“인상파가 그림을 그릴 때 새로운 세계가 탄생했다”

헨리 칸바일러

19 세기. 프랑스. 회화에서 전례 없는 일이 일어났습니다. 젊은 예술가들이 500년 전통을 흔들기로 결정했습니다. 명확한 그림 대신 넓고 "엉성한" 획을 사용했습니다.

그리고 그들은 일반적인 이미지를 완전히 버렸습니다. 모두를 묘사합니다. 그리고 순박한 미덕을 지닌 숙녀들과 평판이 의심스러운 신사들도요.

대중은 인상주의 그림을 받아들일 준비가 되어 있지 않았습니다. 그들은 조롱받고 꾸짖었습니다. 그리고 가장 중요한 것은 그들은 그들에게서 아무것도 사지 않았다는 것입니다.

그러나 저항은 깨졌습니다. 그리고 인상파 중 일부는 살아서 그들의 승리를 지켜보았습니다. 사실, 그들은 이미 40세를 넘었습니다. 마치 클로드 모네나 오귀스트 르누아르처럼 말이죠. 카미유 피사로(Camille Pissarro)처럼 인생이 끝날 때에만 인정받기를 기다리는 사람들도 있었습니다. 알프레드 시슬리(Alfred Sisley)처럼 그를 만나기 위해 살지 못한 사람도 있었습니다.

그들 각자는 어떤 혁명을 성취했는가? 대중이 이를 받아들이는 데 왜 그렇게 오랜 시간이 걸렸는가? 프랑스의 가장 유명한 인상파 7인을 소개합니다. 전 세계가 알고 있는 사실입니다.

1. 에두아르 마네(1832~1883)

에두아르 마네. 팔레트를 들고 있는 자화상. 1878년 개인소장

마네는 대부분의 인상파 화가들보다 나이가 많았습니다. 그는 변화에 대한 주요 영감이었습니다.

마네 자신은 혁명가들의 지도자라고 주장하지 않았습니다. 그는 세속적인 사람이었습니다. 나는 공식 상을 꿈꿨다.

그러나 그는 인정을 받기까지 아주 오랜 시간을 기다렸습니다. 대중은 그리스 여신을 보고 싶어했습니다. 아니면 최악의 경우 정물입니다. 식당에서 아름답게 보이기 위해. 마네는 현대 생활을 그리고 싶었습니다. 예를 들어, 창녀.

그 결과는 '풀밭에서의 아침'이었습니다. 두 명의 멋쟁이가 쉬운 미덕의 숙녀들과 함께 휴식을 취하고 있습니다. 그 중 한 명은 아무 일도 없었다는 듯 옷을 입은 남자들 옆에 앉는다.

에두아르 마네. 잔디밭에서의 아침 식사. 1863년, 파리

그의 풀밭 위의 점심 식사를 Thomas Couture의 Romans in Decline과 비교해 보세요. Couture의 그림은 센세이션을 일으켰습니다. 예술가는 즉시 유명해졌습니다.

<풀밭에서의 아침>은 저속하다는 비난을 받았습니다. 임산부는 그것을 보는 것을 심각하게 권장하지 않습니다.

토마스 쿠튀르. 쇠퇴하는 로마인. 1847년 파리 오르세 미술관. artchive.ru

Couture의 그림에서 우리는 학문주의(16~19세기 전통 그림)의 모든 속성을 볼 수 있습니다. 기둥과 동상. 아폴로적인 모습의 사람들. 전통적인 차분한 색상. 포즈와 몸짓의 매너. 완전히 다른 사람들의 먼 삶의 음모.

마네의 <풀밭 위의 아침>은 형식이 다르다. 그 이전에는 창녀를 그렇게 쉽게 묘사한 사람이 없었습니다. 존경받는 시민과 가깝습니다. 그 당시 많은 남자들이 여가 시간을 이런 식으로 보냈지 만. 실제 사람들의 실제 생활.

언젠가 존경할만한 여성에게 편지를 쓴 적이 있습니다. 못생긴. 그는 붓으로 그녀에게 아첨할 수 없었다. 그 부인은 실망했습니다. 그녀는 눈물을 흘리며 그를 떠났습니다.

에두아르 마네. 안젤리나. 1860년 파리 오르세 미술관. Wikimedia.commons.org

그래서 그는 계속해서 실험을 했습니다. 예를 들어 색상이 있습니다. 그는 이른바 자연스러운 색을 표현하려고 하지 않았다. 회갈색 물을 밝은 파란색으로 본다면 그는 그것을 밝은 파란색으로 묘사했습니다.

물론 이것은 청중을 짜증나게 만들었습니다. 결국 지중해도 마네의 바다만큼 푸르다고 자랑할 수는 없다.

에두아르 마네. 아르장퇴유. 1874년 벨기에 투르네 미술관. Wikipedia.org

그러나 사실은 사실로 남아 있습니다. 마네는 그림의 목적을 근본적으로 바꾸었습니다. 그림은 작가의 개성을 구현한 것이 되었다. 자기 마음대로 글을 쓰는 사람. 패턴과 전통을 잊어 버립니다.

모든 혁신은 오랫동안 그를 용서하지 않았습니다. 그는 생애 말기에야 인정을 받았습니다. 더 이상 필요하지 않을 때. 그는 불치병으로 고통스럽게 죽어가고 있었습니다.

2. 클로드 모네(1840~1926)

클로드 모네. 베레모를 쓴 자화상. 1886년 개인소장

클로드 모네는 기독교 인상파라고 할 수 있습니다. 그는 평생 동안 이 방향에 충실했기 때문이다.

그는 사물과 사람을 그린 것이 아니라 하이라이트와 점을 단일 색상으로 구성했습니다. 별도의 스트로크. 공기 떨림.

클로드 모네. 얕은 수영장. 1869년 뉴욕 메트로폴리탄 미술관. Metmuseum.org

모네는 자연만 그린 것이 아닙니다. 그는 또한 도시 풍경에서도 성공했습니다. 가장 유명한 것 중 하나 - .

이 사진에는 사진이 많아요. 예를 들어 모션은 흐릿한 이미지를 통해 전달됩니다.

멀리 있는 나무와 인물이 안개 속에 있는 것처럼 보입니다.

클로드 모네. 파리의 대로 데 카푸신(Boulevard des Capucines). 1873년(19~20세기 유럽 및 미국 미술 갤러리), 모스크바

우리 앞에는 파리의 분주한 삶 속에 얼어붙은 순간이 놓여 있습니다. 준비가 없습니다. 아무도 포즈를 취하지 않습니다. 사람들은 붓터치의 집합체로 묘사됩니다. 이러한 플롯의 부족과 '프레임 정지' 효과는 인상주의의 주요 특징입니다.

80년대 중반에 이르러 예술가들은 인상주의에 환멸을 느끼게 되었습니다. 미학은 물론 좋습니다. 그러나 줄거리의 부족은 많은 사람들을 우울하게 만들었습니다.

오직 모네만이 계속해서 지속되었습니다. 과장된 인상주의. 일련의 그림으로 성장했습니다.

그는 같은 풍경을 수십 번이나 그렸다. 하루 중 다른 시간에. 연중 다른 시간에. 온도와 빛이 동일한 종을 인식할 수 없을 정도로 어떻게 변화시킬 수 있는지 보여줍니다.

그리하여 수많은 건초 더미가 나타났습니다.

보스턴 미술관에 소장된 클로드 모네의 그림. 왼쪽: 지베르니의 일몰의 건초 더미, 1891. 오른쪽: 건초 더미(눈 효과), 1891.

이 그림의 그림자는 색칠되어 있습니다. 인상파 이전의 관례처럼 회색이나 검정색이 아닙니다. 이것은 그들의 또 다른 특징입니다.

모네는 성공과 물질적 안녕을 누렸습니다. 40세가 넘은 그는 이미 가난을 잊어버렸다. 그는 집과 아름다운 정원을 얻었습니다. 그리고 그는 수년 동안 자신의 즐거움을 위해 일했습니다.

기사에서 거장의 가장 상징적인 그림에 대해 읽어보세요.

3. 오귀스트 르누아르(1841~1919)

피에르 오귀스트 르누아르. 자화상. 1875년 스털링과 프랜신 클라크 미술관, 매사추세츠, 미국. Pinterest.ru

인상주의는 가장 긍정적인 그림이다. 그리고 인상파 중에서 가장 긍정적인 사람은 르누아르였습니다.

그의 그림에서는 드라마를 찾을 수 없습니다. 그는 검정색 페인트도 사용하지 않았습니다. 오직 존재의 기쁨. 르누아르의 가장 평범한 것조차도 아름답게 보입니다.

모네와 달리 르누아르는 사람들을 더 자주 그렸습니다. 풍경은 그에게 덜 중요했습니다. 그의 그림 속에서는 친구들과 지인들이 편안하게 삶을 즐기고 있다.

피에르 오귀스트 르누아르. 노젓는 사람들의 아침 식사. 1880년부터 1881년까지 필립스 컬렉션, 워싱턴, 미국. Wikimedia.commons.org

르누아르에서는 심오함을 찾을 수 없습니다. 그는 인상파에 합류하게 되어 매우 기뻤습니다. 음모를 완전히 거부한 사람.

그 자신이 말했듯이, 그는 마침내 꽃을 쓰고 그것을 단순히 "꽃"이라고 부를 기회를 얻었습니다. 그리고 그들에 대한 어떤 이야기도 만들어내지 마세요.

피에르 오귀스트 르누아르. 정원에서 우산을 들고 있는 여자. 1875년 마드리드 티센보르메니스 미술관. arteuam.com

르누아르는 여성들과 함께 있을 때 가장 기분이 좋았습니다. 그는 하녀들에게 노래하고 농담을 해달라고 부탁했습니다. 노래가 더 어리 석고 순진할수록 그에게는 더 좋았습니다. 그리고 남자들의 잡담은 그를 피곤하게 만들었다. 르누아르가 누드화로 유명한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

그림 "햇빛 속의 누드" 속 모델은 다채로운 추상적 배경을 배경으로 등장하는 것처럼 보입니다. 르누아르에게는 부차적인 것이 아무것도 없기 때문입니다. 모델의 눈이나 배경의 일부가 동일합니다.

피에르 오귀스트 르누아르. 햇빛에 누드. 1876년 파리 오르세 미술관. wikimedia.commons.org

르누아르는 장수했습니다. 그리고 나는 결코 브러시와 팔레트를 내려놓지 않았습니다. 류머티즘으로 손이 완전히 묶인 상황에서도 그는 밧줄로 붓을 손에 묶었다. 그리고 그는 그림을 그렸습니다.

모네처럼 그도 40년 만에 인정을 기다렸다. 그리고 나는 루브르 박물관에서 유명한 거장들의 작품 옆에 있는 내 그림을 보았습니다.

기사에서 르누아르의 가장 매력적인 초상화 중 하나에 대해 읽어보세요.

4. 에드가 드가(1834~1917)

에드가 드가. 자화상. 1863년 칼루스테 굴벤키안 미술관, 리스본, 포르투갈. cultured.com

드가는 고전 인상파가 아니었습니다. 그는 야외에서 일하는 것을 좋아하지 않았습니다. 그와 함께 의도적으로 밝아진 팔레트를 찾을 수 없습니다.

오히려 그는 선명한 선을 좋아했다. 그 사람은 검은색이 많아요. 그리고 그는 스튜디오에서만 독점적으로 일했습니다.

그러나 여전히 그는 항상 다른 위대한 인상주의자들과 나란히 놓이게 됩니다. 왜냐하면 그는 몸짓의 인상주의자였기 때문이다.

예상치 못한 각도. 물체 배열의 비대칭. 깜짝 놀란 캐릭터. 이 모든 것이 그의 그림의 주요 속성입니다.

그는 정신을 차리지 않고 삶의 순간을 멈췄습니다. 그의 "오페라 오케스트라"를보십시오.

에드가 드가. 오페라 오케스트라. 1870년 파리 오르세 미술관. commons.wikimedia.org

전경에는 의자 뒷면이 있습니다. 음악가의 등은 우리에게 있습니다. 그리고 배경에서는 무대 위의 발레리나들이 "프레임"에 맞지 않았습니다. 그들의 머리는 그림 가장자리에 의해 무자비하게 "잘려졌습니다".

그렇기 때문에 그가 가장 좋아하는 댄서들이 항상 아름다운 포즈를 취하는 것은 아니다. 가끔 스트레칭만 하기도 합니다.

그러나 그러한 즉흥 연주는 상상에 불과합니다. 물론 Degas는 구성을 신중하게 생각했습니다. 이는 실제 정지 프레임이 아닌 정지 프레임 효과일 뿐입니다.

에드가 드가. 두 명의 발레 댄서. 1879년 셸번 박물관, 버몬트, 미국

에드가 드가(Edgar Degas)는 여성을 그리는 것을 좋아했습니다. 그러나 질병이나 신체의 특성으로 인해 신체적 접촉을 할 수 없었습니다. 그는 결혼한 적이 없습니다. 그가 여자와 함께 있는 것을 본 사람은 아무도 없었습니다.

그의 개인적인 삶에는 실제 주제가 없기 때문에 그의 이미지에 미묘하고 강렬한 에로티시즘이 더해졌습니다.

에드가 드가. 발레 스타. 1876년부터 1878년까지 파리 오르세 미술관. wikimedia.comons.org

그림 "Ballet Star"에는 발레리나 자신 만 묘사되어 있습니다. 무대 뒤의 동료들은 거의 눈에 띄지 않습니다. 다리 몇개만 있으면 됩니다.

그렇다고 드가가 그림을 완성하지 못했다는 의미는 아닙니다. 이곳은 리셉션입니다. 가장 중요한 사항에만 집중하세요. 나머지는 사라지고 읽을 수 없게 만드세요.

기사에서 주인의 다른 그림에 대해 읽어보십시오.

5. 베르트 모리조(1841~1895)

에두아르 마네. 베르트 모리조의 초상화. 1873년 파리 마르모탕 모네 미술관.

베르트 모리조(Berthe Morisot)는 위대한 인상파 화가들과 함께 첫 번째 줄에 배치되는 경우가 거의 없습니다. 나는 그것이 가치가 없다고 확신합니다. 그녀의 작품에서 인상주의의 모든 주요 특징과 기법을 찾을 수 있습니다. 그리고 인상주의를 좋아한다면 그녀의 작품을 온 마음을 다해 사랑하게 될 것입니다.

Morisot는 신속하고 성급하게 작업했습니다. 자신의 인상을 캔버스로 옮기는 것입니다. 그 인물들은 곧 우주 속으로 녹아버릴 것 같다.

베르트 모리조. 여름. 1880년 프랑스 몽펠리에 파브레 박물관.

Degas와 마찬가지로 그녀도 종종 일부 세부 사항을 미완성 상태로 두었습니다. 그리고 모델의 신체 일부도요. 우리는 그림 '여름'에서 소녀의 손을 구별할 수 없다.

모리조의 자기 표현의 길은 어려웠습니다. 그녀는 '부주의한' 그림에만 참여한 것이 아니다. 그녀는 여전히 여자였습니다. 그 당시에는 여자가 결혼을 꿈꿔야 했습니다. 그 후 모든 취미는 잊혀졌습니다.

따라서 Bertha는 오랫동안 결혼을 거부했습니다. 그녀가 자신의 직업을 존중해주는 남자를 찾을 때까지. 외젠 마네(Eugene Manet)는 예술가 에두아르 마네(Edouard Manet)의 형제였습니다. 그는 아내의 이젤과 그림을 성실하게 갈망했습니다.

베르트 모리조. 부지발(Bugival)에서 딸과 함께 있는 외젠 마네(Eugene Manet). 1881년 파리 마르모탕 모네 미술관.

하지만 여전히 19세기였습니다. 아니요, 저는 모리조 바지를 입지 않았습니다. 그러나 그녀는 완전한 이동의 자유를 누릴 여유가 없었습니다.

그녀는 혼자 일하기 위해 공원에 갈 수 없었습니다. 가까운 사람이 동행하지 않습니다. 카페에 혼자 앉아 있을 수가 없었어요. 그러므로 그녀의 그림은 가족계의 사람들을 그린 것이다. 남편, 딸, 친척.

베르트 모리조. 부지발의 정원에서 아이를 키우는 여성. 1881년 카디프 웨일즈 국립박물관.

Morisot는 인정을 기다리지 않았습니다. 그녀는 폐렴으로 54세의 나이로 사망했습니다. 평생 동안 그의 작품을 거의 팔지 않았습니다. 그녀의 사망 진단서에는 '직업' 열에 대시가 표시되어 있습니다. 여성이 예술가라고 불리는 것은 상상도 할 수 없는 일이었다. 그녀가 실제로 그랬더라도.

기사에서 주인의 그림에 대해 읽어보세요.

6. 카미유 피사로(1830~1903)

카미유 피사로. 자화상. 1873년 파리 오르세 미술관. Wikipedia.org

카미유 피사로. 갈등이 없고 합리적입니다. 많은 사람들이 그를 교사로 인식했습니다. 가장 변덕스러운 동료들조차도 피사로에 대해 나쁘게 말하지 않았습니다.

그는 인상주의의 충실한 추종자였습니다. 큰 도움이 필요한 상황에서도 다섯 명의 자녀와 아내를 둔 그는 여전히 같은 방식으로 열심히 일했습니다. 그리고 저는 살롱 페인팅으로 전환한 적이 없습니다. 더 인기를 얻으려면. 그가 자신을 온전히 믿을 힘을 어디서 얻었는지는 알려지지 않았습니다.

배고픔으로 죽지 않기 위해 피사로는 부채 그림을 그렸습니다. 열심히 구입했습니다. 그러나 그는 60년 후에 진정한 인정을 받게 되었습니다! 마침내 그가 자신의 필요를 잊을 수 있게 되었을 때.

카미유 피사로. 루브시엔느의 역마차. 1869년 파리 오르세 미술관

피사로의 그림 속 공기는 두껍고 밀도가 높습니다. 컬러와 볼륨의 특별한 융합.

작가는 가장 변화무쌍한 자연현상을 그리는 것을 두려워하지 않았다. 잠시 나타났다가 사라지는 것입니다. 첫눈, 서리가 내린 태양, 긴 그림자.

카미유 피사로. 서리. 1873년 파리 오르세 미술관

그의 가장 유명한 작품은 파리의 풍경입니다. 넓은 대로와 분주하고 다채로운 군중. 밤, 낮, 다른 날씨. 어떤 면에서는 클로드 모네(Claude Monet)의 일련의 그림을 반영합니다.

1880년대 중반까지 인상주의는 점차 단일한 운동으로 존재하지 않고 해체되어 예술의 진화에 눈에 띄는 자극을 주었다. 20세기 초에는 사실주의에서 벗어나는 경향이 강해졌고, 새로운 세대의 예술가들은 인상주의에서 멀어졌습니다.

이름의 유래

인상파의 첫 번째 중요한 전시회는 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 사진가 Nadar의 스튜디오에서 열렸습니다. 30명의 작가가 총 165점의 작품을 선보였습니다. 모네의 캔버스 - “인상. 떠오르는 태양 " ( 인상, 솔레일 레방트), 현재 1872년에 작성된 파리의 Marmotten 박물관에서 "인상주의"라는 용어가 탄생했습니다. 잘 알려지지 않은 언론인 Louis Leroy는 잡지 "Le Charivari"에 실린 기사에서 그룹을 "인상파"라고 불렀습니다. 그의 경멸. 예술가들은 이 별명을 받아들였고, 나중에 뿌리를 내리고 원래의 부정적인 의미를 잃어 적극적으로 사용하게 되었습니다.

"인상주의"라는 이름은 적어도 예술 그룹의 지리적 위치를 나타내는 "바르비종 학교"라는 이름과 달리 의미가 없습니다. Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin 등의 기술적 기법과 수단은 완전히 "인상주의적"이지만 공식적으로 첫 번째 인상파 집단에 포함되지 않은 일부 예술가의 경우 명확성이 훨씬 떨어집니다. 인상파는 19세기 이전에 알려졌으며, 티치아노와 벨라스케스가 그 시대의 지배적인 사상을 깨뜨리지 않고 (부분적으로, 제한된 범위에서) 사용되었습니다.

또 다른 기사(Emil Cardon 작성)와 또 다른 제목인 "Rebel Exhibition"이 있었는데, 이는 절대적으로 반대하고 비난했습니다. 이것이 바로 부르주아 대중의 불만스러운 태도와 예술가(인상파)에 대한 비판을 정확하게 재현한 것이었다. 인상주의자들은 부도덕, 반항적인 정서, 존경할 만한 태도를 갖추지 못했다는 이유로 즉시 비난을 받았습니다. 현재로서는 Camille Pissarro, Alfred Sisley의 풍경, Edgar Degas의 일상 장면, Monet과 Renoir의 정물에서 부도덕 한 것이 무엇인지 명확하지 않기 때문에 이것은 놀랍습니다.

수십 년이 지났습니다. 그리고 새로운 세대의 예술가들은 형식의 진정한 붕괴와 내용의 빈곤에 직면하게 될 것입니다. 그런 다음 비판과 대중 모두 비난받은 ​​인상파를 현실주의자로 보았고 조금 후에는 프랑스 미술의 고전으로 보았습니다.

인상주의 철학의 구체적인 내용

프랑스 인상주의는 철학적 문제를 제기하지도 않았고, 일상생활의 채색된 표면 아래로 침투하려는 시도조차 하지 않았습니다. 대신, 다소 예의 바르고 매너리즘적인 예술인 인상주의는 피상성, 순간의 유동성, 분위기, 조명 또는 화각에 중점을 둡니다.

르네상스 (Renaissance) 예술과 마찬가지로 인상주의는 관점을 인식하는 특성과 기술을 기반으로합니다. 동시에, 르네상스 비전은 색상과 형태를 이미지의 자율적인 구성 요소로 만드는 인간 인식의 입증된 주관성과 상대성으로 폭발합니다. 인상주의에서는 그림에 무엇을 묘사하는가가 그다지 중요하지 않지만 어떻게 묘사하는가가 중요합니다.

인상주의 그림은 사회적 비판을 담고 있지 않으며, 기아, 질병, 죽음과 같은 사회 문제를 다루지 않고 삶의 긍정적인 측면만을 제시합니다. 이것은 나중에 인상파들 사이에 분열로 이어졌습니다.

인상주의와 사회

인상주의는 민주주의를 특징으로 한다. 관성에 의해 19세기에도 예술은 귀족의 독점이자 인구의 상위 계층으로 간주되었습니다. 그들은 그림과 기념물의 주요 고객이었고, 그림과 조각품의 주요 구매자였습니다. 농민들의 노고가 담긴 플롯, 현대의 비극적인 페이지, 전쟁의 부끄러운 측면, 빈곤, 사회 불안은 비난받고, 승인되지 않으며, 사지 않았습니다. Theodore Gericault와 Francois Millet의 그림에서 불경스러운 사회 도덕성에 대한 비판은 예술가 지지자들과 소수 전문가들 사이에서만 반응을 얻었습니다.

인상파는 이 문제에 대해 상당히 타협적인 중간 입장을 취했습니다. 공식적인 학문주의에 내재된 성서적, 문학적, 신화적, 역사적 주제는 폐기되었습니다. 반면에 그들은 인정과 존경, 심지어 상까지 열렬히 원했습니다. 수년 동안 공식 살롱과 그 행정부로부터 인정과 상을 받은 에두아르 마네(Edouard Manet)의 활동을 암시합니다.

대신 일상생활과 현대성에 대한 비전이 나타났습니다. 예술가들은 즐겁게 놀거나 휴식을 취하는 동안 움직이는 사람들을 자주 그렸고, 특정 조명 아래 특정 장소의 모습을 표현했으며, 자연도 작품의 모티브가 되었습니다. 유혹, 춤, 카페와 극장에서의 생활, 보트 타기, 해변 및 정원에서의 주제가 촬영되었습니다. 인상파의 그림으로 판단하면 인생은 일련의 작은 휴일, 파티, 도시 밖이나 친근한 환경에서 즐거운 오락입니다 (르누아르, 마네, 클로드 모네의 여러 그림). 인상파 화가들은 화실에서 작업을 마치지 않은 채 공중에서 그림을 그린 최초의 사람들 중 하나였습니다.

기술

새로운 운동은 기술적으로나 이념적으로 학술 회화와 달랐습니다. 우선, 인상주의자들은 윤곽선을 버리고 이를 Chevreul, Helmholtz 및 Rud의 색상 이론에 따라 적용한 작은 별도의 대조되는 획으로 대체했습니다. 태양 광선은 보라색, 파란색, 청록색, 녹색, 노란색, 주황색, 빨간색의 구성 요소로 나뉘지만 파란색은 파란색의 한 유형이므로 그 수는 6개로 줄어듭니다. 서로 옆에 배치된 두 가지 색상은 서로를 강화하며, 반대로 혼합하면 강도가 떨어집니다. 또한 모든 색상은 기본 색상, 기본 색상, 이중 색상, 파생 색상으로 구분되며, 각 이중 색상은 첫 번째 색상을 보완합니다.

• 블루 - 오렌지
• 레드 그린
• 노란색 - 보라색

따라서 팔레트에 물감을 섞지 않고 캔버스에 정확하게 바르면 원하는 색상을 얻을 수 있게 되었습니다. 이것이 나중에 블랙을 포기한 이유가 되었습니다.

그런 다음 인상파는 스튜디오의 캔버스에 모든 작업을 집중하는 것을 중단했으며 이제 그들은 본 것의 순간적인 인상을 포착하는 것이 더 편리한 외부 공기를 선호하며 이는 강철 페인트 튜브의 발명 덕분에 가능해졌습니다. 가죽 가방은 페인트가 마르지 않도록 닫을 수 있습니다.

또한, 화가들은 빛이 잘 투과되지 않고 빠르게 회색으로 변하기 때문에 혼합에 부적합한 불투명 물감을 사용하여 ''가 없는 그림을 그릴 수 있었다. 내부", ㅏ " 외부» 표면에서 반사되는 빛.

기술적 차이는 다른 목표 달성에 기여했습니다. 우선 인상파는 조명과 시간에 따라 각 물체의 가장 작은 변화인 순간적인 인상을 포착하려고 노력했습니다. 가장 높은 구체화는 Monet "Haystacks"의 그림주기였습니다. , “루앙 대성당” 및 “런던 의회”.

일반적으로 인상주의 양식을 작업한 대가들은 많았으나 그 운동의 핵심은 Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazile, Berthe Morisot였다. 그러나 마네는 늘 자신을 '독립 예술가'라고 칭하며 전시회에 참가한 적이 없고, 드가도 참가했지만 야외에서 작품을 그린 적은 없었다.

아티스트별 연대기

인상파

전시회

• 첫 번째 전시회(4월 15일~5월 15일)

주소: Capuchin Boulevard, 35 (사진 작가 Nadar의 스튜디오). 참가자들: Astruc, Attendu, Beliard, Bracquemont, Brandon, Boudin, Bureau, Guillaumin, Debra, Degas, Cals, Colin, La Touche, Lever, Lepic, Lepine, Meyer, de Molin, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, Giuseppe De Nittis , A. 오텐, L. 오텐,

세부정보 카테고리: 예술의 다양한 스타일과 움직임 및 그 특징 Published 01/04/2015 14:11 조회수: 10587

인상주의는 19세기 후반에 등장한 미술 운동이다. 그의 주요 목표는 일시적이고 변화무쌍한 인상을 전달하는 것이었습니다.

인상주의의 출현은 과학, 즉 광학 및 색 이론의 최신 발견과 관련이 있습니다.

이러한 추세는 거의 모든 유형의 예술에 영향을 주었지만 색상과 빛의 전달이 인상파 예술가 작업의 기초였던 회화에서 가장 분명하게 나타났습니다.

용어의 의미

인상주의(프랑스 인상주의) 인상 - 인상). 이 스타일의 그림은 1860년대 후반 프랑스에서 나타났습니다. 그는 Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille로 대표되었습니다. 하지만 이 용어 자체는 1874년 모네의 그림 <인상>에서 등장했습니다. 떠오르는 태양'(1872). 그림 제목에서 모네는 풍경에 대한 자신의 덧없는 인상만을 전달하고 있다는 뜻이었습니다.

K. 모네 “인상. 일출"(1872). 마르모탕 모네 미술관, 파리
나중에 회화에서 "인상주의"라는 용어는 색상과 조명 측면에서 자연에 대한 세심한 연구라는 더 광범위하게 이해되기 시작했습니다. 인상파의 목표는 즉각적이고 겉보기에 "무작위"인 상황과 움직임을 묘사하는 것이었습니다. 이를 위해 그들은 복잡한 각도, 비대칭, 단편적인 구성 등 다양한 기술을 사용했습니다. 인상주의 화가들에게 그림은 끊임없이 변화하는 세계의 정지된 순간이 됩니다.

인상주의 예술적 방법

인상파의 가장 인기 있는 장르는 도시 생활의 풍경과 장면입니다. 그들은 항상 "야외에서" 그려졌습니다. 스케치나 예비 스케치 없이 자연에서 직접. 인상주의자들은 일반적으로 육안이나 부주의한 관찰자에게는 보이지 않는 색상과 음영을 캔버스에 알아차리고 전달할 수 있었습니다. 예를 들어 그림자에서는 파란색을 렌더링하고 일몰에서는 분홍색을 렌더링합니다. 그들은 복잡한 톤을 스펙트럼의 순수한 색상으로 분해했습니다. 이로 인해 그들의 그림은 밝고 생생하게 보입니다. 인상파 예술가들은 자유롭고 부주의하게 별도의 획으로 페인트를 적용했기 때문에 그들의 그림은 멀리서 보는 것이 가장 좋습니다. 이러한 관점에서 생생한 색상 깜박임 효과가 생성됩니다.
인상주의자들은 윤곽선을 버리고 작고 분리된 대조되는 획으로 대체했습니다.
C. Pissarro, A. Sisley 및 C. Monet은 풍경과 도시 장면을 선호했습니다. O. 르누아르는 자연이나 실내에 있는 사람들을 묘사하는 것을 좋아했습니다. 프랑스 인상주의는 철학적, 사회적 문제를 제기하지 않았습니다. 그들은 공식적인 학문주의에 내재된 성서적, 문학적, 신화적, 역사적 주제로 전환하지 않았습니다. 대신 일상 생활과 현대성의 이미지가 그림에 나타났습니다. 휴식을 취하거나 즐거운 시간을 보내는 동안 움직이는 사람들의 이미지. 그들의 주요 주제는 유혹, 춤, 카페와 극장에 있는 사람들, 보트 타기, 해변 및 정원입니다.
인상주의자들은 조명과 시간에 따라 각 물체의 가장 작은 변화, 즉 덧없는 인상을 포착하려고 노력했습니다. 이와 관련하여 모네의 그림 "건초 더미", "루앙 대성당", "런던 의회"는 최고의 성취로 간주 될 수 있습니다.

C. 모네 “태양의 루앙 대성당”(1894). 오르세 미술관, 파리, 프랑스
“루앙 대성당”은 클로드 모네의 그림 30점으로 구성된 작품으로, 시간, 연도, 조명에 따른 대성당의 모습을 표현하고 있습니다. 이 주기는 1890년대에 화가가 그린 것입니다. 대성당을 통해 그는 건물의 지속적이고 견고한 구조와 우리의 인식을 바꾸는 변화하고 쉽게 재생되는 빛 사이의 관계를 보여줄 수 있었습니다. 모네는 고딕 대성당의 개별 조각에 집중하고 포털, 세인트 마틴 타워 및 알반 타워를 선택합니다. 그는 오직 돌 위에서 빛의 놀이에만 관심이 있습니다.

K. 모네 “루앙 대성당, 서쪽 문, 안개가 자욱한 날씨”(1892). 오르세 미술관, 파리

K. 모네 “루앙 대성당, 포털 및 탑, 아침 효과; 백색 조화"(1892-1893). 오르세 미술관, 파리

K. 모네 “루앙 대성당, 태양의 문과 탑, 파란색과 금색의 조화”(1892-1893). 오르세 미술관, 파리
프랑스에 이어 영국과 미국(James Whistler), 독일(Max Liebermann, Lovis Corinth), 스페인(Joaquin Sorolla), 러시아(Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar)에 인상파 예술가들이 등장했습니다.

일부 인상파 예술가들의 작품에 대하여

클로드 모네(1840-1926)

클로드 모네, 사진 1899
인상주의의 창시자 중 한 사람인 프랑스 화가. 파리에서 태어났습니다. 그는 어릴 때부터 그림 그리기를 좋아했고, 15세에는 풍자만화가로서의 재능을 보여주었다. 그는 인상주의의 전신인 프랑스 화가 외젠 부댕(Eugene Boudin)으로부터 풍경화를 접하게 되었다. 나중에 모네는 예술 학부의 대학에 입학했지만 환멸을 느끼고 떠나 Charles Gleyre의 회화 스튜디오에 등록했습니다. 스튜디오에서 그는 예술가 Auguste Renoir, Alfred Sisley 및 Frédéric Bazille를 만났습니다. 그들은 실질적으로 동료였으며 예술에 대해 비슷한 견해를 갖고 있었고 곧 인상파 그룹의 중추를 형성했습니다.
모네는 1866년에 그린 카미유 돈시외의 초상화("카미유 또는 녹색 드레스를 입은 여인의 초상")로 유명해졌습니다. 카밀라는 1870년에 예술가의 아내가 되었습니다.

C. 모네 “카미유”(“녹색 옷을 입은 여인”)(1866). 쿤스트할레, 브레멘

C. 모네 “산책: 카미유 모네와 아들 장(우산을 쓴 여인)”(1875). 워싱턴 국립미술관
1912년에 의사들은 C. 모네가 이중 백내장이라는 진단을 받았고, 그는 두 번의 수술을 받아야 했습니다. 왼쪽 눈의 수정체를 잃은 모네는 시력을 되찾았지만 자외선을 파란색이나 보라색으로 보기 시작하면서 그의 그림은 새로운 색을 띠게 되었습니다. 예를 들어, 유명한 "수련"을 그릴 때 모네는 백합을 자외선 범위에서 푸른색으로 보았지만 다른 사람들에게는 단순히 흰색으로 보였습니다.

C. 모네 “수련”
예술가는 1926년 12월 5일 지베르니에서 사망했으며 지역 교회 묘지에 묻혔습니다.

카미유 피사로(1830-1903)

C. 피사로 “자화상”(1873)

인상주의의 최초이자 가장 일관된 대표자 중 한 명인 프랑스 화가.
세인트 토마스 섬(서인도 제도)에서 세파르딕 유대인의 부르주아 가문이자 도미니카 공화국 출신으로 태어났습니다. 그는 12세까지 서인도 제도에서 살았고, 25세에 온 가족과 함께 파리로 이주했습니다. 여기서 그는 미술 학교와 Académie de Suisse에서 공부했습니다. 그의 선생님은 Camille Corot, Gustave Courbet 및 Charles-François Daubigny였습니다. 그는 시골 풍경과 파리의 풍경으로 시작했습니다. 피사로는 인상파에 강한 영향을 미쳤으며, 그들의 그림 스타일의 기초가 되는 많은 원칙을 독립적으로 발전시켰습니다. 그는 예술가 Degas, Cezanne 및 Gauguin과 친구였습니다. 피사로는 8개의 인상파 전시회에 모두 참가한 유일한 사람이었습니다.
그는 1903년 파리에서 사망했다. 그는 Père Lachaise 묘지에 묻혔습니다.
이미 그의 초기 작품에서 작가는 공중에 있는 조명된 물체의 묘사에 특별한 관심을 기울였습니다. 빛과 공기는 이후 피사로 작품의 주요 주제가 되었습니다.

C. 피사로 “몽마르트르 대로. 화창한 오후"(1897)
1890년에 피사로는 점묘법(획을 별도로 적용하는 것) 기술에 관심을 갖게 되었습니다. 그러나 얼마 후 그는 평소의 태도로 돌아왔다.
그의 생애 말년에 Camille Pissarro의 시력이 눈에 띄게 악화되었습니다. 그러나 그는 계속해서 작업을 이어갔고 예술적 감성으로 가득 찬 일련의 파리 풍경을 만들어냈습니다.

C. 피사로 “루앙의 거리”
그의 그림 중 일부의 특이한 각도는 예술가가 호텔 방에서 그 그림을 그렸다는 사실로 설명됩니다. 이 시리즈는 빛과 분위기 효과를 전달하는 데 있어서 인상주의의 가장 높은 성취 중 하나가 되었습니다.
피사로는 또한 수채화로 그림을 그렸고 일련의 에칭과 석판화를 만들었습니다.
다음은 인상주의 예술에 대한 그의 흥미로운 진술 중 일부입니다. "인상파는 올바른 길을 가고 있으며 그들의 예술은 건강하며 감각에 기반을 두고 있으며 정직합니다."
“다른 사람들이 아무것도 볼 수 없는 평범한 것에서도 아름다움을 볼 수 있는 사람은 행복합니다!”

C. 피사로 “첫 번째 서리”(1873)

러시아 인상주의

러시아 인상주의는 19세기 말에서 20세기 초에 발전했다. 프랑스 인상파의 작품에 영향을 받았습니다. 그러나 러시아 인상주의는 뚜렷한 국가적 특이성을 가지고 있으며 여러면에서 고전 프랑스 인상주의에 대한 교과서 아이디어와 일치하지 않습니다. 러시아 인상파의 그림에서는 객관성과 물질성이 우선합니다. 의미가 더 풍부하고 덜 역동적입니다. 러시아 인상주의는 프랑스 인상주의보다 사실주의에 더 가깝습니다. 프랑스 인상파는 자신이 본 것의 인상에 중점을 두었고, 러시아 인상파는 예술가의 내면 상태에 대한 반영도 추가했습니다. 작업은 한 세션에서 완료되어야 했습니다.
러시아 인상주의의 특정 불완전성은 그들의 특징인 "삶의 스릴"을 만들어냅니다.
인상주의에는 A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov 등 러시아 예술가의 작품이 포함됩니다.

V. Serov “복숭아를 든 소녀”(1887)

이 그림은 러시아 인상주의 초상화의 표준으로 간주됩니다.

발렌틴 세로프 <복숭아를 든 소녀>(1887). 캔버스, 오일. 91×85cm 트레차코프 주립 미술관
이 그림은 Abramtsevo에 있는 Savva Ivanovich Mamontov의 영지에서 그렸는데, 그는 1870년 작가 Sergei Aksakov의 딸에게서 이 영지를 인수했습니다. 초상화는 12세의 Vera Mamontova를 묘사합니다. 소녀는 테이블에 앉아 그려져 있습니다. 그녀는 진한 파란색 리본이 달린 분홍색 블라우스를 입고 있습니다. 테이블 위에 칼, 복숭아, 나뭇잎이 있습니다.
“내가 추구했던 것은 신선함, 자연에서 항상 느껴지지만 그림에서는 볼 수 없는 특별한 신선함이었습니다. 한 달 넘게 그림을 그리며 그녀를 지치게 해서 죽을 지경이었는데, 옛 거장들처럼 완전히 완성되면서도 그림의 신선함을 보존하고 싶었습니다.”(V. Serov).

다른 형태의 예술에서의 인상주의

문학에서

문학에서는 별도의 운동으로서의 인상주의가 발전하지 않았지만 그 특징은 자연주의그리고 상징주의 .

에드몽 공쿠르와 쥘 공쿠르. 사진
원칙 자연주의공쿠르 형제와 조지 엘리엇의 소설에서 그 흔적을 찾을 수 있습니다. 그러나 에밀 졸라는 자신의 작품을 지칭하기 위해 '자연주의'라는 용어를 처음으로 사용했습니다. 작가 Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans 및 Paul Alexis는 Zola를 중심으로 그룹화되었습니다. 프랑스-프로이센 전쟁의 재난에 대한 솔직한 이야기(Maupassant의 이야기 "Dumpling" 포함)가 포함된 "Medan Evenings"(1880) 컬렉션이 출시된 후 "Medan group"이라는 이름이 지정되었습니다.

에밀 졸라
문학의 자연주의적 원리는 예술성이 부족하다는 이유로 종종 비판을 받아왔습니다. 예를 들어, I. S. Turgenev는 Zola의 소설 중 하나에 대해 "화분을 파는 일이 많다"고 썼습니다. 구스타브 플로베르(Gustave Flaubert)도 자연주의에 비판적이었습니다.
Zola는 많은 인상파 예술가들과 우호적인 관계를 유지했습니다.
상징주의자사용된 기호, 절제된 표현, 힌트, 미스터리, 수수께끼. 상징주의자들이 포착한 주된 분위기는 비관주의였으며 절망에 이르렀다. '자연스러운' 모든 것은 독립적인 예술적 의미가 없는 '외관'으로만 표현되었습니다.
따라서 문학에서의 인상주의는 작가의 사적인 인상, 객관적인 현실상에 대한 거부, 매 순간의 묘사로 표현되었다. 사실 이로 인해 줄거리와 역사의 부재, 사고가 인식으로, 이성이 본능으로 대체되었습니다.

G. 쿠르베 “P. 베를렌의 초상”(1866년경)
시적 인상주의의 놀라운 예는 Paul Verlaine의 "말없는 로맨스"(1874) 컬렉션입니다. 러시아에서는 Konstantin Balmont와 Innokenty Annensky가 인상주의의 영향을 경험했습니다.

V. Serov “K. Balmont의 초상화”(1905)

무고한 Annensky. 사진
이러한 감정은 극작에도 영향을 미쳤습니다. 연극에는 세상에 대한 수동적 인식, 기분 및 정신 상태 분석이 포함되어 있습니다. 대화는 덧없고 흩어진 인상에 집중되어 있습니다. 이러한 특징은 Arthur Schnitzler 작업의 특징입니다.

음악에서

음악적 인상주의는 19세기 후반 프랑스에서 발전했습니다. – 20세기 초 그는 Erik Satie, Claude Debussy 및 Maurice Ravel의 작품에서 자신을 가장 명확하게 표현했습니다.

에릭 사티
음악적 인상주의는 프랑스 회화의 인상주의에 가깝습니다. 그것들은 공통의 뿌리를 가지고 있을 뿐만 아니라 인과관계도 가지고 있습니다. 인상주의 작곡가들은 클로드 모네, 폴 세잔, 푸비 드 샤반, 앙리 드 툴루즈-로트렉의 작품에서 비유뿐만 아니라 표현 수단도 찾고 발견했습니다. 물론 그림의 수단과 음악 예술의 수단은 마음 속에만 존재하는 특별하고 미묘한 연관 유사점의 도움을 통해서만 서로 연결될 수 있습니다. "가을 비 속에서"파리의 흐릿한 이미지와 "떨어지는 물방울의 소음으로 인해 흐릿한"같은 소리를 보면 여기서 우리는 예술적 이미지의 속성에 대해서만 이야기 할 수 있지만 실제 이미지는 아닙니다.

클로드 드뷔시
Debussy는 Claude의 유명한 그림과 직접적인 연관을 불러일으키는 "Clouds", "Prints"(가장 비유적인 수채화 사운드 스케치 - "Gardens in the Rain"), "Images", "Reflections on the Water"를 씁니다. 모네 『인상: 일출』 Mallarmé에 따르면, 인상파 작곡가들은 "빛을 듣는" 방법, 물의 움직임, 나뭇잎의 진동, 바람의 부는 소리, 저녁 공기에 있는 햇빛의 굴절을 소리로 전달하는 방법을 배웠습니다.

모리스 라벨
M. Ravel의 사운드 비주얼 "Play of Water", 연극 순환 "Reflections" 및 피아노 컬렉션 "Rustles of the Night"에는 그림과 음악 사이의 직접적인 연결이 존재합니다.
인상주의자들은 표현 방식이 명확하고, 감정적으로 절제되고, 갈등이 없으며, 스타일이 엄격한 세련된 예술 작품을 만들었습니다.

조각품에서

O. 로댕 <키스>

조각의 인상주의는 부드러운 형태의 자유로운 가소성으로 표현되어 재료 표면에 복잡한 빛의 유희와 불완전한 느낌을 만들어냅니다. 조각 캐릭터의 포즈는 움직임과 발전의 순간을 포착합니다.

O. 로댕. 1891년 사진
이 방향에는 O. Rodin(프랑스), Medardo Rosso(이탈리아), P.P.의 조각 작품이 포함됩니다. 트루베츠코이(러시아).

V. Serov "파올로 트루베츠코이의 초상"

파벨(파올로) 트루베츠코이(1866-1938) – 조각가이자 예술가로 이탈리아, 미국, 영국, 러시아, 프랑스에서 활동했습니다. 이탈리아에서 태어났습니다. 러시아 이민자 표트르 페트로비치 트루베츠코이 왕자의 사생아.
어린 시절부터 저는 독립적으로 조각과 회화에 참여해 왔습니다. 그는 교육을 받지 못했습니다. 창작 초기에 그는 초상화 흉상, 작은 조각품을 만들고 대형 조각품 제작 대회에 참가했습니다.

P. Trubetskoy “알렉산더 3세 기념비”, 상트페테르부르크
Paolo Trubetskoy의 첫 번째 작품 전시회는 1886년 미국에서 열렸습니다. 1899년에 조각가는 러시아에 왔습니다. Alexander III의 기념비를 만들기 위한 대회에 참여하고 예기치 않게 모든 사람이 1등상을 받습니다. 이 기념물은 상충되는 평가를 야기했으며 계속해서 야기하고 있습니다. 이보다 정적이고 무거운 기념물을 상상하기는 어렵습니다. 그리고 황실에 대한 긍정적인 평가를 통해서만 기념물이 적절한 위치를 차지할 수 있었습니다. 조각 이미지에서 그들은 원본과 유사점을 발견했습니다.
비평가들은 Trubetskoy가 "구식 인상주의"의 정신으로 작업했다고 믿었습니다.

뛰어난 러시아 작가에 대한 Trubetskoy의 이미지는 더 "인상주의적"인 것으로 판명되었습니다. 여기에는 분명히 움직임이 있습니다. 셔츠의 접힌 부분, 흐르는 수염, 머리의 회전, 조각가가 포착 할 수 있다는 느낌도 있습니다. L. Tolstoy의 생각의 긴장.

P. Trubetskoy "레오 톨스토이의 흉상"(청동). 주립 트레티야코프 갤러리

인상주의 (프랑스 출신 " 인상" -인상)은 예술(문학, 회화, 건축)의 한 방향으로, 19세기 말과 20세기 초 프랑스에서 등장했으며 세계 다른 나라에서도 빠르게 널리 퍼졌습니다. 예를 들어 회화 나 건축과 같은 학문적이고 전통적인 기술은 주변 세계의 충만 함과 가장 작은 세부 사항을 완전히 전달할 수 없다고 믿었던 새로운 방향의 추종자들은 무엇보다도 회화에서 완전히 새로운 기술과 방법을 사용하는 것으로 전환했습니다. 그다음에는 문학과 음악. 현실 세계의 모든 이동성과 가변성을 사진적인 모습이 아닌 작가가 본 것에 대한 인상과 감정의 프리즘을 통해 전달함으로써 가장 생생하고 자연스럽게 묘사 할 수 있도록했습니다.

"인상주의"라는 용어의 저자는 프랑스 비평가이자 저널리스트인 루이 르로이(Louis Leroy)로 간주됩니다. 그는 1874년 파리에서 열린 젊은 예술가 그룹의 전시회 "거부된 자의 살롱"을 방문한 것에 깊은 인상을 받았습니다. 그의 feuilleton 인상파, 일종의 "인상파"이며, 이 진술은 다소 무시하고 아이러니 한 성격입니다. 이 용어의 이름의 기초는 비평가가 본 클로드 모네의 그림 "인상"이었습니다. 떠오르는 태양". 그리고 처음에는 이번 전시회에 나온 많은 그림들이 날카로운 비판과 거부를 받았지만 나중에 이 방향은 대중의 인정을 더 많이 받고 전 세계적으로 인기를 얻었습니다.

회화의 인상주의

(클로드 모네 <해변의 배>)

새로운 스타일, 묘사 방식 및 기술은 프랑스 인상파 예술가가 갑자기 발명 한 것이 아니라 르네상스의 가장 재능있는 화가 인 루벤스, 벨라스케스, 엘 그레코, 고야의 경험과 업적을 기반으로 한 것입니다. 그들로부터 인상파는 중간 톤의 사용, 밝거나 반대로 크거나 작은 둔한 획의 기술 사용과 같이 주변 세계 또는 기상 조건의 표현력을보다 생생하고 생생하게 전달하는 방법을 취했습니다. 추상성. 그림의 새로운 방향을 지지하는 사람들은 전통적인 학문적 그림 그리기 방식을 완전히 포기하거나 다음과 같은 혁신을 도입하여 자신의 방식으로 묘사 방법과 방법을 완전히 다시 만들었습니다.

• 물체, 물체 또는 그림은 윤곽선 없이 묘사되었으며 작고 대조되는 획으로 대체되었습니다.
• 색상을 혼합하는 데 팔레트가 사용되지 않았으며 서로 보완하고 병합이 필요하지 않은 색상이 선택되었습니다. 때로는 페인트를 금속 튜브에서 직접 캔버스에 압착하여 브러시 스트로크 효과와 함께 순수하고 반짝이는 색상을 만들어냈습니다.
• 검정색이 사실상 없음;
• 캔버스는 그들이 본 것에 대한 감정과 인상을보다 생생하고 표현력있게 전달하기 위해 대부분 자연에서 야외로 그려졌습니다.
• 피복력이 높은 도료의 사용;
• 캔버스의 아직 젖은 표면에 직접 새로운 획을 적용합니다.
• 빛과 그림자의 변화를 연구하기 위해 일련의 그림 만들기(Claude Monet의 "Haystacks")
• 긴급한 사회적, 철학적, 종교적 문제, 역사적 또는 중요한 사건에 대한 묘사가 부족합니다. 인상파의 작품은 긍정적 인 감정으로 가득 차 있으며 우울함과 무거운 생각이있을 곳이 없으며 매 순간의 가벼움과 기쁨과 아름다움, 감정의 진실성과 감정의 솔직함이 있습니다.

(에두아르 마네 '읽기')

그리고 이 운동의 모든 예술가가 인상주의 스타일의 모든 정확한 특징을 실행하는 데 있어 특별한 정확성을 고수한 것은 아니지만(Edouard Manet은 자신을 개인 예술가로 자리매김했으며 공동 전시회에 참가한 적이 없습니다(1874년부터 1886년까지 총 8회가 있었습니다).) . Edgar Degas는 자신의 작업장에서만 만들어졌습니다) 이것은 그들이 여전히 전 세계 최고의 박물관과 개인 소장품에 보관되어 있는 미술의 걸작을 만드는 것을 막지 못했습니다.

러시아 인상파 예술가들

19세기 말과 20세기 초 러시아 예술가들은 프랑스 인상파의 창의적인 아이디어에 감명을 받아 독창적인 미술 걸작을 창작했는데, 이는 나중에 "러시아 인상주의"라는 일반적인 이름으로 알려졌습니다.

(V. A. Serov "복숭아를 든 소녀")

가장 유명한 대표자는 Konstantin Korovin ( "Portrait of a Chorus Girl", 1883, "Northern Idyll" 1886), Valentin Serov ( "Open Window. Lilac", 1886, "Girl with Peaches", 1887), Arkhip Kuindzhi ( " North”, 1879, “Dnieper in the morning” 1881), Abram Arkhipov (“North Sea”, “Landscape. Study with a log house”), “후기” 인상파 Igor Grabar (“Birch Alley”, 1940, “Winter Landscape” ", 1954).

(보리소프-무사토프 "가을의 노래")

인상주의 고유의 묘사 방법과 방식은 Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus와 같은 뛰어난 러시아 예술가의 작품에서 발생했습니다. 러시아 예술가들의 그림에서 프랑스 인상주의의 고전적 표준은 약간의 변화를 겪었으며 그 결과 이 ​​방향은 독특한 국가적 특수성을 획득했습니다.

외국 인상파

인상주의 스타일로 실행된 최초의 작품 중 하나는 에두아르 마네(Edouard Manet)의 그림 “풀밭 위의 점심”으로 간주되며, 이 작품은 1860년 파리 “거부자들의 살롱”에서 대중에게 공개되었습니다. 파리 살롱 오브 아트 선정이 해체될 수도 있습니다. 전통적인 묘사 방식과는 근본적으로 다른 스타일로 그려진 이 그림은 많은 비판을 불러일으켰고 예술가를 중심으로 새로운 예술 운동의 추종자들을 모았습니다.

(에두아르 마네 <라튀일 신부의 선술집에서>)

가장 유명한 인상주의 화가로는 Edouard Manet(“Folies-Bergere의 바”, “Tuileries의 음악”, “풀밭에서의 아침 식사”, “Lathuile 신부의 집”, “Argenteuil”), Claude Monet(“양귀비의 들판”)이 있습니다. at Argenteuil”, “Walk to the Cliff at Pourville”, “Women in the Garden”, “Lady with a Umbrella”, “Boulevard des Capucines”, 일련의 작품 “Water Lilies”, “Impression. Rising Sun”), 알프레드 시슬리(<시골 골목>, <루브시엔느의 서리>, <아르장퇴유의 다리>, <루브시엔느의 이른 눈>, <봄의 잔디밭>), 피에르 오귀스트 르누아르(<노 젓는 사람들의 아침>, <물랭의 무도회>) de la Galette', 'Dance in the Country', 'Umbrellas', 'Dance at Bougival', 'Girls at the Piano'), Camille Pizarro('Boulevard Montmartre at Night', 'Harvest at Eragny', 'Reapers Resting') , “퐁투아즈의 정원”, “부아쟁 마을로 들어가다”), 에드가 드가(“댄스 수업”, “리허설”, “대사 카페에서의 콘서트”, “오페라 오케스트라”, “블루의 댄서들”, “압생트의 연인들” ”), Georges Seurat(“Sunday Afternoon”, “Cancan”, “Models”) 등이 있습니다.

(폴 세잔 <피에로와 할리퀸>")

19세기 90년대 4명의 예술가는 인상주의를 기반으로 예술의 새로운 방향을 제시하며 스스로를 후기 인상파라고 불렀습니다(폴 고갱, 빈센트 반 고흐, 폴 세잔, 앙리 드 툴루즈 로트렉). 그들의 작업은 주변 세계의 일시적인 감각과 인상을 전달하는 것이 아니라 외부 껍질 아래 숨겨진 사물의 진정한 본질에 대한 지식을 전달하는 것이 특징입니다. 가장 유명한 작품: Paul Gauguin("A Naughty Joke", "La Orana Maria", "Jacob's Wrestling with the Angel", "Yellow Christ"), Paul Cezanne("Pierrot and Harlequin", "Great Bathers", "Lady") in Blue" "), 빈센트 반 고흐(별이 빛나는 밤, 해바라기, 붓꽃), 앙리 드 툴루즈 로트레크(세탁소, 화장실, 물랑루즈의 댄스 트레이닝).

조각의 인상주의

(오귀스트 로댕 '생각하는 사람')

인상주의는 건축에서 별도의 방향으로 발전하지 않았으며 일부 조각 구성과 기념물에서 개별 특징과 특성을 찾을 수 있습니다. 이 스타일은 조각품이 없는 플라스틱의 부드러운 형태를 제공하고, 인물 표면에 놀라운 빛의 유희를 만들어내고 약간의 불완전한 느낌을 줍니다. 조각 캐릭터는 종종 움직이는 순간에 묘사됩니다. 이 방향의 작품에는 유명한 프랑스 조각가 Auguste Rodin ( "The Kiss", "The Thinker", "Poet and Muse", "Romeo and Juliet", "Eternal Spring"), 이탈리아 예술가이자 조각가 Medardo Rosso (인물)의 조각품이 포함됩니다. 독특한 조명 효과를 얻기 위해 점토와 왁스로 채워진 석고로 만들어짐: "문지기와 중매인", "황금시대", "모성"), 러시아 천재 너겟 파벨 트루베츠코이(레오 톨스토이의 청동 흉상, 알렉산더 기념비) III).

소개

예술 현상으로서의 인상주의

회화의 인상주의

인상파 예술가

3.1 클로드 모네

3.2 에드가 드가

3.3 알프레드 시슬리

3.4 카미유 피사로

결론

서지

소개

이 에세이는 예술과 회화의 인상주의에 전념하고 있습니다.

인상주의는 현대 미술의 전체 발전을 크게 결정한 유럽 미술에서 가장 밝고 중요한 현상 중 하나입니다. 현재 당대에 인정받지 못했던 인상파 작가들의 작품은 높은 평가를 받고 있으며 그 예술적 가치도 부인할 수 없다. 선택한 주제의 관련성은 모든 현대인이 예술 스타일을 이해하고 그 발전의 주요 이정표를 알아야 할 필요성으로 설명됩니다.

인상주의는 예술 작품의 개념을 전체적이고 기념비적인 것으로 바꾸는 일종의 예술 혁명이었기 때문에 이 주제를 선택했습니다. 인상주의는 창작자의 개성, 세계에 대한 자신의 비전을 전면에 내세우고 정치적, 종교적 주제와 학문적 법률을 배경으로 삼았습니다. 인상파의 작품에서 음모와 도덕성이 아닌 감정과 인상이 주요 역할을 한 것은 흥미 롭습니다.

인상주의(fr. 인상파, 에서 인상- 인상) - 19세기 후반부터 20세기 초까지 프랑스에서 시작되어 전 세계로 퍼진 예술 운동으로, 대표자들은 이동성과 가변성 측면에서 현실 세계를 가장 자연스럽고 공평하게 포착하려고 노력했습니다. 그들의 덧없는 인상을 전달하기 위해. 일반적으로 "인상주의"라는 용어는 회화 운동을 의미하지만 그 사상은 문학과 음악에서도 구체화되었습니다.

"인상주의"라는 용어는 잡지 "Le Charivari" Louis Leroy의 평론가의 가벼운 손에서 유래했습니다. 그는 거부 살롱 "인상파 전시"에 대한 자신의 불유통에 클로드의 이 그림 제목을 기초로 삼았습니다. 모네.

오귀스트 르누아르 얕은 수영장, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관

태생

르네상스 시대 베네치아파 화가들은 밝은 색상과 중간 톤을 사용하여 살아있는 현실을 전달하려고 노력했습니다. 스페인 사람들은 El Greco, Velazquez, Goya와 같은 예술가들에게서 가장 분명하게 표현된 그들의 경험을 활용했으며, 이후 그들의 작품은 Manet과 Renoir에게 심각한 영향을 미쳤습니다.

동시에 루벤스는 투명한 중간 색조를 사용하여 캔버스의 그림자를 색칠했습니다. 들라크루아가 관찰한 것처럼 루벤스는 빛을 미묘하고 세련된 톤으로 묘사하고, 그림자를 더 따뜻하고 풍부한 색상으로 묘사하여 명암대비 효과를 전달했습니다. 루벤스는 나중에 인상주의 회화의 주요 원칙 중 하나가 된 검정색을 사용하지 않았습니다.

에두아르 마네(Edouard Manet)는 날카로운 필치로 그림을 그리며 밝은 색상과 검정색의 대비를 좋아한 네덜란드 예술가 프란스 할스(Frans Hals)의 영향을 받았습니다.

회화가 인상주의로의 전환도 영국 화가들에 의해 준비되었습니다. 프랑스-프로이센 전쟁(1870-1871) 동안 Claude Monet, Sisley 및 Pissarro는 위대한 풍경화가인 Constable, Bonington 및 Turner를 연구하기 위해 런던으로갔습니다. 후자에 관해서는 이미 그의 후기 작품에서 세계의 실제 이미지와의 연결이 사라지고 개별적인 인상 전달로 물러나는 방식이 눈에 띕니다.

Eugene Delacroix는 강한 영향을 미쳤으며 이미 지역 색상과 빛의 영향으로 얻은 색상을 구별했으며 1832년 북아프리카 또는 1835년 에트르타에서 그린 수채화, 특히 "The Sea at Dieppe"(1835) 그림을 통해 그를 인상파의 전신으로 이야기해보자.

혁신가들에게 영향을 준 마지막 요소는 일본 미술이었습니다. 1854년 이래로 파리에서 열린 전시회 덕분에 젊은 예술가들은 우타마로, 호쿠사이, 히로시게와 같은 일본 판화의 거장들을 발견했습니다. 지금까지 유럽 미술에서 알려지지 않은 특별한, 종이에 이미지 배열(오프셋 구성 또는 기울어진 구성, 형태의 도식적 표현, 예술적 종합에 대한 성향)이 인상파와 그 추종자들의 호의를 얻었습니다.

이야기

에드가 드가, 블루 댄서, 1897, 푸쉬킨 박물관 im. 푸쉬킨, 모스크바

인상파에 대한 검색의 시작은 젊은 예술가들이 더 이상 학문주의의 수단과 목표에 만족하지 않았고 그 결과 각자가 독립적으로 자신의 스타일을 개발할 다른 방법을 모색했던 1860년대로 거슬러 올라갑니다. 1863년 에두아르 마네(Edouard Manet)는 거절당한 사람들의 살롱(Salon of the Rejected)에 "풀밭 위의 점심"이라는 그림을 전시했고, 새로운 운동의 미래 창시자들이 모두 참석한 게르부아(Guerbois) 카페의 시인과 예술가들의 모임에서 적극적으로 연설했습니다. 그는 현대 미술의 주요 수호자가되었습니다.

1864년 외젠 부댕(Eugene Boudin)은 모네를 옹플뢰르(Honfleur)로 초대하여 가을 내내 선생님이 파스텔과 수채화를 공부하는 모습과 친구 용킨드(Yonkind)가 진동하는 획으로 작품에 물감을 칠하는 모습을 지켜보았습니다. 그곳에서 그들은 그에게 야외에서 작업하고 밝은 색상으로 그림을 그리는 법을 가르쳤습니다.

1871년, 프랑스-프로이센 전쟁 중에 모네와 피사로는 런던으로 가서 인상주의의 전신인 윌리엄 터너(William Turner)의 작품을 알게 되었습니다.

클로드 모네. 인상. 해돋이. 1872년, 파리 마르모탕 모네 미술관.

이름의 유래

인상파의 첫 번째 중요한 전시회는 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 사진가 Nadar의 스튜디오에서 열렸습니다. 30명의 작가가 총 165점의 작품을 선보였습니다. 모네의 캔버스 - “인상. 떠오르는 태양" ( 인상, 솔레일 레방트), 현재 1872년에 작성된 파리의 Marmottin 박물관에서 "인상주의"라는 용어가 탄생했습니다. 잘 알려지지 않은 언론인 Louis Leroy는 잡지 "Le Charivari"에 실린 기사에서 그룹을 "인상파"라고 불렀습니다. 그의 경멸. 예술가들은 이 별명을 받아들였고, 나중에 뿌리를 내리고 원래의 부정적인 의미를 잃어 적극적으로 사용하게 되었습니다.

"인상주의"라는 이름은 적어도 예술 그룹의 지리적 위치를 나타내는 "바르비종 학교"라는 이름과 달리 의미가 없습니다. 첫 번째 인상파 집단에 공식적으로 포함되지 않은 일부 예술가의 경우 기술적 기법과 수단이 완전히 "인상주의적"이지만 Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin 등)의 기술적 수단은 훨씬 덜 명확합니다. 인상파는 19세기 이전부터 알려져 있었고, 티치아노와 벨라스케스는 그 시대의 지배적인 사상을 깨뜨리지 않고 (부분적으로, 제한된 범위에서) 사용했습니다.

또 다른 기사(Emil Cardon 작성)와 또 다른 제목인 "Rebel Exhibition"이 있었는데, 이는 절대적으로 반대하고 비난했습니다. 이것이 바로 부르주아 대중의 불만스러운 태도와 예술가(인상파)에 대한 비판을 정확하게 재현한 것이었다. 인상주의자들은 부도덕, 반항적인 정서, 존경할 만한 태도를 갖추지 못했다는 이유로 즉시 비난을 받았습니다. 현재로서는 Camille Pissarro, Alfred Sisley의 풍경, Edgar Degas의 일상 장면, Monet과 Renoir의 정물에서 부도덕 한 것이 무엇인지 명확하지 않기 때문에 이것은 놀랍습니다.

수십 년이 지났습니다. 그리고 새로운 세대의 예술가들은 형식의 진정한 붕괴와 내용의 빈곤에 직면하게 될 것입니다. 그런 다음 비판과 대중 모두 비난받은 ​​인상파를 현실주의자로 보았고 조금 후에는 프랑스 미술의 고전으로 보았습니다.

예술 현상으로서의 인상주의

19세기 후반 프랑스 미술에서 가장 밝고 흥미로운 운동 중 하나인 인상주의는 다양성과 대조를 특징으로 하는 매우 복잡한 환경에서 탄생했으며, 이는 많은 현대 운동의 출현을 촉진했습니다. 인상주의는 짧은 기간에도 불구하고 프랑스뿐만 아니라 미국, 독일 (M. Lieberman), 벨기에, 이탈리아, 영국 등 다른 국가의 예술에도 중요한 영향을 미쳤습니다. 러시아에서는 K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (미학에서 인상파에 가장 가까운), 초기 V. Serov 및 I. Grabar가 인상주의의 영향을 경험했습니다. 인상주의는 19세기 프랑스의 마지막 주요 예술 운동으로 근대 미술과 현대 미술 사이의 경계를 그었습니다.

M. Aplatov에 따르면, “순수한 인상주의는 아마도 존재하지 않았을 것입니다. 인상주의는 교리가 아니며 정식화된 형태를 가질 수 없습니다. 프랑스 인상주의 예술가들은 다양한 정도의 특징을 가지고 있습니다.” 일반적으로 "인상주의"라는 용어는 회화의 한 경향을 의미하지만 그 사상은 음악과 같은 다른 형태의 예술에서도 구체화되었습니다.

인상주의는 우선 현실을 관찰하고 전례없는 정교함에 도달 한 인상을 전달하거나 창조하는 예술이며 줄거리가 중요하지 않은 예술입니다. 이것은 새롭고 주관적인 예술적 현실입니다. 인상파는 주변 세계에 대한 인식과 표현에 대한 자신의 원칙을 제시했습니다. 그들은 고급 예술품에 해당하는 주요 물체와 보조 물체 사이의 경계를 지웠습니다.

인상주의의 중요한 원칙은 전형성을 피하는 것이었다. 즉각성과 캐주얼한 표정이 예술에 들어왔는데, 인상주의 그림은 대로를 따라 산책하며 삶을 즐기는 단순한 행인의 모습을 그린 것 같습니다. 그것은 비전의 혁명이었습니다.

인상주의 미학은 부분적으로 고전주의 예술의 관습뿐만 아니라 신중한 해석이 필요한 모든 것에서 암호화된 의미를 볼 것을 제안하는 후기 낭만주의 회화의 지속적인 상징주의와 심오함에서 자신을 단호하게 해방시키려는 시도로 발전했습니다. 인상주의는 일상 현실의 아름다움을 확인할 뿐만 아니라 주변 세계의 지속적인 가변성, 즉흥적이고 예측할 수 없는 무작위적인 인상의 자연스러움을 예술적으로 중요하게 만듭니다. 인상파는 세부 묘사나 해석 없이 다채로운 분위기를 포착하려고 노력합니다.

예술적 운동으로서 인상주의, 특히 회화에서는 그 능력이 빠르게 소진되었습니다. 고전적인 프랑스 인상주의는 너무 편협했고, 평생 동안 그 원칙에 충실한 사람은 거의 없었습니다. 인상주의적 방법이 발전하는 과정에서 회화적 인식의 주체성은 객관성을 극복하고 점점 더 높은 형식적 수준으로 올라갔고, 고갱의 상징주의와 반 고흐의 표현주의를 포함한 후기 인상주의 모든 운동의 길을 열었다. 그러나 단 20년이라는 짧은 시간에도 불구하고 인상주의는 예술을 근본적으로 다른 수준으로 끌어올려 현대 회화, 음악, 문학, 영화 등 모든 것에 중대한 영향을 미쳤습니다.

인상주의는 새로운 주제를 도입했습니다. 성숙한 스타일의 작품은 밝고 자연스러운 활력, 색채의 새로운 예술적 가능성의 발견, 새로운 회화 기법의 미학화, 작품의 구조 자체로 구별됩니다. 신인상주의와 후기 인상주의에서 더욱 발전된 것은 인상주의에서 나타난 이러한 특징입니다. 현실에 대한 접근 방식이나 표현 기법 체계로서의 인상주의의 영향은 20세기 초 거의 모든 미술 학교에 영향을 미쳤으며, 추상화를 포함한 다양한 방향의 발전을 위한 출발점이 되었습니다. 인상주의의 일부 원리(순간적인 움직임의 전달, 형태의 유동성)는 E. Degas, Fr.의 1910년대 조각에서 다양한 정도로 나타났습니다. 로댕, M. Golubkina. 예술적 인상주의는 문학(P. Verlaine), 음악(C. Debussy), 연극의 표현 수단을 크게 풍부하게 했습니다.

2. 회화의 인상주의

1874년 봄, 모네, 르누아르, 피사로, 시슬리, 드가, 세잔, 베르트 모리조를 포함한 일단의 젊은 화가들은 공식 살롱을 무시하고 자신들의 전시회를 열었고 이후 새로운 운동의 중심 인물이 되었습니다. 그것은 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 파리의 Boulevard des Capucines에 있는 사진가 Nadar의 스튜디오에서 일어났습니다. 30명의 작가가 총 165점의 작품을 선보였습니다. 그러한 행위 자체는 혁명적이었고 수세기에 걸친 기초를 무너뜨렸지만, 이 예술가들의 그림은 언뜻 보기에 전통에 훨씬 더 적대적인 것처럼 보였습니다. 나중에 인정받은 회화의 고전이 대중에게 그들의 진실성뿐만 아니라 그들의 재능을 확신시킬 수 있기까지는 몇 년이 걸렸습니다. 이 모든 매우 다른 예술가들은 예술의 보수주의와 학문주의에 대한 공동의 투쟁으로 단결되었습니다. 인상파는 1886년에 마지막 전시회를 포함하여 8번의 전시회를 열었습니다.

클로드 모네의 일출 그림이 등장한 것은 1874년 파리의 첫 번째 전시회에서였습니다. 주로 "인상."이라는 특이한 제목으로 모든 사람의 관심을 끌었습니다. 해돋이". 그러나 그림 자체는 특이했고, 색상과 빛의 거의 파악하기 어렵고 변화무쌍한 유희를 전달했습니다. 언론인 중 한 사람의 조롱 덕분에 인상주의 (프랑스어 "인상"-인상)라는 회화의 전체 운동의 토대를 마련한 것은이 그림의 이름 인 "인상"이었습니다.

인상파는 사물에 대한 직접적인 인상을 최대한 정확하게 표현하기 위해 새로운 그림 방법을 창안했습니다. 그 본질은 주변의 빛 공기 환경에서 형태를 시각적으로 용해시키는 순수한 페인트의 별도 스트로크를 사용하여 물체 표면의 빛, 그림자, 반사의 외부 인상을 전달하는 것이 었습니다.

타당성은 개인적인 인식에 의해 희생되었습니다. 인상파는 비전에 따라 하늘을 ​​녹색으로, 잔디를 파란색으로 칠할 수 있었고 정물화의 과일은 알아볼 수 없었으며 인간의 모습은 모호하고 개략적이었습니다. 중요한 것은 무엇을 그리느냐가 아니라 '어떻게'가 중요했습니다. 그 오브제는 시각적인 문제를 해결하는 이유가 되었다.

인상주의의 창의적인 방법은 간결함과 스케치가 특징입니다. 결국 짧은 스케치만으로도 개별 자연 상태를 정확하게 기록할 수 있었습니다. 이전에는 스케치에만 허용되었던 것이 이제는 완성된 그림의 주요 특징이 되었습니다. 인상주의 예술가들은 회화의 정적인 성격을 극복하고 덧없는 순간의 아름다움을 영원히 포착하기 위해 온 힘을 다해 노력했습니다. 그들은 관심 있는 캐릭터와 사물을 더 잘 강조하기 위해 비대칭 구성을 사용하기 시작했습니다. 구성과 공간의 인상주의적 구성의 특정 기술에서 자신의 나이에 대한 열정의 영향이 눈에 띕니다. 이전과 같은 고대가 아닌 일본 판화(예: 가츠시카 호쿠사이, 히로시게, 우타마로와 같은 거장) 및 부분적으로 사진, 클로즈업 및 새로운 관점.

인상주의자들은 또한 색 구성표를 업데이트했습니다. 그들은 어둡고 흙빛 페인트와 광택제를 버리고 순수하고 분광적인 색상을 팔레트에 먼저 섞지 않고 캔버스에 적용했습니다. 그들의 캔버스에 있는 전통적인 "박물관"의 검은색은 유색 그림자의 유희로 대체됩니다.

기름과 분말 안료로 손으로 만든 오래된 페인트를 대체하는 기성품 및 휴대용 페인트 금속 튜브의 발명 덕분에 예술가들은 스튜디오를 떠나 야외 작업을 할 수 있었습니다. 태양의 움직임에 따라 풍경의 조명과 색상이 바뀌기 때문에 그들은 매우 빠르게 작업했습니다. 때때로 그들은 튜브에서 바로 캔버스에 물감을 짜내고 붓놀림 효과로 순수하고 반짝이는 색상을 만들어냈습니다. 한 페인트를 다른 페인트 옆에 획을 긋음으로써 그들은 종종 그림의 표면을 거칠게 만들었습니다. 그림 속 자연색의 신선함과 다양성을 유지하기 위해 인상파는 복잡한 색조를 순수한 색상으로 분해하고 마치 보는 사람의 눈에 섞이는 것처럼 순수한 색상의 별도 획이 상호 침투하는 것으로 구별되는 회화 시스템을 만들었습니다. 색깔있는 그림자는 보색의 법칙에 따라 보는 사람에 의해 인식됩니다.

주변 세계를 최대한 즉각적으로 전달하기 위해 노력한 인상파는 미술 역사상 처음으로 야외에서 주로 그림을 그리기 시작했으며 전통적인 그림 유형을 거의 대체하는 삶의 스케치의 중요성을 세심하게 높였습니다. 스튜디오에서 천천히 만들어졌습니다. 야외에서 작업하는 바로 그 방법으로 인해 그들이 발견한 도시 풍경을 포함한 풍경은 인상파 미술에서 매우 중요한 위치를 차지했습니다. 그들의 주된 주제는 흔들리는 빛, 사람과 사물이 몰입되어 있는 듯한 공기였습니다. 그들의 그림에서는 바람, 태양에 의해 뜨거워진 축축한 땅을 느낄 수 있었습니다. 그들은 자연의 놀랍도록 풍부한 색상을 보여주고자 했습니다.

인상주의일상적인 도시 생활, 거리 풍경 및 엔터테인먼트 등 예술에 새로운 주제를 도입했습니다. 주제와 줄거리 범위가 매우 넓었습니다. 풍경, 인물 사진, 여러 인물 구성에서 예술가들은 세상이 끊임없이 변화하는 현상인 개별적인 세부 사항을 다루지 않고 "첫인상"의 공정성, 강인함 및 신선함을 보존하기 위해 노력합니다.

인상주의는 밝고 즉각적인 활력으로 구별됩니다. 그림의 개성과 미적 가치, 고의적인 무작위성과 불완전성이 특징입니다. 일반적으로 인상파의 작품은 세상의 감각적인 아름다움에 대한 쾌활함과 열정으로 구별됩니다.