A szovjet korszak karmesterei. Prezentáció "Korunk orosz karmesterei" Írd le az általad ismert operakarmesterek nevét

G. Lomakin(1811-1885). A tehetséges énektanár híre korán jött Lomakinhoz, és gyorsan elterjedt az északi fővárosban. Számos oktatási intézménybe hívták meg tanítani: kadét, haditengerészeti és lapos hadtest, líceum, színházi iskola és jogi egyetem (ahol akkoriban P. I. Csajkovszkij tanult). Ebben az iskolában találkozott G.Ya. Lomakin művészeti kritikussal, V.V. Stasov. A kiváló orosz kritikus nemegyszer megjegyezte a Lomakinban rejlő „kiváló iskolát”, „a tanulás helyes útját”, „veleszületett tehetségét”, „kórusvezetési jelentőségét és készségeit”, amelyek észrevehető szerepet játszottak a mi karrierünkben. honfitars. 1862-ben a híres zeneszerzővel, M.A. Balakirev Lomakin ingyenes zeneiskolát szervezett a nép felvilágosítására és oktatására. Az iskolában G.Ya. Lomakin nemcsak egy új csodálatos kórust hozott létre, hanem a leendő zenetanárok oktatását is megszervezte. Tanítványai közül sok lett híres zenész: énekes, karmester, tanár. Gavriil Yakimovich élete utolsó éveit a zeneszerzésnek szentelte: azelőtt csak rohamokban, a kórusos órák közötti rövid órákban tudott zenét írni. Ebben az időszakban számos művet készített a kórus számára, és több románcot is írt. És 1883-ban, amikor M.A. lett az udvari kápolna vezetője. Balakirev, Lomakin is kapott egy ritka lehetőséget művei kiadására. Élete utolsó napjait azok véglegesítésének és a próbalapok szerkesztésének szentelte.

A. Arhangelszkij (1846-1924)

Udvari kápolna.

Független Kórus (1880).

Seremetyev gróf kápolnája.

S.V. Szmolenszkij (1848-1909)

A zsinati iskola igazgatója (1889-1901).

Az udvari énekkápolna igazgatója (1901-1903).

Magán régens-tanfolyamok igazgatója (Szentpétervár)

V.S. Orlov (1856-1907).

Az Orosz Kórustársaság kórusa (1878-1886).

Az Orosz Kórustársaság kápolnája (1882-1888).

A Zsinati Kórus régense (1886-1907).

Alekszandr Dmitrijevics Kasztalszkij (1856-1926).

Zsinati Kórus (1901 óta régens).

Pavel Grigorjevics Chesnokov (1877-1944).

Magán spirituális kórus A.P. Kayutova.

Az Orosz Kórustársaság kórusa (1916-1917).

Moszkvai templomok régense.

Nyikolaj Mihajlovics Danilin (1856-1945).

Zsinati Kórus (1910-1918).

Kayutov magánkórus (1915-1917).

Leningrádi Akadémiai Kápolna.

Szovjetunió Állami Kórus.

Szvesnyikov Alekszandr Vasziljevics(1890-1980), kóruskarnagy, a Szovjetunió népművésze (1956), a szocialista munka hőse (1970). 1936-37-ben a Szovjetunió Állami Kórusának művészeti vezetője. 1937-1941-ben - Leningrád. kápolnák; 1941-től - Állami Orosz Dalkórus (később a Szovjetunió Állami Akadémiai Orosz Kórusa). A Moszkva szervezője (1944) és igazgatója. Kórusiskola (1991-től S.-i Kórusművészeti Akadémia). Professzor (1946-tól), rektor (1948-74) Moszkva. melegház. Szovjetunió Állami Díja (1946).

YURLOV Alekszandr Alekszandrovics (1927-73), kóruskarmester, az RSFSR népművésze (1970), Azerbajdzsán. SSR (1972). Diák A.V. Sveshnikova. 1958-tól a köztársaság művészeti vezetője és vezető karmestere. rus. kóruskápolna (1973-tól róla nevezték el). Zenepedagógus professzor. nevét viselő intézet Gnessins (1970 óta). Szovjetunió Állami Díj (1967).

Tevlin Borisz Grigorjevics kóruskarnagy, professzor (1981), a P. I. Csajkovszkijról elnevezett Moszkvai Állami Konzervatórium kórusvezetési tanszékének vezetője (1993-2007). Az Orosz Föderáció népművésze (1995).

Kazachkov Szemjon Abramovics (1909-2005) – tanár, professzor, a Kazanyi Állami Konzervatórium kórusvezetési tanszékének vezetője.

Minin Vlagyimir Nyikolajevics (sz. 1929), kóruskarmester, a Szovjetunió népművésze (1988). Diák V.G. Sokolova, A.V. Sveshnikova. 1972 óta kezek. általa alapított Moszkva. kamarakórus, 1987-től (egyidejűleg) az állam művészeti vezetője. rus. kórus. 1978-tól egyetemi tanár (1971-79-ben rektor) Zenepedagógia. nevét viselő intézet Gnesins. Szovjetunió Állami Díj (1982).

Dmitryak Gennagyij Aleksandrovics - kórus- és opera-szimfonikus karmester, Oroszország tiszteletbeli művésze, az A. A. után elnevezett Oroszországi Állami Akadémiai Kórus művészeti vezetője és főkarmestere. Yurlov és a Moszkvai Kreml Kápolna, az Orosz Zeneakadémia Kórusvezetési Tanszékének docense. Gnessin.

Követelmények kóruskarmesterrel szemben

A vezénylési technika kiváló ismerete;

Legyen képes a kórustagokat énekhangjuknak és tartományuknak megfelelő részekre helyesen felosztani;

Könnyen eligazodjon a különböző stílusú, korszakú, mozgású zeneművek sokszínűségében, ismerje a kóruskották rögzítésének és olvasásának elméleti alapjait;

Legyen jó zenehallgatás, ritmusérzéke és fejlett művészi ízlése.

A kóruszene műfajai

VILLANELLA(olasz falusi ének) - 15-16. századi olasz ének, többnyire 3 szólamú, al párral. hangmozgás, élénk karakter, lírai vagy humoros tartalom.

KÁNON(görög norma, szabály) - többszólamú. zenei. forma alapú. szigorú folyamatos utánzáson, melyben. a hangok megismétlik a vezető hang dallamát, még mielőtt az előző véget érne. A Kánont a szólamok száma, a köztük lévő hangközök (Kánon prima, kvint, oktáv stb.), az egyidejűleg utánzott témák számával (Canon simple; dupla pl. Mozart Requiem 4. számában stb.) különböztetik meg. .), az utánzás formája (Canon növekedésben, csökkenésben). Az úgynevezett végtelen kánonban a dallam vége átmegy az elejébe, így a szólamok tetszőlegesen visszatérhetnek. A „változójelzős” kánonban (Vl. Protopopov) az utánzás során a dallamminta és a ritmus megmarad, de a hangközök változnak. A kanonikus utánzást ilyen vagy olyan formában gyakran használják a kórusokban. op.; Vannak K. alakban írt színdarabok (O. Lasso „Visszhangja”, F. Mendelssohn „Song of the Lark”, N. A. Rimszkij-Korszakov feldolgozása „A cickákkal járok” stb.).

KANT(latinból, cantus - éneklés, ének) - ősi kórus- vagy együttes dal típusa sapka. században keletkezett. Lengyelországban, később - Ukrajnában, a 2. emeletről. 17. század - Oroszországban, széles körben elterjedt, mint a városi dal korai típusa; az elejére 18. század - az otthoni, mindennapi zene kedvenc műfaja. A cant eleinte vallásos tartalmú ének-himnusz, később világi témákkal átitatott; élek jelennek meg. lírai, lelkipásztori, asztali, képregény, tábor stb.. Nagy Péter korszakában a panegyric cants, az ún. viva; énekes kórusok adják elő fesztiválok és diadalmenetek idején, ágyútűz, fanfár és harangszó kíséretében. A hanglejtés stílusjegyei: kupléforma, a zenei ritmus alárendelése a költői ritmusnak; a dallam ritmikai tisztasága és simasága, túlnyomóan 3 szólamú szerkezet a 2 felső szólam párhuzamos mozgásával, a basszus gyakran dallamosan fejlett; utánzás is előfordul. Az énekben természetes kapcsolat van dallam és harmónia között, a harmonikus funkciók egyensúlya - szubdominánsok, dominánsok, hangok. B. Aszafjev rámutat, hogy „a zene evolúciójában a 18. század második felében és a 19. század elején. Kant a diadalmas homofon stílus egyfajta rövid enciklopédiájává válik” („A zenei forma mint folyamat”, Leningrád, 1963, 288. o.). Kézírásos gyűjteményekben terjesztették az énekeket, a szöveg és a zene szerzőinek megjelölése nélkül, bár gyakran felhasználták Trediakovszkij, Lomonoszov, Sumarokov és mások modern költőinek verseit is. adv. dalok. Fokozatosan összetettebbé vált az éneklés, elsajátította a románc jegyeit. Később (a XIX. században) katonás-, ivó-, diák- és részben forradalmi dalok születtek a cant alapján. Kant hatása az oroszban is megtalálható. klasszikus zene, Glinka („Dicsőség” az „Ivan Susanin” operából) stb.

KANTÁTA(olasz cantare - énekelni) - szólóénekeseknek, kórusnak és zenekarnak szóló mű, ünnepélyes vagy lírai-epikai jellegű. A kantáta lehet kórus (szólisták nélkül), kamara (kórus nélkül), zongorakísérettel vagy anélkül, egytételes vagy több teljes számból állhat. A kantáta általában kisebb méretében, tartalmi egységességében és kevésbé fejlett cselekményében tér el az oratóriumtól (amelynek kifejezési eszközei hasonlóak). A kantáta Olaszországból származik (XVII. század), először éneklő darabként (a szonátával szemben). Ez azt jelenti, hogy a kantáta elfoglalja helyét J. S. Bach munkásságában, aki spirituális, mitológiai és hétköznapi témákról írt kantátákat. Oroszországban a kantáta a 18. században jelent meg, és a 19. és 20. században érte el fejlődését: szóló színházi kantáta (Versztovszkij „Fekete kendő”), köszöntő, évfordulós, lírai, lírai-filozófiai kantáták („A diákok búcsúi énekei” a Katalin és Szmolnij Intézetek”, Glinka; „Moszkva”, „Örömre” Csajkovszkijtól; „Svitezianka” Rimszkij-Korszakovtól; „Damaszkuszi János”, „A zsoltár felolvasása után”, Tanyejev; „Tavasz”, „ Harangok”, Rahmanyinov; „Kantáta a Glinka-emlékmű megnyitásához”, Balakirev stb. d.).

A kantáta műfaját a szovjet zeneszerzők műveiben fejlesztették ki, különösen a történelmi, hazafias és modern témájú művekben (Prokofjev „Alexander Nyevszkij”, Shaporin „Kulikovo mezőn” szimfónia-kantáta, Harutyunyan „Kantáta a szülőföldről”). stb.). A modern német zeneszerző, K. Orff színpadi kantátákat írt (Carmina Burana és mások).

MADRIGAL(olasz) - lírai dal anyanyelven. (a latin nyelvű énekekkel ellentétben), kezdetben egyszólamú. A kora reneszánszban (14. század) 2-3 szólamban adták elő. A késő reneszánsz (XVI. század) középpontjában, a világi zenében helyet kapott, 4-5 szólamú többszólamú kompozíció egy- vagy többszólamú énekkompozícióját képviselve; Olaszországon kívül is terjesztették. A madrigál műfaj túlnyomórészt lírai, szorosan kapcsolódik a költői szöveghez (akár az egyes szavak illusztrálásáig). Az arisztokrata körökben kialakult dallamos madrigál (ellentétben a frotollával, villanellel, sanzonnal stb.) távol áll a népzenétől, és gyakran túlságosan kifinomult; Ugyanakkor progresszív jelentése is volt, kitágította a képek és kifejezőeszközök körét. A 16-17. századi angol madrigál egyszerűbb, folklórhoz köthető, érzelmesebb. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). A 17. századra A madrigál eltér a vokális többszólamú stílustól, hangszeres kísérettel hangsúlyozva a szólószólamot. A madrigál kiemelkedő mesterei (fejlődésének különböző szakaszaiban) Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi voltak.

MOTETTA(francia mot - szóból) - énekes műfaj. többszólamú. zene. Kezdetben Franciaországban (12-14. század) több motettát kombináltak egy motettában. (leggyakrabban 3) önálló dallamok különböző szövegekkel: alsó hangon (tenor) - templom. ének latin szövegen, középső (motetta) és felső (triplum) - szerelmes vagy komikus dalok beszélt franciául. A katolikus egyház az ilyen „vulgáris motetták” ellen harcolt, és (a 15. századtól) egyetlen latin szövegre épülő többszólamú énekekkel állt szembe velük. A madrigálokat kórus sapkára írták. (16. század végéről és kísérettel), több (2, 3 vagy több) szakaszból állt, többszólamú, gyakran akkordszerkezetben. A 17. században hangszeres kísérettel szólista motetták merültek fel.

OPERA KÓRUS- a modern operaelőadás egyik fő alkotóeleme. A zeneszerző korszakához, műfajához, személyiségéhez kapcsolódva a kórus az operában más szerepet tölt be, mint hétköznapi hátteret, dekorációs elemet, résztvevőt a prológusnak, a fejezetek közjátékát. cselekvő személy. Az opera seria-ban („komoly opera”, 17–18. század) a kórus szinte hiányzott, az opera buffában („komikus opera”, 18. század) szórványosan (például a fináléban) jelent meg. A kórus szerepe a népkép hordozójaként Gluck és Cherubini operáiban megerősödött, bár gyakran a kórus. a bennük lévő jelenetek oratórium-statikus jellegűek. Nagyobb drámai jelentőséget tulajdonítottak a kórusnak a 19. század első harmadának nyugat-európai operáiban, a Rossini ("William Tell"), a Verdi ("Nabucco", "Legnanói csata") hősi népképeivel. ; Meyerbeer operájában a kórus közreműködése a drámai csúcspontokat hangsúlyozza, a lírai operában a XIX. a kórus hozzájárul a megfelelő hangulat, nemzeti szín, hangulat megteremtéséhez (op. Bizet, Verdi, Gounod); a népoperában a kórusok műfaji jellegűek, közel állnak a népdalhoz és a néptánchoz (op. Monyushko, Smetana). Rus. a világi kórusművészetet először operakórusok képviselték (18. század, op. Fomin, Pashkevich stb.); és a jövőben a kórusok nagy helyet foglalnak el oroszul. operák, lévén „a nemzetiség és a demokrácia sarokköve dogmája és megerősítése” (B. Aszafjev). Orosz opera és kórus kreativitás. zeneszerzői rendkívül sokszínűek.

A történelmi és hazafias operákban (Glinka „Ivan Susanin”, Borodin „Igor herceg”, Rimszkij-Korszakov „Pszkov asszony” stb.) a kórus válik a főszereplővé a hősökkel együtt. Különösen (a kórus Muszorgszkij népzenei drámáiban (“Borisz Godunov”, “Khovanscsina”) szerzett nagy jelentőséget, ahol a népkép sokrétűen, fejlődésben jelenik meg. Versztovszkij orosz hétköznapi operáiban (“ Askold sírja”), Dargomizsszkij („Rusalka”), Szerov („Ellenséges hatalom”), Csajkovszkij („Cserevicski”, „A varázsló”) stb. keleti témájú operák jelenetei (Glinka „Ruslan és Ljudmila”, Rubinstein „Démon”, Borodin „Igor herceg” stb.) A mesebeli, fantasztikus cselekmények ábrázolásánál kórusos eszközöket használnak (op. Glinka, Versztovszkij, Rimszkij-Korszakov. A kórust oratóriumban is használják, általában prológusban, epilógusban (operák Glinka, Szerov, Rubinstein, Borodin stb., himnuszok előadásában stb. („Az orléansi szobalány”) ” Csajkovszkijtól, Muszorgszkij „Khovanscsinája” stb.) A kórus orosz klasszikus operában való aktív részvételének hagyományai folytatódnak a szovjet zenei kreativitásban: orosz szovjet zeneszerzők operái „Háború és béke”, Prokofjev „Szemjon Kotko” , „Decembristák” Shaporintól, „Katerina Izmailova” Sosztakovicstól, „Emeljan Pugacsov” Kovaltól, „Csendes Don” és „Virgin Soil Turned” Dzerzsinszkijtől, „Október” Muradelitől, „Virineya” Szlonimszkijtól és másoktól, sok nemzeti az operák külön kórusokat és kidolgozott kórusjeleneteket tartalmaznak. Az operakórusnak megvannak a maga sajátos előadási jellemzői: mindenekelőtt a nagy fényesség, a hangsúlyos árnyalatok (hasonlóan a dekoratív kialakításhoz), a hangsúlyos szöveg, az a képesség, hogy „átrepüljön a zenekaron” a nézőtérre. Mivel az operakórus gyakran mozgásban van, minden tagnak különös magabiztosságra és függetlenségre van szüksége. E tulajdonságok fejlesztése érdekében egyes csoportokban az énekesek megtanulják az időzítést a szólamaik tanulmányozása során. A mise-en-scénák jelenléte, amelyekben a kórus nem látja a karmestert, szükségessé teszi az ún. közvetítések (karmesteri tempó), amelyet a színfalak mögül vezényelnek kórusvezetők; ugyanakkor az előadás szinkronizálása érdekében némi előrelépés történik a karmesteri „pontok” felé (a kórus mélységétől függően többé-kevésbé).

ORATÓRIUM(latinból wow - mondom, imádkozom) - nagy zenei mű kórusnak, szólistáknak, zenekarnak; comp. énekegyüttesekből, áriákból, recitativókból, teljes zenekari számokból., az oratórium a 16-17. század fordulóján, a kantátával és az operával szinte egyidejűleg keletkezett Olaszországban, és szerkezetileg közel áll hozzájuk. A kantátától nagyobb méretében, kidolgozott cselekményében, epikus-drámai jellegében, az operától pedig a narratív elem túlsúlyában tér el a drámai fejlődéssel szemben. Az oratórium dramatizált laudákból (lelki dicshimnuszokból) fejlődött ki, amelyeket a templom külön helyiségeiben adtak elő - oratóriumok. Az oratórium különleges típusa a Passió; felépítésében és típusában az oratóriumban szerepel a mise, a rekviem, a „Stabat Mater” stb. is. Az oratórium műfaja Bach és különösen Händel műveiben éri el csúcspontját, aki a hősi-epikai oratórium típusát alkotta; Haydn oratóriumait műfaji-hétköznapi és lírai-filozófiai vonások jellemzik. A 19. században prod. Az oratórium műfaját Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi és mások alkották meg a XX. - Honegger, Britten és mások: Az első Degtyarev „Minin és Pozharsky” című orosz oratóriumát jelenti; A. Rubinstein számos oratóriumot készített ("Babiloni Pandemonium", "Elveszett paradicsom" stb.). Az orosz klasszikusok operái széles körben alkalmazzák az oratóriumi stílustechnikákat nagy kórusjelenetek formájában (Glinka „Ivan Susanin”, „Ruslan és Ljudmila”, Szerov „Judit”, Borodin „Igor herceg”, Rimszkij „Szadko”). Korszakov stb.). Az oratórium műfaját széles körben használják a szovjet zeneszerzők, amikor történelmi és modern témákat testesítenek meg (Koval „Emeljan Pugacsov”, Szaporin „Az orosz földért folytatott harc meséje”, Sosztakovics „Az erdők éneke”, „Az őrségben” a világ” Prokofjevtől, „Requiem” Kabalevszkijtől, „Mahagóni” Zarina et al.).

DAL- a vokális zene legegyszerűbb és legelterjedtebb formája, amely a költői képet ötvözi a zenével. Egy dalra jellemző a teljes, önálló, dallamos dallam jelenléte, a szerkezet egyszerűsége (általában periódusos vagy 2, 3 szólamú forma). A dal zenéje megfelel a szöveg általános tartalmának, anélkül, hogy részletezné (például egy igen gyakori verses dalban). Vannak népi és professzionális (zeneszerzők által készített) énekek, amelyek műfajban, eredetben, összetételben stb. különböznek egymástól. A kórusének közös műfaja: népdal (paraszti és városi), szovjet misedal, tagozat. orosz és szovjet zeneszerzők kórusai. A nyugat-európai zenében a kórusdalt romantikus zeneszerzők (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms) művelték. Átvitt értelemben a kifejezés egy dal. vagy dalt (a mű epikusságát, ünnepélyességét, költői magasztosságát hangsúlyozandó) a jelentősebb zeneművek, kantáták címében használják (például „Song of Fate”, „Diadaldal” Brahmstól).

KÓRUS- vallási ének a katolikus és a protestáns templomban. A protestáns többszólamú éneket (amelyet a 16. században vezettek be a reformáció vezetői) az egész közösség németül adta elő (ellentétben az egyhangú gregorián énekléssel, amelyet különleges férfi énekesek énekeltek latinul). A korál dallamait ülő ritmus jellemzi. A korál (vagy egyszerűen korál) általában ún. egységes időtartamú akkordbemutató lassított felvételben.

Koncertprogramok ciklusa(Oroszország, 2010). 10 kérdés.

Nincsenek tekintélyesebb alakok a modern zenei kultúrában, mint a világ karmesteri elitjének képviselői. A sorozat készítői tíz jelentős nevet választottak – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, valamint híres orosz kollégáik. Ma már a nagy zenekarok egyetemesen elismert mesterei és igazgatói.

Minden program a nevezett mesterek egyikének zenekarával való fellépésén alapul.

Szólisták: Vadim Repin és Szergej Krilov hegedűművészek, Alekszej Utkin oboaművész, Denis Matsuev zongoraművész és mások.

A program nagyon sokrétű – az I.S. Bach A. Schönbergnek és A. Pärtnek. Minden mű a világzene remekei közé tartozik.

A ciklus házigazdája Denis Matsuev zongoraművész.

1. szám. .
Vadim Repin szólista.
Műsor: I. Sztravinszkij. Szimfónia három tételben; M. Bruch. 1. g-moll koncert hegedűre és zenekarra; L. Beethoven. 7. szimfónia.

2. szám. Vlagyimir Fedosejev és a Bolsoj Szimfonikus Zenekar. P.I. Csajkovszkij.
Műsor: L. Beethoven. 4. szimfónia.
Felvétel a bécsi Musikverein Aranytermében.

3. kiadás. – Maris Jansons és a Bajor Rádió Szimfonikus Zenekara.
Műsor: R. Wagner. Bevezetés és "Isolde halála" a "Trisztán és Izolda" című operából; R. Strauss. Keringőszvit a „Der Rosenkavalier” operából.

4. szám. – Daniel Barenboim és a West-Eastern Divan Orchestra.
A műsorban: V.A. Mozart. 7. F-dúr verseny három zongorára és zenekarra. Szólisták: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variációk zenekarra. G. Verdi. A sors ereje című opera nyitánya.

5. szám. "Vlagyimir Spivakov és az Orosz Nemzeti Filharmonikus Zenekar.
Szergej Prokofjev. 3. verseny zongorára és zenekarra. 1. „Klasszikus” szimfónia. Denis Matsuev szólista. Felvétel a Moszkvai Konzervatórium nagytermében 2008-ban.

6. szám. "Lorin Maazel és az Arturo Toscanini Szimfonikus Zenekar"
Program: Giacchino Rossini. Az "Olasz Algírban" című opera nyitánya; Johannes Brahms. 2. szimfónia.
Felvétel a Moszkvai Konzervatórium nagytermében.

7. szám. Jurij Temirkanov és a Szentpétervári Filharmonikusok Akadémiai Szimfonikus Zenekara. D.D. Sosztakovics.

8. szám. Jurij Bashmet és a „Moszkvai szólisták” kamaraegyüttes.
Műsor: Joseph Haydn - Koncert csellóra és zenekarra. Szólista Stephen Isserlis (Nagy-Britannia), Niccolo Paganini - 5 szeszély (E. Denisov hangszerelésében hegedűre és kamarazenekarra). Szólista Szergej Krilov (Olaszország); V.A. Mozart – Divertimento 1. sz.
Regisztráció a BZK-ban.

9. szám. Mihail Pletnyev és az Orosz Nemzeti Zenekar
Az Orosz Nemzeti Zenekar egy szvitet ad elő P.I. balettjéből. Csajkovszkij „Hattyúk tava” című művét, komponálta Mihail Pletnyev. Felvétel az oroszországi Bolsoj Színházban a Nagy RNO Fesztivál részeként, 2009.

10. szám. Valerij Gergijev és a Mariinszkij Színház Szimfonikus Zenekara
A Mariinszkij Színház Szimfonikus Zenekara Valerij Gergijev vezényletével zenekari slágereket ad elő - nyitányokat Rossini, Verdi, Wagner operákból, keringőket Csajkovszkij balettjaiból, töredékeket Prokofjev Rómeó és Júlia című balettjéből.

A szovjet korszak bőkezű volt a tehetségekkel. A világkultúra története magában foglalja a zseniális szovjet zongoristák, hegedűsök, csellisták, énekesek és természetesen karmesterek nevét. Ekkor alakult ki a karmester - vezető, szervező, mester - szerepének modern felfogása.

Milyenek voltak ők, a szovjet korszak zenei vezetői?

Öt portré a kiváló karmesterek galériájából.

NIKOLAJ GOLOVANOV (1891-1953)

Nyikolaj már hat éves korában séta közben megpróbált katonai zenekart vezetni. 1900-ban a fiatal zeneszerető felvételt nyert a zsinati iskolába. Itt feltárultak vokális, karmesteri és zeneszerzői képességei.

Miután már érett mesterré vált, Golovanov nagy szeretettel írja tanulmányi éveiről: „A zsinati iskola mindent adott nekem - erkölcsi alapelveket, életelveket, a kemény és szisztematikus munka képességét, a meghonosított szent fegyelmet.”

Több éves régensként végzett munka után Nikolai belépett a Moszkvai Konzervatórium zeneszerzés osztályába. 1914-ben kis aranyéremmel végzett. Nyikolaj Szemenovics egész életében spirituális énekeket írt. Még akkor is dolgozott ebben a műfajban, amikor a vallást „a nép ópiumának” kiáltották ki.

Csajkovszkij 1812-es nyitányának előadásának részlete

1915-ben Golovanovot felvették a Bolsoj Színházba. Szerény segédkarmesteri beosztással kezdődött az egész, majd 1948-ban főkarmester lett. A híres színházzal való kapcsolatok nem mindig voltak zökkenőmentesek: Nikolai Golovanovnak sok sértést és csalódást kellett elviselnie. De nem ezek maradnak a történelemben, hanem az orosz opera és szimfonikus klasszikusok ragyogó interpretációi, kortárs zeneszerzők műveinek briliáns ősbemutatói és a klasszikus zene első rádióadásai a Szovjetunióban az ő részvételével.

Gennagyij Rozsgyesztvenszkij karmester így emlékszik vissza a mesterre: „Nem bírta a közepét. A közömbös közép. És árnyaltságban, megfogalmazásban és a dologhoz való hozzáállásban.”

Noha Golovanovnak nem voltak karmester diákjai, az orosz klasszikusok interpretációi a fiatal zenészek modelljévé váltak. Alexander Gauk a szovjet karmesteriskola alapítója lett.

ALEXANDER GAUK (1893-1963)

Alexander Gauk a Petrográdi Konzervatóriumban tanult. Zeneszerzést Alekszandr Glazunov osztályában, karmestert Nyikolaj Cserepnyin osztályában tanult.

1917-ben kezdődött életének zenei és színházi korszaka: a Petrográdi Zenés Drámai Színházban, majd a Leningrádi Opera- és Balettszínházban dolgozott.

Az 1930-as években Gauck érdeklődésének középpontjába a szimfonikus zene került. Több évig vezette a Leningrádi Filharmonikusok szimfonikus zenekarát, 1936-ban pedig az újonnan létrehozott Szovjetunió Állami Szimfonikus Zenekarát. Nem hagyta ki a színházat, csak azt sajnálta, hogy soha nem volt alkalma bemutatni kedvenc Csajkovszkij Pák királynőjét.

A. Honegger
Pacific 231

1953-ban Gauk a Szovjetunió Állami Televízió és Rádió Nagy Szimfonikus Zenekarának vezető karmestere lett. Ez a munka nagyon intenzív és érdekes volt. A műsorokat a zenekar, ahogy mondani szokás, élőben játszotta. 1961-ben a mestert „udvariasan” nyugdíjba küldték.

Gauk öröme a tanítás volt. Jevgenyij Mravinszkij, Alekszandr Melik-Pashaev, Jevgenyij Szvetlanov, Nyikolaj Rabinovics - mindannyian a maestro tanítványai voltak.

Jevgenyij Mravinszkij, aki maga is elismert mester, gratuláló levélben ezt írja tanárának: „Te vagy az egyetlen karmesterünk, aki egy igazán nagyszerű kultúra hagyományait hordozza.”

EVGENY MRAVINSKY (1903-1988)

Mravinszkij egész élete Szentpétervár-Leningrádhoz kötődött. Nemesi családba született, de nehéz években „nem nemesi” ügyekkel kellett foglalkoznia. Például dolgozzon statisztaként a Mariinsky Színházban. Sorsában fontos szerepet játszott a színházi rendező, Emil Cooper személyisége: „Ő volt az, aki bevitte belém azt a „méregszemet”, amely életem végéig összekapcsolt a karmesteri művészettel.”

A zene kedvéért Mravinszkij otthagyta az egyetemet, és belépett a Petrográdi Konzervatóriumba. A hallgató eleinte szorgalmasan dolgozott a zeneszerzésen, majd a karmesterség iránt érdeklődött. 1929-ben eljött Gauck osztályába, és nagyon gyorsan elsajátította ennek az összetett (vagy „sötét”, ahogy Rimszkij-Korszakov mondta) üzletnek az alapjait. A konzervatórium elvégzése után Mravinsky a Leningrádi Opera- és Balettszínház segédkarmestere lett.

1937-ben került sor a karmester első találkozására Dmitrij Sosztakovics zenéjével. Mravinskyt bízták meg Ötödik szimfóniájának ősbemutatójával.

Sosztakovicsot eleinte még meg is ijesztette a karmester munkamódszere: „Minden mértékkel, minden gondolattal kapcsolatban Mravinszkij őszinte kihallgatásnak vetett alá, választ követelve tőlem minden benne felmerülő kétségre. De már a közös munka ötödik napján rájöttem, hogy ez a módszer teljesen helyes.”

A premier után Sosztakovics zenéje állandó kísérője lesz a maestro életének.

1938-ban Mravinszkij megnyerte az első szövetségi karmesterversenyt, és azonnal kinevezték a Leningrádi Filharmonikusok igazgatójává. A zenekar művészei közül sokan jóval idősebbek voltak a karmesternél, ezért nem haboztak „értékes utasításokat” adni neki. De nagyon kevés idő telik el, a próbákon munkahelyi légkör alakul ki, és ez a csapat lesz a nemzeti kultúra büszkesége.

A Leningrádi Filharmonikusok próbája

A zenetörténetben nem túl gyakran találkozunk olyan példákkal, amikor egy karmester több évtizeden keresztül dolgozik egy együttessel. Jevgenyij Mravinszkij fél évszázadon át vezette a Filharmonikusokat, fiatalabb kollégája, Jevgenyij Szvetlanov 35 évig az Állami Zenekart.

Dmitrij Sosztakovics, 8. szimfónia

EVGENY SVETLANOV (1928-2002)

Szvetlanov számára a Bolsoj Színház a szó sajátos értelmében vett otthont. Szülei egy operatársulat szólistái. A jövendőbeli maestro még fiatalon debütált a híres színpadon: Cio-Cio-sant kisfiát alakította Puccini Pillangómama című operájában.

Szinte azonnal a konzervatórium elvégzése után Svetlanov a Bolsoj Színházba jött, és elsajátította az összes színházi klasszikust. 1963-ban a színház vezető karmestere lett. Vele együtt a társulat turnéra indul Milánóba, a La Scalába. Szvetlanov „Borisz Godunovot”, „Igor herceget”, „Sadko”-t hozza az igényes közönség elé.

1965-ben a Szovjetunió Állami Szimfonikus Zenekarát vezette (ugyanazt, amelyet egykor tanára, Alexander Gauk vezetett). Ezzel a csoporttal, amely 1972-ben akadémikussá vált, Szvetlanov nagyszabású projektet hajtott végre - „Az orosz szimfonikus zene antológiája felvételeken”. Ennek a műnek a jelentőségét nagyon pontosan meghatározta a Radio France zenei igazgatója, Rene Goering, aki sokat dolgozott a karmesterrel: „Ez Szvetlanov igazi bravúrja, nagyságának újabb bizonyítéka.”

M. Balakirev, 2. szimfónia, finálé

Amikor az Állami Konzervatóriummal dolgozik, a karmester nem feledkezik meg a Bolsoj Színházról. 1988-ban igazi szenzáció lett az Arany kakas (Georgy Ansimov rendezésében) című produkció. Szvetlanov a „nem opera” énekest, Alekszandr Gradszkijt hívta meg az Asztrológus rendkívül összetett szerepére, ami még több eredetiséget adott az előadásnak.

Koncert „A lemenő század slágerei”

Jevgenyij Szvetlanov legfontosabb eredményei között szerepel a hallgatók széles körének megismertetése a kiváló zeneszerző, Nyikolaj Myaskovsky zenéjével, amelyet nagyon ritkán adtak elő szovjet zenekarok.

A kevéssé ismert művek visszatérése a koncertszínpadra Gennagyij Rozsdesztvenszkij mester egyik legfontosabb feladata lett.

GENNADY ROZHDESTVNSKY (SZÜLETETT: 1931)

Nem ritka a hangszeren játszó vagy zenét komponáló karmester. De ritka az olyan karmester, aki tud zenéről beszélni. Gennagyij Rozsgyesztvenszkij igazi egyedi ember: lebilincselően tud beszélni és írni különböző korok zenei alkotásairól.

Rozsdesztvenszkij apjától, a híres karmestertől, Nyikolaj Anosovtól tanult karmesterséget. Anya, Natalya Rozhdestvenskaya énekesnő sokat tett fia művészi ízlésének fejlesztéséért. Még nem végzett a konzervatóriumban, Gennagyij Rozsdesztvenszkijt felvették a Bolsoj Színházba. Debütálása Csajkovszkij A Csipkerózsika című darabja volt. 1961-ben Rozsdesztvenszkij a Központi Televízió és Rádióműsor Nagy Szimfonikus Zenekarát vezette. Ekkor jelentek meg a karmester repertoárpreferenciái.

Nagy érdeklődéssel sajátította el a huszadik század zenéjét, és a „nem slágeres” szerzeményeket is megismertette a közönséggel. Viktor Cukormán zenetudós, a művészettörténelem doktora Rozsgyesztvenszkijnek írt levelében bevallotta: „Régóta szeretném kifejezni mély tiszteletemet, sőt csodálatomat az önzetlen, talán aszkéta tevékenysége miatt, amellyel akár méltatlanul elfeledett, akár kevéssé ismert műveket ad elő.

A repertoár kreatív megközelítése meghatározta a maestro munkáját más zenekarokkal - jól ismert és kevésbé ismert, ifjúsági és „felnőtt” zenekarokkal.

Minden leendő karmester arról álmodik, hogy Rozsgyesztvenszkij professzornál tanuljon: immár 15 éve vezeti a Moszkvai Konzervatórium opera- és szimfonikus karmesteri tanszékét.

A „Ki a karmester?” kérdésre a professzor tudja a választ: „Ez egy médium a szerző és a hallgató között. Vagy ha úgy tetszik, valami szűrő, amely átengedi magán a kotta által kibocsátott áramlást, majd megpróbálja továbbítani a közönséghez."

Film "Az élet háromszögei"
(a karmesteri előadások töredékeivel), három részben

2014. december 10

A zenei kultúra nem létezhet karmesterek nélkül, ahogy a filmipar rendezők nélkül, az irodalom és a kiadóipar szerkesztők nélkül, a divatprojektek pedig tervezők nélkül. A zenekarvezető biztosítja az összes hangszer szerves kölcsönhatását az előadás során. A karmester a főszereplő egy filharmóniai társaság színpadán, koncertteremben vagy bármely más zenei helyszín színpadán.

Virtuózok

A szimfonikus zenekar összhangja és számos hangszer harmonikus hangzása a karmester készségén keresztül érhető el. A legtehetségesebbek nem véletlenül kapnak különféle magas rangokat és címeket, és népszerûen „virtuózoknak” nevezik. A karmesteri pálca kifogástalan irányítása valóban lehetővé teszi a zenekari gödörben ülő minden zenész számára, hogy átadja az alkotói impulzus minden árnyalatát. Egy hatalmas szimfonikus zenekar hirtelen egységes egészként kezd megszólalni, és a zenei kompozíció teljes pompájában tárul fel.

A neves karmestereket a szakértelem egyesíti, mindannyian a magas művészeti iskolát járták be, a népszerűség és a nagyközönség elismertsége nem érte őket azonnal. Az évek során népszerűségre tett szert. A neves karmesterek nagyrészt koncerttevékenységük mellett oktatnak, tartanak képzéseket fiatal zenészeknek, valamint mesterkurzusokat.

Önfeláldozás

A zenekarvezetés művészete sok éves gyakorlást, folyamatos fejlesztést igényel, ami végtelen próbákat eredményez. Egyes neves karmestereket az önfeláldozás határát súroló különleges alkotói szívósság jellemzi, amikor a személyes élet háttérbe szorul, és csak a zene marad. Ez a helyzet azonban jót tesz a művészetnek.

A leghíresebb karmesterek szerződést kötnek bizonyos zenei együttesekkel, és ez lehetőséget ad számukra a zeneművek magas színvonalú előadásában. Ugyanakkor szükséges az általános kölcsönös megértés, amely a későbbiekben a sikeres koncerttevékenység kulcsa lesz.

Híres operakarmesterek

A világzenei hierarchiában vannak olyan nevek, amelyeket mindenki ismer. Plakátokon, óriásplakátokon neves operakarmesterek nevei találhatók, róluk nevezték el a tengerjáró hajókat. Ez a népszerűség megérdemelt, hiszen még mindig kevesen tudják az egész életüket nyomtalanul a zenének szentelni. A leghíresebb karmesterek bejárják a világot, különböző zenei csoportokkal vagy vezető zenekarokkal turnézva a nagy zenei központokban. Az operaelőadások különleges koordinációt igényelnek a zenekartól, amikor énekszólamokat, áriákat és kavatinákat kísérnek. Minden zenei ügynökségben megtudhatja azoknak a neves operakarmestereknek a nevét, akiket meghívhatnak egy évadra vagy előadássorozatra. A tapasztalt impresszáriók ismerik az egyes emberek munkastílusát és jellemvonásait. Ez segít nekik a helyes választásban.

Oroszország híres karmesterei

A zenének, különösen az operának sok összetevője van. Van egy zenekar is, amely sokféle hangszert tartalmaz: fúvósok, vonósok, íjak, ütőhangszerek. Szólisták, énekes előadók, kórus és az előadás egyéb résztvevői. Az operaelőadás egymástól eltérő töredékeit az előadás rendezője és a zenekar karmestere egyesíti egy egésszé. Ráadásul az utóbbi az elejétől a végéig aktívan részt vesz az akcióban. Oroszországban vannak karmesterek, akik zenéjükkel az operát azon az egyetlen igaz úton irányítják, amely a nézőt a valódi művészethez vezeti.

Oroszország híres karmesterei (lista):

• Alekszandrov Alekszandr Vasziljevics.
• Basmet Jurij Abramovics.
• Bezrodnaja Szvetlana Boriszovna.
• Bogoszlovszkij Nyikita Vladimirovics.
• Bronyevickij Alekszandr Alekszandrovics.
• Vaszilenko Szergej Nikiforovics.
• Garanyan György Abramovics.
• Gergiev Valerij Abisalovics.
• Gorenshtein Mark Borisovich.
• Diaghilev Szergej Alekszandrovics.
• Evtushenko Alekszej Mihajlovics.
• Ermakova Ljudmila Vladimirovna.
• Kabalevszkij Dmitrij Boriszovics.
• Kazhlaev Murad Magomedovics.
• Kogan Pavel Leonidovics.
• Lundstrem Oleg Leonidovics
• Mravinszkij Jevgenyij Alekszandrovics.
• Szvetlanov Jevgenyij Fedorovics.
• Spivakov Vlagyimir Teodorovics.

Minden híres orosz karmester sikeresen vezethet bármilyen külföldi szimfonikus zenekart, ehhez elég néhány próba. A zenészek professzionalizmusa mind a nyelvi akadályt, mind a stíluskülönbséget segít leküzdeni.

Világhírességek

A világ híres karmesterei a nagyközönség által elismert tehetséges zenészek.

Pavel Kogan

A leghíresebb orosz karmester, aki több mint negyven éve adja a világnak művészetét. Népszerűsége példátlan. A maestro neve szerepel a tíz legnagyobb modern karmester listáján. A zenész híres hegedűsök, Leonid Kogan és Elizaveta Gilels családjában született. 1989 óta a Moszkvai Állami Szimfonikus Zenekar (Moszkvai Állami Szimfonikus Zenekar) állandó művészeti vezetője, valamint vezető karmestere. Ugyanakkor ő képviseli Oroszországot Amerika jelentős zenei központjaiban.

Pavel Kogan a világ minden táján fellép a legjobb szimfonikus zenekarokkal, művészete felülmúlhatatlannak számít. A maestro az Oroszországi Állami Díj kitüntetettje, és az „Oroszország népművésze” címet viseli. Pavel Kogannak számos kitüntetése is van, köztük a Hazáért Érdemrend és a Művészetek Rendje.

Herbert von Karajan

A világhírű osztrák származású karmester, Herbert von Karajan (1908-1989) görög bevándorlók családjában született. Nyolc évesen beiratkozott a salzburgi Mozarteum Konzervatóriumba, ahol 10 évig tanult, és alapvető karmesteri ismereteket szerzett. Ugyanakkor a fiatal Karayan elsajátította a zongorázást.

A debütálásra 1929-ben került sor a salburgi fesztiválszínházban. Herbert Richard Strauss Salome operáját vezényelte. 1929 és 1934 között a németországi Ulm város színházának főkapellmeistere volt. Aztán Karajan sokáig állt a Bécsi Filharmonikusok karmesteri székében. Ugyanakkor előadta Charles Gounod „Walpurgis Night” című operáját.

A karmester legszebb órája 1938-ban volt, amikor Richard Wagner „Trisztán és Izolda” című operája nagy sikert aratott az előadásában, amely után Herbertet „Csodakarajannak” kezdték hívni.

Leonard Bernstein

Leonard Bernstein amerikai karmester (1918-1990) zsidó bevándorló családban született. A zenei oktatás Leonard gyerekkorában kezdődött, megtanult zongorázni. A fiú azonban fokozatosan megszokta a vezénylést, és 1939-ben debütált – az ifjú Bernstein saját szerzeményét, a The Birds-t adta elő egy kis zenekarral.

Magas professzionalizmusának köszönhetően Leonard Bernstein gyorsan népszerűségre tett szert, és már fiatal éveiben a New York-i Filharmonikusokat vezette. Átfogó alkotó ember lévén a karmester irodalmat tanult. Körülbelül egy tucat könyvet írt a zenének szentelve.

Valerij Gergiev

A híres karmester, Valerij Abisalovics Gergiev 1953. május 2-án született Moszkvában. Tizenkilenc évesen beiratkozott a Leningrádi Konzervatóriumba. Diákként részt vett a berlini nemzetközi karmesterversenyen, ahol második helyezést ért el.

A konzervatóriumi diploma megszerzése után 1977-ben a fiatal karmestert felvették asszisztensnek a Kirov Színházba. Jurij Temirkanov lett a mentora, és már 1978-ban Valerij Gergijev állt az irányításnál, és előadta Prokofjev „Háború és béke” című operáját. 1988-ban ő váltotta Jurij Temirkanovot, miután távozott a Leningrádi Filharmonikusokhoz.

Az 1992-es évet a Kirov Színházhoz való visszatérés jellemezte, történelmi neve "Mariinszkij Színház". A szentpétervári színházi közönség az operaelőadások látogatása érdekében előre, hónapokkal előre foglal helyet. Ma Valerij Gergijev a színház vezető karmestere és művészeti vezetője.

Jevgenyij Szvetlanov

A híres orosz és nemzetközi karmester, Jevgenyij Fedorovics Szvetlanov (1928-2002) észrevehető nyomot hagyott Oroszország kulturális örökségében. A „Szocialista Munka hőse” és „A Szovjetunió népművésze” címet viseli. A Szovjetunió Lenin- és állami díjának kitüntetettje.

Svetlanov kreatív karrierje közvetlenül azután kezdődött, hogy 1951-ben végzett a Gnessin Intézetben. Tanulmányait a Moszkvai Konzervatóriumban folytatta opera- és szimfonikus karmester- és zeneszerzés szakon.

A debütálásra 1954-ben került sor a Bolsoj Színház színpadán, Rimszkij-Korszakov „A pszkovi nő” című operájának előadásában. 1963 és 1965 között a Bolsoj Színház vezető karmestere volt. Munkája során érezhetően emelkedett az operaelőadások színvonala.

1965-2000 között a Szovjetunió (később Oroszország) Állami Szimfonikus Zenekarának művészeti igazgatójaként és vezető karmesterként dolgozott együtt.

Vlagyimir Spivakov

Vlagyimir Teodorovics Szpivakov orosz karmester 1944-ben született Ufa városában. 1968-ban végzett a Moszkvai Konzervatóriumban, 1970-ben pedig posztgraduális tanulmányait.

Vlagyimir Szpivakov a Gorkij Konzervatóriumban tanulta mesterségét Israel Gusman professzornál. Később speciális tanfolyamon vett részt az Egyesült Államokban, Leonard Bernstein és Lorin Maazel mellett.

Jelenleg az 1979-ben személyesen szervezett Moszkvai Virtuózok Kamaraszimfonikus Zenekar állandó igazgatója és karmestere. Fellépett európai zenekarokkal és amerikai együttesekkel. Vezetett a La Scala Színházban, az Accademia Ceciliában, a németországi Köln Filharmóniájában és a Francia Rádióban. A moszkvai Nemzetközi Zeneház elnöke.

Jurij Basmet

Basmet Jurij Abramovics orosz karmester 1953. január 24-én született a Don-i Rosztovban. A Szovjetunió népművésze. Az Orosz Föderáció négy állami díjának nyertese.

1976-ban diplomázott a moszkvai konzervatóriumban. 1972-ben, még diák korában megszerezte Paolo Testore olasz mester brácsahegedűjét, amely 1758-ban készült. Bashmet ma is játszik ezen az egyedülálló hangszeren.

1976-ban kezdett aktív koncertezésbe, majd két évvel később tanári állást kapott a Moszkvai Konzervatóriumban. 1996-ban Jurij Bashmet létrehozta a „Kísérleti Viola Tanszéket”, ahol szimfonikus, opera- és kamarazenei brácsa szólamokat tanulnak. Ezzel egy időben megkapta a Moszkvai Konzervatórium professzori címét. Jelenleg aktív jótékonysági és társadalmi tevékenységet folytat.

Herbert von Karajan neve a világtudatban elválaszthatatlanul kapcsolódik Salzburghoz. Az 1908-ban Salzburgban született karmester évtizedeken át a maga módján alakította Mozart város kulturális életét, és az események élére állt.

A karmester nyomában
Salzburg városában járva folyamatosan olyan helyeken találja magát, amelyek a kiváló karmester életéhez és munkásságához kötődnek. A Salzburg óvárosának központjában, a Makart gyalogos híd mellett, a Raiffeisen Bank kertjében található, életnagyságú bronzszobor Herbert von Karajanra emlékeztet. Egy közeli épület emléktábláján található felirat szerint Karajan ebben a házban született 1908. április 5-én. Salzburg városa azzal tisztelte híres fiát, hogy a Fesztiválnegyed egyik nevezetes terét Herbert von Karajan Platznak nevezte el.

Sírja az anifi temetőben található, egy kis helyen Salzburg városához közel, ahol Herbert von Karajan sok éven át élt. Idővel a sír zarándokhellyé vált Karajan tehetségének csodálói számára a világ minden tájáról.

Herbert von Karajan és a Salzburgi Nyári Fesztivál
A háború utáni években Salzburgban Herbert von Karajan korszaka kezdődött. 1948-ban először Gluck Orpheuszának operaprodukcióját vezényelte, 1956-ban művészeti vezetővé nevezték ki, majd 1957-ben rendezőként debütált Beethoven Fidelio című operájában.
1960-ban Herbert von Karajan Richard Strauss Der Rosenkavalier című operájának előadásával felavatta a színházkomplexum Nagy Fesztiváltermének új épületét, és egy új korszak kezdetét hirdette meg. Még akkor is, amikor Karajan 1960 szeptemberétől már nem volt az egyedüli művészeti vezető, hanem 1964-től az igazgatóság tagja volt, akkor is mindig ő tartotta a kezében a vállalkozás szálait és hozza meg a legfontosabb döntéseket: mint „az utolsó autokratikus „lord”, utalva egy mondásra, amelyet 1989-ben bekövetkezett halála után írt egyik nekrológjában.

1967-ben megalapította a Salzburgi Húsvéti Fesztivált, amelyet haláláig irányított: a Berlini Filharmonikusokkal együttműködve minden évben színpadra állított egy operaprodukciót, amelyet a Berlini Szenátus bocsátott rendelkezésre, majd Salzburgban is szervezett koncerteket a Szentháromság idején.

Karajan korszaka
Karajan segített a Salzburgi Nyári Fesztivál nemzetközi státuszának megszerzésében. Míg a korábbi évtizedekben a Bécsi Állami Operaház együttese állt a stáb élén, addig Salzburg mára több nyelven beszélő nemzetközi sztárok találkozóhelyévé vált, akik szabad művészként otthon érzik magukat a híres színpadokon Milánótól New Yorkig.

Ez kezdett számos külföldi vendéget vonzani.
A karmester hosszú évtizedeken át egymás után, mint senki más, nemcsak a zenei színteret személyesítette meg, hanem a zenei dokumentáció fejlődését is felgyorsította. Élete utolsó éveiben nagy érdeklődéssel és lendülettel - főként saját zenekari irányításával - zenei remekműveket gyűjtött és dokumentált a világ számára.