Az absztrakt művészet főbb jellemzői. Absztrakt művészet a művészetben
A múlt században az absztrakt mozgalom igazi áttörést jelentett a művészet történetében, de ez teljesen természetes volt - az emberek mindig új formákat, tulajdonságokat és ötleteket kerestek. De még a mi századunkban is sok kérdést vet fel ez a művészeti stílus. Mi az absztrakt művészet? Beszéljünk erről tovább.
Absztrakt művészet a festészetben és a művészetben
Stílusosan absztrakcionizmus a művész a formák, kontúrok, vonalak és színek vizuális nyelvét használja a téma értelmezésére. Ez ellentétben áll a hagyományos művészeti ágakkal, amelyek inkább irodalmi értelmezést adnak a témáról – a „valóság” közvetítésével. Az absztrakcionizmus a lehető legtávolabb kerül a klasszikus képzőművészettől; teljesen másképp ábrázolja az objektív világot, mint a való életben.
Az absztrakt művészet kihívás elé állítja a szemlélő elméjét és érzelmeit is – a műalkotás teljes körű értékeléséhez a szemlélőnek meg kell szabadulnia attól az igénytől, hogy megértse, amit a művész mondani akar, de saját magának kell éreznie a válaszérzelmet. Az élet minden területe értelmezhető az absztrakt művészeten keresztül – hit, félelmek, szenvedélyek, reakciók a zenére vagy a természetre, tudományos és matematikai számítások stb.
Ez a művészeti irányzat a 20. században alakult ki a kubizmussal, a szürrealizmussal, a dadaizmussal és másokkal együtt, bár a pontos időpont ismeretlen. Az absztrakt művészeti stílus fő képviselői a festészetben olyan művészek, mint Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka és Piet Mondrian. A továbbiakban kreativitásukról és fontos festményeikről fogunk beszélni.
Híres művészek festményei: absztrakt művészet
Wassily Kandinsky
Kandinsky volt az absztrakt művészet egyik úttörője. Az impresszionizmusban kezdte kutatásait, és csak ezután jutott el az absztrakcionizmus stílusához. Munkájában a szín és a forma kapcsolatát kihasználva olyan esztétikai élményt teremtett, amely a néző látásmódját és érzelmeit egyaránt átfogja. Úgy vélte, hogy a teljes absztrakció teret ad a mély, transzcendens kifejezésre, és a valóság másolása csak beleavatkozik ebbe a folyamatba.
Kandinsky számára a festészet mélyen spirituális volt. Az emberi érzelmek mélységét az absztrakt formák és színek univerzális vizuális nyelvén keresztül kívánta közvetíteni, amely túllép a fizikai és kulturális határokon. Látta absztrakcionizmus mint ideális vizuális mód, amely képes kifejezni a művész „belső szükségszerűségét”, emberi gondolatokat és érzelmeket közvetíteni. Prófétának tartotta magát, akinek az volt a küldetése, hogy megossza ezeket az eszméket a világgal a társadalom javára.
"Composition IV" (1911)
Élénk színekkel és tiszta fekete vonalakkal rejtve több kozákot ábrázolnak lándzsákkal, valamint csónakokat, figurákat és egy domb tetején álló kastélyt. Mint sok festmény ebből az időszakból, ez is egy apokaliptikus csatát képzel el, amely örök békéhez vezet.
A nem-objektív festészeti stílus kialakításának elősegítése érdekében, amint azt a Spiritual in Art (1912) című munkájában leírta, Kandinsky a tárgyakat piktogramos szimbólumokká redukálja. Kandinsky a külvilágra való hivatkozások többségének eltávolításával univerzálisabb módon fejezte ki látásmódját, mindezen formákon keresztül vizuális nyelvre fordítva a szubjektum spirituális lényegét. E szimbolikus figurák közül sok ismétlődött és finomodott későbbi műveiben, és még elvontabbá vált.
Kazimir Malevics
Malevicsnak a művészet formáról és jelentéséről alkotott elképzelései valahogy az absztrakt művészeti stílus elméletére való összpontosításhoz vezetnek. Malevics különböző festészeti stílusokkal dolgozott, de leginkább a tiszta geometriai formák (négyzetek, háromszögek, körök) és ezek egymáshoz való viszonyának tanulmányozására koncentrált a képi térben.
Nyugati kapcsolatainak köszönhetően Malevics eljuttatta a festészettel kapcsolatos elképzeléseit az európai és az Egyesült Államokban élő művészbarátokhoz, és így mélyen befolyásolta a modern művészet fejlődését.
"Fekete négyzet" (1915)
A „Fekete négyzet” ikonikus festményt először Malevics mutatta be egy petrográdi kiállításon 1915-ben. Ez a munka a szuprematizmus elméleti alapelveit testesíti meg, amelyeket Malevics dolgozott ki „A kubizmustól és a futurizmustól a szuprematizmusig: új realizmus a festészetben” című esszéjében.
A néző előtt a vásznon egy absztrakt forma, fekete négyzet formájában, fehér alapon rajzolva - ez a kompozíció egyetlen eleme. Bár a festmény egyszerűnek tűnik, a fekete festékrétegeken keresztül láthatóak olyan elemek, mint az ujjlenyomatok és az ecsetvonások.
Malevics számára a négyzet az érzéseket jelenti, a fehér pedig az ürességet, a semmit. A fekete négyzetet istenszerű jelenlétnek, ikonnak látta, mintha a nonfiguratív művészet új szakrális képévé válhatna. Ez a festmény már a kiállításon is arra a helyre került, ahol egy orosz házban általában ikont helyeznek el.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, a holland De Stijl mozgalom egyik alapítója absztrakcióinak tisztaságáról és módszeres gyakorlatáról ismert. Festményeinek elemeit meglehetősen radikálisan leegyszerűsítette, hogy a látottakat ne közvetlenül, hanem képletesen jelenítse meg, vásznaiban világos és egyetemes esztétikai nyelvet alkosson.
Az 1920-as évek leghíresebb festményein Mondrian formáit vonalakra és téglalapokra redukálta, palettáját pedig a legegyszerűbbre redukálta. Az aszimmetrikus egyensúly alkalmazása alapvetővé vált a modern művészet fejlődésében, ikonikus absztrakt alkotásai továbbra is befolyással vannak a tervezésre, és ma is ismerősek a populáris kultúra számára.
"A szürke fa" (1912)
A "The Gray Tree" Mondrian stílusra való korai átmenetének példája absztrakcionizmus. A háromdimenziós fa a legegyszerűbb vonalakra és síkokra redukálódik, csak szürkék és feketék felhasználásával.
Ez a festmény Mondrian azon munkáinak egyike, amelyek valósághűbb megközelítéssel készültek, ahol például a fákat naturalisztikusan ábrázolják. Míg például a későbbi művek egyre elvontabbakká váltak, például a fa vonalai addig csökkennek, amíg a fa alakja alig észrevehető, és másodlagos a függőleges és vízszintes vonalak általános összetételéhez képest.
Itt még mindig látható Mondrian érdeklődése a vonalak strukturált szervezésének feladása iránt. Ez a lépés jelentős volt Mondrian tiszta absztrakciójának fejlesztése szempontjából.
Robert Delaunay
Delaunay az absztrakt művészeti stílus egyik legkorábbi művésze volt. Munkássága a színek ellentétéből fakadó kompozíciós feszültségre alapozva befolyásolta ennek az iránynak a fejlődését. Gyorsan a neoimpresszionista kolorisztikus befolyás alá került, és nagyon szorosan követte az absztrakcionizmus stílusú művek színvilágát. A színt és a fényt tartotta a legfőbb eszköznek, amellyel a világ valóságát befolyásolni lehet.
1910-re Delaunay saját hozzájárulását adta a kubizmushoz két katedrálist és az Eiffel-tornyot ábrázoló festménysorozat formájában, amelyek a kocka alakú formákat, a dinamikus mozgást és az élénk színeket ötvözték. A színharmónia használatának ez az új módja segített megkülönböztetni a stílust az ortodox kubizmustól, amely orfizmus néven vált ismertté, és azonnal hatással volt az európai művészekre. Delaunay felesége, Sonia Turk-Delone művész továbbra is ugyanabban a stílusban festett.
"Eiffel-torony" (1911)
Delaunay fő művét az Eiffel-toronynak, Franciaország híres szimbólumának szentelték. Ez az egyik leglenyűgözőbb a tizenegy festményből álló sorozat közül, amelyeket az Eiffel-toronynak szenteltek 1909 és 1911 között. Élénk vörösre van festve, ami azonnal megkülönbözteti a környező város szürkeségétől. A vászon lenyűgöző mérete tovább emeli ennek az épületnek a pompáját. Mint egy szellem, a torony a környező házak fölé emelkedik, metaforikusan megrázva a régi rend alapjait.
Delaunay festménye a határtalan optimizmus, ártatlanság és frissesség érzését közvetíti egy olyan korban, amely még nem volt két világháborúnak szemtanúja.
Frantisek Kupka
František Kupka csehszlovák művész, aki a stílusban fest absztrakcionizmus, a Prágai Művészeti Akadémián végzett. Diákként elsősorban hazafias témákról festett, történelmi kompozíciókat írt. Korai munkái inkább akadémikusak voltak, stílusa azonban az évek során fejlődött, és végül az absztrakt művészetté vált. Nagyon realisztikusan megírt korai művei is tartalmaztak misztikus szürreális témákat és szimbólumokat, amelyek az absztrakciók írásánál is folytatódtak.
Kupka úgy gondolta, hogy a művész és munkássága folyamatos alkotó tevékenységben vesz részt, amelynek természete nem korlátozott, mint egy abszolútum.
„Amorpha. Fúga két színben" (1907-1908)
Kupka 1907-1908-tól kezdve portrékat kezdett festeni egy lányról, aki labdát tart a kezében, mintha játszani vagy táncolni készülne vele. Ezután egyre sematikusabb képeket készített róla, és végül kapott egy sor teljesen absztrakt rajzot. Limitált piros, kék, fekete és fehér palettában készültek.
1912-ben a Salon d'Automne-ban az egyik ilyen absztrakt alkotást először Párizsban állították ki nyilvánosan.
Az absztrakcionizmus stílusa nem veszíti el népszerűségét a 21. század festészetében - a modern művészet szerelmesei nem idegenkednek attól, hogy otthonukat ilyen remekművekkel díszítsék, és az ilyen stílusú alkotások különféle aukciókon mennek kalapács alá mesés összegekért.
A következő videó segít még többet megtudni az absztrakcionizmusról a művészetben:
Az avantgárd művészet egyik fő irányzata. Az absztrakt művészet fő elve a látható valóság utánzásának megtagadása és annak elemeivel való operáció a műalkotás folyamatában. A művészet tárgya a környező világ valósága helyett a művészi kreativitás eszközévé válik - szín, vonal, forma. A cselekményt egy plasztikus ötlet váltja fel. Az asszociatív elv szerepe a művészi folyamatban sokszorosára megnő, és lehetővé válik az alkotó érzéseinek, hangulatainak a külső héjtól megtisztított absztrakt képekkel való kifejezése is, amelyek képesek koncentrálni a jelenségek szellemi elvét, hordozói lévén (V.V. Kandinszkij elméleti munkái).
Az absztrakció véletlenszerű elemei azonosíthatók a világművészetben annak teljes fejlődése során, kezdve a sziklafestményektől. De ennek a stílusnak az eredetét az impresszionisták festészetében kell keresni, akik megpróbálták a színt egyedi elemekre bontani. A fauvizmus ezt a tendenciát tudatosan fejlesztette, „feltárja” a színt, hangsúlyozva annak függetlenségét, és a kép tárgyává tette. A fauvisták közül Franz Marc és Henri Matisse került a legközelebb az absztrakcióhoz (szavai tünetiek: „minden művészet elvont”), a francia kubisták (főleg Albert Gleizes és Jean Metzinger) és az olasz futuristák (Giacomo Balla és Gino Severini) is ezen az úton haladt.. De egyikük sem volt képes vagy nem akarta leküzdeni a figurális határt. „Elfogadjuk azonban, hogy a létező formák bizonyos emlékeztetését nem szabad teljesen száműzni, legalábbis jelenleg” (A. Glaize, J. Metzinger. A kubizmusról. Szentpétervár, 1913. 14. o.).
Az első absztrakt alkotások az 1900-as évek végén – az 1910-es évek elején jelentek meg Kandinsky munkásságában, miközben a „Spiritual in Art” szövegen dolgozott, és első absztrakt festménye a „Festmény körrel” (1911. NMG) volt. Érvelése erre az időre nyúlik vissza: „<...>csak az a forma helyes, amelyik<...>ennek megfelelően materializálja a tartalmat. Mindenféle mellékszempont, és ezek között a forma megfelelése az úgynevezett „természetnek”, i.e. külső természetűek, jelentéktelenek és károsak, mivel elvonják a figyelmet a forma egyetlen feladatáról - a tartalom megtestesüléséről. A forma az absztrakt tartalom anyagi kifejeződése” (Content and forma. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. P.84).
A Kandinsky által képviselt absztrakt művészet korai szakaszában abszolutizálta a színeket. A színek gyakorlati és elméleti tanulmányozása során Kandinszkij kidolgozta Johann Wolfgang Goethe színelméletét, és lefektette a színelmélet alapjait a festészetben (az orosz művészek közül M. V. Matyushin, G. G. Klutsis, I. V. Klyun és mások színelméletet tanultak) .
Oroszországban 1912–1915-ben a rajonizmus (M. F. Larionov, 1912) és a szuprematizmus (K. S. Malevich, 1915) absztrakt festészeti rendszerei jöttek létre, amelyek nagymértékben meghatározták az absztrakt művészet további fejlődését. Az absztrakt művészethez való közeledés a kubofuturizmusban és az alogizmusban található. Az absztrakció felé áttörést jelentett N. S. Goncharova „Üresség” című festménye (1914. Tretyakov Galéria), de ezt a témát nem fejlesztették tovább a művész munkáiban. Az orosz absztrakció másik meg nem valósult aspektusa O. V. Rozanova színes festészete (lásd: Nem objektív művészet).
Ugyanebben az években a cseh Frantisek Kupka, a francia Robert Delaunay és Jacques Villon, a holland Piet Mondrian, valamint az amerikaiak Stanton MacDonald-Wright és Morgan Russell ezekben az években saját útjukat követték a képi absztrakció felé. Az első absztrakt térszerkezetek V. E. Tatlin (1914) ellendomborművei voltak.
Az izomorfizmus elutasítása és a spirituális elvre való hivatkozás okot adott arra, hogy az absztrakt művészetet a teozófiával, az antropozófiával, sőt az okkultizmussal társítsák. Maguk a művészek azonban az absztrakt művészet fejlődésének első szakaszában nem fejeztek ki ilyen gondolatokat.
Az első világháború után az absztrakt festészet fokozatosan domináns pozíciót szerzett Európában, és egyetemes művészeti ideológiává vált. Ez egy erőteljes művészeti mozgalom, amely törekvéseiben messze túlmutat a képi és plasztikus feladatok keretein, és megmutatja, hogy képes esztétikai és filozófiai rendszereket alkotni, társadalmi problémákat megoldani (például Malevics „szuprematista városa” az élet elvei alapján). -épület). Az 1920-as években az ő ideológiája alapján olyan kutatóintézetek jelentek meg, mint a Bauhaus vagy a Gienkhuk. A konstruktivizmus is az absztrakcióból nőtt ki.
Az absztrakció orosz változatát nem objektív művészetnek nevezik.
A huszadik században klasszikussá váló absztrakt művészet számos elvét és technikáját széles körben alkalmazzák a tervezésben, a színházi és díszítőművészetben, a moziban, a televízióban és a számítógépes grafikában.
Az absztrakt művészet fogalma az idők során megváltozott. Az 1910-es évekig ezt a kifejezést a festészet kapcsán használták, ahol a formákat általánosítottan és leegyszerűsítve ábrázolták, i.e. "absztrakt" a részletesebb vagy naturalisztikusabb ábrázolással szemben. Ebben az értelemben a kifejezést főként a díszítőművészetre vagy a lapított formájú kompozíciókra használták.
De az 1910-es évek óta az „absztrakt” kifejezést használják olyan művek leírására, ahol egy formát vagy kompozíciót olyan szögből ábrázolnak, hogy az eredeti téma szinte a felismerhetetlenségig megváltozik. Ez a kifejezés leggyakrabban olyan művészeti stílust jelöl, amely kizárólag a vizuális elemek - forma, szín, szerkezet - elrendezésén alapul, miközben egyáltalán nem szükséges, hogy az anyagi világban legyen indító képük.
A jelentés fogalma az absztrakt művészetben (korai és későbbi jelentéseiben is) összetett kérdés, amelyről folyamatosan vitatkoznak. Az absztrakt formák nem-vizuális jelenségekre is utalhatnak, mint például a szerelem, a sebesség vagy a fizika törvényei, amelyek származékos entitáshoz társulnak („esszencializmus”), a részletezett, részletezett és lényegtelen, véletlenszerű elválasztás képzeletbeli vagy más módjával. A reprezentatív szubjektum hiánya ellenére egy absztrakt alkotás hatalmas kifejezésmódot halmozhat fel, és a szemantikailag gazdag elemek, mint például a ritmus, az ismétlés és a színszimbolika, a képen kívüli konkrét elképzelésekben vagy eseményekben való részvételt jelzik.
Irodalom:
- M. Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Párizs, 1949;
- M.Brion. L'Art absztrakt. Párizs, 1956; D.Vallier. L'Art absztrakt. Párizs, 1967;
- R.Capon. Bemutatkozik az absztrakt festészet. London, 1973;
- C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960. Köln, 1975;
- M. Schapiro. Az absztrakt művészet természete (1937) // M. Schapiro. Modern művészet. Válogatott papírok. New York, 1978;
- Új művészet felé: Esszék az absztrakt festészet hátteréről 1910–1920. Szerk. M. Compton. London, 1980;
- A spirituális a művészetben. Absztrakt festészet 1890–1985. Los Angeles Megyei Művészeti Múzeum. 1986/1987;
- Szöveg: M. Tuchman; B. Altshuler. Az avantgárd kiállításban. Új művészet a XX. században. New York, 1994;
- Absztrakció Oroszországban. XX század. T. 1–2. Állami Orosz Múzeum [katalógus] Szentpétervár, 2001;
- Céltalanság és absztrakció. Ült. cikkeket. Ismétlés. szerk. G.F.Kovalenko. M., 2011;
Absztrakcionizmus (a latin abstractus szóból - távoli, absztrakt)- a 20. század művészetének nagyon széles mozgalma, amely az 1910-es évek elején több európai országban is megjelent. Az absztrakcionizmusra jellemző, hogy kizárólag formai elemeket használnak a valóság megjelenítésére, ahol a valóság utánzása vagy pontos ábrázolása nem volt öncél.
Az absztrakcionizmus kifejezés a latin abstraho szóból származik – elhúzni, elvonni a figyelmet. Általánosan elfogadott, hogy ez egy irány, vagy akár egy stílus; az absztrakcionizmus egészen más, és akik ezt a fogalmat így értelmezik, akaratlanul is tévednek. Az absztrakt művészetet a művészek és a művészetelméleti szakemberek a valóságnak a képzőművészet eszközeivel való megértésének módjaként értelmezik, amely a valóság látható tárgyainak formájától való teljes elvonatkoztatásnak van kitéve. Csakúgy, mint a figuratív (objektív) művészet, az absztrakcionizmus is számos stílusra és irányra bomlik: geometriai, lírai, gesztusos, analitikus absztrakcióra és konkrétabb mozgásokra: szuprematizmus, aranformel, nuageizmus, tachisme stb. Valójában a mindenkori művészek keresésének mindig is csak ez a két hiposztázis szab határt: a figuratív és az absztrakt művészet. Nincs harmadik lehetőség, ahogy mondják.
Az absztrakt művészet alapítói Wassily Kandinsky és Kazimir Malevich orosz művészek, Piet Mondrian holland, Robert Delaunay francia és Frantisek Kupka cseh. Rajzmódszerük a „harmonizáció” vágyán alapult, bizonyos színkombinációk, geometriai formák létrehozásán, hogy a szemlélőben különféle asszociációkat keltsenek.
Az absztrakcionizmusban két egyértelmű irány különböztethető meg: a geometrikus absztrakció, amely elsősorban világosan meghatározott konfigurációkon alapul (Malevich, Mondrian) és a lírai absztrakció, amelyben a kompozíció szabadon áramló formákból szerveződik (Kandinsky). Az absztrakt művészetben számos más nagy független mozgalom is létezik.
Az 50-es évek elején a híres impresszionista A. Matisse először az absztrakt festészet felé fordult. 1950-ben pedig Párizsban J. Devagne és E. Pilet művészek nyitottak egy műhelyt, ahol elkezdték tanítani a fiatal festőket, hogyan szabaduljanak meg a valósághű látásmódtól, hogyan készítsenek absztrakt festményeket kizárólag festői eszközökkel, és legfeljebb három tónust alkalmazzanak egy kompozícióban. , mint az absztrakt művészetben, véleményük szerint az alakot legtöbbször a szín határozza meg. Devagne és Pilet úgy gondolta, hogy egy jó absztrakt festmény létrehozásának fő feltétele a legpontosabb színek kiválasztása. Devan Marat apoteózisa (1951) című absztrakt festményét a kritikusok nagy lelkesedéssel fogadták. A festményről azt írták, hogy ez nem csupán egy híres forradalmi alak intellektuális portréja, hanem „a tiszta színek, a görbék és egyenes vonalak dinamikus játékának ünnepe is”, „ez a bizonyíték arra, hogy az absztrakció nemcsak szellemi értékeket fejez ki” , hanem a figuratív művészet is megszólíthat történelmi és politikai eseményeket.”
Az 50-es évek második felében az Egyesült Államokban megjelent az installációs művészet és a pop art, amely valamivel később Andy Warholt dicsőítette Marilyn Monroe portréinak és kutyaeledel dobozainak végtelen forgalmával – a kollázs absztrakcionizmussal. A 60-as évek képzőművészetében az absztrakció legkevésbé agresszív, statikus formája, a minimalizmus vált népszerűvé. Ugyanakkor Barnett Newman, az amerikai geometrikus absztrakcionizmus megalapítója A. Liebermannel, A. Helddel és K. Nolanddal együtt sikeresen dolgozott a holland neoplaszticizmus és az orosz szuprematizmus eszméinek továbbfejlesztésén.
Az amerikai festészet másik irányzatát „kromatikus” vagy „posztfestői” absztrakcionizmusnak nevezik. Képviselőit bizonyos mértékig a fauvizmus és a posztimpresszionizmus ihlette. E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella munkáinak durva stílusa, hangsúlyosan éles körvonalai fokozatosan átadták helyét a szemlélődő melankolikus jellegű festményeknek. A 70-es és 80-as években az amerikai festészet visszatért a figuratívsághoz. Ráadásul széles körben elterjedt egy olyan szélsőséges megnyilvánulás, mint a fotorealizmus. A legtöbb művészettörténész egyetért abban, hogy a hetvenes évek az igazság pillanata az amerikai művészet számára, mivel ebben az időszakban végleg megszabadult az európai befolyástól, és teljesen amerikai lett. A hagyományos formák és műfajok visszatérése ellenére, a portrétól a történelmi festészetig azonban az absztrakcionizmus nem tűnt el.
A „nem reprezentatív” művészet festményei és alkotásai ugyanúgy születtek, mint korábban, hiszen a realizmushoz való visszatérést az USA-ban nem az absztrakcionizmus, mint olyan, hanem annak kanonizálása, a figuratív művészet tilalma győzte le, amelyet elsősorban a mi szocialista realizmusunkkal azonosítottak. , és ezért nem lehetett nem utálatosnak tartani egy „szabad demokratikus” társadalomban, az „alacsony” műfajok, a művészet társadalmi funkcióinak tilalmát. Ugyanakkor az absztrakt festészet stílusa olyan lágyságot kapott, amely korábban hiányzott belőle - áramvonalas térfogatok, elmosódott kontúrok, féltónusok gazdagsága, finom színvilág (E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L Chese, A .Byalobrod). A kemény stílus azonban nem tűnt el teljesen; háttérbe szorult, és megmaradt a geometrikusok és az idősebb generáció expresszionista művészeinek munkáiban (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth stb.).
Mindezek az irányzatok megalapozták a modern absztrakcionizmus fejlődését. A kreativitásban nem lehet semmi megfagyott vagy végleges, hiszen az halál lenne érte. De nem számít, milyen úton halad az absztrakcionizmus, bármilyen átalakuláson megy keresztül, lényege mindig változatlan marad. Arról van szó, hogy a képzőművészetben az absztrakcionizmus a legelérhetőbb és legnemesebb módja a személyes létezés megragadásának, mégpedig a legmegfelelőbb formában - mint egy fakszimile. Az absztrakcionizmus ugyanakkor a szabadság közvetlen megvalósítása.
Absztrakt muveszet absztrakt muveszet
(absztrakt művészet), a 20. század művészeti irányzata, amely nem hajlandó valós tárgyakat és jelenségeket ábrázolni a festészetben, szobrászatban és grafikában. A 10-es években, a 40-es évek végén - a 60-as évek elején keletkezett. a legelterjedtebb művészeti mozgalmak közé tartozott. Az absztrakt művészet egyes irányzatai (szuprematizmus, neoplaszticizmus) az építészetben és a művészeti iparban zajló kereséseket visszhangozva rendezett struktúrákat hoztak létre vonalakból, geometrikus formákból és térfogatokból, mások (Tachisme) a kreativitás spontaneitását, tudattalanságát igyekeztek kifejezni a foltok dinamikájában. vagy kötetek.
ABSZTRAKT MUVESZETABSZTRAKT MŰVÉSZET (absztrakt művészet, nem objektív művészet (cm. NEM OBJEKTÍV MŰVÉSZET), nonfiguratív művészet), a 20. század képzőművészeti irányzatainak összessége, amely a természetes valóság közvetlen reprodukcióját képi és plasztikus jelekkel és szimbólumokkal vagy a művészi forma „tiszta” játékával váltotta fel. A „tiszta” absztrakciót feltételesen kell felfogni, mivel a konkrét természetből származó legelvontabb képeken is mindig kitalálhatók bizonyos tárgyi-figuratív motívumok és prototípusok - csendélet, táj, építészeti stb.
A díszítőművészet mindig is állandó tározója volt az ilyen formáknak. Az absztrakt művészet fontos történelmi előfutára volt az is, hogy a művészeket az anamorfózisok (vagy úgymond „véletlenszerű” képek) iránti ősi elbűvölték, amelyek a természetes textúrákban (például ásványi metszetekben) jelennek meg, valamint az anamorfózisok elve. non-finito, amely a reneszánszban keletkezett (cm. NEM FINITO)(külső befejezetlenség, a cselekményformáktól függetlenül megcsodálható a vonal- és színjáték). Az iszlám döntően díszítő művészete, valamint a távol-keleti kalligráfia, amely megszabadította az ecsetet a külső természet állandó utánzásának igényétől, a középkor során nem tárgyilagos irányba fejlődött. Európában a romantika és a szimbolizmus korszakában, vagyis a 19. században a művészek olykor, általában vázlatos szakaszban, de olykor kész alkotásokban is a nonfiguratív látomások világába mentek (ezek a művészek egyéni fantáziái). néhai J. M. W. Turner (cm. TURNER William) vagy G. Moreau vázlatai); de ezek csak elszigetelt kivételek voltak, és a döntő fordulópont csak az 1910-es évek elején következett be.
A "nagy spiritualitás" művészete
Az első tényleges absztrakt festmények 1910-1911 között készültek. V. V. Kandinszkij (cm. KANDINSZKIJ Vaszilij Vasziljevics)és cseh F. Kupka (cm. VÁSÁRLÁS Frantisek), és már 1912-ben az első részletesen alátámasztotta kreatív felfedezéseit „A szellemiségről a művészetben” című programszerű esszéjében. A következő 12 évben további mérföldkő eseményekre is sor került: 1913 körül M. F. Larionov (cm. LARIONOV Mihail Fedorovics)és N. S. Goncharova (cm. GONCHAROVA Natalia Sergeevna) a futurizmusból az absztrakt művészet felé mozdult el (Larionov „rayonizmusnak” nevezte az új módszert); Ugyanakkor hasonló elmozdulás történt az olasz G. Balla munkásságában is (cm. BALLA Giacomo). 1912-1913-ban megszületett R. Delaunay értelmetlen „orphizmusa”. (cm. Delaunay Robert), és 1915-1917. - az absztrakt művészet szigorúbb, geometrikus változata, amelyet K. S. Malevich alkotott (cm. MALEVICH Kazimir Severinovich) Oroszországban (szuprematizmus), majd P. Mondrian (cm. MONDRIAN Piet) Hollandiában (neoplaszticizmus). Ennek eredményeként kialakult egy kísérleti mező, ahol szinte minden korabeli avantgárd stílus kereszteződött, a futurizmustól a dadáig.
Az absztrakt kreativitás három iránya azonnal megjelent: 1) geometrikus; 2) ikonikus (azaz szimbólumokra vagy piktogramokra összpontosítva); 3) organikus, a természet ritmusát követve (Oroszországban az ilyen absztrakt organikusok legnagyobb támogatója elsősorban P. N. Filonov volt (cm. FILONOV Pavel Nyikolajevics)). Ez a besorolás azonban csak a külső, formai jellemzőket érinti, hiszen a korai absztrakt művészet minden változata így vagy úgy szimbolikus volt, és így vagy úgy mindegyiket a természet „kozmikus ritmusai” ihlették. Delaunay orphizmusa, amely a tiszta színek skáláján alapul, egy speciális irányt alkotott, amelyet hagyományosan „kromatikusnak” nevezhetünk.
A formai különbségek mögött belső tartalmi hasonlóság húzódott meg. Megtapasztalva a teozófia és a hasonló misztikus mozgalmak erős hatását (vagyis olyan szerzők hatását, mint H. P. Blavatsky (cm. BLAVATSKAJA Elena Petrovna)és követői, valamint P. D. Uspensky (cm. USZPENSZKIJ Petr Demjanovics) Oroszországban és M. Schoenmaekers Hollandiában), Kandinszkij, Kupka, Malevics és Mondrian meg voltak győződve arról, hogy festményeik, ahol a régi világ egyértelműen eltűnik a kozmikus „semmiben”, művészi apokalipszist képviselnek, vagy más szóval a nézőt mutatják be. az a küszöb, amelyen túl a „nagy spiritualitás korszakát” nyitja meg (Kandinsky) és „bevezeti a világot a jólétbe” (Filonov). A háborúk és forradalmak időszakának kezdete csak megerősítette ezeket a romantikus-idealista hiedelmeket.
Tervezés és szöveg
Az 1920-as években az absztrakt művészet, megtartva utópisztikus alapjait (de már nem annyira „apokaliptikus”), gyakorlatiasabbá és kevésbé misztikussá vált. "Bauhaus (cm. BAUHAUS)„Németországban aktívan elsajátította kreatív potenciálját (elsősorban geometriai változatában), hogy frissítse a dizájnt, és ezzel együtt általában a társadalmi életet. Az absztrakcionizmust elkezdték bevezetni az életbe, beleértve a divatot is (például S. Delaunay-Turk (cm. Sonia DELONE) férje festményeinek motívumait használta szövetek, belső terek, sőt autók tervezésére). Az absztrakt művészet volt az, amely erőteljesen hozzájárult a dekoratív művészet „modern stílusának” elnevezett formájának kialakulásához. A szobrászatban viszont aktívan elsajátították a nem tárgyiasságot, mind a festőállványban, mind a monumentális-dekoratívban (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), C. Brancusi (cm. BRANCUZI Constantin), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovics), A. Pevzner stb.). A francia „Absztrakció-teremtés” egyesület tevékenysége hozzájárult ahhoz, hogy az absztrakt művészet a filozófiai utópiáktól a kontemplatívabb és líraibb képek felé forduljon.
Ennek a művészetnek azonban végre új, negyedik iránya, az ún. A „lírai absztrakcionizmus” (amely a művészek személyes, a maga módján vallomásos önkifejezésévé vált) valamivel később, az 1940-es években öltött testet. NYC-ben. Absztrakt expresszionizmus volt, amelyet egy nagyon nagy, texturált ecsetvonás dominált, mintha spontán módon volna a vászonra vetve (J. Pollock (cm. POLLOCK Jackson), W. de Kooning (cm. KUNING Willem), satöbbi.). A sok ilyen dologban rejlő drámai feszültség az 1940-es és 1950-es években Nyugat-Európában új dimenziót öltött. még tragikusabb karakter az ún. "informele (cm. INFORMEL)(Vols, A. Tapies, J. Fautrier), míg a Tachisme (cm. TACIZMUS) Ellenkezőleg, a nagyepikai vagy impresszionista-táji elv érvényesült (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung stb.); Kezdetben mindkét irány (amelyek nevét néha szinonimaként is használják) középpontjában Párizs állt. Ugyanebben az időszakban az absztrakt művészet és a távol-keleti kalligráfia között is voltak konvergenciapontok (például az amerikai M. Toby és a Franciaországban dolgozó kínai Zao-Wuki munkáiban).
A földalatti és a dicsőség között
Az absztrakt művészet hivatalos elismerése Nyugaton a 20. század közepén következett be, a nemzetközi stílus építészeti dominanciájának idején (a nem objektív - képi vagy szobrászati - formák nagymértékben élénkítették az üveg-beton szerkezetek egyhangúságát). Ezzel párhuzamosan divatba jött a „színmezős festés”, amely a nagy, egyenletesen (vagy csekély árnyalati eltérésekkel) festett színfelületek kifejező lehetőségeit kutatja (B. Newman, M. Rothko (cm. ROTKO Mark)), és az 1960-as években. - éles kontúrokhoz „Kemény él” vagy „tiszta élek festéséhez”. Később az absztrakt művészet általában már nem volt stilisztikailag elszigetelt, összeolvadt a pop-art, az op art és más posztmodern irányzatokkal.
Szovjet-Oroszországban az absztrakt művészet hosszú ideig (az 1930-as évektől) valójában a föld alatt fejlődött, mivel hivatalosan a „Nyugat reakciós-formalista hatásainak” középpontjában állt (jellemző, hogy az „absztrakcionizmus” és a „modernizmus” szavak gyakran előfordultak. a szovjet sajtó szinonimákként használják). Az „olvadás” időszakában az építészet egyfajta kivezetésként szolgált számára, gyakran absztrakt vagy félig absztrakt kompozíciókat is bevonva a tervezésbe. A peresztrojka éveiben megjelent új orosz absztrakt művészet változatos irányzatok gazdag skáláját mutatta be (főleg a festészetben és a grafikában), amely egyedülálló módon folytatta a korai orosz avantgárd kezdeteit. Elismert mesterei (1960-1990-es évek) közé tartozik E. M. Beljutin (cm. BELYUTIN Elij Mihajlovics), Yu. S. Zlotnikov, E. L. Kropivnitsky (cm. KROPIVNICSKIJ Jevgenyij Leonidovics), M. A. Kulakov, L. Ya. Masterkova, V. N. Nemukhin (cm. NEMUKHIN Vlagyimir Nyikolajevics), L. V. Nusberg (cm. NUSBERG Lev Valdemarovich), V. L. Slepyan, E. A. Steinberg (cm. Steinberg Eduard Arkadevich).
enciklopédikus szótár. 2009 .
Szinonimák:Nézze meg, mi az „absztrakt művészet” más szótárakban:
- (a latin abstractus abstract szóból), absztrakcionizmus, non-objektív művészet, nonfiguratív művészet, modernista irányzat, amely alapvetően felhagyott a valódi tárgyak festészetben, szobrászatban és grafikában való ábrázolásával. Program…… Művészeti enciklopédia
Absztrakt muveszet- Absztrakt muveszet. V.V. Kandinszkij. Fogalmazás. Vízfestmény. 1910. Nemzeti Modern Művészeti Múzeum. Párizs. ABSZTRAKT MŰVÉSZET (absztrakt művészet), a 20. századi avantgárd (lásd: Avantgarde) művészet mozgalma, amely elutasítja... ... Illusztrált enciklopédikus szótár
- (nem objektív, nonfiguratív) irány a 20. századi festészetben, amely feladta a valóság formáinak ábrázolását; az egyik fő avantgárd irányzatok. Az első absztrakt a műveket 1910-ben V. Kandinsky, 1912-ben pedig F. Kupka... Kultúratudományi Enciklopédia
- (absztrakcionizmus), a 20. századi avantgárd (lásd: Avantgarde) művészet egyik iránya, amely nem hajlandó valós tárgyakat és jelenségeket ábrázolni a festészetben, szobrászatban és grafikában. A 10-es években keletkezett, a legelterjedtebbek közé tartozott... ... Modern enciklopédia
- (absztrakt művészet, non-objektív művészet, nonfiguratív művészet), a 20. század művészeti kultúrájának irányzatainak összessége, amely a naturalista, könnyen felismerhető objektivitást felváltja a vonalak, színek és formák többé-kevésbé szabad játékával (cselekmény) és tárgy...... Nagy enciklopédikus szótár
Főnév, szinonimák száma: 1 absztrakcionizmus (2) Szinonimák szótára ASIS. V.N. Trishin. 2013… Szinonima szótár
absztrakt muveszet- a huszadik századi festészet, szobrászat és grafika iránya, az absztrakcionizmus Kandinsky különösen szereti a festészetet a zenével összehasonlítani, ezért az absztrakt művészet az ő szemszögéből a tiszta hang kivonata (Reinhardt) ... Népszerű orosz nyelvi szótár
Absztrakt művészet, non-objektív művészet, nonfiguratív művészet, sok, főleg kapitalista ország művészetének mozgalma, amely alapvetően elhagyta a valódi tárgyak festészetben való ábrázolásának minden jelét... ... Nagy Szovjet Enciklopédia
Nemzeti Modern Művészeti Múzeum. Párizs... Collier enciklopédiája
Az absztrakcionizmus (latinul „abstractio” eltávolítás, figyelemelvonás) a nonfiguratív művészet olyan iránya, amely felhagyott a valóságközeli formák festészetben és szobrászatban való ábrázolásával. Az absztrakt művészet egyik célja a „harmonizáció” elérése... Wikipédia
Könyvek
- Gleb Bogomolov, A nonfiguratív, „absztrakt” művészet – amelyet a szakemberek és a komoly nézők is jól ismernek – részben mítosz. Bármely művész csak a valóságot festi le. Azonban van valóság és valóság... Kategória:
Absztrakcionizmus(latin absztrakció - eltávolítás, figyelemelvonás) vagy nonfiguratív művészet - a festészetben és a szobrászatban a formák valóságközeli ábrázolását felhagyó művészeti irányzat. Az absztrakt művészet egyik célja, hogy bizonyos színkombinációk, geometriai formák ábrázolásával „harmonizációt” érjen el, a kompozíció teljességének és teljességének érzetét keltve a nézőben. Kiemelt alakok: Vaszilij Kandinszkij, Kazimir Malevics, Natalia Goncharova és Mihail Larionov, Piet Mondrian.
Az első absztrakt festményt Wassily Kandinsky festette 1909-ben. Jelenleg a Georgia Nemzeti Múzeumban található – ezzel új lapot nyitott a világfestészetben – az absztrakcionizmust, a festészetet zenére emelve.
A 20. századi Oroszország festészetében az absztrakcionizmus fő képviselői Vaszilij Kandinszkij (aki Németországban fejezte be az absztrakt kompozícióira való átállást), Natalja Goncsarova és Mihail Larionov, aki 1910-1912-ben megalapította a „rauchizmust”, a megalkotója. A szuprematizmus, mint a kreativitás új típusa, Kazimir Malevics, a „Fekete négyzet” szerzője és Jevgenyij Mihnov-Voitenko, akinek munkásságát többek között a műveiben alkalmazott absztrakt módszer példátlanul széles irányvonala különbözteti meg (a számukat, beleértve a "graffiti stílust is", a művész nemcsak hazai, hanem külföldi mesterek körében is elsőként alkalmazta).
Az absztrakcionizmussal rokon mozgalom a kubizmus, amely a valóságos tárgyakat metsző síkok sokaságával igyekszik ábrázolni, bizonyos egyenes vonalú, élő természetet reprodukáló figurák képét létrehozva. A kubizmus legszembetűnőbb példái Pablo Picasso korai művei voltak.
Az absztrakt művészet története
1910-1915-ben a festők Oroszországban, Nyugat-Európában és az Egyesült Államokban elkezdtek absztrakt műalkotásokat készíteni; Az első absztrakcionisták között a kutatók Wassily Kandinskyt, Kazimir Malevicset és Piet Mondriant nevezik meg. A nem objektív művészet születési évének 1910-et tekintik, amikor Kandinszkij megírta első absztrakt kompozícióját a németországi Murnauban. Az első absztrakcionisták esztétikai elképzelései azt feltételezték, hogy a művészi kreativitás a világegyetem törvényeit tükrözi, amelyek a valóság külső, felszínes jelenségei mögött rejtőznek. Ezek a művész által intuitív módon felfogott minták az absztrakt formák (színfoltok, vonalak, kötetek, geometrikus figurák) kapcsolatán keresztül jutnak kifejezésre egy absztrakt alkotásban. Kandinsky 1911-ben Münchenben kiadta ma már híres „A szellemiségről a művészetben” című könyvét, amelyben a belső szükséges, a spirituális megtestesülésének lehetőségéről elmélkedett a külsővel, a véletlennel szemben. Kandinsky absztrakcióinak „logikai alapja” Helena Blavatsky és Rudolf Steiner teozófiai és antropozófiai munkáinak tanulmányozásán alapult. Piet Mondrian esztétikai koncepciójában a forma elsődleges elemei az elsődleges oppozíciók voltak: vízszintes - függőleges, vonal - sík, szín - nem szín. Robert Delaunay elméletében Kandinsky és Mondrian elképzeléseivel szemben az idealista metafizikát elvetették; Az absztrakcionizmus fő feladatának a művész számára a színek dinamikus tulajdonságainak és a művészi nyelv egyéb tulajdonságainak vizsgálata tűnt (a Delaunay által alapított irányt orphizmusnak nevezték). A „rayonizmus” megalkotója, Mihail Larionov „a visszavert fény kibocsátását” ábrázolta; színes por."
Az 1910-es évek elején keletkezett absztrakt művészet gyorsan fejlődött, és a 20. század első felében az avantgárd művészet számos területén megjelent. Az absztrakcionizmus eszméi tükröződtek az expresszionisták (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), a kubisták (Fernand Léger), a dadaisták (Jean Arp), a szürrealisták (Joan Miró), az olasz futuristák (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini), orfisták (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), orosz szuprematikusok (Kazimir Malevics), „sugárzók” (Mihail Larionov és Natalya Goncharova) és konstruktivisták (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova), holland neoplasztikusok (Pietplasztikusok). Mondrian, Theo van Doesburg, Bart van der Leck), számos európai szobrász (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevzner, Naum Gabo, Moholy-Nagy László, Vladimir Tatlin). Nem sokkal az absztrakt művészet megjelenése után két fő irányvonal alakult ki ennek a művészetnek a fejlődésében: a geometrikus absztrakció, amely a szabályos geometriai formák és a stabil, „szubsztanciális” állapotok felé vonzódik (Mondrianus, Malevich), és a lírai absztrakció, amely a szabadabb formákat és dinamikus folyamatok (Kandinsky, Kupka). Az absztrakt művészek első nemzetközi egyesületei ("Kör és négyzet", "Absztrakció-Kreativitás") az 1920-as évek elején - az 1930-as évek elején alakultak Párizsban.
Az absztrakcionisták esztétikai programjait az univerzalizmus jellemezte; az absztrakt művészet a világrend egyetemes modelljeként mutatkozott be bennük, beleértve a környezet és a társadalom szerkezetét egyaránt. A képi nyelv elsődleges elemeivel dolgozva az absztrakcionisták az általános kompozíciós elvek és az alakformálás törvényei felé fordultak. Nem meglepő, hogy az absztrakcionisták az iparművészetben, a művészi tervezésben és az építészetben megtalálták a nem reprezentatív formák alkalmazását (a hollandiai „Style” csoport és a németországi Bauhaus iskola tevékenysége; Kandinsky munkája a VKHUTEMAS-nál; építészek és tervezési projektek Malevics, Alexander Calder „mobiljai”, Vladimir Tatlin tervei, Naum Gabo és Antoine Pevzner munkái). Az absztrakcionisták tevékenysége hozzájárult a modern építészet, a díszítő- és iparművészet, valamint a formatervezés fejlődéséhez.
Az 1940-es évek végén az Egyesült Államokban kialakult a lírai absztrakcionizmus alapján kialakult absztrakt expresszionizmus. Az absztrakt expresszionizmus képviselői (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorkij, Franz Kline) módszerüknek hirdették a „tudattalanságot” és a kreativitás automatizmusát, az előre nem látható hatásokat („akciófestészet”). Esztétikai koncepcióik már nem tartalmaztak idealista metafizikát, és a nem tárgyias kompozíció olykor önellátó tárggyá vált, amely kizárta a valósággal való asszociációkat. Az absztrakt expresszionizmus európai analógja a Tachisme volt, melynek kiemelkedő képviselői Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu. A művészek a színek és textúrák váratlan, nem szabványos kombinációira törekedtek, a szobrászok (Eduardo Chillida, Seymour Lipton és mások) bizarr kompozíciókat készítettek, és szokatlan anyagok feldolgozásának módszereit alkalmazták.
Az 1960-as években, az absztrakt expresszionizmus hanyatlásával a geometriai absztrakció alapelveit kidolgozó, a lapos és térbeli tárgyak észlelésének optikai illúzióit alkalmazó op art az absztrakcionizmus észrevehető irányzatává vált. A geometriai absztrakció fejlődésének másik iránya a kinetikus művészet volt, amely a teljes mű vagy egyes alkotóelemeinek valós mozgásának hatásaira játszik rá (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). Ezzel párhuzamosan az Egyesült Államokban megjelent a posztfestői absztrakció, melynek alapelvei a képi formák redukciója és végletes leegyszerűsítése voltak; A geometriai absztrakcióból örökölt szabályos geometriai formákat az utófestői absztrakció kerekíti és „lágyítja”. Ennek az irányzatnak a figyelemre méltó képviselői Frank Stella, Elsworth Kelly és Kenneth Noland. A geometrikus absztrakció végső kifejezése a szobrászatban a minimalizmus volt, amely az 1960-as és 1970-es években jelent meg.
Modern absztrakcionizmus a festészetben
A fehér szín az absztrakció modern nyelvének fontos összetevőjévé vált. Marina Kastalskaya, Andrej Krasulin, Valerij Orlov, Leonyid Pelikh számára a fehér tere - a szín legmagasabb feszültsége - általában végtelen változatos lehetőségekkel van tele, lehetővé téve a fényvisszaverődés spirituális és optikai törvényeiről szóló metafizikai elképzelések alkalmazását.
A térnek, mint fogalmi kategóriának különböző szemantikai terhelései vannak a kortárs művészetben. Például van egy jel tere, egy szimbólum, amely az archaikus tudat mélyéről bukkant elő, olykor hieroglifára emlékeztető szerkezetté alakulva. Az ősi kéziratok tere van, amelynek képe Valentin Gerasimenko kompozícióiban egyfajta palimpszeszt lett.
A modern absztrakcionizmusban cselekményirány alakul ki (Gennady Rybalko). Az absztrakt kép a non-objektivitás megtartása mellett úgy épül fel, hogy sajátos asszociációkat váltson ki - az absztrakció különböző szintjein: az objektív helyzettől az absztrakt kategóriák filozófiai szintjéig. Másrészt a kép úgy nézhet ki, mint egy fantáziavilág képe – absztrakt szürrealizmus. Ennek ága a volumetrikus absztraktok ábrázolása.