Telanjang dalam lukisan asing modern. Ilustrasi oleh Valdemar Cossack

Tubuh telanjangmu seharusnya hanya milik orang yang mencintai jiwa telanjangmu.

Charlie Chaplin

“Kaki wanita yang cantik telah mengubah lebih dari satu halaman sejarah,” kata orang Prancis itu. Dan mereka benar: lagipula, kita tidak hanya berbicara tentang skala negara bagian dalam sejarah pribadi orang Spanyol yang luar biasa Francisco José de Goya y Lucientes, inilah yang sebenarnya terjadi. Para seniman sezaman yang tahu tentang kecintaannya pada cinta dan ketidakkekalan, mereka meyakinkan: segalanya berubah ketika sang maestro bertemu dengan Duchess Maria Teresia Cayetana del Pilar de Alba, pewaris keluarga bangsawan kuno. Beberapa orang mengagumi kecantikannya yang luar biasa, memanggilnya Ratu Madrid, membandingkannya dengan Venus, dan meyakinkan: “Semua orang menginginkannya dari pria Spanyol!” “Ketika dia berjalan di jalan, semua orang melihat ke luar jendela, bahkan anak-anak menghentikan permainan mereka untuk melihatnya. Setiap rambut di tubuhnya membangkitkan hasrat,” yang lain juga iri dengan kecantikan dan kekayaannya. mengutuknya karena kebebasan moralnya. Sang bangsawan memilih untuk tidak memperhatikan semua kegembiraan ini. Dia memilih sendiri teman dan musuhnya. Apalagi dia sama sekali tidak malu dengan kehadiran seorang suami sangat penting bagi urusan cinta istrinya. Oleh karena itu, hasrat barunya terhadap pelukis istana dianggap hanya iseng. Ngomong-ngomong, pasangan itu bersama-sama mendukung Goya, karena selain kehidupan pribadi mereka yang sibuk, mereka juga terlibat dalam filantropi dan amal dan Francisco bertemu melalui seni.

Hubungan mereka bertahan dalam ujian waktu dan penyakit serius sang artis, yang mengakibatkan gangguan pendengaran. Dia melukis potretnya, memotret wanita kesayangannya dari berbagai sudut dan pakaian. Salah satunya adalah "The Duchess of Alba in Black" - menurut beberapa orang, bukti nyata hubungan dekat mereka. Faktanya adalah setelah pemugaran lukisan tersebut, yang dilakukan pada tahun enam puluhan abad kedua puluh, sebuah ukiran dengan nama Alba dan Goya ditemukan pada cincin kecantikan tersebut. Jari anggun Duchess menunjuk ke pasir, di mana sebuah tulisan yang fasih terlihat: "Hanya Goya." Diyakini bahwa penulisnya menyimpan lukisan ini di rumah “untuk penggunaan pribadi” dan tidak pernah memamerkannya. Sama seperti Alba sendiri, dua orang lainnya, yang lebih menarik lagi, lahir setelah kematian suami sahnya. Ada anggapan bahwa, setelah menguburkan suaminya, janda yang “sedih” itu pergi ke salah satu perkebunannya di Andalusia untuk bersedih. Dan agar tidak merasa kesepian sama sekali, dia mengajak Goya untuk bergabung dengannya. Saat itulah “Makha Naked” dan “Makha Dressed” ditulis. (Mahami pada waktu itu adalah nama yang diberikan kepada semua gadis berpakaian genit dari lapisan masyarakat bawah.)

Francisco Goya. Potret diri.

Benar, fakta bahwa orang yang digambarkan di kedua kanvas adalah duchess yang mengejutkan itu sendiri masih diragukan oleh banyak orang. Dipercayai bahwa wanita luar biasa dalam gaya telanjang adalah salah satu simpanan Perdana Menteri Ratu Marie Louise, Manuel Godoy: “Machs” masuk dalam koleksinya pada tahun 1808. Sumber lain mengklaim bahwa gambar ini adalah gambar kolektif, dan hanya sumber lain yang yakin bahwa inspirasi Goya adalah Cayetana, yang dia lukis telanjang untuk membuatnya kesal ketika dia menyadari bahwa Alba bergairah tentang orang lain. Meskipun demikian, penggambaran lukisan telanjang di Spanyol pada abad ke-18 dapat mengakibatkan nyawa orang lain: setelah menemukan kanvas tersebut pada tahun 1813, polisi moral, yang diwakili oleh Inkuisisi yang selalu waspada, segera menyebutnya “cabul”. Penulis yang hadir di pengadilan sempat dijebloskan ke penjara, namun tidak pernah mengungkapkan nama modelnya. Siapa yang tahu bagaimana nasibnya jika bukan karena perantaraan pelindung tingkat tinggi...

Alba, tentu saja, akan menghargai tindakan beraninya, tapi saat itu dia sendiri sudah berada di dunia lain selama bertahun-tahun. Kematian Cayetana, yang tidak terduga bagi semua orang, dan terutama bagi Goya, mengejutkan Madrid. Duchess ditemukan di istananya di Buena Vista pada musim panas 1802 setelah resepsi megah yang diberikan sehari sebelumnya untuk menghormati pertunangan keponakan kecilnya (Alba tidak memiliki anak sendiri). Francisco termasuk di antara para tamu. Dia mendengar Cayetana berbicara tentang cat, berbicara tentang cat yang paling beracun, bercanda tentang kematian. Dan di pagi harinya, rumor menyebarkan kabar duka tersebut. Saat itulah setiap orang yang mengenal bangsawan itu secara pribadi mengingat kata-katanya bahwa dia ingin mati muda dan cantik, seperti cara sikat ajaib Goya menangkapnya.

Setelah itu, pihak kota berdiskusi panjang tentang penyebab kematian Alba. Diasumsikan dia diracun: sayangnya, wanita ini punya banyak musuh. Mereka juga mengatakan bahwa dia sendiri yang meminum racun itu. Namun bagi Goya, hal ini tidak penting lagi. Dia hidup lebih lama dari kekasihnya yang luar biasa selama hampir seperempat abad, dengan membawa serta rahasia "Makha". Bahkan keturunan Alba pun gagal menyelesaikannya. Untuk membersihkan nama Cayetana, mereka melakukan penelitian, dengan harapan dapat membuktikan dari ukuran tulang bahwa kanvas tersebut menggambarkan wanita lain. Namun selama “operasi” tersebut ternyata hanya makam bangsawan wanita tersebut yang dibuka berulang kali selama kampanye Napoleon, dan oleh karena itu pemeriksaan seperti itu sama sekali tidak ada artinya...

Itu disebut mempesona dan tidak dapat dipahami oleh mereka yang mempercayai kisah-kisah antusias Dali tentang muse, ratu, dewi - Gala. Bahkan saat ini, mereka yang kurang mudah tertipu menganggapnya sebagai Valkyrie predator yang memikat seorang jenius. Hanya ada satu fakta yang tidak diragukan lagi: misteri yang menyelimuti kehidupan wanita ini tidak pernah terpecahkan.

Salvador Dali “Atom Leda”, 1947–1949 Museum Teater Dalí, Figueres, Spanyol

Sejak artis Salvador Dali pertama kali melihatnya pada tahun 1929, era baru bernama Gala dimulai dalam sejarah pribadinya. Bertahun-tahun kemudian, sang maestro menggambarkan kesan hari itu dalam salah satu novel otobiografinya. Namun, kata-kata yang tercetak dengan huruf tipografi pada lembaran putih buku terbitan ribuan eksemplar tidak menyampaikan bahkan seperseratus bagian dari nafsu yang bergejolak dalam jiwanya di hari yang cerah itu: “Saya berjalan ke jendela yang menghadap ke luar. pantai. Dia sudah ada di sana... Gala, istri Eluard. Itu dia! Aku mengenalinya dari punggungnya yang telanjang. Tubuhnya lembut, seperti anak kecil. Garis bahunya hampir bulat sempurna, dan otot-otot pinggang, yang terlihat rapuh, tegang secara atletis, seperti otot remaja. Namun lekuk punggung bawahnya benar-benar feminin. Kombinasi anggun dari tubuh ramping dan energik, pinggang tawon, dan pinggul lembut membuatnya semakin diminati.” Beberapa dekade kemudian, dia tidak bosan mengulangi kepada Gala sendiri bahwa dia adalah dewanya, Galatea, Gradiva, Saint Helena... Dan jika konsep kekudusan dan ketidakberdosaan tidak ada hubungannya dengan kekasih Salvador, nama Helena memiliki hubungan langsung dengan dia. Faktanya adalah dia diberi nama seperti itu saat lahir. Tapi, seperti yang dikatakan legenda keluarga, diceritakan kembali lebih dari sekali dalam biografi Elena Dyakonova - calon Nyonya Dali - sejak kecil gadis itu lebih suka dipanggil... Galina.

Beginilah cara dia memperkenalkan dirinya kepada calon penyair Prancis Paul Eluard ketika kebetulan mempertemukan mereka di salah satu resor Swiss. “Oh, Gala!” - dia tampak berseru, memperpendek nama dan mengucapkannya dalam bahasa Prancis dengan penekanan pada suku kata kedua. Dengan tangannya yang ringan, semua orang mulai memanggilnya dengan cara yang persis sama - "kemenangan, liburan", begitulah bunyi Gala dalam terjemahannya. Setelah empat tahun berkorespondensi dan jarang bertemu, mereka, bertentangan dengan keinginan orang tua Paul, menikah dan bahkan melahirkan seorang putri, Cecile. Namun, seperti yang Anda ketahui, moral bebas yang menjadi landasan hubungan keluarga bukanlah cara terbaik untuk menyelamatkan sebuah pernikahan. Empat tahun berlalu, dan artis Max Ernest muncul dalam kehidupan pasangan Eluard, yang menetap di rumah pasangan tersebut sebagai kekasih resmi Gala. Konon tak satupun dari mereka berusaha menyembunyikan cinta segitiga tersebut. Dan kemudian dia bertemu Dali.

“Nak, kita tidak akan pernah berpisah lagi,” kata Gala Eluard dan memasuki hidupnya selamanya. “Berkat cintanya yang tak tertandingi dan tak berdasar, dia menyembuhkanku dari… kegilaan,” katanya, meneriakkan nama dan penampilan kekasihnya dengan segala cara - dalam prosa, puisi, lukisan, patung. Perbedaan sepuluh tahun - menurut versi resmi, dia lahir pada tahun 1894, dan dia pada tahun 1904 - tidak mengganggu mereka. Wanita ini baginya menjadi seorang ibu, istri, kekasih - alfa dan omega, yang tanpanya sang artis tidak dapat lagi membayangkan keberadaannya. “Gala adalah aku,” dia meyakinkan dirinya sendiri dan orang-orang di sekitarnya, melihat bayangannya dalam dirinya, dan menandatangani karya tersebut sebagai “Gala - Salvador Dali.” Sulit untuk mengatakan apa rahasia kekuatan magisnya atas pria ini: mungkin, dia sendiri tidak pernah mencoba menganalisis, tenggelam dalam perasaan, seperti di lautan yang tak berujung. Sama seperti tidak mungkin untuk memahami siapa dia sebenarnya dan dari mana asalnya: data yang sejauh ini tercantum di semua buku referensi baru-baru ini dipertanyakan oleh para peneliti - dan ada alasan untuk ini. Tapi apakah itu benar-benar penting? Bagaimanapun, Gala adalah mitos yang diciptakan oleh imajinasi Dali dan keinginannya sendiri untuk melestarikannya.

Gala adalah satu-satunya inspirasiku, kejeniusanku dan hidupku, tanpa Gala aku bukan apa-apa.

Salvador Dali

Dalam salah satu dari lusinan potretnya, yang dibuat dengan gaya telanjang, sang seniman menggambarkan kekasihnya sebagai pahlawan wanita mistis, memberikan makna baru ke dalam cerita setua dunia. Maka lahirlah “Atomic Leda” miliknya.

Menurut legenda, Leda, putri Raja Thestius, menikah dengan penguasa Sparta, Tyndareus. Terpesona oleh kecantikannya, Zeus merayu wanita itu, mendatanginya dalam bentuk... seekor Angsa. Dia melahirkan anak kembar Castor dan Polydeuces dan seorang putri, Helen cantik, yang dikenal sebagai Helen dari Troy. Dengan perbandingan ini, penyihir Dali mengingatkan orang lain tentang pesona luar biasa dari Gala-Elena yang dicintainya: Salvador sendiri tidak meragukan eksklusivitas data eksternalnya selama satu menit pun, menganggap istrinya yang paling cantik di antara manusia. Mungkin inilah sebabnya potret Gala yang ke-9 ini dibuat sesuai dengan “proporsi ilahi” Fra Luca Paccioli, dan beberapa perhitungan dibuat untuk lukisan itu atas permintaan sang master oleh ahli matematika Matila Ghika. Berbeda dengan mereka yang berpendapat bahwa ilmu eksakta berada di luar konteks seni, Dali yakin: setiap karya seni yang signifikan harus didasarkan pada komposisi, dan karenanya pada perhitungan. Perlu dicatat bahwa ia dengan cermat memverifikasi tidak hanya hubungan objek di kanvas, tetapi juga isi internal gambar, yang menggambarkan gairah sesuai dengan teori modern... "non-kontak" fisika intra-atom. Leda-nya tidak menyentuh Angsa, tidak bertumpu pada kursi yang melayang di udara: semuanya mengapung di atas laut, yang tidak menyentuh pantai... "Atomic Leda" selesai pada tahun 1949, membangkitkan Gala, menurut Dali, ke tingkat “dewi metafisika saya " Selanjutnya, dia tidak pernah melewatkan kesempatan untuk mengumumkan peran luar biasa wanita itu dalam hidupnya.

Namun, di tahun-tahun berikutnya, hubungan mereka mendingin. Gala memutuskan untuk menetap secara terpisah, dan dia memberinya sebuah kastil di desa Pubol di Spanyol, yang dia tidak berani kunjungi tanpa terlebih dahulu mendapat izin tertulis dari istrinya. Dan pada tahun kematiannya, Dali juga meninggal dunia: meskipun setelah kepergiannya ia tetap berada di Bumi selama tujuh tahun yang panjang, keberadaannya kehilangan maknanya, karena perayaan hidupnya telah usai.

Karl Bryullov “Batsyeba” Galeri State Tretyakov 1832, Moskow

Kisah seluk-beluk nasib Batsyeba yang menawan telah menarik perhatian para sejarawan, penyair, dan bahkan astronom selama berabad-abad: sebuah asteroid dinamai untuk menghormatinya. Dengan satu atau lain cara, justru karakteristik luarnya yang luar biasa itulah yang menjadi penyebab semua kesedihan dan kegembiraannya. Beberapa orang menuduh Batsyeba melakukan perilaku yang tidak pantas, yang lain percaya bahwa satu-satunya kejahatan wanita ini adalah kecantikannya yang tidak dapat diterima.

Dan kisah ini dimulai, yang benar-benar mengubah kehidupan sang pahlawan wanita, sekitar sembilan ratus SM... “Suatu malam, Raja Daud, bangun dari tempat tidur, berjalan di atap rumah kerajaan dan melihat... seorang wanita sedang mandi; dan wanita itu sangat cantik. Dan Daud mengutus untuk mencari tahu siapa wanita ini. Jawab mereka kepadanya: Ini Batsyeba, putri Eliam, istri Uria, orang Het itu. David mengirim pelayan untuk membawanya; dan dia mendatanginya…” - beginilah Kitab Buku menggambarkan saat mereka bertemu. Rupanya, kabar orang yang disukainya menikah dengan panglimanya tidak membuat sang raja merasa terganggu. Perasaan apa yang dimiliki Batsyeba sendiri, sejarah diam. Untuk melenyapkan suaminya, Daud memerintahkan “untuk menempatkan Uria di tempat pertempuran terkuat akan terjadi, dan mundur darinya, sehingga dia akan dikalahkan dan mati.” Tidak lama setelah diucapkan, dilakukan. Segera duta besar memberi tahu David bahwa keinginannya telah terpenuhi. Artinya tidak ada hal lain yang menghalangi dia untuk mengambil Batsyeba sebagai istri sahnya.

Setelah tanggal jatuh tempo, dia melahirkan seorang putra untuk raja. Penguasa yang bijaksana menghitung segalanya, dengan hati-hati membuka jalan menuju kebahagiaan pernikahan. Dia tidak hanya memperhitungkan satu hal: pelanggaran terhadap perintah memerlukan hukuman. Dia dan kekasihnya bertanggung jawab penuh atas dosa-dosa mereka - anak sulung mereka hanya hidup beberapa hari. Pewaris kedua dari pasangan itu adalah Sulaiman, yang namanya dikaitkan dengan banyak mitos dan legenda. Tapi itu cerita yang sama sekali berbeda.

Para pelukis juga memperhatikan plot dan memainkan momen penting bagi wanita tersebut dengan segala cara. Di antara mereka adalah “The Great Karl,” sebagaimana Bryullov dipanggil oleh orang-orang sezamannya. Benar, ahli “cahaya dan udara” tidak terlalu tertarik dengan narasi alkitabiah, melainkan karena kesempatan untuk memamerkan “bakat dekoratif” yang dimilikinya. Siluet bercahaya, air di kakinya yang indah, capung yang nyaris tak terlihat dengan sayap transparan di dekat tangannya... “Kulit putih seperti marmer dipicu oleh sosok pelayan berkulit hitam, menambah sedikit rasa erotisme pada gambar. ,” tulis kritikus seni tentang dia. Dan mereka mengingat sensualitas...

Ada asumsi bahwa model lukisan ini, yang masih belum selesai, adalah kekasih seniman cantik Yulia Samoilova, seorang countess yang mengejutkan, yang legendanya tidak kalah pentingnya dengan para partisipan dalam epik sejarah ini. “Takut padanya, Karl! Wanita ini tidak seperti yang lain. Dia tidak hanya mengubah kesetiaannya, tetapi juga istana tempat dia tinggal. Tapi saya setuju, dan Anda akan setuju, bahwa Anda bisa menjadi gila karenanya,” mereka mengatakan bahwa Pangeran Gagarin, yang rumahnya tempat perkenalan itu terjadi, memperingatkan Bryullov: dia sedang berhadapan dengan api. Namun, nyala api Yulia Pavlovna, yang menghanguskan hati orang lain, dalam kasus Karl ternyata memberi kehidupan. Selama bertahun-tahun, mereka saling mendukung, antara lain tetap menjadi teman dekat. “Aku mencintaimu lebih dari yang bisa aku jelaskan, aku memelukmu dan akan mengabdi secara spiritual padamu sampai liang kubur. Yulia Samoilova” - pesan seperti itu dikirim oleh jutawan eksentrik kepada "Brishka sayang" dari berbagai negara ke tempat dia berada saat itu. Dan dia memberikan keabadian pada penampilan kekasihnya, memberinya ciri-ciri wanita tercantik di berbagai kanvasnya. Mungkin hanya Samoilova yang berhasil menahan temperamen sang maestro yang keras dan pemarah - baginya, tampaknya, tidak ada hukum lain. “Di balik penampakan dewa muda Hellenic, tersembunyi sebuah kosmos di mana prinsip-prinsip permusuhan bercampur dan meletus dalam gunung berapi nafsu atau mengalir dengan kilauan yang manis. Dia penuh gairah, dia tidak melakukan apa pun dengan tenang, seperti yang dilakukan orang biasa. Ketika gairah mendidih dalam dirinya, ledakannya sangat dahsyat, dan siapa pun yang berdiri lebih dekat akan mendapat lebih banyak,” tulis seorang kontemporer tentang Bryullov. Karl sendiri tidak mempermasalahkan apa yang mereka katakan tentang karakternya, karena bakatnya sudah tidak diragukan lagi.

Ngomong-ngomong, Nyonya Samoilova adalah salah satu dari sedikit orang yang mendukungnya di saat putus asa, ketika, setelah pernikahan yang tidak masuk akal, artis berusia empat puluh tahun itu mendapati dirinya menjadi pusat perhatian semua orang dan keingintahuan yang tidak baik. Istrinya adalah Emilia Timm yang berusia delapan belas tahun, putri walikota Riga. “Aku jatuh cinta dengan penuh gairah… Orang tua mempelai wanita, terutama ayahku, segera membuat rencana untuk menikahkanku dengannya… Gadis itu memainkan peran sebagai kekasih dengan sangat terampil sehingga aku tidak curiga ada penipuan…” dia kemudian berkata. Dan kemudian mereka “memfitnah saya di depan umum…” Alasan sebenarnya dari “pertengkaran” dengan istri baru saya adalah cerita kotor yang melibatkan dia. “Saya sangat merasakan kemalangan saya, rasa malu saya, hancurnya harapan saya akan kebahagiaan rumah tangga... hingga saya takut kehilangan akal sehat,” tulisnya tentang konsekuensi dari pernikahan yang hanya bertahan beberapa bulan. Pada saat itu, Julia tampak sekali lagi merobek “Brichka” dari pikiran suramnya dan menariknya ke dalam pusaran bola dan topeng yang diberikan Count Slavyanka di tanah kesayangannya. Kemudian dia menjual "Slavyanka" dan berangkat untuk menemui cinta baru dan petualangan baru. Bryullov juga tidak tinggal lama di tanah airnya: Polandia, Inggris, Belgia, Spanyol, Italia - dia sering bepergian dan melukis, melukis, melukis... Dalam perjalanan lain dia meninggal - di kota Manziana dekat Roma.

Julia hidup lebih lama dari Karl selama dua puluh tiga tahun, menguburkan dua suami - mantan istri Pangeran Nikolai Samoilov dan penyanyi muda Peri. “Saksi mata yang melihatnya selama periode hidupnya mengatakan bahwa duka seorang janda sangat cocok untuknya, menekankan kecantikannya, tetapi dia menggunakannya dengan cara yang sangat orisinal. Samoilova mendudukkan anak-anak di bagian terpanjang dari gaun berkabung, dan dia sendiri... mendorong anak-anak tertawa kegirangan di sepanjang lantai parket cermin di istananya.” Beberapa waktu kemudian dia menikah lagi.

Tidak diketahui apa yang dijanjikan oleh kecantikan legendaris Batsyeba, yang namanya diterjemahkan sebagai "putri sumpah", ke surga atau manusia, tetapi kita dapat mengatakan dengan yakin: Yulia Samoilova, di masa mudanya, berjanji pada dirinya sendiri untuk tidak berkecil hati dan dia menyimpannya.

Rembrandt Harmens van Rijn “Danae” 1636 Pertapaan, St

Selama berabad-abad, kecantikan Yunani kuno Danae telah menarik perhatian para seniman. Orang Belanda Rembrandt van Rijn juga tidak tinggal diam, memberikan putri mitos itu ciri-ciri dua wanita kesayangannya.

Kisah ini dimulai pada zaman kuno, ketika para dewa Yunani kuno dalam segala hal mirip dengan manusia dan mudah berkomunikasi dengan mereka, dan kadang-kadang bahkan memulai hubungan romantis. Benar, sering kali, setelah menikmati kelezatan seorang perayu duniawi, mereka menyerahkannya pada takdir, kembali ke puncak Olympus, sehingga, dikelilingi oleh teman-teman ilahi, mereka akan selamanya melupakan kegilaan singkat mereka. Inilah yang terjadi pada Danae, putri raja Argive, Acrisius.

Selanjutnya, pria paling berbakat menganggap tugas mereka untuk memberi tahu dunia tentang naik turunnya hidupnya: penulis naskah drama Aeschylus, Sophocles, Euripides mendedikasikan drama dan tragedi untuknya, dan bahkan Homer menyebutkannya di Iliad. Dan Titian, Correggio, Tintoretto, Klimt dan pelukis lainnya menggambarkannya di kanvas mereka. Dan tidak mengherankan: tidak mungkin bersikap acuh tak acuh terhadap nasib seorang gadis yang menjadi korban takdir. Faktanya adalah suatu hari seorang peramal meramalkan kematian ayahnya di tangan cucunya - putra yang akan dilahirkan oleh Danae. Untuk melindungi dirinya sendiri, Acrisius mengendalikan segalanya dengan ketat: dia memerintahkan putrinya untuk dipenjarakan di penjara bawah tanah dan menugaskan seorang pembantu untuknya. Raja yang bijaksana memperhitungkan segalanya, kecuali satu hal - bahwa bukan manusia biasa yang akan jatuh cinta padanya, tetapi Zeus sendiri - dewa utama Olympian, yang baginya semua rintangan tidak berarti apa-apa. Dia berwujud pancuran emas dan memasuki ruangan melalui lubang kecil... Momen kunjungannya menjadi momen paling menarik bagi para seniman dalam kisah pelik ini. Konsekuensi dari pertemuan antara Zeus dan Danae adalah putra Perseus, yang rahasia kelahirannya segera terungkap: kakek Acrisius mendengar tangisan datang dari ruang bawah tanah... Kemudian dia memerintahkan untuk memasukkan putri dan bayinya ke dalam tong dan membuangnya ke dalam tong. laut lepas... Tapi ini tidak membantunya menghindari prediksi: Perseus tumbuh dewasa, kembali ke tanah airnya dan, saat berpartisipasi dalam kompetisi lempar cakram, secara tidak sengaja memukul mereka di Acrisius... "Nasib..." - menghela nafas para saksi atas apa yang terjadi. Andai saja mereka tahu bahwa nasib “Danae” sendiri, yang lahir dari karya Rembrandt, tak kalah dramatisnya!..

Potret Rembrandt Harmens van Rijn. 1648

“Lukisan manakah dalam koleksi Anda yang paling berharga?” Konon, pertanyaan itulah yang diajukan seorang pengunjung kepada penjaga salah satu aula Hermitage pada pagi hari tanggal 15 Juni 1985. “Danae” karya Rembrandt,” jawab wanita itu sambil menunjuk ke kanvas bergambar wanita telanjang mewah. Kapan dan bagaimana pria itu mengeluarkan botol dan memercikkan cairan ke gambar, dia tidak tahu: semuanya terjadi secara tiba-tiba. Para pegawai yang datang berlari mendengar teriakan tersebut hanya melihat cat menggelembung dan berubah warna: cairan tersebut ternyata adalah asam sulfat. Selain itu, penyerang berhasil menusuk lukisan itu sebanyak dua kali dengan pisau... Fakta bahwa warga Lituania berusia empat puluh delapan tahun, Bronius Maigis, kemudian diakui tidak stabil secara mental dan dikirim untuk perawatan tidak mengurangi beratnya kejahatannya. “Saat saya melihatnya pertama kali selama proses restorasi, saya tidak dapat menahan air mata,” aku direktur Hermitage, Mikhail Piotrovsky. - Terutama karena itu adalah “Danae” yang berbeda. Meskipun setelah restorasi, yang berlangsung selama dua belas tahun, kanvas tersebut dikembalikan ke museum, 27 persen dari gambar tersebut harus dibuat ulang sepenuhnya: seluruh fragmen yang dibuat oleh kuas sang maestro hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi. Namun potret inilah yang ia lukis dengan cinta yang istimewa: wanita kesayangannya, istrinya Saskia, menjadi modelnya. Pernikahan mereka berlangsung kurang lebih delapan tahun: setelah melahirkan empat anak untuk suaminya, yang hanya satu yang selamat - Titus - dia meninggal. Beberapa tahun kemudian, Rembrandt menjadi tergila-gila dengan pengasuh putranya, Gertje Dirks. Ada asumsi bahwa untuk menyenangkannya, “Danae” memperoleh fitur-fitur baru yang bertahan hingga hari ini: wajah dan pose berubah, “karakter utama” plot, pancuran emas, menghilang. Namun keadaan ini baru terungkap pada pertengahan abad ke-20, ketika dengan menggunakan fluoroskopi, gambar Saskia sebelumnya ditemukan di bawah lapisan cat. Maka dari itu, sang seniman memadukan potret kedua wanita tersebut. Namun, penghormatan kepada Gertier ini tidak membantu menyelamatkan hubungan dengannya: dia segera mengajukan gugatan terhadap Rembrandt, menuduhnya melanggar kewajiban pernikahan (diduga, bertentangan dengan janjinya, dia tidak menikahinya). Diyakini bahwa alasan sebenarnya perpisahan itu adalah Hendrikje Stoffels muda, pembantu dan kekasih barunya. Pada saat ini, urusan pelukis yang dulunya sukses, populer, dan kaya raya itu menjadi kacau: pesanan semakin sedikit, kekayaannya mencair, dan rumah dijual untuk hutang. "Danae" tetap bersamanya sampai penjualan pada tahun 1656, kemudian jejaknya hilang...

Kehilangan itu baru ditemukan pada abad ke-18 - dalam koleksi kolektor terkenal Prancis Pierre Croz. Setelah kematiannya pada tahun 1740, karya tersebut, bersama dengan mahakarya lainnya, diwarisi oleh salah satu dari tiga keponakan penikmat seni tersebut. Dan kemudian, atas saran filsuf Denis Diderot, lukisan itu diakuisisi oleh Permaisuri Rusia Catherine II, yang saat itu sedang memilih lukisan untuk Pertapaan.

“Dia adalah seorang eksentrik di kelas satu yang membenci semua orang... Sibuk dengan pekerjaan, dia tidak akan setuju untuk menerima raja pertama di dunia, dan dia harus pergi,” tulis Baldinucci dari Italia tentang Rembrandt, yang namanya tercatat dalam sejarah hanya karena dia menjadi penulis biografi Rembrandt yang "eksentrik".

Amedeo Modigliani “Nude Seated on a Sofa” (“Wanita Romawi Cantik”), 1917, Koleksi Pribadi

Lukisan ini, yang dipamerkan hampir seabad yang lalu di galeri Paris di antara karya-karya Modigliani lainnya yang menggambarkan keindahan telanjang, menimbulkan skandal besar. Dan pada tahun 2010 menjadi salah satu lot termahal di lelang paling bergengsi.

“Saya memerintahkan Anda untuk segera membuang semua sampah ini!” - dengan kata-kata ini, Komisaris Rousslot menyapa pemilik galeri terkenal Bertha Weil, yang dipanggil olehnya ke stasiun pada tanggal 3 Desember 1917. “Tetapi ada ahli yang tidak sependapat dengan Anda,” kata Bertha, yang di galerinya ada beberapa beberapa jam yang lalu pameran pertama Amedeo Modigliani yang berusia tiga puluh tiga tahun dibuka, yang menarik banyak orang. Daya tarik utama pengunjung adalah gambar telanjang wanita yang ditempatkan di jendela teman dan penemunya, yang menjadi agen seni barunya dan penggagas vernissage ini, berharap: betapapun telanjangnya, dapat menarik perhatian orang-orang?! Leo tidak memperhitungkan fakta bahwa ada kantor polisi di rumah di seberangnya dan bahwa penduduknya akan sangat tertarik dengan alasan terjadinya kerumunan orang tersebut. “Jika Anda tidak segera mematuhi perintah saya, saya akan memerintahkan polisi saya untuk menyita semuanya!” - teriak komisaris dengan marah. Dan Bertha, sambil nyaris tidak menahan senyumnya, berpikir: "Sungguh indah: setiap polisi dengan pakaian telanjang yang cantik di tangannya!" Namun, dia tidak berani membantah dan segera menutup galeri, dan para tamu di sana membantunya menghilangkan lukisan “cabul” dari dinding. Ada sekitar tiga puluh kanvas yang dipesan oleh Zborowski selama tahun 1916–1917, namun banyak waktu berlalu sebelumnya. para ahli dan penikmat seni lukis yang canggih mengakuinya sebagai mahakarya dan menyebutnya sebagai “kemenangan ketelanjangan”. Namun, seluruh Paris pun membicarakan tentang pameran tersebut, dan beberapa kolektor Prancis dan asing menjadi sangat tertarik dengan karya “ gelandangan tunawisma” Dodo, begitu teman-temannya memanggilnya.

Meskipun secara adil harus dikatakan bahwa pada saat itu dia bukan tunawisma: pada musim panas 1917, Amedeo dan artis muda kesayangannya Jeanne Hebuterne, yang dia temui tak lama sebelum kejadian tersebut dijelaskan, menyewa sebuah apartemen kecil - dua kamar kosong. “Aku menunggu satu-satunya yang akan menjadi cinta abadiku dan sering datang kepadaku dalam mimpiku,” aku artis itu pada salah satu temannya. Mereka yang mengenal Modi secara pribadi mengatakan bahwa setelah bertemu Zhanna, mimpi dan kenyataan menyatu dalam Amedeo. Potret bertopi, dengan latar belakang pintu, dengan sweter kuning - ada lebih dari dua puluh lukisan dengan gambarnya selama empat tahun kami hidup bersama. Dodo sendiri menyebutnya sebagai “pernyataan cinta di atas kanvas”. “Dia model yang ideal, dia tahu cara duduk seperti apel, tanpa bergerak dan selama saya membutuhkannya,” tulisnya kepada saudaranya.

Jeanne jatuh cinta pada Amedeo apa adanya - berisik, tidak terkendali, sedih, rusuh, gelisah - dan dengan pasrah mengikutinya kemanapun dia memanggil. Sama seperti Modi yang kemudian membuat keputusan apa pun tanpa ragu-ragu: haruskah dia melukis tiga lusin penyihir wanita telanjang, bertatap muka dengan mereka masing-masing selama berhari-hari? Jadi beginilah seharusnya! “Bayangkan saja apa yang terjadi pada para wanita ketika mereka melihat Modigliani yang tampan berjalan di sepanjang Montparnasse Boulevard dengan buku sketsa, mengenakan setelan velour abu-abu dengan pagar kayu dari pensil warna yang menonjol dari setiap saku, dengan syal merah dan tas besar. topi hitam. Saya tidak tahu seorang wanita lajang yang menolak datang ke studionya,” kenang teman sang pelukis, Lunia Czechowska. Mereka menjadi model untuk pameran yang mengejutkan itu.

Belakangan, Amedeo kembali lebih dari sekali ke tema favoritnya - potret teman dan model acak yang berpose untuknya dalam kostum Eva - yang membuatnya dicela oleh orang-orang biasa karena hasratnya. Namun dia tidak menganggap penting hal ini, karena bagi Modi sendiri, jelas bahwa dia tertarik bukan pada permukaan “struktur tubuh”, tetapi pada keselarasan internalnya. Bisakah kecantikan tidak tahu malu? Ngomong-ngomong, atas dasar ini, Dodo memiliki konflik dengan Auguste Renoir yang sudah tua dan jenius, yang, sebagai seorang master, berusaha memberikan nasihat kepada adik laki-lakinya: “Saat Anda melukis wanita telanjang, Anda harus... dengan lembut, lembut gerakkan kuas di atas kanvas, seolah-olah sedang membelai.” Modigliani marah dan, berbicara dengan tajam tentang kegairahan lelaki tua itu, pergi tanpa pamit.

Mereka akan berbicara tentang “godaan lesu yang unik” dan “konten erotis” lukisannya nanti, ketika penyanyi berdaging telanjang itu sudah tidak hidup lagi. Setelah membawa penulisnya ke dunia lain, keturunan yang bersyukur akhirnya akan melihat karya "Dodo yang malang" dan mulai menilainya jutaan dolar, mengadakan pertarungan lelang untuk mendapatkan hak membayar lebih dari pesaing. “Seated Nude on a Sofa” (“Wanita Romawi Cantik”) juga menimbulkan kehebohan serupa. Itu disiapkan untuk dijual di New York pada tanggal 2 November 2010 di Sotheby's yang terkenal dan dijadikan koleksi pribadi dengan harga hampir enam puluh sembilan juta dolar, "menetapkan rekor harga absolut." “Seperti biasa, saya tidak mengiklankan nama pemilik baru

“Kenapa kamu tidak mencoba mempengaruhinya, karena dia sekarat karena mabuk dan tuberkulosis progresif?” - salah satu teman dekat pasangan itu bertanya pada Hebuterne, menyadari betapa sakitnya Amedeo. “Modi tahu dia harus mati. Itu akan lebih baik baginya. Begitu dia meninggal, semua orang akan mengerti bahwa dia jenius,” jawabnya. Sehari setelah kematian Modigliani, Jeanne mengikutinya menuju keabadian, melangkah keluar jendela. Dan salah satu dari mereka yang datang untuk mengucapkan selamat tinggal kepada seniman dan inspirasinya teringat kata-kata sang master: “Kebahagiaan adalah bidadari cantik dengan wajah sedih.” “Ya,” media yang mengikuti lelang elit itu melaporkan dengan datar.

Pierre Auguste Renoir “Telanjang” 1876 Museum Seni Rupa Negara dinamai A.S. Pushkin, Moskow

“Penyanyi wanita, ketelanjangan, penguasa kerajaan wanita” - begitulah salah satu penulis biografi menjuluki sang seniman karena kemampuannya yang luar biasa dalam menyampaikan ketelanjangan di atas kanvas. Namun, tidak semua orang seangkatan menyukai tema favorit sang maestro.

“Saya belum bisa berjalan, tapi saya sudah suka melukis wanita,” Auguste sering mengulangi. “Jika Renoir berkata: “Saya suka wanita,” pernyataan ini tidak mengandung sedikit pun sindiran lucu yang mulai dilontarkan orang kata “cinta” abad XIX. Wanita memahami segalanya dengan sempurna. Dengan mereka, dunia menjadi sangat sederhana. Mereka membawa segalanya ke esensi sejatinya dan tahu betul bahwa pencucian mereka tidak kalah pentingnya dengan konstitusi Kekaisaran Jerman tidak sulit baginya untuk memberi saya gambaran! tentang kenyamanan dan manisnya sarang hangat masa kecilnya: Saya sendiri tumbuh di lingkungan penuh kasih sayang yang sama,” tulis sutradara terkenal Prancis Jean Renoir dalam memoarnya tentang ayahnya, meyakinkan bahwa pengalaman cintanya yang kaya membawa ayahnya pada fakta bahwa di akhir hidupnya dia menciptakan “konsep cinta” miliknya sendiri. Esensinya bermuara pada hal berikut: “Kamu melakukan hal-hal bodoh saat kamu masih muda. tidak masalah jika kamu tidak mempunyai kewajiban apa pun.”

Renoir Sr tahu apa yang dia katakan: dia sendiri menikah untuk pertama kalinya pada usia empat puluh sembilan tahun dan sejak itu, menurut cerita orang-orang yang dicintainya, dia menjadi suami yang paling teladan dan ayah yang penuh perhatian bagi ketiga putranya. yang dilahirkan oleh wanita kesayangannya Alina Sherigo. Ketika mereka bertemu, gadis itu baru berusia lebih dari dua puluh tahun, dan artis tersebut sedang bersiap untuk merayakan ulang tahunnya yang keempat puluh. Penjahit cantik Alina, yang ditemuinya setiap hari di kafe dekat rumahnya, ternyata benar-benar sesuai dengan seleranya: kulit muda yang segar, pipi kemerahan, mata berbinar, rambut indah, bibir indah. Dan meskipun Sherigo tidak mengerti seni lukis, dan sang maestro sendiri tidak kaya atau tampan, dan dia harus menunggu hampir sepuluh tahun untuk mendapatkan lamaran resmi, hal ini tidak menghalangi si cantik untuk melihat dalam dirinya calon suami - satu-satunya. Dan Renoir sendiri tidak hanya menemukan dalam dirinya seorang istri yang berbakti, tetapi juga model terbaik di dunia - dia sering berpose untuk Auguste, mengakui: "Saya tidak mengerti apa-apa, tapi saya suka melihatnya menulis." “Renoir tertarik pada wanita bertipe “kucing”. Alina Sherigo sempurna dalam genre ini,” tulis putra mereka Jean. Dan Edgar Degas yang misoginis, melihatnya di salah satu pameran, mengatakan bahwa dia tampak seperti seorang ratu yang mengunjungi pemain akrobat pengembara.

Model tersebut harus ada untuk menyulut semangat saya, untuk memaksa saya menciptakan sesuatu yang tidak akan terpikirkan oleh saya tanpa model tersebut, untuk menjaga saya dalam batasan jika saya terlalu terbawa suasana.

Pierre Auguste Renoir

“Saya merasa kasihan pada pria yang menaklukkan wanita. Pekerjaan mereka sulit! Siang dan malam bertugas. Saya kenal para seniman yang tidak menciptakan sesuatu yang patut mendapat perhatian: alih-alih melukis wanita, mereka merayu mereka,” Renoir yang menetap pernah “mengeluh” kepada rekan-rekannya. Dia memilih untuk tetap diam tentang hubungan yang menghubungkannya di masa mudanya dengan banyak Palet, Cosette, dan Georgette. Meski demikian, merekalah yang tak terbebani dengan ketelitian berlebihan warga Montmartre yang kerap berpose di hadapan sang pelukis. Salah satunya, Anna Leber, dibawa ke studionya oleh seorang teman, dan beberapa waktu kemudian ia dengan mudah mengenali ciri-ciri familiar dalam lukisan “Nude in Sunlight”: sang seniman memamerkan lukisan ini pada pameran kedua kaum Impresionis. Beberapa sejarawan seni percaya bahwa Anna menjadi model untuk "Nude" yang terkenal - dia juga disebut "Bather" dan, berkat penampilan warna khususnya, "Pearl". Jika tebakan para pakar benar, maka nasib wanita mewah ini “pada hakikatnya” ternyata tidak menyenangkan: setelah tertular cacar, dia meninggal di puncak kehidupan dan kecantikan...

Namun, pada tahun 1876, baik Anna maupun Auguste, yang belum bertemu Alina, tidak mengetahui apa yang menanti mereka di masa depan. Oleh karena itu, tanpa rasa malu, ia dapat mengintip lekuk-lekuk garis tubuhnya sepanjang hari agar potret tersebut (begitulah sebutan karya ini) berwujud. Tak heran ia mengaku: “Saya terus menggarap foto telanjang hingga saya ingin mencubit kanvasnya.”

Ngomong-ngomong, lukisannya mulai disebut "simfoni indah" dan "mahakarya impresionisme", termasuk "Nude", hanya beberapa tahun kemudian. Pada hari pembukaan tahun-tahun itu, kritikus seni Albert Wolff, setelah melihat salah satu foto telanjang Renoir, melontarkan omelan marah di halaman surat kabar Le Figaro: “Taburkan pada Tuan Renoir bahwa tubuh perempuan bukanlah sebuah tumpukan. daging yang membusuk dengan bintik-bintik hijau dan ungu yang menandakan bahwa mayat tersebut sudah membusuk!” Sang master sendiri, yang diberkahi dengan karakteristik bahagia dalam memandang dunia dalam warna-warna cerah, tidak terlalu mementingkan serangannya dan terus menulis dengan cara yang hanya menjadi ciri khasnya untuk menyenangkan para pengagumnya - sekarang dan masa depan. Memang, selain cinta pada keluarga, jiwanya hanya didominasi oleh satu hobi hingga akhir hayatnya - melukis. Dan bahkan ketika jari-jarinya tidak dapat memegang kuas karena sakit, dia terus melukis, mengikatnya ke tangannya.

“Hari ini aku menyadari sesuatu!” - mereka mengatakan kata-kata ini diucapkan oleh Renoir yang berusia tujuh puluh delapan tahun sebelum memulai perjalanan terakhirnya - untuk bertemu Alina yang dicintainya, yang telah meninggal empat tahun sebelumnya.

Diego Velazquez Venus dengan Cermin (Rokeby Venus) 1647–1651 Galeri Nasional, London

Orang-orang sezaman dengan Diego Velazquez menganggapnya sebagai kesayangan takdir: sang seniman tidak hanya beruntung dalam semua usahanya, tetapi juga cukup beruntung untuk menghindari api Inkuisisi karena menggambarkan ketelanjangan perempuan. Namun lukisannya yang memalukan gagal lolos dari “pembalasan”…

“Di mana gambarnya?!” - seru penyair romantis Prancis Théophile Gautier, mengagumi salah satu lukisan karya Diego Rodriguez de Silva y Velazquez dari Spanyol, dan Paus Innocent X berkomentar: “Namun, keberanian dan kemampuan untuk tidak menghiasi kenyataan, yang seiring waktu menjadi kartu panggil Sang Guru .” tidak semua orang menyukainya: rombongan Raja Philip IV, yang menghargai anugerah ilahi Diego, menganggapnya sebagai orang baru yang sombong dan narsis. Namun Velazquez, yang menyukai seninya, tidak menyia-nyiakan energinya untuk argumen verbal, yang hanya meningkatkan kualitas karyanya, dan pendidikannya membangkitkan kekaguman para pengagumnya. Misalnya, salah satu penulis biografi, Antonio Palomino, menulis bahwa bahkan di masa mudanya, Diego “mengambil studi sastra yang bagus dan pengetahuannya tentang bahasa dan filsafat melampauinya. banyak orang pada masanya. Sudah menjadi potret pertama, yang mana punggawa berkuasa meyakinkan raja untuk duduk.” Duke de Olivares, penduduk asli Seville, sangat menyukai penguasa sehingga dia mengundang Velazquez yang berusia dua puluh empat tahun untuk menjadi. seorang seniman istana. Dan dia, tentu saja, setuju. Segera hubungan persahabatan terjalin di antara mereka. Pelukis dan ahli teori seni Francisco Pacheco, yang muridnya Diego saat masih muda, kemudian menulis bahwa “raja besar ternyata sangat murah hati dan mendukung Velazquez. Studio seniman terletak di apartemen kerajaan, di mana kursi berlengan untuk Yang Mulia dipasang. Raja, yang memiliki kuncinya, datang ke sini hampir setiap hari untuk mengawasi pekerjaan.” Sejarah tidak menyebutkan bagaimana Pacheco bereaksi terhadap kenyataan bahwa lingkungannya yang berbakat mulai meninggalkan keluarganya untuk waktu yang lama, pergi ke negara lain sebagai punggawa. Meskipun sangat sedikit yang diketahui tentang istri Velazquez, Juana Miranda - dan hanya fakta bahwa dia adalah putri Pacheco yang tidak dapat disangkal. Juana memberi suaminya putri Francisco dan Ignacia. Ngomong-ngomong, Francisca mengulangi nasib ibunya - dia juga menikah dengan murid kesayangan ayahnya, Juan Batista del Mazo. Benar, Diego rupanya kurang ambil bagian dalam kehidupan orang yang dicintainya dibandingkan dalam urusan kenegaraan.

“Seorang pria yang berpendidikan tinggi dan berpendidikan tinggi yang memiliki rasa harga diri,” kata seniman dan penulis Venesia Marco Boschini tentang dia. Utusan seperti itu adalah perwakilan yang sangat baik dari istana Spanyol di luar tanah air. Meski Philip enggan melepaskan hewan peliharaannya, Velasquez berkesempatan melakukan perjalanan jauh ke luar negeri lebih dari satu kali. Dia pertama kali melakukan perjalanan ke Italia pada tahun 1629 dan sangat senang menemukan seluruh dunia lukisan Italia. Perjalanan kedua ke negara ini berlangsung dari tahun 1648 hingga 1650: atas nama Philip, Diego terlibat dalam pemilihan karya seni untuk koleksi kerajaan. Dipercaya bahwa kemunculan salah satu lukisan Velázquez yang paling terkenal dan menakjubkan dikaitkan dengan perjalanan ini: penciptaan mahakarya “tak tahu malu” tersebut diduga terinspirasi oleh lukisan karya besar Italia Michelangelo, Titian, Giorgione, Tintoretto, yang, dengan keberanian bawaan mereka, menangkap pesona keindahan mitos yang telanjang.

“Venus dan Cupid”, “Venus dengan Cermin”, “Venus Rokeby” - apa pun nama kanvasnya selama berabad-abad! Namun keunikannya tidak hanya terletak pada keahlian penulisnya: ia adalah satu-satunya Velazquez telanjang yang masih hidup. Seperti diketahui, para inkuisitor besar, yang kekejaman dan sikapnya yang tidak kenal kompromi terhadap mereka yang melanggar hukum yang mereka buat mendapatkan ketenaran yang menyedihkan, menganggap kebebasan seperti itu tidak dapat diterima. “Dengan menciptakan sosok telanjang yang menggairahkan di atas kanvas, pelukis menjadi pembimbing iblis, membekalinya dengan pengikut dan menghuni kerajaan neraka,” kata salah satu pengkhotbah iman yang bersemangat, Jose de Jesus Maria. Dalam hal ini, keindahan - dengan atau tanpa cermin - adalah ilustrasi terbaik dari apa yang dikatakan. Dan Diego akan terbakar, jika tidak di neraka, tentu saja dipertaruhkan, jika semua peserta dalam "kejahatan" itu tidak merahasiakan segala sesuatu yang berhubungan dengan gambar ini. Ada kemungkinan bahwa penciptanya diselamatkan dari hukuman oleh perlindungan tertinggi. Agaknya, karya tersebut ditugaskan oleh salah satu orang paling mulia di Spanyol, dan penyebutan pertama kali dilakukan pada tahun 1651: karya tersebut ditemukan selama inventarisasi koleksi kerabat Olivares yang berpengaruh, Marquis del Carpio. Masih ada perdebatan tentang wanita mana yang menjadi model. Menurut salah satu versi, Diego dipotret oleh aktris dan penari terkenal Madrid Damiana, yang merupakan simpanan Marquis, seorang kolektor yang bersemangat, penikmat seni, dan wanita cantik. Menurut asumsi lain, orang Italia memberikan tubuhnya ke Venus. Mungkin dia adalah kekasih rahasia Velazquez: mereka mengatakan bahwa perselingkuhan itu benar-benar terjadi, dan diduga ada buktinya. Serta bukti bahwa segera setelah artis tersebut berangkat ke Spanyol, ia memiliki seorang putra, yang untuk pemeliharaannya Diego mengirimkan dana.

Dan ini bukanlah rahasia terakhir “Venus”. Para pecinta mistisisme mengklaim bahwa setiap pemilik berikutnya bangkrut dan terpaksa menjual lukisan itu. Jadi, dia mengembara dari tangan ke tangan sampai dia menemukan dirinya di kawasan Inggris di Rokeby Park, di wilayah Yorkshire, yang memberinya salah satu namanya. Dan pada tahun 1906, lukisan itu diakuisisi oleh The National Gallery di London: di sana, pada tanggal 10 Maret 1914, terjadilah kisah berikut...

Dimana lukisannya? Segalanya tampak nyata dalam gambar Anda, seperti di kaca cermin.

Francisco de Quevedo

Seorang gadis biasa-biasa saja memasuki aula tempat kanvas itu berada. Mendekati mahakarya tersebut, dia mengambil pisau dari dadanya dan, sebelum penjaga dapat menghentikannya, memukulnya sebanyak tujuh kali. Selama penyelidikan, Mary Richardson menjelaskan tindakannya sebagai berikut: “Venus dengan Cermin” menjadi objek hasrat pria. Para seksis ini memandangnya seperti kartu pos pornografi. Wanita di seluruh dunia berterima kasih kepada saya karena telah mengakhiri hal ini!” Belakangan ternyata Nona Richardson adalah seorang hak pilih - seorang anggota gerakan yang memberikan hak pilih kepada perempuan. Dan dengan cara yang tidak orisinal dia mencoba menarik perhatian publik terhadap nasib Emmeline Pankhurst, ketua gerakan ini, yang sekali lagi dipenjara, di mana dia melakukan mogok makan.

Dan “Venus” dipulihkan: tiga bulan kemudian dikembalikan ke galeri. Dan di sana, seperti berabad-abad lalu, dia mengagumi bayangannya.

Edouard Manet “Olympia” 1863 Museum Orsay, Paris

Lukisan ini, yang dilukis tepat 150 tahun yang lalu, saat ini dianggap sebagai mahakarya impresionisme, dan banyak kolektor yang bermimpi memilikinya dalam koleksi mereka. Namun, penampilan pertamanya di hari pembukaan bergengsi di abad ke-19 menyebabkan salah satu skandal terbesar dalam sejarah seni rupa.

Mungkin karena mengantisipasi sambutan buruk, Edouard Manet tidak terburu-buru menampilkan karyanya ke publik. Memang, pada tahun 1863 yang sama, ia berhasil membedakan dirinya dengan menghadirkan "Sarapan di Rumput" di hadapan juri, yang langsung dikucilkan: modelnya dituduh vulgar, menyebutnya gadis jalanan telanjang, tanpa malu-malu ditempatkan di antara dua pesolek. Penulisnya sendiri dituduh melakukan amoralitas dan tidak ada sesuatu pun yang diharapkan darinya. Namun teman-temannya, di antaranya adalah penyair dan kritikus Prancis terkenal Charles Baudelaire, meyakinkan sang master bahwa ciptaan barunya tidak ada bandingannya. Dan penyair Zachary Astruc, yang mengagumi Venus (diyakini bahwa karya tersebut ditulis di bawah pengaruh "Venus of Urbino" karya Titian dan awalnya dinamai dewi cinta), segera menamai kecantikan Olympia dan mendedikasikan puisinya "Putri dari pulau itu.” Garis-garisnya ditempatkan di bawah kanvas ketika dua tahun kemudian, pada tahun 1865, Manet akhirnya memutuskan untuk memamerkannya di pameran Paris Salon - salah satu pameran paling bergengsi di Prancis. Tapi apa yang dimulai di sini!..

“Segera setelah Olympia punya waktu untuk bangun dari tidurnya,

Seorang pembawa pesan berkulit hitam dengan setumpuk pegas di hadapannya;

Itulah utusan seorang hamba yang tidak dapat dilupakan,

Mengubah malam cinta menjadi hari berbunga,” -

pengunjung pertama membaca keterangan lukisan itu. Namun begitu mereka melihat gambar itu, mereka pergi dengan marah. Sayangnya, renda puitis yang menggugah selera mereka tidak sedikit pun mempengaruhi sikap mereka terhadap karya itu sendiri. "Pencuci Batignolles" (bengkel Edouard terletak di kawasan Batignolles), "tanda untuk stan", "odalisque perut kuning", "liku kotor" - julukan seperti itu ternyata paling ringan dari semua yang tersinggung penonton dianugerahi Olympia. Lebih jauh - lebih lanjut: “Si rambut coklat ini jelek sekali, wajahnya bodoh, kulitnya seperti mayat”, “Gorila betina yang terbuat dari karet dan digambarkan telanjang bulat”, “Tangannya seperti kejang yang tidak senonoh, ” datang dari semua sisi. Kritikus menjadi lebih canggih dalam kecerdasan mereka, dengan menyatakan bahwa “seni yang telah jatuh begitu rendah bahkan tidak layak untuk dikutuk.” Bagi Mana, seluruh dunia tampak menentangnya. Bahkan mereka yang ramah pun tidak dapat menahan diri untuk tidak berkomentar: “Aku akan memberimu sekop dari setumpuk kartu, sekarang juga.”

Artis Edouard Manet.

“muncul dari kamar mandi” dinamai oleh rekannya Gustave Coubret. “Warna tubuhnya kotor, dan tidak ada modelnya,” gema penyair Théophile Gautier. Namun sang seniman hanya mengikuti contoh pelukis favoritnya, yang dikenal secara universal Diego Velazquez, dan menyampaikan nuansa hitam yang berbeda... Namun, tugas warna yang dia tetapkan untuk dirinya sendiri dan diselesaikan dengan cemerlang tidak terlalu membuat khawatir publik: rumor tentang siapa yang berperan sebagai model untuk karyanya, menyebabkan gelombang kemarahan universal sehingga keamanan harus diberikan ke Olympia. Beberapa waktu kemudian, pengelola ruang pameran terpaksa menaikkannya ke ketinggian yang tidak dapat dijangkau oleh tangan dan tongkat “masyarakat yang berbudi luhur”. Kritikus seni dan pelukis sangat marah dengan penyimpangan dari kanon - merupakan kebiasaan untuk menggambarkan wanita dalam gaya telanjang secara eksklusif sebagai dewi mitos, dan dalam model Edward kontemporer mereka terlihat jelas, terlebih lagi, penulis membiarkan dirinya bebas menggunakan warna dan melanggar batas. pada norma estetika. Penduduk Prancis mengkhawatirkan hal lain: faktanya adalah rumor menyebar ke seluruh kota, dengan gembira diterima oleh orang banyak, bahwa Olympia telah dimunculkan oleh pelacur Paris yang terkenal dan nyonya Kaisar Napoleon III, Marguerite Bellanger. Ngomong-ngomong, Napoleon sendiri, seorang ahli seni, pada tahun 1865 memperoleh "lukisan utama Salon" - "Kelahiran Venus" oleh master dan akademisi Alexandre Cabanel. Ternyata, modelnya tidak membingungkan kaisar dengan apa pun selain pose sembrono atau bentuk kabur, karena sepenuhnya sesuai dengan hukum genre. Berbeda dengan “Olympia” yang dipermalukan dengan “biografi” yang memalukan.

Menurut versi resminya, bukan Margarita yang berpose untuk lukisan itu, melainkan model favorit Manet, Quiz-Louise Meurand: ia tak segan-segan membuka pakaian untuk “Makan Siang di Rumput” dan tampil di kanvas lainnya. Seniman lain juga kerap mengundangnya sebagai model, berkat Victorina yang digambarkan dalam lukisan Edgar Degas dan Norbert Gonette. Benar, gadis ini tidak dibedakan berdasarkan perilaku baik dan kesuciannya: bukan tanpa alasan salah satu kenalannya menjulukinya “makhluk bandel yang berbicara seperti wanita jalanan Paris”. Seiring waktu, dia mengucapkan selamat tinggal pada mimpinya menjadi seorang aktris, dan kemudian seorang seniman (beberapa karyanya yang berbakat bertahan), menjadi kecanduan alkohol, mulai berselingkuh dengan Marie Pellegri, dan di tahun-tahun terakhirnya memperoleh seekor burung beo. , yang dengannya dia berjalan-jalan di kota, membawakan lagu-lagu dengan gitar untuk sedekah - untuk itulah dia hidup.

Siapa yang memahatmu dari kegelapan malam, Faust asli macam apa, iblis sabana? Kamu mencium aroma musk dan tembakau Havanna, anak Midnight, idola fatalku...

Charles Baudelaire

Dan diejek, dituduh vulgar dan tidak tahu malu, “Olympia” memulai kehidupan mandiri. Setelah Salon ditutup, Salon tersebut menghabiskan hampir seperempat abad di studio Manet, di mana hanya kenalan Edward yang dapat mengaguminya, karena museum, galeri, dan kolektor tidak melihat nilai seninya dan dengan tegas menolak untuk membelinya. Opini publik tidak terpengaruh oleh pembelaan kritikus seni dan jurnalis terkemuka Antonin Proust, yang, sebagai teman masa mudanya, menulis: “Edward tidak pernah menjadi vulgar - Anda bisa merasakan sifat berkembang biak dalam dirinya.” Begitu pula dengan keyakinan penulis Emile Zola, yang dalam salah satu artikelnya terbitan surat kabar Paris menyatakan bahwa takdir telah mempersiapkan baginya tempat di Louvre. Meski demikian, perkataannya menjadi kenyataan, namun kecantikannya harus menunggu hampir setengah abad. Pada saat itu, penulisnya sendiri telah lama meninggalkan dunia ini, dan gagasan kesayangannya hampir sampai ke tangan seorang pecinta seni Amerika bersama dengan karya-karya lainnya. Situasi ini diselamatkan oleh teman sang master, Claude Monet: agar mahakarya tersebut - dan dia tidak meragukannya - tidak akan meninggalkan Prancis selamanya, dia mengatur langganan, berkat itu dua puluh ribu franc dikumpulkan. Jumlah tersebut cukup untuk membeli kanvas dari janda Manet dan menyumbangkannya kepada negara, yang telah menolak akuisisi tersebut selama bertahun-tahun. Pejabat seni menerima hadiah itu dan dipaksa untuk memamerkannya, tetapi tidak di Louvre (bagaimana mungkin!), tetapi di salah satu aula Istana Luksemburg, tempat lukisan itu disimpan selama enam belas tahun. Itu dipindahkan ke Louvre hanya pada tahun 1907. Tepat empat puluh tahun kemudian, pada tahun 1947, ketika Museum Impresionisme dibuka di Paris (koleksi Museum Orsay kemudian dibuat atas dasar itu), “Olympia” menetap di sana. Dan kini para penikmat berdiri terpaku dalam kekaguman di hadapan wanita yang, dalam kata-kata Zola, sang seniman “dilemparkan ke kanvas dengan segala kecantikan mudanya”.

Rafael Santi “Fornarina” 1518–1519 Galeri Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Roma

Diyakini bahwa Raphael-lah yang memotretnya dalam gambar “Sistine Madonna” yang terkenal. Benar, mereka mengatakan bahwa dalam hidup Margarita Luti sama sekali tidak berdosa...

Saat wanita ini muncul dalam kehidupan Rafael Santi, dia sudah terkenal dan kaya raya. Kritikus seni dan sejarawan masih belum sepakat mengenai tanggal pasti pertemuan mereka, namun mereka menyampaikan legenda secara tertulis dan lisan, yang selama berabad-abad terakhir telah dilengkapi dengan banyak detail. Beberapa penulis biografi sang seniman menyatakan bahwa mereka bertemu secara kebetulan ketika Raphael sedang berjalan di sepanjang tepi Sungai Tiber pada suatu malam. Perlu dicatat bahwa selama periode inilah ia bekerja atas perintah Agostino Chigi, seorang bankir bangsawan Romawi yang mengundang pelukis terkemuka untuk mengecat dinding istana Farnesino miliknya. Plot “The Three Graces” dan “Galatea” telah menghiasi mereka. Dan dengan yang ketiga - "Apollo dan Psyche" - kesulitan muncul: Raphael tidak dapat menemukan model untuk menggambarkan dewi kuno. Dan kemudian kesempatan itu muncul dengan sendirinya. “Saya menemukannya!” - seru artis itu saat melihat gadis itu datang ke arahnya. Diyakini bahwa dengan kata-kata inilah era baru dimulai dalam kehidupan pribadinya. Ternyata nama gadis cantik itu adalah Margherita, dan dia adalah putri tukang roti Francesco Luti, yang bertahun-tahun lalu pindah dari Siena yang cerah ke Roma. “Oh, kamu adalah fornarina yang hebat, pembuat roti!” - kata Raphael (diterjemahkan dari bahasa Italia fornaro atau fornarino - baker, baker) dan langsung mengajaknya berpose untuk mahakarya masa depan. Namun Margarita tidak berani memberikan persetujuan tanpa izin ayahnya. Dan dia, pada gilirannya, adalah pengantin pria dari putri Tomaso. Pengalaman menunjukkan bahwa jumlah besar yang diberikan oleh Raphael kepada Pastor Luti memiliki efek yang lebih fasih daripada kata-kata apa pun: setelah menerima tiga ribu keping emas, dia dengan senang hati mengizinkan putrinya untuk mengabdi pada seni siang dan malam. Margarita-Fornarina sendiri dengan senang hati menuruti wasiat orang tuanya, karena meskipun usianya masih sangat muda (diyakini usianya baru tujuh belas tahun), intuisi wanita menyarankan: artis terkenal dan kaya itu jatuh cinta padanya. Dan tak lama kemudian gadis itu pindah ke sebuah vila (mungkin di Via di Porta Settimiana), yang disewakan Raphael khusus untuknya. Sejak itu, kata mereka, mereka tidak pernah berpisah. Omong-omong, hotel Relais Casa della Fornarina sekarang terletak di alamat ini, situs webnya mengklaim bahwa kekasih Raphael tinggal di sini pada abad ke-16. Benar, tidak lama: karena keinginan untuk menghabiskan waktu di perusahaannya mengganggu pekerjaan, Chigi mengundang sang majikan untuk menempatkan Margarita di sebelahnya di Farnesino. Jadi dia melakukannya.

Cupid, hentikan cahaya yang menyilaukan itu

Dua mata menakjubkan yang dikirimkan oleh Anda.

Mereka menjanjikan cuaca dingin atau musim panas,

Namun tak sedikit pun rasa iba dalam diri mereka.

Aku hampir tidak tahu pesona mereka,

Betapa saya kehilangan kebebasan dan kedamaian.

Rafael Santi

Saat ini sulit untuk mengatakan mana yang benar dan mana yang fiksi dalam cerita ini, karena menurut beberapa sumber, cerita itu dimulai pada tahun 1514, yaitu hampir setengah milenium yang lalu. Belum ada konfirmasi apakah wanita ini juga digambarkan dalam lukisan seniman lain, misalnya “Donna Valeta”. Meskipun murid-murid Raphael ikut serta dalam penciptaan banyak karya monumental Raphael, dapat diasumsikan bahwa ia menulis Fornarina, seperti Sistine Madonna, secara pribadi. Mungkin inilah sebabnya, saat berdiri di depan “Madonna” bertahun-tahun kemudian di aula Galeri Seni Dresden, penyair Rusia Vasily Zhukovsky berkomentar: “Jiwa manusia mendapat wahyu seperti itu sekali saja, tidak bisa terjadi dua kali.” Orang hanya bisa menebak bahwa lukisan itu ditulis dari Margherita Luti, seperti yang dikatakan banyak sumber: dalam “Biografi” yang disusun oleh penulis biografi resmi Renaisans Giorgio Vasari, nama ini tidak disebutkan. Yang ada hanyalah ungkapan ini: “Marcantonio membuat lebih banyak lagi ukiran untuk Raphael, yang dia berikan kepada muridnya Baviera, yang diberikan kepada wanita yang dia cintai sampai kematiannya, potret terindahnya, di mana dia tampak hidup, kini berada dalam kepemilikan. dari Matteo Botti yang paling mulia, seorang pedagang Florentine; Dia memperlakukan potret ini sebagai peninggalan, karena kecintaannya pada seni dan Raphael pada khususnya.” Dan tidak sepatah kata pun lagi. Berabad-abad kemudian, salah satu pembaca Vasari menulis di pinggir halaman di seberang baris ini bahwa namanya adalah Margherita: wanita itu diberi nama Fornarina pada abad ke-18.

Namun promosi dari mulut ke mulut tidak bisa dihentikan. “Cantik, seperti Madonna-nya Raphael!” - dan sekarang mereka yang ingin menggambarkan kecantikan sejati berkata. Namun orang-orang sezaman Raphael meyakinkan bahwa wanita menawan yang dimaksud tidak dibedakan oleh kesuciannya: pada hari-hari ketika sang maestro sedang pergi sibuk dengan pekerjaan, dia dengan mudah menemukan penggantinya, menghabiskan waktu di pelukan salah satu muridnya atau bankir. diri. Sesama warga sang master yakin, dan kemudian meyakinkan seluruh dunia, bahwa Raphael meninggal tepat di pelukannya karena gagal jantung. Hal ini terjadi pada tanggal 6 April 1520, artis tersebut baru saja menginjak usia tiga puluh tujuh tahun.

Apakah ini benar atau tidak, kemungkinan besar tidak akan diketahui. Namun diketahui pasti bahwa Raphael tidak menanggapi lamaran temannya, Kardinal Bernardo Divizio di Bibbiena, yang menurut Vasari, sudah bertahun-tahun memintanya untuk menikah dengan keponakannya. Namun, Raphael, “tanpa secara langsung menolak memenuhi keinginan kardinal, menunda masalah tersebut. Sementara itu, dia perlahan-lahan menikmati kesenangan cinta lebih dari yang seharusnya, dan suatu hari, setelah melewati batas, dia kembali ke rumah dalam keadaan demam yang parah. Para dokter mengira dia menderita flu dan mengeluarkan darah secara sembarangan, akibatnya dia menjadi sangat lemah.” Pengobatan tidak berdaya.

“Fornarina” memulai perjalanannya sendiri: untuk pertama kalinya, sebuah karya yang menggambarkan seorang wanita telanjang disebutkan dari perkataan seseorang yang melihatnya di koleksi Sforza Santa Fiora. Di bahu kirinya terdapat gelang bertuliskan "Rafael of Urbino", yang memunculkan identifikasi model tersebut dengan kekasih legendaris tersebut. Telah menjadi koleksi Palazzo Barberini sejak 1642. Studi sinar-X menunjukkan bahwa lukisan ini kemudian “dikoreksi” oleh murid Raphael, Giulio Romano.

“Raphael akan mencapai kesuksesan cemerlang dalam mewarnai jika konstitusinya yang berapi-api, yang terus-menerus membuatnya tertarik pada cinta, tidak menyebabkan kematian dini,” tulis salah satu pengagum karyanya. “Di sinilah letak Raphael yang agung, yang selama hidupnya alam takut dikalahkan, dan setelah kematiannya dia takut mati,” kata tulisan di batu nisan yang diukir di batu nisannya di Pantheon.

Gustav KLIMT “Legenda” 1883 Museum Wien Karlsplatz, Wina

Gustav Klimt terkenal karena penggambarannya yang aneh tentang wanita telanjang: pada awal abad ke-20, lukisannya, yang bercirikan erotisme langsung, mengejutkan publik Wina yang beradab, dan para penjaga moral menyebutnya pornografi.

Namun hal ini tidak selalu terjadi: salah satu pesanan pertama yang diterima calon seniman dari penerbit Martin Gerlach adalah membuat ilustrasi untuk buku "Allegories and Emblems" - Gustav muda menyelesaikannya secara mandiri dan, mungkin, sepenuhnya sesuai dengan karyanya. persyaratan dan ide tentang kecantikan. Bagaimanapun, tidak ada informasi tentang keluhan dari Gerlach. Meski di tengah plotnya adalah kecantikan dalam gaya telanjang. Kritikus menyebut ketelanjangan ini hampir murni. “Bahkan dalam lukisan awalnya, Klimt memberikan kebanggaan pada Wanita: sejak saat itu dia tidak pernah berhenti memuliakannya. Hewan yang patuh ditempatkan sebagai hiasan di kaki seorang pahlawan wanita yang luar biasa dan sensual yang menganggap remeh kepatuhan mereka,” mereka menikmati kefasihan mereka sendiri. Dan mereka mengklarifikasi bahwa penulis membutuhkan hewan-hewan itu hanya untuk menunjukkan Hawa pertama yang menggairahkan ini dalam sudut pandang yang paling menguntungkan. Fabel - ini adalah judul film aslinya. Dalam terjemahan Rusia dikenal dengan nama berbeda: "Legenda", "Dongeng", "Fabel". Yang tetap tidak berubah adalah reaksi para penonton, yang sulit mempercayai bahwa itu milik Gustav Klimt yang sama - seorang erotomaniak yang keterlaluan, seorang jenius dan "dekaden sesat", begitu warganya memanggilnya. Namun banyak yang berubah sejak saat itu - termasuk gaya artistiknya.

“Dia sendiri tampak seperti orang biasa yang kikuk dan tidak bisa menyatukan dua kata. Namun tangannya mampu mengubah wanita menjadi anggrek berharga yang muncul dari kedalaman mimpi ajaib,” kenang salah satu teman sang seniman. Benar, pendapatnya tidak dianut oleh semua orang sezaman dengan Klimt. Bagaimanapun, penggambaran ketelanjangan perempuan yang “cabul” itulah yang menyebabkan salah satu skandal paling keras dalam seni. Itu terjadi di Wina tujuh tahun setelah penciptaan Fabel, pada malam tahun 1900, ketika pelukis muda itu mempersembahkan kepada publik, dan yang paling penting, para pelanggan - para profesor terhormat di Universitas Wina - lukisan “Filsafat”, "Kedokteran" dan "Fikih": mereka seharusnya menghiasi langit-langit bangunan utama Kuil Ilmu Pengetahuan. Melihat lukisan-lukisan itu, para pakar dikejutkan oleh “keburukan dan ketelanjangan” dan langsung menuduh penulisnya melakukan “pornografi, penyimpangan yang berlebihan, dan demonstrasi kemenangan kegelapan atas terang.” Kasus keterlaluan itu bahkan sempat dibicarakan di parlemen! Tidak ada yang mengindahkan teguran profesor seni Franz von Wickhoff, satu-satunya orang yang mencoba membela Klimt dalam ceramah legendaris “Apa yang Jelek?” Akibatnya lukisan-lukisan itu tidak dipamerkan di gedung universitas. Namun, cerita ini membantu Gustav membuat kesimpulan penting: kemandirian kreatif adalah satu-satunya cara untuk menjaga orisinalitas. “Sensor yang cukup. Aku akan bertahan sendiri. Saya ingin bebas. Saya ingin menyingkirkan semua omong kosong yang menghambat saya dan mendapatkan pekerjaan saya kembali. Saya menolak bantuan dan perintah pemerintah apa pun. Saya menyerahkan segalanya,” katanya dalam sebuah wawancara beberapa tahun kemudian. Dan dia meminta kepada pemerintah untuk mengizinkannya membeli kembali karya-karya yang dipermalukan itu. “Semua serangan kritik hampir tidak menyentuh saya saat itu, apalagi tidak mungkin menghilangkan kebahagiaan yang saya alami selama mengerjakan karya-karya tersebut. Secara umum, saya tidak terlalu sensitif terhadap serangan. Namun saya menjadi lebih menerima jika saya memahami bahwa orang yang memesan pekerjaan saya tidak puas dengan pekerjaan tersebut. Seperti halnya lukisan yang ditutup-tutupi,” jelasnya dalam wawancara dengan seorang jurnalis Wina. Permintaannya dikabulkan oleh pemerintah. Belakangan, lukisan-lukisan itu menjadi koleksi pribadi, tetapi pada akhir Perang Dunia II lukisan-lukisan itu dibakar oleh pasukan SS yang mundur di Kastil Immerhof, di mana lukisan-lukisan itu kemudian disimpan. Klimt sendiri tidak mengetahui hal ini, karena semua ini terjadi ketika tuannya sudah tidak hidup lagi.

Semua seni itu erotis.

Adolf Loos

Untungnya, pada tahun 1900-an, reaksi masyarakat tidak meredam semangatnya: dia mengandalkan wanita - merekalah yang memberinya kebebasan yang diinginkan. Meskipun keinginan untuk "dengan berani melukis Eva - prototipe semua wanita - dalam semua pose yang bisa dibayangkan, yang bukan apel yang menjadi objek godaan, tetapi tubuhnya," tidak pernah hilang darinya, Gustav lebih suka menghasilkan uang dengan membuat potret pasangan hidup para raja Wina. Beginilah munculnya "Galeri Istri" yang terkenal, yang tidak hanya memberi Klimt uang, tetapi juga ketenaran: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - sang maestro tahu bagaimana menyenangkan warga Wina yang makmur. Dia menggambarkan orang yang mereka cintai sebagai orang yang sangat menawan, tetapi dengan sentuhan arogansi tertentu. Setelah memberikan ciri-ciri ini kepada seorang wanita dari kalangan atas, dia mengulangi teknik ini lebih dari sekali. Jadi “femme fatales, erotisme, dan estetika” menjadi ciri khas Klimt.

Untungnya, sang artis tidak kekurangan model - telanjang atau mengenakan pakaian mewah. Meskipun ada banyak legenda tentang sifat cintanya, selama dua puluh tujuh tahun pendamping setia Gustav adalah Emilia Flöge, seorang perancang busana dan pemilik rumah mode. Benar, mereka mengatakan bahwa mereka terhubung hanya dengan persahabatan yang menyentuh, dan hubungan pasangan itu hanya bersifat platonis. Namun diyakini bahwa dialah dan dirinya sendiri yang dia tangkap dalam "Kiss" yang terkenal itu.

Siapa yang mengilhami ciri-ciri keindahan dari Fable mungkin akan tetap menjadi misteri - salah satu misteri yang suka diciptakan oleh Klimt. “Siapapun yang ingin mengetahui sesuatu tentang saya sebagai seorang seniman – dan hanya itu yang saya minati – harus memperhatikan lukisan saya dengan cermat,” sarannya. Mungkin jawaban atas semua pertanyaan memang tersembunyi di dalamnya.

Dante Gabriel Rossetti “Venus Vertikordia” 1864–1868 Galeri & Museum Seni Russell-Cotes, Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti menjadi terkenal sebagai salah satu pendiri Persaudaraan Pra-Raphaelite, seorang penyair dan seniman orisinal yang menciptakan serangkaian potret erotis wanita. Dan juga dengan kelakuan mengejutkan yang meledakkan masyarakat Puritan.

“Jika Anda mengenalnya, Anda akan mencintainya, dan dia akan mencintai Anda - semua orang yang mengenalnya terpesona olehnya. Dia benar-benar berbeda dari orang lain,” kata Jane Burden Morris tentang Rossetti, yang selama bertahun-tahun telah ia rawat tempat wanita dan model tercinta Dante. Tapi dia bukan satu-satunya...

Kisah ini dimulai pada bulan Oktober 1857, ketika Jane dan saudara perempuannya Elizabeth pergi ke Teater Drury Lane di London. Di sana dia diperhatikan oleh Rossetti dan rekannya Edward Burne-Jones. Orang-orang sezamannya mencatat bahwa Jenny - begitu teman-teman Pra-Raphaelite mulai memanggilnya - tidak dibedakan oleh kecantikan tradisionalnya, tetapi menarik perhatian karena perbedaannya dari orang lain. “Wanita macam apa ini! Dia cantik dalam segala hal. Bayangkan seorang wanita jangkung kurus, dalam gaun panjang yang terbuat dari kain warna ungu kalem, terbuat dari bahan alami, dengan rambut hitam keriting tergerai bergelombang besar di sepanjang pelipisnya, wajah kecil dan pucat, mata besar berwarna gelap, dalam... dengan alis melengkung hitam tebal. Leher tinggi terbuka ditutupi mutiara, dan pada akhirnya - kesempurnaan belaka,” kagum salah satu kenalannya. Dia sangat berbeda dari wanita muda sekuler “klasik” - inilah yang menggairahkan imajinasi kaum Pra-Raphael, yang menyatakan keengganan mereka untuk mengikuti hukum seni lukis akademis. Mereka mengatakan bahwa ketika dia melihatnya, Rossetti berseru: “Pemandangan yang menakjubkan! Sangat indah!" Dan kemudian dia mengajak gadis itu untuk berpose. Artis lain mengapresiasi pilihannya dan mulai berlomba-lomba mengundang Jane, née Burden, ke sesi mereka. Bagaimana reaksi resmi Pra-Raphael, Elizabeth Siddal, yang menyandang gelar ini selama bertahun-tahun, terhadap hal ini tidak sulit untuk ditebak. Lagipula, Lizzie juga istri mertua Rossetti: dia berjanji akan melegitimasi hubungan mereka. Semua orang tahu tentang romansa yang penuh gairah dan menyakitkan bagi keduanya. Serta fakta bahwa Dante yang penuh kasih “terinspirasi” selama bertahun-tahun dalam pelukan model lain. Pengalaman tersebut melemahkan kesehatan Siddal yang buruk, yang ia korbankan sepenuhnya demi seni. Dikatakan bahwa saat berpose pada tahun 1852 untuk lukisan terkenal karya John Millais “Ophelia,” dia menghabiskan berjam-jam berturut-turut di bak air, menggambarkan Ophelia yang tenggelam. Itu terjadi di musim dingin, dan lampu pemanas air padam. Gadis itu masuk angin dan sakit parah. Diyakini bahwa dia diberi resep obat berbahan dasar opium untuk pengobatan. Sebagai penghargaan bagi Dante, patut dikatakan bahwa dia menepati janjinya, menikahi Lizzie pada Mei 1860. Dan pada bulan Februari 1862 dia pergi. Elizabeth meninggal karena overdosis opium, yang dia konsumsi untuk menghilangkan rasa sakit: tak lama sebelum itu, dia kehilangan anaknya, dan hubungannya dengan Rossetti putus. Tidak pernah mungkin untuk mengetahui apakah kematiannya hanyalah kecelakaan fatal.

Namun waktu berlalu: Jane Burden ada di dekatnya. Dan meskipun dia sudah menjadi istri William Morris, persahabatannya yang “lembut” dengan Rossetti terus berlanjut. Pasangan sah berada di atas konvensi dan tidak mengganggu hubungan. Mungkin dia sendiri yang “menubuatkan” mereka? Lagi pula, satu-satunya lukisan yang diselesaikan oleh Morris adalah Jane dalam gambar "Ratu Ginevra": seperti yang Anda tahu, wanita ini adalah istri Raja Arthur, yang menurut salah satu versi, menjadi kekasih ksatria Lancelot. Bagaimanapun, Jane-lah yang menghidupkan kembali Dante, membangkitkan dalam dirinya keinginan untuk mencipta. Beberapa tahun kemudian, ia memutuskan untuk menerbitkan karya puisi awalnya. Sayangnya, tidak ada draf soneta yang tersisa, dan kemudian dia melakukan tindakan yang telah lama dibicarakan seluruh London: dia menggali dan mengungkap manuskrip yang pernah hilang. “Soneta-sonetanya dipenuhi dengan konten mistis dan erotis,” jawab para kritikus, dan pembaca menerimanya dengan gembira.

Hidup terus berjalan, dan sekarang Jane, seperti Elizabeth dulu, muncul di hampir setiap kanvas, berkat itu ia memasuki sejarah seni lukis. Namun, apakah "Venus Verticordia" yang terkenal - "Venus yang mengubah hati" - masih mempertahankan fitur-fiturnya masih menjadi misteri. Pada saat itu, Rossetti memiliki model favorit lainnya: nama gadis itu adalah Alexa Wilding, meskipun semua orang memanggilnya Alice. Dipercaya bahwa pada bulan Januari 1868 lukisan ini dicat ulang dengan wajah Wilding, meskipun pengurus rumah tangga seniman Fanny Cornforth awalnya berpose untuk Venus. Apakah benar demikian - sebuah misteri, salah satu misteri yang dibawa Rossetti bersamanya. Hal lain yang mengejutkan: Venus Verticordia adalah nama pemujaan Romawi kuno dan gambar dewi Venus, yang “mengubah” hati manusia “dari nafsu menjadi kesucian”. Dan karya berjudul sama hampir menjadi satu-satunya contoh ketelanjangan dalam karya Rossetti. Ngomong-ngomong, Nona Alexa Wilding juga salah satu dari sedikit renungan Dante yang tidak memiliki hubungan cinta dengan sang maestro.

Titian Vecellio Venus dari Urbino 1538 Galeri Uffizi, Florence

Venus Pudica - "Venus Suci", "malu", "sederhana" - orang-orang sezaman dengan Titian menyebut gambar serupa dari dewi cinta. “Seorang gadis yang hanya memakai cincin, gelang dan anting, jika sedikit malu, akan menyadari sepenuhnya kecantikannya,” kata mereka tentang kecantikan saat ini. Dan kisah ini dimulai 475 tahun yang lalu.

Ketika Duke Guidobaldo II della Rovere mengirim kurir ke Venesia pada musim semi tahun 1538, dia menerima instruksi yang jelas: tidak kembali tanpa kanvas yang dipesan dari Titian. Dari korespondensi Duke diketahui bahwa mereka berbicara tentang potret Guidobaldo sendiri dan seorang la donna nuda, “seorang wanita telanjang.” Seperti yang Anda lihat, pelayan itu mengatasi tugasnya dengan baik - Guidobaldo, yang kemudian menjadi Adipati Urbino, memperoleh kanvas, dan keanggunan telanjang dalam lukisan itu menerima nama baru: "Venus of Urbino."

Di Venesia - semua kesempurnaan keindahan! Saya memberi peringkat pertama pada lukisannya, yang standarnya adalah Titian.

Diego Velasquez

Saat itu, Titian Vecellio yang berusia sekitar lima puluh tahun telah lama dikenal sebagai master terkenal dan menyandang gelar seniman pertama Republik Venesia. Sesama warga terkenal berbaris, ingin memiliki potret mereka sendiri dalam penampilannya. “Dengan wawasan yang luar biasa, sang seniman menggambarkan orang-orang sezamannya, menangkap ciri-ciri karakter mereka yang paling beragam, terkadang kontradiktif: kepercayaan diri, kebanggaan dan martabat, kecurigaan, kemunafikan, tipu daya,” kata kritikus seni abad ke-19. “Ketika Anda mencoba membayangkan Titian, Anda melihat seorang pria bahagia, paling bahagia dan paling makmur yang pernah ada di antara kaumnya, yang hanya menerima nikmat dan nasib baik dari surga... Yang menjadi tuan rumah bagi para raja, doge, Paus Paulus III dan semuanya Penguasa Italia, dibombardir dengan perintah, dibayar mahal, menerima pensiun dan dengan terampil menggunakan kebahagiaannya. Dia mengelola rumahnya dalam skala besar, berpakaian megah, mengundang para kardinal, bangsawan, seniman terhebat, dan ilmuwan paling berbakat pada masanya ke mejanya,” tulis sejarawan Prancis Hippolyte Taine tentang dia pada awal abad ke-19. Ini mungkin pendapat orang kaya Venesia. Mereka mungkin bertanya-tanya mengapa kekasih takdir ini memiliki begitu sedikit hubungan cinta. Memang, sepanjang umur Titian yang panjang, hanya tiga nama perempuan yang dikaitkan dengannya. Itupun keduanya, kemungkinan besar, hanya menciptakan kisah romantis yang indah. Diketahui secara pasti: istri satu-satunya adalah Cecilia Soldano, yang dinikahinya pada tahun 1525, setelah tinggal bersamanya selama beberapa tahun dalam “perkawinan sipil” sebelum pernikahan. Dan pada tahun 1530 dia meninggal, meninggalkan suaminya dengan anak-anaknya. Sulit untuk mengatakan apakah dia melukis potret Cecilia secara nyata atau dalam bentuk keindahan mitos, tetapi dia menyimpan kenangan akan wanita ini. Baginya, Vecellio yang termasyhur dan terkenal, seorang pencinta kehidupan, bijaksana dalam pengalaman kemenangan dan kekalahan, Duke Guidobaldo berpaling...

Dalam hampir setengah milenium yang telah berlalu sejak kelahiran dewi Titian, para sejarawan seni mungkin telah mempelajari setiap goresan pada tubuh mewahnya, namun mereka tidak pernah menemukan siapa yang menjadi modelnya. Beberapa orang percaya bahwa kanvas tersebut menggambarkan istri muda Guidobaldo, Julia Varano. Yang lain tidak ragu: sang maestro berpose... ibu Duke, Eleanor Gonzaga. Dalam asumsinya, mereka mengacu pada kesamaan antara “Venus” dan potret Eleanor karya Titian dan fakta bahwa kedua kanvas tersebut menggambarkan “anjing yang sama meringkuk seperti bola”. Beberapa dari mereka menggambarkan setiap elemen di lingkungan wanita itu, dan semua ini, menurut pendapat mereka, melambangkan ikatan pernikahan. Buket mawar di tangan adalah atribut Venus, seekor anjing di kaki adalah simbol pengabdian, dan pelayan di dekat dada dengan pakaian dan bunga di bukaan jendela - untuk menciptakan suasana keintiman dan kehangatan. Mereka dengan senang hati menjuluki karya tersebut sebagai “potret alegoris seorang bangsawan terkenal - “dewi domestik”, yang menyampaikan kemewahan dan sensualitas Venesia. Mungkin Titian ingin berbicara tentang seksualitas dalam lukisannya, menggabungkan erotisme yang menarik dengan keutamaan pernikahan dan, yang terpenting, dengan kesetiaan yang digambarkan oleh anjing,” bantah mereka. Yang lain dengan sinis mengklaim bahwa di tempat tidur di bagian dalam kamar bangsawan ada seorang wanita demimonde: seorang pelacur. Perwakilan dari profesi ini pada abad ke-16 menduduki kedudukan sosial yang tinggi dan, melalui upaya para pelukis, sering kali tetap berada dalam keabadian. Tapi sekarang itu tidak masalah. Hal lain yang penting: karya Titian melahirkan pengikut berbakat - Alberti, Tintoretto, Veronese. “Venus of Urbino” sendiri, 325 tahun kemudian - pada tahun 1863 - menginspirasi rekan mudanya Edouard Manet untuk menciptakan “Olympia” yang menakjubkan. Dan sisanya - bahkan lima ratus tahun kemudian - mengagumi bakat seorang jenius yang dicium oleh Tuhan.

.
Seniman lulusan Tver Art School pada tahun 1994 dengan gelar desain grafis ini memukau imajinasi dengan gayanya yang luar biasa dan komposisinya yang indah.

Dia adalah pencipta ilustrasi yang benar-benar unik dengan sentuhan retro. Waldemar Kazak adalah seorang seniman yang memiliki selera humor, ia memiliki visi khusus tentang kehidupan sehari-hari, ia tahu bagaimana menertawakan kehidupan sehari-hari, sering mengolok-olok makna dongeng anak-anak, politisi dan pemuda modern.

Seorang ilustrator modern bekerja dalam genre sehari-hari dengan penekanan pada karikatur. Karakter dari karya Kazak sulit untuk dilewatkan dan diingat. Semuanya sangat berwarna, ekspresif, dan cerah.

Komposisinya yang menakjubkan dipenuhi dengan gaya estetika pascaperang, yang muncul pada tahun 50-an abad kedua puluh; kecemerlangan retro diwujudkan dalam segala hal: mulai dari pilihan subjek gambar hingga pilihan warna.

Inilah yang dikatakan Waldemar Kazak sendiri tentang gayanya:

Seperti orang (atau artis mana pun), saya memiliki tulisan tangan saya sendiri. Tapi saya tidak mengasuhnya karena saya takut terjerumus ke dalam tingkah laku. Selain itu, tulisan individu yang cemerlang laris di pasaran. Ya, sebenarnya semua orang sudah mengetahui hal ini.

Gambar seni Waldemar Kazak yang sangat cerah, menarik, dan menarik perhatian tidak akan membuat siapa pun acuh tak acuh!

Gil Elvgren (1914-1980) adalah artis pin-up besar abad kedua puluh. Sepanjang karir profesionalnya, yang dimulai pada pertengahan tahun 1930-an dan berlangsung selama empat puluh tahun, ia membuktikan dirinya sebagai favorit di kalangan kolektor dan penggemar pin-up di seluruh dunia. Meskipun Gil Elvgren terutama dianggap sebagai seniman pin-up, ia layak dianggap sebagai ilustrator klasik Amerika yang mampu menjangkau berbagai bidang seni komersial.

25 tahun bekerja untuk periklanan Coca-Cola membantunya memantapkan dirinya sebagai salah satu ilustrator hebat di bidangnya. Iklan Coca-Cola menampilkan gambar pin-up “Elvgren Girls”, yang sebagian besar menggambarkan keluarga, anak-anak, remaja Amerika pada umumnya—orang-orang biasa yang menjalankan bisnis sehari-hari mereka. Selama Perang Dunia II dan Perang Korea, Elvgren bahkan menggambar ilustrasi bertema militer untuk Coca-Cola, beberapa di antaranya menjadi “ikon” di Amerika.

Karya Elvgren untuk Coca-Cola menggambarkan impian Amerika akan kehidupan yang aman dan nyaman, dan beberapa ilustrasi majalah tersebut mencerminkan harapan, ketakutan, dan kegembiraan pembacanya. Gambar-gambar ini diterbitkan pada tahun 1940-an dan 1950-an di sejumlah majalah terkenal Amerika, seperti McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping, dan Woman's Home Companion. Selain Coca-Cola, Elvgren juga pernah bekerja dengan Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania dan Napa Auto Parts.

Elvgren menonjol tidak hanya karena lukisan dan grafik iklannya - dia juga seorang fotografer profesional yang menggunakan kamera dengan cekatan seperti dia menggunakan kuas. Namun tenaga dan bakatnya tidak berhenti sampai di situ: selain itu, ia adalah seorang guru, yang murid-muridnya kemudian menjadi seniman terkenal.

Bahkan di masa kanak-kanaknya, Elvgren terinspirasi oleh gambar-gambar ilustrator terkenal. Setiap minggu dia merobek halaman dan sampul majalah dengan gambar yang dia sukai, sebagai hasilnya dia mengumpulkan banyak koleksi yang meninggalkan jejaknya pada karya seniman muda tersebut.

Karya Elvgren dipengaruhi oleh banyak seniman, seperti Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), seniman pertama yang menantang keunggulan sekolah ilustrasi Inggris dan Eropa atas seni komersial Amerika; Norman Rockwell (1877-1978), yang ditemui Elvgren pada tahun 1947, dan pertemuan ini menandai awal dari persahabatan yang panjang; Charles Dana Gibson (1867-1944), yang darinya muncullah gadis ideal, yang menggabungkan “tetangga” (gadis tetangga) dan “gadis impianmu”, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) dan lain-lain.

Elvgren mempelajari dengan cermat karya-karya seniman klasik ini, sebagai hasilnya ia menciptakan dasar yang menjadi dasar pengembangan lebih lanjut seni pin-up.

Jadi, Gil Elvgren lahir pada tanggal 15 Maret 1914, dan dibesarkan di St. Paul Minneapolis. Orang tuanya, Alex dan Goldie Elvgren, memiliki toko di pusat kota yang menjual kertas dinding dan cat.

Setelah lulus SMA, Gil ingin menjadi seorang arsitek. Orang tuanya menyetujui keinginan ini, karena mereka melihat bakatnya menggambar ketika, pada usia delapan tahun, anak laki-laki itu dikeluarkan dari sekolah karena dia menggambar di pinggir buku pelajarannya. Elvgren akhirnya kuliah di Universitas Minnesota untuk belajar arsitektur dan desain sambil mengambil kursus seni di Institut Seni Minneapolis. Di sanalah ia menyadari bahwa menggambar lebih menarik minatnya daripada mendesain bangunan.

Pada musim gugur tahun yang sama, Elvgren menikah dengan Janet Cummins. Maka, pada Tahun Baru, pengantin baru itu pindah ke Chicago, di mana terdapat banyak kesempatan bagi para seniman. Tentu saja, mereka bisa memilih New York, tapi Chicago lebih dekat dan lebih aman.

Setibanya di Chicago, Gil berusaha melakukan segalanya untuk mengembangkan karirnya. Dia bersekolah di American Academy of Fine Arts yang bergengsi di pusat kota, di mana dia berteman dengan Bill Mosby, seorang seniman dan guru berprestasi yang selalu bangga dengan perkembangan Gil di bawah bimbingannya.

Ketika Gil Elvgren datang ke Akademi, tentu saja dia berbakat, tapi dia tidak menonjol dari kebanyakan siswa yang belajar di sana. Tapi hanya satu hal yang membedakannya dari orang lain: dia tahu persis apa yang diinginkannya. Yang terpenting, dia bermimpi menjadi seniman yang baik. Dalam dua tahun belajar, dia menguasai kursus yang dirancang untuk tiga setengah tahun: dia menghadiri kelas di malam hari, di musim panas. Di waktu luangnya dia selalu menggambar.

Dia adalah murid yang baik dan bekerja lebih keras daripada yang lain. Gil mengikuti setiap kursus di mana dia dapat memperoleh setidaknya sedikit pengetahuan tentang melukis. Dalam dua tahun ia membuat kemajuan fenomenal dan menjadi salah satu lulusan terbaik Akademi.

Gil adalah seniman luar biasa yang hanya bisa ditandingi oleh sedikit orang. Perawakannya kuat, dia terlihat seperti pemain sepak bola; tangannya yang besar sama sekali tidak seperti tangan seorang seniman: pensil secara harfiah “tenggelam” ke dalamnya, tetapi keakuratan dan ketelitian gerakannya hanya dapat dibandingkan dengan keterampilan seorang ahli bedah.

Selama kuliah, Gil tidak pernah berhenti bekerja. Ilustrasinya sudah menghiasi brosur dan majalah akademi tempatnya belajar.

Disana Gil bertemu banyak artis yang menjadi sahabat seumur hidupnya, misalnya: Harold Anderson, Joyce Ballantyne.

Pada tahun 1936, Gil dan istrinya kembali ke kampung halaman, di mana mereka membuka studio sendiri. Sesaat sebelum ini, dia menerima komisi pembayaran pertamanya: sampul majalah mode, yang menggambarkan seorang pria tampan yang mengenakan jaket double-breasted dan celana panjang musim panas yang ringan. Segera setelah Elvgren mengirimkan karyanya kepada pelanggan, direktur perusahaan meneleponnya untuk memberi selamat dan memesan setengah lusin sampul lagi.

Kemudian datanglah komisi menarik lainnya, yaitu melukis Dionne Quintuplets yang kelahirannya menjadi sensasi media. Kliennya adalah Brown dan Biglow, penerbit kalender terbesar. Karya ini dicetak pada kalender 1937-1938 yang terjual jutaan eksemplar. Sejak itu, Elvgren mulai menggambar gadis-gadis paling terkenal di Amerika, yang membuatnya sukses besar. Perusahaan lain mulai mengajak Elvgren untuk bekerjasama, misalnya pesaing Brown dan Biglow, Louis F. Dow Calendar Company. Karya seniman mulai dicetak pada booklet, kartu remi, bahkan kotak korek api. Kemudian banyak lukisan seukuran aslinya yang dibuat untuk Royal Crown Soda muncul di toko kelontong. Tahun ini juga menjadi tahun yang sangat penting bagi Elvgren, karena ia dan istrinya menyambut anak pertama mereka, Karen.

Elvgren terus menerima pesanan dan memutuskan untuk kembali ke Chicago bersama keluarganya. Ia segera bertemu Haddon H. Sundblom (1899-1976), yang merupakan idolanya. Sandblom mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap karya Elvgren.

Berkat Sundblom, Elvgren menjadi artis untuk iklan Coca-Cola. Hingga saat ini, karya-karya tersebut menjadi ikon dalam sejarah ilustrasi Amerika.

Segera setelah pemboman Pearl Harbor, Elvgren diminta melukis gambar untuk kampanye militer. Gambar pertamanya untuk seri ini diterbitkan pada tahun 1942 di majalah Good Housekeeping dengan judul “Dia Tahu Apa Sebenarnya 'Kebebasan'” dan menggambarkan seorang gadis mengenakan seragam petugas Palang Merah.

Pada tahun 1942, Gil Jr. lahir, dan pada tahun 1943 istrinya sedang mengandung anak ketiga. Keluarga Elvgren berkembang, begitu pula bisnisnya. Jill mengerjakan proyek periklanan dan juga menjual karya lamanya. Dia menikmati hidup, karena dia sendiri sudah menjadi seniman yang disegani dan pria berkeluarga yang bahagia. Ketika anak ketiga di keluarganya lahir, Elvgren sudah menerima sekitar $1000 per lukisan, yaitu. sekitar $24.000 per tahun, yang merupakan jumlah yang sangat besar pada saat itu. Ini berarti Gil bisa menjadi ilustrator dengan bayaran tertinggi di Amerika Serikat dan tentu saja mendapat tempat khusus di Brown dan Bigelow.

Sebelum bekerja secara eksklusif untuk Brown dan Bigelow, dia menerima komisi pertamanya (dan satu-satunya) dari firma Joseph Hoover di Philadelphia. Untuk menghindari masalah dengan Brown dan Bigelow, ia menerima tawaran tersebut dengan syarat lukisan itu tidak ditandatangani. Untuk karyanya yang berjudul “Gadis Impian,” dia menerima $2,500, karena... itu adalah lukisan terbesar yang pernah dia lukis (101,6cm x 76,2cm).

Kolaborasi dengan Brown dan Bigelow memungkinkan Elvgren untuk terus menggambar untuk Coca-Cola, namun ia dapat bekerja untuk perusahaan lain yang tidak memiliki konflik dengan Brown dan Bigelow. Maka, pada tahun 1945, Elvgren, Brown, dan Bigelow memulai kolaborasi yang berlangsung selama lebih dari tiga puluh tahun.

Sutradara Brown dan Bigelow Charles Ward menjadikan Elvgren terkenal. Dia mengundang Gil untuk membuat pin-up dengan gaya telanjang, yang disetujui oleh artis tersebut dengan sangat antusias. Lukisan ini memperlihatkan bidadari pirang telanjang di tepi pantai, di bawah sinar bulan biru ungu dalam warna lilac. Ilustrasi ini dirilis dalam setumpuk kartu, bersama dengan karya seniman lain - ZoÎ Mozert. Tahun berikutnya, Ward memesan pin-up telanjang lainnya dari Elvgren untuk kartu berikutnya, tapi kali ini sepenuhnya dikerjakan oleh Elvgren sendiri. Proyek ini memecahkan rekor penjualan Brown dan Bigelow dan diberi nama “Mais Oui oleh Gil Elvgren”.

Tiga proyek pin-up pertama untuk Brown dan Bigelow menjadi produk terlaris perusahaan hanya dalam beberapa minggu. Gambar-gambar ini segera digunakan untuk bermain kartu.

Di penghujung dekade, Elvgren menjadi artis tersukses di Brown dan Bigelow, berkat media karyanya dikenal luas oleh masyarakat, majalah bahkan menerbitkan artikel tentang dirinya. Perusahaan tempat dia bekerja antara lain Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Wiski Campuran Mawar, Peralatan General Electric, dan Cokelat Pangburn.

Menghadapi permintaan akan karyanya yang begitu besar, Elvgren berpikir untuk membuka studio sendiri, karena sudah banyak seniman yang mengagumi karyanya dan apa yang disebut “lukisan mayones” (sebutan gaya Sundblom dan Elvgren karena catnya karya-karyanya tampak “krem” dan halus seperti sutra). Namun setelah mempertimbangkan semua pro dan kontra, dia meninggalkan ide ini.

Gil Elvgren sering bepergian dan bertemu banyak orang berpengaruh. Gajinya di Brown dan Bigelow berubah dari dibayar $1.000 per kanvas menjadi $2.500 dan memproduksi 24 lukisan setahun, ditambah persentase dari majalah yang menerbitkan ilustrasinya. Dia memindahkan keluarganya ke rumah baru di pinggiran kota Winnetka, di mana dia mulai membangun studionya sendiri di loteng, yang membuatnya menjadi lebih produktif.

Gil memiliki selera yang luar biasa, dan dia juga cerdas. Karya-karyanya selalu menarik dalam komposisi, skema warna, dan pose serta gerak tubuh yang dipikirkan dengan cermat menjadikannya hidup dan mengasyikkan. Lukisannya tulus. Gil merasakan evolusi kecantikan wanita yang sangatlah penting. Oleh karena itu, Elvgren selalu diminati pelanggan.

Pada tahun 1956, Gil pindah bersama keluarganya ke Florida. Dia sangat puas dengan tempat tinggal barunya. Di sana ia membuka studio luar biasa tempat Bobby Toombs belajar, yang berhak menjadi artis terkenal. Dia berkata bahwa Elvgren adalah guru luar biasa yang mengajarinya untuk menggunakan semua keahliannya dengan bijaksana.

Di Florida, Gil melukis banyak sekali potret, di antara modelnya adalah Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. Pada 1950-an-1960-an, setiap calon model atau aktris ingin Elvgren menggambar seorang gadis yang mirip dengannya, yang kemudian akan dicetak di kalender dan poster.

Elvgren selalu mencari ide baru untuk lukisannya. Meskipun banyak teman artisnya yang membantunya dalam hal ini, dia sangat bergantung pada keluarganya: dia mendiskusikan idenya dengan istri dan anak-anaknya.

Elvgren bekerja dalam lingkaran seniman yang dia ajar atau, sebaliknya, dari siapa dia belajar; siapa teman-temannya yang memiliki banyak kesamaan dengannya. Diantaranya adalah Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham dan lain-lain.

Gil Elvgren menjalani hidup sepenuhnya. Sebagai orang yang gemar beraktivitas di luar ruangan, dia senang memancing dan berburu. Ia bisa menghabiskan waktu berjam-jam di kolam renang, menyukai mobil balap, dan juga berbagi kegemaran anak-anaknya dalam mengoleksi senjata antik.

Selama bertahun-tahun, Elvgren memiliki banyak asisten studio, yang sebagian besar menjadi seniman sukses. Ketika Elvgren terpaksa menolak kerja sama dengan perusahaan karena banyaknya pekerjaan, direktur seni setuju untuk menunggu satu tahun, atau bahkan lebih, jika saja Gil mau bekerja untuk mereka.

Namun semua kesuksesan Gil dibayangi pada tahun 1966 oleh tragedi mengerikan yang menimpa keluarganya: istri Gil, Janet, meninggal karena kanker. Setelah itu, ia semakin terjun ke dunia kerja. Popularitasnya tetap tidak berubah, ia tidak perlu khawatir tentang apa pun kecuali hasil karyanya. Ini adalah periode terbaik dalam karir Elvgren, jika bukan karena kematian istrinya.

Kemampuan Elvgren dalam menampilkan kecantikan feminin tak tertandingi. Saat melukis, ia biasanya duduk di kursi beroda sehingga ia dapat dengan mudah bergerak dan melihat gambar dari berbagai sudut, dan cermin besar di belakangnya memungkinkan ia melihat keseluruhan lukisan. Hal utama dalam karyanya adalah perempuan: dia lebih menyukai model berusia 15-20 tahun yang baru memulai karirnya, karena mereka memiliki spontanitas, yang menghilang seiring dengan pengalaman. Saat ditanya tentang tekniknya, ia mengaku menambahkan sentuhan tersendiri: memanjangkan kaki, memperbesar dada, menyempitkan pinggang, membuat bibir lebih berisi, mata lebih ekspresif, hidung pesek, sehingga membuat modelnya semakin menarik. Elvgren selalu dengan hati-hati mengerjakan idenya dari awal hingga akhir: dia memilih model, alat peraga, pencahayaan, komposisi, bahkan gaya rambut pun sangat penting. Setelah semuanya selesai, dia memotret pemandangan itu dan mulai melukis.

Ciri khas karya Gil adalah, jika dilihat dari lukisannya, seolah-olah gadis-gadis di dalamnya akan hidup kembali, menyapa atau menawarkan untuk minum kopi. Mereka terlihat lucu dan penuh semangat. Selalu menawan, berbekal senyum ramah, bahkan selama perang mereka memberikan kekuatan dan harapan kepada prajurit untuk kembali ke rumah gadis-gadis mereka.

Banyak seniman bermimpi melukis seperti yang dilakukan Elvgren; semua orang mengagumi bakat dan kesuksesannya.

Setiap tahun ia melukis dengan lebih mudah dan profesional, lukisan awalnya tampak lebih “keras” dibandingkan lukisan berikutnya. Dia telah mencapai puncak keunggulan di bidangnya.

Pada tanggal 29 Februari 1980, Gil Elvgren, seorang pria yang mengabdikan dirinya untuk membawa kegembiraan bagi orang-orang dengan kreativitasnya, meninggal karena kanker pada usia 65 tahun. Putranya Drake menemukan lukisan terakhir yang belum selesai namun luar biasa untuk Brown dan Bigelow di studio ayahnya. Tiga dekade telah berlalu sejak kematian Elvgren, namun karya seninya masih tetap hidup. Tidak diragukan lagi, Elvgren akan tercatat dalam sejarah sebagai seniman yang memberikan kontribusi besar pada seni Amerika abad ke-20.

Genre seni lukis bermunculan, memperoleh popularitas, memudar, bermunculan genre-genre baru, dan subtipe-subtipe mulai dibedakan dalam genre-genre yang sudah ada. Proses ini tidak akan berhenti selama seseorang masih ada dan berusaha menangkap dunia di sekitarnya, baik itu alam, bangunan, atau orang lain.

Sebelumnya (hingga abad ke-19) terdapat pembagian genre lukisan menjadi genre “tinggi” (genre besar Prancis) dan genre “rendah” (genre petit Prancis). Perpecahan ini muncul pada abad ke-17. dan didasarkan pada subjek dan plot apa yang digambarkan. Dalam hal ini, genre tinggi meliputi: pertempuran, alegoris, religius dan mitologis, dan genre rendah mencakup potret, lanskap, lukisan alam benda, dan animalisme.

Pembagian ke dalam genre cukup bersyarat, karena unsur dua genre atau lebih dapat hadir dalam sebuah lukisan pada waktu yang bersamaan.

Animalisme, atau genre kebinatangan

Animalisme, atau genre kebinatangan (dari bahasa Latin animal - animal) adalah genre yang motif utamanya adalah gambar binatang. Kita dapat mengatakan bahwa ini adalah salah satu genre paling kuno, karena... gambar dan figur burung dan binatang hadir dalam kehidupan masyarakat primitif. Misalnya pada lukisan terkenal karya I.I. “Pagi di Hutan Pinus” karya Shishkin, alam digambarkan oleh senimannya sendiri, dan beruang digambarkan oleh seniman yang sama sekali berbeda, yang berspesialisasi dalam menggambarkan binatang.

aku. Shishkin “Pagi di hutan pinus”

Bagaimana cara membedakan subspesies? Genre hippik(dari bahasa Yunani kuda nil - kuda) - genre di mana pusat gambarnya adalah gambar seekor kuda.

BUKAN. Sverchkov “Kuda di kandang”

Potret

Potret (dari kata Perancis potret) adalah gambar yang gambar utamanya adalah seseorang atau sekelompok orang. Sebuah potret tidak hanya menyampaikan kemiripan luar, tetapi juga mencerminkan dunia batin dan menyampaikan perasaan seniman terhadap orang yang potretnya ia lukis.

YAITU. Potret Repin Nicholas II

Genre potret dibagi menjadi individu(gambar satu orang), kelompok(gambar beberapa orang), berdasarkan sifat gambar - ke pintu depan ketika seseorang digambarkan dalam pertumbuhan penuh dengan latar belakang arsitektur atau lanskap yang menonjol dan ruangan, ketika seseorang digambarkan setinggi dada atau pinggang dengan latar belakang netral. Sekelompok potret, yang disatukan oleh suatu ciri, membentuk suatu ansambel, atau galeri potret. Contohnya adalah potret anggota keluarga kerajaan.

Menonjol secara terpisah potret diri, di mana sang seniman menggambarkan dirinya sendiri.

Potret diri K. Bryullov

Potret adalah salah satu genre tertua - potret pertama (patung) sudah ada di Mesir kuno. Potret seperti itu bertindak sebagai bagian dari pemujaan terhadap kehidupan setelah kematian dan merupakan "kembaran" seseorang.

Pemandangan

Lanskap (dari bahasa Prancis paysage - negara, area) adalah genre di mana gambar sentralnya adalah gambar alam - sungai, hutan, ladang, laut, gunung. Dalam sebuah lanskap, yang menjadi inti tentu saja adalah alurnya, namun yang tidak kalah pentingnya adalah menyampaikan gerak dan kehidupan alam sekitar. Di satu sisi alamnya indah dan menggugah kekaguman, namun di sisi lain cukup sulit untuk tercermin dalam sebuah gambar.

C. Monet “Ladang bunga poppy di Argenteuil”

Subspesies lanskap adalah pemandangan laut atau marina(dari marinir Prancis, marina Italia, dari bahasa Latin marinus - laut) - gambar pertempuran laut, laut, atau peristiwa lain yang terjadi di laut. Perwakilan terkemuka pelukis kelautan adalah K.A. Aivazovsky. Patut dicatat bahwa sang seniman menulis banyak detail lukisan ini dari ingatan.

aku. Aivazovsky "Gelombang Kesembilan"

Namun, seniman seringkali berusaha melukis laut dari kehidupan, misalnya W. Turner untuk lukisannya “Blizzard. Kapal uap di pintu masuk pelabuhan memberikan sinyal bahaya setelah masuk ke perairan dangkal,” menghabiskan waktu 4 jam terikat di jembatan kapten kapal yang berlayar di tengah badai.

W. Turner “Badai salju. Sebuah kapal uap di pintu masuk pelabuhan memberikan sinyal bahaya setelah masuk ke perairan dangkal."

Unsur air juga tergambar pada lanskap sungai.

Alokasikan secara terpisah pemandangan kota, yang subjek utama gambarnya adalah jalan-jalan kota dan bangunan. Salah satu jenis lanskap perkotaan adalah Weduta– gambaran lanskap kota dalam bentuk panorama yang tentunya tetap terjaga skala dan proporsinya.

A. Canaletto “Piazza San Marco”

Ada jenis lanskap lainnya - pedesaan, industri dan arsitektur. Dalam seni lukis arsitektur, tema utamanya adalah gambaran lanskap arsitektur, yaitu. bangunan, struktur; termasuk gambar interior (dekorasi interior tempat). Kadang-kadang Pedalaman(dari bahasa Prancis intérieur - internal) dibedakan sebagai genre tersendiri. Genre lain menonjol dalam lukisan arsitektur — Capriccio(dari bahasa Italia capriccio, kemauan, keinginan) - lanskap fantasi arsitektur.

Lukisan alam benda

Still life (dari bahasa Perancis nature morte - dead nature) adalah genre yang didedikasikan untuk penggambaran benda mati yang ditempatkan di lingkungan umum dan membentuk suatu kelompok. Still life muncul pada abad 15-16, namun sebagai genre tersendiri muncul pada abad ke-17.

Terlepas dari kenyataan bahwa kata "masih hidup" diterjemahkan sebagai alam mati, dalam lukisan tersebut terdapat karangan bunga, buah-buahan, ikan, hewan buruan, piring - semuanya tampak "seperti hidup", yaitu. seperti aslinya. Sejak kemunculannya hingga saat ini, still life telah menjadi genre penting dalam seni lukis.

K. Monet “Vas dengan Bunga”

Sebagai subspesies terpisah kita dapat membedakannya kesombongan(dari bahasa Latin Vanitas - kesombongan, kesombongan) - genre lukisan di mana tempat sentral dalam gambar ditempati oleh tengkorak manusia, yang gambarnya dimaksudkan untuk mengingatkan akan kesia-siaan dan kelemahan kehidupan manusia.

Lukisan karya F. de Champagne menghadirkan tiga simbol kelemahan eksistensi - Kehidupan, Kematian, Waktu melalui gambar bunga tulip, tengkorak, jam pasir.

Genre sejarah

Genre sejarah adalah genre yang lukisannya menggambarkan peristiwa penting dan fenomena penting secara sosial di masa lalu atau masa kini. Patut dicatat bahwa gambar tersebut dapat didedikasikan tidak hanya untuk peristiwa nyata, tetapi juga untuk peristiwa dari mitologi atau, misalnya, dijelaskan dalam Alkitab. Genre ini sangat penting bagi sejarah, baik bagi sejarah masing-masing bangsa dan negara, maupun bagi umat manusia secara keseluruhan. Dalam lukisan, genre sejarah tidak dapat dipisahkan dari jenis genre lainnya - genre potret, lanskap, pertempuran.

YAITU. Repin “Keluarga Cossack menulis surat kepada Sultan Turki”

K. Bryullov “Hari Terakhir Pompeii”

Genre pertempuran

Genre pertempuran (dari bahasa Perancis bataille - pertempuran) adalah genre yang lukisannya menggambarkan puncak suatu pertempuran, operasi militer, momen kemenangan, adegan-adegan dari kehidupan militer. Lukisan pertempuran ditandai dengan penggambaran sejumlah besar orang dalam gambar.

A A. Deineka "Pertahanan Sevastopol"

Genre religi

Genre religi adalah genre yang alur cerita utama dalam lukisannya bersifat alkitabiah (adegan dari Alkitab dan Injil). Temanya berkaitan dengan religi dan lukisan ikon, yang membedakannya adalah lukisan yang bermuatan religi tidak ikut serta dalam ibadah keagamaan, dan untuk ikon itulah tujuan utamanya. Ikonografi diterjemahkan dari bahasa Yunani. berarti "gambar doa". Genre ini dibatasi oleh kerangka dan hukum seni lukis yang ketat, karena dimaksudkan bukan untuk mencerminkan kenyataan, melainkan untuk menyampaikan gagasan tentang prinsip ketuhanan, yang di dalamnya seniman mencari cita-cita. Di Rus, lukisan ikon mencapai puncaknya pada abad 12-16. Nama-nama pelukis ikon yang paling terkenal adalah Theophanes the Greek (fresko), Andrei Rublev, Dionysius.

A. Rublev “Tritunggal”

Betapa menonjolnya tahap transisi dari lukisan ikon ke potret Parsuna(terdistorsi dari bahasa Latin persona - orang, orang).

Parsun dari Ivan yang Mengerikan. Penulis tidak diketahui

Genre sehari-hari

Lukisan-lukisan tersebut menggambarkan pemandangan kehidupan sehari-hari. Seringkali sang seniman menulis tentang momen-momen dalam kehidupan yang ia alami pada masa kini. Ciri khas genre ini adalah realisme lukisannya dan kesederhanaan plotnya. Gambar tersebut dapat mencerminkan adat istiadat, tradisi, dan struktur kehidupan sehari-hari masyarakat tertentu.

Lukisan rumah tangga mencakup lukisan terkenal seperti “Barge Haulers on the Volga” oleh I. Repin, “Troika” oleh V. Perov, “Unequal Marriage” oleh V. Pukirev.

I. Repin “Pengangkut Tongkang di Volga”

Genre epik-mitologis

Genre epik-mitologis. Kata mitos berasal dari bahasa Yunani. “mitos” yang artinya tradisi. Lukisan-lukisan tersebut menggambarkan peristiwa legenda, epos, tradisi, mitos Yunani kuno, cerita kuno, plot karya cerita rakyat.

P. Veronese "Apollo dan Marsyas"

Genre alegoris

Genre alegoris (dari bahasa Yunani allegoria - alegori). Lukisan dilukis sedemikian rupa sehingga mempunyai makna tersembunyi. Ide-ide dan konsep-konsep yang tidak penting, tidak terlihat oleh mata (kekuatan, kebaikan, kejahatan, cinta), disampaikan melalui gambar binatang, manusia, dan makhluk hidup lainnya dengan ciri-ciri yang melekat sehingga simbolisme sudah tertanam dalam pikiran manusia dan membantu untuk memahami arti umum dari karya tersebut.

L. Giordano “Cinta dan keburukan melucuti keadilan”

Pastoral (dari bahasa Prancis pastorale - pastoral, pedesaan)

Sebuah genre lukisan yang mengagungkan dan memuja kehidupan pedesaan yang sederhana dan damai.

F. Boucher “Pastoral Musim Gugur”

Karikatur (dari bahasa Italia caricare - melebih-lebihkan)

Genre di mana, ketika membuat gambar, efek komik sengaja digunakan dengan melebih-lebihkan dan mempertajam fitur, perilaku, pakaian, dll. Tujuan karikatur adalah untuk menyinggung, berbeda dengan, misalnya, karikatur (dari bahasa Prancis muatan) , yang tujuannya hanya untuk mengolok-olok. Terkait erat dengan istilah “karikatur” adalah konsep-konsep seperti cetakan populer dan aneh.

Telanjang (dari bahasa Prancis nu - telanjang, tanpa pakaian)

Genre lukisan yang menggambarkan tubuh manusia telanjang paling sering adalah perempuan.

Titian Vecellio "Venus dari Urbino"

Penipuan, atau trompe l'oeil (dari bahasa Perancis. trompe-l'œil - ilusi optik)

Genre yang ciri khasnya adalah teknik khusus yang menciptakan ilusi optik dan memungkinkan untuk menghapus batas antara kenyataan dan gambar, yaitu. kesan yang menyesatkan bahwa suatu benda adalah tiga dimensi padahal benda itu dua dimensi. Terkadang blende dibedakan sebagai subtipe still life, namun terkadang orang juga digambarkan dalam genre ini.

Per Borrell del Caso "Berlari dari Kritik"

Untuk melengkapi persepsi umpan, disarankan untuk mempertimbangkannya dalam aslinya, karena reproduksi tidak dapat sepenuhnya menyampaikan efek yang digambarkan oleh senimannya.

Jacopo de Barberi "Partridge dan Sarung Tangan Besi"

Gambar tematik

Campuran genre lukisan tradisional (domestik, sejarah, pertempuran, lanskap, dll). Dengan kata lain, genre ini disebut komposisi figuratif, ciri-cirinya adalah: peran utama dimainkan oleh seseorang, kehadiran tindakan dan ide yang signifikan secara sosial, hubungan (konflik kepentingan/karakter) dan aksen psikologis harus ditampilkan. .

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

Ada tema abadi dalam seni. Salah satunya adalah tema perempuan, tema keibuan. Setiap zaman memiliki cita-citanya masing-masing tentang seorang wanita, seluruh sejarah umat manusia tercermin dalam cara orang memandang seorang wanita, mitos apa yang mengelilinginya dan membantu menciptakannya. Satu hal yang pasti - di segala abad dan zaman Karakter feminin telah menarik, menarik dan akan terus menarik perhatian khusus para seniman.

Gambaran perempuan yang diciptakan dalam seni potret mengusung cita-cita puitis dalam kesatuan harmonis antara kualitas spiritual dan penampilan luarnya. Dari potret kita dapat menilai bagaimana penampilan dan mental seorang wanita dipengaruhi oleh peristiwa sosial, fashion, sastra, seni dan lukisan itu sendiri.

Kami mempersembahkan kepada Anda berbagai gambar wanita dalam lukisan dari berbagai arah

REALISME

Inti dari arahan adalah menangkap realitas seakurat dan seobjektif mungkin. Kelahiran realisme dalam seni lukis paling sering dikaitkan dengan karya seniman Perancis Gustave Courbet, yang membuka pameran pribadinya “Paviliun Realisme” di Paris pada tahun 1855. Kebalikan dari romantisme dan akademis. Pada tahun 1870-an, realisme terbagi menjadi dua arah utama - naturalisme dan impresionisme. Naturalis adalah seniman yang berusaha menangkap realitas seakurat dan sefoto mungkin.

Ivan Kramskoy “Tidak Diketahui”

Serov "Gadis dengan Persik"

AKADEMISME

Akademisisme tumbuh dengan mengikuti bentuk-bentuk eksternal seni klasik. Akademisisme mewujudkan tradisi seni kuno, di mana citra alam diidealkan. Akademisi Rusia pada paruh pertama abad ke-19 dicirikan oleh tema-tema luhur, gaya metaforis yang tinggi, keragaman, banyak tokoh, dan kemegahan. Adegan alkitabiah, lanskap salon, dan potret seremonial sangat populer. Meski materi lukisannya terbatas, namun karya para sivitas akademika memiliki ciri-ciri teknis yang tinggi.

Bouguereau "Pleiades"

Bouguereau "Suasana Hati"

Cabanel "Kelahiran Venus"

IMPRESIONISME

Perwakilan gaya berusaha untuk menangkap dunia nyata dalam mobilitas dan variabilitasnya dengan cara yang paling alami dan tidak memihak, dan untuk menyampaikan kesan sekilas mereka. Impresionisme Perancis tidak mengangkat isu filosofis. Sebaliknya, impresionisme berfokus pada kedangkalan, fluiditas suatu momen, suasana hati, pencahayaan, atau sudut pandang. Lukisan mereka hanya menampilkan sisi positif kehidupan, tidak mengusik permasalahan sosial, dan terhindar dari permasalahan seperti kelaparan, penyakit, dan kematian. Subyek-subyek alkitabiah, sastra, mitologi, dan sejarah yang melekat dalam akademisme resmi dibuang. Subjek yang diambil adalah flirting, menari, berada di kafe dan teater, berperahu, di pantai, dan di taman. Dilihat dari lukisan kaum Impresionis, hidup adalah serangkaian liburan kecil, pesta, hiburan menyenangkan di luar kota atau di lingkungan yang bersahabat.

Boldini "Moulin Merah"

Renoir "Potret Jeanne Samary"

Manet "Sarapan di Rumput"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Wanita dengan Payung"

SIMBOLISME

Para simbolis secara radikal mengubah tidak hanya berbagai jenis seni, tetapi juga sikap terhadapnya. Karakter eksperimental, keinginan berinovasi, dan kosmopolitanisme mereka telah menjadi model bagi sebagian besar gerakan seni modern. Mereka menggunakan simbol, pernyataan yang meremehkan, kiasan, misteri, teka-teki. Suasana utama seringkali pesimisme, mencapai titik keputusasaan. Berbeda dengan gerakan seni lainnya, simbolisme percaya pada ekspresi ide-ide yang “tidak dapat dicapai”, terkadang mistis, gambaran Keabadian dan Keindahan.

Ulangi "Ophelia"

Franz von Terjebak "Salome"

Watt "Harapan"

Rosseti "Persefone"

MODERN

Art Nouveau berupaya menggabungkan fungsi artistik dan utilitarian dari karya yang diciptakan, dan melibatkan semua bidang aktivitas manusia dalam bidang keindahan. Akibatnya, muncul minat terhadap seni terapan: desain interior, keramik, grafis buku. Seniman Art Nouveau mendapat inspirasi dari seni Mesir Kuno dan peradaban kuno. Ciri yang paling mencolok dari Art Nouveau adalah ditinggalkannya sudut dan garis siku-siku demi garis yang lebih halus dan melengkung. Seniman Art Nouveau sering mengambil ornamen dari tumbuhan sebagai dasar gambarnya.

Klimt "Potret Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt "Tiga Usia Wanita"

Terbang "Buah"

EKSPRESIONISME

Ekspresionisme adalah salah satu gerakan seni paling berpengaruh di abad ke-20. Ekspresionisme muncul sebagai reaksi terhadap krisis akut pada kuartal pertama abad ke-20, Perang Dunia Pertama dan gerakan-gerakan revolusioner berikutnya, keburukan peradaban borjuis, yang mengakibatkan keinginan akan irasionalitas. Motif kesakitan dan jeritan digunakan, prinsip ekspresi mulai mendominasi gambar.

Modigliani. Dengan menggunakan tubuh dan wajah perempuan, ia mencoba menembus jiwa karakternya. “Saya tertarik pada manusia. Wajah adalah ciptaan alam yang terbesar. Saya menggunakannya tanpa kenal lelah,” ulangnya.

Modigliani "Tidur Telanjang"

Schiele "Wanita dengan Stoking Hitam"

KUBISME

Kubisme adalah gerakan modernis dalam seni rupa (terutama seni lukis) pada kuartal pertama abad ke-20, yang menyoroti tugas formal membangun bentuk tiga dimensi pada bidang datar, meminimalkan fungsi visual dan kognitif seni. Munculnya kubisme secara tradisional dimulai pada tahun 1906-1907 dan dikaitkan dengan karya Pablo Picasso dan Georges Braque. Secara umum Kubisme merupakan terobosan terhadap tradisi seni realistik yang berkembang pada masa Renaisans, termasuk penciptaan ilusi visual dunia di atas pesawat. Karya Kubisme merupakan tantangan terhadap keindahan standar seni salon, kiasan simbolisme yang samar-samar, dan ketidakstabilan lukisan impresionis. Memasuki lingkaran gerakan pemberontak, anarkis, individualistis, Kubisme menonjol di antara mereka karena ketertarikannya pada asketisme warna, pada bentuk dan motif dasar yang sederhana, berbobot, nyata.

Picasso "Wanita yang Menangis"

Picasso "Memainkan Mandolin"

Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

SURREALISME

Konsep dasar surealisme, kenyataan- kombinasi mimpi dan kenyataan. Untuk mencapai hal ini, para surealis mengusulkan kombinasi gambar naturalistik yang absurd dan kontradiktif melalui kolase dan memindahkan objek dari ruang non-artistik ke ruang artistik, yang karenanya objek tersebut terungkap dari sisi yang tidak terduga, sifat-sifat yang tidak diperhatikan di luar. konteks artistik muncul di dalamnya. Kaum surealis terinspirasi oleh ideologi kiri radikal, namun mereka mengusulkan untuk memulai revolusi dengan kesadaran mereka sendiri. Mereka menganggap seni sebagai instrumen utama pembebasan. Arah ini berkembang di bawah pengaruh besar teori psikoanalisis Freud. Surealisme berakar pada simbolisme dan awalnya dipengaruhi oleh seniman simbolis seperti Gustave Moreau dan Odilon Redon. Sebilangan besar artis popular adalah surealis, termasuk René Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.