Seniman Eropa pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Lukisan antik

Terbentuknya peradaban industri berdampak besar pada seni rupa Eropa. Lebih dari sebelumnya, hal ini berkaitan erat dengan kehidupan sosial, kebutuhan spiritual dan material masyarakat. Dalam konteks meningkatnya saling ketergantungan masyarakat, gerakan seni dan pencapaian budaya dengan cepat menyebar ke seluruh dunia.

Lukisan

Romantisme dan realisme memanifestasikan dirinya dengan kekuatan khusus dalam lukisan. Tanda-tanda romantisme banyak terdapat pada karya seniman Spanyol Francisco Goya (1746-1828). Berkat bakat dan kerja kerasnya, anak seorang perajin miskin itu menjadi seorang pelukis hebat. Karyanya merupakan seluruh era dalam sejarah seni Eropa. Potret artistik wanita Spanyol sungguh luar biasa. Mereka ditulis dengan cinta dan kekaguman. Kita membaca harga diri, kebanggaan, dan kecintaan terhadap kehidupan di wajah para pahlawan wanita, terlepas dari asal usul sosial mereka.

Keberanian Goya, pelukis istana, dalam menggambarkan potret kelompok keluarga kerajaan tidak pernah berhenti membuat takjub. Di hadapan kita bukanlah penguasa atau penengah nasib negara, melainkan rakyat biasa, bahkan rakyat biasa. Peralihan Goya ke realisme juga dibuktikan dengan lukisannya yang didedikasikan untuk perjuangan heroik rakyat Spanyol melawan tentara Napoleon.

Tokoh kunci dalam Romantisisme Eropa adalah seniman terkenal Perancis Eugene Delacroix (1798-1863). Dalam karyanya, ia menempatkan fantasi dan imajinasi di atas segalanya. Sebuah tonggak sejarah dalam sejarah romantisme, dan tentu saja semua seni Perancis, adalah lukisannya “Liberty Leading the People” (1830). Sang seniman mengabadikan revolusi tahun 1830 di atas kanvas. Setelah lukisan ini, Delacroix tidak lagi beralih ke realitas Prancis. Ia menjadi tertarik pada tema Timur dan subjek sejarah, di mana seorang romantisme pemberontak dapat memberikan kebebasan untuk berfantasi dan berimajinasi.

Seniman realis terbesar adalah Gustave Courbet dari Perancis (1819-1877) dan Jean Millet (1814-1875). Perwakilan dari gerakan ini mengupayakan penggambaran alam yang jujur. Fokusnya adalah pada kehidupan sehari-hari dan pekerjaan manusia. Alih-alih pahlawan sejarah dan legendaris yang menjadi ciri klasisisme dan romantisme, orang-orang biasa muncul dalam karya mereka: warga kota, petani, dan pekerja. Nama-nama lukisan itu berbicara sendiri: “Penghancur Batu”, “Perajut”, “Pengumpul Telinga”.

Seorang perwira penjaga kekaisaran yang akan menyerang, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Artis pertama dari gerakan romantis. Lukisan tersebut mengungkapkan romansa era Napoleon

Courbet adalah orang pertama yang menggunakan konsep realisme. Ia mendefinisikan tujuan karyanya sebagai berikut: “Mampu menyampaikan moral, gagasan, penampilan masyarakat zamannya dalam penilaian saya, tidak hanya menjadi seniman, tetapi juga warga negara, untuk menciptakan seni yang hidup.”

Pada sepertiga terakhir abad ke-19. Prancis menjadi pemimpin dalam perkembangan seni rupa Eropa. Dalam seni lukis Perancis lahirlah impresionisme (dari kesan – kesan Perancis). Gerakan baru ini menjadi peristiwa penting di Eropa. Seniman impresionis berusaha menyampaikan kesan sesaat di atas kanvas tentang perubahan yang konstan dan halus dalam keadaan alam dan manusia.

Di gerbong kelas tiga, 1862. O. Daumier (1808-1879). Salah satu seniman paling orisinal pada masanya. Balzac membandingkannya dengan Michelangelo.
Namun, Daumier menjadi terkenal karena kartun politiknya. "In a Third Class Car" menampilkan gambaran kelas pekerja yang tidak diidealkan

Wanita membaca. K.Corot (1796-1875). Seniman Prancis terkenal ini sangat tertarik pada permainan cahaya dan merupakan pendahulu kaum Impresionis.
Pada saat yang sama, karyanya memiliki cap realisme.

Kaum Impresionis melakukan revolusi nyata dalam teknik melukis. Mereka biasanya bekerja di luar ruangan. Warna dan cahaya memainkan peran yang jauh lebih besar dalam karya mereka dibandingkan gambar itu sendiri. Seniman impresionis terkemuka adalah Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionisme memiliki pengaruh besar pada ahli kuas hebat seperti Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Kesan. Matahari terbit, 1882.
Claude Monet (1840-1926) sering melukis objek yang sama pada waktu berbeda dalam sehari untuk mengeksplorasi efek cahaya pada warna dan bentuk.

Ia Orana Maria. P.Gauguin (1848-1903). Ketidakpuasan sang seniman terhadap cara hidup Eropa memaksanya meninggalkan Prancis dan tinggal di Tahiti.
Tradisi seni lokal dan keragaman dunia sekitar mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap pembentukan gaya seninya.

Pelukis Spanyol yang bekerja di Perancis. Pada usia sepuluh tahun ia sudah menjadi seniman, dan pada usia enam belas tahun, pameran pertamanya diadakan. Membuka jalan bagi kubisme - sebuah gerakan revolusioner dalam seni abad ke-20. Kaum Kubisme meninggalkan penggambaran perspektif ruang dan udara. Benda dan figur manusia ditransformasikan menjadi gabungan berbagai garis dan bidang geometri (lurus, cekung, dan lengkung). Kaum Kubisme mengatakan bahwa mereka melukis bukan seperti yang mereka lihat, tetapi seperti yang mereka ketahui

Ibarat puisi, lukisan kali ini penuh dengan firasat cemas dan samar-samar. Dalam hal ini, karya seniman simbolis berbakat Perancis Odilon Redon (1840-1916) sangat khas. Sensasionalnya di tahun 80an. Gambar Laba-laba adalah pertanda buruk Perang Dunia Pertama. Laba-laba digambarkan dengan wajah manusia yang menyeramkan. Tentakelnya bergerak dan agresif. Penonton dibiarkan merasakan bencana yang akan datang.

Musik

Musik belum mengalami perubahan signifikan seperti bentuk seni lainnya. Namun hal ini juga dipengaruhi oleh peradaban industri, pembebasan nasional, dan gerakan revolusioner yang mengguncang Eropa sepanjang abad. Pada abad ke-19 musik melampaui istana bangsawan dan kuil gereja. Hal ini menjadi lebih sekuler dan lebih mudah diakses oleh masyarakat luas. Perkembangan penerbitan berkontribusi pada pesatnya pencetakan lembaran musik dan distribusi karya musik. Pada saat yang sama, alat musik baru diciptakan dan alat musik lama diperbaiki. Piano menjadi hal yang tidak terpisahkan dan sehari-hari di rumah kaum borjuis Eropa.

Hingga akhir abad ke-19. Tren dominan dalam musik adalah romantisme. Pada asal usulnya berdiri sosok raksasa Beethoven. Ludwig von Beethoven (1770-1827) menghormati warisan klasik abad ke-18. Jika dia membuat perubahan pada aturan seni musik yang telah ditetapkan, dia melakukannya dengan hati-hati, berusaha untuk tidak menyinggung para pendahulunya. Dalam hal ini dia berbeda dari banyak penyair romantis, yang sering kali menumbangkan semua orang dan segalanya. Beethoven sangat jenius sehingga, meski tuli, dia mampu menciptakan karya abadi. Simfoni Kesembilan dan Sonata Cahaya Bulan yang terkenal memperkaya perbendaharaan seni musik.

Musisi romantis mendapat inspirasi dari motif lagu daerah dan irama tarian. Dalam karyanya mereka sering beralih ke karya sastra - Shakespeare, Goethe, Schiller. Beberapa dari mereka menunjukkan kegemaran menciptakan karya orkestra raksasa, yang bahkan belum ada pada abad ke-18. Namun keinginan ini sejalan dengan pergerakan kuat peradaban industri! Komposer Perancis Hector Berlioz sangat terkesan dengan kemegahan rencananya. Oleh karena itu, ia menulis komposisi untuk orkestra yang terdiri dari 465 alat musik, termasuk 120 cello, 37 bass, 30 piano, dan 30 harpa.

Dia memiliki teknik virtuoso sehingga ada rumor bahwa iblis sendirilah yang mengajarinya bermain biola. Di tengah pertunjukan musik, seorang pemain biola dapat mematahkan tiga senar dan terus memainkan satu-satunya senar yang tersisa secara ekspresif.

Pada abad ke-19 banyak negara Eropa telah memberikan komposer dan musisi hebat kepada dunia. Di Austria dan Jerman, budaya nasional dan dunia diperkaya oleh Franz Schubert dan Richard Wagner, di Polandia - Frederic Chopin, di Hongaria - Franz Liszt, di Italia - Gioachino Rossini dan Giuseppe Verdi, di Republik Ceko - Bedřich Smetana, di Norwegia - Edvard Grieg, di Rusia - Glinka, Rimsky Korsakov, Borodin, Mussorgsky dan Tchaikovsky.

Sejak tahun 20an abad XIX Di Eropa, kegemaran akan tarian baru dimulai - waltz. Waltz berasal dari Austria dan Jerman pada akhir abad ke-18, berasal dari Ländler Austria - tarian petani tradisional

Arsitektur

Perkembangan peradaban industri membawa dampak yang sangat besar terhadap arsitektur Eropa. Kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi berkontribusi pada inovasi. Pada abad ke-19 Gedung-gedung besar milik negara dan kepentingan publik dibangun lebih cepat. Sejak saat itu, material baru mulai digunakan dalam konstruksi, terutama besi dan baja. Dengan perkembangan produksi pabrik, transportasi kereta api dan kota-kota besar, jenis struktur baru muncul - stasiun kereta api, jembatan baja, bank, toko besar, gedung pameran, teater baru, museum, perpustakaan.

Arsitektur pada abad ke-19. dibedakan oleh keragaman gaya, monumentalitas, dan tujuan praktisnya.

Bagian depan gedung Opera Paris. Dibangun pada tahun 1861 -1867. Mengekspresikan arah eklektik, terinspirasi oleh era Renaissance dan Baroque

Sepanjang abad ini, gaya neoklasik adalah yang paling umum. Bangunan British Museum di London yang dibangun pada tahun 1823-1847 memberikan gambaran yang jelas tentang arsitektur kuno (klasik). Sampai tahun 60an. Apa yang disebut "gaya sejarah" adalah gaya yang modis, diekspresikan dalam tiruan romantis arsitektur Abad Pertengahan. Pada akhir abad ke-19. ada kembalinya ke Gotik dalam pembangunan gereja dan gedung-gedung publik (neo-Gotik, yaitu Gotik baru).

Misalnya Gedung Parlemen di London. Berbeda dengan neo-Gotik, muncul arah baru yaitu Art Nouveau (seni baru). Hal ini ditandai dengan garis halus bangunan, bangunan, dan detail interior yang berliku-liku. Pada awal abad ke-20. Arah lain muncul - modernisme. Gaya Art Nouveau dibedakan berdasarkan kepraktisan, ketelitian dan perhatian, serta kurangnya dekorasi. Gaya inilah yang mencerminkan esensi peradaban industri dan paling terkait dengan zaman kita.

Dalam suasananya, seni Eropa pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. sangat kontras. Di satu sisi, optimisme dan keceriaan hidup yang meluap-luap. Di sisi lain, kurangnya kepercayaan terhadap kemampuan kreatif manusia. Dan kita tidak boleh mencari kontradiksi dalam hal ini. Seni hanya merefleksikan dengan caranya sendiri apa yang terjadi di dunia nyata. Mata para penyair, penulis, dan seniman lebih tajam dan berwawasan luas. Mereka melihat apa yang orang lain tidak lihat dan tidak bisa lihat.

INI MENARIK UNTUK DIKETAHUI

“Saya lebih suka melukis mata orang daripada katedral… jiwa manusia, bahkan jiwa seorang pengemis malang… menurut saya, jauh lebih menarik,” kata Vincent Van Gogh. Seniman hebat itu menjalani seluruh hidupnya dalam kemiskinan dan kekurangan, seringkali tidak punya uang untuk membeli kanvas dan cat, dan praktis bergantung pada adik laki-lakinya. Orang-orang sezamannya tidak mengakui kelebihan apa pun dalam dirinya. Saat Van Gogh meninggal, hanya sedikit orang yang mengikuti peti matinya. Hanya dua atau tiga lusin orang di Eropa yang bisa mengapresiasi karya seninya, yang ditujukan oleh seniman besar itu untuk masa depan. Tapi bertahun-tahun telah berlalu. Pada abad ke-20 Artis itu menerima ketenaran yang memang pantas diterimanya, meskipun terlambat. Sejumlah besar uang kini dibayarkan untuk lukisan Van Gogh. Misalnya, lukisan “Bunga Matahari” terjual di lelang dengan rekor harga $39,9 juta. Namun pencapaian tersebut juga dilampaui oleh lukisan “Irises” yang terjual seharga $53,9 juta.
Sastra bekas:

V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / Sejarah Dunia Zaman Modern XIX - awal. Abad XX, 1998.

17.3 Lukisan Eropa abad ke-19. . Dua dekade pertama abad ke-19. dalam sejarah seni lukis Perancis ditetapkan sebagai klasisisme revolusioner. Perwakilannya yang luar biasa adalah J.L. Daud (1748– 1825), karya utamanya diciptakan olehnya pada abad ke-18. Karya abad ke-19. - ini adalah pekerjaan dengan pelukis istana Napoleon– “Napoleon di Saint Bernard Pass”, “Penobatan”, “Leonidas di Thermopylae”. David juga penulis potret indah, seperti potret Madame Recamier. Dia menciptakan sekolah besar siswa dan menentukan sifat-sifatnya artistik dari gaya Kekaisaran.

Murid David adalah J. O. Ingres (1780– 1867), yang mengubah klasisisme menjadi seni akademis dan selama bertahun-tahun menentang untuk romantisme. Ingres adalah penulis yang jujur akut potret (“L.F. Bertin”, “Madame Rivière”, dll.) dan lukisan dengan gaya klasisisme akademis (“Apotheosis of Homer”, “Jupiter dan Themis”).

Romantisme lukisan Perancis paruh pertama abad ke-19– ini adalah lukisan karya T. Gericault (1791 – 1824) (“Rakit Medusa” dan “Epsom Derby, dll.”) dan E. Delacroix (1798 – 1863), penulis lukisan terkenal “Liberty Leading the People”.

Arah realistik dalam seni lukis paruh pertama abad ini diwakili oleh karya G. Courbet (1819– 1877), penulis istilah “realisme” dan lukisan “Stone Crusher” dan “Funeral in Ornans”, serta karya J. F. Millet (1814 – 1875), penulis kehidupan sehari-hari petani dan (“Para Pengumpul”, “Pria dengan Cangkul”, “Penabur”).

Fenomena penting kebudayaan Eropa pada paruh kedua abad ke-19. Ada gaya artistik yang disebut impresionisme, yang tersebar luas tidak hanya dalam seni lukis, tetapi juga dalam musik dan fiksi. Namun hal itu muncul dalam lukisan.

Dalam seni temporer, aksi terjadi dalam waktu. Lukisan sepertinya hanya mampu mengabadikan satu momen dalam satu waktu. Berbeda dengan bioskop, bioskop selalu memiliki satu “bingkai”. Bagaimana cara menyampaikan gerakan? Salah satu upaya untuk menangkap dunia nyata dalam mobilitas dan variabilitasnya adalah upaya para pencipta gerakan seni lukis yang disebut impresionisme (dari kesan Perancis). Gerakan ini mempertemukan berbagai seniman yang masing-masing dapat dicirikan sebagai berikut. Impresionis adalah seorang seniman yang menyampaikan miliknya langsung kesan alam, melihat di dalamnya keindahan variabilitas dan ketidakkekalan, di menciptakan sensasi visual sinar matahari yang cerah, permainan bayangan berwarna, menggunakan palet warna murni yang tidak tercampur, yang menghilangkan warna hitam dan abu-abu.

Dalam lukisan kaum Impresionis seperti C. Monet (1840-1926) dan O. Renoir (1841-1919), pada awal tahun 70-an abad XIX. materi udara muncul, tidak hanya memiliki kepadatan tertentu yang mengisi ruang, tetapi juga mobilitas. Aliran sinar matahari dan uap naik dari bumi yang lembab. Air, salju yang mencair, tanah yang dibajak, rumput yang bergoyang di padang rumput tidak memiliki garis yang jelas dan beku. Gerakan, yang sebelumnya diperkenalkan ke dalam lanskap sebagai gambaran sosok-sosok yang bergerak, sebagai akibat dari aksi kekuatan alam– angin yang menggerakkan awan, menggoyangkan pepohonan, kini tergantikan oleh kedamaian. Namun kedamaian benda mati ini merupakan salah satu bentuk geraknya, yang diwujudkan melalui tekstur lukisan itu sendiri - guratan dinamis berbagai warna, tidak dibatasi oleh garis-garis kaku pada gambar.

Lukisan gaya baru ini tidak serta merta diterima masyarakat, yang menuding para seniman tidak pandai melukis dan membuang cat bekas palet ke atas kanvas. Oleh karena itu, katedral Rouen berwarna merah muda karya Monet tampak tidak masuk akal baik bagi pemirsa maupun sesama seniman.– seri lukisan terbaik seniman (“Pagi”, “Dengan sinar matahari pertama”, “Siang”). Artisnya tidak mencoba menggambarkan katedral di atas kanvas pada waktu yang berbeda dalam sehari– ia bersaing dengan para ahli Gotik untuk memikat penonton dalam kontemplasi cahaya magis dan efek warna. Fasad Katedral Rouen, seperti kebanyakan katedral Gotik, menyembunyikan tontonan mistis orang-orang yang hidup kembali. x dari sinar matahari dari jendela kaca patri berwarna cerah di interior. Pencahayaan di dalam katedral berubah tergantung dari sisi mana matahari bersinar, cuaca mendung atau cerah. Sinar matahari, menembus warna biru dan merah pekat dari kaca kaca patri, diwarnai dan jatuh dalam sorotan berwarna di lantai.

Kata “impresionisme” berasal dari salah satu lukisan Monet. Lukisan ini benar-benar merupakan ekspresi ekstrim dari inovasi metode melukis yang sedang berkembang dan diberi nama “Matahari Terbit di Le Havre”. Penyusun katalog lukisan untuk salah satu pameran menyarankan agar sang seniman menyebutnya dengan nama lain, dan Monet, dengan mencoret “di Le Havre”, memberi “kesan”. Dan beberapa tahun setelah kemunculan karyanya, mereka menulis bahwa Monet “mengungkapkan kehidupan yang tidak dapat dipahami oleh siapa pun sebelum dia, yang bahkan tidak diketahui oleh siapa pun”. Dalam lukisan-lukisan Monet mereka mulai memperhatikan semangat meresahkan lahirnya era baru. Dengan demikian, “serialisme” muncul dalam karyanya sebagai fenomena baru dalam seni lukis. Dan dia fokus pada masalah waktu. Lukisan sang seniman, sebagaimana disebutkan, merenggut satu “bingkai” dari kehidupan, dengan segala ketidaklengkapan dan ketidaklengkapannya. Dan ini memberi dorongan pada pengembangan seri yang saling menggantikan secara berurutan. Selain Katedral Rouen, Monet menciptakan seri Gare Saint-Lazare, di mana lukisan-lukisannya saling berhubungan dan saling melengkapi. Namun, tidak mungkin menyatukan “bingkai-bingkai” kehidupan menjadi satu pita kesan dalam lukisan. Ini menjadi tugas sinema. Sejarawan sinema percaya bahwa alasan kemunculan dan penyebarannya secara luas bukan hanya karena penemuan teknis, tetapi juga kebutuhan artistik yang mendesak akan gambar bergerak. Dan lukisan kaum Impresionis, khususnya Monet, menjadi gejala kebutuhan tersebut. Diketahui bahwa salah satu plot pertunjukan bioskop pertama dalam sejarah, yang diselenggarakan oleh Lumière bersaudara pada tahun 1895, adalah “The Arrival of a Train”. Lokomotif uap, stasiun, dan rel menjadi subjek dari serangkaian tujuh lukisan, “Gare Saint-Lazare” karya Monet, yang dipamerkan pada tahun 1877.

Seorang seniman impresionis yang luar biasa adalah O. Renoir. Untuk karya-karyanya (“Bunga”, “Pemuda berjalan dengan anjing di hutan Fontainebleau”, “Vas dengan bunga”, “Mandi di Sungai Seine”, “Lisa dengan payung”, “Nyonya di perahu”, “Penunggang di Bois de Boulogne” , “The Ball at Le Moulin de la Galette”, “Portrait of Jeanne Samary” dan banyak lainnya) kata-kata seniman Prancis E. Delacroix “Keutamaan pertama dari setiap gambar” cukup dapat diterapkan- menjadi meriah aku untuk matanya." nama Renoir- sinonim untuk kecantikan dan masa muda, saat kehidupan manusia ketika kesegaran mental dan berkembangnya kekuatan fisik berada dalam harmoni yang sempurna. Hidup di era konflik sosial yang akut, ia meninggalkan konflik tersebut di luar kanvasnya, dengan fokus kebangkitan akan sisi indah dan cerah dari keberadaan manusia. Dan dalam posisi ini dia tidak sendirian di antara para seniman. Dua ratus tahun sebelumnya, seniman besar Flemish Peter Paul Rubens melukis gambar-gambar tentang prinsip besar yang meneguhkan kehidupan (“Perseus dan Andromeda”). Gambaran seperti itu memberi harapan pada seseorang. Setiap orang berhak atas kebahagiaan, dan makna utama seni Renoir adalah bahwa setiap gambarnya menegaskan hak ini tidak dapat diganggu gugat.

Pada akhir abad ke-19, post-impresionisme muncul dalam seni lukis Eropa. Perwakilannya- P. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 – 1903), mengambil dari kaum impresionis kemurnian warna, kami sedang mencari prinsip keberadaan yang konstan, generalisasi metode melukis, aspek filosofis dan simbolik kreativitas. Lukisan Cezanne– ini adalah potret (“Perokok”), lanskap (“Tepi Marne”), benda mati (“Still Life dengan Sekeranjang Buah”).

Lukisan Van Gogh- “Pondok”, “Setelah Hujan”, “Jalan Para Tahanan”.

Gauguin memiliki ciri-ciri romantisme pandangan dunia. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, terpikat oleh kehidupan suku-suku Polinesia, yang menurutnya, menjaga kemurnian dan integritas primitif mereka, ia berangkat ke pulau-pulau Polinesia, di mana ia menciptakan beberapa lukisan, yang dasarnya adalah primitivisasi bentuk, keinginan untuk lebih dekat dengan tradisi seni penduduk asli (“Wanita memegang buah ", "Pastoral Tahiti", "Musim Semi yang Indah").

Seorang pematung luar biasa abad ke-19. adalah O.Rodin (1840– 1917), yang digabungkan dalam karyanya impresionistis romantisme dan ekspresionisme dengan realistis pencarian. Vitalitas gambar, drama, ekspresi kehidupan batin yang intens, gerak tubuh yang berlanjut dalam ruang dan waktu (apa adanya Tidak mungkin menampilkan patung ini dengan musik dan balet), menangkap ketidakstabilan momen- semua ini bersama-sama menciptakan citra yang pada dasarnya romantis dan sepenuhnya impresionistis visi. Keinginan untuk generalisasi filosofis yang mendalam (“Zaman Perunggu”, “ Citizens of Calais", sebuah patung yang didedikasikan untuk pahlawan Perang Seratus Tahun, yang mengorbankan dirinya untuk menyelamatkan kota yang terkepung, bekerja untuk "Gerbang Neraka", termasuk "The Thinker") dan keinginan untuk menunjukkan momen keindahan mutlak dan kebahagiaan ("Musim Semi Abadi", "Pas de -de")– ciri-ciri utama karya seniman ini.

17.3.2 Lukisan bahasa Inggris. Seni rupa Inggris pada paruh pertama abad ke-19.- ini lukisan pemandangan, cerah perwakilan yaitu J. Polisi (1776 – 1837), pendahulu Inggris kaum impresionis(“Kereta jerami melintasi arungan” dan “Ladang Rye”) dan U. Turner (1775 – 1851), yang lukisannya seperti Rain, Steam and Speed, "Kecelakaan kapal", dibedakan oleh hasratnya terhadap fantasi warna-warni.

Pada paruh kedua abad ini, F.M. Brown menciptakan karyanya (1821– 1893), yang dianggap sebagai “Holbein abad ke-19.” Brown terkenal dengan karya sejarahnya (Chaucer di Istana Edward III dan Lear dan Cordelia), serta lukisan aksinya. tema tradisional sehari-hari (“Pandangan Terakhir di Inggris”, “Buruh”).

Asosiasi kreatif “Persaudaraan Pra-Raphaelite” (“Pra-Raphael”) muncul pada tahun 1848. Meskipun inti pemersatu adalah kecintaan terhadap karya-karya seniman awal Renaisans (sebelum Raphael), setiap anggota persaudaraan ini memiliki temanya sendiri-sendiri. dan kredo artistiknya sendiri. Ahli teori persaudaraan adalah ilmuwan budaya dan ahli kecantikan Inggris J. Ruskin, yang menguraikan konsep romantisme dalam kaitannya dengan kondisi Inggris abad pertengahan.

Ruskin, yang menghubungkan seni dalam karya-karyanya dengan tingkat budaya negara secara umum, melihat dalam seni manifestasi faktor moral, ekonomi dan sosial, berusaha meyakinkan Inggris bahwa prasyarat untuk kecantikan adalah kesopanan, keadilan, kejujuran, kemurnian dan kesederhanaan. .

Kaum Pra-Raphael menciptakan lukisan tentang subjek keagamaan dan sastra, merancang buku secara artistik dan mengembangkan seni dekoratif, dan berupaya menghidupkan kembali prinsip-prinsip kerajinan abad pertengahan. Memahami tren berbahaya seni dekoratif- depersonalisasinya oleh produksi mesin, seniman Inggris, penyair dan tokoh masyarakat W. Morris (1834 – 1896) menyelenggarakan lokakarya seni dan industri untuk produksi permadani, kain, kaca patri, dan barang-barang rumah tangga lainnya, yang gambarnya digunakan diselesaikan oleh dirinya sendiri dan seniman Pra-Raphaelite.

17.3.3 Lukisan Spanyol. Goya . Karya Francisco Goya (1746– 1828) milik dua abad – XVIII dan XIX. Ini sangat penting bagi pembentukan romantisme Eropa. Kreatifkan kami Kehidupan seniman kaya dan beragam: lukisan, potret, grafik, lukisan dinding, ukiran, lukisan.

Goya menggunakan tema paling demokratis (perampok, penyelundup, pengemis, peserta perkelahian jalanan dan permainan- karakter dalam lukisannya). Setelah diterima pada tahun 1789 judul Pridv Seniman lisan, Goya menampilkan banyak sekali potret: raja, ratu, abdi dalem (“Keluarga Raja Charles IV”). Kesehatan sang seniman yang semakin memburuk menyebabkan perubahan tema karyanya. Dengan demikian, lukisan-lukisan yang bercirikan fantasi yang menyenangkan dan aneh (“Karnaval”, “Permainan Gertakan Orang Buta”) digantikan oleh kanvas yang penuh tragedi (“Pengadilan Inkuisisi”, “Rumah Gila”). Dan diikuti oleh 80 lukisan “Capriccios”, yang dikerjakan sang seniman selama lebih dari lima tahun. Arti dari banyak di antaranya masih belum jelas hingga hari ini, sementara yang lain ditafsirkan sesuai dengan kebutuhan ideologis pada masanya.

Dengan menggunakan bahasa simbolis dan alegoris, Goya melukiskan gambaran mengerikan tentang negara ini pada pergantian abad: ketidaktahuan, takhayul, kesempitan pikiran, kekerasan, obskurantisme, kejahatan. Etsa “Tidurnya akal melahirkan monster”– monster mengerikan mengelilingi orang yang sedang tidur, kelelawar, burung hantu, dan roh jahat lainnya. Sang seniman sendiri memberikan penjelasan berikut atas karyanya: “Yakin akan kritik itu manusiasifat burukDankesalahpahaman, MeskipunDantampaknyabidang pidato dan puisi, juga dapat menjadi subjek deskripsi yang hidup, seniman memilih karyanya dari banyak pemborosan dan absurditas yang melekat dalam masyarakat sipil mana pun, serta dari prasangka dan takhayul umum, yang dilegitimasi oleh adat, ketidaktahuan atau diri sendiri. -minat, hal-hal yang menurutnya sangat cocok untuk diejek dan pada saat yang sama untuk melatih imajinasi seseorang.”

17.3.4 Modern – terakhir gaya Eropa lukisan XIX V . Karya paling terkenal diciptakan dalam lukisan Eropa abad ke-19. dalam gaya Art Nouveau, ada karya seniman Inggris O. Beardsley (1872– 1898). DiabergambarbekerjaTENTANG. liar ("Salome"), dibuatanggungrafisfantasi, terpesonautuhgenerasiorang Eropa. HanyahitamDanputihadalahperalatanmisalnyatentang persalinan: selembar kertas putih dan sebotol tinta hitam dan teknik yang mirip dengan renda terbaik (“The Secret Rose Garden”, 1895). Ilustrasi Beardsley dipengaruhi oleh cetakan Jepang dan Rococo Prancis, serta tingkah laku dekoratif Art Nouveau.

Gaya Art Nouveau yang muncul sekitar tahun 1890– 1910 Y y., dicirikantersedianyalekokgaris, mengingatkankeritingrambut, bergayabungaDantanaman, bahasaapi. GayainiadalahlebarumumDanVlukisanDanVarsitektur. Iniilustrasiorang InggrisSampai jumpardsley, poster dan playbill oleh A. Mucha dari Ceko, lukisan oleh G. Klimt dari Austria, lampu dan produk logam oleh Tiffany, arsitektur oleh A. Gaudi dari Spanyol.

Fenomena luar biasa lainnya dari modernisme fin-de-siècle– NorwegiaartisE. Mengunyah (1863 – 1944). TerkenallukisanMengunyah« Jeritan (1893)– gabunganBagianmiliknyamendasarsiklus"Dekorasi dindingkehidupan", lebihyangartisbekerjapanjangbertahun-tahun. Kemudianbekerja"Berteriak"MengunyahulangVlitograf. Lukisan"Berteriak"mentransmisikannegaraekstrimemosionalvoltaseorang, diaolitmenciptakan keputusasaan orang yang kesepian dan teriakan minta tolong yang tidak dapat diberikan oleh siapa pun.

Artis terbesar di Finlandia A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vgayamodernbergambarepik"Kalevala". Padabahasaempirisrealitasitu dilarangmemberi tahutentang lelaki tua legendaris– pandai besiIlmarinen, yangtertempalangit, mengumpulkancakrawala, dibelenggudariapiburung rajawali; HAIibuLemminkinen, dibangkitkanmiliknyaterbunuhputra; HAIpenyanyiVäinämöinene, yang"bersenandungemaspohon Natal", Gallel- Kaleladikelolamenyerahkannarsatu kekuatan rune Karelia kuno dalam bahasa modernitas.

Pada paruh pertama abad ke-19. lukisan mendapat prioritas dalam seni Eropa Barat. Perwakilan neoklasikisme adalah Jacques Louis David (1748-1825). Lukisan “Sumpah Horatii” (1784), yang ditugaskan oleh negara, membuatnya terkenal. Setelah revolusi, David terpilih menjadi anggota Konvensi, dan kemudian terlibat dalam politik revolusioner di bidang seni. Lukisan paling terkenal di era revolusioner, “The Death of Marat” (1793), adalah milik kuas David. Jean Paul Marat adalah salah satu pemimpin kudeta Jacobin. Dia dibunuh oleh Charlotte Corday. Dalam lukisan itu, David menggambarkan Marat yang terbunuh. David sangat terkesan dengan kematian tragis Marat sehingga dia menyelesaikan lukisan itu dalam tiga bulan dan lukisan itu digantung pertama kali di Louvre, di mana ribuan orang melewatinya, dan kemudian di ruang pertemuan Konvensi.

Pada masa pemerintahan Napoleon, David menjalankan perintah dari istana. Napoleon memilih David sebagai pelukis pertama, dengan luar biasa menebak komponen propaganda dari bakatnya. Potret Napoleon karya David memuliakan kaisar sebagai pahlawan nasional baru (“Penyeberangan Jalur Saint-Bernard oleh Bonaparte”, “Potret Napoleon”). Potret Madame Recamier yang luar biasa dibedakan oleh kesempurnaannya, yang membuktikan komitmen penulis terhadap klasisisme.

Murid David adalah Antoine Gros (1771-1835). Dalam lukisan “Napoleon di Jembatan Arcole,” sang seniman menangkap salah satu momen paling heroik dalam kehidupan kaisar masa depan. Jenderal muda Bonaparte secara pribadi memimpin penyerangan, memungut spanduk yang jatuh, dan pertempuran dimenangkan. Gro menciptakan serangkaian lukisan tentang kaisar, mengagungkan keberanian, keluhuran, dan belas kasihannya (misalnya, “Bonaparte mengunjungi orang yang dilanda wabah di Jaffa”).

Jean Aposte Dominique Ingres (1780-1867) juga merupakan pendukung cita-cita klasik. Sebagai seorang seniman, ia banyak bekerja untuk perorangan, tetapi juga menjalankan perintah pemerintah. Ingres belajar dengan David dan tetap menjadi juara klasisisme sepanjang hidupnya. Dalam karya-karyanya, Ingres mencapai keterampilan tinggi dan daya persuasif artistik, dan mewujudkan gagasan keindahan yang sangat individual.

Seniman Theodore Gericault (1791-1824) adalah seorang master yang namanya dikaitkan dengan kesuksesan cemerlang pertama romantisme di Prancis. Sudah di kanvas awalnya (potret orang militer, gambar kuda), cita-cita kuno surut dan gaya yang sangat individual muncul. Lukisan Gericault "The Raft of the Medusa" menjadi simbol Perancis kontemporer bagi sang seniman. Orang-orang yang melarikan diri dari kapal karam mengalami harapan dan keputusasaan. Gambar tersebut tidak hanya bercerita tentang upaya terakhir orang-orang yang berada dalam kesusahan, tetapi menjadi simbol Perancis pada tahun-tahun itu, yang juga sedang bergerak dari keputusasaan menuju harapan.

Pemimpin romantisme Perancis dalam seni lukis adalah Eugene Delacroix (1798-1863). Sang seniman menciptakan berbagai macam gambar: adegan dari Inferno karya Dante, pahlawan dari karya Byron, Shakespeare dan Goethe, perjuangan Yunani melawan pemerintahan Turki, yang kemudian mengkhawatirkan seluruh Eropa. Pada tahun 1830, peristiwa politik utama adalah Revolusi Juli, yang berakhir dengan kekalahan dan pemulihan monarki di Perancis. Pada tahun 1830, Delacroix melukis lukisan “Liberty Leading the People (28 Juli 1830).” Wanita yang mengibarkan bendera tiga warna Republik Perancis melambangkan kebebasan. Liberty memimpin para pemberontak saat mereka mencapai barikade. Sebuah episode perkelahian jalanan menjadi gambaran epik, dan gambaran Kebebasan di barikade menjadi personifikasi perjuangan. Bagi banyak generasi masyarakat Prancis, lukisan Delacroix menjadi monumen keberanian rakyat, simbol republik.

Di Jerman, wakil romantisme adalah Caspar David Friedrich (1774-1840). Lukisan alamnya memperkenalkan gerakan Romantis kepada publik Jerman untuk pertama kalinya. Tema utama dalam karyanya adalah hilangnya manusia secara tragis di dunia. Motif lanskapnya yang sering muncul adalah puncak gunung, luasnya laut, dan pepohonan aneh. Karakter tetap dalam karya-karyanya adalah gambaran romantis seorang pengembara, seorang perenung alam yang melamun. Karya Caspar David Friedrich baru benar-benar diapresiasi pada abad ke-20.

Di Eropa pada abad ke-19. Kehidupan seni sangat ditentukan oleh munculnya kelompok-kelompok seniman yang pandangannya terhadap seni sangat mirip. Di Jerman, kaum Nazarene, yang meniru pelukis Jerman dan Italia abad ke-18, berkonflik dengan kaum neoklasik. dan mereka yang beralih ke seni keagamaan dan kesalehan Kristen. Tema sentral lukisan Bieder-Meier (gaya khusus dalam seni Jerman dan Austria) adalah kehidupan sehari-hari seseorang, yang mengalir dalam hubungan yang erat dengan rumah dan keluarganya. Ketertarikan Biedermeier bukan pada masa lalu, tetapi pada masa kini, bukan pada hal-hal besar, melainkan pada hal-hal kecil, berkontribusi pada terbentuknya kecenderungan realistik dalam seni lukis.

Pada paruh kedua abad ke-19. Realisme menjadi prinsip utama dalam seni. Seniman Perancis Camille Corot (1796-1875) memilih genre lanskap, yang tidak diakui di kalangan akademis. Corot sangat tertarik pada keadaan transisi alam, yang memungkinkan untuk melarutkan sosok dan pepohonan dalam kabut yang lapang.

Sekelompok seniman yang menetap di desa Barbizon mengabadikan nama ini dalam sejarah seni lukis. Pelukis sekolah Barbizon mencari subjek sederhana, sering kali beralih ke lanskap dan mengembangkan gaya melukis khusus, bebas dan liris. Mereka hanya melukis alam, namun mereka melakukannya dengan menyampaikan transisi warna yang halus, menggambarkan permainan cahaya dan udara. Dalam lukisan Barbizon, para sejarawan seni melihat salah satu sumber impresionisme masa depan, karena Barbizonian berusaha menyampaikan kesan hidup terhadap alam.

Lukisan Jean François Millet (1814-1875) dan Gustave Courbet (1819-1877) juga dapat digolongkan sebagai naturalisme. Karya Millet dipengaruhi oleh Barbizon (bukan suatu kebetulan bahwa di akhir hidupnya ia menjadi begitu tertarik pada lanskap). Tema utama karyanya adalah kehidupan petani dan alam. Dalam lukisan sang seniman kita melihat tokoh-tokoh yang sebelumnya dianggap tidak layak untuk dilukis oleh seorang pelukis: petani yang lelah, letih karena kerja keras, orang miskin dan orang yang rendah hati. Millet mengembangkan tema sosial dengan cara yang benar-benar baru, yang dilanjutkan di Gustave Courbet. Courbet mengungkapkan pemahamannya tentang peran seni dengan kata-kata berikut:

“Untuk dapat mengekspresikan moral, penampilan zaman sesuai dengan penilaian saya sendiri, tidak hanya menjadi seniman, tetapi juga menjadi pribadi, dengan kata lain, menciptakan seni yang hidup - inilah tugas saya.” Posisi Courbet sebagai pejuang seni baru membuatnya menjadi peserta acara Komune Paris.

Naturalisme sebagai gaya lukisan tercermin pada karya pelukis Jerman seperti Adolf von Menzel (1815-1905) dan Wilhelm Leibl (1844-1900). Para seniman tertarik pada gambaran kehidupan sehari-hari; dalam karyanya, untuk pertama kalinya tema industri dan tema buruh tani serta cara hidup mereka terdengar.

Pada paruh pertama abad ke-19. Seni Inggris mencerminkan kecenderungan neoklasikisme dan romantisme.

William Blake (1757-1827) bukan hanya seorang seniman, tapi juga seorang penyair. Ia bekerja dalam teknik tempera dan cat air, melukis adegan dari Alkitab, dari karya sastra, misalnya Shakespeare, dan membuat ilustrasi untuk Dante. Dalam sejarah seni rupa Inggris, karya Blake menonjol. Seniman itu meninggal dalam kemiskinan, pengakuan baru datang kepadanya pada abad ke-20.

Seniman lanskap Inggris membuka halaman baru dalam sejarah seni lukis. John Constable (1776-1837) melukis sketsa dengan minyak, menggambarkan tempat-tempat yang dikenalnya sejak kecil. Dalam keinginannya untuk menyampaikan kesegaran kesan alami, ia meninggalkan detail yang dilukis dengan cermat. Karya-karya Constable terkenal di Prancis, mempengaruhi perkembangan seni rupa Prancis; Theodore Gericault selamat dari hasratnya terhadap hal itu.

Pemandangan William Turner (1775-1851) ditinggikan secara romantis. Seniman itu suka menggambarkan badai di laut, hujan lebat, dan badai petir. Dia bekerja di cat air dan minyak.

Posisi dominan dalam seni lukis Inggris dipertahankan oleh sekolah akademis. Karya-karya anggota Royal Academy of Arts, yang dibuat dengan cara tradisional, sangat populer di kalangan masyarakat. Namun, di Inggris dibentuklah asosiasi seniman yang disebut Persaudaraan Pra-Raphaelite. Mereka tertarik dengan spiritualitas keagamaan para empu Proto-Renaissance (seniman yang bekerja sebelum Raphael). Dalam karyanya, kaum Pra-Raphael mengungkapkan orientasi romantis terhadap era lain (karenanya ketertarikan mereka pada Abad Pertengahan). Karya Pra-Raphael didukung oleh John Ruskin (1819-1900), seorang penulis dan kritikus seni yang menjadi penulis buku “Pelukis Modern”. Kaum Pra-Raphael beralih ke subjek Perjanjian Baru, banyak melukis dari kehidupan, dan mengubah teknik melukis tradisional: kanvas mereka dibedakan dengan warna-warna cerah dan segar.

Di antara para pelukis paruh kedua abad ke-19. Edouard Manet (1832-1883) menonjol karena bakatnya yang cemerlang. Tema sejarahnya familiar baginya, tetapi tidak memikat sang seniman; ia mulai menggambarkan banyak wajah kehidupan Paris. Kritik resmi tidak menerima sang seniman; lukisan inovatifnya dikutuk dan menimbulkan protes. Hal inilah yang terjadi pada lukisan Manet yang paling terkenal, Luncheon on the Grass dan Olympia. Publik menganggap gambaran tubuh perempuan telanjang sebagai suatu tantangan, dan yang paling penting, cara penulis dalam mencoba menyampaikan kekayaan sinar matahari. Paris menjadi motif konstan dalam karya Manet: keramaian kota, kafe dan teater, jalanan ibu kota. Karya Manet mendahului arah baru dalam seni lukis - impresionisme, tetapi sang seniman sendiri tidak mengikuti gerakan ini, meskipun ia agak mengubah gaya kreatifnya di bawah pengaruh kaum Impresionis. Di akhir hidup Manet, ia mendapat pengakuan luas dan dianugerahi Legiun Kehormatan.

Bengkel Edouard Manet yang sempat menjadi pusat kehidupan seni menyatukan seluruh kelompok seniman yang terkesan dengan penemuan lukisan pemiliknya. Juri Salon menolak lukisan mereka seperti lukisan Manet. Mereka berpameran secara pribadi di apa yang disebut “Salon Orang yang Ditolak” (yaitu, para pelukis yang ditolak pamerannya oleh juri Salon resmi). Pada pameran yang diselenggarakan di studio foto pada tahun 1874, khususnya lukisan “Impression. Matahari terbit". Berdasarkan nama tersebut, salah satu kritikus menyebut para pesertanya impresionis (impresi dalam bahasa Perancis). Maka dari julukan ironis itulah lahirlah nama gerakan seni sepertiga terakhir abad ke-19. Seniman seperti Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Haposte Renoir (1841-1919), Alfred Smeley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) secara tradisional diklasifikasikan sebagai impresionis.

Seperti kaum Barbizon, kaum Impresionis melukis alam, dan merekalah yang pertama kali menggambarkan kehidupan kota yang dinamis. Keluarga Barbizon melukis lukisan mereka di studio, sedangkan kaum Impresionis pergi ke alam terbuka, “di udara terbuka”. Mereka memperhatikan bahwa lanskap yang sama berubah dalam kondisi pencahayaan berbeda, baik dalam cuaca cerah maupun berawan, saat matahari terbit dan terbenam. Mereka berusaha menjaga kesegaran kesan langsung dalam film tersebut. Mereka melukis lukisannya dengan cepat, menolak warna campuran dan menggunakan warna-warna cerah murni, mengaplikasikannya dalam guratan terpisah.

Maka lahirlah arah artistik baru. Kemunculannya tidak hanya dipengaruhi oleh pencapaian seniman-seniman Eropa sebelumnya, tetapi juga oleh penemuan fotografi (tidak lagi diperlukan peniruan kehidupan yang primitif), dan pengenalan terhadap seni oriental (ukiran kayu Jepang, dengan serialitasnya, perspektif yang tidak biasa. , dan pewarnaan yang harmonis, menjadi sumber teknik artistik baru).

Impresionisme bukan sekadar gerakan lain dalam seni lukis; ia menemukan perkembangannya dalam seni pahat, musik, dan sastra. Impresionisme adalah sebuah revolusi dalam persepsi dunia: subjektivitas persepsi manusia ditemukan dan didemonstrasikan secara terbuka. Pada akhir abad ke-19. dan pada abad ke-20. Justru gerakan-gerakan seni yang mewakili beragam, seringkali pilihan-pilihan tak terduga bagi persepsi seniman terhadap dunia yang akan membentuk seni modern sejati. Kaum Impresionis menemukan relativitas persepsi manusia, subjektivitasnya. Beberapa saat kemudian, pada pergantian abad, “relativitas” yang sama akan ditemukan oleh fisika teoretis. Dengan cara yang unik, seni mengungkapkan kemampuannya dalam memprediksi dan mengekspresikan tren zaman dan perubahan kesadaran masyarakat.

Selama 12 tahun, kaum Impresionis menyelenggarakan delapan pameran. Lanskap pedesaan dan perkotaan, potret, pemandangan sehari-hari - dalam semua genre gambar mereka membuat penemuan artistik yang asli. Karya-karya kaum Impresionis membentuk gerakan artistik yang inovatif; para seniman saling menyerap pencapaian terbaik.

Penemuan kaum Impresionis menjadi dasar bagi seniman generasi berikutnya. Perwakilan neo-impresionisme menjadi Georges Seurat (1859-1891) dan Paul Signac (1863-1935). Neo-Impresionis mengubah gaya lukisan mereka menjadi lebih intelektual.

Pada akhir abad ke-19, empat seniman Perancis: Paul Cézanne (1839-1906), Vincent Van Gogh (1853-1890), Paul Gauguin (1848-1903) dan Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), tanpa secara formal bersatu menjadi sebuah kelompok, Namun, mereka membentuk arah baru - pasca-impresionisme(dari bahasa Latin "posting" - "setelah"). Pasca-Impresionis dekat dengan kaum Impresionis. Kecewa dengan masyarakat kontemporernya, para seniman beralih ke penggambaran alam, namun mereka tidak lagi berusaha menangkap keadaan sesaat, seperti yang dilakukan kaum impresionis, namun untuk memahami esensi sebenarnya dari hal-hal yang tersembunyi di balik penampilan mereka. Dalam benda mati dan potret, Cézanne mencari bentuk geometris yang stabil. Kanvas Van Gogh, dengan ekspresi dan skema warnanya yang tidak biasa, menyampaikan keadaan emosional sang seniman. Gauguin menggambarkan kehidupan penduduk asli Tahiti, yang diidealkan oleh imajinasinya, kehidupan yang belum tersentuh peradaban, menyampaikan sifat eksotis dalam kombinasi warna yang fantastis. Dalam poster dan litograf Toulouse-Lautrec, kita melihat kehidupan bohemia Paris. Karya Pasca-Impresionis menjadi titik awal pencarian seni abad ke-20. Fauvisme, kubisme, ekspresionisme berasal dari karya kaum impresionis.

Dalam seni lukis dan grafis, simbolisme dan modernisme muncul dalam karya sekelompok seniman Eropa.

Aubrey Beardsley (1872-1898) hidup hanya dua puluh lima tahun, namun karyanya mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap pembentukan gaya Art Nouveau. Ia dikenal terutama sebagai ilustrator buku. Grafiknya penuh gaya dan canggih, ditingkatkan dengan gerakan yang fleksibel dan mewah. Sumber inspirasi utama seniman adalah sastra. Karya Beardsley mewujudkan banyak ide dan prinsip modernisme. Secara umum, modernitas dicirikan oleh improvisasi pada tema-tema dari berbagai era dan gaya, kombinasi aneh antara sifat buruk dan spiritualitas.

Seniman Perancis Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) mampu mengubah subjek sederhana dan sederhana menjadi komposisi simbolis. Dia terinspirasi oleh gambar-gambar kuno, menggunakannya dalam panel. Karya-karyanya merupakan stilisasi zaman kuno, sebuah penafsiran zaman kuno oleh manusia pada akhir abad ke-19.

Pelukis Perancis Gustave Moreau (1826-1898) dikaitkan dengan simbolisme. Dia berusaha memukau penonton dengan sifat plot yang fantastis, keindahan warna yang cerah, skema warna yang ekspresif, dan emosi yang kuat.

Pelukis Jerman Franz Xaver Winterhalter terkenal karena potret wanita cantik abad ke-19. Ia dilahirkan pada tahun 1805 di Jerman, tetapi setelah menerima pendidikan profesionalnya ia pindah ke Paris, di mana ia diangkat sebagai seniman istana di istana kerajaan. Serangkaian potret keluarga kelas atas membuat artis ini sangat populer.

Dan dia menjadi sangat populer di kalangan wanita masyarakat, karena dia dengan terampil menggabungkan kemiripan potret dengan kemampuan untuk "menyajikan" objek karyanya. Namun, para kritikus memperlakukannya dengan sangat, sangat dingin, namun hal ini tidak menghalanginya untuk menjadi semakin populer di kalangan wanita kelas atas tidak hanya di Prancis, tetapi juga di seluruh dunia.

Alexandre Dumas mengatakan ini tentang dia

Para wanita menunggu berbulan-bulan dalam antrean untuk masuk ke studio Winterhalter... mereka mendaftar, mereka mendapatkan nomor serinya dan menunggu - satu untuk satu tahun, satu lagi untuk delapan belas bulan, yang ketiga untuk dua tahun. Yang paling bergelar punya kelebihan. Semua wanita bermimpi memiliki potret yang dilukis oleh Winterhalter di kamar kerja mereka...

Wanita asal Rusia pun tak luput dari nasib serupa.

Di antara karyanya yang paling terkenal adalah potret Permaisuri Eugenie (model favoritnya).

dan Permaisuri Elisabeth dari Bavaria (1865).
Di sinilah kita perlu berhenti dan berhenti sejenak...
Betapa segala sesuatunya terhubung di dunia ini! Keluarga Habsburg dan kehidupan Elizabeth, hubungannya dengan ibu mertuanya, nasib putranya Rudolf dan film "Mayerling", sejarah Austria-Hongaria dan peran Ava Gardner, dan saya, seorang provinsial kecil wanita yang mengumpulkan potret karya Franz dan menatap tajam ke monitor komputer...
Saya membaca di ensiklopedia tentang kehidupan Sissy, tentang anak-anaknya, teringat filmnya dan melihat potret dan fotonya...
Sesungguhnya lukisan adalah jendela menuju dunia duniawi dan dunia pengetahuan...

Franz Xaver Winterhalter lahir pada tanggal 20 April 1805 di desa kecil Mensenschwad di Black Forest, Baden. Dia adalah anak keenam dalam keluarga Fidel Winterhalter, seorang petani dan produsen resin, dan istrinya Eva Meyer, yang berasal dari keluarga lama Menzenschwand. Dari delapan saudara kandung Franz, hanya empat yang selamat.

Ayahnya, meskipun berasal dari petani, memiliki pengaruh yang signifikan terhadap kehidupan artis.

Sepanjang hidupnya, Winterhalter sangat dekat dengan keluarganya, terutama saudaranya Hermann (1808–1891), yang juga seorang seniman.

Setelah bersekolah di biara Benediktin di Blazin pada tahun 1818, Winterhalter yang berusia tiga belas tahun meninggalkan Menzenschwand untuk belajar menggambar dan mengukir.
Ia belajar litografi dan menggambar di Freiburg di studio Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Pada tahun 1823, ketika dia berusia delapan belas tahun, dengan dukungan industrialis Baron von Eichtal, dia berangkat ke Munich.
Pada tahun 1825, ia dianugerahi beasiswa dari Grand Duke of Baden dan memulai studi di Akademi Seni Munich di bawah arahan Peter Cornelius, tetapi seniman muda itu tidak menyukai metode pengajarannya, dan Winterhalter berhasil menemukan metode lain. guru yang bisa mengajarinya potret sekuler, dan ini adalah Joseph Stieler.
Pada saat yang sama, Winterhalter mencari nafkah sebagai ahli litograf.

Masuknya Winterhalter ke lingkungan istana terjadi pada tahun 1828 di Karlsruhe, ketika ia menjadi guru menggambar Countess Sophia dari Baden. Kesempatan yang baik untuk membuat namanya terkenal jauh dari Jerman selatan datang kepada sang seniman pada tahun 1832, ketika, dengan dukungan Grand Duke Leopold dari Baden, ia mendapat kesempatan untuk melakukan perjalanan ke Italia (1833-1834).

Di Roma, ia melukis gambar bergenre romantis dengan gaya Louis-Leopold Robert dan menjadi dekat dengan direktur Akademi Prancis, Horace Vernet.

Sekembalinya ke Karlsruhe, Winterhalter melukis potret Adipati Agung Leopold dari Baden dan istrinya dan menjadi pelukis istana adipati.

Namun, dia meninggalkan Baden dan pindah ke Prancis,

dimana pada pameran tahun 1836 perhatian tertuju pada lukisan bergenre “Il dolce Farniente”,

dan setahun kemudian, Il Decameron juga dipuji. Kedua karya tersebut merupakan lukisan akademis ala Raphael.
Di Salon tahun 1838 mereka menampilkan potret Pangeran Wagram bersama putri kecilnya.
Lukisan-lukisan itu sukses, dan karier Franz sebagai seniman potret terjamin.

Suatu tahun dia melukis Louise Marie d'Orléans, Ratu Belgia dan putranya.

Mungkin berkat lukisan ini, Winterhalter dikenal oleh Marie Amalia dari Napoli, Ratu Prancis, ibu dari ratu Belgia.

Jadi, di Paris, Winterhalter dengan cepat menjadi mode. Dia ditunjuk sebagai seniman istana Louis Philippe, Raja Prancis, yang mempercayakannya dengan pembuatan potret individu keluarga besarnya. Winterhalter harus menyelesaikan lebih dari tiga puluh pesanan untuknya.

Keberhasilan ini membuat sang seniman mendapatkan reputasi sebagai ahli dalam potret dinasti dan aristokrat: dengan ahli memadukan kemiripan potret yang akurat dengan sanjungan yang halus, ia menggambarkan kemegahan negara dengan cara yang hidup dan modern. Pesanan diikuti satu demi satu...

Namun, di kalangan artistik Winterhalter diperlakukan berbeda.
Para kritikus yang memuji debutnya di Salon 1936 menganggapnya sebagai artis yang tidak bisa dianggap serius. Sikap ini bertahan sepanjang karier Winterhalter dan membedakan karyanya dalam hierarki lukisan.

Winterhalter sendiri memandang komisi pemerintah pertamanya sebagai tahap sementara sebelum kembali melukis objek dan memulihkan otoritas akademis; dia ternyata menjadi korban kesuksesannya sendiri, dan demi ketenangan pikirannya dia harus bekerja hampir secara eksklusif dalam genre potret. Ini adalah bidang di mana dia tidak hanya mahir dan sukses, tapi juga berhasil menjadi kaya.
Tapi Winterhalter menerima ketenaran internasional dan perlindungan keluarga kerajaan.

Di antara banyak model kerajaannya adalah Ratu Victoria. Winterhalter pertama kali mengunjungi Inggris pada tahun 1842 dan kembali ke sana beberapa kali untuk melukis potret Victoria, Pangeran Albert dan keluarga mereka yang sedang berkembang, menciptakan total sekitar 120 karya untuk mereka. Sebagian besar lukisan berada di Koleksi Kerajaan dan terbuka untuk dipajang di Istana Buckingham dan museum lainnya.

Winterhalter juga melukis beberapa potret perwakilan aristokrasi Inggris, yang sebagian besar merupakan bagian dari kalangan istana.

Jatuhnya Louis Philippe pada tahun 1848 tidak berpengaruh pada reputasi artis tersebut. Winterhalter pindah ke Swiss dan mengerjakan pesanan di Belgia dan Inggris.
Paris tetap menjadi kampung halaman sang seniman: terputusnya pesanan potret di Prancis memungkinkannya kembali ke lukisan tematik dan beralih ke legenda Spanyol.

Dari sinilah muncul lukisan “Florinda” (1852, Metropolitan Museum of Art, New York), yang merupakan perayaan gembira atas kecantikan wanita.
Pada tahun yang sama dia melamar, tapi ditolak; Winterhalter tetap menjadi bujangan, mengabdi pada pekerjaannya.

Setelah naik takhta Napoleon III, popularitas artis meningkat secara signifikan. Sejak saat itu, Winterhalter menjadi pelukis potret utama keluarga kekaisaran dan istana Prancis.

Permaisuri Prancis cantik Eugenie menjadi model favoritnya dan memperlakukan artis dengan baik.

Pada tahun 1855, Winterhalter melukis mahakaryanya “Permaisuri Eugenie dikelilingi oleh dayang-dayangnya,” di mana ia menggambarkan dirinya dalam suasana pedesaan, memetik bunga bersama dayang-dayangnya. Lukisan itu diterima dengan baik, dipamerkan untuk dilihat publik, dan hingga hari ini mungkin tetap menjadi karya sang master yang paling terkenal.

Pada tahun 1852 ia melakukan perjalanan ke Spanyol untuk melukis Ratu Isabella II, bekerja untuk keluarga kerajaan Portugis. Perwakilan aristokrasi Rusia yang datang ke Paris juga senang menerima potret mereka dari sang master terkenal.
Sebagai seniman kerajaan, Winterhalter selalu diminati di istana Inggris (sejak 1841), Spanyol, Belgia, Rusia, Meksiko, Jerman, dan Prancis.

V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / Sejarah Dunia Zaman Modern XIX - awal. Abad XX, 1998.

Lukisan Van Gogh- “Pondok”, “Setelah Hujan”, “Jalan Para Tahanan”.