A nyugati modellek utánzataként keletkezett orosz opera a legértékesebb hozzájárulást adta az egész világkultúra kincstárához.

A francia, német és olasz opera klasszikus virágkorának korában megjelent orosz opera a 19. században nemcsak felzárkózott a klasszikus nemzeti operaiskolákhoz, hanem megelőzte is azokat. Érdekes, hogy az orosz zeneszerzők hagyományosan tisztán népi jellegű témákat választottak műveikhez.

Glinka "Élet a cárnak".

Az „Egy élet a cárnak” vagy az „Ivan Susanin” opera 1612-es eseményeket mesél el – a dzsentri lengyel hadjáratát Moszkva ellen. A librettó szerzője Jegor Rosen báró volt, azonban a szovjet időkben ideológiai okokból a librettó szerkesztését Szergej Gorodetszkijre bízták. Az opera premierje a szentpétervári Bolsoj Színházban volt 1836-ban. Hosszú ideig Susanin szerepét Fjodor Chaliapin játszotta. A forradalom után az „Élet a cárért” című film elhagyta a szovjet színpadot. A cselekményt megpróbálták az új idők követelményeihez igazítani: így fogadták be Susanint a Komszomolba, az utolsó sorok pedig így hangzottak: „Dicsőség, dicsőség, szovjet rendszer”. Gorodetszkijnek köszönhetően, amikor az operát 1939-ben a Bolsoj Színházban bemutatták, a „szovjet rendszert” az „orosz nép” váltotta fel. 1945 óta a Bolsoj Színház hagyományosan Glinka Ivan Susanin című művének különböző produkcióival nyitotta meg az évadot. Az opera legnagyobb külföldi produkciója talán a milánói La Scalában valósult meg.

Muszorszkij "Borisz Godunov".

Az operát, amelyben a cárt és a népet választották két szereplőnek, Muszorgszkij kezdte 1868 októberében. A librettó megírásához a zeneszerző Puskin azonos nevű tragédiájának szövegét és Karamzin „Az orosz állam története” című művéből származó anyagokat használta fel. Az opera témája Borisz Godunov uralkodása volt közvetlenül a „bajok ideje” előtt. Muszorgszkij 1869-ben fejezte be a Borisz Godunov című opera első kiadását, amelyet a Birodalmi Színházak Igazgatósága színházi bizottsága elé terjesztettek. A recenzensek azonban elutasították az operát, megtagadták a színpadra állítást az erős női szerep hiánya miatt. Muszorgszkij bevezette az operába Marina Mniszech és Hamis Dmitrij szerelmi viszonyának „lengyel” felvonását. Egy népfelkelés monumentális jelenetét is hozzáadta, ami látványosabbá tette a befejezést. Minden kiigazítás ellenére az operát ismét elutasították. Csak 2 évvel később, 1874-ben állították színpadra a Mariinsky Színház színpadán. Az operát 1908. május 19-én mutatták be külföldön a Párizsi Nagyopera Bolsoj Színházban.

Csajkovszkij "Pák királynője".

Az operát Csajkovszkij 1890 kora tavaszán fejezte be Firenzében, az első produkcióra pedig még ugyanazon év decemberében került sor a szentpétervári Mariinszkij Színházban. Az operát a zeneszerző a Császári Színház felkérésére írta, és Csajkovszkij most először nem volt hajlandó átvenni a rendelést, arra hivatkozva, hogy a cselekményben nem volt „megfelelő színpadi jelenlét” az oka. Érdekes, hogy Puskin történetében a főszereplő a Hermann vezetéknevet viseli (két „n”-nel a végén), és az operában a főszereplő egy Hermann nevű ember lesz - ez nem hiba, hanem szándékos szerzőváltás. Az operát 1892-ben mutatták be először Oroszországon kívül, Prágában. Következő - az első produkció New Yorkban 1910-ben és a premier Londonban 1915-ben.

"Igor herceg" Borodin

A librettó alapja az ókori orosz irodalom emlékműve volt „Igor hadjáratának meséje”. A cselekmény ötletét Vlagyimir Sztaszov kritikus javasolta Borogyinnak Sosztakovics egyik zenés estjén. Az opera 18 év alatt készült, de a zeneszerző soha nem fejezte be. Borodin halála után Glazunov és Rimszkij-Korszakov fejezte be a munkát. Van olyan vélemény, hogy Glazunov képes volt emlékezetből rekonstruálni az opera nyitányát, amelyet egykor a szerző előadásában hallott, azonban Glazunov maga cáfolta ezt a véleményt. Annak ellenére, hogy Glazunov és Rimszkij-Korszakov végezte a munka nagy részét, ragaszkodtak ahhoz, hogy az Igor herceg teljes egészében Alekszandr Porfiryevich Borodin operája legyen. Az operát 1890-ben mutatták be a szentpétervári Mariinszkij Színházban, majd 9 évvel később Prágában láthatta a külföldi közönség.

"Az aranykakas" Rimszkij-Korszakov

Az „Aranykakas” című operát 1908-ban írták az azonos nevű Puskin-mese alapján. Ez az opera volt Rimszkij-Korszakov utolsó műve. A császári színházak megtagadták az opera színrevitelét. Ám amint a néző 1909-ben először látta Szergej Zimin moszkvai operaházában, egy hónappal később a Bolsoj Színházban is bemutatták az operát, majd megkezdte diadalmenetét szerte a világon: Londonban, Párizsban, New Yorkban, Berlin, Wroclaw.

Sosztakovics "Lady Macbeth of Mtsensk".

Az opera ötlete Alekszandr Dargomizsszkijtől származik 1863-ban. A zeneszerző azonban kételkedett sikerében, és kreatív „intelligenciának”, „szórakozásnak Puskin Don Juanjával” tekintette a művet. Zenét írt Puskin „A kővendég” című szövegéhez, anélkül, hogy egyetlen szót is megváltoztatott volna. A szívproblémák azonban nem tették lehetővé a zeneszerzőnek, hogy befejezze a művet. Meghalt, megkérte barátait, Cuit és Rimszkij-Korszakovot, hogy végrendeletében fejezzék be a munkát. Az operát először 1872-ben mutatták be a közönségnek a szentpétervári Mariinszkij Színház színpadán. A külföldi premierre csak 1928-ban, Salzburgban került sor. Ez az opera az egyik „alapkövévé” vált, ismerete nélkül nem csak az orosz klasszikus zenét, hanem hazánk általános kultúráját sem lehet megérteni.

A klasszikusok nemcsak szimfóniák, operák, koncertek és kamarazene. A legismertebb klasszikus művek közül néhány balett formában jelent meg. A balett a reneszánsz idején Olaszországból indult ki, és fokozatosan fejlődött egy technikás táncformává, amely sok képzést igényelt a táncosoktól. Az első létrejött baletttársulat a Párizsi Opera Balett volt, amely azután alakult, hogy XIV. Lajos király Jean-Baptiste Lully-t kinevezte a Királyi Zeneakadémia igazgatójává. Lully balettkompozícióit sok zenetudós fordulópontnak tekinti e műfaj fejlődésében. Azóta a balett népszerűsége fokozatosan alábbhagyott, egyik országból a másikba „vándorol”, lehetőséget biztosítva a különböző nemzetiségű zeneszerzőknek leghíresebb műveik megkomponálására. Íme, a világ hét legnépszerűbb és legkedveltebb balettje.

Csajkovszkij 1891-ben komponálta ezt az időtlen klasszikus balettet, amely a modern kor leggyakrabban előadott balettje. Amerikában a Diótörő csak 1944-ben lépett először színpadra (a San Francisco Ballet előadásában). Azóta hagyománnyá vált a „Diótörő” színrevitele az újévi és karácsonyi szezonban. Ennek a nagyszerű balettnek nemcsak a legismertebb zenéje van, de története is örömet okoz gyerekeknek és felnőtteknek egyaránt.

A Hattyúk tava technikailag és érzelmileg a legösszetettebb klasszikus balett. Zenéje messze megelőzte korát, és sok korai előadója azzal érvelt, hogy a Hattyúk tavát túl nehéz táncolni. Valójában nagyon keveset tudunk az eredeti első produkcióról, és amit ma már mindenki megszokhat, az a híres koreográfusok, Petipa és Ivanov feldolgozása. A Hattyúk tava mindig is a klasszikus balett etalonjának számít, és évszázadokig adják majd elő.

Álom egy nyári éjszakában

Shakespeare Szentivánéji álom című vígjátékát számos művészeti stílusba adaptálták. Az első teljes estés balettet e mű alapján 1962-ben George Balanchine állította színpadra Mendelssohn zenéjére. Ma a Szentivánéji álom egy nagyon népszerű balett, amelyet sokan szeretnek.

A Coppelia balettet Léo Delibes francia zeneszerző írta, a koreográfiáját Arthur Saint-Leon készítette. A Coppelia egy könnyed történet, amely az ember konfliktusát mutatja be idealizmus és realizmus, művészet és élet között vibráló zenével és élénk tánccal. 1871-ben a párizsi operában megrendezett világpremierje rendkívül sikeres volt, a balett pedig máig is sikeres, hiszen számos színház repertoárján szerepel.

Pán Péter

Pán Péter egy csodálatos balett, amely az egész család számára alkalmas. A táncok, díszletek és jelmezek olyan színesek, mint maga a történet. Pán Péter viszonylag új a balett világában, és mivel nincs klasszikus, egyetlen változata, a balettet koreográfusonként, koreográfusonként és zenei igazgatónként eltérően értelmezheti. Bár az egyes produkciók eltérhetnek egymástól, a történet szinte ugyanaz marad, ezért ezt a balettet a klasszikusok közé sorolták.

alvó szépség

A Csipkerózsika Csajkovszkij első híres balettje volt. Ebben a zene nem kevésbé fontos, mint a tánc. A Csipkerózsika története tökéletes kombinációja a balett-királyi ünnepségeknek egy csodálatos kastélyban, a jó és a rossz harcának és az örök szerelem diadalmas győzelmének. A koreográfiát a világhírű Marius Pepita készítette, aki a Diótörőt és a Hattyúk tavát is rendezte. Ezt a klasszikus balettet az idők végezetéig adják elő.

Hamupipőke

A Hamupipőkének számos változata létezik, de a leggyakoribb Szergej Prokofjev verziója. Prokofjev 1940-ben kezdte el a Hamupipőkével foglalkozni, de a partitúrát csak 1945-ben fejezte be a második világháború miatt. 1948-ban Frederick Ashton koreográfus Prokofjev zenéjét felhasználva egy teljes produkciót mutatott be, amely óriási sikert aratott.

Publikációk a Színházak rovatban

Híres orosz balettek. Legjobb 5

A klasszikus balett egy csodálatos művészeti forma, amely az érett reneszánsz idején Olaszországban született, és Franciaországba „költözött”, ahol fejlődésének, többek között a Táncakadémia megalapításának és számos tétel kodifikációjának érdeme XIV. Lajos királyé volt. . Franciaország exportálta a színházi táncművészetet minden európai országba, beleértve Oroszországot is. A 19. század közepén az európai balett fővárosa már nem Párizs volt, amely a romantika remekeit, La Sylphide-ot és Giselle-t adta a világnak, hanem Szentpétervár. Az északi fővárosban dolgozott közel 60 éven át a nagyszerű koreográfus, Marius Petipa, a klasszikus táncrendszer megalkotója, a színpadról máig sem távozó remekművek szerzője. Az októberi forradalom után „le akarták dobni a balettet a modernitás hajójáról”, de sikerült megvédeniük. A szovjet időket jelentős számú remekmű létrehozása jellemezte. Öt orosz csúcsbalettet mutatunk be - időrendi sorrendben.

"Don Quijote"

Jelenet a Don Quijote című balettből. Marius Petipa egyik első produkciója

L.F. balettjének bemutatója Minkus "Don Quijote" a Bolsoj Színházban. 1869 Albert Kavos építész albumából

Jelenetek a Don Quijote című balettből. Kitri - Lyubov Roslavleva (középen). Rendező: A.A. Gorszkij. Moszkva, Bolsoj Színház. 1900

Zene: L. Minkus, librettó: M. Petipa. Első produkció: Moszkva, Bolsoj Színház, 1869, M. Petipa koreográfiája. Későbbi produkciók: Szentpétervár, Mariinszkij Színház, 1871, M. Petipa koreográfiája; Moszkva, Bolsoj Színház, 1900, Szentpétervár, Mariinszkij Színház, 1902, Moszkva, Bolsoj Színház, 1906, mind - Gorszkij A. koreográfiája.

A Don Quijote balett élettel és örömmel teli színházi előadás, a tánc örök ünnepe, amely soha nem fárasztja el a felnőtteket, és ahová a szülők szívesen viszik gyermekeiket. Noha Cervantes híres regényének hőséről kapta a nevét, az egyik epizódján, a „Quiteria és Basilio esküvőjén” alapul, és fiatal hősök kalandjait meséli el, akiknek szerelme végül győz, annak ellenére, hogy ellenkezik. a hősnő makacs apja, aki feleségül akarta venni a gazdag Gamache-hoz.

Don Quijotének tehát szinte semmi köze hozzá. Az egész előadás alatt egy magas, vékony művész, Sancho Panzát alakító alacsony, pocakos kolléga kíséretében járja a színpadot, néha megnehezítve a Petipa és Gorszkij által komponált gyönyörű táncok nézését. A balett lényegében egy jelmezes koncert, a klasszikus és karaktertánc ünnepe, ahol bármely baletttársulat minden táncosának van munkája.

A balett első produkciója Moszkvában zajlott, ahová Petipa időről időre ellátogatott, hogy emelje a helyi társulat színvonalát, amely nem hasonlítható össze a Mariinsky Színház briliáns társulatával. Moszkvában azonban nagyobb volt a lélegzetvétel, így a koreográfus lényegében balett-emléket állított színpadra fiatalságának napsütötte országban eltöltött csodálatos éveiről.

A balett sikeres volt, két évvel később Petipa Szentpétervárra költöztette, ami átalakításokat tett szükségessé. Ott sokkal kevésbé érdekelték őket a karakteres táncok, mint a tiszta klasszikusok. Petipa öt felvonásosra bővítette a „Don Quijote”-t, megkomponálta a „fehér felvonást”, az úgynevezett „Don Quijote álmát”, amely igazi paradicsom a bődületes balerinák és a csinos lábak tulajdonosainak. Az „Álomban” az amorok száma elérte az ötvenkettőt...

A „Don Quijote” Alekszandr Gorszkij moszkvai koreográfus feldolgozásában érkezett hozzánk, aki rajongott Konsztantyin Sztanyiszlavszkij ötleteiért, és a régi balettet logikusabbá és drámaian meggyőzőbbé akarta tenni. Gorsky megsemmisítette Petipa szimmetrikus kompozícióit, eltörölte a tutust az "Álom" jelenetben, és ragaszkodott a sötét smink használatához a spanyol nőket ábrázoló táncosok számára. Petipa „disznónak” nevezte, de már a Gorszkij első adaptációjában a balettet 225 alkalommal adták elő a Bolsoj Színház színpadán.

"Hattyúk tava"

Díszlet az első előadáshoz. Nagy színház. Moszkva. 1877

Jelenet P.I. „Hattyúk tava” című balettjéből. Csajkovszkij (koreográfusok Marius Petipa és Lev Ivanov). 1895

Zene: P. Csajkovszkij, librettó: V. Begicsev és V. Geltser. Első produkció: Moszkva, Bolsoj Színház, 1877, V. Reisinger koreográfiája. Későbbi produkció: Szentpétervár, Mariinszkij Színház, 1895, M. Petipa, L. Ivanov koreográfiája.

A szeretett balett, amelynek klasszikus változatát 1895-ben állították színpadra, valójában tizennyolc évvel korábban született a moszkvai Bolsoj Színházban. Csajkovszkij kotta, akinek világhíre még váratott magára, a „szavak nélküli dalok” egyfajta gyűjteménye volt, és akkoriban túl bonyolultnak tűnt. A balettet körülbelül 40 alkalommal adták elő, és a feledés homályába merült.

Csajkovszkij halála után a Hattyúk tavaját a Mariinszkij Színházban mutatták be, és a balett minden későbbi produkciója ezen a klasszikussá vált változaton alapult. A cselekmény nagyobb áttekinthetőséget és logikát kapott: a balett a gyönyörű Odette hercegnő sorsáról mesélt, akit a gonosz zseni Rothbart akarata hattyúvá változtatott, arról, hogyan csalta meg Rothbart a belé szerelmes Siegfried herceget, lánya, Odile bájaihoz folyamodva és a hősök haláláról. Csajkovszkij partitúráját Riccardo Drigo karmester hozzávetőleg harmadára vágta, és újra hangszerelte. Petipa készítette az első és harmadik felvonás koreográfiáját, Lev Ivanov a második és negyedik felvonáshoz. Ez a felosztás ideálisan megfelelt mindkét zseniális koreográfus hívásának, akik közül a másodiknak az első árnyékában kellett élnie és meghalnia. Petipa a klasszikus balett atyja, a kifogástalanul harmonikus kompozíciók alkotója és a tündérnő, a játékasszony énekese. Ivanov innovatív koreográfus, aki szokatlanul érzékeny a zene iránt. Odette-Odile szerepét Pierina Legnani, „a milánói balerinák királynője” alakította, ő az első Raymonda és a 32. fouette feltalálója, a hegyes cipő legnehezebb pörgési módja.

Lehet, hogy nem tudsz semmit a balettről, de mindenki ismeri a Hattyúk tavát. A Szovjetunió fennállásának utolsó éveiben, amikor az idős vezetők gyakran váltották egymást, a balett főszereplőinek „fehér” duettjének lelkes dallama és a szárnyas kezek csobbanása a tévé képernyőjéről szomorúságot hirdetett. esemény. A japánok annyira szeretik a „Hattyúk tava”-t, hogy készen állnak arra, hogy reggel és este megnézzék bármelyik társulat előadásában. Egyetlen turné társulat, amelyből sok van Oroszországban és különösen Moszkvában, nem nélkülözheti a „Hattyút”.

"Diótörő"

Jelenet a "Diótörő" című balettből. Első produkció. Marianna - Lydia Rubtsova, Klára - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vaszilij Stukolkin. Mariinskii Operaház. 1892

Jelenet a "Diótörő" című balettből. Első produkció. Mariinskii Operaház. 1892

Zene: P. Csajkovszkij, librettó: M. Petipa. Első produkció: Szentpétervár, Mariinszkij Színház, 1892, L. Ivanov koreográfiája.

Még mindig téves információ kering a könyvekben és weboldalakon arról, hogy a Diótörőt a klasszikus balett atyja, Marius Petipa állította színpadra. Valójában Petipa csak a forgatókönyvet írta, a balett első produkcióját pedig beosztottja, Lev Ivanov készítette. Ivanov lehetetlen feladat előtt állt: az akkor divatos extravagáns balett stílusában, egy olasz vendégszereplő nélkülözhetetlen közreműködésével megalkotott forgatókönyv nyilvánvalóan ellentmond Csajkovszkij zenéjének, amely bár szigorúan Petipa stílusának megfelelően íródott. utasításokat, nagyszerű érzés és drámai gazdagság, valamint összetett szimfonikus fejlődés jellemezte. Ráadásul a balett hősnője egy tinédzser lány volt, a sztárbalerina pedig csak az utolsó pas de deux-ra (duett partnerrel, adagióból - lassú részből, variációkból - szólótáncokból és egy codából állt) virtuóz finálé)). A Diótörő első produkciója, ahol az első felvonás túlnyomórészt pantomim volt, élesen eltért a második felvonástól, a divertissement felvonástól, nem aratott nagy sikert, a kritikusok csak a Hópelyhek keringőjét vették észre (64 táncos vett részt benne). valamint a Cukorszilva-tündér és a szamárköhögés hercegének Pas de deux-ja, amelyhez az ihlet forrása Ivanov Adagio rózsával A Csipkerózsika című műve volt, ahol Aurora négy úriemberrel táncol.

Ám a huszadik században, amely be tudott hatolni Csajkovszkij zenéjének mélyére, a „Diótörőt” valóban fantasztikus jövő elé állította. Számtalan balettprodukció van a Szovjetunióban, az európai országokban és az USA-ban. Oroszországban különösen népszerűek Vaszilij Vainonen produkciói a Leningrádi Állami Akadémiai Opera- és Balettszínházban (ma a szentpétervári Mariinszkij Színház) és Jurij Grigorovics a Moszkvai Bolsoj Színházban.

"Rómeó és Júlia"

Balett "Rómeó és Júlia". Júlia - Galina Ulanova, Rómeó - Konstantin Szergejev. 1939

Mrs. Patrick Campbell Júlia szerepében Shakespeare Rómeó és Júliájában. 1895

A „Rómeó és Júlia” balett fináléja. 1940

Zene: S. Prokofjev, librettó: S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Első produkció: Brno, Opera- és Balettszínház, 1938, V. Psota koreográfiája. Későbbi produkció: Leningrád, Állami Akadémiai Opera- és Balettszínház névadója. S. Kirov, 1940, L. Lavrovsky koreográfiája.

Ha egy Shakespeare-féle kifejezés egy híres orosz fordításban szól "Nincs szomorúbb történet a világon, mint Rómeó és Júlia története", majd a nagyszerű Szergej Prokofjev balettjéről ezt mondták: „Nincs szomorúbb történet a világon, mint Prokofjev zenéje a balettben”. A szépségében, színgazdagságában és kifejezőképességében valóban elképesztő, a „Rómeó és Júlia” partitúrája megjelenése idején túl bonyolultnak és balettre alkalmatlannak tűnt. A balett-táncosok egyszerűen nem voltak hajlandók rá táncolni.

Prokofjev 1934-ben írta a partitúrát, és eredetileg nem a színháznak szánták, hanem a híres Leningrádi Akadémiai Koreográfiai Iskola 200. évfordulója alkalmából. A projektet Szergej Kirov 1934-es leningrádi meggyilkolása miatt nem hajtották végre, változások történtek a második főváros vezető zenés színházában. A „Rómeó és Júlia” moszkvai Bolsojban való színrevitelének terve sem vált valóra. 1938-ban a premiert a brünni színház mutatta be, és csak két évvel később Prokofjev balettjét végre színre vitték a szerző szülőföldjén, az akkori Kirov Színházban.

Leonyid Lavrovszkij koreográfus a „drámabalett” műfaj (az 1930-50-es évek balettjére jellemző koreográfiai drámai forma) keretein belül, amelyet a szovjet hatóságok nagy örömmel fogadtak, lenyűgöző, izgalmas látványt teremtett gondosan megfaragott tömegjelenetekkel. és finoman felvázolta a karakterek pszichológiai jellemzőit. Rendelkezésére állt Galina Ulanova, a legkifinomultabb balerina-színésznő, aki felülmúlhatatlan maradt Júlia szerepében.

Prokofjev partitúráját gyorsan értékelték a nyugati koreográfusok. A balett első változatai már a 20. század 40-es éveiben megjelentek. Alkotóik Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) és Margarita Froman (Zágráb, 1949). A „Rómeó és Júlia” híres produkciói Frederick Ashton (Koppenhága, 1955), John Cranko (Milánó, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973) alkotásaihoz tartoznak.I. Moiseeva, 1958, koreográfiája: Yu. Grigorovich, 1968.

Spartak nélkül elképzelhetetlen a „szovjet balett” koncepciója. Ez egy igazi sláger, a kor szimbóluma. A szovjet időszak más témákat és képeket alakított ki, mélyen eltérve a Marius Petipától örökölt hagyományos klasszikus baletttől, valamint a Moszkvai és Szentpétervári Császári Színházaktól. A boldog végű tündérmeséket archiválták, és hőstörténetek váltották fel.

Az egyik vezető szovjet zeneszerző, Aram Hacsaturjan már 1941-ben beszélt arról, hogy zenét szeretne írni egy monumentális, hősi előadáshoz, amelyet a Bolsoj Színház színpadán állítanak színpadra. A témája az ókori római történelem egy epizódja volt, egy Spartacus által vezetett rabszolgafelkelés. Hacsaturján örmény, grúz, orosz motívumokkal, gyönyörű dallamokkal és tüzes ritmusokkal teli, színes partitúrát készített. A produkciót Igor Moiseev készítette volna.

Hosszú évekbe telt, mire munkája eljutott a közönséghez, és nem a Bolsoj Színházban jelent meg, hanem a Színházban. Kirov. Leonid Yakobson koreográfus lenyűgöző, innovatív előadást hozott létre, felhagyva a klasszikus balett hagyományos attribútumaival, beleértve a hegyes cipőben való táncolást, szabad plaszticitást és a szandált viselő balerinákat.

De a „Spartacus” balett slágerré és a kor szimbólumává vált Jurij Grigorovics koreográfus kezében 1968-ban. Grigorovics remekül felépített dramaturgiájával, a főszereplők karaktereinek finom alakításával, a tömegjelenetek ügyes színrevitelével, a lírai adagiók tisztaságával és szépségével nyűgözte le a nézőt. Művét „előadásnak négy szólistának, egy corps de balettel” nevezte (a corps de balet tömegtánc-epizódokban részt vevő művészek). Spartacus szerepét Vladimir Vasziljev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Jekaterina Maksimova és Aegina - Nina Timofeeva játszotta. A balett túlnyomórészt férfi volt, ami a „Spartacus” című balettet egyedülállóvá teszi.

Jacobson és Grigorovics híres Spartacus-felolvasásain kívül a balettnek még mintegy 20 produkciója van. Köztük Jiří Blazek verziója a Prágai Balettre, Szeregi László a Budapest Balettre (1968), Jüri Vamos az Arena di Veronára (1999), Renato Zanella a Bécsi Állami Operaház balettjére (2002), Natalia Kasatkina és Vladimir Vasziljev az Állami Akadémiai Színházhoz, az általuk rendezett klasszikus balettet Moszkvában (2002).

A balett előadóművészeti forma; ez egy zenei és koreográfiai képekben megtestesülő érzelem.

A balett, a koreográfia legmagasabb szintje, amelyben a táncművészet a zenés színpadi előadás szintjére emelkedik, mint udvari arisztokrata művészet a táncnál jóval később, a 15-16.

A „balett” kifejezés a reneszánsz Itáliában a 16. században jelent meg, és nem előadást, hanem táncos epizódot jelentett. A balett olyan művészet, amelyben a tánc, a balett fő kifejezőeszköze szorosan kapcsolódik a zenéhez, drámai alapon - librettóval, szcenográfiával, jelmeztervezői, fénytervezői stb.

A balett változatos: cselekmény - klasszikus narratív többfelvonásos balett, drámai balett; cselekmény nélküli - szimfonikus balett, hangulatbalett, miniatűr.

A világszínpadokon számos balettelőadást láthattak, amelyek irodalmi remekműveken alapultak, briliáns zeneszerzők zenéjére. Ezért a Listverse brit online forrás úgy döntött, hogy összeállítja a történelem legjobb balettelőadásainak rangsorát.

"Hattyúk tava"
Zeneszerző: Pjotr ​​Csajkovszkij

A Hattyúk tava első, moszkvai produkciója nem volt sikeres – dicsőséges története csaknem húsz évvel később Szentpéterváron kezdődött. De a Bolsoj Színház hozzájárult ahhoz, hogy a világot megajándékozza ezzel a remekművel. Pjotr ​​Iljics Csajkovszkij a Bolsoj Színház felkérésére írta első balettjét.
A „Hattyúk tava”-nak a híres Marius Petipa és asszisztense, Lev Ivanov adott boldog színpadi életet, akik elsősorban a szokásos „hattyús” jelenetek színrevitelének köszönhetően vonultak be a történelembe.

A Petipa-Ivanov változat klasszikussá vált. A Hattyúk tava legtöbb későbbi produkciójának alapja, kivéve a rendkívül modernista alkotásokat.

A hattyútó prototípusa a Davydov-féle Hattyúgazdaság tó volt (ma Cserkaszi régió, Ukrajna), amelyet Csajkovszkij nem sokkal a balett megírása előtt látogatott meg. Az ottani pihenés során a szerző több mint egy napot töltött a partján, hófehér madarakat figyelve.
A cselekmény számos folklórmotívumra épül, köztük egy ősi német legendára, amely a gyönyörű Odette hercegnő történetét meséli el, akit egy gonosz varázsló, Rothbart lovag átka hattyúvá változtatott.

"Rómeó és Júlia"

Prokofjev Rómeó és Júliája a huszadik század egyik legnépszerűbb balettje. A balett ősbemutatója 1938-ban volt Brünnben (Csehszlovákia). A balett kiadása azonban, amelyet 1940-ben a leningrádi Kirov Színházban mutattak be, széles körben ismertté vált.

A „Rómeó és Júlia” 3 felvonásos, 13 jelenetből álló balett, prológussal és epilógussal, William Shakespeare azonos című tragédiáján alapul. Ez a balett a világművészet remekműve, amelyet zene és lenyűgöző koreográfia testesít meg. Maga a produkció annyira lenyűgöző, hogy életében legalább egyszer érdemes megnézni.

"Giselle"
Zeneszerző: Adolf Adam

A „Giselle” egy „fantasztikus balett” két felvonásban Adolphe Adam francia zeneszerzőtől Henri de Saint-Georges, Théophile Gautier és Jean Coralli librettójára, Heinrich Heine által újramesélt legenda alapján. „Németországról” című könyvében Heine a Wilis-ről ír – a boldogtalan szerelemben meghalt lányokról, akik mágikus lényekké válva halálra táncolják az éjszakai találkozásukat végző fiatalokat, bosszút állva rajtuk tönkretett életükért.

A balett ősbemutatója 1841. június 28-án volt a Nagyoperában, J. Coralli és J. Perrault koreográfiájában. A produkció óriási sikert aratott, és jó kritikákat kapott a sajtóban. Jules Janin író ezt írta: „Olyan sok minden megtalálható ebben a műben. És szépirodalom, és költészet és zene, és új lépések kompozíciója, és gyönyörű táncosok, és harmónia, tele élettel, kecsességgel, energiával. Ezt hívják balettnek."

"Diótörő"
Zeneszerző: Pjotr ​​Csajkovszkij

P. I. Csajkovszkij „A diótörő” című balettjének színpadi produkcióinak története, amelynek irodalmi alapja Ernst Theodor Amadeus Hoffmann „A diótörő és az egérkirály” című meséje volt, számos szerzői kiadást ismer. A balett bemutatója a Mariinsky Színházban 1892. december 6-án volt.
A balett bemutatója nagy sikert aratott. A „Diótörő” című balett P. I. Csajkovszkij klasszikussá vált balettsorozatát folytatja és fejezi be, amelyben a „Hattyúk tava”-ban elkezdődött és a „Csipkerózsika”-ban folytatódó jó és rossz harcának témája csendül fel. .

A diótörő babává változott nemes és jóképű elvarázsolt hercegről szóló karácsonyi mesét egy kedves és önzetlen lányról és ellenfelükről, a gonosz Egérkirályról mindig is szerették a felnőttek és a gyerekek. A meseszerű cselekmény ellenére ez egy igazi balettmesteri alkotás, a misztikum és a filozófia elemeivel.

"La Bayadère"
Zeneszerző: Ludwig Minkus

A „La Bayadère” balett négy felvonásban és hét jelenetben Marius Petipa koreográfus apoteózisával Ludwig Fedorovich Minkus zenéjére.
A „La Bayadere” balett irodalmi forrása az indiai klasszikus Kalidasa „Shakuntala” drámája és V. Goethe „Isten és a Bayadère” balladája. A cselekmény egy romantikus keleti legendán alapul, amely egy bayadère és egy bátor harcos boldogtalan szerelméről szól. A „La Bayadère” a 19. század egyik stílusirányzatának, az eklektikának a példaértékű alkotása. A „La Bayadère”-ben egyszerre van miszticizmus és szimbolizmus: az az érzés, hogy az első jelenettől fogva „mennyből büntető kardot” emelnek a hősök fölé.

"Szent tavasz"
Zeneszerző: Igor Stravinsky

A tavasz rítusa Igor Sztravinszkij orosz zeneszerző balettje, amelyet 1913. május 29-én mutattak be a párizsi Théâtre des Champs-Élysées-ben.

A „Tavasz rítusa” koncepciója Stravinsky álmán alapult, amelyben egy ősi rituálét látott: egy fiatal lány, akit vének vesznek körül, kimerültségig táncol, hogy felébressze a tavaszt, majd meghal. Stravinsky egy időben dolgozott a zenén, mint Roerich, aki vázlatokat írt a díszletekhez és a jelmezekhez.

A balettben nincs cselekmény, mint olyan. A zeneszerző a „Tavasz rítusa” tartalmát így fogalmazza meg: „A természet fényes feltámadása, amely új életre születik, teljes feltámadás, a világ felfogásának spontán feltámadása.”

"Alvó szépség"
Zeneszerző: Pjotr ​​Csajkovszkij

P. I. Csajkovszkij – Marius Petipa „A Csipkerózsika” című balettjét „a klasszikus tánc enciklopédiájának” nevezik. A gondosan felépített balett változatos koreográfiai színeinek pompájával ámulatba ejt. De mint mindig, minden Petipa-előadás középpontjában a balerina áll. Az első felvonásban Aurora egy fiatal lány, aki fényesen és naivan érzékeli a körülötte lévő világot, a másodikban egy csábító szellem, akit a Lilac Tündér idézett meg hosszan tartó álomból, a fináléban pedig egy boldog. hercegnő, aki eljegyezte őt.

Petipa ötletes zsenije változatos táncok bizarr mintájával kápráztatja el a közönséget, melynek csúcsa a szerelmesek, Aurora hercegnő és Désiré herceg ünnepélyes pas de deux-ja. P.I. Csajkovszkij zenéjének köszönhetően a gyermekmese a jó (tündérlila) és a rossz (tündér Carabosse) harcáról szóló verse lett. A „Csipkerózsika” egy igazi zenei és koreográfiai szimfónia, amelyben a zene és a tánc egybeolvad.

"Don Quijote"
Zeneszerző: Ludwig Minkus

A „Don Quijote” a balettszínház egyik legéletigenlőbb, legélénkebb és legünnepibb alkotása. Érdekesség, hogy a neve ellenére ez a briliáns balett korántsem Miguel de Cervantes híres regényének dramatizálása, hanem Marius Petipa önálló koreográfiai alkotása a Don Quijote alapján.

Cervantes regényében a szomorú Don Quijote lovag képe, aki készen áll minden hőstettre és nemes tettre, a cselekmény alapja. Petipa Ludwig Minkus zenéjére készült balettjében, amelyet 1869-ben mutattak be a Moszkvai Bolsoj Színházban, Don Quijote mellékszereplő, a cselekmény középpontjában Kitri és Basil szerelmi története áll.

"Hamupipőke"
Zeneszerző: Szergej Prokofjev

A "Hamupipőke" Szergej Prokofjev balettje három felvonásban, Charles Perrault azonos című meséje alapján.
A balett zenéjét 1940 és 1944 között írták. A „Hamupipőke” Prokofjev zenéjére először 1945. november 21-én került színpadra a Bolsoj Színházban. Rendezője Rostislav Zakharov volt.
Prokofjev így írta a Hamupipőke című balettről: „A klasszikus balett legjobb hagyományai szerint alkottam a Hamupipőkét”, ami együttérzésére készteti a nézőt, és nem marad közömbös a Herceg és Hamupipőke örömei és bajai iránt.

Segíts kérlek. 10 orosz zeneszerzőre és balettjeikre van szükségünk.

1. Csajkovszkij Hattyúk tava
2. 1. Aszafjev Borisz Vlagyimirovics – „Bakhchisarai-kút”
   
   
   
   
   
   
3. Igen, minden sokkal egyszerűbb :))
   1- Csajkovszkij - A diótörő
   2-Sztravinszkij – Tűzmadár
   3-Prokofjev – Hamupipőke
   4-skryabin-skryabinian
   5-Rachmaninov-Paganini
   6-glazunov-raymond
   7-Sosztakovics-Fényes patak
   8-Roman-Korszakov-Saherazade
   9-gavrilin-anyuta
   10-cherepnin - armida pavilon
   Megadom a minimumot, ott sötét van :)))
4. Zeneszerzők nélkül fogok írni!

   15 BALETCÍM

   1) "Hattyúk tava"

   2) "Csipkerózsika"

   3) "diótörő"

   4) "Raymonda"

   5) "Don Quitokh"

   6) "Corsair"

   7) "Közép duett"

   8) "Hamupipőke"

   9) "Aranykor"

   10) "Kártyázás"

   11) "Rómeó és Júlia"

   12) "Spartak"

   13) "Giselle"

5. köszönöm mindenkinek a segítséget, aki ismeri ezeket a zeneszerzőket
6. 1- Csajkovszkij - A diótörő
   2-Sztravinszkij – Tűzmadár
   3-Prokofjev – Hamupipőke
   4-skryabin-skryabinian
   5-Rachmaninov-Paganini
7. Csajkovszkij, Prokofjev, Sztravinszkij és még sokan mások
8. . Aszafjev Borisz Vlagyimirovics - „Bakhchisarai-kút”
   2. Arensky Anton (Antony) Stepanovics – „Egyiptomi éjszakák”
   3. Glazunov Alekszandr Konstantinovics - Raymonda
   4. Glier Reingold Moricevich – „A bronzlovas”
   5. Prokofjev Szergej Szergejevics - Hamupipőke, Rómeó és Júlia
   6. Rahmanyinov Szergej Vasziljevics - „Paganini” balettelőadás
   7. Rimszkij-Korszakov Nyikolaj Andrejevics - a „Scheherezade” és „The Golden Cockerel” című baletteket az ő zenéjére állították színpadra
   8. Szkrjabin Alekszandr Nyikolajevics - a „Prometheus” és az Extázis verse című balettjeit az ő zenéjére állították színpadra
   9. Stravinsky Igor Fdorovich – „Tűzmadár”
   10. Shchedrin Rodion Konstantinovich - „A kis púpos ló”, „Carmen szvit”
   Csajkovszkijról írtak, de Glinka és Muszorgszkij balett-táncokhoz írt zenét operáikba.
   Eshpai Andrey Yakovlevich - "Angara"
9. Alekszandr Nyikolajevics Szkrjabin Alekszandr Nikolajevics Szkrjabin orosz zeneszerző és zongoraművész, az orosz és a világ zenei kultúra egyik legfényesebb személyisége. Szkrjabin eredeti és mélyen költői kreativitása még a 20. század fordulóján a közélet változásaihoz kapcsolódó számos új művészeti irányzat születésének hátterében is innovatívnak tűnt.
   Moszkvában született, édesanyja korán meghalt, apja nem tudott odafigyelni fiára, hiszen perzsa nagykövetként szolgált. Szkrjabint nagynénje és nagyapja nevelte, és gyermekkorától kezdve zenei tehetséget mutatott. Eleinte a kadéttestületben tanult, magán zongoraleckéket vett, majd az alakulat elvégzése után a moszkvai konzervatóriumba lépett, osztálytársa S. V. Rahmanyinov volt. A konzervatórium elvégzése után Szkrjabin teljes egészében a zenének szentelte magát - koncertzongorista-zeneszerzőként Európában és Oroszországban turnézott, ideje nagy részét külföldön töltötte.
   Szkrjabin zeneszerzői kreativitásának csúcspontja az 1903-1908-as évek volt, amikor a Harmadik szimfónia ("Isteni költemény"), a szimfonikus "Ekstázis költeménye", "Tragikus" és "Sátáni" zongoraköltemények, 4. és 5. szonáták és egyéb művek születtek. kiadták. A több témaképből álló „Az eksztázis költeménye” Srjabin kreatív ötleteit sűrítette, és zseniális remekműve. Harmonikusan ötvözi a zeneszerző szeretetét a nagy zenekar ereje és a szólóhangszerek lírai, légies hangzását. Az „Ekstázis költeményében” megtestesülő kolosszális életenergia, tüzes szenvedély, akaraterősség ellenállhatatlan benyomást kelt a hallgatóban, és hatásának erejét a mai napig megőrzi.
   Szkrjabin másik remeke a „Prométheusz” („Tűz költeménye”), amelyben a szerző teljesen felfrissítette harmonikus nyelvezetét, eltérve a hagyományos hangrendszertől, és a történelemben először ezt a művet kellett volna színes zenével kísérni. , de a premiert technikai okok miatt fényhatások nélkül tartották.
   Az utolsó befejezetlen „rejtély” Szkrjabin, egy álmodozó, romantikus, filozófus terve volt, hogy megszólítsa az egész emberiséget, és ösztönözze egy új fantasztikus világrend létrehozására, az Egyetemes Szellem és az Anyag egyesülésére.
   A. N. Szkrjabin „Prométheusz”

   Szergej Vasziljevics Rahmanyinov Szergej Vasziljevics Rahmanyinov a 20. század eleji világ legnagyobb zeneszerzője, tehetséges zongoraművész és karmester. Rahmanyinov zeneszerző alkotóképét gyakran a „legoroszabb zeneszerző” jelző határozza meg, e rövid megfogalmazásban hangsúlyozva érdemeit a moszkvai és szentpétervári zeneszerzési iskola zenei hagyományainak egyesítése és saját egyedi stílusának megteremtésében. amely kiemelkedik a világ zenei kultúrájából.
   A Novgorod tartományban született, négy évesen édesanyja irányításával kezdett zenei tanulmányokat folytatni. A Szentpétervári Konzervatóriumban tanult, 3 év tanulás után a Moszkvai Konzervatóriumba került és nagy aranyéremmel érettségizett. Karmesterként és zongoristaként hamar ismertté vált, zenét komponált. Az innovatív Első szimfónia (1897) katasztrofális premierje Szentpéterváron kreatív zeneszerzői válságot idézett elő, amelyből Rahmanyinov az 1900-as évek elején emelkedett ki egy kiforrott stílussal, amely egyesítette az orosz egyházi éneket, a kimenő európai romantikát, a modern impresszionizmust és a neoklasszicizmust. összetett szimbolizmus. Ebben az alkotói időszakban születtek legjobb munkái, a

10. Nos, nem írok ilyen hosszan, és nem fogom tudni megnevezni mind a 10-et. De... Sosztakovics, balettek „Fényes patak”, „Bolt” (ez kevésbé híres), Csajkovszkij - „A diótörő”, „Hattyúk tava”, Prokofjev „Rómeó és Júlia”