szomorúság völgyét), a lassú tempó jelenthet szomorúságot, a gyorsabb tempó és a kellemesen hallható harmonikus dallamok jelenthetik a boldogságot, és a a szándékosan hosszú és éles disszonancia bánatot és szenvedést jelenthet. A korábbi zenében a harmónia és a koherencia érvényesült. Most polifóniára és kontrasztra épült, tükrözve az ember gazdag belső világát. A zene mélyebb lett, személyes karaktert kapott.

Zenei kíséret.

Az ünneplések és az ünnepségek a reneszánsz jellemzői voltak. A korszak emberei a szentek napjától a nyár beköszöntéig mindent megünnepeltek. Az utcai felvonulások során zenészek és énekesek balladákat olvastak fel a gazdagon díszített, kerekeken ülő színpadokról, összetett madrigálokat adtak elő, és drámai előadásokat adtak elő. A közönség különösen várta a zenei kísérettel és mechanikus felhő formájában díszített „élő képeket”, amelyekből a forgatókönyvben biztosított istenség származott.

Ugyanakkor a legfenségesebb zenét komponáltuk a templom számára. Mai mércével mérve a kórusok nem voltak olyan nagyok - 20-30 fős, de hangjukat felerősítette a zenekarokba bevezetett harsonák és trombiták-kornetek hangja, a nagyobb ünnepeken (például karácsonykor) pedig az énekesek gyűltek össze az egész terület egyetlen hatalmas kórusba. Csak a katolikus egyház hitte, hogy a zenének egyszerűnek és érthetőnek kell lennie, ezért Giovanni Palestrina szakrális zenéjét használta példaként, aki szellemi szövegekről írt rövid műveket. Megjegyzendő, hogy később maga a maestro is az expresszív és erőteljes „új” zene hatása alá került, és monumentális, színes, jelentős kóruséneklési képességet igénylő műveket kezdett írni.

A reneszánsz idején a hangszeres zene széles körben fejlődött. A főbb hangszerek közé tartozik a lant, hárfa, furulya, oboa, trombita, különféle típusú orgonák (pozitívok, hordozható orgonák), ​​csembalófajták; A hegedű népi hangszer volt, de az új vonós hangszerek, például a hegedű fejlődésével a hegedű az egyik vezető hangszerré vált.

Ha egy új korszak mentalitása először a költészetben ébred fel, és az építészetben és a festészetben kap ragyogó fejlődést, akkor a zene, kezdve a népdalokkal, az élet minden területét áthatja. Ma már az egyházi zenét is jobban felfogják, mint a művészek bibliai témájú festményeit, nem úgy, mint valami szentet, hanem valami örömet és gyönyört okozó dolgot, amivel maguk a zeneszerzők, zenészek és kórusok is törődtek.

Egyszóval, mint a költészetben, a festészetben, az építészetben is fordulat következett be a zene fejlődésében, a zeneesztétika és -elmélet fejlődésével, új műfajok, különösen a szintetikus művészeti formák létrejöttével, mint az opera, ill. A balett, amelyet reneszánszként kell felfogni, évszázadokat közvetített.

A 15-16. századi Hollandia zenéje bővelkedik nagy zeneszerzők neveiben, köztük Josquin Despres (1440-1524), akiről Zarlino írt, és aki a francia udvarban szolgált, ahol a francia-flamand iskola kifejlődött. Úgy tartják, hogy a holland zenészek legmagasabb teljesítménye az a capella kórusmise volt, amely megfelel a gótikus katedrálisok felfelé irányuló lendületének.

Németországban fejlődik az orgonaművészet. Franciaországban az udvarban kápolnákat hoztak létre, és zenei fesztiválokat rendeztek. 1581-ben III. Henrik létrehozta a "zene főintendánsa" pozíciót az udvarban. Az első "zene főintendáns" az olasz hegedűművész, Baltazarini de Belgioso volt, aki a "Királynő Komédia Balettjét" állította színpadra, melyben először mutatták be a zenét és a táncot színpadi akcióként. Így keletkezett az udvari balett.

Clément Janequin (kb. 1475-kb. 1560), a francia reneszánsz kiemelkedő zeneszerzője, a többszólamú dal műfajának egyik megteremtője. Ezek 4-5 szólamú művek, mint a fantasy dalok. A világi többszólamú dal - sanzon - Franciaországon kívül is elterjedt.

A 16. században terjedt el először a kottanyomtatás. 1516-ban Andrea Antico római-velencei nyomdász frottola-gyűjteményt adott ki billentyűs hangszerek számára. Olaszország a csembaló- és hegedűkészítés központjává válik. Sok hegedűkészítő műhely nyílik. Az egyik első mester a híres cremonai Andrea Amati volt, aki megalapozta a hegedűkészítők dinasztiáját. Jelentős változtatásokat hajtott végre a meglévő hegedűk kialakításán, ami javította a hangzást és közelebb hozta modern megjelenéséhez.

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) – a reneszánsz korának kiemelkedő olasz lantművésze és zeneszerzője, aki a virtuóz zenészek országaként teremtette meg Olaszország hírnevét. Még mindig őt tartják minden idők legjobb lantművészének. A késő középkor hanyatlása után a zene a kultúra fontos elemévé vált.

1537-ben Giovanni Tapia spanyol pap építette Nápolyban az első zenei konzervatóriumot, a Santa Maria di Loreto-t, amely mintául szolgált a későbbiek számára.

Adrian Willaert (kb.1490-1562) - holland zeneszerző és tanár, Olaszországban dolgozott, a francia-flamand (holland) többszólamú iskola képviselője, a velencei iskola alapítója. Willaert a kettős kórus zenéjét fejlesztette ki, a többkórus zene hagyományát, amely a barokk kor elején éri el csúcspontját Giovanni Gabrieli munkásságában.

A reneszánsz idején a madrigál elérte fejlődésének csúcsát, és a korszak legnépszerűbb zenei műfajává vált. A Trecento korábbi és egyszerűbb madrigáljaitól eltérően a reneszánsz madrigálokat több (4-6) hangra írták, gyakran külföldiek, akik befolyásos északi családok udvarában szolgáltak. A madrigalisták magas művészet létrehozására törekedtek, gyakran felhasználva a késő középkor nagy olasz költőinek, Francesco Petrarchának, Giovanni Boccaccionak és másoknak átdolgozott költészetét. A madrigál legjellemzőbb vonása a szigorú szerkezeti kánonok hiánya volt, a fő elv a gondolatok és érzések szabad kifejezése volt.

Olyan zeneszerzők, mint a velencei Cipriano de Rore és a francia-flamand Roland de Lassus iskola (Orlando di Lasso olasz pályafutása során) kísérleteztek a kromatika, a harmónia, a ritmus, a textúra és a zenei kifejezés egyéb eszközeivel. Tapasztalatuk tovább folytatódik, és Carlo Gesualdo manierista idejében csúcsosodik ki.

Egy másik fontos többszólamú dalforma a villanelle volt. A nápolyi népszerű dalok alapján keletkezett, nagyon gyorsan elterjedt Olaszországban, majd Franciaországba, Angliába és Németországba került. A 16. századi itáliai villanelle erőteljes lendületet adott az akkordlépések, és ennek következtében a harmonikus tonalitás fejlődésének.

Az opera születése (firenzei camerata).

A reneszánsz végét a zenetörténet legfontosabb eseménye, az opera születése jelentette.

Humanisták, zenészek és költők egy csoportja gyűlt össze Firenzében, vezetőjük, Giovanni De Bardi gróf (1534-1612) védnöke alatt. A csoportot "camerata"-nak hívták, fő tagjai Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (Galileo Galilei csillagász apja), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri és fiatalabb éveiben Ottavio Rinuccini.

A csoport első dokumentált találkozójára 1573-ban került sor, és a firenzei Camerata legaktívabb évei 1577-1582 voltak.

Úgy gondolták, hogy a zene "megromlott", és igyekeztek visszatérni az ókori Görögország formájához és stílusához, hisz abban, hogy a zeneművészet fejleszthető, és ennek megfelelően a társadalom is javulni fog. Camerata bírálta a létező zenét a többszólamúság túlzott használata miatt, ami a szöveg érthetőségének rovására és a mű költői komponensének elvesztésére irányul, és egy új zenei stílus létrehozását javasolta, amelyben a monodikus stílusú szöveget hangszeres zene kíséri. Kísérleteik egy új ének- és zenei forma – recitativ – létrehozásához vezettek, amelyet először Emilio de Cavalieri használt, aki később közvetlenül kapcsolódott az opera fejlődéséhez.

Az első hivatalosan elismert opera, amely megfelel a modern szabványoknak, a Daphne volt, amelyet először 1598-ban mutattak be. A Daphne szerzői Jacopo Peri és Jacopo Corsi voltak, a librettót Ottavio Rinuccini írta. Ez az opera nem maradt fenn. Az első fennmaradt opera az Euridice (1600) ugyanazon szerzőktől - Jacopo Peritől és Ottavio Rinuccinitől. Ez az alkotói unió sok alkotást is hozott létre, amelyek többsége elveszett.

Északi újjászületés.

Az északi reneszánsz zenéje is érdekes. A 16. századra Gazdag folklór volt, elsősorban vokális. Németországban mindenhol hallatszott a zene: fesztiválokon, templomokban, társasági eseményeken és katonai táborokban. A parasztháború és a reformáció új lendületet adott a népdalos kreativitásnak. Sok kifejező evangélikus himnusz létezik, amelyek szerzője ismeretlen. A kóruséneklés az evangélikus istentisztelet szerves formája lett. A protestáns korál befolyásolta az egész európai zene későbbi fejlődését.

A zenei formák változatossága Németországban a 16. században. Csodálatos: baletteket és operákat adtak elő Maslenicán. Lehetetlen nem említeni olyan neveket, mint K. Paumann, P. Hofheimer. Olyan zeneszerzőkről van szó, akik világi és egyházi zenét alkottak, elsősorban orgonára. Hozzájuk csatlakozik a kiváló francia-flamand zeneszerző, a holland iskola képviselője, O. Lasso. Európa számos országában dolgozott. Összefoglalta és innovatívan fejlesztette a reneszánsz különböző európai zeneiskoláinak eredményeit. A vallásos és világi kóruszene mestere (több mint 2000 kompozíció).

De a német zene igazi forradalmát Heinrich Schütz (1585-1672) zeneszerző, zenekarmester, orgonista, tanár hajtotta végre. Az I.S. legnagyobb elődje, a nemzeti zeneszerzés iskola alapítója. Bach. Schütz megírta az első német operát „Daphne” (1627), az „Orpheus és Eurydice” opera-balettet (1638); madrigálok, spirituális kantáta-oratóriumművek („passiók”, versenyművek, motetták, zsoltárok stb.).

1. A zeneművészet fejlődésének általános irányzatai a reneszánsz korában
2. Zenei oktatás a reneszánsz korában
3. A reneszánsz zeneelmélete. Értekezések a zenéről.

• Boutique-projekt

1. A zeneművészet fejlődésének általános irányzataia reneszánsz idején

XIV-XVII században Nyugat-Európában a jelentős társadalmi változások időszaka lett. Ez az idő reneszánsz néven vonult be a kultúrtörténetbe. Ez az időszak az ókori művészet iránti érdeklődés felélénkülése kapcsán kapta a nevét, amely a modern idők kulturális szereplőinek eszményévé vált. Zeneszerzők és zeneteoretikusok (J. Tinctoris, G. Tzarlino, Glarean és mások) ókori görög zenei értekezéseket tanulmányoztak; Josquin Despres műveiben a kortársak szerint „az ókori görögök zenéjének elveszett tökéletessége újjáéledt”; század végén és a 17. század elején jelent meg. az operát az ókori dráma törvényei vezérelték.

A reneszánsz kultúra fejlődése a társadalom minden aspektusának felemelkedéséhez kapcsolódik. Új világnézet született - a humanizmus (a latin humanus - „humánus”). A kreatív erők felszabadulása a tudomány, a kereskedelem és a kézművesség rohamos fejlődéséhez vezetett, a gazdaságban új, kapitalista viszonyok alakultak ki. A nyomdászat feltalálása hozzájárult az oktatás elterjedéséhez. N. Kopernikusz világának nagy földrajzi felfedezései és heliocentrikus rendszere megváltoztatta a Földről és az Univerzumról alkotott elképzeléseket.

A reneszánsz idején a művészet, beleértve a zenét is, hatalmas közhatalomnak örvendett, és rendkívül széles körben elterjedt. A reneszánsz idején a művészet szinte minden fajtája rendkívüli jólétet ért el. A reneszánsz időrendi határai egyenetlenek a különböző európai országokban. Olaszországban a 14. században, Hollandiában a 15. században kezdődik, Franciaországban, Németországban és Angliában pedig a XVI. Ugyanakkor a különböző alkotóiskolák közötti kapcsolatok kialakulása, az országról országra költözött, különböző kápolnákban dolgozó zenészek tapasztalatcseréje a kor jelévé válik, és lehetővé teszi, hogy az egész korszakra jellemző trendekről beszéljünk. .

A humanizmus ősi eszméinek újjáéledésének és az egyház pozícióvesztésének gondolatai az egész kulturális életben elterjedtek, jelentősen befolyásolva a zenei nevelést. A tudomány iránti növekvő érdeklődés az oktatás elterjedéséhez vezetett számos területen. Ha a középkorban a világiat (mely főként a minstrel-kultúra formájában létezett) szinte teljesen visszaszorító, a népi kultúrát tiltott vallási hagyomány uralkodott, akkor a reneszánszban az egyházi zene és a zenei nevelés vallási ága, míg tovább működtek, elvesztették pozíciójukat. A muzsikálás és a zeneoktatás világi ága egyre erősödő jelleget öltött. A zenélés világi kultúrája pedig szorosan összefügg a népivel. Így például a népi és világi hagyományokat ötvöző énekesek a reneszánsz korában gyakran a legfelsőbb nemesség udvaraiban maradtak a világi zenélés fejlődésének alapjává. A reneszánsz idején a zene nemcsak hedonista funkciót töltött be, de a világi zenélésben is fontos volt. A zenei nevelés célja, mint minden művészeti tudás, az ókor korszakához hasonlóan az ember erkölcsi fejlesztését tűzte ki célul. Erre az időre nyúlik vissza a kottanyomtatás kezdete, az amatőr zenélés felvirágzása. Ugyancsak ekkor indult el a zene társadalmi helyzetének újragondolásának folyamata. A zenei stílusok és műfajok társadalmi céljuktól függően változni kezdtek. Megjelent a „népzene” és a „tudós” zene, „tapasztalatlan amatőrök” és „kifinomult fülek”, „idősek és hercegek” számára. Jól látható volt az elitizmus irányába mutató tendencia a zeneoktatásban. 1528-ban írták B. Castiglione „Az udvarmester” című híres értekezését, amely egyfajta felsőbbrendű magatartási kódex. Rámutatott, hogy az ének- és hangszertudás a spirituális kifinomultság és a valóban világi nevelés jele. A zeneoktatás világi hagyományának megnövekedett szerepe típusváltáshoz vezetett. Ha az egyházi hagyomány elsősorban a kóruséneklésre támaszkodott, akkor a világi hagyományt a hangszerek iránti érdeklődés jellemezte. Az éneklést nem szorították ki, hanem különféle formákat öltött, beleértve a világi szóló- és együttes muzsikálást is. A reneszánsz korában az egyszólamú éneklés átadja helyét a többszólamú éneknek, megjelennek a kettős és hármas kórusok, a szigorú stílusú többszólamú írás is eléri magasságát, és a kórus négy fő kórusrészre való felosztása szilárdan kialakult: szopránok, altok, tenorok. , basszusgitárok. A templomi kóruséneklésre szánt zene mellett a kórus világi zene (motetták, balladák, madrigálok, sanzonok) érvényesíti jogait.

Gyorsan és gyorsan lezajlott a hangszertanulás folyamata, amely elvált az énekzenétől. A hangszeres zenekészítés az emberi tevékenység eredeti területeként függetlenné vált. A főbb hangszerek közé tartozik a lant, hárfa, furulya, oboa, trombita, különféle típusú orgonák (pozitívok, hordozható orgonák) és csembalófajták. A hegedű népi hangszer volt, de az új vonós hangszerek, például a hegedű fejlődésével a hegedű az egyik vezető hangszerré vált. A brácsa másik fajtája, a viola da gamba a cselló lett. A hangszertanulás, amely Nyugat-Európában a 14. században kezdődött, és nemcsak a reneszánsz korszakában, hanem az azt követő időszakokban is folytatódott, az emberek lelki szükségleteinek kifejeződése volt, amelyet az egyházzene már nem elégített ki. (honlap) A reneszánsz zenei kultúrájának általánosságban a következő jellemző vonásait azonosíthatjuk: a világi zene rohamos fejlődése (a világi műfajok széles körű elterjedése: madrigálok, frottolok, villanellek, francia „sanzonok”, angol és német többszólamú) dalok), támadása a régi egyházzenei kultúrára, amely párhuzamosan létezett a világival;

Realisztikus zenei irányzatok: új cselekmények, humanista nézeteknek megfelelő képek és ennek eredményeként a zenei kifejezés új eszközei;

A népi dallam, mint a zenei alkotás vezető kezdete. A népdalokat cantus firmusként (a többszólamú művek tenor fő, változatlan dallamaként) és a többszólamú zenében (beleértve az egyházi zenét is) használják. A dallam lágyabbá, rugalmasabbá, dallamosabbá válik, és az emberi élmények közvetlen kifejezése;

A többszólamú zene és a „szigorú stílus” erőteljes fejlesztése (egyébként „klasszikus vokális polifónia”, mivel az ének- és kóruselőadásra összpontosít). A szigorú stílus a megállapított szabályok kötelező betartását feltételezi. A szigorú stílus mesterei elsajátították az ellenpontozás, az utánzás és a kánon technikáit. A szigorú írás a diatonikus egyházi módok rendszerén alapult. A harmóniában a konszonanciák dominálnak, a disszonanciák használatát speciális szabályok korlátozták. A nagy és moll módok és az órarendszer összeadódik. A tematikus alap a gregorián ének volt, de világi dallamokat is használtak. Főleg D. Palestrina és O. Lasso polifóniájára koncentrál.

Új típusú zenész kialakulása - átfogó speciális zenei oktatásban részesült szakember. A „zeneszerző” fogalma először jelenik meg;

Nemzeti zeneiskolák kialakítása (angol, holland, olasz, német stb.);

Az első fellépők megjelenése lanton, hegedűn, hegedűn, csembalón, orgonán; az amatőr zenélés virágzása;

A zenenyomtatás megjelenése.

2.Zenei oktatás a reneszánsz korában

Reneszánszátmenetet jelentett a középkorból az újkorba, és mindenekelőtt a korai polgári társadalom kultúrájába, amely az olasz városokból indult ki, majd más európai országok városaiban fejlődött ki. A reneszánsz kultúrája humanista természetű volt, és megerősítette a harmonikusan fejlett emberi személyiség eszményét. A reneszánsz véget vetett a középkor aszkézisének, átvette az ókor kulturális vívmányait, új jelentéssel töltötte meg azokat.

Az ókorban a művészetet elsősorban oktatási célokra használták. A zenét erkölcsi irányultságánál fogva a közművelődés fontos eszközének és céljának tekintették, az ember muzikalitását pedig az egyén társadalmilag értékes és meghatározó tulajdonságának tekintették. A művészi nevelést akkoriban az általános nevelés alapjának tekintették. A „zenei” kifejezés szinonimája a „művelt” kifejezés volt. A zene, az irodalom, a nyelvtan, a rajz és a torna képezte az oktatás fő tartalmát, amelyek célja a lélek fogékonyságának, a törekvések és érzések erkölcsiségének, valamint a test erejének és szépségének fejlesztése volt. A szociális nevelés a görögöknél elválaszthatatlan volt az esztétikai neveléstől, melynek alapja a zene volt. A zenét a közoktatás univerzális és kiemelt eszközeként és annak célját értették (Spartans, Pythagoras, Platón, Arisztotelész). Így Pythagoras a kozmoszt „zenei”-nek tekintette, ahogy az állam is „zenei” (vagyis harmonikus) elrendezésű és a „helyes” módnak alárendelt. És mivel a zene a harmóniát tükrözi, az ember legfőbb célja az, hogy testét és lelkét megzenésítse. A harmónia, a testi-lelki szépség, az erő, az egészség, az érzéki életfelfogás kultusza a reneszánsz korában válik a művészet kánonjává. Ez döntő jelentőségű volt az esztétikai nevelés formáinak fejlődése szempontjából. A korszak eszménye a kiegyensúlyozott művész volt - felszabadult alkotó személyiség, gazdag tehetség, aki arra törekszik, hogy szépséget és harmóniát teremtsen az őt körülvevő világban. Például a Vittorino de Feltre mantovai iskolában a fiatalok megtanulták érezni a zenei harmóniát; Az oktatásban nagy jelentőséget tulajdonítottak az énekkészségnek. Az iskolaalapító úgy vélte, hogy a zene fejleszti az időérzéket, és úgy vélte, hogy a nevelés elsősorban az érzékenység és az észlelés fejlesztéséből áll, ezért nevelési módszerében az esztétikai elemnek óriási szerepe volt.

Az új gondolatok számos oktatásról szóló értekezésben tükröződtek, amelyek mindegyike egyértelműen meghatározta a művészet értelmét és szerepét az oktatásban. Közéjük tartozik Paulo Vergerio „A nemes erkölcsről és a szabad tudományokról”, Mateo Veggio „A gyermekek neveléséről és jó erkölcséről”, Battisto Guarino „A tanítás és tanulás rendjéről”, valamint a „Szabad oktatásról szóló értekezés” Eneo Silvio Piccolomini és mások. A felsőbb társasági körökben az olvasás és írás mellett a világi etikett megkövetelte a több hangszeren való játék képességét és 5-6 nyelv beszélését. Baldasare Castiglione fentebb már említett értekezéséből „Az udvaroncról” (XVI. század) megtudhatja, milyen követelményeket támasztottak a nemesekkel szemben a zenei oktatás területén: „... Nem vagyok megelégedve egy udvaroncsal, ha nem. zenész, nem tud kottáról olvasni, és semmit sem tud a különféle hangszerekről, mert ha jól meggondolod, nem találhatsz méltóbb és dicséretre méltóbb pihenést a munkától és gyógyszert a beteg lelkeknek, mint a zenét. A zenére különösen nagy szükség van az udvarokon, hiszen amellett, hogy az unalomtól szórakoztat, sokat nyújt a hölgyek örömére is, akiknek szelíd és lágy lelkét könnyen áthatja a harmónia, és megtelik gyengédséggel.” Majd arról beszélünk, hogy milyen zene a szép: amit látásból, magabiztosan és jó modorban énekelnek, szólót énekelnek hegedűvel, billentyűznek vagy játszanak négy meghajolt hangszeren. Castiglione azonban sehol sem méltatja a többszólamú kóruszenét, nyilvánvalóan figyelembe véve, hogy annak elsősorban csak különleges célja van - templomban, hivatalos ünnepségeken.

Az oktatás világi irányultsága a plébániai iskolákban, árvaházakban, valamint az ekkor megjelenő „konzervatóriumokban” - szakosodott menedékházakban - a zenei oktatás terjedelmében és tartalmában nyilvánult meg, ahol zeneileg tehetséges gyerekek tanulhattak. Az első "konzervatóriumok" Velencében jelentek meg. Gondoskodtak az árvák neveléséről és alapfokú oktatásban részesítették őket. A fiúkat különféle mesterségekre, a lányokat énekelni tanították: Olaszországban számos templomban sok énekesre volt szükség az egyházi kórusokhoz. 1537-ben Giovanni Tapia spanyol pap építette fel Nápolyban az első „Santa Maria di Loreto” zenei konzervatóriumot, amely mintául szolgált a későbbiek számára (honlap) A hallgatók beáramlása olyan nagy volt, hogy szükség volt a nyitásra még három „konzervatórium” ugyanabban a városban. A 16. és 17. század során sok ilyen menedékhelyet nyitottak Olaszországban. Fokozatosan a zenetanítás foglalta el bennük a fő helyet, nemcsak az árvaház növendékei tanulhattak, hanem térítés ellenében a külső hallgatók is. A „konzervatórium” név eredeti jelentését elvesztve zenei oktatási intézményt kezdett jelenteni.

Az akkori oktatás egyik fontos formája a katolikus egyházak énekiskolája volt, a metriz. A Metriza (franciául maitre - tanár) egy franciaországi és hollandiai zenei bentlakásos iskola, amely egyházi kórusokat képezett. Az első metrizeket a 8. században ismerték. Az ilyen iskolák oktatási rendszere már a középkorban kialakult: az oktatás kora gyermekkortól kezdve folyt, és az általános műveltségi tárgyak mellett éneklést, orgonajátékot és zeneelmélet tanulmányozását is magában foglalta. A 16. század óta hozzáadták a többi hangszeren való játék tanulását is. Minden metriz körülbelül 20-30 énekest képezett ki egy kórusvezető (maôtre de chapelle) irányításával. A Metriz jelentős szerepet játszott a professzionális zenei oktatás elterjedésében. Számos kiemelkedő francia és holland polifonista zeneszerző, G. Dufay, J. Obrecht, J. Ockeghem és mások tanultak metrizán.

A humanisztikus pedagógia fő jellemzője a művelt, erkölcsileg tökéletes és fizikailag fejlett, világosan meghatározott szociális orientációjú egyén kialakításának előtérbe helyezése volt, amely a zenei nevelés gyakorlati jellegében nyilvánult meg. A zenélés fő formái: templom, szalon, iskola és otthon. Természetesen a zenei oktatás színvonala és lehetőségei a társadalom különböző rétegeiben eltérőek voltak. Az átfogó oktatás és a harmonikus fejlődés elsősorban a társadalmi kisebbség számára volt elérhető. A társadalom legmagasabb társadalmi rétegeiben a zenei nevelés gyakorlati jellege fokozatosan gyakorlatiassággá fajul, pragmatikus attitűdöt okozva a zenéhez, amelyet a divat, presztízs, haszon stb. szempontjai határoznak meg. Az egyházi ének, a népünnepélyek, a karneválok továbbra is a zenével való tömeges megismertetési formák maradtak A reneszánsz pedagógiája általában a tanulók tudás iránti élénk érdeklődésének felkeltését, gyakorlati képességeik fejlesztését helyezte előtérbe. Olyan iskolák jelentek meg, ahol olyan tanulási légkör alakult ki, amely a tanulás folyamatát örömteli és érdekes tevékenységgé változtatta magának a tanulónak. Ebben az időszakban széles körben alkalmazták a képzőművészet minden fajtáját, a játékokat és a vadon élő órákat. Az általános pedagógiához óriási hozzájárulást tettek a korai utópisztikus szocialisták, T. More (1478-1535) és T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. Rabelais (1494-1553). A kottanyomtatás feltalálása és a zenei kiadások készítése a 16. század legelső éveiben nagy jelentőséggel bírt a zenei fejlődés, oktatás és a zeneművek terjesztése szempontjából a különböző országokban. Ottaviano Petrucci Olaszországban kezdi kiadni Josquin Despres, Obrecht tömegeit, majd más kortársak műveit. Első példaértékű zenei kiadványa a „Harmoniae musices Odhecaton” című sanzongyűjtemény volt. Ugyanazon dalok különböző szerzői feldolgozásait tartalmazta (például „Fors település”), köztük Bunois, Obrecht, Pierre de La Rue, Agricola, Ghiselin műveit. Ezt követően Petrucci számos olasz többszólamú dal gyűjteményt adott ki - frottola, amely széles körben elterjedt a társadalomban. Ottaviano Scotto és Antonio Gardane Velencében, Pierre Attennan Párizsban és Tilman Suzato Antwerpenben is koruk jelentős zenei kiadói lettek.

• A reneszánsz zeneelmélete. Értekezések a zenéről

A reneszánsz idején a zeneelmélet nagyot lépett előre, és számos figyelemre méltó teoretikust állított fel, köztük Johannes Tinctorist (12 zenei értekezés szerzője), Ramos di Pareja, Heinrich Loritit a Glarustól ( Glarean)(a dallam tanának megalapítója), Josephfo Zarlino(a harmónia tudományának egyik megteremtője). A módok doktrínája, a zenei tudás népszerűsítése, a kor legnagyobb zeneszerzőiről alkotott ítéletek és a 15-16. századi zenei fejlődés menete, ébredő érdeklődés a népművészet sajátosságai iránt, a zenei előadás problémáinak tárgyalása - ezeket a területeket a 15. század végétől és a 16. század végéig a zenetudomány lefedte. Minden jelentős teoretikus aktívan részt vett a tanításban.

Johannes (John) Tinctoris(kb. 1435 - 1511) - francia-flamand zeneteoretikus és zeneszerző. "Szabadművészetet" és jogot tanult, a Chartres-i katedrális fiúkórusának mentora volt. 1472-től I. Ferdinánd nápolyi király udvarában szolgált, zenetanára lányának, Beatrice-nek, aki 1476-ban lett Magyarország királynője. Tinctoris három zeneelméleti értekezést szentelt tanítványának, Beatrice-nek, köztük a híres „Definition of Music” értekezést. Ismeretes, hogy 1487-ben I. Ferdinánd elküldte Tinctorist Franciaországba VIII. Károly királyhoz azzal a megbízással, hogy toborozzon énekeseket a királyi kápolnába. Tinctoris még életében nagy hírnévnek örvendett, a leghíresebb zenészek között emlegették. Tinctoris 12 értekezése maradt fenn, ezek közül a leghíresebb a „Terminorum musicae diffinitorum” című értekezése, 1472-73.

A zenetörténet első szisztematikus zenei terminológiai szótára, amely mintegy 300 kifejezést tartalmaz. Soroljuk fel Tinctoris fennmaradó műveit:

A „Complexus effectuum musices”, kb. 1473-74) a zene céljának osztályozása és színes leírása volt.

A „Zenei arányok” című értekezés („Proportionale musices”, kb. 1473-74) kidolgozta a zenei művészet numerikus alapjainak ősi pitagoreusi doktrínáját. A menzurális ritmusok közötti összefüggések bonyolultságát a végletekig súrolva Tinctoris 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 arányú ritmusokkal rukkolt elő (a XX. századi sorozatritmusokkal egybeesve). ).

- „A hangjegyek tökéletlenségének könyve” („Liber imperfectionum notarum musicalium”, kb. 1474-75); (weboldal)

A „Traktat a jegyzetek időtartamának szabályairól” („Tractatus de regulari valore notarum”, kb. 1474–1475) és a „Traktatus a hangjegyekről és a szünetekről” („Tractatus de notis et pausis”, kb. 1474–1475) a következőknek szól. a zene ritmikus szerveződése.

- „Könyv a módok természetéről és tulajdonságairól” („Liber de natura et proprietate tonorum”, 1476)

A modális rendszer felépítéséről;

- „Könyv az ellenpontozás művészetéről” („Liber de arte contrapuncti”, 1477)

Az „ellenpontozás 8 általános szabályát” rögzítő kontrapunktális kompozíció alapdoktrínája különbséget tesz az „egyszerű” és a „virágos” ellenpont között, a stabil szövegű és a rögtönzött mű közötti különbséget stb.);

- „Treatise on Alterations” („Tractatus alterationum”, 1477 után);

- „Cikk a zenei pontokról” („Scriptum super punctis musicalibus”, 1477 után) - a ritmusról;

- „A kéz leírása” („Guidonova”) („Expositio manus”, 1477 után) – a zenei rendszer hangjairól;

- „A zene feltalálásáról és használatáról” („De keksintö et usu musicae”, 1487) – az énekről és énekesekről, hangszerekről és előadóművészekről.
Tinctoris az elsők között vezette be a „zeneszerző” fogalmát, vagyis egy mű szerzőjét, „aki új éneket írt”.

A reneszánsz egyik legnagyobb zenetudósa Glarean(1488 - 1563), övé a „Tizenkét húrú ember” (1547) értekezés. Glarean Svájcban született, a Kölni Egyetem Bölcsészettudományi Karán tanult. A Liberal Arts mestereként költészetet, zenét, matematikát, görögöt és latint tanított Bázelben. Itt, Bázelben találkozott Rotterdami Erasmusszal. Glarean amellett érvelt, hogy a zenének, akárcsak a festészetnek, kívül kell lennie a vallásdidaktikán, mindenekelőtt örömet kell nyújtania, legyen az „öröm anyja”. Glarean a monodikus zene előnyeit támasztja alá a polifóniával szemben, miközben kétféle zenészről beszél: fonoszról és szimfonikusról. Az előbbiek természetes hajlamosak dallamkomponálásra, az utóbbiak két, három vagy több szólamú dallam kialakítására. A zene és a költészet, a hangszeres előadás és a szöveg egységének gondolatát támasztja alá. A zeneelméletben Glarean alátámasztotta a dúr és a moll fogalmát, és tárgyalta a tizenkét hangrendszert. Szintén a zeneelméleti problémák mellett a zenetörténetet, annak fejlődését is figyelembe vette a teoretikus, de kizárólag a reneszánsz keretei között, figyelmen kívül hagyva a középkor zenéjét. Glarean Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue kortárs zeneszerzők műveit tanulmányozta.

Ramos di Pareja(1440-1490) - spanyol teoretikus, zeneszerző és tanár. Főleg Olaszországban dolgozott. Az 1470-es években tekintélyes zeneteoretikusként és tanárként ismerték. A „Practical Music” („Musica practica”) című értekezés szerzője. Ez az értekezés hosszú távú vitákat és kritikákat váltott ki a konzervatív olasz teoretikusok részéről. Ramos di Pareja kifejtette nézeteit a módozatok és összhangzatok tanáról. A középkori hatfokozatú skálák (hexachords) rendszerét egy nyolcfokozatú dúr skálával állította szembe, a terceket és a hatodikat pedig a mássalhangzók közé sorolta (a régi elképzeléseknek megfelelően csak az oktávokat és kvinteket tekintették összhangzatnak). A ritmus és a kottaírás tanának területén Ramos di Pareja vitatkozott kortársaival, Tinctorisszal és Ghafurival, akik a menzurális kottaírás hívei voltak.

Kiváló olasz teoretikus és zeneszerző Josephfo Zarlino(1517-1590) a Ferences Rend tagja volt, filológiát, történelmet és matematikát tanult. Zarlino a híres zeneszerzőnél, Adrian Villaertnél (Villart) tanult zenét. Zarlino korának kiemelkedő művészeivel állt kapcsolatban, különösen Tiziannal és Tintorettoval. Maga Zarlino széles körben ismert volt, és a Velencei Híres Akadémia tagja volt. 1565-ben Zarlino lett a Szent István-kápolna zenei vezetője. Márka. Ez a fontos poszt lehetővé tette Zarlinónak, hogy ne csak kompozícióval foglalkozzon, hanem elméleti munkákat is írjon, köztük a „Harmónia alapításai” (1588), a „Harmónia bizonyítása” (1571), a „Zenei kiegészítések” (1588). Zarlino művei közül a legjelentősebb az „A harmónia alapjai” című értekezés, amelyben a reneszánsz zeneesztétika alapelveit fejezte ki. A korszak legtöbb gondolkodójához hasonlóan Zarlino is az ősi esztétika lelkes csodálója volt. Művei számos utalást tartalmaznak Platónra, Arisztotelészre, Arisztoxenoszra, Quintilianusra és Boethiusra. Zarlino széles körben használja Arisztotelész formáról és anyagról szóló tanítását, mind a zene számos problémájának kezelésekor, mind értekezései szerkezetének megalkotásakor.

Zarlino esztétikájában a központi helyet a zenei harmónia természetének doktrínája foglalja el. Azt állítja, hogy az egész világ tele van harmóniával, és a világ lelke a harmónia. Ebben a tekintetben panteisztikusan értelmezi a mikro- és makrokozmosz egységének gondolatát. Tsarlino értekezésében a világ objektív harmóniája és az emberi lélekben rejlő szubjektív harmónia közötti arányosság gondolata, amely a reneszánsz esztétikára jellemző, szisztematikus fejlesztést kap. Ennek az elképzelésnek az alátámasztásakor Zarlino a temperamentum tanára támaszkodik, amely korában népszerű volt. Használja azt a Cardano és Telesio gondolatát, hogy az ember temperamentumát az anyagi elemek bizonyos aránya hozza létre, mint például hideg és meleg, nedves és száraz stb. Ezen elemek arányos aránya az emberi szenvedélyek és a zenei szenvedélyek hátterében áll. . harmónia. Az emberi szenvedélyek tehát a harmónia „testének” tükrei, hasonlatosságai. Ezen az alapon Zarlino megpróbálja megmagyarázni a zene emberi pszichére gyakorolt ​​hatásának természetét. Tsarlino értekezésében nagy jelentőséget tulajdonítanak a zeneszerző személyiségének. Nemcsak zeneelméleti, nyelvtani, aritmetikai, retorikai ismereteket kíván tőle, hanem gyakorlati készségeket is a zene területén. Ideálja egy olyan zenész volt, aki a zene elméletében és gyakorlatában egyaránt jártas volt.

Zarlino értekezésében a művészet új osztályozását terjeszti elő, amely eltér a reneszánsz esztétika hagyományos koncepcióitól. Általában ebben a korszakban a vezető szerepet a festészetnek tulajdonították, míg a zenét alárendelt művészetként ismerték el. Zarlino, megtörve a bevett művészeti osztályozási rendszereket, a zenét helyezte az első helyre. A módokról szóló hagyományos tanítást továbbfejlesztve Zarlino a dúr és mol esztétikus leírását adta, a dúr triászt örömtelinek és fényesnek, a moll triászt szomorúnak és melankolikusnak definiálta. Így az európai zenei tudatban végleg meghonosodott a dúr és a moll, mint a zenei harmónia fő érzelmi pólusainak elismerése. Zarlino esztétikája a reneszánsz zeneelmélet fejlődésének legmagasabb pontja és egyben eredménye és kiteljesedése. Nem véletlen, hogy Tsarlino már életében széles körben ismertté vált kortársai körében.

Bibliográfia:

1. Alekseev A.D. A zongoraművészet története. 1. és 2. rész - M., 1988.
2. Bahtyin M. M. Francois Rabelais munkássága és a középkor és a reneszánsz népi kultúrája. - 2. kiadás - M., 1990.
3. Hertsman E. Az ókori zenei gondolkodás. - L., 1986.
4. Gruber R.I. Az ókori világ zenei kultúrája. - L., 1937.
5. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. A reneszánsz zenéje. - M., 1985.
6. Krasnova O. B. A középkor és a reneszánsz művészeti enciklopédiája. - Olma-Press, 2002.
7. Losev A.F. Reneszánsz esztétika. - M.: Mysl, 1978.
8. A nyugat-európai középkor és a reneszánsz zeneesztétikája. - M., 1966.
9. Fedorovich E.N. A zenei nevelés története. - Jekatyerinburg, 2003.

1501-ben Ottaviano Petrucci velencei nyomdász kiadta a Harmonice Musices Odhecatont, a világi zene első jelentős gyűjteményét. Ez forradalom volt a zene elterjedésében, és hozzájárult ahhoz is, hogy a következő évszázadban a francia-flamand stílus Európa meghatározó zenei nyelvévé váljon, mivel Petrucci olasz lévén elsősorban francia-flamand zeneszerzők zenéjét foglalta gyűjteményébe. . Ezt követően számos olasz zeneszerző művet adott ki, világi és szakrális egyaránt. 1516-ban Andrea Antico római-velencei nyomdász frottola-gyűjteményt adott ki billentyűs hangszerek számára.

A 18. századra már több mint 400 méter volt Franciaországban. Az 1791-es polgári forradalom idején ezeket eltörölték.

Az Orosz Föderáció Oktatási Minisztériuma

Moszkvai Állami Nyílt Pedagógiai Egyetem

őket. M. A. Sholokhova

Esztétikai Nevelés Tanszék

ABSZTRAKT

"A reneszánsz zenéje"

5. éves hallgatók

Főállású - levelező tagozat

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Tanár:

Zatsepina Maria Borisovna

Moszkva 2005

A reneszánsz Nyugat- és Közép-Európa kultúrájának virágzásának korszaka a középkorból az újkorba való átmenet során (XV-XVII. század). A reneszánsz kultúra nem szűk osztályjellegű, és gyakran a széles tömegek hangulatát tükrözi a zenei kultúrában, számos új, befolyásos alkotó iskolát képvisel. Ennek az időszaknak az egész kultúrájának fő ideológiai magja a humanizmus volt - egy új, példátlan elképzelés az emberről, mint szabad és átfogóan fejlett, határtalan fejlődésre képes lényről. Az ember a művészet és az irodalom fő alanya, a reneszánsz kultúra legnagyobb képviselőinek - F. Petrarch és D. Boccaccio, Leonardo da Vinci és Michelangelo, Raphael és Tizianus - munkája. A korszak kulturális szereplőinek többsége maga is sokrétű tehetség volt. Leonardo da Vinci tehát nemcsak kiváló művész volt, hanem szobrász, tudós, író, építész, zeneszerző is; Michelangelo nemcsak szobrászként, hanem festőként, költőként és zenészként is ismert.

E korszak világnézetének és egész kultúrájának alakulását az ősi minták követése befolyásolta. A zenében az új tartalmak mellett új formák és műfajok is kialakulnak (dalok, madrigálok, balladák, operák, kantáták, oratóriumok).

A reneszánsz kultúra fő integritása és teljessége ellenére az új kultúra elemeinek a régivel való összefonódásával kapcsolatos következetlenség jellemzi. Ennek az időszaknak a művészetében a vallási témák nemcsak tovább élnek, hanem fejlődnek is. Ugyanakkor annyira átalakul, hogy az ennek alapján készült alkotásokat nemes és hétköznapi emberek életéből vett műfaji jelenetekként érzékelik.

A reneszánsz olasz kultúra bizonyos fejlődési szakaszokon ment keresztül: a 14. század végén kialakult, csúcspontját a 15. század közepén - a 16. század elején érte el. A 16. század második felében. az ország gazdasági és politikai hanyatlása miatt hosszú távú feudális reakció indul be. A humanizmus válságban van. A művészet hanyatlása azonban nem látszik azonnal: évtizedek óta olasz művészek és költők, szobrászok és építészek alkották a legmagasabb művészeti jelentőségű alkotásokat, a különböző alkotói iskolák közötti kapcsolatok kialakítása, az országról országra költöző zenészek közötti tapasztalatcsere. , a különböző kápolnákban dolgozó, jelidővé válik, és lehetővé teszi, hogy az egész korszakra jellemző trendekről beszéljünk.

A reneszánsz az európai zenei kultúra történetének egyik ragyogó lapja. A Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo nagy nevek konstellációja, akik új távlatokat nyitottak a zenei kreativitás előtt a kifejezési eszközökben, a többszólamúság gazdagságában, a formák léptékében; a hagyományos műfajok - motetta, mise - virágzása és minőségi megújulása; új képalkotások, új intonációk kialakulása a többszólamú dalszerzés területén, a hangszeres zene rohamos fejlődése, amely közel öt évszázados alárendelt pozíció után került előtérbe: a zenélés egyéb formái, a professzionalizmus növekedése mindenben a zenei kreativitás területei: a zenei művészet szerepéről és lehetőségeiről alkotott nézetek változása, a szépség új kritériumainak kialakulása: a humanizmus, mint igazán megnyilvánuló irányzat a művészet minden területén – mindez összefügg a reneszánszról alkotott elképzeléseinkkel. A reneszánsz művészeti kultúrája a tudományon alapuló személyes kezdet. A 15-16. századi polifonikusok szokatlanul összetett képessége, virtuóz technikája együtt élt a hétköznapi táncok briliáns művészetével és a világi műfajok kifinomultságával. A lírai-dramatizmus egyre inkább kifejezésre jut műveiben. Emellett világosabban feltárják a szerző személyiségét és a művész alkotó egyéniségét (ez nem csak a zeneművészetre jellemző), ami lehetővé teszi, hogy a humanizálásról, mint a reneszánsz művészet vezérelvéről beszéljünk. Ugyanakkor az egyházzene, amelyet olyan nagy műfajok képviselnek, mint a mise és a motetta, bizonyos mértékig folytatja a „gótikus” vonalat a reneszánsz művészetében, amelynek célja elsősorban egy már létező kánon, ill. ezen keresztül dicsőítve az Isteniséget.

Szinte minden jelentősebb műfajú, világi és szakrális műfaj alkotásai valamilyen korábban ismert zenei anyag alapján épülnek fel. Egyszólamú forrás lehetett motettákban és különféle világi műfajokban, hangszeres feldolgozásokban; ezek lehetnek két szólamok, amelyeket egy háromszólamú kompozícióból kölcsönöztek, és egy azonos vagy más műfajú új műben szerepelnek, és végül egy teljes három-négy szólam (motetta, madrigál, egyfajta előjáték szerepét töltve). modellje” egy nagyobb formájú (tömegű) műről.

Az elsődleges forrás egyformán egy népszerű, jól ismert dallam (korál vagy világi dal) és néhány szerző kompozíciója (vagy hangjai belőle), amelyet más zeneszerzők dolgoztak fel, és ennek megfelelően más hangzási tulajdonságokkal, eltérő művészi ötlettel ruháztak fel.

A motett műfajban például szinte nincs olyan mű, amelynek ne lenne valamiféle eredeti eredetije. A 15-16. századi zeneszerzők tömegeinek nagy része is rendelkezik elsődleges forrással: például Palistrinában az összesen több mint száz mise közül mindössze hatot találunk kölcsönzéstől mentes alapon írt. Lasso atya egyetlen misét sem írt (az 58-ból) eredeti anyag alapján.

Megállapítható, hogy az elsődleges források köre, amelyek anyagára a szerzők támaszkodnak, meglehetősen egyértelműen meghatározott. G. Dufay, I. Ockeghem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso és mások versenyezni látszanak egymással, újra és újra ugyanazokhoz a dallamokhoz fordulnak, minden alkalommal új művészi impulzusokat merítve műveikhez, egyben megértve új módú dallamok, mint kezdeti intonációs prototípusok a többszólamú formák számára.

A mű előadásakor a polifónia volt a technika. A többszólamúság olyan többszólamúság, amelyben minden hangnak egyenlő jogai vannak. Minden hang ugyanazt a dallamot ismétli, de különböző időpontokban, mint egy visszhang. Ezt a technikát imitatív polifóniának nevezik.

A 15. századra formálódott a „szigorú írás” úgynevezett polifóniája, amelynek szabályait (a hangvezetés, formálás normái stb.) az akkori elméleti értekezések rögzítették, és az alkotás megmásíthatatlan törvényei voltak. az egyházi zenéről.

Egy másik kombinációt, amikor az előadók különböző dallamokat és különböző szövegeket ejtenek ki egyszerre, kontrasztos polifóniának nevezzük. Általánosságban elmondható, hogy a „szigorú” stílus a polifónia két típusának egyikét feltételezi: utánzó vagy kontrasztos. Az utánzó és kontrasztos többszólamúság tette lehetővé többszólamú motetták és misék komponálását az istentiszteletekre.

A motetta egy kis kórusdal, amelyet általában valamilyen népszerű dallamra, leggyakrabban valamelyik ősi egyházi énekre ("gregorián ének" és más kánoni források, valamint népzene) komponáltak.

A 15. század elejével számos európai ország zenei kultúrájában egyre világosabban megjelentek a reneszánszban rejlő vonások. A holland reneszánsz korai polifonistái közül a legkiemelkedőbb Guillaume Dufay (Dufay) Flandriában született 1400 körül. Művei valójában több mint fél évszázados történelmet képviselnek a 15. század második negyedében kialakult holland zeneiskola történetében.

Dufay több kápolnát vezetett, köztük a római pápai kápolnát, Firenzében és Bolognában dolgozott, élete utolsó éveit pedig szülőhazájában, Cambraiban töltötte. Dufay hagyatéka gazdag és bőséges: körülbelül 80 dalt (kamaraműfajok - virelek, balladák, rondók), körülbelül 30 motettát (szellemi tartalmú és világi, „dalok”), 9 teljes misét és azok egyes részeit tartalmaz.

Kiváló dallamművész, aki a szigorú stílus korszakában ritka lírai melegséget és dallamkifejezést ért el, szívesen fordult a népi dallamok felé, azokat a legügyesebb feldolgozásnak vetve alá. Dufay sok újdonságot visz be a misébe: szélesebbre terjeszti az egész kompozícióját, szabadabban használja a kórushangzás kontrasztjait. Legjobb művei közé tartozik a „The Pale Face” és a „The Armed Man” című misék, amelyek azonos nevű daleredetű kölcsönzött dallamokat használnak. Ezek a dalok – különböző változatokban – olyan szélesen kiterjesztett intonációs és tematikai alapot alkotnak, amely összetartja a nagy kórusciklusok egységét. Egy figyelemreméltó kontrapuntalista többszólamú fejlődésében eddig ismeretlen szépségeket és mélységükben rejtőző kifejező lehetőségeket tárnak fel. Dufay dallamában harmonikusan ötvöződik a holland dal fanyar frissessége a lágyító olasz dallamossággal és a francia kecsességgel. Utánzó többszólamúsága mentes a mesterségességtől és a rendetlenségtől. Néha a ritkaság túlzott lesz, és üregek jelennek meg. Ez nemcsak a művészet fiatalságát tükrözi, amely még nem találta meg az ideális szerkezeti egyensúlyt, hanem a cumbriai mester jellegzetes vágyát is, hogy a legszerényebb eszközökkel művészi és kifejező eredményt érjen el.

Dufay fiatalabb kortársai – Johannes Ockeghem és Jacob Obrecht – munkásságát már az úgynevezett második holland iskolaként emlegetik. Mindkét zeneszerző korának meghatározó alakja, meghatározta a holland polifónia kialakulását a 15. század második felében.

Johannes Ockeghem (1425-1497) élete nagy részét a francia királyok kápolnájában dolgozta. Ockeghem személyében Európa előtt, Dufay lágy, dallamos dalszövegétől, miséinek és motettáinak naivan szelíd és archaikusan fényes eufóniájától elvarázsolva egy egészen más művész jelent meg - „szenvedélytelen szemű racionalista” és kifinomult. technikai toll, aki időnként kerülte a lírát, és igyekezett gyorsan megragadni a zenében az objektív létezés bizonyos rendkívül általános törvényeit. Elképesztő képességet fedezett fel a többszólamú együttesek dallamvonalainak fejlesztésében. Zenéjében van néhány gótikus vonás: képszerűség, nem egyéni kifejezőkészség stb. 11 komplett misét (és ezek egy részét) készített, köztük egyet „A fegyveres ember” témában, 13 motettát és 22 dalt. A nagy polifonikus műfajok az elsők számára. Ockeghem néhány dala népszerűségre tett szert kortársai körében, és többször is alapul szolgáltak nagyobb formájú többszólamú feldolgozásokhoz.

Ockeghem nagy mesterként és tiszta polifonista alkotói példája nagy jelentőséggel bírt kortársai és követői számára: a többszólamúság speciális problémáira való megalkuvást nem tűrő figyelme tiszteletet, ha nem is csodálatot ébresztett, de legendát szült, nevét glóriával övezte.

Azok között, akik a 15. századot a következővel kötötték össze, nemcsak kronológiailag, hanem az alkotói fejlődés lényegét tekintve is, az első helyen kétségtelenül Jacob Obrecht áll. 1450-ben született Bergen op Zoomban. Obrecht kápolnákban dolgozott Antwerpenben, Cambraiban, Brugesben stb., és szolgált Olaszországban is.

Obrecht alkotói öröksége 25 misét, mintegy 20 motettát és 30 többszólamú dalt foglal magában. Elődeitől és régebbi kortársaitól a többszólamúság fejlett, sőt virtuóz többszólamú technikáját, imitatív és kanonikus technikáit örökölte. Obrecht teljesen többszólamú zenéjében olykor a legalábbis nem személyes érzelmek sajátos erősségét, a kis és nagy határokon belüli kontrasztok merészségét, a hangok természetében és a formáció sajátosságaiban teljesen „földi”, szinte mindennapi összefüggéseket hallunk. . Világképe megszűnik gótikusnak lenni. Josquin Despres felé halad, aki a reneszánsz igazi képviselője a zeneművészetben.

Obrecht stílusát egyéni jegyek jellemzik, köztük a gótikus elhatárolódástól való eltérés, a kontrasztok kiváltása, az érzelmek erőssége, a hétköznapi műfajokkal való kapcsolódás.

A 16. század első harmada Olaszországban a magas reneszánsz időszaka volt, a kreatív növekedés és a példátlan tökéletesség időszaka, amely Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo nagyszerű műveiben testesült meg. Kialakul egy bizonyos társadalmi réteg, amelyen keresztül színházi előadásokat, zenei fesztiválokat szerveznek. A különböző művészeti akadémiák tevékenysége fejlődik.

Kicsit később a zenei művészetben a fellendülés időszaka kezdődött, nemcsak Olaszországban, hanem Németországban, Franciaországban és más országokban is. A zenei művek terjesztése szempontjából nagy jelentősége volt a kottanyomtatás feltalálásának.

A többszólamú iskola hagyományai továbbra is erősek (különösen a modellre támaszkodás ugyanolyan fontos, mint korábban), de változik a témaválasztáshoz való hozzáállás, nő a művek érzelmi és figurális gazdagsága, a személyes, szerzői elem erősödik. Mindezek a vonások már megmutatkoznak Josquin Despres olasz zeneszerző munkásságában is, aki 1450 körül született Burgundiában, és a 15. század végének - 16. század elején a holland iskola egyik legnagyobb zeneszerzője volt. Csodálatos hanggal és hallással megajándékozott, serdülőkorától kezdve énekesként szolgált hazájában és más országokban egyházi kórusokban. Ez a korai és szoros kapcsolat a magas kórusművészettel, a kultuszzene nagy művészi kincseinek aktív és gyakorlatias asszimilációja nagymértékben meghatározta azt az irányt, amelyben aztán a leendő briliáns mester egyénisége, stílusa és műfaji érdeklődése kialakult.

Fiatal korában Despres a zeneszerzés művészetét tanulta I. Ockeghemnél, akinél különböző hangszereken is fejlődött.

Ezt követően Josquin Despres minden akkoriban létező zenei műfajban kipróbálta magát, zsoltárokat, motettákat, miséket, az Úr szenvedésének zenéjét, Szent Mária tiszteletére kompozíciókat és világi dalokat alkotott.

Depre műveiben az első dolog, ami felkelti az ember figyelmét, az az elképesztő kontrapontos technika, amely lehetővé teszi, hogy a szerzőt igazi kontrapont virtuóznak tekintsük. Despres azonban annak ellenére, hogy az anyagot teljesen elsajátította, nagyon lassan írt, és nagyon kritikusan vizsgálta műveit. Kompozíciói próba-előadása során sokat változtatott rajtuk, kifogástalan eufóniát próbált elérni, amit soha nem áldozott fel a kontrapontos textúráknak.

A zeneszerző csak többszólamú formákat használva egyes esetekben szokatlanul gyönyörűen folyó dallamot ad a felső hangnak, aminek köszönhetően munkája nemcsak eufóniájával, hanem dallamával is kitűnik.

Despres nem akar túllépni a szigorú ellenponton, a disszonanciák tompítása érdekében, mintegy előkészíti azokat úgy, hogy az előző összhangzatban egy disszonáns hangot használ konszonancia formájában. Despres is nagyon sikeresen használja a disszonanciákat a zenei kifejezés fokozására.

Megjegyzendő, hogy J. Despres nemcsak tehetséges kontrapuntőrnek és érzékeny zenésznek tekinthető, hanem nagyszerű művésznek is, aki képes az érzések és a különféle hangulatok legfinomabb árnyalatait közvetíteni műveiben.

Josquin technikailag és esztétikailag erősebb volt, mint a 15. századi olasz és francia polifonikusok. Éppen ezért tisztán zenei téren sokkal nagyobb hatással volt rájuk, mint ők. Halála előtt Despres Róma, Firenze és Párizs legjobb kápolnáit vezette. Mindig is egyformán elkötelezett volt a zene elterjedésének és elismerésének elősegítésében végzett munkája iránt. Hollandia maradt, „condé mester”. És bármennyire is ragyogóak voltak a külföldi eredmények és kitüntetések, amelyeket a „zene urának” (ahogy kortársai neveztek) élete során adományoztak, ő, engedelmeskedve a „föld hívásának”, visszatért a Scheldt partjára. hanyatló éveit és szerényen fejezte be életútját mint kanonok .

Olaszországban a magas reneszánsz idején virágoztak a világi műfajok. A vokális műfajok két fő irányban fejlődnek - az egyik közel áll a mindennapi énekhez és tánchoz (frotolák, villanellák stb.), a másik a többszólamú hagyományhoz kötődik (madrigál).

A madrigál, mint különleges zenei és költői forma, rendkívüli lehetőségeket nyújtott a zeneszerző egyéniségének megnyilvánulására. Fő tartalma a dalszöveg és a műfaji jelenetek. A velencei iskolában virágoztak a színpadi zenei műfajok (kísérlet az ókori tragédia felelevenítésére). A hangszeres formák (lant-, vihuela-, orgona- és egyéb hangszerek) önállóságot nyertek.

Bibliográfia:

Efremova T.F. Új orosz szótár. Magyarázó - szóképző - M.: Rus. lang.., 2000 –T. 1: A-O – 1209 p.

Rövid esztétikai szótár. M., Politizdat, 1964. 543 p.

Népszerű zenetörténet.

Tikhonova A.I. Újjászületés és barokk: Könyv az olvasáshoz - M.: LLC Kiadó "ROSMEN - PRESS", 2003. - 109 p.

A reneszánsz zeneesztétikáját a zeneszerzők és teoretikusok ugyanolyan intenzíven fejlesztették, mint a művészet más formáit. Hiszen ahogy Giovanni Boccaccio úgy vélte, hogy Dante munkásságával hozzájárult a múzsák visszatéréséhez, és életet lehelt a halott költészetbe, ahogy Giorgio Vasari a művészetek újjáéledéséről beszélt, úgy Josepho Zarlino „A művészet alapításai” című értekezésében. Harmónia” (1588) ezt írta: „A bűntudat vagy az emberi hanyagság azonban alattomos időszaka van – de az emberek nem csak a zenét, hanem más tudományokat is kezdték kevéssé értékelni. És a legnagyobb magasságokba felemelkedve, a végletekig zuhant; és miután hallatlan megtiszteltetésben részesítették, szánalmasnak, jelentéktelennek és olyan kevéssé tiszteltnek kezdték tartani, hogy még a tudós emberek is alig ismerték fel, és nem akarták megadni neki az illetéket.

A 13-14. század fordulóján Párizsban jelent meg John de Groheo zenemester „Zene” című értekezése, amelyben kritikusan revideálta a középkori zenével kapcsolatos elképzeléseket. Ezt írta: „Azok, akik hajlamosak meséket mesélni, azt mondták, hogy a zenét a víz közelében élő múzsák találták ki. Mások azt mondták, hogy szentek és próféták találták ki. De Boethius, a jelentős és nemes ember, más nézeteket vall... Könyvében azt mondja, hogy a zene kezdetét Pythagoras fedezte fel. Az emberek kezdettől fogva énekeltek, hiszen a zene veleszületett volt, ahogy Platón és Boethius állítja, de az éneklés és a zene alapjai Pythagoras koráig ismeretlenek voltak...”

A zene, akárcsak a költészet és a festészet, csak a 15. és különösen a 16. században nyert új minőséget, ami együtt járt az újabb és újabb zenei traktátusok megjelenésével.

Glarean (Henry Loris of Glarus, 1488-1563), a „Tizenkét húros ember” című zenei esszé szerzője (1547), Svájcban született, a Kölni Egyetem művészeti karán tanult. A Master of Liberal Arts költészet, zene, matematika, görög és latin tanítással foglalkozik Bázelben, ami a korszak sürgető érdekeiről beszél. Itt kötött barátságot Rotterdami Erasmusszal.

Glarean

Glarean úgy közelíti meg a zenét, különösen az egyházi zenét, mint azok a művészek, akik továbbra is festettek festményeket és freskókat a templomokban, vagyis a zenének, akárcsak a festészetnek, a vallási didaktikán és a reflexión kívül mindenekelőtt örömet kell nyújtania, „anya öröm."

Glarean alátámasztja a monodikus zene előnyeit a polifóniával szemben, miközben kétféle zenészről beszél: fonoszról és szimfonikusról: az előbbiek természetes hajlamosak dallamkomponálásra, az utóbbiak két-, három- vagy többszólamú dallam kialakítására.

Glarean a zeneelmélet fejlesztése mellett a zenetörténetet, fejlődését is a reneszánsz keretein belül, a középkor zenéjét teljesen figyelmen kívül hagyva, mint kiderül. A zene és a költészet, a hangszeres előadás és a szöveg egységének gondolatát támasztja alá. A zeneelmélet fejlődésében Glarean tizenkét hang használatával legitimálta az eolikus és ión módozatokat, ezzel elméletileg alátámasztva a dúr és a moll fogalmát.

Glarean nem szorítkozik a zeneelmélet fejlesztésére, hanem Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue modern zeneszerzők munkásságát vizsgálja. Szeretettel és örömmel beszél Josquin Despres-ről, mint Vasari Michelangelóról.

Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), akinek nyilatkozatát már ismerjük, 20 éven át csatlakozott a velencei ferences rendhez zenei koncertjeivel és a festészet felvirágoztatásával, amely felébresztette zenész, zeneszerző és zeneteoretikus elhivatottságát. 1565-ben ő vezette a Szent István-kápolnát. Márka. Úgy gondolják, hogy a „Harmónia megteremtése” című kompozícióban Zarlino klasszikus formában fejezte ki a reneszánsz zeneesztétikájának alapelveit.

Josephfo Zarlino

Zarlino, aki a zene hanyatlásáról beszélt természetesen a középkorban, az ősi esztétikára támaszkodik a zenei harmónia természetéről szóló tanának kidolgozása során. „Az, hogy a zenét mennyire dicsőítették és szentként tisztelték, világosan bizonyítják filozófusok és különösen a pitagoreusok írásai, hiszen úgy gondolták, hogy a világ a zenei törvények szerint jött létre, a szférák mozgása a harmónia oka és a lélek ugyanazok a törvények szerint épül fel, dalokból és hangokból ébred fel, és úgy tűnik, hogy azok életadó hatással vannak tulajdonságaira.”

Zarlino hajlamos a zenét a szabad művészetek közül a főszerepnek tekinteni, mivel Leonardo da Vinci a festészetet magasztalta. De ez az egyes művészeti típusok iránti rajongás nem zavarhat meg bennünket, mert a harmóniáról, mint átfogó esztétikai kategóriáról beszélünk.

Josephfo Zarlino, akárcsak Tizian, akivel kapcsolatban állt, széles hírnévre tett szert, és a Velencei Híres Akadémia tagjává választották. Az esztétika tisztázza a reneszánsz zenei állapotait. A velencei zeneiskola alapítója Adrian Willaert (1480/90-1568 között) holland származású. Tsarlino nála tanult zenét. A velencei zenét a festészethez hasonlóan gazdag hangpaletta jellemezte, amely hamarosan barokk jegyeket kapott.

A velencei iskola mellett a legnagyobb és legbefolyásosabb a római és a firenzei iskola volt. A firenzei költők, humanista tudósok, zenészek és zenebarátok közösségét Camerata-nak hívják. Vincenzo Galilei (1533-1591) vezette. A zene és a költészet egységére gondolva, a színházzal egy időben, a színpadi akciókkal a Camerata tagjai egy új műfajt, az operát hoztak létre.

Az első operák J. Peri „Daphne”-ja (1597) és „Eurydice” Rinuccini szövegei alapján (1600). Itt átmenet történt a többszólamú stílusról a homofon stílusra. Itt hangzott el először az oratórium és a kantáta.

A 15-16. századi Hollandia zenéje bővelkedik nagy zeneszerzők neveiben, köztük Josquin Despres (1440-1524), akiről Zarlino írt, és aki a francia udvarban szolgált, ahol a francia-flamand iskola kifejlődött. Úgy tartják, hogy a holland zenészek legmagasabb teljesítménye az a capella kórusmise volt, amely megfelel a gótikus katedrálisok felfelé irányuló lendületének.

Josquin Despres

Németországban fejlődik az orgonaművészet. Franciaországban az udvarban kápolnákat hoztak létre, és zenei fesztiválokat rendeztek. 1581-ben III. Henrik létrehozta a "zene főintendánsa" pozíciót az udvarban. Az első "zene főintendáns" az olasz hegedűművész, Baltazarini de Belgioso volt, aki a "Királynő Komédia Balettjét" állította színpadra, melyben először mutatták be a zenét és a táncot színpadi akcióként. Így keletkezett az udvari balett.

Clément Janequin (kb. 1475-kb. 1560), a francia reneszánsz kiemelkedő zeneszerzője, a többszólamú dal műfajának egyik megteremtője. Ezek 4-5 szólamú művek, mint a fantasy dalok. A világi többszólamú dal - sanzon - Franciaországon kívül is elterjedt.

A reneszánsz idején a hangszeres zene széles körben fejlődött. A főbb hangszerek közé tartozik a lant, hárfa, furulya, oboa, trombita, különféle típusú orgonák (pozitívok, hordozható orgonák), ​​csembalófajták; A hegedű népi hangszer volt, de az új vonós hangszerek, például a hegedű fejlődésével a hegedű az egyik vezető hangszerré vált.

A lant a reneszánsz korának számos nyugat-európai országában a leggyakoribb, legkedveltebb hangszer. Szinte minden társadalmi körben ismert. A királyi, fejedelmi és hercegi udvarokban virtuóz zenészek és nemesi művészetkedvelők játsszák folyamatosan humanista körökben, a 16. század különböző „akadémiáin”, a városiak otthoni életében, a szabadban, különféle együttesek, beleértve a színháziakat is.

A 16. század folyamán számos európai országban megjelentek a lutenzeneszerzők briliáns alkotói. A legnagyobbak közülük: Francesco Canova da Milano (1497-1543) és Vincenzo Galilei (kb. 1520-1591) Olaszországban, Luis de Milan (1500 körül - 1560 után) és Miguel de Fuenllana (1500 után - 1579 körül) ) Spanyolországban Hans (ur. 1556) és Melchior (1507-1590) Neusiedlers Németországban, John Dowland (1562-1626) Angliában, magyar születésű Valentine Greff Backfark (1507-1576), Wojciech Dlugoraj (1550 körül - 1619 után) és Jakub Reis Lengyelországban. Franciaországban már a 17. században megjelentek a legjelentősebb lantos zeneszerzők. És bár a fent említett előkelő mestereken kívül sok kiváló lantművész vagy vihuelist szerepelt mindenütt (Spanyolország különösen gazdag volt bennük), ennek ellenére ekkora lantművet hatalmas számban terjesztettek Európában a nevek nélkül. a szerzők. Úgy tűnt, ez a névtelen hétköznapi zene mindenkié: az országok mintha kicserélték volna repertoárjukat, német táncok jelentek meg az olasz gyűjteményekben, az olasz, a lengyel és a francia pedig a németekben. A darabok megnevezései nagyon lakonikusak voltak: „Kiváló Passamezzo”, „Jó dolog”, „Francia Correnta”, „Olasz”, „Velencei” stb.

A második, később kézzel írt gyűjtemény is több mint száz színdarabot tartalmaz. Jó fele tánc: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, francia correnta, lengyel tánc, német tánc, egyszerűen „Nachtanz” vagy „Danza”, allemande. Ezen kívül számos „Masquerade”, „Veneziana”, „Bergamasca”, „Fyamenga” című darab táncos jellegű. Mint látható, a táncok eredete olasz, francia, német, lengyel, spanyol. Ezen a repertoáron minden bizonnyal a passamezzo dominál (néha „Passo mezzo bonissimo”, vagy „milánói”, vagy „Moderno”) – két- vagy négyütemes tánc „féllépésekkel”, nem kapkodva, már akkor egyesült "párja" - saltarello (tánc "ugrásokkal", gyors, három ütem).

Korának leghíresebb olasz lantos zeneszerzője, Francesco da Milano (aki Gonzaga hercege, majd Ippolito de' Medici bíboros udvarában szolgált Mantuában) 1536-ban kezdte kiadni műveit, és nagyon gyorsan hírnevet szerzett Olaszországban és más országokban.

Theorbo Gerard Ter Borch (1617-1681) 1658 körül

A 16. század vége felé és azután a lantzene általános stílusa érezhetően megváltozott. Olaszországban például a maga módján virtuózsá és koncertszerűvé válik. Idővel a táncok és dalok összetettebb, olykor pazar bánásmódban részesülnek, bár nem veszítik el a kapcsolatot a mindennapi forrásokkal. Úgy tűnik, hogy a zeneszerzők kezében lévő lant arra törekszik, hogy kimerítse képességeit. G. A. Terzi (1593) koncertjátékai között vannak mesterien bemutatott passamezzók és egész táncciklusok, mint például a „Ballo Tedesco et Francese”.

Vincenzo Galilei, a nagy csillagász atyja az 1570-es és 1580-as években drámai, lantos dalaival hívta fel magára kortársai figyelmét, és végső soron fontos szerepet játszott a kísérőmonodia elkészítésében, amely alapján elkészültek az első operák. Olaszországban keletkezett.

A Vihuela zene ragyogó virágzást élt át a 16. századi Spanyolországban. 1535 és 1576 között Luis Milan ("Maestro", Valencia, 1535-1536), Luis de Narvaez (Valladolid, 1538), Alonso Mudarra (Sevilla, 1546), Enriquez de Valderrabano, (138) Vihuelista zeneszerzők szerzői gyűjteményei voltak. ott jelent meg 1547), Diego Pisador (Salamanca, 1552), Miguel de Fuenllana ("Orphenica lyra", Sevilla, 1554), Esteban Das (Valladolid, 1576) és néhány más mester.

Ugyanilyen jelentős Miguel de Fuenllana kreatív alakja, aki születésétől fogva vak, a vihuela virtuóza. A Madrid melletti Navalcarnaróban született, 1562-1569 között Tarifa márki kamarazenésze volt, majd II. Fülöp udvarában szolgált, végül Isabella Valois udvari zenészévé vált. "Orpheus lírája" gyűjteménye hat könyvből áll, és 188 művet foglal magában. Közöttük mások vokális kompozícióinak adaptációi dominálnak, sok a fantázia és csak néhány tiento. Mintha nem is lenne itt semmi új a műfaji változatokat tekintve: Milánóban is megtalálhatóak. De lényegében Fuenllana mind a fantáziák kompozíciójához, mind a spirituális és világi vokális eredetik adaptációjához némileg másként közelít. Fantáziái aszketikusabbak, mint Milánóé, a zeneszerző ugyanis a tartós többszólamú (két- és négyszólamú) előadásmódra törekszik, ami a vihuela szerény képességeit tekintve megbéklyózza a képzeletét. Fuenllana feldolgozásaiban C. Morales, X. Vázquez, P. és F. Guerrero spanyol zeneszerzők vokális műveire támaszkodik, és megfordul Josquin Depres, A. Villart, F. Verdelo, N. Gombert, C. Festa, J. Arkadelta, Jacquet, L. Heritier, Lupus és mások. Vonzzák őket a tömegek részei, és a motetták, a madrigálok és a vnliansikosok. Átdolgozásában gyakran nem „transponálja” ezeket a többszólamú énekmintákat a vihuelára, hanem variációkat készít belőlük, például egy vihuelával vagy két szólamú szólamra. Csak csodálkozni lehet azon, hogy egy vak zenész hogyan tudott így beleásni egy többszólamú szövetbe, és a maga módján „átalakítani” anélkül, hogy az eredetit sokszor meghallgathatta volna, és kottái nélkül (még nem léteztek). mint olyan) - legalábbis tanulmányozni őket barátok vagy kollégák segítségével.

Bartholomeo Veneto lantos

Lorenzo Costa. "A koncert" - reneszánsz festmény

Tehetségének mértékét és Európa különböző országaihoz fűződő kapcsolatait tekintve a 16. század második felében Valentin Greff Backfark jelentős alkotófigurája emelkedik ki. 1507-ben született Brassóban (Kronstadt, Siebenbürgen), magyar származású (anyja vezetékneve Greff volt). Zenei képzésének éveit a jelek szerint János magyar király udvarában töltötte, majd a fiatal zenész a király 1540-es haláláig az ő szolgálatában állt. Aztán valószínűleg Bakfark Franciaországba látogatott, és 1549-ben II. Augustus Zsigmond lengyel király udvari zenészévé vált. 1551-től 1554-ig egyik pártfogójával ellátogatott Königsbergbe, Danzigba, Wüttenbergbe, Augsburgba, Lyonba, Párizsban volt az udvarban, később Rómában, Velencében - és visszatért a vilnai lengyel udvarba. 1553-ban Lyonban lantra írt darabjainak gyűjteménye jelent meg. Addigra Backfark már híres „zeneszerző-lantos” lett. 1665-ben új gyűjtemény jelent meg Krakkóban. 1566-1568-ban Backfark II. hazatért Siebenbürgenbe. Végül 1571-ben találjuk őt Itáliában, Padovában, ahol Bakfark 1576-ban meghalt.

Angliában és Franciaországban a lantzene alig érte el csúcspontját, úgy tűnt, hogy a billentyűs hangszerekre is átadta tapasztalatait: Angliában a virginelre, Franciaországban pedig a csembalóra. A legnagyobb angol lantművész, John Dowland korának korai virginalistái mellett dolgozott. Franciaország legjobb lantosai, köztük Denis Gautier, már a 17. században tevékenykedtek – közvetlen örököseik pedig a csembalóművészek első generációjának képviselői voltak.

A nemzetek kialakulásának korszaka széles körben tükröződött a zenében, és legfőképpen a népdalokban. A nemzetek még nem alakultak ki teljesen, de már kialakult a nemzeti dalfolklór - francia és spanyol, cseh és lengyel, szerb és magyar, német és holland, olasz és angol, jellegzetes témáival, műfajaival, intonációs szerkezetével. E dalok és dallamok legjobbjai, amelyek a legvilágosabban fejezték ki az emberek egyedi karakterét, érzéseit és gondolatait, a helyi folklórból fokozatosan nemzeti folklórrá fejlődtek.

Olasz madrigálok, francia többszólamú dalok (sanzonok), angol áriák és balladák – reprodukált képek a bennszülött természetről, a vidéki és városi életről; feltárta az ember legbensőbb élményeit, lépésről lépésre kiszabadítva magát a régi patriarchális viszonyok, hagyományok és előítéletek bilincseiből.

A zenei élet és a művészet megújulása a demokratizálódást, a népdalkreativitás forrásainak szélesebb körű és merészebb megszólítását jelentette. A professzionális – szakrális és világi – zene bőségesen merített innen.

A népi eredethez való vonzódás, különösen Északnyugat-Európában, Angliában és Hollandiában, hozzájárult a többszólamú zene egyre szélesebb körű elterjedéséhez. Különféle műfajai alakultak ki: mise, motett, adrigál, többszólamú ének. A többszólamúság győzelmes menetelése megfelelt a dallamfejlődés már elért magasabb szintjének.

A zenei reneszánsz nem egyenletesen, „folyamatos folyamban” fejlődött, hanem sajátos „ciklusokban”, amelyek egyre gyarapodtak és gyengültek, előbbre lökve egyik-másik európai országot.

A XIV században. előtte az észak-olasz városok fényesen újító művészete volt. A 15. század, amelyet Olaszországban „elcsendesedés” jellemez, az akkori zene egyik legerősebb és legszélesebb körű reneszánsz mozgalma – a holland polifónia – gyors fejlődésének időszaka lett. A 16. században A hazájában virágkorát befejező holland iskola aktív vándorlásba kezd más országokba és nemzeti kultúrákba, míg Olaszország egy új fényes korszakba lép, amely a madrigál műfaj és a kultikus polifónia ragyogó csúcspontjához kapcsolódik. Vagy még egyszer: abban az időben, amikor az olasz magasreneszánsz már átadta helyét az ellenreformációnak, a francia reneszánsz musical csúcsműfaja - a többszólamú dal (sanzon) - elérte tetőfokát.

A műfaj, amely a reneszánsz esztétika szellemisége és legműveltebb képviselőinek törekvései szerint a reneszánsz befejezésévé és legmagasabb virágává kellett volna válnia - az opera, mint az ókori színház restaurációja - csak akkor született meg, amikor az olasz (XVI. század) már a végéhez ért, és az újonnan verdeső zenei kultúrának más stílusok és művészeti eszmék hatását kellett megtapasztalnia.

Az észak-olasz városok – Firenze és Bologna, Padova és Pisa, Perugia és Rimini – létrehozták saját új zeneművészetüket. A kora reneszánsz figyelemre méltó zenészei - Firenzei János, Ghirardello, Francesco Landino, Pietro Casella - számos lírai és lírai-hétköznapi műfajt hagytak lanton és más vonós hangszereken kísérettel énekelni. Néhány szerzeményüket hangszeres együttesek is előadták. Ez a zene részben a népi eredethez kapcsolódott, és erősen hatott rá a korai olasz humanizmus. A reneszánsz szelleme először széles körben és teljes mértékben a magas professzionális művészet tisztán világi iskolájában nyilatkozott meg – egy olyan iskolában, amely nyíltan szembehelyezkedett a „régi stílus” egyházi polifóniájával, és mérhetetlenül felülmúlta a legtöbb trubadúr és a legtöbb trubadúr „félprofi” világi szövegeit. trouvères, a reneszánsz zenei elődjei.

A középkori mestereknél dallamosabb és hajlékonyabb dallam először szólalt meg összhangban az olasz versekkel (Petrarch és más költők), követve annak képeit, mértékét és ritmusát. Valósághű zsánerképek voltak ezek a legkülönfélébb témában: vadászat a hegyekben kürtzengéssel és vadászok névsorolvasásával; séta és szórakoztató horgászjelenet; kereskedők a piacon, egymással versengve, hogy vevőket hívjanak meg.

Az ars nova mozgalom középpontjában Francesco Landini, a gazdag és sokrétű művész alakja emelkedik magasra, aki erős benyomást tett progresszív kortársaira. Landini a Firenze melletti Fiesole-ban született 1325-ben, egy festő családjában. Miután gyermekkorában himlőben szenvedett, végleg megvakult. Korán kezdett zenét tanulni (először énekelni, majd vonós hangszeren és orgonán játszani) – „hogy némi vigasztalással enyhítse az örök éjszaka borzalmát”. Zenei fejlődése csodálatos sebességgel haladt, és lenyűgözte a körülötte lévőket. Kiválóan tanulmányozta számos hangszer tervezését („mintha saját szemével látta volna”), fejlesztéseket végzett és új terveket talált ki. Az évek során Francesco Landini felülmúlta kora összes olasz zenészét. Főleg orgonajátékáról volt híres, amiért Petrarka jelenlétében 1364-ben Velencében babérral koronázták meg. Úgy látszik, Landini ekkor még nem volt ismert zeneszerzőként, és talán elkezdett komponálni. csak az 1360-as évek közepén gg. A modern kutatók korai munkáit 1365-1370-re teszik. Ismeretes, hogy Firenzében Landini sokat kommunikált költőkkel, maga is írt verseket, és egyenrangúként részt vett a humanisták tanult esztétikai vitáiban. Landini Firenzében halt meg, és a San Lorenzo-templomban temették el; sírkövén a dátum 1397. szeptember 2. Landini írásai közül sokáig csak néhány jelent meg. Ma 154 kompozíció ismeretes.

Francesco Landini

A 15. században Új, demokratikus vokális műfajok jelentek meg, amelyek a zenei élet tágabb, nyitott, társadalmi formáira reagáltak. A Frottola különösen népszerűvé vált, amelynek neve szó szerint - „a tömeg dala” már plebejus jellegéről beszél. A frattolista zeneszerzők az olasz városok folklórjához közel álló stílusban írtak. A Frottolák a 14. századi műfajoktól dallamos és kifejező dallamukkal, tiszta dúr skálájukkal különböztek.

De a 16. századot tartják az olasz zeneművészet történetének eseményeiben a leggazdagabbnak, amely ebben az időben összetettebb képet mutat, mint bármelyik korábbi évszázadban. Egyes irányzatok hosszú távú fejlődés eredményeként értek el itt csúcspontjukat (szigorú stílusú vokális többszólamú zene), mások intenzíven jöttek létre és fejlődtek, az adott időszak spirituális atmoszférája által generálva (világi zene a madrigál műfajban), mások pedig észrevétlenül készült egy új fordulópont előestéjén, amely a 16. század fordulóján következett be, amikor a magas reneszánsz korszak véget ért.

A Palestrina vezette római iskola felemelkedése külsőleg nem köthető az ellenreformáció időszakához. Palestrina művészetének igazi lényege azonban megerősíti azt a véleményt, hogy a reneszánsz fontos kreatív ötletei valósultak meg benne, amelyek azonban új történelmi körülmények között egyedülálló megtestesülést kaptak.

Az ellenreformáció beköszönte a 16. század közepétől a 16. század végéig a művészet szellemi légkörének általános változását. A haladó művészek nem tudták nem érezni az „eretnekeket” üldöző katolikus reakció, az inkvizíció cselekményeinek elnyomását, a progresszív gondolkodás kényszerét, vagyis azt az alapvetően reneszánsz-ellenes cselekvési programot, amelyet a pápaság elfogadott és végrehajtott. . A magas reneszánsz művészetében elért legmagasabb művészi egyensúly elkerülhetetlenül megrendült és megbomlott.

Giovanni Pierluigi da Palestrina 1525 körül született, és becenevét születési helyéről (Róma melletti Palestrina) kapta. Gyermekkora óta szülővárosa katedrálisában énekelt, majd 1534-ben kápolnaénekes lett Rómában. Ettől a pillanattól kezdve Palestrina szinte egész életében a pápai főváros híres templomaihoz kötődött. Ez a katolikus kultusszal és katolikus körökkel való őskapcsolat, a világképében rejlő mély vallásosság nem tehetett mást, mint munkásságát. A tridenti zsinat után Palestrina elnyerte az „egyházzene megmentőjének” legendáját; egyik bíboros házában előadott miséje meggyőzte a felsőbb papságot arról, hogy a többszólamú zene nem homályosíthatja el a szavak jelentését, és ezért nem sértheti az egyházi jámborságot. Napjai végéig Palestrina nem volt hajlandó életmódját megváltoztatni, bár sok uralkodó meghívta udvarába. Palestrina csak az utóbbi években akart visszatérni hazájába, valószínűleg belefáradva a római kötelességeibe. De 1594. február 2-án bekövetkezett halála nem tette lehetővé e szándékok megvalósulását.

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Palestrina kreatív öröksége lenyűgöző léptékű. Több mint 100 misét, több mint 300 motettát, több mint 100 madrigált alkotott. Zenéjét a koncentrált, nyugodt, magasztos szemlélődés hangulata uralja. Palestrina kreatív virágzását akkor érték el, amikor a reneszánsz más művészetek számára már a múlté volt. E kultúra zenei csúcsát is ő alkotta, és fő gondolatát - az ember és a világ tökéletes harmóniájának eszméjét - testesítette meg azzal az idealizált és általánosító szépséggel, amely előtte még lehetetlen volt, utána pedig már nem volt lehetséges. Olasz kórusművészet.

Minden munkásságát egyértelműen reneszánsz értelmezés jellemzi: a folklórhoz és a noelekhez való intonációs közelség, színes hangrögzítés, itt-ott felbukkanó paródia motívumok.

Míg az olasz, francia és spanyol reneszánsz Dél-Európában a világirodalom és művészet történetének egyik legragyogóbb lapját bontotta ki, addig a kontinens északnyugati részén, Hollandiában a XV. . a kóruspolifónia erőteljes iskolája. Hazája zenei kultúrájának történetében ez lett a csúcspontja. Elképesztő sebességgel ágai más országokba is kihajtottak. Az ő értékes tapasztalataiból tanult és fejlődött Olaszország, Franciaország, Spanyolország és Németország többszólamú művészete. Nemzetközi jelentőségre tett szert. XV-XVI. század - a holland zene virágkora.

Minstrelek barangoltak mindenhol, saját iskolákat alapítottak Bruges-ben és más központokban. A templomokban az istentiszteletek szabadidejében orgonazenei koncertek zajlottak. A zenei nevelés és elmélet központjai voltak a zárt árvaházi iskolák, az úgynevezett metrikák, amelyek gyermekkoruktól kezdve képezték a hivatásos énekeseket és orgonistákat. A metrizből olyan nagyszerű polifonikusok származtak, mint Guillaume Dufay, Gilles Benchois és mások.

A holland iskola történetének csúcsát Orlando di Lasso munkája jelentette. Flandriában született (1532-ben született Monsban, Hainautban), Olaszországban nőtt fel, és elődeihez hasonlóan kórusfiúként kezdte zenei pályafutását. Lasso a reneszánsz figurákra jellemző nyugtalan vándoréletet élt. Olaszország és Anglia, Franciaország és Antwerpen. Az elmúlt 38 évet Münchenben töltötte a bajor herceg udvarának karmestereként, ahol 1594-ben halt meg. Művészetének mélységében és erejében zseniális zenész volt, hatalmas hatóköre és alkotóereje, egyike azoknak, akik a reneszánsz titánjainak nevezték őket.

Orlando di Lasso

A zenekart O. Lasso zeneszerző vezényli

A reneszánsz zeneművészetét tehát nemcsak a nemzeti és helyi (például római, velencei és mások) alkotó iskolák eredményei, hanem a fontos alkotói irányzatok közelsége (néha egysége) is jellemzi.