Bevezetés

1. Kis holland

Holland festőiskola

Műfaji festészet

4. Szimbolizmus. Csendélet

Rembrandt van Rijn

Vermeer Delftből jan

Következtetés

Bevezetés

Az ellenőrzési munka célja:

· A kreatív potenciál fejlesztésében;

· A művészet iránti érdeklődés kialakítása;

· Az ismeretek megszilárdítása, feltöltése.

A holland művészet a 17. században született. Ezt a művészetet függetlennek és függetlennek tekintik, bizonyos formái és jellemzői vannak.

A 17. századig Hollandiának nem voltak saját jelentős művészei a művészetben, mert Flandria államhoz tartozott. Ebben az időszakban azonban kevés művészt ünnepelnek. Ez a művész és metsző Luca Leydensky (1494-1533), Dirk Bouts festő (1415-1475), Skorele művész (1495-1562).

Fokozatosan a különböző iskolák keveredtek, a mesterek elvesztették iskoláik jellegzetes vonásait, a megmaradt holland művészekben pedig megszűnt a nemzeti kreativitás szelleme. Sok különböző és új stílus van kialakulóban. A művészek minden műfajban igyekeznek festeni, egyéni stílust keresve. A műfaji módszereket kitörölték: a történetiség már nem annyira szükséges, mint korábban. Egy új műfaj jön létre - csoportos porterek.

A 17. század elején, amikor Hollandia sorsa dőlt el, III. Fülöp fegyverszünetben állapodott meg Spanyolország és Hollandia között. Forradalomra, politikai vagy katonai helyzetre volt szükség. A függetlenségi harc egyesítette a népet. A háború erősítette a nemzeti szellemet. A Spanyolországgal aláírt szerződések szabadságot adtak Hollandiának. Ez késztette saját és különleges művészet létrehozását, kifejezve a hollandok lényegét.

A holland művészek sajátossága az volt, hogy a legapróbb részletekig valódi képet alkossanak - az érzések és gondolatok megnyilvánulását. Ez a holland iskola alapja. Realisztikus művészetté válik, és a 17. század közepére minden téren csúcsra jut.

Hollandiára jellemző, hogy nemcsak műfajokra, hanem számtalan altípusra is osztanak. Egyes mesterek polgárok és tisztek életéből festenek jeleneteket - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), mások - a paraszti életből - Adrian van Ostade (1610-1685). ), harmadik - jelenetek a tudósok és orvosok életéből - Gerrit Dou (1613-1675); tájfestők - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), erdősarkok ábrázolói - Meindert Hobbema (1638-1609), belső mesterek - Pieter Janssens (1623-1682). Egy-egy műfaj időről időre hagyományossá válik a művészeti iskolákban. Például az úgynevezett „reggeli” harlemi csendéletfestői - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

A művészek az emberi viselkedés erkölcseit és szokásait, etikai és erkölcsi normáit mutatják be. Gyakran ábrázolják a családi eseményeket. A tájfestők és csendéletfestők a szabadban közvetítik a fényt, és mesterien ábrázolják zárt térben a tárgyak textúráját. A háztartási festészet Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624) révén a csúcson van.

1. Kis holland

A kis hollandok a 17. századi művészcsoport, amely „egyesíti” a kisméretű tájképek és a hétköznapi zsánerképek festőit (innen a név). Az ilyen festményeket a lakóépületek szerény belsejébe szánták. Városiak és parasztok vásárolták őket. Az ilyen festményeket a kép komfortérzete, a részletek finomsága, az ember és a belső tér közötti közelség jellemzi.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. és S. van Ruisdael (1628-1682) és (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) stb. Általában mindegyik specializálódott , egy adott műfajban. A „kis hollandok” folytatták a reneszánsz holland mestereinek hagyományait, akik szerint a művészetnek nemcsak örömet kell okoznia, hanem az értékekre is emlékeztetnie kell.

A művészek kreativitása 3 csoportra osztható:

1630-as évek - a realizmus meghonosodása a nemzeti festészetben (a vezető művészeti központ Haarlem volt, fontos tényező F. Hals hatása);

1640-1660-as évek - a művészeti iskola virágzása (a művészet központja Amszterdamba költözik, más városokból vonzza a művészeket, Rembrandt hatása aktuálissá válik<#"justify">2. Holland festőiskola

Háromnegyed évszázadon át folytatódott a művészet felemelkedése Hollandia északi részén, az Egyesült Tartományok köztársaságában, Hollandiában. 1609-ben ez a köztársaság állami státuszt kapott. Itt polgári állam alakult ki.

Caravaggio (1571-1610) olasz művésznek jelentős szerepe volt a reneszánsz festészetben. Festményeit nagyon valósághűen festette, a tárgyak és figurák magas chiaroscuro technikájúak voltak.

Sok művész volt, és kis városokban éltek: Haarlemben, Delftben, Leidenben. E városok mindegyike saját iskolát alakított ki saját műfaji témáival, de Amszterdam játszotta a legfontosabb szerepet a holland művészet fejlődésében.

3. Műfaji festészet

Hollandiában a táj műfaj népszerűsége mellett újak jelennek meg: marina - tengeri táj, városi táj - veduta, állatképek - állatfestés. Pieter Bruegel munkái jelentős hatást gyakoroltak a tájképre (1525-1529). A hollandok saját maguk festették meg szülőföldjük természetének egyedi szépségét. A 17. században a holland festőiskola Európa egyik vezető festőiskolája lett. Az emberek környezete a művészek ihletforrásává vált. Az akkori művészetben a reneszánszban megkezdődött műfaji rendszer kialakítása befejeződött. A művészek portrékon, hétköznapi festményeken, tájképeken és csendéleteken adták át benyomásaikat a természetről és a mindennapi életről. A mindennapi festészet műfaja új koncepciót kapott - a műfaji festészet. A hétköznapi műfaj két változatban fejlődött ki - paraszti és polgári (városi) műfajban. A zsánerképek egy magánember életét ábrázolták: mulatozók mulatozását, gazdasági tevékenységet, zenélést. A művészek odafigyeltek a megjelenésre, a pózokra és a jelmezekre. A kényelem részévé váltak a tárgyak: mahagóni asztal, gardrób, bőrrel kárpitozott fotel, sötét üveg dekanter és üveg, gyümölcs. Ez a műfaj a különböző osztályokhoz tartozó emberek viselkedését és kommunikációját tükrözte.

Garard Dow munkái akkoriban nagyon népszerűek voltak. Szerény jeleneteket fest a kispolgárság életéből. Gyakran idős nőket ábrázol, akik forgó keréknél ülnek vagy olvasnak. Dow nyilvánvaló tendenciája, hogy kis képein tárgyak felületét ábrázolja – szövetmintákat, ráncokat a régi arcokon, halpikkelyeket stb.

De a műfaji festészet fejlődésen ment keresztül. Újjáalakulásának időszakában a kikapcsolódás, szórakozás, a tiszti élet jelenetei témájú történeteket terjesztettek. Az ilyen képeket „reggelinek”, „banketnek”, „társaságnak”, „koncertnek” nevezték. Ezt a festményt a színek változatossága és az örömteli tónusok különböztették meg. Az eredeti műfaj a „reggeli” volt. Ez a csendélet egy olyan típusa, amelyben edények és különféle ételek ábrázolásán keresztül közvetítik tulajdonosaik jellemét.

A hétköznapi műfaj a holland iskola legsajátosabb és legeredetibb jelensége, amely a magánember mindennapjait nyitotta meg a világművészet előtt.

Jan Steen a művészet műfaji témájában is írt. Humorral vette tudomásul a mindennapi élet részleteit és az emberek közötti kapcsolatokat. A „Revelers” című festményen a művész maga néz vidáman és ravaszul a nézőre, aki egy vidám lakoma után elaludt felesége mellett ül. A filmben pedig a szereplők arckifejezésein és gesztusain keresztül Jan Steen ügyesen tárja fel egy képzeletbeli betegség cselekményét.

A 30-as évek elejére befejeződött a holland műfaji festészet kialakulása. A műfaji festészet társadalmi szempontok szerint tagolódott: témák a polgárság életéből, jelenetek a parasztok és a városi szegények életéből.

Az egyik híres művész, aki a „paraszt műfajban” festett, Adrian van Ostad volt. A kreativitás korai szakaszában a parasztok ábrázolása komikus volt. Így a képen a kemény fénnyel megvilágított harcosok nem élő embereknek, hanem báboknak tűnnek. A hideg és meleg színek párhuzamba állítása, az éles fénykontrasztok álarcokat hoznak létre haragos érzelmekkel az arcukon.

Később a művész nyugodtabb témájú képeket fest, az embert szokásos tevékenységei közben, leggyakrabban a pihenés pillanataiban ábrázolja. Például a „Faluzenészek” belső festmény. Ostade a „zenészek” koncentrációját közvetíti, finom humorral ábrázolva a gyerekeket, akik az ablakon keresztül figyelik őket. Adrian testvére, Isaac van Ostade, aki korán meghalt, szintén a „paraszt műfajban” dolgozott. A holland vidéki életet ábrázolta. A „Téli kilátás” festmény egy tipikus tájat mutat be, a föld felett szürke égbolttal, egy befagyott folyóval, melynek partján egy falu található.

A 17. század 50-60-as éveiben a zsánerfestmények témái beszűkültek, szerkezetük megváltozott. Nyugodtabbá, líraibbá, megfontoltabbá válnak. Ezt a szakaszt olyan művészek munkái képviselik, mint: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Műveiket a holland burzsoázia életének idealizált képe jellemzi. Így Pieter Janssens „Szoba egy holland házban” című belső festménye egy hangulatos, napfénnyel teli szobát ábrázol, ahol napsugarak játszanak a padlón és a falakon. A kompozícióválasztás az ember és környezete egységét hangsúlyozza.

A holland zsánerfestők az ember belső világát igyekeztek tükrözni műveikben. A rendszeresen előforduló helyzetekben élményvilágot tudtak megmutatni. Így Gerard Terborch az „Egy pohár limonádé” című filmben a gesztusok, kézérintések, szemkontaktus finom nyelvezetét ábrázolta, amely a szereplők közötti érzések és kapcsolatok egész sorát tárja fel.

A valóság újrateremtésében a finomságot és az őszinteséget holland mesterek ötvözték a feltűnő és mindennapi szépséggel. Ez a tulajdonság a csendéletben világosabban megnyilvánult. A hollandok "stilleven"-nek nevezték. Ebben a felfogásban a mesterek az élettelen tárgyakban rejtett életet láttak, amely az ember életéhez, életmódjához, szokásaihoz és ízléséhez kapcsolódik. A holland festők a természetes „rendetlenség” benyomását keltették a dolgok elrendezésében: mutattak egy felvágott lepényt, egy hámozott citromot spirálban lógó héjjal, egy befejezetlen pohár bort, egy égő gyertyát, egy nyitott könyvet - mindig úgy tűnik hogy valaki megérintette ezeket a tárgyakat, csak hogy használták őket, érezhető az ember láthatatlan jelenléte.

A 17. század első felében a holland csendélet vezető mesterei Pieter Claes voltak 1és Willem Hed. Csendéleteik kedvenc témája az úgynevezett „reggeli”. V. Kheda „Reggeli homárral” című művében (melléklet; 16. ábra) a legváltozatosabb formájú és anyagú tárgyak - kávéskanna, pohár, citrom, ezüsttányér. Az objektumok úgy vannak elrendezve, hogy megmutassák mindegyik vonzerejét és különlegességét. Különféle technikák segítségével a Heda tökéletesen átadja az anyagot és a textúra sajátosságait; Így a fény tükröződése eltérően játszik az üveg és a fém felületén. A kompozíció minden elemét a fény és a szín egyesíti. P. Klass „Csendélet gyertyával” című művében nemcsak a tárgyak anyagi tulajdonságainak visszaadásának pontossága figyelemre méltó, hanem a kompozíció és a megvilágítás is nagyszerű érzelmi kifejezőerőt ad nekik. Klass és Kheda csendéletei hasonlóak egymáshoz - a meghittség és a kényelem, a nyugalom hangulata egy polgári ház életében, ahol jólét uralkodik. A csendélet a holland művészet egyik fontos témájának tekinthető - a magánszemély életének témája. Fő döntését egy műfaji filmben hozta meg.

Szimbolizmus. Csendélet

A holland csendéletben minden tárgy szimbolikus. A 18. század folyamán megjelent gyűjtemények<#"justify">o a váza közelében morzsolt szirmok a törékenység jelei;

o az elszáradt virág az érzések eltűnését jelzi;

o az íriszek Szűz Mária jele;

o a piros virágok Krisztus engesztelő áldozatának jelképei;

o A fehér liliom nemcsak gyönyörű virág, hanem Szűz Mária tisztaságának jelképe is;

o szegfű - Krisztus kiontott vérének szimbóluma;

o fehér tulipán - hamis szerelem.

o gránátalma - a feltámadás szimbóluma, a tisztaság szimbóluma;

o alma, őszibarack, narancs a bukásra emlékeztetett;

o a pohárban vagy kancsóban lévő bor Krisztus áldozati vérét képviselte;

o olajbogyó - a béke szimbóluma;

o a rothadt gyümölcsök az öregedés szimbóluma;

o búzakalász, borostyán - az újjászületés és az életciklus szimbóluma.

o az üveg a törékenység szimbóluma;

o porcelán - tisztaság;

o az üveg a bűn és a részegség szimbóluma;

o a törött edények a halál szimbóluma;

o a felfordított vagy üres üveg ürességet jelent;

o kés - az árulás jelképe;

o az ezüst edények a gazdagság megszemélyesítői.

o homokóra - emlékeztető az élet mulandóságára;

o koponya - emlékeztető a halál elkerülhetetlenségére;

o búzakalászok - az újjászületés és az életciklus szimbólumai;

o a kenyér az Úr testének jelképe;

o a fegyverek és a páncélok a hatalom és a hatalom szimbólumai, annak megjelölése, amit nem vihetünk magunkkal a sírba;

o kulcsok - a hatalmat szimbolizálják;

o a füstölgő pipa a mulandó és megfoghatatlan földi örömök jelképe;

o karneváli maszk - egy személy hiányának jele; felelőtlen öröm;

o a tükrök, az üveggolyók a hiúság szimbólumai, a tükröződés, az irrealitás jele.

A holland realista táj alapjai a 17. század elején alakultak ki. A művészek kedvenc természetüket dűnékkel és csatornákkal, házakkal és falvakkal ábrázolták. Igyekeztek ábrázolni a táj nemzetiségét, a levegő hangulatát és az évszak jellegzetességeit. A mesterek egyre inkább alárendelték a kép minden összetevőjét egyetlen hangnak. Élénk színérzékük volt, és ügyesen közvetítették az átmeneteket a fényről az árnyékra, a tónusról a tónusra.

A holland realista táj legnagyobb képviselője Jan van Goyen (1596-1656). Leidenben és Hágában dolgozott. A művész előszeretettel ábrázolta a völgyeket és a folyók vízfelületét kis méretű vásznakon. Goyen sok helyet hagyott az égnek a felhőkkel. Ez a „Kilátás a Waal folyóra Nijmegen közelében” című festmény, amelyet finom barna-szürke színskálával terveztek.

Később megváltozik a tájak jellegzetes lényege. Kicsit szélesebbé, érzelmesebbé válik. A sajátosság ugyanaz marad - visszafogott, de a hangok mélységet szereznek.

A tájstílus minden új vonása Jacob van Ruisdael (1629-1682) festményein testesült meg. A fák és bokrok terjedelmesnek ábrázolása azt az érzést keltette, hogy előtérbe kerülnek és egyre erősebbek lesznek. Ruisdael kiváló perspektíva érzékkel, ügyesen közvetítette Hollandia széles síkságait és környékét. A hangszín és a világítás megválasztása a fókuszt idézi. Ruisdael is szerette a romokat mint dekorációs részleteket, amelyek a pusztulásról és a földi lét gyarlóságáról beszélnek. A "zsidó temető" egy elhanyagolt terület. Ruisdael nem járt sikerrel a maga idejében. Festményeinek realizmusa nem felelt meg a társadalom ízlésének. A ma már méltán világhírnévnek örvendő művész szegény emberként halt meg egy harlemi alamizsnában.

Portréfestés. Frans Hals

Az egyik nagy holland művész Frans Hals volt (1580-1666 körül). A 17. században született Antwerpenben. Nagyon fiatal művészként Haarlembe került, ahol felnőtt, és Karel Van Mander iskolájának stílusában alakult. Haarlem büszke volt művészére, és kiváló vendégeket hoztak műtermébe - Rubenst és Van Dycket.

Hals szinte kizárólag portréfestő volt, de művészete nemcsak a holland portréművészetnek, hanem más műfajok kialakulásának is sokat jelentett. Hals munkáiban a portrékompozíciók három típusa különböztethető meg: csoportportré, megrendelt egyéni portré és speciális, a műfajfestészethez hasonló jellegű portréképek.

Hals 1616-ban megfestette „A Szent György Lövészezred százada tiszteinek lakomáját”, amelyben teljesen szakított a csoportos portás hagyományos mintájával. Azzal, hogy egy nagyon eleven alkotást alkotott, a szereplőket csoportokba egyesítette, és különféle pózokat adott nekik, úgy tűnt, a portréművészetet egyesítette a zsánerfestészettel. A munka sikeres volt, a művészt elárasztották a megrendelések.

Szereplői természetesen és szabadon állnak a portrén, testtartásuk, gesztusaik instabilnak tűnnek, arckifejezésük hamarosan megváltozik. Hals kreatív modorának legfigyelemreméltóbb jellemzője az a képesség, hogy egyéni arckifejezésekkel és gesztusokkal karaktert közvetítsen, mintha repülés közben elkapták volna - „Vidám ivótárs”, „Mulatto”, „Mosolygó tiszt”. A művész szerette a dinamikus érzelmi állapotokat. De ebben a pillanatban, amikor Hals megörökítette, a leglényegesebb, a „cigány”-kép magja, a „Malle Baba” mindig megragad.

A 30-as, 40-es évek legvégéről készült Hals képein azonban feltűnik a Willem Heythuisen-portré szereplőitől idegen megfontoltság és szomorúság, s olykor enyhe irónia is átsiklik a művész hozzáállásán. Az élet és az ember ujjongó elfogadása fokozatosan eltűnik a khalsa művészetből.

Fordulópontok jöttek a Khalsa festészetben. Hals 50-es, 60-as években festett portréin a karakterisztika elmélyült elsajátítása új belső jelentéssel párosul. A néhai Hals egyik legerősebb alkotása egy férfi portréja a New York-i Metropolitan Museum of Artból (1650-1652). A portré kompozíciója a figura generációs képe, tiszta frontba állítása, közvetlenül a nézőre irányuló tekintet, a személyiség jelentősége érződik. A férfi testtartása hideg tekintélyről és arrogáns megvetésről árulkodik mindenki iránt. Az önbecsülés hatalmas ambícióval párosul benne. Ugyanakkor a tekintetben váratlanul megakad a csalódottság árnyalata, mintha ebben az emberben a múlt miatti sajnálkozás lappangna - fiatalsága és nemzedékének fiatalsága miatt, akiknek eszméi feledésbe merültek, életösztönzői elhalványultak.

Hals 50-es és 60-as évekbeli portréi sokat elárulnak az akkori holland valóságról. A művész hosszú életet élt, és tanúja volt a holland társadalom elfajulásának és demokratikus szellemének eltűnésének. Nem véletlen, hogy a khalsa művészet most kimegy a divatból. Hals kései munkái érzékenyen tükrözik a mestertől oly idegen korszellemet, de kihallani bennük saját csalódottságát is a környező valóságban. Ezeknek az éveknek egyes alkotásaiban az egykori dicsőségét vesztett, életútja végét már látott idős művész személyes érzéseinek visszhangja ragadja meg.

Hals két évvel halála előtt, 1664-ben portrékat festett a haarlemi idősek otthona régenseiről és régenseiről (vagyonkezelőiről).

A "Regentsek portréjában" mindenkit a csalódás és a végzet érzése egyesít. A régensekben nincs életerő, mint a Hals korai csoportportréiban. Mindenki magányos, mindenki önmagában létezik. A fekete tónusok vöröses-rózsaszín foltokkal tragikus hangulatot teremtenek.

„A régensek portréja” más érzelmi kulcsban dől el. Az érzéketlen, együttérzést nem ismerő öregasszonyok szinte mozdulatlan pózában érezhető a mester tekintélye, ugyanakkor mély depresszió él mindannyiukban, a tehetetlenség és a kétségbeesés érzése a közelgő halállal szemben.

Hals élete végéig megőrizte tudásának tévedhetetlenségét, és a nyolcvanéves festő művészete belátásra és erőre kapott.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt (1606-1669) a holland festészet aranykorának legnagyobb képviselője. Leidenben született 1606-ban. A művész Amszterdamba költözött, ahol Pieter Lastman műhelyébe költözött, majd visszatért Leidenbe, ahol 1625-ben önálló alkotói életet kezdett. 1631-ben Rembrandt végül Amszterdamba költözött, és a mester élete hátralévő része ehhez a városhoz kötődött.

Rembrandt munkásságát áthatja az élet és az ember belső világának filozófiai megértése. Ez a 17. századi holland művészet fejlődésének csúcsa. Rembrandt művészeti örökségét számos műfaj jellemzi. Festett portrékat, csendéleteket, tájképeket, műfaji jeleneteket, történelmi, bibliai és mitológiai témájú festményeket. De a művész munkássága élete utolsó éveiben érte el legnagyobb mélységét. Az Uffiziben három műve található a nagy mestertől. Ez egy fiatalkori önarckép, egy időskori önarckép, egy idős ember (rabbi) portréja. Sok későbbi munkájában a művész a vászon teljes felületét sötétségbe borítja, ezzel a néző figyelmét összpontosítva. az arcon.

Rembrandt így ábrázolta magát 23 évesen.

Az Amszterdamba költözés időszakát Rembrandt kreatív életrajzában számos férfi és női vázlat megalkotása fémjelezte. . Ezekben feltárja az egyes modellek egyediségét, arckifejezéseit. Ezek a kis alkotások később Rembrandt arcképfestő igazi iskolájává váltak. Pontosan portré Az akkori festészet lehetővé tette a művész számára, hogy megrendeléseket vonzzon a gazdag amszterdami polgároktól és ezzel kereskedelmi sikereket érjenek el.

A művész 1653-ban, anyagi nehézségekkel küzdve, szinte teljes vagyonát fiára, Titusra ruházta, majd 1656-ban csődöt jelentett. Házának és ingatlanának eladása után a művész Amszterdam külvárosába, a zsidó negyedbe költözött, ahol élete hátralévő részét töltötte. Azokban az években a legközelebb álló személy nyilván Titus volt, mert képei vannak a legtöbben. Titus 1668-ban bekövetkezett halála a sors egyik utolsó csapása volt a művész számára; ő maga egy év múlva meghalt. "Máté és az angyal" (1661). Talán Titus volt az angyal mintája.

Rembrandt életének utolsó két évtizede portréfestői készségeinek csúcsává vált. A modellek a művész társai (Nicholas Breuning , 1652; Gerard de Lairesse , 1665; Jeremias de Dekker , 1666), katonák, öregek és asszonyok – mindazok, akik a szerzőhöz hasonlóan évekig tartó fájdalmas megpróbáltatásokon mentek keresztül. Arcukat és kezüket belső lelki fény világítja meg. A művész belső fejlődését önarcképek sorozata közvetíti, legbensőbb élményeinek világát tárva a néző elé. Az önarcképsorozatot bölcs apostolok képei kísérik . Az apostol arcán magának a művésznek a vonásai is felismerhetők.

7. Vermeer delfti jan

Holland művészeti festészet csendélet

Vermeer of Delft Jan (1632-1675) - holland festő, a holland műfaj és tájfestészet legnagyobb mestere. Vermeer Delftben dolgozott. Művészként Karel Fabritius hatása alatt fejlődött, aki tragikusan meghalt egy lőporraktár felrobbanásakor.

Vermeer korai festményeinek fenséges képei vannak ( Krisztus Mártával és Máriával ). Vermeer munkásságát erősen befolyásolta a műfajfestészet mesterének, Pieter de Hoochnak a munkája. A festő stílusát Vermeer festményei továbbfejlesztették.

Az 50-es évek második felétől Vermeer kis festményeket festett egy vagy több figurával egy házbelső ezüstös fényében ( Lány levéllel Szobalány egy kancsó tejjel ). Az 50-es évek végén Vermeer a tájfestészet két remekművét alkotta meg: egy lelkes festményt utca csillogó, friss, tiszta, színekkel és festményekkel Kilátás Delft városára . A 60-as években Vermeer munkája kifinomultabbá vált, festészete hidegebbé vált. ( Lány gyöngy fülbevalóval).

A 60-as évek végén a művész gyakran ábrázolt gazdagon berendezett szobákat, ahol hölgyek és urak zenéltek és gáláns beszélgetéseket folytattak.

Vermeer életének utolsó éveiben anyagi helyzete nagyon megromlott. A festmények iránti kereslet erősen visszaesett, a festő kénytelen volt hitelt felvenni tizenegy gyermek és más családtagok étkeztetésére. Ez valószínűleg felgyorsította a halál közeledtét. Nem ismert, hogy mi történt – heveny betegség, vagy pénzügyi eredetű depresszió, de Vermeert 1675-ben temették el a családi kriptában Delftben.

Vermeer halála utáni egyéni művészetét kortársai nem értékelték. Az iránta való érdeklődés csak a 19. században éledt meg, köszönhetően Etienne Théophile Thoré művészetkritikus és művészettörténész munkásságának, aki Vermeert „felfedezte” a nagyközönség számára.

Következtetés

A valósághoz való vonzódás hozzájárult a holland művészet művészi lehetőségeinek bővítéséhez, és gazdagította műfaji témáját. Ha a 17. századig az európai képzőművészetben nagy jelentőséggel bírtak a bibliai és mitológiai témák, más műfajok pedig gyengén fejlődtek, akkor a holland művészetben drámaian megváltozik a műfajok viszonya. Emelkedett az olyan műfajok száma, mint: hétköznapi élet, portré, tájkép, csendélet. Maguk a bibliai és mitológiai témák a holland művészetben nagyrészt elveszítik korábbi megtestesülési formáikat, és mára mindennapi festményekként értelmezik őket.

Minden vívmánya ellenére a holland művészet bizonyos korlátoltságokat is hordozott – a témák és motívumok szűk körét. Egy másik hátrány: csak néhány mester kereste mély alapját a jelenségekben.

De sok kompozíciós festményen és portrén a képek a legmélyebb természetűek, a tájak pedig az igazi és valóságos természetet mutatják. Ez a holland művészet sajátos jellemzője lett. Így a festők nagy áttörést értek el a művészetben azáltal, hogy elsajátították az ember belső világáról és élményeiről alkotott képfestés nehéz és összetett készségeit.

A teszt alkalmat adott arra, hogy próbára tegyem kreatív képességeimet, kiegészítsem elméleti tudásomat, és többet megtudjak holland művészekről és műveikről.

Korrepetálás

Segítségre van szüksége egy téma tanulmányozásához?

Szakértőink tanácsot adnak vagy oktatói szolgáltatásokat nyújtanak az Önt érdeklő témákban.
Nyújtsa be jelentkezését a téma megjelölésével, hogy tájékozódjon a konzultáció lehetőségéről.

Hollandia. 17. század Az ország példátlan jólétet él át. Az úgynevezett "aranykor". A 16. század végén az ország több tartománya kivívta függetlenségét Spanyolországtól.

Most a protestáns Hollandia a saját útját járta. A Spanyolország szárnya alatt álló katolikus Flandria (a mai Belgium) pedig a sajátja.

A független Hollandiában szinte senkinek sem volt szüksége vallásos festészetre. A protestáns egyház nem fogadta el a luxus dekorációt. De ez a körülmény a világi festészet „kezére játszott”.

Szó szerint az új ország minden lakója felébredt, hogy megszerette ezt a fajta művészetet. A hollandok saját életüket akarták látni a festményeken. A művészek pedig készségesen találkoztak velük félúton.

Soha korábban nem ábrázolták ennyire a környező valóságot. Hétköznapi emberek, hétköznapi szobák és a városlakó leghétköznapibb reggelije.

A realizmus virágzott. A 20. századig méltó vetélytársa lesz az akadémizmusnak nimfáival és görög istennőivel.

Ezeket a művészeket "kis" hollandoknak hívják. Miért? A festmények kis méretűek voltak, mert kis házakhoz készültek. Így Jan Vermeer szinte minden festménye nem haladja meg a fél métert.

De a másik verzió jobban tetszik. Hollandiában a 17. században élt és dolgozott egy nagy mester, a „nagy” holland. És mindenki más „kicsi” volt hozzá képest.

Természetesen Rembrandtról beszélünk. Kezdjük vele.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Önarckép 63 évesen. 1669 London National Gallery

Rembrandt érzelmek széles skáláját élte át élete során. Ezért van olyan sok móka és bravúr korai munkáiban. És nagyon sok összetett érzés van – a későbbiekben.

Itt fiatal és gondtalan „A tékozló fiú a kocsmában” című festményen. Térden áll szeretett felesége, Saskia. Népszerű művész. Zuhannak a megrendelések.

Rembrandt. A tékozló fiú egy kocsmában. 1635 Old Masters Gallery, Drezda

De mindez körülbelül 10 éven belül eltűnik. Saskia belehal a fogyasztásba. A népszerűség eltűnik, mint a füst. Egyedi gyűjteménnyel rendelkező nagy házat elviszik a tartozásokért.

De ugyanaz a Rembrandt jelenik meg, aki évszázadokra megmarad. A hősök csupasz érzései. A legmélyebb gondolataik.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Önarckép. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals minden idők egyik legnagyobb portréfestője. Ezért én is a „nagy” hollandok közé sorolnám.

Hollandiában akkoriban szokás volt csoportportrékat rendelni. Így jelent meg sok hasonló alkotás, amelyek együtt dolgozó embereket ábrázolnak: egy céh lövészeit, egy város orvosait, egy idősek otthonának vezetőit.

Ebben a műfajban Hals tűnik ki leginkább. Végül is ezeknek a portréknak a többsége kártyapaklinak tűnt. Az emberek ugyanolyan arckifejezéssel ülnek az asztalnál, és csak néznek. Hals esetében más volt a helyzet.

Nézze meg csoportportréját „A Szent Péter céh nyilai. György."

Frans Hals. A Szent Céh nyilai. György. 1627 Frans Hals Múzeum, Haarlem, Hollandia

Itt nem találsz egyetlen ismétlést sem pózban, sem arckifejezésben. Ugyanakkor itt nincs káosz. Sok szereplő van, de senki sem tűnik fölöslegesnek. A figurák elképesztően helyes elrendezésének köszönhetően.

Hals még egyetlen portréban is felülmúlta sok művészt. A mintái természetesek. Festményein a felsőbb rétegekből származó emberek nélkülözik a mesterkélt nagyságot, és az alsóbb osztályok modelljei nem tűnnek megalázottnak.

És a karakterei is nagyon érzelmesek: mosolyognak, nevetnek, gesztikulálnak. Mint például ez a sunyi tekintetű „cigány”.

Frans Hals. Cigány. 1625-1630

Hals, akárcsak Rembrandt, szegénységben vetett véget életének. Ugyan azért az okért. Realizmusa ellentmondott vásárlói ízlésének. Akik azt akarták, hogy a megjelenésük ékes legyen. Hals nem fogadta el a nyílt hízelgést, és ezzel aláírta saját mondatát: „Oblivion”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Önarckép. 1668 Royal Gallery Mauritshuis, Hága, Hollandia

Terborkh a mindennapi műfaj mestere volt. Gazdag és nem túl gazdag polgárok lazán beszélgetnek, a hölgyek leveleket olvasnak, és egy prokurátor figyeli az udvarlást. Két vagy három egymáshoz közel álló figura.

Ez a mester volt az, aki kidolgozta a mindennapi műfaj kánonjait. Amit később Jan Vermeer, Pieter de Hooch és sok más „kis” holland vett kölcsön.

Gerard Terborch. Egy pohár limonádét. 1660-as évek. Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár

Az "Egy pohár limonádé" Terborch egyik híres műve. Ez a művész másik előnyét mutatja. Hihetetlenül valósághű kép a ruhaszövetről.

Terborchnak is vannak szokatlan művei. Ez sokat mond arról, hogy túl akar lépni az ügyfelek igényein.

"The Grinder" című műve Hollandia legszegényebb embereinek életét mutatja be. Megszoktuk, hogy a „kis” hollandok festményein hangulatos udvarokat és tiszta szobákat látunk. De Terborch meg merte mutatni a csúnya Hollandiát.

Gerard Terborch. Őrlőgép. 1653-1655 Berlini Állami Múzeumok

Mint érti, az ilyen munkákra nem volt kereslet. És még Terborch között is ritka előfordulás.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Művész műhely. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Bécs

Nem tudni biztosan, hogyan nézett ki Jan Vermeer. Nyilvánvaló, hogy a „Művész műhelye” című képen önmagát ábrázolta. Az igazság hátulról.

Ezért meglepő, hogy a közelmúltban egy új tény vált ismertté a mester életéből. A Delft Street remekművéhez kapcsolódik.

Jan Vermeer. Delft utca. 1657 Rijksmuseum Amszterdamban

Kiderült, hogy Vermeer gyermekkorát ebben az utcában töltötte. A képen látható ház a nagynénjé volt. Ott nevelte fel öt gyermekét. Talán a küszöbön ül és varr, miközben két gyermeke a járdán játszik. Maga Vermeer a szemközti házban lakott.

De gyakrabban ábrázolta e házak belsejét és lakóikat. Úgy tűnik, hogy a festmények cselekményei nagyon egyszerűek. Itt van egy csinos hölgy, egy gazdag városlakó, aki a mérlege működését ellenőrzi.

Jan Vermeer. Nő mérleggel. 1662-1663 National Gallery of Art, Washington

Miért tűnt ki Vermeer több ezer más „kis” holland közül?

A fény felülmúlhatatlan mestere volt. A „Mérleges nő” festményen a fény lágyan beborítja a hősnő arcát, szöveteit és falait. Ismeretlen szellemiséget adva a képnek.

Vermeer festményeinek kompozícióit pedig gondosan ellenőrzik. Egyetlen felesleges részletet sem fog találni. Elég eltávolítani az egyiket, a kép „szétszakad”, és a varázslat eltűnik.

Vermeernek mindez nem volt könnyű. Ez a csodálatos minőség alapos munkát igényelt. Évente csak 2-3 festmény. Ennek eredményeként képtelenség táplálni a családot. Vermeer műkereskedőként is dolgozott, más művészek műveit árusítva.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Önarckép. 1648-1649 Rijksmuseum, Amszterdam

Hochot gyakran Vermeerhez hasonlítják. Egyszerre dolgoztak, még egy városban is volt időszak. És egy műfajban - mindennapi. Hochban is látunk egy-két figurát hangulatos holland udvarokban vagy szobákban.

A nyitott ajtók és ablakok rétegessé, szórakoztatóvá teszik festményeinek terét. A figurák pedig nagyon harmonikusan illeszkednek ebbe a térbe. Mint például a „Lány lánnyal az udvaron” című festményén.

Pieter de Hooch. Egy szobalány egy lánnyal az udvaron. 1658 London National Gallery

A 20. századig Hoch nagyra értékelték. De kevesen vették észre versenytársa, Vermeer apró munkáit.

De a 20. században minden megváltozott. Hoch dicsősége elhalványult. A festészetben elért eredményeit azonban nehéz nem elismerni. Kevés ember tudja ilyen hozzáértően ötvözni a környezetet és az embereket.

Pieter de Hooch. Kártyajátékosok egy napsütötte szobában. 1658 Royal Art Collection, London

Felhívjuk figyelmét, hogy egy szerény házban a „Kártyajátszók” vásznon egy festmény lóg egy drága keretben.

Ez ismét megmutatja, milyen népszerű volt a festészet a hétköznapi holland emberek körében. Festmények díszítettek minden otthont: egy gazdag polgár, egy szerény városlakó, de még egy paraszt házát is.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Önarckép lanttal. 1670-es évek Thyssen-Bornemisza Múzeum, Madrid

Jan Steen talán a legvidámabb „kis” holland. De szerető erkölcsi tanítás. Gyakran ábrázolt kocsmákat vagy szegényházakat, amelyekben gonoszság volt.

Főszereplői mulatozók és könnyű erényű hölgyek. Szórakoztatni akarta a nézőt, de látensen óva intette a gonosz élettől.

Jan Steen. Ez egy rendetlenség. 1663 Kunsthistorisches Museum, Bécs

Stennek halkabb munkái is vannak. Mint például a „Reggeli WC”. De a művész itt is túl árulkodó részletekkel lepi meg a nézőt. Harisnyagumi nyomai vannak rajta, és nem üres kamraedény. És valahogy egyáltalán nem illik a kutyának közvetlenül a párnán feküdni.

Jan Steen. Reggeli WC. 1661-1665 Rijksmuseum, Amszterdam

De minden komolytalanság ellenére Sten színsémái nagyon professzionálisak. Ebben felülmúlta sok „kis hollandot”. Nézd meg, milyen tökéletesen passzol a piros harisnya a kék kabáthoz és az élénk bézs szőnyeghez.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Ruisdael portréja. Litográfia egy 19. századi könyvből.

A 17. század első éveit tekintik a holland iskola születésének. Ez az iskola a festészet nagy iskoláihoz tartozik, és független és független iskola, egyedi és utánozhatatlan jellegzetességekkel és identitással.

Ennek nagyrészt történelmi magyarázata van – egyszerre jött létre a művészet új mozgalma és egy új állapot Európa térképén.

Hollandia egészen a 17. századig nem tűnt ki a nemzeti művészek bőségével. Talán ez az oka annak, hogy a jövőben ebben az országban ekkora számú művészre számíthatunk, különösen holland művészekre. Míg ez az ország egy állam volt Flandriával, az eredeti művészeti mozgalmak elsősorban Flandriában jöttek létre és fejlődtek ki intenzíven. Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden kiváló festők, akikhez hasonlókat Hollandiában nem találtak, Flandriában dolgoztak. A 16. század elején a festészetben csak elszigetelt kitörések figyelhetők meg, ez a művész és metsző Leideni Lukács, aki a bruges-i iskola követője. De Leideni Lukács nem hozott létre semmilyen iskolát. Ugyanez mondható el a haarlemi Dirk Bouts festőművészről, akinek alkotásai aligha tűnnek ki a flamand iskola eredetének stílusa és modora mögött, Mostert, Skorel és Heemskerke művészekről, akik minden jelentőségük ellenére nem egyéni tehetségek jellemzik őket eredetiségükkel.

Aztán az olasz hatás mindenkire kiterjedt, aki ecsettel alkotott – Antwerpentől Haarlemig. Ez volt az egyik oka annak, hogy elmosódtak a határok, keveredtek az iskolák, és a művészek elvesztették nemzeti identitásukat. Jan Skorel egyetlen tanítványa sem maradt életben. Az utolsó, a leghíresebb, a legnagyobb portréfestő, aki Rembrandttal együtt Hollandia büszkesége, hatalmas tehetséggel megajándékozott, kiválóan képzett, változatos stílusú, bátor és hajlékony természetű, mindent elvesztett kozmopolita művész. származásának nyomai, sőt neve is – Antonis Moreau , (a spanyol király hivatalos festője volt) 1588 után halt meg.

Az életben maradt festők munkájuk szellemében szinte megszűntek hollandok lenni, hiányzott belőlük a nemzeti iskola megújításához szükséges szervezettség és képesség. Ezek a holland modor képviselői voltak: Hendrik Goltzius metsző, Michelangelót utánzó haarlemi Cornelis, Abraham Bloemaert, Correggio követője, Michiel Mierevelt, jó portréművész, ügyes, precíz, lakonikus, kicsit hideg, korához képest modern. , de nem nemzeti. Érdekes, hogy egyedül ő nem engedett az olasz hatásnak, amely a legtöbb megnyilvánulást maga alá gyűrte Hollandia akkori festészetében.

A 16. század végén, amikor a portréfestők már iskolát hoztak létre, más művészek kezdtek megjelenni és formálódni. A 16. század második felében nagy számban születtek olyan festők, akik a festészetben jelenséggé váltak, ez volt a holland nemzeti iskola ébredése. A tehetségek sokfélesége a festészet sokféle fejlődési irányába és fejlődési útjába vezet. A művészek minden műfajban, különböző színvilágban próbára teszik magukat: egyesek világosan, mások sötétben dolgoznak (itt Caravaggio olasz művész hatása érződött). A festők a világos színek, a színezők pedig a sötét színek iránt elkötelezettek. Megkezdődik a képi modor keresése, kialakulnak a chiaroscuro ábrázolásának szabályai. A paletta lazábbá és szabadabbá válik, akárcsak a kép vonalai és plaszticitása. Megjelennek Rembrandt közvetlen elődei – tanárai, Jan Pace és Peter Lastman. A műfaji módszerek is egyre szabadabbak - a történetiség már nem annyira kötelező, mint korábban. Egy sajátos, mélyen nemzeti és már-már történelmi műfaj jön létre - nyilvános helyekre - városházákra, vállalatokra, műhelyekre, közösségekre - szánt csoportos portrék. Ezzel a formailag legtökéletesebb eseménnyel véget ér a 16. század és kezdődik a 17. század.

Ez még csak a kezdet, az iskola embriója, maga az iskola még nem létezik. Sok tehetséges művész van. Vannak köztük képzett mesteremberek, több kiváló festő. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, az Öreg-fok, végül Esayas van de Velde és van Goyen – mindannyian a 16. év végén születtek század. Ezen a listán szerepelnek azok a művészek is, akiknek a nevét megőrizte a történelem, olyanok, akik csak egyéni mesteri törekvéseket képviseltek, és olyanok is, akik tanárai és leendő mesterek elődjei lettek.

Ez kritikus pillanat volt a holland festészet fejlődésében. Instabil politikai egyensúly mellett minden csak a véletlenen múlott. Flandriában, ahol hasonló ébredést figyeltek meg, éppen ellenkezőleg, már volt olyan bizalom és stabilitás, ami Hollandiában még nem volt. Flandriában már voltak művészek, akik megalakultak vagy közel álltak ehhez. Ebben az országban kedvezőbbek voltak a politikai és társadalomtörténeti viszonyok. Rugalmasabb és toleránsabb volt a kormányzat, a hagyományok és a társadalom. A luxus iránti igény állandó művészeti igényt szült. Általában véve komoly okai voltak annak, hogy Flandria másodszor is nagy művészeti központtá váljon. Ehhez már csak két dolog hiányzott: több év béke és egy mester, aki az iskola megteremtője lenne.

1609-ben, amikor Hollandia sorsa dőlt el – III. Fülöp fegyverszünetben állapodott meg Spanyolország és Hollandia között – megjelent Rubens.

Minden a politikai vagy katonai esélyeken múlott. Legyőzve és leigázva Hollandiának teljesen el kellene veszítenie függetlenségét. Akkor természetesen nem lehetett két független iskola - Hollandiában és Flandriában. Egy olasz-flamand befolyástól függő országban ilyen iskola és tehetséges eredeti művészek nem tudtak kialakulni.

Ahhoz, hogy a holland nép megszülethessen, és a holland művészet velük együtt lássa a fényt, mély és győztes forradalomra volt szükség. Különösen fontos volt, hogy a forradalom az igazságosságon, az észen, a szükségen alapuljon, hogy a nép megérdemelje, amit el akart érni, legyen határozott, legyen meggyőződve igazáról, szorgalmas, türelmes, visszafogott, hősies, bölcs. Mindezek a történelmi sajátosságok később a holland festőiskola kialakulásakor tükröződtek.

A helyzet úgy alakult, hogy a háború nem tönkretette a hollandokat, hanem gazdagította őket, a függetlenségi harc nem fogyatkozta el erejüket, hanem megerősítette és lelkesítette őket. A hódítók felett aratott győzelemben az emberek ugyanolyan bátorságot tanúsítottak, mint az elemek elleni harcban, a tenger felett, a földek elárasztása, az éghajlat felett. Aminek el kellett volna pusztítania az embereket, az jól szolgálta őket. A Spanyolországgal aláírt szerződések szabadságot adtak Hollandiának és megerősítették pozícióját. Mindez saját művészet létrehozásához vezetett, amely dicsőítette, spiritualizálta és kifejezte a holland nép belső lényegét.

Az 1609-es szerződés és az Egyesült Tartományok hivatalos elismerése után azonnali szünet következett. Mintha egy jótékony, meleg szellő megérintette volna az emberi lelkeket, életre keltette volna a talajt, virágzásra kész csírákat talált és felébresztett volna. Elképesztő, hogy milyen váratlanul és milyen rövid idő alatt - nem több, mint harminc év alatt - egy kis helyen, a hálátlan sivatagi talajon, zord életkörülmények között festők csodálatos galaxisa jelent meg, és mégpedig nagyszerű festők.

Azonnal és mindenhol megjelentek: Amszterdamban, Dordrechtben, Leidenben, Delftben, Utrechtben, Rotterdamban, Haarlemben, még külföldön is - mintha a pályán kívül eső magokból származnának. A legkorábbiak a századfordulón született Jan van Goyen és Wijnants. És tovább, a század elejétől az első harmad végéig tartó időszakban - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.

De a kreatív lé nem állt meg itt. Ezután született Pieter de Hooch, Hobbema. Az utolsó nagyok, van der Heyden és Adrian van de Velde 1636-ban és 1637-ben születtek. Rembrandt ekkor harminc éves volt. Körülbelül ezek az évek tekinthetők a holland iskola első virágzásának idejének.

Az akkori történelmi eseményeket figyelembe véve elképzelhető, hogy mi legyen az új festőiskola törekvése, jellege, sorsa. Mit írhatnának ezek a művészek egy olyan országban, mint Hollandia?

A forradalom, amely szabadságot és gazdagságot adott a holland népnek, ugyanakkor megfosztotta őket attól, ami mindenütt a nagy iskolák létfontosságú alapja. Megváltoztatta a hiedelmeket, megváltoztatta a szokásokat, eltörölte az ókori és az evangéliumi jelenetek képeit, és leállította a nagy művek - templomi és dekoratív festmények - készítését. Valójában minden művésznek volt alternatívája – eredetinek lenni vagy egyáltalán nem lenni.

Olyan művészetet kellett létrehozni a polgárok nemzete számára, amely vonzó számukra, ábrázolja őket, és relevánsak számukra. Praktikusak voltak, nem hajlamosak az álmodozásra, üzletemberek, megtört hagyományokkal és olaszellenes érzelmekkel. Elmondhatjuk, hogy a holland embereknek egyszerű és merész feladata volt - saját portréjuk elkészítése.

A holland festészet csak a külső megjelenés kifejezője volt és lehetett, igaz, pontos, hasonló holland portré. Emberek és terep, polgári szokások, terek, utcák, mezők, tenger és ég portréja volt. A holland iskola fő elemei a portrék, a tájképek és a mindennapi jelenetek voltak. Ilyen volt ez a festmény fennállásának kezdetétől hanyatlásáig.

Úgy tűnhet, hogy semmi sem lehet egyszerűbb, mint ennek a hétköznapi művészetnek a felfedezése. Valójában lehetetlen bármit elképzelni, ami szélességében és újdonságában megegyezne vele.

Azonnal minden megváltozott a megértés, a látás és a közvetítés módjában: nézőpont, művészi ideál, természetválasztás, stílus és módszer. Az olasz és flamand festészet a maga legjobb megnyilvánulásaiban még érthető számunkra, mert még mindig élvezik, de ezek már halott nyelvek, és már senki sem fogja használni őket.

Valamikor megvolt a magasztos és általános gondolkodás szokása; volt egy művészet, amely a tárgyak ügyes kiválasztásából állt. Díszítésükben, korrekcióban. Szerette a természetet olyannak mutatni, amilyen a valóságban nem létezik. Minden, amit ábrázoltak, többé-kevésbé összhangban volt a személy személyiségével, attól függött és hasonlatos volt. Ennek eredményeként létrejött egy olyan művészet, amelyben az ember áll a középpontban, és az univerzum minden más képe vagy emberi formákban testesült meg, vagy homályosan az ember másodlagos környezeteként jelenik meg. A kreativitás bizonyos minták szerint fejlődött. Minden tárgynak ugyanattól az ideáltól kellett kölcsönöznie plasztikus formáját. A férfit gyakrabban kellett ábrázolni meztelenül, mint felöltözve, jó felépítésűnek és jóképűnek, hogy a rábízott szerepet megfelelő nagysággal el tudja játszani.

Most a festés feladata egyszerűbbé vált. Minden dolognak vagy jelenségnek meg kellett adni a valódi jelentését, az embert a megfelelő helyére kell helyezni, és ha szükséges, teljesen nélkülözni kellett.

Itt az ideje, hogy kevesebbet gondolkodj, nézd meg alaposan azt, ami a legközelebb van, jobban figyelj és másképp írj. Ez most a tömeg, a polgár, a dolgozó ember festménye. Szerénynek kellett lenni minden szerénynek, kicsinek a kicsinek, feltűnőnek a feltűnőnek, mindent elfogadni anélkül, hogy bármit is elutasítana vagy megvetne, behatolni a dolgok rejtett életébe, szeretettel összeolvadva létezésükkel, figyelmessé kellett válni. , érdeklődő és türelmes. A zseni most abból áll, hogy nincsenek előítéletei. Nem kell semmit sem szépíteni, sem nemesíteni, sem leleplezni: mindez hazugság és haszontalan munka.

A holland festők, akik az északi ország valamely szegletében alkottak vízzel, erdőkkel, tengeri horizonttal, képesek voltak az egész univerzumot miniatűrben tükrözni. A szemlélő ízlése és ösztönei szerint gondosan feltárt kis ország kimeríthetetlen kincsestársá válik, amely olyan bőséges, mint maga az élet, olyan gazdag érzésekben, mint az emberi szív. A holland iskola egy egész évszázada így növekszik és működik.

A holland festők olyan témákat és színeket találtak, amelyek kielégítik minden emberi hajlamot és vonzalmat, a durva és finom természethez, a lelkes és melankolikus, álmodozó és vidám természethez. A felhős napok átadják helyét a vidám napsütéses napoknak, a tenger hol nyugodt és ezüstösen szikrázik, hol viharos és borongós. A part mentén sok legelő, farmok és sok hajó zsúfolódik. És szinte mindig érezni a levegő mozgását a kiterjedések felett és az Északi-tenger felől erős szelet, amely felhőket halmoz fel, fákat hajlít, malmok szárnyait forgatja, fényt és árnyékot kerget. Ehhez jönnek még a városok, az otthoni és utcai élet, a vásári ünnepek, a különféle erkölcsök ábrázolása, a szegények szükséglete, a tél borzalmai, a kocsmák tétlensége dohányfüstjükkel és söröskorsóikkal. Másrészt - gazdag életmód, lelkiismeretes munka, kavalkádok, délutáni pihenés, vadászat. Ezen kívül - közélet, polgári szertartások, bankettek. Az eredmény új művészet lett, de olyan régi témákkal, mint az idő.

Így jött létre az iskola szellemének harmonikus egysége és a valaha volt legbámulatosabb sokféleség egyetlen művészeti irányzaton belül.

Általában a holland iskolát műfajiskolának nevezik. Ha alkotóelemeire bontjuk, akkor megkülönböztethetünk benne tájfestőket, csoportportré mestereket, tengeri festőket, állatfestőket, csoportportrét vagy csendéletet festő művészeket. Ha részletesebben megnézzük, sokféle műfajt megkülönböztethetünk – a festőiség szerelmeseitől az ideológusokig, a természet másolóitól az értelmezőiig, a konzervatív otthonosoktól az utazókig, a humort szeretőktől a humort elkerülő művészekig. Emlékezzünk Ostade humorának festményeire és Ruisdael komolyságára, Potter kiegyensúlyozottságára és Jan Steen gúnyolására, Van de Velde szellemességére és a nagy Rembrandt komor álomszerűségére.

Rembrandt kivételével, akit hazája és minden idők szempontjából kivételes jelenségnek kell tekinteni, az összes többi holland művészt egy bizonyos stílus és módszer jellemzi. Ennek a stílusnak a törvényei az őszinteség, a hozzáférhetőség, a természetesség és a kifejezőkészség. Ha elveszed a holland művészettől azt, amit őszinteségnek nevezhetünk, akkor nem fogod megérteni létfontosságú alapjait, és nem tudod meghatározni sem erkölcsi jellegét, sem stílusát. Ezekben a művészekben, akik többnyire kivívták a rövidlátó másolók hírnevét, fenséges és kedves lélek, az igazsághoz való hűség és a realizmus szeretete érződik. Mindez olyan értéket ad alkotásaiknak, amivel maguk a rajtuk ábrázolt dolgok mintha nem rendelkeznek.

Ennek az őszinte stílusnak a kezdete és ennek az őszinte megközelítésnek az első eredménye egy tökéletes rajz. A holland festők közül Potter a zsenialitás megnyilvánulása a pontos, ellenőrzött mérésekben és az egyes vonalak mozgásának nyomon követésében.

Hollandiában az égbolt gyakran a felét, néha pedig a teljes képet foglalja el. Ezért szükséges, hogy a képen az ég mozgassa, vonzza és magával vigyen minket. Hogy érezhető legyen a különbség nappal, este és éjszaka között, hogy érezhető legyen a meleg és a hideg, hogy a néző egyszerre legyen fázós és élvezze, és érezze, hogy koncentrálni kell. Bár valószínűleg nehéz egy ilyen rajzot a legnemesebbnek nevezni, próbáljon meg olyan művészeket találni a világon, akik megfestenék az eget, mint Ruisdael és van der Neer, és munkáikkal annyit és olyan ragyogóan mondanának. A hollandok mindenütt ugyanazt a dizájnt viselik - visszafogott, lakonikus, precíz, természetes és naiv, ügyes és nem mesterséges.

A holland paletta egészen méltó a rajzukhoz, innen a festési módszerük tökéletes egysége. Bármely holland festményt könnyű felismerni a megjelenéséről. Kis méretű, és erőteljes, szigorú színeivel tűnik ki. Ez nagy precizitást, biztos kezet és mély koncentrációt igényel a művésztől, hogy koncentrált hatást érjen el a nézőre. A művésznek mélyre kell mennie önmagába ahhoz, hogy ötletét ápolja, a nézőnek önmagába kell mélyednie, hogy megértse a művész tervét. A holland festmények adják a legtisztább képet erről a rejtett és örökkévaló folyamatról: érezni, gondolkodni és kifejezni. Nincs gazdagabb kép a világon, hiszen a hollandok azok, akik ennyi tartalmat helyeznek el ilyen kis helyen. Éppen ezért itt minden precíz, tömörített és sűrített formát ölt.

Minden holland festmény homorú, egy pont körül leírt görbékből áll, ami a kép és a fő fényfolt körül elhelyezkedő árnyékok koncepciójának megtestesítője. Szilárd alap, futó felső és lekerekített, középre hajló sarkok – mindez körvonalazva, színesen és körben megvilágítva. Ennek eredményeként a festmény mélységet kap, és a rajta ábrázolt tárgyak eltávolodnak a néző szemétől. A nézőt úgymond az előtérből az utolsóba, a keretből a horizontba vezetik. Úgy tűnik, belakjuk a képet, mozogunk, mélyre nézünk, felemeljük a fejünket, hogy megmérjük az ég mélységét. A légi perspektíva szigorúsága, a színek és árnyalatok tökéletes megfeleltetése a tárgy térbeli helyével.

A holland festészet teljesebb megértéséhez részletesen át kell gondolni ennek a tételnek az elemeit, a módszerek jellemzőit, a paletta jellegét, és meg kell érteni, miért olyan szegényes, szinte monokromatikus és olyan gazdag az eredményekben. De mindezen kérdések, mint sok más, mindig is sok művészettörténész spekulációinak tárgyát képezték, de soha nem tanulmányozták és tisztázták őket kellőképpen. A holland művészet főbb jellemzőinek leírása lehetővé teszi, hogy ezt az iskolát megkülönböztessük a többiektől, és nyomon kövessük eredetét. Ezt az iskolát kifejező kép Adriaan van Ostade festménye az amszterdami "Artist's Atelier" múzeumból. Ez a téma a holland festők egyik kedvence volt. Egy figyelmes férfit látunk, kissé görnyedten, előkészített palettával, vékony, tiszta ecsettel és átlátszó olajjal. Alkonyatban ír. Arca koncentrált, keze óvatos. Csak talán ezek a festők merészebbek voltak, tudtak gondtalanabban nevetni és élvezni az életet, mint ahogy az a fennmaradt képekből következtethető. Különben hogyan nyilvánulna meg zsenialitásuk a szakmai hagyományok légkörében?

A holland iskola alapjait van Goyen és Wijnants fektették le a 17. század elején, megalapozva a festészet néhány törvényét. Ezeket a törvényeket a tanárokról a diákokra adták át, és a holland festők egy egész évszázadon keresztül éltek velük anélkül, hogy oldalra tértek volna.

Holland manierizmus festészet

holland festészet

megjelenése és kezdeti korszaka olyan mértékben összeolvad a flamand festészet fejlődésének első szakaszaival, hogy a legújabb művészettörténészek mindkettőt a 16. század végéig tartó időszakra tekintik. elválaszthatatlanul, egyetlen általános név alatt „holland iskola”. Mindketten, akik a Rajna ág utódját alkotják, némák. a festészet, melynek fő képviselői Kölni Wilhelm és Stefan Lochner, a van Eyck fivéreket tekintik alapítójuknak; mindketten hosszú ideje ugyanabban az irányban mozognak, ugyanazok az eszmék éltetik őket, ugyanazokat a feladatokat hajtják végre, ugyanazt a technikát fejlesztik, így Hollandia művészei nem különböznek flamand és brabanti testvéreiktől. Ez folytatódik az ország uralma alatt először a burgundok, majd az osztrák ház által - egészen addig, amíg ki nem tör a brutális forradalom, amely a Gollok teljes diadalával végződik. emberek az őket elnyomó spanyolok felett. Ettől a korszaktól kezdődően a holland művészet mindkét ága külön mozogni kezd, bár néha előfordul, hogy nagyon szorosan érintkeznek egymással. A G. festészet azonnal eredeti, teljesen nemzeti jelleget ölt, és gyorsan eléri a fényes és bőséges virágzást. Ennek a művészettörténetben hasonló jelenségnek az okai topográfiai, vallási, politikai és társadalmi körülményekben rejlenek. Ezen a mocsarakból, szigetekből és félszigetekből álló „alacsony vidéken” (holland), amelyet a tenger állandóan elmosott és rajtaütései fenyegettek, a lakosságnak, amint levetette magáról az idegen igát, mindent újjá kellett teremtenie, kezdve a talaj fizikai viszonyaival és az erkölcsi és intellektuális viszonyokkal befejezve, mert mindent lerombolt a korábbi függetlenségi harc. Vállalkozásuknak, gyakorlati érzéküknek és kitartó munkájuknak köszönhetően a hollandoknak sikerült termőföldekké és fényűző legelőkké alakítani a mocsarakat, hatalmas területeket hódítani a tengertől, anyagi jólétre és külpolitikai jelentőségre tettek szert. Ezen eredmények elérését nagyban elősegítette az országban kialakult szövetségi-köztársasági államforma, valamint a gondolat- és vallásszabadság bölcsen megvalósított elve. Mintha csoda folyt volna, mindenhol, az emberi munka minden területén a buzgó tevékenység hirtelen új, eredeti, tisztán népi szellemben forrni kezdett, többek között a művészet területén. Utóbbi ágai közül Hollandia talaján főleg egy - festészetben volt szerencsés, amely itt sok, szinte egyidejűleg felbukkanó több-kevesebb tehetséges művész munkáiban igen sokoldalú irányt és egyben az időben teljesen eltér a művészet irányától más országokban. A fő vonás, amely ezeket a művészeket jellemzi, a természet iránti szeretetük, az a vágy, hogy azt a maga teljes egyszerűségében és igazságában reprodukálják, a legcsekélyebb díszítés nélkül, anélkül, hogy egy előre megalkotott ideál körülményei között elfoglalnák. Goll második megkülönböztető tulajdonsága. a festőket finom színérzék alkotja, és annak megértése, hogy a kép tartalmán túl milyen erős, elbűvölő benyomást kelthet csak a természetben a fény hatására meghatározott színes kapcsolatok hű és erőteljes közvetítése. sugarak, közelség vagy távolságtartomány. A geometrikus festészet legjobb képviselői közül ez a színérzék és a chiaroscuro olyannyira fejlett, hogy a fény számtalan és változatos árnyalatával a képen, mondhatni a főszereplő szerepét tölti be, és nagy érdeklődést kölcsönöz a képnek. a legjelentéktelenebb cselekmény, a legelegánsabb formák és képek. Aztán meg kell jegyezni, hogy a legtöbb Goll. A művészek nem keresnek hosszasan kreativitásukhoz szükséges anyagot, hanem megelégszenek azzal, amit maguk körül, szülőföldjükön és népük életében találnak. Jeles honfitársak jellemző vonásai, a hétköznapi hollandok és holland nők fiziognómiája, a közös ünnepek zajos mulatsága, paraszti lakomák, a vidéki élet vagy a városlakók meghitt életének jelenetei, bennszülött dűnék, polderek és csatornákkal átszelt hatalmas síkságok, gazdagon legelő csordák rétek, kunyhók, bükk- vagy tölgyligetek szélén, falvak folyók, tavak és ligetek partján, városok tiszta házaikkal, felvonóhídjaikkal és magas templomtornyaikkal és városházaikkal, hajókkal zsúfolt kikötők, tele égbolt ezüstös vagy arany gőzök – mindezt a kefe alatt. a haza iránti szeretettől és a nemzeti büszkeségtől áthatott mesterek levegővel, fénnyel és vonzerővel teli festményekké változnak. Még azokban az esetekben is, amikor e mesterek egy része a Bibliához, az ókori történelemhez és mitológiához folyamodik témának, akkor is anélkül, hogy a régészeti hűség megőrzése miatt aggódnának, a hollandok környezetébe helyezik át a cselekményt, holland környezettel körülvéve. Igaz, az efféle hazafias művészek népes tömege mellett ott van a többi festő falanxja is, akik szülőföldjük határain kívül, a művészet klasszikus országában, Olaszországban keresnek ihletet; műveikben azonban vannak nemzetiségüket leleplező vonások is. Végül a cél jellemzőjeként. festők, rámutathatunk a művészeti hagyományokról való lemondásra. Hiába keresnénk közöttük a jól ismert esztétikai elvek és technikai szabályok szigorú folytonosságát, nemcsak az akadémiai stílus, hanem a hallgatók tanáraik jelleméhez való asszimilációja értelmében is. Talán egyedül Rembrandt tanítványai kivételek, akik többé-kevésbé zseniális mentoruk nyomdokaiba léptek, szinte minden holland festő, amint lejárt diákéve, sőt néha még ezekben az években is elkezdett dolgozni a saját útjukon, annak megfelelően, hogy egyéni hajlamuk hová vezette őket, és mire tanította őket a természet közvetlen megfigyelése. Ezért a cél. a művészeket nem lehet iskolákra osztani, akárcsak Olaszország vagy Spanyolország művészeit; még szigorúan meghatározott csoportokat is nehéz alkotni belőlük, és maga a kifejezés " G. festőiskola", amely általános használatba került, csak feltételes értelemben értendő, mint a törzsi mesterek gyűjteményét, de nem egy tényleges iskolát. Mindeközben Hollandia minden nagyobb városában működtek szervezett művésztársaságok, amelyek úgy tűnik, egy általános irányú tevékenységük kommunikációját kellett volna befolyásolniuk, azonban az ilyen nevű társaságok céhek st. Luke, ha ehhez hozzájárultak, akkor igen mérsékelt mértékben. Ezek nem akadémiák voltak, az ismert művészeti hagyományok őrzői, hanem a többi kézműves és ipari céhhez hasonló, tőlük felépítésükben nem sokban különböző, tagjaik kölcsönös támogatását, jogaik védelmét, gondoskodását célzó szabad társaságok. öregségükre, özvegyeik és árváik sorsáról gondoskodni. Minden helyi festőt, aki megfelelt az erkölcsi követelményeknek, képességeinek és tudásának előzetes igazolása vagy már megszerzett ismertsége alapján felvettek a céhbe; látogató művészeket ideiglenes tagként vettek fel a céhbe az adott városban való tartózkodásuk idejére. A céhhez tartozók összeültek, hogy a dékánok elnökletével megvitassák közös ügyeiket vagy kölcsönös gondolatcserét; de ezeken a találkozókon semmi sem hasonlított egy bizonyos művészeti irányzat prédikálására, és ami korlátozta volna valamelyik tag eredetiségét.

A G. festészet jelzett vonásai már a kezdeti korban is észrevehetők - akkor, amikor a flamand iskolától elválaszthatatlanul fejlődött ki. Hivatása az utóbbiakhoz hasonlóan akkoriban főként a templomok vallási festményekkel való díszítése, paloták, városházák és nemesi házak díszítése kormánytisztviselők és arisztokraták arcképeivel. Sajnos a primitív görög festők alkotásai csak nagyon korlátozott mennyiségben jutottak el hozzánk, mivel a legtöbbjük elpusztult abban a zűrzavaros időben, amikor a reformáció lerombolta a katolikus templomokat, megszüntette a kolostorokat és apátságokat, és „ikontörőket” (beeldstormers) uszított a festői szépségek elpusztítására. és szobrászati ​​szentképek, és a népfelkelés mindenütt elpusztította a gyűlölt zsarnokok portréit. A forradalmat megelőző művészek közül sokat csak névről ismerünk; Másokat csak munkájuk egy-két mintája alapján tudunk megítélni. Tehát, ami a legrégebbi Gollokat illeti. festők, Albert van Ouwater, nincs pozitív adat, kivéve azt az információt, hogy van Eyckék kortársa volt, és Harlemben dolgozott; Nincsenek róla megbízható festmények. Tanítványát, Gertjen van Sint-Jant csak a Bécsi Képtárban őrzött triptichon két táblájáról ismerjük ("Szent sír" és "Legend of the Bones of St. John"), amelyeket a harlemi katedrális számára írt. A köd, amely a G. iskola kezdeti korszakában beborít bennünket, kezd oszlani, amikor megjelenik a színen Dirk Bouts, becenevén Stuerboat († 1475), aki eredetileg haarlemből származott, de Leuvenben dolgozott, és ezért sokak szerint részese legyen a flamand iskolának (legjobb munkái a Brüsszeli Múzeumban található két festmény: Ottó császár hibás pere), valamint Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), akinek fő érdeme, hogy ő volt a híres Leideni Lukács (1494-1533). Ez utóbbi, sokoldalú, szorgalmas és rendkívül tehetséges művész, aki előtte senkihez hasonlóan tudta, hogyan kell pontosan reprodukálni mindent, ami felkeltette a figyelmét, ezért a holland műfaj igazi atyjának tekinthető, bár elsősorban vallásos festményeket kellett készítenie. festmények és portrék. Kortársának, Jan Mostaertnek (kb. 1470-1556) munkáiban a naturalizmus iránti vágy a gótikus hagyomány érintésével, a vallásos érzés melege a külső elegancia iránti törődéssel párosul. E kiemelkedő mesterek mellett a grúz művészet kezdeti korszakában említést érdemelnek: Hieronymus van Aken, becenevén J. de Bosch (kb. 1462-1516), aki komplexumával megalapozta a szatirikus hétköznapi festészetet, bonyolult és néha rendkívül furcsa kompozíciók; Jan Mundain († 1520), aki Harlemben híres ördögi és búbos ábrázolásáról; Peter Aertsen († 1516), magas termete miatt „Hosszú Péternek” (Lange Pier) becézett, David Ioris (1501-56), képzett üvegfestő, akit elragadtak az anabaptista ostobaságok, és Dávid prófétának és Dávid fiának képzeli magát. Istenem, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelissen (1480? - később 1533) és fia, Dirk Jacobs (utóbbi két puskás társaságokat ábrázoló festménye a császári remeteségben található).

A 16-os asztal körülbelül fele. A holland festők körében a hazai művészet hiányosságaitól - gótikus szögletességétől, szárazságától - a reneszánsz olasz művészek tanulmányozásával, illetve saját iskolájuk legjobb hagyományaival ötvözve kívánnak megszabadulni. Ez a vágy már az említett Mostert műveiben is látható; de az új mozgalom fő terjesztőjének Jan Schorelt (1495-1562) kell tekinteni, aki sokáig Olaszországban élt, majd iskolát alapított Utrechtben, ahonnan számos művész érkezett, akiket megfertőzött a vágy, hogy holland Raphaelekké váljanak. és Michelangelosz. Nyomában Maarten van Van, becenevén Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, becenevén. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) és mások az olasz iskola következő korszakához tartozók, mint például Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662) túlléptek az Alpokon, hogy átitatják a tökéletességeket. az itáliai festészet fényesei közül, de nagyrészt e festészet akkoriban kezdődő hanyatlásának képviselőinek hatása alá kerültek, és manieristákként tértek vissza hazájukba, azt képzelve, hogy a művészet egész lényege a az izmok eltúlzása, a szögek igényességében és a konvencionális színek tündöklésében. Az olaszok festészet iránti szenvedélye, amely Grúzia átmeneti korszakában gyakran a végletekig terjedt, azonban egyfajta hasznot hozott, hiszen jobb, tanultabb rajzot, szabadabb és merészebb kompozíciókezelési képességet hozott ebbe a festészetbe. A régi holland tradícióval és a határtalan természetszeretettel együtt az itálizmus lett az egyik elem, amelyből a virágzó korszak eredeti, magasan fejlett művészete kialakult. Ennek a korszaknak a kezdetét, mint már mondtuk, a 17. század elejére kell datálni, amikor a függetlenséget kivívva Hollandia új életet kezdett élni. Egy elnyomott és szegény ország tegnapi drámai átalakulása politikailag fontos, kényelmes és gazdag államunióvá, művészetében hasonlóan drámai forradalom kísérte. Minden oldalról, szinte egyszerre, számtalan számban bukkannak fel csodálatos művészek, akiket a nemzeti szellem térnyerése és a társadalomban kialakult munkásságigénye hív tevékenységre. Az eredeti művészeti központokhoz, Haarlemhez és Leidenhez újak egészülnek ki - Delft, Utrecht, Dortrecht, Hága, Amszterdam stb. A festészet régi feladatai mindenhol új módon fejlődnek a változó igények és nézetek hatására. , illetve új ágai, melyek kezdete az előző időszakban alig volt észrevehető. A reformáció kiűzte a templomokból a vallásos festményeket; nem volt szükség a paloták és nemesi kamrák díszítésére az ókori istenek és hősök képeivel, ezért a gazdag burzsoázia ízlését kielégítő történelmi festészet elvetette az idealizmust, és a valóság pontos reprodukciója felé fordult: elkezdte értelmezni a régmúlt eseményeket. mint a nap eseményei, amelyek Hollandiában zajlottak, és különösen a portréművészetet vette át, megörökítve benne az akkori ember vonásait, akár egyalakokban, akár kiterjedt, többalakú, puskás társaságokat (schutterstuke) ábrázoló kompozíciókban. kiemelkedő szerepet játszott az ország felszabadításáért vívott harcban - jótékonysági intézményeinek vezetői (regentenstuke), üzletvezetők és különféle társaságok tagjai. Ha úgy döntöttünk, hogy Gallia virágzó korszakának minden tehetséges portréfestőjéről beszélünk. művészet, akkor a nevük felsorolása a legjobb munkáik megjelölésével sok sorba kerülne; Ezért korlátozzuk magunkat arra, hogy csak azokat a művészeket említsük meg, akik az általános rangokból különösen kiemelkedőek. Ezek: Michiel Mierevelt (1567-1641), tanítványa, Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), Hollandia három legnagyobb portréfestőjének elődei. Chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69) varázslója, egy páratlan rajzoló, akinek csodálatos művészete volt a világos, de kissé hideg karakterű és színvilágú figurák megformálása, Bartholomew van der Gelst (1611 vagy 1612-70) és a fúga feltűnő. ecsetjéről Frans Gols the Elder (1581-1666). Ezek közül Rembrandt neve különösen fényesen tündököl a történelemben, kortársai eleinte nagy becsben tartották, majd elfelejtették, az utókor kevéssé méltányolta, és csak a jelen században emelte, méltányosan, a világ szintjére. zseni. Jellegzetes művészi személyiségében G. festészetének minden legjobb tulajdonsága összpontosul, mintegy fókuszban, hatása minden típusában megmutatkozott - portrékon, történelmi festményeken, hétköznapi jeleneteken és tájakon. Rembrandt tanítványai és követői közül a leghíresebbek: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 vagy 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (kb. 1620-54), Salomon és Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († később 1645), Gerard Dou (1613-75) és Samuel van Googstraten (1626-78). E művészek mellett, hogy teljes legyen a vizsgált időszak legjobb portré- és történelmi festőinek névsora, meg kell említeni Jan Lievenst (1607-30), Rembrandt barátját a P.-vel folytatott tanulmányaiban. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) és Peter Nason (1612-91), akik nyilvánvalóan V. befolyása alatt dolgoztak. D. Gelsta, Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan és Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) és Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69) utánzója. A háztartási festészet, amelynek első kísérletei a régi holland iskolában jelentek meg, a XVII. különösen termékeny talaj a protestáns, szabad, polgári, önelégült Hollandiában. A helyi társadalom különböző osztályainak szokásait és életét művészet nélkül ábrázoló kis képek elég sok ember számára szórakoztatóbbnak tűntek, mint a komoly festmények nagy alkotásai, és a tájképekkel együtt kényelmesebb otthonok díszítésére. Művészek egész hordája elégíti ki az ilyen képek iránti igényt, anélkül, hogy hosszasan gondolkodna a témaválasztáson, hanem lelkiismeretesen reprodukálna mindent, ami a valóságban találkozik, egyúttal szeretetet mutatva saját, kedves, jópofa humora iránt, pontosan jellemzi az ábrázolt pozíciókat és arcokat, és kifinomult a technika elsajátításában. Míg egyeseket az egyszerű emberek élete, a paraszti boldogság és bánat jelenetei, kocsmák és kocsmák ivászata, út menti fogadók előtti összejövetelek, vidéki nyaralások, játékok és korcsolyázás a befagyott folyók és csatornák jegén stb. foglalnak el, addig mások. alkotásaik tartalma egy elegánsabb körből - kecses hölgyeket festenek meghitt környezetükben, dögös urak udvarlása, cselédeknek parancsoló háziasszonyok, zenei és énekes szalongyakorlatok, aranyifjúság mulatozása örömházakban stb. Az első kategória művészeinek hosszú sorozatában kiemelkednek Adrian és Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 vagy 1606-38), Jan Stan (kb. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, becenevén Bambocchio Olaszországban (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, becenevén Sorg (1621-82), Claes Molenaar (korábban 1630-76), Jan Minse-Molenar (kb. 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) és néhányan. stb. Az ugyanilyen jelentős számú festő közül, akik a közép- és felső, általában elégséges osztály életét reprodukálták, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Franciaország c. Idősebb Miris (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer delfti (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony és Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) stb. A műfaji festők kategóriába azok a művészek tartoznak, akik katonai élet jeleneteit, katonák tétlenségét festették az őrházakban , táborhelyek , lovassági összecsapások és egész csaták, díjlovaglás, valamint a csatajelenetekhez hasonló solymász- és vadászvadászat jelenetek. A festészet ezen ágának fő képviselője a híres és rendkívül termékeny Philips Wouwerman (1619-68). Rajta kívül ennek a mesternek a testvére, Péter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), akivel hamarosan a tájfestők között is találkozhatunk, az említett Palamedes, Jacob Leduc (1600 - később 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) stb. Sok ilyen művész számára a táj ugyanolyan fontos szerepet játszik, mint az emberi alakok; de velük párhuzamosan festők tömege dolgozik, ezt tűzve ki fő vagy kizárólagos feladatának. Általánosságban elmondható, hogy a hollandoknak elidegeníthetetlen joguk van büszkének lenni arra, hogy szülőföldjük nemcsak a legújabb műfaj, hanem a mai értelemben vett táj szülőföldje is. Sőt, más országokban, pl. Olaszországban és Franciaországban a művészet kevéssé érdekelte az élettelen természetet, nem talált benne sem egyedi életet, sem különleges szépséget: a festő csak mellékelemként, dekorációként vitte be festményeibe a tájképet, amelyek között emberi drámai ill. komédiát játsszák, és ezért alárendelik a jelenet feltételeit, festői vonalakat és foltokat találnak ki, amelyek számára előnyösek, de a természet másolása nélkül, anélkül, hogy átitatnák az általa inspirált benyomást. Ugyanígy „komponálta” a természetet azokban a ritka esetekben, amikor tisztán tájképet próbált festeni. A hollandok értették meg először, hogy az élettelen természetben is minden életet lehel, minden vonzó, minden képes gondolatébresztőre és a szív mozgására. És ez teljesen természetes volt, mert a hollandok úgymond saját kezükkel hozták létre a körülöttük lévő természetet, becsülték és csodálták, mint egy apa, aki kincse és csodálja saját agyszüleményeit. Ráadásul ez a természet formáinak és színeinek szerénysége ellenére az ország éghajlati adottságai miatt bőséges anyaggal látta el a színezőket, például a hollandokat a világítási motívumok és a légi perspektíva kidolgozásához - gőzzel telített levegője, lágyította a körvonalakat. objektumok, különböző tervrajzú tónusok gradációját produkálva, és a távolságot ezüstös vagy aranyszínű ködköd borítja, valamint a területek megjelenésének változékonyságát az évszak, a nap óra és az időjárási viszonyok határozzák meg. A virágkorszak tájfestői közül a hollandok. különösen tisztelik azokat az iskolákat, amelyek hazai természetük tolmácsolói voltak: Jan V. Goyen (1595-1656), aki Esaias van de Veldével (kb. 1590-1630) és Pieter Moleyn idősebb. (1595-1661), a Goll alapítójának tartják. tájkép; majd ez a mesterhallgató, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (kb. 1600 - később 1679), a jobb világítás hatásainak kedvelője Art. d. Nair (1603-77), költő Jacob v. Ruisdael (1628 vagy 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) és Cornelis Dekker († 1678). A hollandok között sok volt az utazásra induló tájfestő is, aki idegen természet motívumait reprodukálta, ami azonban nem akadályozta meg őket abban, hogy festészetükben nemzeti jelleget őrizzenek meg. Albert V. Everdingen (1621-75) Norvégia nézeteit ábrázolta; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († később 1690) és Jan Lingelbach (1623-74) - Olaszország; Ian V. d) ifjabb polgármester (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) és Jan Griffir (1656-1720) – Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Németország és Svájc; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) és követőinek egy csoportja az olasz természet ihlette tájképeket festette, ősi épületek romjaival, fürdő nimfákkal és egy képzeletbeli Árkádia jeleneteivel. Speciális kategóriában kiemelhetjük azokat a mestereket, akik festményeiken a tájat állatképekkel ötvözték, előnyben részesítve az elsőt vagy a másodikat, vagy mindkét részhez egyforma odafigyeléssel foglalkoztak. A falusi idill ilyen festői közül a leghíresebb Paulus Potter (1625-54); Rajta kívül még Adriant is ide kell sorolni. d. Velde (1635 vagy 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) és számos olyan művész, akik lehetőleg vagy kizárólag Olaszország felé fordultak, mint például: Willem Romain († később 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 ill. 1634 -86) stb. A tájfestészethez szorosan kapcsolódik az építészeti nézetek festészete, amellyel a holland művészek csak a 17. század felétől kezdtek önálló művészeti ágként foglalkozni. Néhányan azok közül, akik azóta ezen a területen dolgoznak, kifinomultan ábrázolták a város utcáit és tereit épületeikkel; ezek többek között kevésbé jelentősek, Johannes Bärestraten (1622-66), Job és Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) és Jacob v. falu Yulft (1627-88). Mások, akik közül a legkiemelkedőbbek Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 vagy 1617-92) templomok és paloták belső képeit festette. A tenger olyan jelentőséggel bírt Hollandia életében, hogy művészete csak a legnagyobb figyelemmel kezelhette. Sok tájképekkel, műfajokkal, sőt portrékkal foglalkozó művészei egy időre elszakadva megszokott témáitól tengerfestővé váltak, és ha úgy döntöttünk, hogy felsoroljuk az összes holland festőt. nyugodt vagy háborgó tengert ábrázoló iskolák, rajta ringatózó hajók, hajókkal zsúfolt kikötők, tengeri csaták stb., akkor egy igen hosszú listát kapnánk, amiben Ya nevei is szerepelnének. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdael, A. Cuyp és az előző sorokban már említettek. Csak arra szorítkozva, hogy megmutassuk azokat, akiknek a tengeri fajok festése szakterület volt, meg kell neveznünk Willem v. Idősebb de Velde (1611 vagy 1612-93), híres fia V. v. de Velde ifjabb (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) és Julius Parcellis († később 1634). Végül a holland iskola reális irányvonala volt az oka annak, hogy kialakult és kialakult benne egy olyan festészetfajta, amelyet más iskolákban addig nem műveltek külön, önálló ágként, nevezetesen a virágok, gyümölcsök, zöldségek festészete, élőlények, konyhai edények, étkészletek stb. - egyszóval az, amit ma „halott természetnek” neveznek (nature morte, Stilleben). Ezen a területen között a A virágzó korszak leghíresebb művészei Jan-Davids de Gem (1606-83), fia Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) voltak. -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - később 1678), Willem Kalf (1621 vagy 1622-93) és Jan Waenix (1640-1719).

A holland festészet ragyogó időszaka nem tartott sokáig - csak egy évszázad. A 18. század eleje óta. hanyatlása közeleg, nem azért, mert a Zuiderzee partjai nem termelnek veleszületett tehetségeket, hanem azért, mert A társadalomban a nemzeti öntudat egyre inkább gyengül, a nemzeti szellem elpárolog, XIV. Lajos pompás korszakának francia ízlése és nézetei hódítanak. A művészetben ezt a kulturális fordulatot fejezi ki az, hogy a művész feledte azokat az alapelveket, amelyeken az előző generációk festőinek eredetisége függött, és a szomszédos országból hozott esztétikai elvekre való apelláció. A természethez való közvetlen kapcsolat helyett a bennszülött szeretete és az őszinteség, az előzetes elméletek dominanciája, a konvenció és Poussin, Lebrun, Cl. utánzása. Lorrain és a francia iskola más fényesei. Ennek a sajnálatos irányzatnak a fő terjesztője a flamand Gerard de Leresse (1641-1711) volt, aki Amszterdamban telepedett le, a maga idejében igen tehetséges és művelt művész volt, aki modoros álnevével egyaránt óriási hatást gyakorolt ​​kortársaira és a közvetlen utókorra. -történelmi festmények és saját toll alkotásai, amelyek közül az egyik - "A festő nagy könyve" ("t groot schilderboec") - ötven éven át szolgált kódként a fiatal művészek számára. Az iskola hanyatlása is hozzájárult az a híres Adrian V. de Werff (1659-1722), akinek elegáns festészete hideg, mintha kivágott elefántcsont figurákkal, unalmas, erőtlen színezéssel egykor a tökéletesség csúcsának tűnt. E művész követői közül V. Henrik . Limborg (1680-1758) és Philip V.-Dyck (1669-1729), becenevén „Kis V.” történelmi festőként örvendett. de megfertőzve az idő szellemével, meg kell jegyezni Willem és Franciaország v. Az ifjabb Miris (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) és Carel de Maur (1656-1738). Némi fényt adott a haldokló iskolának Cornelis Trost (1697-1750), elsősorban karikaturista, becenevén holland. Gogarth, Jan Quincgard portréfestő (1688-1772), Jacob de Wit dekoratív és történelmi festő (1695-1754) és a holt természet festői Jan V. Geysum (1682-1749) és Rachel Reisch (1664-1750).

A 19. század 20-as éveiig idegen hatás nehezedett a holland festészetre, amely többé-kevésbé tükrözte a művészet Franciaországban végbement változásait, kezdve a Napkirály korának parókakészítésétől és a pszeudo-klasszicizmusig. David. Amikor ez utóbbiak stílusa elavult, és Nyugat-Európában mindenütt az ókori görögök és rómaiak iránti rajongás helyett romantikus vágy ébredt, a költészet és a figuratív művészetek elsajátítása, a hollandok, mint más népek, tekintetüket a másik felé fordították. ókorukra, tehát dicső múltú festészetükre. Az a vágy, hogy újra a 17. században tündöklő fényt adjon neki, inspirálni kezdte a legújabb művészeket, és visszavezette őket az ősi nemzeti mesterek alapelveihez - a természet szigorú megfigyeléséhez és a feladatokhoz való találékony, őszinte hozzáálláshoz. kéz. Ugyanakkor nem igyekeztek teljesen kiiktatni magukat az idegen befolyás alól, de amikor Párizsba vagy Düsseldorfba és más németországi művészeti központokba mentek tanulni, csak a modern technika sikereinek megismerését vitték haza. Mindezeknek köszönhetően az újjáéledt holland iskola ismét eredeti, vonzó fiziognómiát kapott, és ma halad a további fejlődés felé vezető úton. Legújabb figuráit könnyedén szembeállíthatja más országok 19. századi legjobb festőivel. A szó szoros értelmében vett történelmi festészetet művelik benne, mint régen, nagyon mérsékelten, és nincsenek kiemelkedő képviselői; De a történelmi műfajt tekintve Hollandia több jelentős újabb mesterre is büszke lehet, mint például: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (szül. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (szül. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) és a rendkívül tehetséges Lawrence Alma-Tadema (szül. 1836), aki Angliába dezertált. A hétköznapi műfajt tekintve, amely szintén e művészek tevékenységi körébe tartozott (Alma-Tadema kivételével), számos kiváló festőt lehet kiemelni, élükön Joseph Israels (szül. 1824) és Christoffellel. Biszkóp (szül. 1828); rajtuk kívül Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (szül. 1826), Teresa Schwarze (szül. 1852) és Valli Mus (szül. 1857) méltó a névre. A legújabb gól különösen gazdag. tájfestők festészete, akik sokrétűen dolgoztak és dolgoznak, hol gondos befejezéssel, hol az impresszionisták széles technikájával, de hű és költői tolmácsolói bennszülött természetüknek. Ezek közé tartozik Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (sz. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (sz. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (sz. 1837), Lodewijk Apol (sz. 1850) és még sokan mások. stb. Ya közvetlen örökösei. Megjelentek D. Heyden és E. de Witte, ígéretes nézetű festők, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) stb. Hollandia legújabb tengerfestői közül a pálma Joghoz tartozik. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (szül. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) és Henrik Mesdag (szül. 1831). Végül Wouters Verschoor (1812-74) és Johann Gas (szül. 1832) nagy jártasságot mutatott az állatfestésben.

Házasodik. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 kötet, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2. és 3. kötet, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov: „Tanulmányok a holland festészet történetéről Szentpéterváron található mintái alapján." (speciális melléklet a folyóirat "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

A. Somov.

Enciklopédiai szótár F.A. Brockhaus és I.A. Efron. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Bármely ország történelme a művészetben fejeződik ki, és ez a minta különösen a festészet példáján mutatkozik meg. Különösen a holland festészet példáját használva, amely forradalmat élt át, amely nagyban befolyásolta az egykor egyesült állam jövőbeli sorsát. A forradalom következtében a XVII Hollandia két részre szakadt: Hollandiába és Flandriába (a modern Belgium területe), amelyek spanyol fennhatóság alatt maradtak.

Történelmi fejlődésük különböző utakon haladt, valamint a kulturális. Ez azt jelenti, hogy lehetővé vált a holland festészet egykor elterjedt fogalmának felosztása hollandra és flamandra.

holland festészet

A 17. századi holland kultúra élő megtestesülése a függetlenséget kivívott állam diadalának. A szabadság ízétől ihletett művészek ezúttal a társadalmi és szellemi megújulás pátoszával töltötték el, és most először fordítottak nagy figyelmet az őket körülvevő környezetre. - természet, emberkép. A holland műfajú művészek inspiráltak mindennapi élet, apró hétköznapi epizódok, amely a holland realizmus egyik jellemző jegyévé válik.

Ráadásul a művészet fő vásárlói nemcsak az elit képviselői voltak, hanem a kereskedők és a parasztok is. Ez részben befolyásolta a festészet, mint lakberendezési tárgy fejlődését, és hozzájárult a mindennapi élet témái iránti közérdeklődés növekedéséhez is.

A 17. századi holland művészet híres festészet elágazó műfaji rendszere.

Például a tájfestők között voltak tengeri festők, sík területek vagy erdők bozótjait ábrázoló művészek, akadtak téli tájképek vagy holdfényes festmények mesterei is; voltak zsánerfestők, akik parasztok, polgárok alakjaira és a hazai élet színtereire specializálódtak; különféle csendéletek mesterei voltak - „reggeli”, „desszertek”, „padok”.

A festő szigorú összpontosítása a műfaj egy alrendszerére hozzájárult az egész holland festészet részletezéséhez és tökéletesítéséhez.

A 17. század valóban a holland festészet aranykorszaka.

Művészi jellemzők

Könnyű és finom színérzék jelentős szerepet játszik a holland művészek festményein.

Például, mint a képeken Rembrandt - művész, aki a holland festészet egy egész korszakának megszemélyesítőjévé vált. Rembrandt nem félt valósághű részletek, ellentétben a valóságábrázolás kánonjaival, ezért a kortársak körében „a csúfság festőjeként” vált ismertté.

Rembrandt volt az első, aki különös jelentőséget tulajdonított fényjáték ami lehetővé tette számára, hogy valami mást találjon ki, mint a többi írás stílus. Alapján Andre Felibien,„... gyakran csak ecsettel végzett széles vonásokat, és egymás után vastag festékrétegeket hordott fel, anélkül, hogy fáradt volna, hogy az egyik tónusról a másikra való átmeneteket simábbá és lágyabbá tegye.”

"A tékozló fiú visszatérése", 1666-1669

Jan Vermeer(Vermeer/Delfti Vermeer ) – a harmónia festőjeés a világról alkotott kép tisztasága. Erősségéről ismert figuratív megoldásokés az ábrázolási hajlam a mindennapi élet poetizált légköre, különös figyelmet szentelt színes árnyalat, amely lehetővé tette a fény-levegő tér karakterének közvetítését.

"Fiatal nő egy kancsó vízzel", 1660-1662

Jacob van Ruisdaelírt monumentális tájak hideg színekben, amely megtestesítette a drámai, sőt komor finom érzékét a világ változékonysága.

"Zsidó temető", 1657

Albert Cuyp szokatlan megjelenéséről vált híressé fogalmazás táj - általában megadják neki, alacsony nézőpontból, amely lehetővé teszi a megtekintett tér hatalmasságának közvetítését.

"Tehenek a folyóparton", 1650

Frans Hals (Hals/Hals) híres kiemelkedő műfaji és csoportportrék, sajátosságukkal vonzzák.

„Cigány”, 1628-1630

Flamand festészet

Flandriában a kulturális háttér érezhetően különbözött a hollandoktól. A feudális nemesség és a katolikus egyház továbbra is jelentős szerepet játszott az ország életében, a művészet fő megrendelőiként . Ezért a flamand festészet fő műfajai a kastélyokra, a gazdagok városi házaira készült festmények és a katolikus templomok fenséges oltárképei maradtak. Az ókori mitológia jelenetei és bibliai jelenetek, hatalmas csendéletek, kiemelkedő vásárlók portréi, csodálatos ünnepségek képei - a 17. századi Flandria fő műfajai.

A flamand barokk művészet (vidám, anyagilag érzéki, buja formabőségben) az olasz és spanyol reneszánsz vonásaiból formálódott nemzeti színének megtörésében, ami különösen a festészetben nyilvánult meg.

A flamand élénkség más monumentális formák, dinamikus ritmus és a dekoratív stílus diadala. Ez különösen a kreativitáson volt látható Peter Paul Rubens, aki a flamand festészet központi alakja lett.

Stílusát buja, élénk képek jellemzik nagy, nehéz alakok gyors mozgásban. Rubenst meleg, gazdag színek, éles fény-árnyék kontrasztok, valamint a győztes ünneplés általános szelleme jellemzi. Eugene Delacroix mondta:

„A fő tulajdonsága, ha sok másnál jobban szereti, - ez egy átható szellem, vagyis egy átható élet; e nélkül egyetlen művész sem lehet nagy... Tizian és Paolo Veronese Rettenetesen szelídnek tűnnek mellette.

Minden, ami az ecsetjében rejlő, az egész iskola közös jellemzőjévé vált.

"Föld és víz egyesülése", 1618

Művészet Jacob Jordan vonzza vidámság, monumentalitás, de ugyanakkor őszinte spontaneitással – Jordaens kép iránti szeretete gazdag lakomák(a babkirály cselekményének többszöri megismétlése bizonyítja ezt. Egyébként aki sült babot talált a lepényében, azt a lakomákon Babkirálynak választották) és a keresztény legendák hőseit egészséges flamandoknak századi Flandria kultúrájának szellemiségét testesíti meg.

"A babkirály ünnepe", 1655

Anthony Van Dyck– egy portréfestő, aki egy arisztokratikus portrétípust alkotott, amely tele van finom pszichologizmussal, kifejezve a sziluett dinamikájára és a típusok általános kifejezőképességére való odafigyeléssel.

„I. Károly vadászó portréja”, 1635

Frans Snyders a dolgok érzéki természetének ábrázolásáról ismert, amelyet a dekoratív csendéletek és állatfestmények színessége és monumentalitása képvisel.

"Gyümölcsbolt", 1620

Jan Brueghel ifjabb- Idősebb Pieter Bruegel művész unokája, aki a tájkép és a hétköznapi festészet, a tájkép és az allegorikus mitológiai témák ügyes keveréséről, valamint a horizont magas fekvésének köszönhetően a panoráma hatás tehetséges megjelenítéséről emlékezik meg.

"Flóra a táj ellen", 1600-1610

A fő különbségek a holland és a flamand festészet között

1. Hollandiában a művészet fő megrendelőjévé válik munkásosztály lakossága, Flandriában - a királyi udvar és a nemesség.
2. Telek. A különböző ügyfelek különböző dolgokat kérnek. Hétköznapi emberek érdeklődnek a körülöttünk lévő mindennapi életet ábrázoló festmények iránt, a nemesség körében várhatóan kereslet ősi és bibliai jelenetek, a luxus bemutatója.
3. Az írás módja. Jellegzetes A chiaroscuro finom érzése a holland festészet jellemzőjévé válik. Mostantól ez a fő eszköz, amely lehetővé teszi számunkra, hogy finomítsuk a csúnya valóság képét. A flamand festészetben a központi helyet a a barokk művészi kifejezőeszközei - a forma pompája, a ragyogó színek, a bőség és a luxus.

Hasonlónak nevezhető a holland és a flamand festészet korszakának vége - a francia ízlés és nézetek hatására mind a holland, mind a flamand nemzettudat fokozatosan gyengül, ezért a flamand és a holland festészet fogalma történelmi múlttá válik.

A 17. század hollandiai és flandriai eseményei kiemelkedő szerzőket és friss pillantást adtak a világnak a világfestészet irányzatainak általános alakulására.

Források:

1. Kis művészettörténet. Nyugat-európai művészet XVII.

2. A 17. századi flamand és holland művészet. Mint a korabeli világkép két pólusa // banauka.ru/6067.html.

3. A reneszánsz művészet korszaka Hollandiában // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.