Milyen művek kapcsolódnak zenei ciklusokká? Előadások a „Zeneművek elemzése” tudományágról Modul Zenei alkotás elemzésének esztétikai és módszertani alapjai Szekció A zeneművészet, mint a társadalmi tudat egyik formája.
2. szakasz A kóruszene műfajai
Témakörök 11 -12 CIKLUSOK ÉN- ÉS KÓRZENÉBEN
A zeneszerzők gyakran ének-, kórus- és hangszeres műveket vonnak össze ciklusokká. Emlékezzünk vissza Camille Saint-Saëns „Az állatok karneválja” című hangszeres ciklusára. Ennek a műnek a zenéje tele van humorral, állatok hangját tartalmazza.
K, Saint-Saëns művének sok rajongójának legkedveltebb darabja a „A hattyú”. A cselló által előadott mű fő témája egy hattyú kecses mozgását ábrázolja a vízen.
Az énekciklus románcok vagy dalok ciklusa, amelyeket egyetlen ötlet egyesít.
Ne feledje, hogy C. Saint-Saens „Az állatok farsangja” című ciklusából mely darabokat hallgatta az előző órákon. Mi egyesíti e ciklus műveit?
Modeszt Petrovics Muszorgszkij orosz zeneszerző egy felülmúlhatatlan „Gyermek” énekciklust hozott létre, amely hét zenei miniatúrából áll, egy vagy két énekes zongorakíséretével. A zeneszerző mindegyik kis jelenethez maga írta a verseket.
A miniatűr egy kis zenemű, leggyakrabban hangszeres darab.
Az első darabban, melynek címe „A dadával” egy gyerek ráveszi a dadáját, hogy meséljen el különböző történeteket. Ennek a műnek az a sajátossága, hogy a zeneszerző recitatívon keresztül közvetíti a fiú érzelmi vonzerejét. Ebben az esetben az akh szavak hangsúlyos szótagjai egybeesnek a dallamugrással. Ezeknek a zenei eszközöknek köszönhetően létrejön a gyermek élő beszédének benyomása.
A ciklus második alkotása - „A sarokban” egy dada „magas” érzelmekkel kezdődik, aki haragszik kedvencére, Mikhasikra. A folyamatos nyolcadikos hangok egyfajta kísérői a vigukuvannak: „Ó, te tréfás! Letekertem a labdát és elvesztettem a rudakat! Azta! Minden zsanér le lett rakva! A harisnyát mindenhol tintával fröcskölte!” 3 szögben hallani a fiú szívet melengető válaszát, kisebb intonációkban megtestesülve, eső végződéssel. A baba elmagyarázza a védőnőnek, hogy nem ő, hanem a cica okozta a kárt.
A „Gyermekek” sorozat nyomtatott kottáinak borítója. Muszorgszkij
Mikhas beszéde fokozatosan fejlődik - a dinamika megváltozik, a tempó felgyorsul, a kifogások bizonytalan intonációi egy sértett gyermek kiáltozásává fejlődnek. Az utolsó négy ütemben a zene tempója valamelyest lelassul - a fiú „fenyegeti” a dadát, hogy a jövőben nem fogja szeretni, mivel megsértette.
A ciklusban szerepeltek a „Bogár”, „Babával”, „Lefekvés”, „Tengerész a macska”, „Pálcán” színdarabok. Másokat, amelyeket a zeneszerző a barátainak játszott, nem őriztek meg zenei formában.
Az egyes részekben a gyerekek különféle élethelyzetekben mutatják meg jellemvonásaikat. Ennek elérése érdekében a szerző harmonikusan ötvözi a szavakat és a zenét. Ennek az interakciónak köszönhetően a zenei és költői darabok mindegyike egy holisztikus és teljes mű benyomását kelti, amelynek joga van a cikluson kívüli élethez.
Szerény Muszorgszkij, „Nadával”, „A sarokban” a „Children’s” énekciklusból.
Mi volt a kedvenc énekjeleneted? Milyen zenei eszközökkel tárja fel a zeneszerző a gyermek világát? Ügyeljen az énekdallam kifejezőképességére, a szöveggel való kapcsolatára. Mi a hangszeres kíséret szerepe a zenei és költői képalkotásban?
ZENESZERZŐ PORTRÉ
Szerény Petrovics Muszorgszkij:
"Ha az emberi gondolatok és érzések hangzatos kifejezése egyszerű beszédben hűen tükröződik zenémben, és az ilyen reprodukálás zeneileg művészi, akkor minden rendben van!"
Szerény Petrovics Muszorgszkij (1839-1881) - orosz innovatív zeneszerző, a „Borisz Godunov” és a „Khovanshchina” opera remekművek szerzője, amelyek zenéjének mély nemzeti gyökerei vannak. Zenekari és kamarahangszeres művek, románcok szerzője is, melyek megalkotása a népművészetre épült. A művész munkáit mélység, drámaiság és a képek valósághűsége jellemzi.
A faluban született. Karevo, Pszkov tartomány. Szentpéterváron tanult és dolgozott, katonai szolgálatot teljesített. A zeneszerző nem kapott professzionális zenei oktatást, és amatőrként (amatőrként) kezdett zenét alkotni.
Később azonban úgy döntött, hogy életét a művészetnek szenteli, és otthagyja a szolgálatot.
Aktív alkotómunkáját az orosz zeneszerzők híres nemzeti-hazafias körének „The Mighty Handful” soraiban kezdte. Az anyagi szükségletek azonban arra kényszerítették, hogy ismét hivatalnokként dolgozzon különböző intézményekben, ami elvonta a figyelmét a kreativitásról.
1879-ben Daria Leonova operaénekesnővel együtt koncertkörútra tett Ukrajna városaiban. Ukrán motívumok tükröződnek a Nyikolaj Gogol azonos című műve alapján készült, befejezetlen „Sorochinskaya Fair” című operájában.
N. Muszorgszkij emlékműve a Krivoj Rog-i zeneiskola közelében (Ukrajna)
1. Milyen művek kapcsolódnak zenei ciklusokká? Mi a vokális ciklus alapja?
2. Mondjon példákat a műben szereplő zenei elemekre: hangszeres, énekes, ciklus formájában megírt.
Zenei projekt. Lépjen be az iskolai könyvtár „Zene gyerekeknek” részébe. Válasszon ki képeket a gyerekekről, amelyek epigráf-illusztrációként szolgálhatnak minden ciklushoz a zenei könyvtárából. Beosztás tetszés szerint. Hozz létre egy ciklust több híres dalból egy adott témában, adj neki nevet. Vegye figyelembe az énekciklus felépítését, a zene fejlesztését a mű választott cselekményének és a környező dalok tartalmának megfelelően.
A zenei ciklusok olyan dalok vagy színdarabok gyűjteményét foglalják magukban, amelyeket egy adott téma szerint hoztak létre, vagy saját operáik, balettjeik, szimfóniáik töredékeinek szerzőivel zártak.
Az egyik legkedveltebb téma, amely mindig is „varázslatos” zene megalkotására inspirálta a zeneszerzőket, a karácsony ünnepe. Így Vaszilij Barvinszkij munkásságához tartozik az ukránok mindennapjaiban elterjedt, énekek dallamára készült miniatúrák zongoraciklusa.
Nem álltak félre a külföldi előadók sem, akik közül többen a karácsonyi zene örömteli pillanataival ajándékozták meg a hallgatókat. Például a brit zeneszerző, Benjamin Britten énekek kórusciklusát alkotta meg, amely a karácsonyi ünnepek alatt hallható különböző országok koncerttermeiben.
A zene világában vagyok: érzékelem, megértem
Benjamin Britten, „Károlák koszorúja” vagy „Karácsonyi énekek koszorúja” kórusra, magashangú szólistákra és hárfára (2., 5., 10.).
Ismertesse a mű általános hangulatát és az egyes kórusminiatúrákat! Milyen hangszíneket kölcsönöz a hárfa hangja?
ZENESZERZŐ PORTRÉ
Benjamin Britten:
"Ne add fel, amikor először meghallgatsz egy új darabot, és nem érted meg... Ne feledd, hogy a zene nem szórakozás, bár a könnyűzene ezt szolgálja."
Benjamin Britten (1913-1976) - brit zongoraművész, karmester, a 20. század egyik legnagyobb zeneszerzője, akinek munkássága szinte minden zenei műfajt képvisel.
Suffolkban született, orvos családjában. Már gyermekkorában felfedezte a zenei képességeit, és amatőr zongoraművész, a helyi kórus aktív résztvevője édesanyja vezetésével kezdett zenei tanulmányokat folytatni. Az első kis színdarabok, amelyeket a családi élet benyomásai ihlettek, korán - 8 évesen - jelentek meg. Benjamin 12 évesen írt egy „Simple Symphony”-t vonószenekarra, majd 16 évesen belépett a Royal College of Music-ba (Konzervatórium). Tanulmányai során számos kórus-, szimfonikus és kamaraművet írt, köztük több gyerekdalt is. Azóta a szerző folyamatosan a gyerekeknek szóló zenék felé fordul.
A fiatal zeneszerző első állását egy dokumentumfilmes cégnél kapta, ahol egy kis hangszeres együttes működött. A moziban végzett munkájának köszönhetően Britten gyorsan megtanult zenét írni, még akkor is, ha nem volt ihlet, és különféle, gyakran egyáltalán nem költői témákhoz (például egy hajó kirakodásáról).
1939-ben, amikor kitört a második világháború, Britten Amerikába távozott. Az Európában lezajlott tragikus eseményekre reagálva megjelent a „Hősök balladája” kantáta, amelyet a spanyolországi fasizmus elleni küzdelemnek szenteltek. Három évvel később a zeneszerző visszatért hazájába, és Aldbour tengerparti városában telepedett le. Ott számos opera látott világot, különösen a „Peter Grimes”.
A művész számos zeneművet írt gyermekeknek és fiataloknak. Az „alkossunk operát” előadáson maguk a fiatal nézők vesznek részt.
OH U POLI EKE ÉRC
Ó, van egy eke a mezőn.
Bőkezű estét, jó estét,
Jó egészséget a jó embereknek!
(Ismételje meg minden sor után.)
Ott Vaszilko ekével sétál.
Édesanyja hoz neki enni.
Ori, fiam, thuyu nivka.
Igen, és vetünk egy kis búzát.
1. Nevezze meg az Ön és szerzőik által ismert ének-kórus ciklusokat!
2. Emlékezzen és magyarázza el, hogy a karácsonyi és újévi ünnepek alatt mikor énekelnek énekeket, és mikor adnak elő šedrivkit.
Zenei projekt. Tudja meg, milyen énekek és schedrivkák gyakoriak az Ön területén. Írd le kedvenc dalaid címét és szövegét. Ha lehetséges, rögzítsen dallamokat. Szüleiddel vagy felnőttekkel közösen alkoss „Kénekek koszorúja és ajándékok a családom számára” vagy „Karácsonyi dalok koszorúja a földemről”.
Klasszikus zene mp3-ban
- music.edu.ru Zenei gyűjtemény. Zene mp3-ban. Zeneszerzők életrajzai
- classical.ru Klasszikus zene Oroszországban
- classic.chubrik.ru Klasszikus zene. Zene mp3-ban, kotta, zeneszerzők életrajza
- classic.manual.ru Klasszikus zene. Mp3 komolyzene megjegyzésekkel, kotta
- belcanto.ru Az opera világában. Librettó, énekesek, mp3
- ClassicMp3.ru Klasszikus zene gyűjteménye mp3-ban
- firemusic.narod.ru Zene mp3-ban, zeneszerzők, operák, balettek librettói
Klasszikus. Zeneszerzők
- wolfgang-mozart.ru Wolfgang Mozart. Életrajz, kritikák
- itopera.narod.ru G. Verdi. Librettó, életrajz, mp3
- glinka1804.narod.ru Mihail Glinka. Az orosz klasszikus zene alapítójának életrajza
- rahmanyinov1873.narod.ru Rahmanyinov. Zeneszerző, zongoraművész és karmester
- skill21.ru Balakirev orosz zeneszerző és zongoraművész
- borodin1833.narod.ru Alexander Borodin. Egy zeneszerző és tudós élete, mp3
Filharmonikus társaságok és előadóművészek
- classicalmusic.ru Moszkvai Filharmonikusok. Történelem, Filharmónia termek, plakát
- philharmonia.spb.ru St. Petersburg Acad. Filharmóniai. Szerkezet, zenészek, repertoár
- lifanovsky.com Borisz Lifanovszkij - csellóművész. Cikkek, mp3
Hangszerek
- simphonica.narod.ru Szimfonikus zenekar. Hangszerek leírása
- sheck.ru Ősi európai hangszerek műhelye
Billentyűs hangszerek
- digitalpiano.ru - Digitális zongorák
- keys.rni.ru - Zenei szintetizátorok. Modellek
Fúvós hangszerek
- trombetclub.ru Trombitás portál. Cikkek, előadók, jegyzetek
- brassmusic.ru Zenészek közössége - rézfúvós hangszerek
- partita.ru Fúvószenekarhoz. Kotta, részek, kották
- soprano-recorder.ru Tanárnővel végzett hangfelvételi órák nyomdokain
- blockfluete.newmail.ru Felvevő. Játékkészségek
- Fagotizm.narod.ru Fagoto: Kotta, mp3, midi
- harmonika.ru Harmonika. Megtanulni játszani
- shaku-rus.com Iskola, zene, shakuhachi készítés
Ütőhangszerek
- drumspeech.com Dobosok. Kommunikáció, cikkek, órák, kotta
- drums.ru E. Ryaboy dobos projektje
- EthnoBeat.ru Etnikai dobolás tanulása
Vonós hangszerek
- skripach.ru Hegedűsökről és hegedűsöknek, Mp3
- domraland.narod.ru Weboldal a domráról. Információk, jegyzetek
- gukovski.narod.ru Népi hangszerek
A gitár remek
- guitarhistory.narod.ru A klasszikus gitár története, szótár
- guitarra-antiqua.km.ru A klasszikus gitár története, kotta, mp3
- eslivamnravitsa.narod.ru Ha szeretsz gitározni. Akkordok, ismeretterjesztő irodalom
Etnikai hangszerek
- vargan.ru Akusztikus és etnikai hangszerek. Leírás, tippek, mp3
- duda.narod.ru Duda. Tippek, leckék, kották
- folkinst.narod.ru Orosz népi hangszerek, linkek, mp3
- kuznya.ru Etnikai hangszerek és népzene, fotó, mp3
- khomus.ru zsidó hárfazene
Zenei oldalak. Egyéb
- classic-music.ru - Klasszikus zene. Zeneszerzők életrajzai, szótár
- cdguide.nm.ru – Zene CD-n. Kritikák, CD-kritikák, jegyzetek a klasszikus zenéről
- stmus.nm.ru - Régizenei Magazin
- abc-guitar.narod.ru - Gitárosok és zeneszerzők. Életrajzi szótár
- music70-80.narod.ru - A 70-80-as évek dalai és zenéi.
- viaansambles.narod.ru - VIA 60-70-80x. Információk az együttesekről, dalokról, fórumról
- elf.org.ru Népzene
A „Glinka” versváltozatos forma életképességét a szovjet zeneszerzők általi felhasználása bizonyítja. Ugyanakkor a fejlesztési technikák és a kifejezési eszközök (különösen a harmonikus nyelv) korszerűsödnek, de magát a formatípust megőrzik: a „Kis kantáta” („Maiden Ditties”) kezdeti szakasza Scsedrin „Nem csak szerelem” című operájából. .”
BAN BEN versváltozatos forma Elsőként az énekszólam variálható.
A variáció megkülönböztető jegyei: a dallamváltozásokat magába foglaló variáció szerkezeti és nagy léptékű változtatásokat tesz lehetővé, de megtartja a figurális és műfaji egységet. Ennek következménye a változat és a téma relatív egyenlősége, míg a variáció a témának alárendelt származékos, másodlagos jelenség.
A letisztultság, a szerkezeti tisztaság, a különféle változtatások és a szövegkövetési képesség kombinációja a vers-változatot az énekzene egyik legelterjedtebb formájává teszi. Ez a forma óriási helyet foglal el Schubert és Mahler dalszerzésében. A szovjet zeneszerzők közül G. Szviridov készségesen fordul hozzá: a „Hogyan született a dal” kórus, az „In That Land” a „Vers S. Jeszenin emlékére” c. További példák: Schubert „Gretchen a forgó keréknél”, „Polina románca” Csajkovszkij „Pák királynőjéből”.
A formán keresztül
Az átívelő forma abból adódott, hogy a zenének követnie kellett a cselekmény alakulását. Minden más formánál jobban kihasználják itt a zene képi lehetőségeit és a szöveg érzelmi oldalát fokozó képességét. Nem véletlen, hogy nagy figyelmet fordítottak erre a formára azok a zeneszerzők, akik különösen érzékenyek voltak a szövegképek és a pszichológiai szubtextusok legfinomabb árnyalataira - Schubert, Muszorgszkij. Liszt legtöbb dalát átmenő formában írják. Ez a forma nagy helyet foglalt el a 19. század végének - 20. század eleji zenében, különösen a „zenés versek” műfajában, amely széles körben elterjedt Wolf munkásságában, az orosz zenében - Medtner, Prokofjev, Gnessin, Cherepnin. , részben Rahmanyinovtól, valamint prózai szövegekre írt énekművekben (Prokofjev „A csúnya kiskacsa”).
Bármilyen end-to-end forma a zenei anyag folyamatos, a szöveg tartalmának megfelelő frissítésének elvén alapul. A zeneszerzők azonban arra törekszenek, hogy bizonyos zenei egyesítő tényezőket bevezessenek az átívelő formákba. Ennek érdekében a megtorlás, a megtorlás zárása, a végpontig refrén (a halál „levélakkordjai” Muszorgszkij „Altatódalában” és a „bayushka, byu, bye” kórus) elvei, a szöveg egyes részeinek intonációs-tematikus összekapcsolása. formát és tónusszervezést használnak.
Példák az átívelő formára: Schubert „Az erdőkirály”, Kalinikov „A csillagok elhalványul” kórusa.
14. témakör Ciklikus formák: szvit, szonáta-szimfonikus ciklus
|
|
 |
|
 |  |
 |
Ciklikus több különálló, egymással szembenálló részből álló forma, amelyek formailag függetlenek, de egyetlen művészi koncepció köti össze őket.
A ciklikus formák főbb jellemzői:
♦ több rész jelenléte (2-től 10-ig),
♦ az egyes részek formájának függetlensége,
♦ alkatrészek szétválasztása (egy alkatrész külön is elvégezhető),
♦ tempó kontraszt,
♦ karakter kontraszt,
♦ tonális közösség:
a) az összes rész egyetlen tonalitása,
b) hangrepríz létrehozása (szonáta-szimfonikus ciklus),
c) a tónusközpontok kiemelése (domináns hangszínek),
♦ általános ötlet:
a) egy szereplőgárda,
b) egy műfaji szféra,
c) tematikus közösség,
d) program.
A ciklikus formák énekesek, hangszeresek és színpadiak.
Ének(ének-hangszeres) ciklusok oszthatók kantáta-oratoriális(kantáta, oratórium, mise, rekviem, passiók) ill kamara-ének(énekciklusok).
Színpadi ciklusok: opera és balett.
Hangszeres hurkok
A ciklikus formáknak két fő típusa van: a szvit és a szonáta-szimfonikus ciklus. A ciklusrészek önállóságát az határozza meg, hogy külön-külön is előadhatók (szvittáncok, szonáta- vagy szimfóniák részei).
Lakosztály (sor, szekvencia) – tánc- vagy műfaji jellegű önálló részekből álló ciklikus mű, karakterében és tempójában kontrasztos. A készletben az alkatrészek váltakozása nem szigorú, számuk nincs szabályozva. Gyakran minden rész ugyanabban a kulcsban van írva.
A lakosztálynak több történelmileg hozzárendelt típusa van. Az ókori (barokk) szvit végül a 17. század közepére alakult ki. – a 18. század első fele. a különböző nemzeti iskolák zeneszerzőinek műveiben: Froberger, Händel, Corelli, Couperin, Rameau stb. Különböző országokban másként hívták: Németországban - partita, Angliában - leckék, Franciaországban - nyitány, Olaszországban - szonáta da fényképezőgép, balett.
17. századi lakosztályokhoz. és a korábbi tematikus táncközösség gyakori volt, de a XVIII. viszonylag ritka lett (Bachnál nem, Händelnél viszont megtalálható). A táncszvitek a 17. század közepe óta léteznek. elvesztették alkalmazott jellegüket, és a XVIII. formájuk sokkal összetettebbé vált, bár a kis formák domináltak (egyszerű 2-3 szólamú, összetett forma, régi szonáta, versenymű és kontraszt-kompozit).
Egy 17-18. századi ókori szvit alapja. 4 táncból állt: allemande, courante, sarabande és gigue. A ciklus a nyugodtan lassú táncokat kétszer is szembeállította élénk és gyors táncokkal:
1) allemande – közepes-lassú tempó,
2) csengő - közepesen gyors,
3) sarabande – nagyon lassú,
4) jig – nagyon gyors.
Allemande – német eredetű, mérsékelt tempójú, kétütemes (4/4-es ütemű) sima körtánc. Egy nyolcad vagy tizenhatod időtartamú ütemben kezdődik (a 17. század felé). A szólamok számát tekintve az allemande gyakran 4 szólamú, rengeteg visszhanggal és utánzattal. A többszólamú fejlesztés ugyanakkor kisimítja a ritmus táncolhatóságát. Az allemande formája ősi, kétrészes (a II. rész az I. rész fordított változata).
Kuranta − három ütemű (3/4 vagy 3/2) francia eredetű tánc. A tempó mérsékelt vagy gyors. Tipikus ritmus. Az allemandával együtt az elején. XVIII század A couranta kiesett a használatból, és a stilizáció tárgyaként szolgált (Bach). A hangok számától függően a harangjáték általában kétszólamú. A forma egyszerű kétrészes (a végén van egyfajta repríz).
Sarabande − három ütemes (3/4 vagy 3/2) spanyol eredetű tánc. Megfosztva a kezdeti ütemtől. Tipikus ritmikus minták:
kadenciákban - . A harmóniák változása a ritmus alaptípusát hangsúlyozza. A sarabandban az akkordszerkezet (homofonikus-harmonikus textúra) dominál. A forma általában háromrészes (az ismétlés hangsúlyosabb).
Zhiga − angol eredetű gyors három ütemes (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) tánc. Gyakran vannak késések. Gyakran fúgafejlesztésnek volt kitéve, beleértve a témát a II. részben A szólamok számától függően - két vagy három szólam. A forma egyszerű három részből áll.
A főtáncokon kívül gyakran további darabok is szerepelnek a szvitben:
1) egyes táncoknak volt kettős (változata), egyfajta díszítő variáció;
2) az allemande előtt van előjáték (preambulum, nyitány, toccata, fantasy, sinfonia); egy ilyen színdarab lehet egy kis két- vagy háromrészes ciklus;
3) a szvit belsejében (általában a sarabande és a gigue között) más táncokat helyeznek el - menüett, gavotte, bourrée, passier, rondo, burleszk, scherzo, capriccio vagy darabok (ária).
Más ciklikus formák közül a szonáta és a versenymű a barokk korban terjedt el.
5. szakasz Ciklikus formákA zenei formát ún ciklikus, ha több részből áll, formailag független, karakterében (elsősorban tempójában) kontrasztos, de az ideológiai és művészi koncepció egysége köti össze.
A "ciklus" kifejezés görög eredetű és kört jelent. A ciklikus forma a különböző zenei képek, műfajok és tempók egyik vagy másik körét lefedi. A részek függetlensége abban nyilvánul meg, hogy esetenként külön előadást tesznek lehetővé (Chopin B-moll szonátájából a „Temetési menet”, Medtner „Elfelejtett motívumok” című ciklusának szonátaemléke). A ciklusok különböző számú részből állhatnak: kéttételes előjáték és fúga, háromtételes versenymű és szonáta, négy tétel szonátában és szimfóniában, hét vagy nyolc tétel egy szvitben. A ciklikus formák számos zenei műfajban megtalálhatók: énekes és hangszeres, szóló és zenekari.
A ciklikus formák azon alapulnak drámai funkciók. Az ezeken alapuló részek összekapcsolása a ciklikus formák vezérelve. ^ Az alkatrészek kombinálásának elvei ciklusban vannak osztva kétféle:
Lakosztály elve(Bach és Händel régi szonátái is erre az elvre épülnek) számos kontrasztos mű kombinációja. A lakosztály alapja az egység a pluralitásban.
^ Szonáta elv - ez egyetlen mű felosztása több, az egésznek alárendelt önálló műre. Az egység pluralitása alapján.
Lakosztály egy ciklikus mű, amely több különböző színdarabból áll, amelyeket egyetlen koncepció köt össze, de nincs egyetlen szekvenciális fejlődési vonala. A szvit úgy képzelhető el, mint az összehasonlításukban különböző képek megjelenítése, egy kérdésre vonatkozó különböző kijelentések.
A szvit mint műfaj és forma a 16. században keletkezett (a 16-18. századi más műfajok is szvit formájában születtek: partita, szonáta, versenymű).
A szonáta formájának és műfajának megjelenésével, fejlődésével a szvit átmenetileg megszűnt, majd később, a 19. században új formában éledt fel. A szvit számos kompozíciós technikát szült, amelyeket később továbbfejlesztettek.
^ Ősi lakosztály.
Az ókori szvit a 18. század első felének zeneszerzőinek, Bachnak és Händelnek a műveiben jelenik meg a legvilágosabban. Az ókori szvit egy ciklusba rendezett táncdarabok sorozata, a kontraszt elve (tempó, méter, ritmus, mozgáskarakter) szerint meghatározott sorrendben. Az egyesítő elv a közös tonalitás, műfaj (minden színdarab tánc) és gyakran közös intonációs alap.
Az ősi lakosztály 4-et tartalmazott kötelező(fő ) tánc.
1. Allemande(német tánc) - négy ütemű, közepesen lassú, többszólamú. Ez egy körtáncos felvonulás, amelyet a szabadban hajtanak végre, amikor a nemesség belépett a városba és belépett a várba.
2. Kuranta(olasz tánc) - három ütemű, közepesen gyors, többszólamú. Ez egy páros szólótánc, gyakori az udvari életben.
3. Sarabande(spanyol tánc) - három ütemes, lassú, gyakran akkordstílus. Ez a temetési táncmenet eredete szerint később, a temetési szertartáshoz való kötelező hovatartozását elvesztve, megőrizte szigorúan gyászos, fenséges jellegét. A sarabande műfaji jegyeit széles körben használták a különböző korok zeneszerzői (Beethoven Egmont-nyitánya, Sosztakovics 7. szimfóniája, finálé, középső epizód).
4. Zhiga(Ír tánc) egy nagyon gyors kollektív komikus tánc, sajátos triplett mozgással (3/8, 12/8), és gyakran van fúgabemutatója.
A kötelező táncok egy részét kétszer is megismételték variációs fejlesztéssel, duplán. A variáció főként az egyik hang díszítő énekére redukálódott.
A szvit a kötelező táncokon kívül szinte mindig tartalmazott további(általában sarabande és gigue között): menüett, gavotte, bure, néha nem táncos darabok is szerepeltek: ária, scherzo, ami fokozta a kontrasztot. A szvit gyakran egy bevezetővel kezdődött – előjátékkal vagy nyitánnyal. Általánosságban elmondható, hogy az ókori szvit más jellegű színdarabokat tartalmazott, és az életjelenségek meglehetősen széles körét tükrözte, de nem kölcsönhatásban és fejlődésben, hanem összehasonlításban.
^ Táncforma szvitben általában van egy régi kétrészes tánc (a kötelező táncokhoz) és egy háromszólamú tánc a továbbiakhoz. Az ókori szvitben néhány kompozíciós szerkezet alakult ki, amelyek később önálló zenei formákká fejlődtek, így a további táncok szerkezete előrevetítette a jövőbeni összetett háromszólamú formát (g-moll Bach angol szvit: Gavotte I - Gavotte II - Gavotte I, mindegyik amely egyszerű háromrészes formában). A variációs forma kialakulásához hozzájárultak a lakosztályok párosai. A szvit kontrasztos táncok elrendezésének jellege előrevetítette a szonátaciklus egyes részeinek elrendezését
^ Új lakosztály.
A 19. században új szvit jelent meg, amely tartalmilag és kompozíciós jegyeiben jelentősen eltér a régitől. A 19. századi zene programszerűsége és a zenei képek nagyobb konkrétsága iránti vágy is hatott az új szvitre. Az új programcsomag alapítója Schumann volt („Pillangók”, „Karnevál”, „Gyermekjelenetek”). Ezt követően a programcsomag a későbbi idők zeneszerzőinek műveiben fejlődik (Muszorgszkij „Képek egy kiállításon”, Rimszkij-Korszakov „Szeherezád”, Debussy „Gyermeksarok”).
Később a 19. és 20. században. A szvit műfaja még szélesebb körű fejlődést kap, beépítve az ókori szvitből kölcsönzött vonásokat - táncolhatóság, Schumann szvitjéből - programszerűség, műfaji sokszínűség, a szonáta-szimfonikus ciklusból - a drámai fejlődés elemei és a részek léptéke. A szvit új táncokat tartalmaz: keringő, polonéz, nemzeti táncok - boleró, tarantella stb. A táncszámokat nem táncos számokkal (scherzo, andante, march, nocturne) tarkítják.
A 19. századi zeneszerzők a szvit műfajt meglehetősen sokféleképpen használták. Nagy kompozíciók számaiból összeállított szvitek: balett, drámazene, valamint dalok vagy táncok témájú szvitjei.
^ Szonáta ciklus.
A szonáta-szimfonikus ciklus a következő műfajok valamelyikébe tartozó ciklikus mű: szonáta, szimfónia, versenymű, trió, kvartett stb. forma.
A definícióból az következik, hogy néha előfordul, hogy szonátaciklusnak minősülnek olyan többtételes művek, amelyeknek egyik tételében sincs szonátaforma (Mozart 11. szonáta, Beethoven 12. szonáta). A ciklus átfogó jelentősége és az egész egysége lehetővé tette a szonátaciklusok közé sorolását.
Mély, komoly tartalom feltárása a fényes zenei képek jelentős fejlődésén, a zenei mű részeinek kontrasztos váltakozásában az általános koncepció és a zenei forma integritásának egységével - ezek a kiforrott szonáta jellegzetes vonásai. szimfonikus ciklusok. Ezeket a vonásokat egyesíti a szimfonizmus általános fogalma, amely a zenei gondolkodás legmagasabb típusát jelenti, különösen a szimfonikus ciklusokra jellemző. A szonáta elnevezése csak egy-két hangszeres műveknek van fenntartva, a bonyolultabb szonátatípusú együtteseket hangszerszám szerint nevezik el (trió, kvartett, kvintett). A zenekarra írt szonáta jellegű művet szimfóniának nevezik.
A szonátaciklust az egyes részek tartalmi jelentőségével és sajátos belső szerves kapcsolatával különböztetjük meg. A klasszikus szonáta-szimfonikus ciklus leggyakrabban három (szonáta, versenymű) vagy négy (szimfónia) tételből áll.
I óra– általában hatásosabb, drámaibb, kontrasztosabb, gyakran konfliktusos természetű, fejlett szonátaformában, leggyakrabban gyors tételben (sonata allegro) jelenik meg.
II óra. – általában andante vagy adagio. Általában ez a szöveg szférája. Az ember érzéseit és gondolatait közvetíti, feltárja belső világát (gyakran a természetképek hátterében). A lassú tétel formája: összetett háromrészes epizóddal, témával variációkkal, szonátaforma fejlesztés nélkül (ritkábban fejlesztéssel), ritkán egyéb formák.
rész III– általában menüett vagy scherzo. Bemutat egy műfaji vagy hétköznapi elemet - a népi élet jeleneteit. Élénk mozgása és vidám karaktere jellemzi. A forma általában összetett háromrészes trióval vagy szonátával.
IV óra. – a finálé általában gyorsított, dalos-táncos jegyekkel. A finálé formája szonáta, rondó, rondószonáta, ritkán változatos téma.
A részek klasszikus viszonya a szonáta-szimfonikus ciklus egyfajta normájává vált, mert a valóság különböző aspektusait fedi le, a művész fő „szempontját” a világról: dráma, líra, műfaji, hétköznapi és epikai. A finálé epika alatt nem a narratíva nyugodt formáját értjük, hanem a nemzetiséget mint a finálé tartalmát. Ez a klasszikus részkapcsolat inkább Haydnra és Mozartra jellemző, Beethoven gyakran felcseréli a második és a harmadik részt.
Más számú alkatrész is van egy ciklusban. ^ Kétrészes ciklus – Gliere Concerto énekhangra és zenekarra, ahol 1 óra szonátaformában, de mérsékelt tempóban, lírai jellegű, amely a ciklus első és lassú lírai részét egyesíteni látszik; 2 rész – keringő műfajában, rondó alakban megírva, a harmadik rész és egy négyrészes ciklus fináléjának jellemzőit ötvözi. Öt részes ciklus- Szkrjabin 2. szimfónia, ahol az első tétel a kiterjesztett bevezető szerepét tölti be.
A szonáta-szimfonikus ciklusban számos olyan minta alakult ki, amelyek hozzájárulnak az egész egységéhez. A szélső részek általában azonos hangnemben íródnak (a kisebb művekben a finálé ugyanaz a dúr). A ciklus hangját az első rész hangja határozza meg. A középső részeket más billentyűkkel írják, de általában a főhöz közeliekkel. Általában a lassú részeket billentyűk jellemzik S szférák, névadó vagy párhuzamos szak. A klasszikusok 3. része általában a főkulcsban van. Később a középső részek billentyűválasztása is szabadabbá vált.
A szonátaciklus egysége szempontjából nagyon fontosak a részek közötti intonációs kapcsolatok. Gyakoriak az intonációs kapcsolatok az első tétel mellékrésze és a ciklus lassú része, valamint az első tétel és a finálé között. Az intonációs kapcsolatokon túl a ciklus különböző részeiben felhasználható ugyanaz a motívum vagy téma (Beethoven „sorsmotívuma” az 5. szimfóniából), sajátos drámai funkciót töltve be.
A szonáta-szimfonikus ciklus számos műfajban sajátos vonásokkal rendelkezik. Így egy hangszeres versenymű általában három szólamú (nincs scherzo). Sajátossága a szóló és a zenekari részek közötti versengés elve. Ez a funkció, valamint a klasszikusok hagyománya, hogy megismételjék a kiállítást, összefügg dupla expozíció a koncert első részében (először a zenekarban, majd a szólistával). Ezeken a kiállításokon az eltérések sokszor texturális sorrendűek, azonban vannak olyan kiállítások, amelyek tematikájukban is eltérnek (Beethoven 1. és 2. versenymű), ilyenkor mindkét kiállítás témái beépülnek a fejlesztésbe. Általánosságban elmondható, hogy a koncert első része virtuóz jellegű, ami legvilágosabban a hagyományos kadenzában (repríz vagy coda előtt) nyilvánul meg.
^ A ciklikus formák egyéb típusai.
Gyakran számos románc vagy dal egyesül énekciklus, amelyet egyetlen fogalom köt össze (Schubert „Winterreise”, Schumann „Egy költő szerelme”, Muszorgszkij „Nap nélkül”, Szviridov „Apám paraszt”). Az egység mértéke és jellege az ilyen ciklusokban eltérő lehet (a szöveg összekapcsolása szükségtelenné teszi a tonális egységet). Az énekciklus általános logikája néhány jellegzetes hangszeres ciklussal rendelkezik: a fejlesztés kontrasztos összehasonlításokon alapul, és a csúcspont felé irányul, az utolsó románc (dal) a befejező rész jeleit mutatja.
Egyes énekciklusoknak cselekményfejlődésük van. Kibontakozik bennük a cselekmény, új szereplők jelennek meg, amit zenei eszközökkel hangsúlyoznak: kontrasztos tempó-, műfaj-, tonalitás-, textúra- stb.
Néha a „ciklus” fogalmát számos független műre alkalmazzák, amelyeket valamilyen jellemző, például egy műfaj vagy opusz egyesít, és amelyek akkor keltik a legkedvezőbb művészi benyomást, ha ezeket a műveket egymás után adják elő (Scriabin Preludes op. 11 ).
^ Kontrasztos összetett formák.
A „kontraszt-kompozit formák” fogalmát V. Protopopov hazai zenetudós vezette be a hatvanas években. XX század.
Kontraszt-kompozit több ellentétes részből álló forma, sok tekintetben hasonló a ciklikus forma részeihez, de kevésbé független, megszakítás nélkül fut, és egy egésszé való összeolvadásuk mértékében egy részhez közeli formát alkot (nem -ciklikus).
A ciklikus kontrasztos-összetett formákban az a közös, hogy több ellentétes rész sorozatát tartalmazzák. Az egyrészes daraboknál nincsenek szünetek a részek között, és képtelenség ezeket a részeket önálló daraboknak tekinteni, amelyek külön előadást tesznek lehetővé.
A kontrasztos összetett formáknak is vannak sajátosságai. Tartalmazhatnak 2, 3, 4 vagy több részt, lehet reprízisük vagy nem, előfordulhatnak különböző történelmi korokban és különböző műfajokban. A kontrasztos-kompozit formák eredete az opera (recitatív-ária), a hangszeres zenében pedig a tokkáták és fúgák megjelenéséig nyúlik vissza. A 18. és 19. század 2. felében. a szonáta-elv fejlődésével a kontrasztos-kompozit formák háttérbe szorulnak, de továbbra is megőrzik fontosságukat a vokális zene szempontjából (sok áriát, együttest, operazárót ebben a formában írnak). Ezt a formát széles körben használták olyan műfajokban, mint a fantasy, a rapszódia, a vers, és különösen Liszt átirataiban. A kontrasztos kompozit formák nagy fejlődést értek el Glinka ("Capriccio", sok szám az operákban), Csajkovszkij ("olasz", "spanyol capriccio") műveiben. A kontrasztos-kompozit forma szembetűnő példája Sosztakovics 12. szimfóniája.
Protopopov a kontraszt-kompozit formákat, azok sokféleségével, több típusra osztja:
kéttételes (Fantasia in f moll, Chopin),
lakosztályok (Glinka Capriccio, Csajkovszkij, Rimszkij-Korszakov),
szonáta-szimfonikus (Beethoven-kvartett cisz-moll, Sosztakovics 11. és 12. szimfónia).
1. rész. Szabad és vegyes formák.
A fent tárgyalt szabványos nyomtatványokon kívül léteznek speciális, ún szabad és vegyes.
Ingyenes azokat a formákat nevezzük, amelyek nem felelnek meg a fentebb tárgyalt tipikus szerkezeteknek, hanem sajátos rendű konstrukciókat képviselnek (egyedi szerkezetekben zajlik a zenei fejlesztés).
A szabad formák az ókori orgonazenében keletkeztek, és Bach munkásságában értek el csúcspontjukat (főleg a fantasy műfajban). A homofon zene világos szerkezeti formáival szemben itt az improvizáció, a prelúdium, a szabad szekvenciális-modulációs fejlesztés, a fejlődés folytonossága dominál. A bécsi klasszikusok között ritkák a szabad formák. Ezek a formák a 19. század második felének zeneszerzőinek (Chopin, Liszt, Csajkovszkij) műveiben érték el igazi virágzásukat. A szabad formák elterjedésének egyik oka a romantikus zeneszerzők azon vágya volt, hogy a zenei formát rugalmasabbá, az egyes művek egyéni (gyakran programszerű) tartalmához jobban illeszkedővé tegyék.
Meg kell különböztetni kettő fő- típusú szabad formák:
rendszerformák, azaz fejlődésükben bizonyos rendszerre támaszkodva, például megtorlásra;
nem rendszeres formák a szakaszok szabad váltakozásával.
^ Nem rendszerszintű szabad formák rendkívül sokrétű, egyedi felépítésű és besorolhatatlan. Főleg nagy hangszeres kompozíciókban használják őket, és nagyszámú témát és szakaszt tartalmaznak: ^ ABCDA, ABCDB, ABCDAE.
Vegyes formák.
Azok az egyrészes formák, amelyek több korábban kialakított szabványos szerkezet jellemzőit egyesítik, úgynevezett vegyes formák.
A szimfonikus költemények, egytételes szonáták, fantáziák, balladák, ritkábban ciklikus művek egyes részei gyakran vegyes formában születnek. A zeneszerzők vágya a figuratív tartalom pontosabb meghatározására, az életfolyamatok és jelenségek teljesebb és közvetlenebb tükrözésére új, plasztikusabb formák révén vezetett a programzenéhez. A zene programszerű tartalmáért és annak legteljesebb kifejezését szolgáló formáiért folytatott küzdelem hozzájárul a közeledéshez, ill. a különböző művészetek áthatolása(irodalmi műsor hangszeres zenében, költészet és zene romantikában), valamint különböző műfajok egy művészeten belül. Elterjednek a líra, epika, dráma, fantasy (ballada) jegyeit ötvöző művek, amelyek különböző formák áthatolása, például lírai-epikai jellegű variációk és szonáta, amely remek lehetőségeket biztosít a drámai fejlődésre.
Az orosz klasszikus zeneszerzők munkásságában a formák, műfajok és fejlesztési technikák új kombinációi jelennek meg, amelyek a népzenére jellemzőek a fejlett professzionális zeneművészet összetett műfajaival és formáival. Ezek a kombinációk az orosz zene vegyes formáinak országosan egyedülálló típusát határozzák meg.
A vegyes formák közül a leggyakoribbak a következők: fajták:
^ Szonáta és variáció kombinációja.
Az ilyen típusú vegyes formákat az orosz klasszikusok széles körben fejlesztették ki. A népi stílusú nagyméretű kompozíciók létrehozásakor orosz zeneszerzők használtak szonátaforma, a nemzeti zene fejlődését szolgáló új ideológiai és művészeti céloknak megfelelően átalakítva variációs fejlesztési módszerek.
Az orosz zeneszerzők általában építenek kettős variációk(két témában) nagy, kontrasztos formaszelvények létrehozásán alapul, a témák váltakozó változataira építve. Ha az ilyen kontrasztos szakaszok egymás mellé helyezését kétszer adjuk meg (a mű elején hangkontraszttal és a végén hangkonvergenciával), és van olyan szakasz is, ahol mindkét téma szabadon fejleszthető (többszólamú eszközökkel is), akkor a kontúrok nyilvánvalóvá válnak szonátaforma.
A variációt és a szonátát ötvöző egytételes formák nemcsak szimfonikus, hanem orosz zeneszerzők népi témák variációira épülő zongoraműveiben is megtalálhatók (Balakirev Fantasia „Islamey”).
A 19. századi nyugat-európai zeneszerzők, akik népi témájú variációk alapján alkottak jelentős műveket, a szonáta és a variáció elvét is ötvözték (Liszt, Spanyol rapszódia). A nyugat-európai zenében azonban létezik a szonatizmus és a variáció egy másik kombinációja, ahol a szonatizmus szabad variáció (transzformáció) alapján jön létre. egy téma. A variációs szabadság nagyobb fokú kontrasztot biztosított a szakaszok között. Ezt az elvet, amikor egy téma átalakításán alapuló nagy alkotásokat készítenek, úgy hívják monotematizmus(széles körben elterjedt Liszt műveiben, „Prelúdiumok”, „Tasso” szimfonikus költemények).
^ Szonáta és ciklikus formák kombinációja .
A romantikusok egyes szonátaformáiban vannak mellékrészek, amelyek a főhöz képest eltérő tempóban futnak, és egy kiterjesztett önálló és zárt formát képviselnek (Csajkovszkij 6. szimfónia, 1. tétel), megközelítve a ciklus önálló részét. Ezzel szemben a 19. század ciklikus formáiban folytatódik a ciklus egységének erősödésének folyamata. Ez a ciklus különböző részei közötti kapcsolatok erősítésében fejeződik ki (tematikus kapcsolatok, attaca). Mindez megteremti az előfeltételeket a ciklus minden részének egy nagyméretű egyrészes művé való összevonásához, a ciklus egy részbe tömörítéséhez.
A teljesség és a konkrétság vágya a különféle kontrasztos képek megtestesülésében, a nagy ideológiai és művészeti koncepciók nagyobb egysége, valamint a fejlődés folytonossága alkotások létrejöttéhez vezet. kombinálása magában a szonátaciklus jellemzőiés egyrészes szonátaforma.
Szonáta kombinációja, i.e. reprise formát ciklikussal, azaz. A non-reprise a szonáta-repríz jelentős átalakulását jelenti, amely nélkül a reprise és a coda nem tudná betölteni a ciklikus forma scherzójának és fináléjának funkcióit. A ciklus lassú részének szerepét vagy a fejlődés lassú epizódja, vagy egy mellékrész veszi át az expozícióban (Liszt-szonáta H moll).
Egy vegyes forma is rendelkezhet teljesen egyéni, egyedi jegyekkel, a különféle szabványos szerkezetek jellemzőit ötvözi (Medtner-szonáta-emlékirat, amely a szonáta, a szonátaciklus és a rondó jegyeit ötvözi).
^ 6. modul. Az énekzene speciális formái
A klasszikus zeneszerzők az egész világon ismertek. A zenei zseni minden neve egyedülálló egyéniség a kultúra történetében.
Mi a klasszikus zene
A klasszikus zene elbűvölő dallamok, amelyeket olyan tehetséges szerzők alkottak meg, akiket joggal nevezünk klasszikus zeneszerzőknek. Műveik egyediek, és mindig keresni fognak az előadók és a hallgatók körében. A klasszikust egyrészt szigorú, mélyen tartalmas zenének szokták nevezni, amely nem kapcsolódik a következő műfajokhoz: rock, jazz, folk, pop, sanzon stb. Másrészt a zene történeti fejlődésében van egy a XIII végi - XX. század eleji időszak, az úgynevezett klasszicizmus.
A klasszikus témákat a magasztos intonáció, a kifinomultság, az árnyalatok sokfélesége és a harmónia különbözteti meg. Kedvezően hatnak a felnőttek és a gyermekek érzelmi világképére.
A klasszikus zene fejlődési szakaszai. Rövid leírásuk és főbb képviselőik
A klasszikus zene fejlődésének történetében a következő szakaszok különböztethetők meg:
- Reneszánsz vagy reneszánsz - 14. eleje - a 16. század utolsó negyede. Spanyolországban és Angliában a reneszánsz korszak a 17. század elejéig tartott.
- Barokk - felváltotta a reneszánszt, és egészen a 18. század elejéig tartott. A stílus központja Spanyolország volt.
- A klasszicizmus az európai kultúra fejlődésének korszaka a 18. század elejétől a 19. század elejéig.
- A romantika a klasszicizmussal ellentétes irány. A 19. század közepéig tartott.
- A 20. század klasszikusai - modern kor.
A kulturális korszakok rövid ismertetése és főbb képviselői
1. Reneszánsz - a kultúra minden területének fejlődésének hosszú időszaka. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria alkotott és halhatatlan alkotásokat hagyott az utókornak.
2. Barokk - ebben a korszakban új zenei formák jelennek meg: többszólamúság, opera. Ebben az időszakban alkotta meg híres műveit Bach, Händel és Vivaldi. Bach fúgái a klasszicizmus követelményeinek megfelelően épülnek: a kánonok kötelező betartása.
3. Klasszicizmus. Bécsi klasszikus zeneszerzők, akik a klasszicizmus korában alkották halhatatlan alkotásaikat: Haydn, Mozart, Beethoven. Megjelenik a szonátaforma, növekszik a zenekar összetétele. és Haydn a dallamok egyszerű felépítésében és eleganciájában különbözik Bach súlyos műveitől. Még mindig klasszikus volt, a tökéletességre való törekvés. Beethoven művei a romantikus és a klasszikus stílus határvonalát jelentik. L. van Beethoven zenéjében több az érzékiség és a lelkesedés, mint a racionális kánon. Olyan fontos műfajok jelentek meg, mint a szimfónia, a szonáta, a szvit és az opera. Beethoven szülte a romantika korszakát.
4. Romantika. A zeneműveket a szín és a dráma jellemzi. Különféle dalműfajok formálódnak, például balladák. Elismerést kaptak Liszt és Chopin zongoraművei. A romantika hagyományait Csajkovszkij, Wagner és Schubert örökölte.
5. A XX. század klasszikusai - a szerzők dallami újítási vágya jellemezte, felmerültek az aleatorika, atonalizmus kifejezések. Sztravinszkij, Rahmanyinov, Üveg műveit a klasszikus formátumba sorolják.
Orosz klasszikus zeneszerzők
Csajkovszkij P.I. - Orosz zeneszerző, zenekritikus, közéleti személyiség, tanár, karmester. Az ő szerzeményeit adják a legtöbbet. Őszinték, könnyen észlelhetők, tükrözik az orosz lélek költői eredetiségét, az orosz természet festői képeit. A zeneszerző 6 balettet, 10 operát, több mint száz románcot, 6 szimfóniát alkotott. A világhírű „Hattyúk tava” balett, az „Eugene Onegin” opera, a „Gyermekalbum”.
Rahmanyinov S.V. - a kiváló zeneszerző művei érzelmesek, vidámak, némelyik tartalma drámai. Műfajuk változatos: a kis daraboktól a koncertekig, operákig. A szerző általánosan elismert művei: „A fösvény lovag”, „Aleko” Puskin „A cigányok” című verse alapján, „Francesca da Rimini” Dante „Isteni színjátékából” kölcsönzött cselekmény alapján, „A harangok” című költemény; szvit „Szimfonikus táncok”; zongorakoncertek; énekhangra zongorakísérettel.
Borodin A.P. zeneszerző, tanár, vegyész és orvos volt. A legjelentősebb alkotás az „Igor herceg” című opera, amely az „Igor hadjáratának meséje” című történelmi mű alapján készült, amelyet a szerző csaknem 18 évig írt. Életében Borodinnak nem volt ideje befejezni, halála után az operát A. Glazunov és N. Rimszkij-Korszakov fejezte be. A nagyszerű zeneszerző a klasszikus kvartettek és szimfóniák alapítója Oroszországban. A „Bogatyr” szimfónia a világ és az orosz nemzeti-hősi szimfónia koronája. Kiemelkedőnek ítélték a hangszeres kamaranégyes, az Első és a Második Kvartett. Az egyik első, aki az ókori orosz irodalom hős alakjait vezette be a románcokba.
Remek zenészek
Muszorgszkij M.P., akiről elmondható, nagyszerű realista zeneszerző, bátor újító, aki akut társadalmi problémákat érint, nagyszerű zongorista és kiváló énekes. A legjelentősebb zenei alkotások az A.S. drámai műve alapján készült „Borisz Godunov” opera. Puskin és „Khovanshchina” - népzenei dráma, ezeknek az operáknak a főszereplője a különböző társadalmi rétegekből származó lázadó nép; alkotói ciklus „Képek egy kiállításon”, amelyet Hartmann munkái ihlettek.
Glinka M.I. - híres orosz zeneszerző, a klasszikus mozgalom alapítója az orosz zenei kultúrában. Elvégezte az orosz zeneszerzői iskola létrehozásának eljárását, amely a népzene és a professzionális zene értékén alapul. A mester munkáit áthatja a haza iránti szeretet, és tükrözi az adott történelmi kor emberének ideológiai irányultságát. Az „Ivan Susanin” világhírű népdráma és a „Ruslan és Ljudmila” opera-tündérmese az orosz opera új irányzatává vált. Glinka „Kamarinszkaja” és „Spanyol nyitány” szimfonikus művei az orosz szimfonizmus alapjai.
Rimszkij-Korszakov N.A. tehetséges orosz zeneszerző, tengerésztiszt, tanár, publicista. Művében két irányzat követhető nyomon: történelmi („A cár menyasszonya”, „Pszkov asszony”) és mesebeli („Szadko”, „Hólány”, „Scheherazade” szvit). A zeneszerző műveinek megkülönböztető vonása: a klasszikus értékeken alapuló eredetiség, a korai művek harmonikus szerkezetének homofóniája. Kompozíciói a szerző aláírásával bírnak: eredeti zenekari megoldások, szokatlan felépítésű vokális partitúrákkal, amelyek a főbbek.
Az orosz klasszikus zeneszerzők igyekeztek műveikben tükrözni a nemzetre jellemző kognitív gondolkodást és folklórt.
európai kultúra
Híres klasszikus zeneszerzők, Mozart, Haydn, Beethoven az akkori zenei kultúra fővárosában - Bécsben - éltek. A zseniket a mesteri előadás, a kiváló kompozíciós megoldások, a különböző zenei stílusok felhasználása köti össze: a népi dallamoktól a zenei témák többszólamú kidolgozásáig. A nagy klasszikusokat átfogó kreatív szellemi tevékenység, kompetencia és világosság jellemzi a zenei formák felépítésében. Műveikben az értelem és az érzelmek, a tragikus és komikus összetevők, a könnyedség és az óvatosság szervesen összekapcsolódik.
Beethoven és Haydn a hangszeres kompozíciók felé fordult, Mozart mesterien sikerült mind az operai, mind a zenekari kompozíciókban. Beethoven a hősi művek felülmúlhatatlan alkotója volt, Haydn nagyra értékelte és sikeresen alkalmazta munkáiban a humort és a népi műfajokat, Mozart univerzális zeneszerző volt.
Mozart a szonáta hangszeres formájának megalkotója. Beethoven feljavította és felülmúlhatatlan magasságokba emelte. Az időszak a kvartett virágkorának időszaka lett. Haydn, majd Beethoven és Mozart jelentős mértékben hozzájárult e műfaj fejlődéséhez.
Olasz mesterek
Giuseppe Verdi - a 19. század kiemelkedő zenésze, a tradicionális olasz operát fejlesztette ki. Kifogástalan képességekkel rendelkezett. Zeneszerzői tevékenységének csúcspontját az „Il Trovatore”, „La Traviata”, „Othello”, „Aida” operaművek jelentették.
Niccolo Paganini - Nizzában született, a 18. és 19. század egyik zeneileg legtehetségesebb személyisége. A hegedű mestere volt. Szeszélyeket, szonátákat, kvartetteket komponált hegedűre, gitárra, brácsára és csellóra. Versenyműveket írt hegedűre és zenekarra.
Gioachino Rossini - a XIX. Szakrális és kamarazene szerzője, 39 operát komponált. Kiemelkedő alkotások: „A sevillai borbély”, „Othello”, „Hamupipőke”, „A tolvaj szarka”, „Semiramis”.
Antonio Vivaldi a 18. századi hegedűművészet egyik legnagyobb képviselője. Hírnevet szerzett leghíresebb művének - 4 hegedűversenynek, az "Északok" -nak köszönhetően. Elképesztően termékeny alkotó életet élt, 90 operát komponált.
Híres olasz klasszikus zeneszerzők örök zenei örökséget hagytak maguk után. Kantátáik, szonátáik, szerenádjaik, szimfóniáik, operáik több generáció számára is örömet okoznak.
A gyermek zenefelfogásának sajátosságai
A gyermekpszichológusok szerint a jó zenehallgatás pozitív hatással van a gyermek pszicho-érzelmi fejlődésére. A tanárok szerint a jó zene megismerteti az embereket a művészettel, és formálja az esztétikai ízlést.
Sok híres alkotást klasszikus zeneszerzők készítettek gyermekek számára, figyelembe véve pszichológiájukat, felfogásukat és életkori sajátosságaikat, vagyis a hallgatás érdekében, míg mások különféle, füllel jól érzékelhető és technikailag hozzáférhető darabokat alkottak kis előadóknak.
P. I. Csajkovszkij „Gyermekalbuma”. kis zongoristáknak. Ez az album egy dedikáció az unokaöcsémnek, aki szerette a zenét, és nagyon tehetséges gyerek volt. A gyűjtemény több mint 20 darabot tartalmaz, melyek egy része folklóranyagra épül: nápolyi motívumok, orosz tánc, tiroli és francia dallamok. P. I. Csajkovszkij „Gyermekdalok” gyűjteménye. A gyermekek hallási észlelésére tervezték. Optimista hangulatú dalok tavaszról, madarakról, virágzó kertről („Kertem”), Krisztus és Isten iránti együttérzésről („Krisztusnak kertje volt gyermekkorában”).
Gyermek klasszikusok
Sok klasszikus zeneszerző dolgozott gyerekeknek, akiknek a listája igen változatos.
Prokofjev S.S. A „Péter és a farkas” szimfonikus tündérmese gyerekeknek. Ennek a mesének köszönhetően a gyerekek megismerkednek egy szimfonikus zenekar hangszereivel. A mese szövegét maga Prokofjev írta.
Schumann R. A „Gyermekjelenetek” egyszerű cselekményű, felnőtt előadóknak írt, kis zenés történetek, gyermekkori emlékek.
Debussy „Gyermeksarok” című zongoraciklusa.
Ravel M. „Mother Goose” C. Perrault meséi alapján.
Bartok B. „Első lépések a zongoránál.”
Kerékpárok gyerekeknek Gavrilova S. „A kicsiknek”; "A tündérmesék hősei"; – Srácok az állatokról.
Sosztakovics D. „Zongoradarabok albuma gyerekeknek”.
Bakh I.S. – Anna Magdalena Bach kottakönyve. Gyermekeinek zenei tanítása közben speciális darabokat, gyakorlatokat készített számukra a technikai képességek fejlesztésére.
Haydn J. a klasszikus szimfónia ősatyja. Különleges szimfóniát készített „Gyermekek” címmel. A használt hangszerek: agyag csalogány, csörgő, kakukk - szokatlan hangzást adnak, gyerekes és játékos.
Saint-Saëns K. egy zenekarra és 2 zongorára írt fantáziával állt elő „Állatok karneválja” címmel, melyben mesterien közvetítette a csirkekacsintást, az oroszlán ordítását, az elefánt önelégültségét és mozgásmódját, ill. a meghatóan kecses hattyú zenei eszközökkel.
A nagy klasszikus zeneszerzők gyermek- és ifjúsági kompozíciók komponálásakor ügyeltek a mű érdekes történetszálaira, a javasolt anyag hozzáférhetőségére, figyelembe véve az előadó vagy hallgató életkorát.