르네상스 그림. 위대한 이탈리아 예술가 유명한 이탈리아 르네상스 예술가
르네상스의 의심할 여지 없는 성과는 기하학적으로 정확한 그림 디자인이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기술을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 가장 중요한 것은 사물의 비율을 유지하는 것이었습니다. 자연조차도 그림 속 다른 물체와 이미지의 비례성을 계산하는 수학적 기술에 속했습니다.
즉, 르네상스 시대의 예술가들은 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 노력했습니다. 일부 캔버스에 보이는 이미지를 재현하는 현대 기술과 비교하면 후속 조정이 포함된 사진이 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.
르네상스 화가들은 자연의 단점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다. 즉, 사람의 얼굴 특징이 추악한 경우 예술가는 얼굴이 달콤하고 매력적이도록 수정했습니다.
레오나르도 다빈치
르네상스는 그 당시 살았던 많은 창의적인 인물들 덕분에 그렇게 되었습니다. 세계적으로 유명한 레오나르도 다빈치(1452~1519)는 그 비용이 수백만 달러에 달하는 엄청난 수의 걸작을 만들었으며 그의 예술 감정가들은 오랫동안 그의 그림을 고려할 준비가 되어 있습니다.
Leonardo는 피렌체에서 공부를 시작했습니다. 1478년경에 그린 그의 첫 번째 그림은 '브누아 마돈나'이다. 그런 다음 "동굴 속의 마돈나", "모나리자", 위에서 언급한 "최후의 만찬" 및 르네상스 거인의 손이 쓴 수많은 걸작과 같은 창작물이 있었습니다.
기하학적 비율의 엄격함과 사람의 해부학적 구조의 정확한 재현-이것이 Leonard da Vinci의 그림의 특징입니다. 그의 신념에 따르면 캔버스에 특정 이미지를 묘사하는 예술은 단순한 취미가 아니라 과학입니다.
라파엘 산티
미술계에서 라파엘로 알려진 라파엘 산티(1483~1520)는 이탈리아에서 작품을 만들었습니다. 그의 그림은 서정성과 우아함으로 가득 차 있습니다. 라파엘로는 인간과 인간의 지구상 존재를 묘사하고 바티칸 대성당의 벽을 그리는 것을 좋아한 르네상스 시대의 대표자입니다.
그림은 인물의 통일성, 공간과 이미지의 비례적 일치, 색상의 조화를 배반했습니다. 성모님의 순결함은 라파엘로의 많은 그림의 기초가 되었습니다. 그의 첫 번째 성모상은 1513년에 유명한 예술가가 그린 시스티나 마돈나입니다. 라파엘로가 만든 초상화는 이상적인 인간의 이미지를 반영했습니다.
산드로 보티첼리
산드로 보티첼리(1445~1510)도 르네상스 예술가입니다. 그의 첫 작품 중 하나는 "동방 박사의 숭배"라는 그림이었습니다. 미묘한 시와 몽환성은 예술적 이미지를 전달하는 분야에서 그의 초기 매너였습니다.
15세기 80년대 초, 위대한 예술가는 바티칸 예배당의 벽을 그렸습니다. 그의 손으로 만든 프레스코화는 아직도 놀랍습니다.
시간이 지남에 따라 그의 그림은 고대 건물의 평온함, 묘사된 인물의 생동감, 이미지의 조화가 특징이 되었습니다. 또한 유명한 문학 작품의 그림에 대한 보티첼리의 열정이 알려져 있으며 이는 그의 작품에 명성을 더해주었습니다.
미켈란젤로 부오나로티
미켈란젤로 부오나로티(1475~1564)는 르네상스 시대에도 활동한 이탈리아 예술가입니다. 우리 중 많은 사람에게 알려진 이 사람은 그가 할 수 있는 모든 일을 했습니다. 그리고 조각, 회화, 건축, 그리고 시도요. 미켈란젤로는 라파엘로나 보티첼리처럼 바티칸 교회의 벽을 그렸습니다. 결국, 당시 가장 재능 있는 화가들만이 가톨릭 성당 벽에 이미지를 그리는 등 책임 있는 작업에 참여했습니다. 그는 성서의 다양한 장면을 묘사한 프레스코화로 시스티나 성당의 600평방미터가 넘는 면적을 덮어야 했습니다. 이 스타일의 가장 유명한 작품은 우리에게 "최후의 심판"으로 알려져 있습니다. 성경 이야기의 의미는 완전하고 명확하게 표현됩니다. 이러한 이미지 전달의 정확성은 미켈란젤로의 모든 작품의 특징입니다.
2014년 8월 7일
미술 대학의 학생들과 미술사에 관심이 있는 사람들은 14~15세기에 회화에 급격한 변화, 즉 르네상스가 일어났다는 것을 알고 있습니다. 1420년대쯤에는 모든 사람이 갑자기 그림을 그리는 능력이 훨씬 좋아졌습니다. 이미지는 왜 갑자기 이렇게 사실적이고 디테일하게 변했고, 그림에는 왜 빛과 볼륨이 나타나는 걸까? 오랫동안 아무도 이것에 대해 생각하지 않았습니다. David Hockney가 돋보기를 집어 들 때까지.
그가 무엇을 발견했는지 알아봅시다...
어느 날 그는 19세기 프랑스 학파의 지도자인 장 오귀스트 도미니크 앵그르의 그림을 보고 있었습니다. Hockney는 자신의 작은 그림을 더 큰 규모로 보는 데 관심을 갖게 되었고 복사기로 확대했습니다. 그렇게 그는 르네상스 이후 회화사의 은밀한 면을 우연히 발견하게 되었다.
Ingres의 작은(약 30cm) 그림을 복사한 후 Hockney는 그 그림이 얼마나 사실적인지에 놀랐습니다. 그리고 그에게는 Ingres의 대사가 그에게 뭔가 의미가 있는 것처럼 보였습니다.
상기시키다. 그것은 그에게 워홀의 작품을 생각나게 한다는 것이 밝혀졌습니다. 그리고 워홀은 이렇게 했습니다. 그는 사진을 캔버스에 투사하고 윤곽을 그렸습니다.
왼쪽: Ingres의 그림 세부 사항. 오른쪽: 마오쩌둥을 그린 워홀의 그림
흥미로운 일이라고 Hockney는 말합니다. 분명히 Ingres는 Camera Lucida를 사용했습니다. 이 장치는 예를 들어 태블릿 스탠드에 장착되는 프리즘이 있는 구조입니다. 따라서 작가는 한 눈으로 자신의 그림을 보면서 실제 이미지를 보고, 다른 눈으로는 실제 그림과 손을 봅니다. 그 결과 실제 비율을 종이에 정확하게 전송할 수 있는 착시 현상이 발생합니다. 그리고 이것이 바로 이미지의 사실성을 "보장"하는 것입니다.
카메라 루시다를 사용하여 초상화 그리기, 1807
그러다가 Hockney는 이러한 "광학" 유형의 드로잉과 회화에 진지한 관심을 가지게 되었습니다. 그의 스튜디오에서 그와 그의 팀은 수세기에 걸쳐 만들어진 수백 개의 그림 복제품을 벽에 걸었습니다. "진짜"처럼 보이는 작품과 그렇지 않은 작품. 제작 시기와 지역별로 위쪽이 북쪽, 아래쪽이 남쪽으로 배열된 Hockney와 그의 팀은 14~15세기 전환기에 회화에 급격한 변화를 목격했습니다. 일반적으로 예술사에 대해 조금이라도 아는 사람은 누구나 이것을 르네상스라는 것을 알고 있습니다.
어쩌면 그들은 같은 카메라 루시다를 사용했을까요? 1807년 William Hyde Wollaston이 특허를 받았습니다. 실제로 이러한 장치는 1611년 Johannes Kepler의 작품 Dioptrice에서 설명되었습니다. 그렇다면 그들은 또 다른 광학 장치인 카메라 옵스큐라를 사용했을 수도 있습니다. 아리스토텔레스 시대부터 알려져 왔으며 작은 구멍을 통해 빛이 들어오는 암실이므로 암실에서는 구멍 앞에 있는 것이 투영되지만 반전됩니다. 모든 것이 괜찮을 것이지만, 렌즈 없이 핀홀 카메라로 투사했을 때 얻은 이미지는 가볍게 말하면 품질이 좋지 않고 선명하지 않으며 크기는 말할 것도 없고 밝은 빛도 많이 필요합니다. 투영의. 그러나 고품질의 렌즈를 만드는 것은 16세기까지 거의 불가능했습니다. 당시에는 고품질의 유리를 얻을 수 있는 방법이 없었기 때문입니다. 그 당시 이미 물리학자 Charles Falco와 함께 문제를 해결하기 위해 고군분투하고 있던 Hockney는 사업이라고 생각했습니다.
그런데 초기 르네상스의 플랑드르 화가이자 브뤼헤 출신의 거장 얀 반 에이크(Jan Van Eyck)의 그림에 단서가 담겨 있다. 그림 제목은 '아르놀피니 부부의 초상'이다.
얀 반 에이크 '아르놀피니 부부의 초상' 1434년
이 그림은 엄청난 양의 디테일로 빛나고 있는데, 이는 1434년에만 그려졌기 때문에 매우 흥미롭습니다. 그리고 작가가 이미지의 사실성 측면에서 어떻게 그렇게 큰 진전을 이룰 수 있었는지에 대한 단서는 거울입니다. 또한 촛대 - 믿을 수 없을만큼 복잡하고 현실적입니다.
호크니는 호기심이 가득했습니다. 그는 그런 샹들리에의 사본을 구해서 그려 보았습니다. 작가는 이렇게 복잡한 것을 원근감 있게 그려내기 어렵다는 사실에 직면했다. 또 다른 중요한 점은 이 금속 물체의 이미지가 지닌 물질성이었습니다. 강철 물체를 묘사할 때 하이라이트를 최대한 사실적으로 배치하는 것이 매우 중요합니다. 이렇게 하면 사실성이 뛰어나기 때문입니다. 하지만 이러한 하이라이트의 문제점은 보는 사람이나 작가의 눈이 움직일 때 함께 움직인다는 점이며, 이는 전혀 포착하기가 쉽지 않다는 것을 의미합니다. 그리고 금속과 눈부심을 사실적으로 묘사하는 것도 르네상스 그림의 특징입니다. 이전에는 예술가들이 이것을 시도조차 하지 않았습니다.
Hockney 팀은 샹들리에의 정확한 3D 모델을 재현함으로써 Arnolfini 초상화의 샹들리에가 단일 소실점을 사용하여 원근감 있게 정확하게 그려지도록 했습니다. 그러나 문제는 이 그림이 만들어진 지 약 100년이 지나서야 렌즈가 달린 카메라 옵스큐라와 같은 정밀한 광학 기구가 존재했다는 것입니다.
얀 반 에이크의 그림 "아르놀피니 부부의 초상" 1434년 조각
확대된 조각은 그림 '아르놀피니 부부의 초상'의 거울이 볼록한 모습을 보여준다. 이것은 반대로 오목한 거울도 있다는 것을 의미합니다. 또한 그 당시에는 그러한 거울이 이런 식으로 만들어졌습니다. 유리 구를 가져 와서 바닥을 은으로 덮은 다음 바닥을 제외한 모든 것이 잘립니다. 거울 뒷면은 어두워지지 않았습니다. 이는 얀 반 에이크(Jan Van Eyck)의 오목 거울이 그림에 묘사된 거울과 반대면만 같을 수도 있다는 것을 의미합니다. 그리고 모든 물리학자는 그러한 거울이 반사될 때 반사되는 내용의 그림을 투사한다는 것을 알고 있습니다. 이곳은 그의 친구 물리학자 찰스 팔코(Charles Falco)가 데이비드 호크니(David Hockney)의 계산과 연구를 도왔던 곳입니다.
오목 거울은 창 밖의 탑의 이미지를 캔버스에 투사합니다.
선명하고 초점이 맞춰진 투영 부분의 크기는 약 30제곱센티미터입니다. 이는 많은 르네상스 초상화에 나오는 머리 크기와 정확히 같습니다.
Hockney는 캔버스에 남자의 투영을 설명합니다.
예를 들어 Giovanni Bellini의 "Doge Leonardo Loredan" 초상화(1501), Robert Campin의 남자 초상화(1430), Jan Van Eyck의 실제 초상화 "빨간 터번을 쓴 남자"의 크기입니다. ” 그리고 다른 많은 초기 네덜란드 초상화.
르네상스 초상화
그림을 그리는 일은 고임금 직업이었고 당연히 모든 사업 비밀은 극비로 유지되었습니다. 초심자 모두가 비밀이 주인의 손에 있고 훔칠 수 없다고 믿었다는 것이 예술가에게 유익했습니다. 사업은 외부인에게 폐쇄되었습니다. 예술가는 길드 회원이었고 안장을 만드는 사람부터 거울을 만드는 사람까지 다양한 장인도 포함되었습니다. 그리고 앤트워프에서 설립되어 1382년에 처음 언급된 성 루크 길드(이후 많은 북부 도시에 유사한 길드가 열렸고 가장 큰 길드 중 하나는 Van Eyck이 살았던 도시인 브뤼헤의 길드였습니다)에도 거울을 만드는 주인이 있었습니다. .
이것이 Hockney가 Van Eyck 그림의 복잡한 샹들리에를 그리는 방법을 재현한 방법입니다. 투영된 호크니의 샹들리에의 크기가 <아르놀피니 부부의 초상> 속 샹들리에의 크기와 정확히 일치한다는 것은 전혀 놀라운 일이 아니다. 그리고 물론, 금속의 하이라이트 - 프로젝션에서 그들은 여전히 서 있고 아티스트가 위치를 변경할 때 변경되지 않습니다.
그러나 카메라 옵스큐라를 사용하는 데 필요한 고품질 광학 장치의 출현이 100년이나 남았고 거울을 사용하여 얻은 투영의 크기가 매우 작기 때문에 문제가 아직 완전히 해결되지 않았습니다. 30제곱센티미터보다 큰 그림을 그리는 방법은 무엇입니까? 그것은 마치 콜라주처럼 만들어졌습니다. 여러 관점에서 보면 소실점이 많은 구형 비전 같았습니다. Hockney는 자신이 그러한 사진을 만들었 기 때문에 이것을 이해했습니다. 그는 정확히 동일한 효과를 얻는 많은 사진 콜라주를 만들었습니다.
거의 1세기 후인 1500년대에 마침내 유리를 잘 얻고 가공하는 것이 가능해졌으며 대형 렌즈가 등장했습니다. 그리고 그들은 마침내 고대부터 작동 원리가 알려진 카메라 옵스큐라에 삽입될 수 있었습니다. 카메라 옵스큐라 렌즈는 이제 어떤 크기로도 투영할 수 있기 때문에 시각 예술에 있어 놀라운 혁명이었습니다. 그리고 한 가지 더, 이제 이미지는 "광각"이 아니라 거의 일반적인 측면, 즉 초점 거리가 35-50mm인 렌즈로 촬영할 때와 거의 동일합니다.
그러나 렌즈가 있는 핀홀 카메라를 사용할 때의 문제점은 렌즈의 전방 투영이 거울상이라는 것입니다. 이로 인해 광학 사용 초기 단계에는 왼손잡이 화가가 많았습니다. 1600년대 프란스 할스 박물관의 이 그림처럼 왼손잡이 커플이 춤을 추고 있고, 왼손잡이 노인이 그들에게 손가락을 흔들고 있고, 왼손잡이 원숭이가 여자의 드레스 아래를 바라보고 있습니다.
이 사진 속 사람들은 모두 왼손잡이입니다.
렌즈가 향하는 거울을 설치하여 올바른 투영을 얻으면 문제가 해결됩니다. 그러나 좋고 매끄럽고 큰 거울은 많은 비용이 들기 때문에 모든 사람이 그것을 가지고 있는 것은 아닙니다.
또 다른 문제는 집중이었습니다. 사실은 투영 광선 아래 캔버스의 한 위치에 있는 그림의 일부 부분이 초점이 맞지 않고 명확하지 않다는 것입니다. 광학의 사용이 매우 분명한 Jan Vermeer의 작품에서 그의 작품은 일반적으로 사진처럼 보이며 "초점"이 맞지 않는 부분도 볼 수 있습니다. 렌즈가 만들어내는 악명 높은 "보케" 패턴도 볼 수 있습니다. 예를 들어 그림 "The Milkmaid"(1658)에서는 바구니와 그 안에 담긴 빵, 파란색 꽃병이 초점이 맞지 않습니다. 그러나 인간의 눈은 초점이 맞지 않는 것을 볼 수 없습니다.
사진의 일부 부분이 초점이 맞지 않습니다.
그리고 이 모든 것을 고려할 때 Jan Vermeer의 좋은 친구가 과학자이자 미생물학자이자 자신의 현미경과 렌즈를 만든 독특한 주인인 Anthony Phillips van Leeuwenhoek이라는 것은 전혀 놀라운 일이 아닙니다. 과학자는 예술가의 사후 관리인이 되었습니다. 이것은 Vermeer가 "지리학자"와 "천문학자"라는 두 개의 캔버스에 그의 친구를 묘사했음을 시사합니다.
초점이 맞는 부분을 보려면 투영 광선 아래 캔버스의 위치를 변경해야 합니다. 하지만 이 경우에는 비율의 오류가 나타났습니다. 여기에서 볼 수 있듯이 Parmigianino의 "Anthea"(약 1537년)의 거대한 어깨, Anthony Van Dyck의 "Lady Genovese"(1626)의 작은 머리, Georges de La Tour의 그림에 나오는 농부의 거대한 다리 .
비율의 오류
물론 모든 예술가는 렌즈를 다르게 사용했습니다. 일부는 스케치용이었고 일부는 다른 부분으로 구성되었습니다. 결국 이제 초상화를 만들고 다른 모델이나 마네킹을 사용하여 다른 모든 것을 마무리하는 것이 가능해졌습니다.
벨라스케스의 그림은 거의 남아 있지 않습니다. 그러나 그의 걸작은 교황 인노첸시오 10세의 초상화(1650)로 남았습니다. 교황의 망토에는 놀라운 빛의 유희가 있습니다. 분명히 비단입니다. Blikov. 그리고 이 모든 것을 한 관점에서 쓰려면 많은 노력이 필요했습니다. 그러나 투영을 하면 이 모든 아름다움은 어디에서나 사라지지 않습니다. 하이라이트가 더 이상 움직이지 않으며 Velasquez와 같은 넓고 빠른 스트로크로 칠할 수 있습니다.
Hockney는 Velazquez의 그림을 재현합니다.
그 후 많은 예술가들이 카메라 옵스큐라를 구입할 수 있게 되었고 이는 더 이상 큰 비밀이 아니게 되었습니다. Canaletto는 베니스의 풍경을 만들기 위해 카메라를 적극적으로 사용했으며 이를 숨기지 않았습니다. 이 그림들은 정확성 덕분에 다큐멘터리 작가로서 카날레토에 대해 이야기할 수 있게 해줍니다. 카날레토 덕분에 아름다운 그림뿐만 아니라 이야기 자체도 볼 수 있습니다. 1746년 런던 최초의 웨스트민스터 다리가 어떤 모습이었는지 볼 수 있습니다.
카날레토 "웨스트민스터 다리" 1746년
영국 예술가 조슈아 레이놀즈 경(Sir Joshua Reynolds)은 카메라 옵스큐라를 소유하고 있었는데 그의 카메라가 접혀서 책처럼 보이기 때문에 아무에게도 말하지 않은 것 같습니다. 오늘은 런던 과학 박물관에 있습니다.
책으로 위장한 카메라 옵스큐라
마지막으로, 19세기 초 William Henry Fox Talbot은 카메라 루시다(한 쪽 눈으로 보고 손으로 그려야 하는 카메라)를 사용하여 저주를 받고 그러한 불편을 영원히 끝내야 한다고 결정했습니다. 모두, 그리고 화학 사진의 발명가 중 한 사람이 되었고, 나중에 그것을 대량으로 만든 대중화자가 되었습니다.
사진의 발명으로 그림의 사실성에 대한 회화의 독점은 사라졌고 이제 사진은 독점자가 되었습니다. 그리고 여기서 마침내 그림은 렌즈에서 벗어나 1400년대의 길을 이어갔고 반 고흐는 20세기 모든 예술의 선구자가 되었습니다.
왼쪽: 12세기 비잔틴 모자이크. 오른쪽: 빈센트 반 고흐, 트라벅 씨의 초상, 1889년.
사진의 발명은 회화 역사상 최고의 사건입니다. 더 이상 실제 이미지만을 만들 필요가 없었으며 아티스트는 자유로워졌습니다. 물론, 대중이 예술가들의 시각 음악에 대한 이해를 따라잡고 반 고흐 같은 사람들이 '미쳤다'고 생각하는 것을 멈추는 데는 한 세기가 걸렸습니다. 동시에 예술가들은 사진을 ‘참고자료’로 적극적으로 활용하기 시작했다. 그러다가 바실리 칸딘스키, 러시아 아방가르드, 마크 로스코, 잭슨 폴락 같은 사람들이 등장했습니다. 회화에 이어 건축, 조각, 음악도 해방됐다. 사실, 러시아 회화 학교는 시간에 얽매이지 않으며 오늘날에도 학원과 학교에서 사진을 보조 수단으로 사용하는 것은 여전히 불명예로 간주되며 가장 높은 업적은 가능한 한 사실적으로 그림을 그리는 순전히 기술적 능력으로 간주됩니다. 맨손으로.
David Hockney와 Falco를 연구하는 동안 참석했던 저널리스트 Lawrence Weschler의 기사 덕분에 또 다른 흥미로운 사실이 밝혀졌습니다. Van Eyck의 Arnolfini 부부 초상화는 Bruges에있는 이탈리아 상인의 초상화입니다. Arnolfini 씨는 피렌체 사람이고 또한 Medici 은행의 대표자입니다(실질적으로 르네상스 시대 피렌체의 거장이며 이탈리아에서는 당시 예술의 후원자로 간주됩니다). 이것은 무엇을 의미 하는가? 그가 거울 인 성 루크 길드의 비밀을 그와 함께 피렌체로 쉽게 가져갈 수 있었다는 사실은 전통적인 역사에서 믿어지는 것처럼 르네상스가 시작되었고 브뤼헤의 예술가들 (따라서 다른 거장들) )는 "원시주의자"로 간주됩니다.
Hockney-Falco 이론을 둘러싸고 많은 논란이 있습니다. 그러나 그 안에는 확실히 일말의 진실이 있습니다. 미술 평론가, 비평가, 역사가의 경우 역사와 미술에 관한 과학적 작품이 실제로 완전히 말도 안되는 것으로 판명된 경우가 얼마나 되는지 상상조차 하기 어렵습니다. 그러나 이는 미술의 전체 역사, 모든 이론 및 텍스트를 변화시킵니다.
광학 사용에 관한 사실은 어떤 식으로든 예술가의 재능을 손상시키지 않습니다. 결국 기술은 예술가가 원하는 것을 전달하는 수단입니다. 그리고 그 반대로, 이 그림들이 가장 실제적인 현실을 담고 있다는 사실은 그 그림들에 무게를 더할 뿐입니다. 결국 이것이 바로 그 당시의 사람들, 사물, 건물, 도시의 모습이었습니다. 이것들은 실제 문서입니다.
르네상스 예술의 첫 번째 선구자는 14세기 이탈리아에서 나타났습니다. 이 시대의 예술가로는 Pietro Cavallini(1259-1344), Simone Martini(1284-1344) 그리고 (가장 주목할만한) 지오토
(1267-1337) 전통적인 종교 주제의 그림을 만들 때 그들은 새로운 예술적 기법을 사용하기 시작했습니다. 즉, 배경의 풍경을 사용하여 3차원 구성을 구축하여 이미지를 더욱 현실적이고 생동감 있게 만들 수 있었습니다. 이는 그들의 작업을 이미지의 관습으로 가득 찬 이전의 도상학적 전통과 뚜렷하게 구별했습니다.
창의성을 나타내는 데 사용되는 용어 원시 르네상스(1300년대 - "트레센토")
.
지오토 디 본도네
(c. 1267-1337) - 프로토 르네상스 시대의 이탈리아 예술가이자 건축가. 서양 미술사에서 중요한 인물 중 한 명. 비잔틴 성상화 전통을 극복한 그는 이탈리아 회화 학교의 진정한 창시자가 되었으며 공간 묘사에 대한 완전히 새로운 접근 방식을 개발했습니다. Giotto의 작품은 Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo에서 영감을 받았습니다.
초기 르네상스(1400년대 - Quattrocento).
15세기 초 필리포 브루넬레스키
(1377-1446), 피렌체의 과학자이자 건축가.
브루넬레스키는 자신이 재구성한 목욕탕과 극장에 대한 인식을 더욱 시각적으로 만들고 싶었고 특정 관점에 대한 그의 계획을 바탕으로 기하학적 원근법 그림을 만들려고 노력했습니다. 이번 검색에서 발견된 직접적인 관점.
이를 통해 예술가들은 평면 회화 캔버스에 3차원 공간의 완벽한 이미지를 얻을 수 있었습니다.
_________르네상스로 가는 또 다른 중요한 단계는 비종교적이고 세속적인 예술의 출현이었습니다. 초상화와 풍경은 독립적인 장르로 자리 잡았습니다. 종교적 주제조차도 다른 해석을 얻었습니다. 르네상스 예술가들은 자신의 캐릭터를 뚜렷한 개인 특성과 행동에 대한 인간 동기를 가진 영웅으로 보기 시작했습니다.
이 시대의 가장 유명한 예술가는 다음과 같다. 마사초 (1401-1428), 마솔리노 (1383-1440), 베노초 고졸리 (1420-1497), 피에로 델라 프란체스코 (1420-1492), 안드레아 만테냐 (1431-1506), 조반니 벨리니 (1430-1516), 안토넬로 다 메시나 (1430-1479), 도메니코 기를란다이오 (1449-1494), 산드로 보티첼리 (1447-1515).
마사초
(1401-1428) - 유명한 이탈리아 화가, 피렌체 학교의 가장 큰 거장, Quattrocento 시대 회화의 개혁자.
 |
| 프레스코. 스타티르의 기적. |
 |
| 그림. 큰 시련. |
 |
| 프레스코. 시바 여왕의 이야기. 아레초의 산 프란체스코 교회 |
산드로 보티첼리(1445-1510) - 피렌체 회화 학교를 대표하는 위대한 이탈리아 화가.
 |
| 봄. |
 |
| 비너스의 탄생. |
전성기 르네상스("Cinquecento").
르네상스 예술의 가장 높은 꽃이 피었습니다. 16세기 1분기 동안.
공장 산소비노 (1486-1570), 레오나르도 다빈치 (1452-1519), 라파엘 산티 (1483-1520), 미켈란젤로 부오나로티 (1475-1564), 조르조네 (1476-1510), 티치아노 (1477-1576), 안토니오 코레지오 (1489-1534)는 유럽 예술의 황금 기금을 구성합니다.
레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치 (피렌체) (1452-1519) - 이탈리아 예술가(화가, 조각가, 건축가) 및 과학자(해부학자, 박물학자), 발명가, 작가.
 |
| 자화상 |
 |
| 담비를 키우는 아가씨. 1490. 차르토리스키 박물관, 크라쿠프 |
 |
| 모나리자 (1503-1505/1506) |
 |
| 마돈나 리타. 1490-1491. 에르미타주 박물관. |
 |
| 마돈나 베누아(꽃을 든 마돈나). 1478-1480 |
 |
| 카네이션을 든 마돈나. 1478년 |
레오나르도 다빈치는 생애 동안 해부학에 관해 수천 개의 메모와 그림을 만들었지만 그의 작품을 출판하지는 않았습니다. 그는 사람과 동물의 몸을 해부하면서 세세한 부분까지 골격과 내부 장기의 구조를 정확하게 전달했다. 임상 해부학 교수인 피터 에이브럼스(Peter Abrams)에 따르면, 다빈치의 과학적 연구는 시대를 300년 앞섰으며 여러 면에서 유명한 그레이 해부학(Gray's Anatomy)보다 뛰어났습니다.
실제 발명품과 그에게 귀속된 발명품 목록:
낙하산, 에올레스트소보 성자전거, 티앙크, 난육군용 경량 휴대용 교량, p프로젝터, 에atapult, r둘 다, 디Vuhlens 망원경.
이러한 혁신은 이후에 개발되었습니다. 라파엘 산티 (1483-1520) - Umbrian 학교를 대표하는 위대한 화가, 그래픽 아티스트 및 건축가.
| 자화상. 1483 |
미켈란젤로 디 로도비코 디 레오나르도 디 부오나로티 시모니(1475-1564) - 이탈리아 조각가, 예술가, 건축가, 시인, 사상가.
미켈란젤로 부오나로티의 그림과 조각은 영웅적인 애절함과 동시에 휴머니즘의 위기에 대한 비극적 감각으로 가득 차 있습니다. 그의 그림은 인간의 힘과 힘, 신체의 아름다움을 찬양하는 동시에 세상에서의 외로움을 강조합니다.
미켈란젤로의 천재성은 르네상스 예술뿐만 아니라 이후의 모든 세계 문화에도 그 흔적을 남겼습니다. 그의 활동은 주로 이탈리아의 두 도시인 피렌체와 로마와 연결되어 있습니다.
그러나 예술가는 자신의 가장 야심 찬 계획을 그림에서 정확하게 실현할 수 있었고 그곳에서 그는 색상과 형태의 진정한 혁신가로 활동했습니다.
교황 율리우스 2세의 의뢰로 그는 시스티나 성당의 천장화(1508-1512)를 그렸는데, 이 그림은 천지 창조부터 홍수까지의 성경 이야기를 표현하고 300개가 넘는 인물을 포함하고 있습니다. 1534~1541년에는 같은 시스티나 성당에서 교황 바오로 3세를 위한 장대하고 극적인 프레스코화 '최후의 심판'을 그렸습니다.
시스티나 성당 3D.
Giorgione과 Titian의 작품은 풍경에 대한 관심과 줄거리의 시화로 구별됩니다. 두 예술가 모두 인물의 성격과 풍부한 내면 세계를 전달하는 도움으로 초상화 예술에서 큰 숙달을 달성했습니다.
조르조 바르바렐리 다 카스텔프랑코(Giorgio Barbarelli da Castelfranco) 조르지오네) (1476/147-1510) - 베네치아 회화 학교를 대표하는 이탈리아 예술가.
 |
||||
| 잠자는 비너스. 1510 |
 |
| 주디스. 1504g |
티치아노는 성서와 신화를 주제로 그림을 그렸으며 초상화 화가로도 유명해졌습니다. 그는 왕과 교황, 추기경, 공작, 왕자들로부터 명령을 받았습니다. 티치아노는 베니스 최고의 화가로 인정받았을 때 서른 살도 되지 않았습니다.
 |
| 자화상. 1567년 |
 |
| 우르비노의 비너스. 1538년 |
 |
| 토마소 모스티의 초상화. 1520 |
후기 르네상스.
1527년 제국군이 로마를 약탈한 이후, 이탈리아 르네상스는 위기의 시기로 접어들었습니다. 이미 후기 라파엘로의 작품에서 새로운 예술적 라인이 윤곽을 잡았습니다. 매너리즘.
이 시대는 부풀려진 선, 길거나 심지어 변형된 인물, 종종 적나라하고 긴장되고 부자연스러운 포즈, 크기, 조명 또는 원근감과 관련된 특이하거나 기괴한 효과, 부식성 색채 범위의 사용, 과부하된 구성 등이 특징입니다. 최초의 매너리즘 파르미지아니노
, 폰토르모
, 브론치노-
피렌체에 있는 메디치 가문의 공작 궁정에서 살면서 일했습니다. 매너리즘 패션은 나중에 이탈리아 전역과 그 외 지역으로 퍼졌습니다.
지롤라모 프란체스코 마리아 마졸라
(파르미지아니노
- "파르마 주민") (1503-1540) 이탈리아 예술가이자 조각가, 매너리즘의 대표자.
 |
| 자화상. 1540 |
 |
| 여자의 초상화입니다. 1530. |
폰토르모 (1494-1557) - 매너리즘의 창시자 중 한 명인 피렌체 학교를 대표하는 이탈리아 화가.
1590년대에는 예술이 매너리즘을 대체했습니다. 바로크 (과도기 수치 - 틴토레토 그리고 엘 그레코 ).
야코포 로부스티(Jacopo Robusti)로 더 잘 알려져 있습니다. 틴토레토 (1518 또는 1519-1594) - 후기 르네상스 베네치아 학교의 화가.
 |
| 최후의 만찬. 1592-1594. 베니스의 산 조르조 마조레 교회. |
엘 그레코 ("그리스 어" 도메니코스 테오토코풀로스 ) (1541-1614) - 스페인 예술가. 원산지 - 크레타 섬 출신의 그리스인.
엘 그레코에게는 당시 추종자가 없었고 그의 천재성은 그가 죽은 지 거의 300년 후에 재발견되었습니다.
엘 그레코는 티치아노의 작업실에서 공부했지만 그의 그림 기법은 선생님의 기법과 크게 다릅니다. El Greco의 작품은 실행 속도와 표현력이 특징으로 현대 회화에 더 가까워집니다.
 |
| 십자가에 달리신 그리스도. 좋아요. 1577. 개인 소장품. |
 |
| 삼위 일체. 1579 프라도. |
르네상스 예술의 첫 번째 선구자는 14세기 이탈리아에서 나타났습니다. 이 시대의 예술가로는 Pietro Cavallini(1259-1344), Simone Martini(1284-1344) 그리고 (가장 주목할만한) 지오토
(1267-1337) 전통적인 종교 주제의 그림을 만들 때 그들은 새로운 예술적 기법을 사용하기 시작했습니다. 즉, 배경의 풍경을 사용하여 3차원 구성을 구축하여 이미지를 더욱 현실적이고 생동감 있게 만들 수 있었습니다. 이는 그들의 작업을 이미지의 관습으로 가득 찬 이전의 도상학적 전통과 뚜렷하게 구별했습니다.
창의성을 나타내는 데 사용되는 용어 원시 르네상스(1300년대 - "트레센토")
.
지오토 디 본도네
(c. 1267-1337) - 프로토 르네상스 시대의 이탈리아 예술가이자 건축가. 서양 미술사에서 중요한 인물 중 한 명. 비잔틴 성상화 전통을 극복한 그는 이탈리아 회화 학교의 진정한 창시자가 되었으며 공간 묘사에 대한 완전히 새로운 접근 방식을 개발했습니다. Giotto의 작품은 Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo에서 영감을 받았습니다.
초기 르네상스(1400년대 - Quattrocento).
15세기 초 필리포 브루넬레스키
(1377-1446), 피렌체의 과학자이자 건축가.
브루넬레스키는 자신이 재구성한 목욕탕과 극장에 대한 인식을 더욱 시각적으로 만들고 싶었고 특정 관점에 대한 그의 계획을 바탕으로 기하학적 원근법 그림을 만들려고 노력했습니다. 이번 검색에서 발견된 직접적인 관점.
이를 통해 예술가들은 평면 회화 캔버스에 3차원 공간의 완벽한 이미지를 얻을 수 있었습니다.
_________르네상스로 가는 또 다른 중요한 단계는 비종교적이고 세속적인 예술의 출현이었습니다. 초상화와 풍경은 독립적인 장르로 자리 잡았습니다. 종교적 주제조차도 다른 해석을 얻었습니다. 르네상스 예술가들은 자신의 캐릭터를 뚜렷한 개인 특성과 행동에 대한 인간 동기를 가진 영웅으로 보기 시작했습니다.
이 시대의 가장 유명한 예술가는 다음과 같다. 마사초 (1401-1428), 마솔리노 (1383-1440), 베노초 고졸리 (1420-1497), 피에로 델라 프란체스코 (1420-1492), 안드레아 만테냐 (1431-1506), 조반니 벨리니 (1430-1516), 안토넬로 다 메시나 (1430-1479), 도메니코 기를란다이오 (1449-1494), 산드로 보티첼리 (1447-1515).
마사초
(1401-1428) - 유명한 이탈리아 화가, 피렌체 학교의 가장 큰 거장, Quattrocento 시대 회화의 개혁자.
|
| 프레스코. 스타티르의 기적. |
|
| 그림. 큰 시련. |
|
| 프레스코. 시바 여왕의 이야기. 아레초의 산 프란체스코 교회 |
산드로 보티첼리(1445-1510) - 피렌체 회화 학교를 대표하는 위대한 이탈리아 화가.
|
| 봄. |
|
| 비너스의 탄생. |
전성기 르네상스("Cinquecento").
르네상스 예술의 가장 높은 꽃이 피었습니다. 16세기 1분기 동안.
공장 산소비노 (1486-1570), 레오나르도 다빈치 (1452-1519), 라파엘 산티 (1483-1520), 미켈란젤로 부오나로티 (1475-1564), 조르조네 (1476-1510), 티치아노 (1477-1576), 안토니오 코레지오 (1489-1534)는 유럽 예술의 황금 기금을 구성합니다.
레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치 (피렌체) (1452-1519) - 이탈리아 예술가(화가, 조각가, 건축가) 및 과학자(해부학자, 박물학자), 발명가, 작가.
|
| 자화상 |
|
| 담비를 키우는 아가씨. 1490. 차르토리스키 박물관, 크라쿠프 |
|
| 모나리자 (1503-1505/1506) |
|
| 마돈나 리타. 1490-1491. 에르미타주 박물관. |
|
| 마돈나 베누아(꽃을 든 마돈나). 1478-1480 |
|
| 카네이션을 든 마돈나. 1478년 |
레오나르도 다빈치는 생애 동안 해부학에 관해 수천 개의 메모와 그림을 만들었지만 그의 작품을 출판하지는 않았습니다. 그는 사람과 동물의 몸을 해부하면서 세세한 부분까지 골격과 내부 장기의 구조를 정확하게 전달했다. 임상 해부학 교수인 피터 에이브럼스(Peter Abrams)에 따르면, 다빈치의 과학적 연구는 시대를 300년 앞섰으며 여러 면에서 유명한 그레이 해부학(Gray's Anatomy)보다 뛰어났습니다.
실제 발명품과 그에게 귀속된 발명품 목록:
낙하산, 에올레스트소보 성자전거, 티앙크, 난육군용 경량 휴대용 교량, p프로젝터, 에atapult, r둘 다, 디Vuhlens 망원경.
이러한 혁신은 이후에 개발되었습니다. 라파엘 산티 (1483-1520) - Umbrian 학교를 대표하는 위대한 화가, 그래픽 아티스트 및 건축가.
| 자화상. 1483 |
미켈란젤로 디 로도비코 디 레오나르도 디 부오나로티 시모니(1475-1564) - 이탈리아 조각가, 예술가, 건축가, 시인, 사상가.
미켈란젤로 부오나로티의 그림과 조각은 영웅적인 애절함과 동시에 휴머니즘의 위기에 대한 비극적 감각으로 가득 차 있습니다. 그의 그림은 인간의 힘과 힘, 신체의 아름다움을 찬양하는 동시에 세상에서의 외로움을 강조합니다.
미켈란젤로의 천재성은 르네상스 예술뿐만 아니라 이후의 모든 세계 문화에도 그 흔적을 남겼습니다. 그의 활동은 주로 이탈리아의 두 도시인 피렌체와 로마와 연결되어 있습니다.
그러나 예술가는 자신의 가장 야심 찬 계획을 그림에서 정확하게 실현할 수 있었고 그곳에서 그는 색상과 형태의 진정한 혁신가로 활동했습니다.
교황 율리우스 2세의 의뢰로 그는 시스티나 성당의 천장화(1508-1512)를 그렸는데, 이 그림은 천지 창조부터 홍수까지의 성경 이야기를 표현하고 300개가 넘는 인물을 포함하고 있습니다. 1534~1541년에는 같은 시스티나 성당에서 교황 바오로 3세를 위한 장대하고 극적인 프레스코화 '최후의 심판'을 그렸습니다.
시스티나 성당 3D.
Giorgione과 Titian의 작품은 풍경에 대한 관심과 줄거리의 시화로 구별됩니다. 두 예술가 모두 인물의 성격과 풍부한 내면 세계를 전달하는 도움으로 초상화 예술에서 큰 숙달을 달성했습니다.
조르조 바르바렐리 다 카스텔프랑코(Giorgio Barbarelli da Castelfranco) 조르지오네) (1476/147-1510) - 베네치아 회화 학교를 대표하는 이탈리아 예술가.
|
||||
| 잠자는 비너스. 1510 |
|
| 주디스. 1504g |
티치아노는 성서와 신화를 주제로 그림을 그렸으며 초상화 화가로도 유명해졌습니다. 그는 왕과 교황, 추기경, 공작, 왕자들로부터 명령을 받았습니다. 티치아노는 베니스 최고의 화가로 인정받았을 때 서른 살도 되지 않았습니다.
|
| 자화상. 1567년 |
|
| 우르비노의 비너스. 1538년 |
|
| 토마소 모스티의 초상화. 1520 |
후기 르네상스.
1527년 제국군이 로마를 약탈한 이후, 이탈리아 르네상스는 위기의 시기로 접어들었습니다. 이미 후기 라파엘로의 작품에서 새로운 예술적 라인이 윤곽을 잡았습니다. 매너리즘.
이 시대는 부풀려진 선, 길거나 심지어 변형된 인물, 종종 적나라하고 긴장되고 부자연스러운 포즈, 크기, 조명 또는 원근감과 관련된 특이하거나 기괴한 효과, 부식성 색채 범위의 사용, 과부하된 구성 등이 특징입니다. 최초의 매너리즘 파르미지아니노
, 폰토르모
, 브론치노-
피렌체에 있는 메디치 가문의 공작 궁정에서 살면서 일했습니다. 매너리즘 패션은 나중에 이탈리아 전역과 그 외 지역으로 퍼졌습니다.
지롤라모 프란체스코 마리아 마졸라
(파르미지아니노
- "파르마 주민") (1503-1540) 이탈리아 예술가이자 조각가, 매너리즘의 대표자.
|
| 자화상. 1540 |
|
| 여자의 초상화입니다. 1530. |
폰토르모 (1494-1557) - 매너리즘의 창시자 중 한 명인 피렌체 학교를 대표하는 이탈리아 화가.
1590년대에는 예술이 매너리즘을 대체했습니다. 바로크 (과도기 수치 - 틴토레토 그리고 엘 그레코 ).
야코포 로부스티(Jacopo Robusti)로 더 잘 알려져 있습니다. 틴토레토 (1518 또는 1519-1594) - 후기 르네상스 베네치아 학교의 화가.
|
| 최후의 만찬. 1592-1594. 베니스의 산 조르조 마조레 교회. |
엘 그레코 ("그리스 어" 도메니코스 테오토코풀로스 ) (1541-1614) - 스페인 예술가. 원산지 - 크레타 섬 출신의 그리스인.
엘 그레코에게는 당시 추종자가 없었고 그의 천재성은 그가 죽은 지 거의 300년 후에 재발견되었습니다.
엘 그레코는 티치아노의 작업실에서 공부했지만 그의 그림 기법은 선생님의 기법과 크게 다릅니다. El Greco의 작품은 실행 속도와 표현력이 특징으로 현대 회화에 더 가까워집니다.
|
| 십자가에 달리신 그리스도. 좋아요. 1577. 개인 소장품. |
|
| 삼위 일체. 1579 프라도. |
르네상스 예술가들의 이름은 오랫동안 보편적인 인식으로 둘러싸여 있었습니다. 그들에 대한 많은 판단과 평가는 공리가 되었습니다. 그러나 이들을 비판적으로 다루는 것은 미술사의 권리일 뿐만 아니라 의무이기도 하다. 그래야만 그들의 예술이 후세에 대한 진정한 의미를 유지할 수 있습니다.
15세기 중반과 후반의 르네상스 거장 중에서 피에로 델라 프란체스카, 만테냐, 보티첼리, 레오나르도 다 빈치 등 네 사람을 언급할 필요가 있습니다. 그들은 영주권이 널리 확립된 동시대 사람들이었고 왕실을 다루었지만 이것이 그들의 예술이 전적으로 군주적이었다는 것을 의미하지는 않습니다. 그들은 영주로부터 줄 수 있는 것을 빼앗고 재능과 열정으로 돈을 지불했지만 "르네상스의 아버지"의 후계자로 남아 있었고 그들의 명령을 기억하고 업적을 높이며 그들을 능가하려고 노력했으며 때로는 그들을 능가했습니다. 이탈리아에서 수년 동안 점진적인 반응을 보이는 동안 그들은 훌륭한 예술을 창조했습니다.
피에로 델라 프란체스카
피에로 델라 프란체스카는 최근까지 가장 덜 알려지고 인정받았습니다. 15세기 초 피렌체 거장들이 피에로 델라 프란체스카에게 끼친 영향과 그의 동시대인들과 후계자들, 특히 베네치아 학파에 끼친 상호 영향은 올바르게 지적되었습니다. 그러나 이탈리아 회화에서 피에로 델라 프란체스카의 예외적이고 탁월한 위치는 아직 충분히 실현되지 않았습니다. 아마도 시간이 지남에 따라 그의 인지도는 더욱 높아질 것입니다.
피에로 델라 프란체스카 (1420-1492) 초기 르네상스를 대표하는 이탈리아 예술가이자 이론가
Piero della Francesca는 피렌체 사람들이 만든 "새로운 예술"의 모든 업적을 소유했지만 피렌체에 머물지 않고 고향 인 지방으로 돌아 왔습니다. 이것은 그를 귀족적 취향에서 구해냈습니다. 그는 재능으로 명성을 얻었고 교황청에서도 그에게 임무를 부여했습니다. 그러나 그는 궁정 예술가가 되지는 못했다. 그는 항상 자신과 자신의 소명, 매력적인 뮤즈에게 충실했습니다. 그는 동시대인 중에서 불화와 이중성, 잘못된 길로 빠질 위험을 몰랐던 유일한 예술가이다. 그는 결코 조각품과 경쟁하거나 조각적이거나 그래픽적인 표현 수단에 의지하지 않았습니다. 모든 것이 그의 회화 언어로 표현됩니다.
그의 가장 크고 가장 아름다운 작품은 아레초(1452-1466)의 “십자가의 역사”라는 주제의 프레스코화입니다. 작업은 지역 상인 바치의 뜻에 따라 진행됐다. 아마도 고인의 유언 집행자인 성직자가 프로그램 개발에 참여했을 것입니다. Piero della Francesca는 J. da Voragine의 소위 "황금 전설"에 의존했습니다. 그는 또한 예술가들 사이에 전임자가있었습니다. 그러나 주요 아이디어는 분명히 그 사람의 것이었습니다. 그 속에는 작가의 지혜와 성숙함, 시적 감성이 고스란히 담겨 있다.
당시 이탈리아의 유일한 화보집이었던 '십자가의 역사'는 이중적인 의미를 지닌다. 한편으로는 갈보리 십자가가 만들어진 나무가 어떻게 자랐는지, 그리고 나중에 그 기적적인 힘이 어떻게 나타나는지에 대한 전설에 나오는 모든 것이 여기에 제시되어 있습니다. 그러나 개별 그림이 연대순으로 정렬되어 있지 않기 때문에 이러한 문자 그대로의 의미는 뒷전으로 밀려나는 것 같습니다. 작가는 인간 삶의 다양한 형태에 대한 아이디어를 제공하는 방식으로 그림을 배열했습니다. 가부장제에 대해 - 아담의 죽음 장면과 헤라클리우스의 십자가 이동, 세속적 법원에 대해 , 도시-시바 여왕의 장면과 십자가 찾기, 그리고 마지막으로 군대에 관한 전투- "콘스탄틴의 승리"와 "헤라클리우스의 승리"에서. 본질적으로 Piero della Francesca는 삶의 거의 모든 측면을 다루었습니다. 그의주기에는 역사, 전설, 삶, 일, 자연 사진 및 동시대 인물의 초상화가 포함되었습니다. 피렌체에 정치적으로 종속된 산 프란체스코 교회의 아레초 시에는 이탈리아 르네상스의 가장 주목할만한 프레스코 화가 있었습니다.
피에로 델라 프란체스카의 예술은 이상적인 것보다 더 현실적입니다. 그에게는 합리적인 원칙이 지배하지만 마음의 목소리를 압도할 수 있는 합리성은 아닙니다. 그리고 이런 점에서 피에로 델라 프란체스카는 르네상스의 가장 밝고 생산적인 힘을 의인화합니다.
안드레아 만테냐
Mantegna의 이름은 고대 고고학에 대한 광범위한 지식으로 무장하고 로마 유물을 사랑하는 인문주의 예술가의 아이디어와 관련이 있습니다. 그는 평생 동안 Mantua d'Este 공작을 섬겼고, 궁정 화가였으며, 지시를 수행하고, 충실하게 섬겼습니다(비록 그들이 항상 그에게 합당한 것을 주지는 않았지만). 독립적이고 고대의 용맹이라는 이상에 헌신했으며 그의 작품에 보석 세공인의 정확성을 부여하려는 그의 열망에 열광적으로 충실했습니다. 이를 위해서는 엄청난 영적 힘이 필요했습니다. Mantegna의 예술은 가혹하고 때로는 무자비할 정도로 잔인합니다. 피에로 델라 프란체스카의 예술과 다르며 도나텔로에 접근합니다.
안드레아 만테냐. 오베타리 예배당의 자화상
파도바의 에레미타니 교회에 있는 만테냐의 초기 프레스코화에는 성 베드로의 생애가 그려져 있습니다. 야고보와 그의 순교는 이탈리아 벽화의 훌륭한 예입니다. Mantegna는 로마 예술 (Herculaneum 발굴 후 서양에 알려진 그림)과 유사한 것을 만드는 것에 대해 전혀 생각하지 않았습니다. 그 고대는 인류의 황금시대가 아니라 황제의 철시대이다.
그는 로마인들보다 거의 더 나은 로마의 용기를 찬양합니다. 그의 영웅은 갑옷을 입고 조각상입니다. 그의 바위산은 조각가의 끌로 정교하게 깎아 만들어졌습니다. 하늘에 떠 있는 구름마저도 금속으로 주조된 것 같습니다. 이 화석과 주물들 사이에서 전투로 단련된 영웅들은 행동하고, 용감하고, 단호하고, 끈질기고, 의무감과 정의에 헌신하고, 자기 희생을 할 준비가 되어 있습니다. 사람들은 공간에서 자유롭게 이동하지만 일렬로 줄을 서서 마치 돌 부조처럼 보입니다. 만테냐의 이 세계는 눈을 매혹시키지 않습니다. 하지만 그것이 작가의 정신적 충동에 의해 만들어졌다는 점은 인정하지 않을 수 없다. 그러므로 여기에서 결정적으로 중요한 것은 학식 있는 친구들의 조언이 아니라 그의 강력한 상상력, 의지로 묶인 열정, 자신감 있는 기술인 작가의 인문학적 박식이었다.
우리 앞에는 예술사의 중요한 현상 중 하나가 있습니다. 위대한 거장은 직관의 힘으로 먼 조상과 나란히 서서 과거를 연구했지만 그들과 동등할 수 없었던 후기 예술가들이 이루지 못한 일을 성취합니다.
산드로 보티첼리
보티첼리는 영국 라파엘 전파에 의해 발견되었습니다. 그러나 20세기 초에도 그의 재능에 대한 모든 찬사에도 불구하고 그들은 원근법, 명암, 해부학 등 일반적으로 받아 들여지는 규칙에서 벗어난 것에 대해 그를 "용서"하지 않았습니다. 그 후 보티첼리는 고딕 양식으로 돌아섰다고 결정되었습니다. 속류 사회학에서는 이에 대한 설명을 피렌체의 “봉건적 반동”이라고 요약했습니다. 도상학적 해석은 보티첼리와 피렌체의 신플라톤주의자 집단과의 관계를 확립했으며, 특히 그의 유명한 그림 "봄"과 "비너스의 탄생"에서 분명하게 드러납니다.
산드로 보티첼리의 자화상, 제단 구성 "동방 박사의 숭배"(약 1475년)의 일부
"봄"의 가장 권위 있는 해석가 중 한 명인 보티첼리는 이 그림이 여전히 미로인 가식으로 남아 있다고 인정했습니다. 어쨌든, 그것을 만들 때 저자는 Giuliano de' Medici가 사랑하는 Simonetta Vespucci가 영광을 받는 Poliziano의 시 "Tournament"와 특히 고대 시인을 알고 있었다는 것이 확립된 것으로 간주될 수 있습니다. Lucretius의시 "사물의 본질에 관하여"에서 금성 왕국에 대한 첫 줄. 분명히 그는 그 당시 피렌체에서 인기를 끌었던 M. Vicino의 작품도 알고 있었던 것 같습니다. 이 모든 작품에서 차용한 모티프는 로렌초 대왕의 사촌인 L. 데 메디치(L. de' Medici)가 1477년에 획득한 그림에서 명확하게 식별할 수 있습니다. 그러나 질문은 남아 있습니다. 이러한 박식의 열매가 어떻게 등장했습니까? 이에 대한 신뢰할만한 정보가 없습니다.
이 그림에 대한 현대 학문적 논평을 읽어 보면, 오늘날에도 한눈에 이해할 수 없는 인물 해석의 온갖 미묘함을 생각해내기 위해 작가 자신이 신화적 줄거리를 그토록 깊이 파고들 수 있었다는 것을 믿기 어렵습니다. , 그러나 옛날에는 분명히 Medici 머그에서만 이해되었습니다. 일부 박식한 사람이 예술가에게 제안했을 가능성이 더 높으며 예술가가 언어 순서를 시각적 순서로 선간 번역하기 시작했다는 사실을 달성했습니다. 보티첼리의 그림에서 가장 유쾌한 점은 개별 인물과 그룹, 특히 삼미신 그룹입니다. 무한히 재현되었음에도 불구하고, 오늘날까지도 그 매력을 잃지 않고 있습니다. 그녀를 볼 때마다 새로운 감탄의 공격을 경험하게 됩니다. 실제로 보티첼리는 자신의 창작물에 영원한 젊음을 부여했습니다. 그림에 대한 학자 평론가 중 한 명은 은총의 춤이 피렌체 신플라톤주의자들이 자주 언급했던 조화와 불화의 개념을 표현한다고 제안했습니다.
Botticelli는 Divine Comedy에 대한 탁월한 삽화를 소유하고 있습니다. 그의 시트를 본 사람이라면 누구나 Dante를 읽을 때 그것을 기억할 것입니다. 그는 다른 누구와도 달리 단테의 시 정신에 젖어 있었습니다. 단테의 그림 중 일부는 시의 정확한 그래픽 아래첨자의 성격을 띠고 있습니다. 그러나 가장 아름다운 것은 예술가가 단테의 정신으로 상상하고 구성한 것입니다. 이것은 천국의 삽화 중에서 가장 흔한 것입니다. 향기로운 땅과 인간의 모든 것을 그토록 사랑했던 르네상스 예술가들에게는 낙원을 그리는 것이 가장 어려운 일이었던 것 같습니다. 보티첼리는 보는 사람의 화각에 따라 공간적 인상이 달라지는 르네상스적 관점을 포기하지 않습니다. 그러나 낙원에서 그는 사물 자체의 비관점적 본질을 전달하는 지점까지 올라갑니다. 그의 인물은 무중력이고 그림자는 사라집니다. 빛이 그들을 관통하고 공간은 지구 좌표 외부에 존재합니다. 몸체는 천구의 상징으로 원에 맞습니다.
레오나르도 다빈치
레오나르도는 르네상스 시대의 일반적으로 인정받는 천재 중 한 명입니다. 많은 사람들은 그를 당시 최초의 예술가라고 생각하지만, 어쨌든 르네상스의 주목할만한 사람들에 관해서는 그의 이름이 가장 먼저 떠오릅니다. 그렇기 때문에 일반적인 견해에서 벗어나 그의 예술적 유산을 편견 없이 고려하는 것이 그토록 어렵습니다.
레오나르도가 자신을 늙은 현자로 묘사한 자화상입니다. 그림은 토리노 왕립 도서관에 보관되어 있습니다. 1512
그의 동시대 사람들조차도 그의 성격의 보편성에 감탄했습니다. 그러나 바사리는 이미 레오나르도가 예술적 창의성보다 과학적이고 기술적인 발명에 더 많은 관심을 기울인 것에 대해 유감을 표시했습니다. 레오나르도의 명성은 19세기에 정점에 이르렀습니다. 그의 성격은 일종의 신화가 되었고, 그는 모든 유럽 문화의 "파우스트적 원리"의 구체화로 여겨졌습니다.
레오나르도는 위대한 과학자, 통찰력 있는 사상가, 작가, 논문의 저자이자 창의적인 엔지니어였습니다. 그의 포괄성은 그를 당시 대부분의 예술가 수준보다 높게 끌어올렸으며 동시에 과학적 분석 접근 방식과 세상을 보고 감정에 직접 굴복하는 예술가의 능력을 결합하는 어려운 과제를 안겨주었습니다. 이 작업은 이후 많은 예술가와 작가를 차지했습니다. 레오나르도에게 그것은 해결 불가능한 문제의 성격을 띠었습니다.
예술가이자 과학자에 대한 놀라운 신화가 우리에게 속삭이는 모든 것을 잠시 잊고, 그 시대의 다른 거장들의 그림을 판단하는 방식으로 그의 그림을 판단합시다. 그의 작품이 그들의 작품과 비교하여 눈에 띄는 이유는 무엇입니까? 우선, 비전의 경계와 실행의 높은 예술성입니다. 그들은 절묘한 장인정신과 최고의 맛을 지니고 있습니다. 그의 스승 베로키오의 그림 "세례"에서 젊은 레오나르도는 한 천사를 너무 숭고하고 숭고하게 그렸기 때문에 그 옆에는 예쁜 천사 베로키오가 소박하고 천박해 보였습니다. 수년에 걸쳐 레오나르도의 예술에서는 "미적 귀족주의"가 더욱 강화되었습니다. 이것은 주권자의 법정에서 그의 예술이 정중하고 정중하게 되었다는 의미는 아닙니다. 어쨌든 그의 마돈나는 결코 농민 여성이라고 부를 수 없습니다.
그는 보티첼리와 같은 세대에 속했지만, 그를 시대에 뒤떨어진 사람으로 간주하여 그를 비난하고 심지어 조롱하기도 했습니다. 레오나르도 자신은 예술 분야의 전임자를 계속해서 찾고자했습니다. 그는 자신을 공간과 부피에 국한시키지 않고 사물을 둘러싸고 있는 빛의 공기 환경을 마스터하는 임무를 맡았습니다. 이것은 현실 세계에 대한 예술적 이해의 다음 단계를 의미했으며 어느 정도 베네치아의 색채주의에 대한 길을 열었습니다.
과학에 대한 그의 열정이 레오나르도의 예술적 창의성을 방해했다고 말하는 것은 잘못된 것입니다. 이 사람의 천재성은 너무나 거대했고, 그의 기술은 너무나 높았기 때문에 "그의 노래의 목구멍에 맞서려고" 시도하더라도 그의 창의성을 죽일 수는 없었습니다. 예술가로서의 그의 재능은 끊임없이 모든 제약을 뛰어넘었습니다. 그의 작품에서 매혹적인 것은 틀림없는 눈의 충실도, 의식의 명료함, 붓의 순종, 기교적인 기술입니다. 집착처럼 매력으로 우리를 사로잡는다. La Gioconda를 본 사람이라면 누구나 그것에서 벗어나는 것이 얼마나 어려운지 기억할 것입니다. 그녀는 이탈리아 학교의 최고의 걸작 옆에 자신을 발견한 루브르 박물관 홀 중 하나에서 승리하고 그녀 주변의 모든 것을 자랑스럽게 다스립니다.
레오나르도의 그림은 다른 많은 르네상스 예술가들처럼 사슬을 형성하지 않습니다. Benoit의 Madonna와 같은 그의 초기 작품에는 따뜻함과 자발성이 더 많지만 그 속에서도 실험 자체가 느껴집니다. 우피치의 "숭배" - 이것은 무릎 위에 아기를 안고 있는 우아한 여성으로 경건하게 변하는 사람들의 변덕스럽고 생기 넘치는 이미지인 훌륭한 밑그림입니다. '바위의 마돈나'에서는 곱슬머리의 청년이 그림에서 밖을 내다보는 천사의 모습도 매력적이지만, 짧은 서사시를 동굴의 어둠 속으로 옮기려는 기이한 발상은 혐오스럽다. 유명한 “최후의 만찬”은 온화한 요한, 엄격한 베드로, 악랄한 유다 등 등장인물의 적절한 특성을 항상 기뻐해 왔습니다. 그러나 이렇게 활기차고 신나는 인물들이 테이블 한쪽에 세 줄로 늘어서 있다는 사실은 마치 살아있는 자연에 대한 부당한 관습, 폭력처럼 보인다. 그럼에도 불구하고 이것이 바로 위대한 레오나르도 다빈치이고, 그가 그림을 이렇게 그렸다는 것은 그가 의도한 바가 이렇다는 뜻이며, 이 미스터리는 수세기 동안 남아 있을 것이다.
Leonardo가 그의 논문에서 예술가라고 불렀던 관찰과 경계는 그의 창의적인 능력을 제한하지 않습니다. 그는 시청자가 어떤 음모를 상상할 수 있도록 나이로 인해 갈라진 벽을 보면서 의도적으로 상상력을 자극하려고 노력했습니다. 레오나르도의 다혈질적인 윈저의 유명한 그림 "뇌우"에는 어느 산봉우리에서 그의 시선에 드러난 것이 전해져 왔습니다. 홍수를 주제로 한 일련의 Windsor 그림은 예술가 사상가의 진정으로 뛰어난 통찰력의 증거입니다. 작가는 대답이 없는 기호를 만들어내지만, 공포와 놀라움이 뒤섞인 느낌을 불러일으킨다. 그림은 일종의 예언적인 섬망 속에서 위대한 주인에 의해 만들어졌습니다. 그 안에는 모든 것이 요한의 환상의 어두운 언어로 기록되어 있습니다.
쇠퇴하는 시대에 레오나르도의 내부 불화는 그의 두 작품, 즉 루브르 박물관의 "세례 요한"과 토리노 자화상에서 느껴집니다. 토리노 후기 자화상에서 노년이 된 작가는 찡그린 눈썹 뒤에서 열린 시선으로 거울 속의 자신을 바라본다. 그는 얼굴에서 노쇠함의 모습을 보지만 지혜도 본다. 인생의 가을을 알리는 신호.