Καλλιτεχνική τέχνη του 20ου αιώνα. Μοντέρνα στυλ και τάσεις στην τέχνη του 20ου αιώνα

Οι κύριες καινοτομίες στον πολιτισμό που προέκυψαν στο πρώτο μισό του 20ου αιώνα διαμορφώθηκαν κυρίως στο κυρίαρχο ρεύμα του μοντερνισμού, που έγινε συγκεκριμένος δρόμος καλλιτεχνικού εκφυλισμού των προβλημάτων αυτού του αιώνα. Η παράδοση απορρίφθηκε αποφασιστικά υπέρ της πρωτοπορίας. Τα κύρια χαρακτηριστικά του είναι η απομάκρυνση από τις πολιτιστικές αξίες του 18ου - 19ου αιώνα, κυρίως από την αρχή του ρεαλισμού, η διακήρυξη της ανεξαρτησίας της τέχνης από την πραγματικότητα, η δημιουργία νέων, μοναδικών μορφών γλώσσας, το περιεχόμενο καλές τέχνες.

Ένα από τα πιο διάσημα κινήματα του μοντερνισμού την πρώτη δεκαετία του 20ου αιώνα ήταν ο Φωβισμός (από το γαλλικό fanve - wild), που αντιπροσωπεύεται από τα ονόματα Γάλλων ζωγράφων - A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, A. Derain και άλλοι τους ένωσε η επιθυμία να δημιουργήσουν καλλιτεχνικές εικόνεςαποκλειστικά με τη βοήθεια φωτεινού piercing χρωματικές σειρές. Χρησιμοποίησαν τη φύση και το τοπίο όχι τόσο ως αντικείμενα εικόνας, αλλά ως αφορμή για τη δημιουργία έντονων χρωματικών συνθέσεων.

Κατά το πρώτο τέταρτο του 20ου αιώνα, ένα από τα πιο μοντέρνα και επιδραστικά καλλιτεχνικές μεθόδουςυπήρχε εξπρεσιονισμός (από τη γαλλική έκφραση - εκφραστικότητα). Βασισμένοι στον φιλοσοφικό διαισθητισμό του A. Bergson και στη φαινομενολογία του E. Husserl, των πρωταθλητών αυτού του καλλιτεχνικού κινήματος (Γερμανοί καλλιτέχνες F. Mark, E. Nolde, P. Klee, Ρώσος καλλιτέχνης V. Kandinsky, Αυστριακοί συνθέτες A. Schoenberg, Ο A. Berg, κ.λπ. ) διακήρυξε ότι σκοπός της τέχνης δεν είναι η απεικόνιση της σύγχρονης πραγματικότητας, αλλά μια μοναδική έκφραση της ουσίας της στον υποκειμενικό κόσμο του ανθρώπου. Προσπάθησαν μέσω των οπτικών, μουσικών, λογοτεχνική τέχνη(Φ. Κάφκα) μεταφέρουν την ένταση των ανθρώπινων συναισθημάτων, τον παραλογισμό των εικόνων που προκύπτουν σε έναν άνθρωπο. Η παραμόρφωση των κανονικών μορφών για χάρη της αυξημένης μετάδοσης ανθρώπινων φόβων και ταλαιπωρίας, που συχνά εμφανίζεται με τη μορφή μιας συλλογής φανταστικών, εφιαλτικών οραμάτων, γίνεται η βασική κατεύθυνση της δουλειάς τους. Ο κόσμοςΤο απεικονίζουν σε ατελείωτη κίνηση, μια ακατανόητα χαοτική σύγκρουση δυνάμεων εχθρικών προς τη φυσική κατάσταση του ανθρώπου. Οι κραυγαλέες αντιφάσεις στη ζωή της Ευρώπης στις αρχές του αιώνα, οι οποίες ήταν ιδιαίτερα έντονες στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο και Οκτωβριανή επανάστασηστη Ρωσία, και στη συνέχεια στη Γερμανία, οδήγησε στο έργο των Εξπρεσιονιστών μια σφοδρή διαμαρτυρία ενάντια στον πόλεμο και τη βία, ένα κάλεσμα για παγκόσμια ανθρώπινη αδελφότητα.

Ένα από τα σημαντικά καλλιτεχνικά κινήματα στο πρώτο τέταρτο του 20ου αιώνα ήταν ο κυβισμός (από το γαλλικό cube - cube) -- κίνημα πρωτοπορίαςστις εικαστικές τέχνες, που ανέδειξε την κατασκευή ογκομετρικών μορφών σε ένα επίπεδο και τη χρήση ρηχής πολυδιάστατης προοπτικής, η οποία κατέστησε δυνατή την αναπαράσταση του απεικονιζόμενου αντικειμένου με τη μορφή πολλών τεμνόμενων γραμμών και γεωμετρικών σχημάτων - κύβος, κώνος, κύλινδρος. Σύμφωνα με τον συγγραφέα του όρου «κυβισμός», L. Vossel, στους πίνακες αυτής της κατεύθυνσης κυριαρχούν «πολλοί κύβοι». Το έτος προέλευσης αυτής της τάσης θεωρείται το 1907, όταν ο εξαιρετικός καλλιτέχνης P. Picasso εξέθεσε τον προγραμματικό κυβικό πίνακα του «Les Demoiselles d'Avignon» - ένα μεγάλο πάνελ που απεικονίζει μια σκηνή οίκου ανοχής. Γυναικείες φιγούρεςστην εικόνα δεν υπάρχει σχεδόν καθόλου όγκος, είναι επίπεδοι, οι χαρακτήρες απεικονίζονται σε ροζ χρώμα, σε γεωμετρική μορφή, τα πρόσωπα είναι ζωγραφισμένα με τραχιές πινελιές. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι του κυβισμού P. Picasso, J. Braque, H. Gris, F. Picabia, M. Duchamp, F. Leger και άλλοι επέδειξαν με τη δημιουργικότητά τους την άρνηση της αναδημιουργίας του χώρου μέσω γραμμική προοπτική, αντικαθιστώντας το με ταυτόχρονη εικόνα ενός αντικειμένου από πολλές διαφορετικές οπτικές γωνίες. Εάν στο πρώτο στάδιο της ανάπτυξης του κυβισμού (1907 - 1913), που ονομάζεται "αναλυτικό", όλες οι εικόνες συνθλίβονται σε μικρά επίπεδα και κύβους, κάτι που, σύμφωνα με τους συγγραφείς, επιτρέπει βαθύτερη κατανόηση της ουσίας των αντικειμένων και των φαινομένων, τότε στο συνθετικό στάδιο δίνεται όλο και περισσότερη προσοχή στο χρώμα, οι πίνακες γίνονται πιο αφηρημένοι, διακοσμητικοί και γενικευμένοι και οι ασκητικοί πρασινωποί, καφέ και γκρι τόνοι δίνουν τη θέση τους σε φωτεινότερους και πιο αντιθετικούς. Ο κυβισμός είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της avant-garde τέχνης και συνέβαλε στην εμφάνιση της αφηρημένης τέχνης, του φουτουρισμού και του σουπρεματισμού.

Η αφαίρεση κέρδισε ευρεία δημοτικότητα και μεγάλη επιρροή στο πρώτο μισό του 20ού αιώνα - δημιουργική μέθοδοςαφηρημένη, ή μη αντικειμενική, μη εικονιστική τέχνη, ειδικά ζωγραφική. Η αισθητική πίστη αυτής της μεθόδου σκιαγραφήθηκε από τον εξαιρετικό Ρώσο καλλιτέχνη V. Kandinsky στο βιβλίο «On πνευματική τέχνη"(1910), όπου υποστήριξε ότι ο καλλιτέχνης είναι προφήτης και ακτιβιστής, τραβώντας μπροστά με όλες του τις δυνάμεις το "κολλημένο καρότσι της ανθρωπότητας." Αλλά αυτό μπορεί να γίνει μόνο με τη δημιουργία μιας "νέας πραγματικότητας", που δεν είναι τίποτα άλλο από μια εσωτερική υποκειμενική πραγματικότητα που πηγάζει από τη διάνοια και τα συναισθήματα του καλλιτέχνη. αφηρημένη τέχνηΟι υποστηρικτές της (W. Kandinsky, P. Mondrian, F. Kupka, κ.λπ.) πιστεύουν ότι η ζωγραφική, απαλλαγμένη από την απεικόνιση των μορφών της ορατής πραγματικότητας, μπορεί να εκφράσει αυτό που αντικειμενικά υπάρχει πολύ βαθύτερα και πληρέστερα.

Υπάρχουν δύο βασικές κατευθύνσεις στην αφηρημένη τέχνη. Το πρώτο από αυτά, που υποδεικνύεται από το έργο των V. Kandinsky, F. Kupka και άλλων, δίνει την κύρια έμφαση στην ανεξάρτητη εκφραστική αξία του χρωματικού σημείου, στον χρωματικό του πλούτο των χρωματικών σχέσεων, με τη βοήθεια του οποίου ο καλλιτέχνης προσπαθεί να εκφράζουν τις βαθιές «αλήθειες της ύπαρξης», τις αιώνιες «πνευματικές ουσίες» που δεν υπόκεινται σε χονδρική αντικειμενικότητα πραγματικότητα. Αυτό ενσωματώνεται με την πιο ζωντανή μορφή στον πίνακα του V. Kandinsky «Sketch 1 for Composition VII» (1913), όπου υπάρχει μια ταραχή από κόκκινα, πορτοκαλί, κίτρινα, γαλαζοπράσινα χρώματα, διάσπαρτα με μαύρες ρίγες, πάνω από τις οποίες υψώνεται ένα Η κόκκινη φιγούρα, που θυμίζει τόσο το πρόσωπο όσο και το βιολοντσέλο, θα πρέπει, σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, να εκφράζει τη σύνθετη μελωδία των φαινομενικά ηχητικών συναισθημάτων, συναισθημάτων και εμπειριών ενός ατόμου. Ονομάστηκε αφηρημένος εξπρεσιονισμός.

Η δεύτερη κατεύθυνση της αφηρημένης τέχνης, που έχει τις ρίζες της στο έργο των μεγάλων Γάλλος ζωγράφοςΟ Π. Σεζάν και οι κυβιστές, που χαρακτηρίζονται από τη δημιουργία νέων τύπων καλλιτεχνικό χώροσυνδυάζοντας κάθε είδους γεωμετρικά σχήματα, χρωματιστά επίπεδα, ευθείες και σπασμένες γραμμές (K. Malevich, P. Mondrian, T. van Doesburg, κ.λπ.) Εκφράζεται σε διάφορες ποικιλίες: Suprematism (από το λατινικό υψηλότερο, τελευταίο) του K. Malevich, Rayonism M. Larionov, μη αντικειμενικότητα του P. Mondrian. Εξαιρετικός ΚαλλιτέχνηςΟ K Malevich, ο οποίος εργάστηκε για πολλά χρόνια στο Vitebsk, κέρδισε παγκόσμια φήμη για το «μαύρο τετράγωνό» του, το οποίο δεν θεωρούσε «άδειο τετράγωνο», αλλά «ευαισθησία στο απόλυτο κενό». Το μαύρο ακολουθήθηκε από άλλες εικόνες τετραγώνων - κόκκινες, ακόμη και λευκές σε λευκό φόντο. Το 1914 εμφανίστηκε ο πίνακας «Dynamic Suprematism», ο οποίος έδωσε το όνομά του σε αυτό το καλλιτεχνικό κίνημα. Σε λευκό φόντο υπάρχει ένα τρίγωνο που αγγίζει διαφορετικούς τόπουςμε άλλους γεωμετρικά σχήματα, τρίγωνα, κύκλοι διαφορετικά μεγέθη. Ο σουπρεματισμός θεωρήθηκε από τον Μάλεβιτς ως η απόλυτη κυριαρχία στην καλλιτεχνική δραστηριότητα της «καθαρής» αίσθησης, απαλλαγμένης από κάθε σχέση με την αντικειμενική πραγματικότητα.

Οι καινοτόμες τεχνικές που αναπτύχθηκαν από οπαδούς της αφηρημένης τέχνης είχαν ισχυρή επιρροή στην εμφάνιση και ανάπτυξη της ποπ αρτ, της op art και χρησιμοποιούνται ευρέως στο μοντέρνο design, την τέχνη του design, το θέατρο, τον κινηματογράφο και την τηλεόραση.

Ο φουτουρισμός είναι ένα από τα πρωτοποριακά κινήματα στον πολιτισμό του πρώτου τετάρτου του 20ού αιώνα, διαδεδομένο κυρίως στην Ιταλία και τη Ρωσία. Αφετηρία του ήταν η δημοσίευση στην παρισινή εφημερίδα Le Figaro στις 20 Φεβρουαρίου 1910 από τον Ιταλό ποιητή Φ. Μαρινέτι του Φουτουριστικού Μανιφέστου. Η ουσία αυτού του κινήματος είναι μια επαναστατική, άναρχη διαμαρτυρία ενάντια παραδοσιακός πολιτισμός, μια συγγνώμη για τα τελευταία επιστημονικά και τεχνολογικά επιτεύγματα, ψάλλοντας το βρυχηθμό των σύγχρονων βιομηχανικών πόλεων. Προσπάθησαν να κόψουν τον «καρκίνο» του παραδοσιακού πολιτισμού με το νυστέρι του τεχνισμού, της αστικοποίησης και νέα επιστήμη. Οι Ιταλοί μελλοντολόγοι U. Boccioni, G. Balla, G. Severini και άλλοι είδαν τα κύρια μέσα καθαρισμού του κόσμου από παλιά σκουπίδια σε πολέμους και επαναστάσεις. Έχοντας χαιρετίσει τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο με χαρά, πολλοί από αυτούς προσφέρθηκαν εθελοντικά να πολεμήσουν και πέθαναν. Το σύνθημά τους: «Ο πόλεμος είναι η μόνη υγιεινή στον κόσμο!» Κάποιοι από αυτούς εντάχθηκαν στο φασιστικό κόμμα μετά τον πόλεμο Ιταλός δικτάτοραςΒ. Μουσολίνι. Η ποίηση των μελλοντολόγων είναι απόκοσμη, στοχεύει στην καταστροφή της ζωντανής γλώσσας και αντιπροσωπεύει τη βία κατά του λεξιλογίου και του συντακτικού. Στη ζωγραφική και τον πολιτισμό χαρακτηρίζονται από την άρνηση της αρμονίας ως θεμελιώδη αρχή της τέχνης. Η εξοικείωση με τις δημοφιλείς παρουσιάσεις των επιτευγμάτων της φυσικής και της ψυχολογίας γεννά την επιθυμία στους μελλοντολόγους να απεικονίσουν όχι τα ίδια τα αντικείμενα, αλλά τα ενεργειακά, μαγνητικά και ψυχολογικά πεδία που τα σχηματίζουν και η κίνηση απεικονίζεται με την υπέρθεση διαδοχικών φάσεων σε μία εικόνα. Ως αποτέλεσμα, εμφανίζονται «θολά» πλαίσια στην εικόνα που απεικονίζουν ένα άλογο με είκοσι πόδια, ένα αυτοκίνητο με πολλούς τροχούς. Ενα ακόμα σημαντικό χαρακτηριστικόΟ φουτουρισμός ήταν η επιθυμία να φέρει στις εικαστικές τέχνες τους θορύβους και τους ήχους του τεχνικού κόσμου με τη βοήθεια εικαστικών μέσων. Ο J. Balla, για παράδειγμα, αποκαλεί τη ζωγραφική του «Ταχύτητα αυτοκινήτου + φως + θόρυβος».

Ο φουτουρισμός στη Ρωσία ήταν σημαντικά διαφορετικός από τον ιταλικό ομόλογό του. Οι πρωταθλητές του A. Kruchenikh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky και οι αδερφοί Burliuk χαρακτηρίστηκαν από την επιθυμία να δημιουργήσουν νέες αρχές βασισμένες σε σημασιολογικά παράδοξα, καινοτόμα «δημιουργία λέξεων και καινοτομία λέξεων», η οποία εκδηλώθηκε ξεκάθαρα στο η αμηχανία του V. Khlebnikov. Τους διέκρινε μια αυξημένη αίσθηση της επερχόμενης «παγκόσμιας επανάστασης», της αναπόφευκτης «κατάρρευσης του παλιού» και της εμφάνισης μιας «νέας ανθρωπότητας». Επιδίωξαν να θέσουν την τέχνη τους στην υπηρεσία της επανάστασης, αλλά μέχρι την ηλικία των 20 ετών δεν αρέσουν οι νέες αρχές, δέχθηκαν έντονη κριτική και οι ομάδες τους διαλύθηκαν.

Ένα από τα πιο σημαντικά καλλιτεχνικά κινήματα στον πολιτισμό του 20ού αιώνα ήταν ο σουρεαλισμός (από τον γαλλικό σουρεαλισμό, κυριολεκτικά υπερρεαλισμός, υπερρεαλισμός), που αναπτύχθηκε στη δεκαετία του '20. Κύριοι εκπρόσωποί της είναι οι συγγραφείς A. Breton, G. Appolinaire, P. Eluard, F. Soupault, οι καλλιτέχνες S. Dali, P. Bloom, M. Ernst, H. Miro, οι θεατρικοί συγγραφείς A. Artaud, J. Cheale, οι κινηματογραφιστές I. Bergman, A. Hitchcock, κ.λπ.) διακήρυξαν ότι η πηγή της τέχνης είναι η σφαίρα του υποσυνείδητου - ένστικτα, όνειρα, παραισθήσεις, αυταπάτες, αναμνήσεις της βρεφικής ηλικίας και η κύρια μέθοδος - η αντικατάσταση των λογικών συνδέσεων με ελεύθερες συνειρμούς. Το καθήκον του καλλιτέχνη, κατά την κατανόησή τους, ήταν να διεισδύσει στα βάθη με τη βοήθεια γραμμών, επιπέδων, σχημάτων και χρωμάτων. ανθρώπινο υποσυνείδητο, που εκδηλώνοντας τον εαυτό του στα όνειρα, ενώνει την πραγματικότητα και την μη πραγματικότητα σε ένα ενιαίο σύνολο. Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης αυτού του κινήματος, ο Σαλβαδόρ Νταλί, αποκαλεί την προσέγγισή του στη δημιουργικότητα την «παρανοϊκή-κριτική μέθοδο», η οποία επιτρέπει σε εικόνες που είναι καλά γνωστές στο μυαλό - άνθρωποι, ζώα, κτίρια, τοπία - να συνδυαστούν με γκροτέσκο τρόπο. έτσι ώστε, για παράδειγμα, τα άκρα να μετατραπούν σε ψάρια, οι κορμοί των γυναικών - σε άλογα, και τα ανοιχτά γυναικεία χείλη - σε έναν ροζ καναπέ. Στον διάσημο πίνακα του Μαλακή κατασκευή με βρασμένα φασόλια: ένα προαίσθημα εμφύλιος πόλεμοςστην Ισπανία (1936)" το σεξ και ο τρόμος είναι συνυφασμένα: μαλακή γυναικεία σάρκα στο κέντρο έρχεται σε αντίθεση με τραχιά, κάλους χέρια, το ένα από τα οποία κρατά το στήθος, το άλλο πιέζεται στο έδαφος σαν μια παλιά ρίζα αμπέλου που τρέφεται με βρασμένα φασόλια, συμβολίζοντας οι απλοί άνθρωποι που γίνονται θύματα πολέμου.

Συγκλονισμένος από τις καταστροφές του 20ου αιώνα, ο Νταλί συγκλονίζει τον θεατή με φανταστικές, αριστοτεχνικά εκτελεσμένες συνθέσεις στις οποίες οι φόβοι του οιδιπόδειου συμπλέγματος είναι περίπλοκα αλληλένδετοι, προσωποποιημένοι σε πορτρέτα του Β. Ι. Λένιν, τοποθετημένα στο πληκτρολόγιο ενός μαύρου πιάνου : η εμφάνιση των έξι κεφαλιών του Λένιν στο πιάνο» (1931) και σε μια φωτογραφία ενός φασίστα δικτάτορα σε ένα επιχρυσωμένο πιάτο κάτω από τη ζοφερή σκιά ενός μαύρου τηλεφώνου, κρεμασμένος σε ένα κομμένο δέντρο και βγάζοντας ένα γιγάντιο δάκρυ από το σωλήνα του (" Το μυστήριο του Χίτλερ» (1939), με τη φρίκη του πολέμου «Το πρόσωπο του πολέμου» (1940-1941), όπου το κρανίο, τα μάτια και το στόμα του κεφαλιού του θανάτου γέρνουν πάνω από άλλα κρανία. Αναδυόμενα από το υποσυνείδητο, αισθησιακά όνειρα , οι εφιάλτες και οι παρανοϊκές φαντασιώσεις, που μετατρέπονται σε μια κρυφή πραγματικότητα, σχηματίζουν μια αιωρούμενη, ταλαντευόμενη, γεμάτη δυναμισμό εικόνα, στο κέντρο της οποίας υπάρχει συχνά μια εικόνα μιας στενοντυμένης, μισοντυμένης και εντελώς γυμνής γυναίκας (το γένος Ρωσίδα Η Elena Deluvina-Dyakonova) ήταν η λατρεμένη σύζυγος του καλλιτέχνη, την οποία χαρακτήρισε πολύ σέξι και παθιασμένη.

Ο σουρεαλισμός είχε ισχυρή επιρροή διάφορες περιοχέςπολιτισμού, την επιρροή του γνώρισε η φωτοτέχνη (Φ. Ναδάρα, Ντ. Κάμερον κ.λπ.), το «θέατρο του παραλόγου» (Ε. Ιονέσκο, Σ. Μπέκετ), ο κινηματογράφος (Α. Ταρκόφσκι κ.λπ.).

Τα κινήματα τέχνης είναι ένα σύστημα καλλιτεχνικών τεχνικών, μέσων έκφρασης, που έχουν σχεδιαστεί για να εκφράσουν μια συγκεκριμένη ιδέα, κοσμοθεωρία, κυρίαρχη σε μια συγκεκριμένη κοινότητα σε μια δεδομένη χρονική περίοδο. Τα στυλ αναπτύχθηκαν την τελευταία χιλιετία, αντικαθιστώντας διαδοχικά το ένα το άλλο. Ωρες ωρες ένα νέο στυλπροέκυψε ως συνέχεια και εξέλιξη του προηγούμενου, μερικές φορές έγινε συνέπεια της πάλης με τις ιδέες του προκατόχου.

ΣΕ σε ορισμένες περιπτώσειςΕίναι τόσο δύσκολο να ξεχωρίσεις ένα στυλ που μάλλον κατατάσσεται ως σκηνοθεσία. Έτσι, ο συμβολισμός και ο κυβισμός μπορούν να ταξινομηθούν ως ένα ανεξάρτητα διαμορφωμένο στυλ ή μπορούν να θεωρηθούν κατευθύνσεις ολοκληρωμένου μοντερνισμού.

Κάθε εποχή γεννούσε περισσότερα από ένα καλλιτεχνικά στυλ. Μελετώντας έργα τέχνης, μπορείς να γνωρίσεις καλύτερα την εποχή που διαμορφώθηκε και κυριάρχησε ένα συγκεκριμένο καλλιτεχνικό στυλ.

Βασικές κατευθύνσεις στην τέχνη των αιώνων X - XIX

Ρωμανικό στυλ (X - XIII αιώνες)

Γοτθικό στυλ (XIII - XVI αιώνες)

Μπαρόκ (XVI - XVIII αιώνες)

Κλασσικισμός (XVII - XIX αιώνες)

Συναισθηματισμός (XVIII αιώνας)

Ρομαντισμός (XVIII - XIX αιώνες)

Ρεαλισμός (XIX αιώνας)

Βασικές κατευθύνσεις στην τέχνη του 20ού αιώνα

Συμβολισμός

Ιμπρεσιονισμός

Σουρεαλισμός

Αναπτύχθηκε στη δεκαετία του 1920 του περασμένου αιώνα και είναι ένα στυλ παράδοξων μορφών και υπαινιγμών, που αντικατοπτρίζουν τον συνδυασμό ονείρων και πραγματικότητας. Στη ζωγραφική, ο σουρεαλισμός αντικατοπτρίζεται ξεκάθαρα στους πίνακες των Μαγκρίτ, Ερνστ, Νταλί, Μάττα...

Ιστορία της τέχνης που κατανοεί τα φαινόμενα και μελετά τις διαδικασίες ανάπτυξης τέχνη του 20ου αιώνα, εμβαθύνοντας στα πρότυπά τους και εντοπίζοντας τις βασικές στιγμές αυτών των διαδικασιών, δεν είναι σε θέση να τις κρίνει συνολικά από τα τελικά τους αποτελέσματα. Ένας ιστορικός τέχνης περασμένων εποχών έχει το δικαίωμα να εξετάσει το υλικό που μελετά υπό το πρίσμα των συμπερασμάτων και των συνεπειών που προκύπτουν από αυτό και να προλογίσει με αυτά την κύρια παρουσίαση. Η ιστορία της τέχνης του 20ου αιώνα δεν επιτρέπει κάτι τέτοιο. Αντενδείκνυται η προσπάθεια να δοθούν οριστικές κρίσεις για ημιτελείς διαδικασίες. Είναι περίπουπρώτα απ 'όλα, για το αβάσιμο ορισμένων γενικών ορισμών του 20ου αιώνα ως εποχής που άλλαξε σχεδόν ολόκληρη τη φύση της τέχνης και καθιέρωσε για πάντα το δικό της νέο στυλ. Συνήθως τέτοιες συνολικές κρίσεις προέρχονται από οποιαδήποτε από τις γραμμές της καλλιτεχνικής διαδικασίας, από εφήμερα ιδιαίτερα φαινόμενα που δηλώνονται ως αρχή νέα εποχή. Πολλά παραδείγματα τέτοιων εμπειριών, καθώς και το αίσχος τους στην πραγματική ιστορία της τέχνης του 20ού αιώνα, θα μπορούσαν να δοθούν. Το γεγονός ότι εδώ παίζει ρόλο και ο ερευνητής τέχνη του 20ου αιώναο ίδιος είναι βυθισμένος στη ροή του και το παρατηρεί, θα λέγαμε, από μέσα. Με μια τέτοια άποψη, μπορεί εύκολα να προκύψουν κάποιου είδους οπτικά σφάλματα. Κανείς δεν έχει εγγύηση από αυτούς και οι ίδιοι, με τη σειρά τους, αποτελούν μέρος της ιστορίας της καλλιτεχνικής αυτογνωσίας πολιτισμός του 20ου αιώνα.

Οι συνθήκες στις οποίες βρίσκεται η ιστορία τέχνη του 20ου αιώνα, προειδοποιούν ενάντια στον πειρασμό να το διατυπώσουμε ή να το κωδικοποιήσουμε στην εισαγωγή γενικές ιδιότητες. Θα ήταν πιο δίκαιο να περιοριστούμε σε κάποιες ιστορικές και καλλιτεχνικές υποθέσεις, βάσει των οποίων θα εξεταστεί περαιτέρω η ίδια η τέχνη. Η αρχική υπόθεση μπορεί να παρουσιαστεί ως αξίωμα: η τέχνη του 20ου αιώνα είναι μια τέχνη σημείο καμπής, και όχι μόνο παλιά ή απλώς νέα, και όχι μόνο παλιά ή απλά νέα περίοδοςτις ιστορίες του. Θα ήταν ασυγχώρητα αφελές να δούμε σε αυτό είτε μόνο ένα άμεσο και συνεπές ξεθώριασμα του παρελθόντος είτε μόνο μια γραμμική ανοδική κίνηση, της οποίας όλες οι αρχές διαμόρφωσης στυλ έχουν ήδη διαμορφωθεί με απόλυτη βεβαιότητα, και το μόνο που μένει είναι να περιμένουμε για την ωρίμανση των καρπών, ή - το πολύ δύσκολες περιπτώσεις- μεταμόρφωση του άσχημου παπιού σε όμορφος κύκνος. Αυτή είναι η τέχνη της κρίσης με την αρχική, λεξική έννοια της λέξης, που εκφράζει την υψηλότερη ένταση ενός σημείου καμπής. Η δραστηριότητα της ζωής του αποκαλύπτει πρότυπα τόσο του θανάτου του παλιού όσο και της ανάπτυξης του νέου. Αυτό το παλιό και το νέο (τι σημαίνουν θα συζητηθεί περισσότερες από μία φορές παρακάτω) δεν βρίσκονται σε μια στοιχειώδη σειρά, αλλά ενεργούν σε αμοιβαία διασταύρωση, καλύπτοντας τον παγκόσμιο χώρο και τον τεράστιο ιστορικό χρόνο. Για αυτούς τους λόγους, στο τέχνη του 20ου αιώναοι νόμοι που είναι εγγενείς ειδικά και αποκλειστικά στο σημείο καμπής διέπονται με εξαιρετική και σε μεγάλο βαθμό καθοριστική ισχύ. Εκδηλώνονται όχι μόνο στο τι και πώς η τέχνη αντανακλά, για παράδειγμα, στον αλληγορισμό που είναι χαρακτηριστικός τέτοιων περιόδων, όπως ένας τύπος καλλιτεχνικής σκέψης που εκφράζει νέες ιδέες σε παλιές μορφές ή στην αναγνώριση της αδυναμίας ενσωμάτωσης αυτών των ιδεών σε εικονογραφική μορφή. στην ανάπτυξη προστατευτικών τάσεων και καινοτομιών που συνδέονται με την άρνηση του παρελθόντος κ.λπ. Σε πολύ μεγάλο βαθμό, η επίδραση των νόμων του σημείου καμπής αντανακλάται στη γενική συγκλονιστική κατάσταση στην οποία έρχεται η τέχνη, χάνοντας την παλιά σε μεγάλα ιστορικά όρια και κερδίζοντας νέο έδαφος για την ανάπτυξή της. Υπό αυτές τις συνθήκες, με μια οξύτητα πρωτόγνωρη στις κλασικές εποχές της ιστορίας της τέχνης, εγείρονται ερωτήματα για το τι σημαίνει, γιατί υπάρχει και τι μπορεί να κάνει η τέχνη, και μεταξύ των απαντήσεων σε αυτές υπάρχουν αρκετά αξιοσημείωτες για μη κλασικές φορές, η μυθοποιημένη ιδέα της τέχνης για τον εαυτό της ως παντοδύναμη δομική δύναμη και εικονομαχική αυτοάρνηση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας.

τέχνη του 20ου αιώνα- όχι το πρώτο σημείο καμπής, η μη κλασική εποχή στη γενική ιστορία της τέχνης. Από τη σκοπιά των κλασικών εποχών, δημιουργώντας αναμφίβολα καλλιτεχνικές αξίεςανταποκρινόμενη αρμονικά στο περιβάλλον που τους γέννησε και λύνοντας αισθητικά πλήρως τα ιδεολογικά και καλλιτεχνικά κοινωνικά τους προβλήματα, η τέχνη της μη κλασικής εποχής φαίνεται από πολλές απόψεις μη ικανοποιητική. Έτσι απεικονίζεται τέχνη του 20ου αιώναστην αντίληψη ενός σημαντικού μέρους των συγχρόνων του· πολλά από αυτά που προβάλλονται ως θετικές αξίες είναι διφορούμενα. Η τέχνη είναι συχνά εμποτισμένη με δυσαρέσκεια με τον εαυτό μας και τη ζωή γύρω μας. είναι επίσης πολύ αμφίβολο αν εκφράζει πάντα ικανοποιητικά τη δυσαρέσκειά του για την πραγματικότητα κλπ. Ταυτόχρονα, η θέση των σημείων καμπής μεταξύ των εποχών που η άνοδος του ενός ή του άλλου φτάνει στο αποκορύφωμά της μεγάλο στυλή, το πολύ ευρύτερο και πιο σημαντικό, η καλλιτεχνική κουλτούρα ενός ολόκληρου κοινωνικοϊστορικού σχηματισμού, που είναι βαθιά φυσικό. Και οι δύο συνδέονται σταθερά σε μια ενιαία αλυσίδα ιστορικής και καλλιτεχνικής διαδικασίας και μια συζήτηση για την πρωτογένεια των κλασικών ή μη εποχών θα έμοιαζε με μια διαμάχη για το τι προέκυψε - το κοτόπουλο ή το αυγό. Εξίσου φυσικές είναι οι ασυνέπειες και η αστάθεια που συνιστούν τη συγκεκριμένη ιδιότητα της τέχνης μιας καμπής. Οι αλλαγές που βιώνονται σε τέτοιες εποχές αγκαλιάζουν τόσο την εσωτερική δομή της τέχνης όσο και πρακτικά ολόκληρη τη σφαίρα της σχέσης της με τον έξω κόσμο, στον οποίο δεν λειτουργούν μόνο οι πραγματικές καλλιτεχνικές και υφολογικές δυνάμεις, αλλά και ένα ολόκληρο σύμπλεγμα αριστερών δυνάμεων. Μπορούν να ομαδοποιηθούν σε τρεις βασικούς τομείς: ιδεολογικά και καλλιτεχνικά ζητήματα, θέματα κοινωνικοϊστορικού χαρακτήρα της τέχνης, γνωρίσματα εθνικού και διεθνούς χαρακτήρα. Όλα αντιστοιχούν στην ιστορία της τέχνης, έχουν τις ρίζες τους σε αυτήν και υπάρχουν σε μια αλληλένδετη μορφή. Είναι προφανές ότι γεγονότα όπως η ανάδυση νέων κλάδων καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, η αναδιάρθρωση της σύνθεσης ειδών-ειδών καλών τεχνών, η τυπολογία των αρχιτεκτονικών δομών, η ανάδυση εθνικά σχολεία, η ανάπτυξη διεθνών καλλιτεχνικών κινημάτων και πολλά άλλα σχετικά με την ιδεολογική δομή, τις μορφές και τις λειτουργίες της τέχνης δεν μπορεί να περιοριστεί μόνο στην εξέλιξη του στυλ, η οποία λαμβάνει χώρα στη δική της, σχετικά ανεξάρτητη τάξη. Κάθε ένα από τα σημεία καμπής έχει τη δική του ιδιαιτερότητα των τριών πτυχών της ιστορίας της τέχνης που ονομάσαμε και των σχέσεών τους. Το κοινωνικοϊστορικό πανόραμα της τέχνης των χωρών και των λαών του κόσμου τον 20ό αιώνα διαμορφώνεται από τους καλλιτεχνικούς πολιτισμούς των περισσότερων διάφοροι τύποι: από την πρωτόγονη φύση της δημιουργικότητας των λαών και των φυλών που βρίσκονται στο επίπεδο του φυλετικού συστήματος, και από τον μεσαιωνικό τύπο καλλιτεχνικών πολιτισμών σε μια ποικιλία από ιδιαίτερα ανεπτυγμένους σύγχρονους πολιτισμούς. Ιστορικές και καλλιτεχνικές ιδιότητες όλων αυτών διαφορετικές τέχνεςυπάρχουν ταυτόχρονα στον πλανήτη, σχηματίζοντας αναπόσπαστα τμήματα καλλιτεχνικής πολιτισμός του 20ου αιώνα.

Από πλευράς εθνικών και διεθνών θεμάτων τέχνη του 20ου αιώναμοιάζει με ένα πολύπλευρο πανόραμα των εθνικών τεχνών, των περιφερειακών τους κοινοτήτων και των διεθνών καλλιτεχνικών κινημάτων. Στο σύνολό τους, σχηματίζουν ένα σύστημα που μπορεί κάλλιστα να ονομαστεί παγκόσμια τέχνη. Τον 20ο αιώνα, αυτό το σύστημα καλύπτει όλα όσα υπάρχουν καλλιτεχνική δημιουργικότηταεπί γεωγραφικός χάρτηςειρήνη. Δεν υπάρχουν πλέον «κενά σημεία» σε αυτό το είδος των ζωνών σιωπής στις οποίες η ευρωκεντρική Γενική ιστορίαΗ τέχνη τείνει να τοποθετεί τους καλλιτεχνικούς πολιτισμούς ξένους στην ευρωπαϊκή αισθητική εμπειρία. Παγκόσμια τέχνηΟ 20ός αιώνας ενσωματώνει τις τέχνες σχεδόν όλων των εθνοτικών, περιφερειακών τύπων, ανεξάρτητα από την κοινωνικοϊστορική τυπολογία που αντιπροσωπεύουν. Εντάσσεται στην κυκλοφορία της διεθνούς καλλιτεχνικής ζωής, καθεμία από τις εθνικές τέχνες, μεγάλη ή μικρή, ανεπτυγμένη ή καθυστερημένη σε ιστορική αίσθηση, υποστηρίζεται ότι είναι σύγχρονο αισθητική αξία, προικισμένη στη ζωή της παγκόσμιας τέχνης με το ίδιο νόημα και μοναδικότητα που έχουν στη σύγχρονη ύπαρξη όλης της ανθρωπότητας τα έθνη, οι λαοί και οι χώρες που τη δημιούργησαν. Αυτή η τιμή δεν μπορεί να μετρηθεί με σύγκριση εθνικών πλεονεκτημάτων: τη θεωρία του «εκλεκτού» και του «κατώτερου» εθνικούς πολιτισμούςεξυπηρετούν εδώ τους πιο ευτελείς εθνικιστικούς και σοβινιστικούς, ρατσιστικούς στόχους. Οι ιστορικές και καλλιτεχνικές ιδιότητες αυτής ή της άλλης εθνικής τέχνης, αντίθετα, απαιτούν αρκετά ακριβείς μετρήσεις. Έτσι, το πανόραμα του κόσμου τέχνη του 20ου αιώνα, που εξετάζεται υπό το πρίσμα των κοινωνικών και εθνικών ζητημάτων, αποκαλύπτει κάτι μέσα υψηλοτερος ΒΑΘΜΟΣαξιοσημείωτος. Οι σχέσεις μεταξύ των τεχνών που το διαμορφώνουν, διαφορετικές στην κοινωνικοϊστορική τυπολογία και εθνικό χαρακτήρα, έχουν διττή φύση. Διαχρονικές, αντίστοιχες με τη θέση και τον ρόλο τους στην ιστορική εξέλιξη της καλλιτεχνικής κουλτούρας της ανθρωπότητας, και συγχρονισμένες, αφού όλες συνδέονται μεταξύ τους ως σύγχρονοι της ίδιας εποχής. Δηλαδή, συνδυασμένοι σε μια χρονολογική περίοδο, οι καλλιτεχνικοί πολιτισμοί σχετίζονται μεταξύ τους και ως παλιοί και νέοι, σύμφωνα με την ιστορική τους γένεση, και ως υπάρχουσες ταυτόχρονα κοινωνικές και εθνικές καλλιτεχνικές δυνάμεις, η αλληλεπίδραση και οι επαφές των οποίων συμβαίνουν στο ίδιο πεδίο και πολύ συχνά συνίστανται στη σύγκρουση διαφορετικών απαντήσεων στις ίδιες ερωτήσεις. Ορισμένα μεθοδολογικά συμπεράσματα απορρέουν από αυτές τις προϋποθέσεις. Σύμφωνα με τη φύση του φαινομένου, η μελέτη τέχνη του 20ου αιώναπεριλαμβάνει έναν συνδυασμό διαχρονικών και σύγχρονων προσεγγίσεων, την αμοιβαία διόρθωση τους. Και τα δύο είναι απαραίτητα, αλλά καθένα από αυτά, λαμβανόμενο από μόνο του, μπορεί να δώσει μια παραμορφωμένη εικόνα. Έτσι, η διαχρονική ανάλυση, χωρίς την οποία είναι αδιανόητο να φανταστεί κανείς την ιστορική εξέλιξη, να εντοπίσει την πρόοδο και την αντίδραση σε αυτήν, τείνει να κατανέμει όλα όσα συμβαίνουν στην τέχνη της εποχής μας σε στάδια διαδοχικής εξέλιξης που βρίσκονται το ένα πάνω από το άλλο, όπου το ένα ρέει ομαλά. από την άλλη, ενώ έκρυβε το πλήθος πραγματικές συνδέσεις, συνδέοντας τα σύγχρονα καλλιτεχνικά φαινόμενα. Όπως σε μια έκθεση μουσείου, η τέχνη διανέμεται σε διαφορετικές αίθουσες μιας ιδανικής-εξελικτικής σουίτας, κάνοντάς σας να ξεχνάτε ότι αντιπροσωπεύουν συντρόφους και αντιπάλους που έχουν πολλές φορές σπάσει δόρατα σε αισθητικές μάχες. Η σύγχρονη ανάλυση, που καθιστά δυνατή την κατανόηση του πραγματικού νοήματος και των σχέσεων των φαινομένων της σύγχρονης τέχνης, διαφορετικών ως προς την κοινωνικοϊστορική φύση, τον εθνικό χαρακτήρα, το ιδεολογικό και καλλιτεχνικό τους σύστημα, τείνει να τα παρουσιάζει με τη μορφή στατικής διαφορετικότητας. Όπως και στην έκθεση μιας έκθεσης σύγχρονης τέχνης, εδώ αποκαλύπτονται ξεκάθαρα ομοιότητες και διαφορές, συνδέσεις και αγώνες. καλλιτεχνικές δυνάμεις, αλλά από αυτό δεν είναι καθόλου σαφές προς ποιες κατευθύνσεις και ακολουθία κινείται η ανάπτυξη της τέχνης και αν συμβαίνει καθόλου. Επιτρέπεται να σημειωθεί ότι ο συνδυασμός διαχρονικών και συγχρονικών προσεγγίσεων παίζει σημαντικό ρόλο στη μελέτη της τέχνης περασμένων εποχών. Ειδικά για τον φωτισμό κρίσιμων χρόνων, για παράδειγμα για την κατανόηση των κινημάτων της Αναγέννησης και του ύστερου Μεσαίωνα που υπήρχαν την ίδια εποχή. Για τη μελέτη της τέχνης του 20ου αιώνα, αυτός ο συνδυασμός έχει εξαιρετική σημασία, αφού αυτή την εποχή η διαδικασία γενικής διεθνοποίησης των καλλιτεχνικών πολιτισμών απέκτησε πρωτόγνωρη ένταση και πολυπλοκότητα. Θα ήταν αφελές να δηλωθεί κάποιος ένας λόγος ως η πηγή των παγκόσμιων ιστορικών και καλλιτεχνικών διεργασιών του 20ού αιώνα. Η ιστορία της τέχνης του αιώνα μας βιώνει ολόκληρα συμπλέγματα κοινωνικών, εθνικών και υφολογικών μετασχηματισμών στα κύρια όριά της. Αυτά τα σύνολα αιτιών καθορίζουν τα στάδια ανάπτυξης της ιστορίας της τέχνης και αποκτούν τη θεμελιώδη σημασία της περιοδοποίησής της. Το πρώτο στάδιο τελειώνει το 1917-1918, την εποχή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου και της Οκτωβριανής Επανάστασης στη Ρωσία, όταν ο παγκόσμιος καλλιτεχνικός πολιτισμός γνώρισε μια θεμελιώδη καμπή. Δεύτερο στάδιο της ιστορίας τέχνη του 20ου αιώναφέρνει όχι μόνο σύνθετες στιλιστικές αλλαγές. Πίσω τους βρίσκονται θεμελιώδεις αλλαγές στην κοινωνική δομή, καθώς και μια αναδιάρθρωση της περιφερειακής διαίρεσης του κόσμου πολιτισμός του 20ου αιώνα. Από το 1917, η σοβιετική καλλιτεχνική κουλτούρα έχει διαμορφωθεί, η οποία αναπτύσσεται από μόνη της κοινωνική βάση, αποκτώντας την πολιτική της λειτουργία και τον υφολογικό της προσανατολισμό. Για τους λόγους αυτούς ανάλυση και αξιολόγηση της τέχνης των λαών της ΕΣΣΔ, της ιδεολογικής και καλλιτεχνικές αρχές, η ελευθερία και ο ολοκληρωτισμός, τα πρότυπα και οι ανωμαλίες εξετάζονται χωριστά στη «Μικρά Ιστορία της Τέχνης». Επιπλέον, οι τάσεις στην τέχνη των άλλων σημειώνονται μόνο εν συντομία εδώ. ολοκληρωτικά καθεστώτα, διαλύθηκε το 1945. Δηλαδή αυτές τις τομές της ιστορίας τέχνη του 20ου αιώναθα παραμείνει εκτός του πλαισίου αυτού του βιβλίου. Το τρίτο στάδιο, η αρχή του οποίου μπορεί να μετρηθεί από το 1945, σηματοδοτείται από τη γέννηση του παγκόσμιου συστήματος τέχνης, το οποίο περιλαμβάνει πολυεθνικούς και εθνικούς καλλιτεχνικούς πολιτισμούς, διαφορετικούς στην κοινωνική δομή και διαφορετικούς προσανατολισμούς στυλ. Οι αλλαγές που υφίσταται ο κόσμος τέχνη του 20ου αιώνααπό στάδιο σε στάδιο της ανάπτυξής τους, συγκεντρώνονται σε υφολογικά, ιδεολογικά και καλλιτεχνικά φαινόμενα και διαδικασίες. Μια προσπάθεια να τα χαρακτηρίσουμε όλα ταυτόχρονα θα ήταν σαφώς μάταιη - ολόκληρο το βιβλίο είναι αφιερωμένο σε αυτό το θέμα. Προς το παρόν, είναι σκόπιμο να σημειωθούν μόνο μερικές προκαταρκτικές διατάξεις. Δηλαδή, δεν είναι δυνατό να προσδιοριστεί ένα συγκεκριμένο γενικό ενιαίο στυλ του κόσμου τέχνη στον 20ο αιώνακαι εντάσσει όλα τα συστατικά του καλλιτεχνικά κινήματα σε μια ενιαία σειρά υφολογικής εξέλιξης. Έτσι, ας πούμε, ο Φωβισμός ή ο Κυβισμός δεν είναι συνέπεια της ανάπτυξης του ρεαλισμού σειρά XIX-XXαιώνες ή νεορεαλισμός του τέλους της δεκαετίας του '40 δεν πηγάζει από αφαιρετικότητα ή νεοκλασικισμό της δεκαετίας του '30 κλπ. Επιπλέον, κανένα από τα υπάρχοντα τέχνη του 20ου αιώναακόμη και η μεγαλύτερη σειρά υφολογικής εξέλιξης δεν εξαντλεί ολόκληρη την ανάπτυξή της και δεν καλύπτει αυτή την εξέλιξη συνολικά. Έτσι, για παράδειγμα, φαίνεται ότι η συνήθης γραμμή κίνησης από τον μετα-ιμπρεσιονισμό στον αφαιρετικό αντιστοιχεί μόνο σε μια πλευρά της ιστορίας της καλλιτεχνικής διαδικασίας του 20ού αιώνα. Ένας σημαντικός αριθμός πολύ σημαντικών φαινομένων παραμένει επίσης εκτός της ανάπτυξης του ρεαλισμού. Είναι προφανές λοιπόν ότι στο παγκόσμιο τέχνη του 20ου αιώνα, όπως είναι φυσικό για την καλλιτεχνική κουλτούρα μιας καμπής, στην οποία δρουν διάφορες κοινωνικοϊστορικές, εθνικές και διεθνείς δυνάμεις, η ανάπτυξη εμφανίζεται σε πολλές σειρές. Κάθε ένα από αυτά χαρακτηρίζεται από τα δικά του μοτίβα και η σχέση τέτοιων σειρών στυλιστικών κινήσεων συνδυάζει διαχρονικές και σύγχρονες αρχές. Μόνο στην ολότητα και τις αλληλεπιδράσεις τους όλα διαμορφώνουν ιστορία τέχνη του 20ου αιώνα.

Μπορεί επίσης να παρατηρήσει κανείς τη διαφορετική φύση τέτοιων στιλιστικών κινημάτων, νέων και παραδοσιακών, αυξανόμενων και παρακμασμένων, τοπικών και καθολικά σημαντικών, βαθιών και επιφανειακών, που ανταποκρίνονται αυστηρά στις κοινωνικές ή εθνικές συνθήκες στις οποίες αναπτύχθηκαν ή επισημοποιήθηκαν, επιτρέποντας το γέμισμα με διαφορετικά κοινωνικό περιεχόμενο και διαφορετική εθνική ερμηνεία. Πρέπει επίσης να είμαστε προετοιμασμένοι για το γεγονός ότι η πραγματική ιστορία τέχνη του 20ου αιώναθα δείξει πώς κάποια καλλιτεχνικά κινήματα, έχοντας προκύψει με εκρηκτικό τρόπο, εξαντλούνται γρήγορα, όπως ο κυβισμός, ενώ άλλα υπάρχουν σταθερά σε όλες τις δεκαετίες του 20ού αιώνα, αλλάζουν μόνο σε ορισμένα στάδια και σε διαφορετικές κοινωνικές και εθνικές συνθήκες, όπως π. για παράδειγμα, ο νεοκλασικισμός. Λόγω αυτών των συνθηκών, η στιγμή που εμφανίζεται αυτό ή εκείνο το κίνημα δεν καθορίζει πάντα τη θέση του στην ιστορία και τις καλλιτεχνικές διαδικασίες του 20ού αιώνα. Συχνά η διάρκεια ζωής τέτοιων κινήσεων παίζει πιο σημαντικό ρόλο. Όλα αυτά αποτελούν και πάλι το αντικείμενο μιας συγκεκριμένης μελέτης της ιστορίας. τέχνη του 20ου αιώνα, η κατανόηση των οποίων συνδέεται και με έννοιες που έχουν πολύ πιο γενικό νόημα από τις ιδιότητες οποιουδήποτε καλλιτεχνικού κινήματος. Έτσι, πρέπει να γνωρίζει κανείς ξανά και ξανά την ιστορική φύση των κοινωνικών, εθνικών, υφολογικών δυνάμεων του κόσμου τέχνη του 20ου αιώνα. Καθένα από αυτά και όλα μαζί είναι ακριβώς ιστορικά, και όχι αιώνια, πεπερασμένα, απόλυτα. Βλέπουμε πώς αναδύονται και διαλύονται ιδεολογικά και καλλιτεχνικά συστήματα του 20ου αιώνα, που ισχυρίζονται ότι έχουν το υψηλότερο, πιο περιεκτικό νόημα. Μέσα στην αυταπάτη τους, εναντιώνονται στις παγκόσμιες ιστορικές και καλλιτεχνικές διαδικασίες, απομονώνονται από αυτές και θεωρούν τον εαυτό τους την κορωνίδα κάθε κοινωνικής, εθνικής και υφολογικής παγκόσμιας εμπειρίας της τέχνης. Έχοντας κατά νου αυτές τις επιφυλάξεις, στρίβουμε δίπλα στο πολυσύλλαβο τέχνη του 20ου αιώνα.

Τον 20ο αιώνα, η ανθρωπότητα γνώρισε πολλές παγκόσμιες κρίσεις, δύο παγκόσμιους πολέμους, την κυριαρχία των ολοκληρωτικών καθεστώτων στη Γερμανία, την Ιταλία, την Ισπανία και την ΕΣΣΔ, καθώς και πολλές κοινωνικές επαναστάσεις. Επαναστάσεις σημειώθηκαν και στον τομέα της επιστήμης και της τεχνολογίας. Ο ρυθμός της ζωής έχει επιταχυνθεί αφάνταστα.

Όλα αυτά δεν μπορούσαν να μην επηρεάσουν τον πολιτισμό και την τέχνη, όπου προέκυψαν πολλές νέες σχολές και κατευθύνσεις. Αυτά τα σχολεία και τα κινήματα συχνά δεν αναγνώριζαν το ένα το άλλο, πολέμησαν, σηκώθηκαν και πέθαναν, αλλά ταυτόχρονα είχαν ένα κοινό - όλα αρνήθηκαν τις καλλιτεχνικές αξίες του παρελθόντος, την παλιά ηθική και τις καθιερωμένες μορφές κοινωνικής ζωής.

Οι νέες τάσεις στην τέχνη έχουν χαρακτηριστεί από τους κριτικούς ως μοντερνισμός, δηλαδή κάτι νέο, εντελώς διαφορετικό από κάθε τι παραδοσιακό και οικείο. Οι μοντερνιστές καλλιτέχνες αναζητούσαν τη δική τους μοναδική καλλιτεχνική γλώσσα, αλλά ταυτόχρονα την προσοχή τους τραβούσαν οι πολιτισμοί της Ασίας, της Αφρικής και της Αμερικής, τα θέματα και οι μορφές παραδοσιακή τέχνη. Όλα αυτά χρησιμοποιήθηκαν ως μέσο για να κατανοήσουμε και να αναδημιουργήσουμε τον νέο, ατελείωτα αλλαγμένο κόσμο της νεωτερικότητας.

Ισπανική τραγωδία

Ο εξαιρετικός καλλιτέχνης του 20ου αιώνα, ο Πάμπλο Πικάσο, πέρασε επίσης από ένα πάθος για τον κυβισμό. Παρά το γεγονός ότι αργότερα το έργο του έγινε πολύ πιο κοντά στον ρεαλισμό, η αρχή της παραμόρφωσης των αναλογιών χρησιμοποιήθηκε έξοχα. διάσημος πίνακας«Guernica», αφιερωμένη στην τραγωδία μιας ισπανικής πόλης που βομβαρδίστηκε από τους Ναζί το 1937.

Μία από τις νέες τάσεις στη ζωγραφική - ο φουτουρισμός - λάτρευε τις δυνατότητες της επιστήμης και της τεχνολογίας. Οι φουτουριστές είδαν το κλειδί για την ανθρώπινη πρόοδο στην ανάπτυξη του μηχανικού πολιτισμού.

Στη δεκαετία του 20-30 του 20ού αιώνα, ο μοντερνισμός αντικαταστάθηκε από την πρωτοπορία. Οι avant-gardists επιτέθηκαν με μανία στις παραδοσιακές τάσεις και στυλ, αρνήθηκαν Αιώνιες αξίες. Πολλοί καλλιτέχνες και θεωρητικοί της τέχνης προέκυψαν από τις τάξεις των καλλιτεχνών της avant-garde, οι οποίοι έγιναν οι ιδρυτές ολόκληρων κινημάτων στη σύγχρονη τέχνη, το σχέδιο, τη γλυπτική, τη λογοτεχνία και τη μουσική.

Στην αυγή του 20ου αιώνα, που ξεκίνησε με μια μεγαλειώδη παγκόσμια σφαγή - τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο - για πολλούς ανθρώπους των τεχνών, ο κόσμος φαινόταν σκληρός, παράλογος, γεμάτος παράλογες συγκρούσεις. Τα συναισθήματα της τραγωδίας της ιστορίας, της μοναξιάς και της εγκατάλειψης του ανθρώπου αντικατοπτρίζονται στη δημιουργικότητά του μεγάλους ζωγράφουςαυτή τη φορά - Σαλβαδόρ Νταλί και Πάμπλο Πικάσο.

Οι σουρεαλιστές καλλιτέχνες ενδιαφέρθηκαν για όλα όσα ξεπερνούν πραγματική ζωή, καθημερινή ζωή: όνειρα, ιδιορρυθμίες της φαντασίας, όνειρα και παραισθήσεις. Δημιούργησαν πρωτόγνωρες εικόνες και μπόρεσαν να δουν οικεία πράγματα και ανθρώπινες σχέσεις με έναν εντελώς νέο τρόπο.

Ο Ισπανός ζωγράφος, γραφίστας και συγγραφέας Σαλβαδόρ Νταλί (1904-1989) έγινε διάσημος ως ο δημιουργός των πιο απίστευτων εικόνων. Στους καμβάδες του, συνηθισμένα αντικείμενα τεντώνονται, λυγίζουν, παραμορφώνονται περίεργα, μετατρέπονται σε κάτι εντελώς διαφορετικό.

Στην ουσία των πραγμάτων

Ο εξαιρετικός Γάλλος καλλιτέχνης Paul Gauguin (1848-1903) έφυγε από τον πολιτισμό στα νησιά του Νότιου Ειρηνικού, ελπίζοντας να βρει εκεί παρθένα ειρήνη και αρμονία. Χρησιμοποιώντας απλοποιημένες φόρμες και σχεδόν επίπεδη εικόνααντικείμενα, φωτεινα χρωματακαι μια παράξενη σύνθεση, ο Γκωγκέν προσπάθησε να δείξει την ουσία των αντικειμένων και όχι το ορατό κέλυφος τους. Τέτοιος δημιουργικό τρόποαργότερα έλαβε το όνομα «πρωτογονισμός». Οι πρωτογονιστές περιλάμβαναν τους καλλιτέχνες A. Rousseau στη Γαλλία, W. Alfred στη Μεγάλη Βρετανία, M. Larionov και N. Goncharova στη Ρωσία.

Τετράγωνο και άπειρο

Το τελευταίο στάδιο της ρήξης με την πραγματικότητα ήταν ο σουπρεματισμός (από το λατινικό supreme - «υψηλότερο») του Ρώσου καλλιτέχνη Kazimir Malevich (1878-1935). Ο Μάλεβιτς πίστευε ότι η πλατεία είναι μια μορφή κατεξοχήν απαλλαγμένη από οποιοδήποτε περιεχόμενο.

Μαζί με τον μοντερνισμό και την πρωτοπορία, η ανάπτυξη συνεχίστηκε ρεαλιστικές κατευθύνσειςστην τέχνη. Το έργο των ρεαλιστών καλλιτεχνών βασιζόταν στην πίστη στις δυνάμεις και τις ικανότητες του ανθρώπου. Στα χρόνια μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο, πολλά μοντερνιστικά και πρωτοποριακά κινήματα στην τέχνη γνώρισαν κρίση. Η τέχνη επεδίωξε να δει τον κόσμο μετά από μια τρομερή καταστροφή με νηφάλιο βλέμμα. Στη ζωγραφική αυτής της περιόδου εμφανίστηκε ένα νεορεαλιστικό κίνημα, τονίζοντας την εγγύτητά του με τις παραδόσεις της κλασικής ρεαλιστικής τέχνης.

Ενάντια στη βία και στο κακό

Η ρεαλιστική τέχνη του 20ου αιώνα χρησιμοποιούσε συχνά τα επιτεύγματα και τις τεχνικές άλλων, μη ρεαλιστικών καλλιτεχνικών κινημάτων. Ετσι, μέσα έκφρασηςΟ εξπρεσιονισμός βοήθησε τη Γερμανίδα καλλιτέχνιδα Käthe Kollwitz (1867-1945) να εκφράσει απότομα και ξεκάθαρα τη στάση της για την καταπίεση, τη βία και τον πόλεμο στις γραφικές σειρές «The Weavers' Revolt» και «The Peasants' War». Όλα αυτά όμως ανήκουν στο παρελθόν. Σύγχρονη τέχνηπολύ πιο ενδιαφέρον. Πολιτιστικές προσωπικότητες που εργάζονται για τη διάδοση της βιομηχανίας τους θα συμφωνήσουν επίσης με αυτήν την άποψη. Ζούμε στον 21ο αιώνα και τότε πρέπει να τηρούμε τις σύγχρονες απόψεις.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα του 20ου αιώνα είναι προβληματική για μελέτη στην ιστορία της τέχνης, γιατί... έχει μια σύνθετη και πολυεπίπεδη σειρά. Αυτό οφείλεται σε κοινωνικοπολιτικούς, φιλοσοφικούς, επιστημονικούς και τεχνικούς λόγους που επικαλύπτονται στην ιστορική κατάσταση (πόλεμοι, κρίσεις, εθνικοαπελευθερωτικά κινήματα κ.λπ.). Επιπλέον, πολλές τάσεις που προέκυψαν το προηγούμενο διάστημα δεν έχουν ακόμη ολοκληρωθεί και δεν έχουν εδραιωθεί εκτιμήσεις και απόψεις για πολλές διαδικασίες. Αυτό οδήγησε σε θόλωση των αισθητικών κριτηρίων, παραθέτοντας (άμεσες και έμμεσες) έργα παγκόσμιας τέχνης και φέρνοντας τις κριτικές κρίσεις στο σημείο του γκροτέσκου. Η επιθυμία των ανθρώπων για αυτοεπιβεβαίωση στη δημιουργικότητα υλοποιήθηκε με εξαιρετικά διαφορετικούς τρόπους, που μερικές φορές προκαλούσαν ένα αίσθημα κενού, διχόνοιας και δυσαρμονίας. Ωστόσο, ποτέ πριν η ιστορία της τέχνης δεν ήταν τόσο κοντά στην πραγματικότητα όταν δημιουργούσε εικόνες, ενωμένη με την κοσμοθεωρία και την κοσμοθεωρία διαφόρων πολιτιστικές εποχέςόπως συνέβη τον 20ο αιώνα.

Η σύγχρονη ανθρώπινη ύπαρξη καθοριζόταν από μια χωρική διάταξη στην οποία συνυπήρχαν μεμονωμένες επαφές με κατευθύνσεις, τάσεις, στυλ, που, αν και με δυσκολία, εντάσσονταν σε ένα μοτίβο. Η ιδιαιτερότητα της κατανομής του είναι γενετική, και όχι χρονολογική (όπως συνηθιζόταν τον 19ο αιώνα). Η πολικότητα ορίζεται από τους όρους «ρεαλισμός» (με κυρίαρχη εικόνα) και «μη αντικειμενικότητα» (με έμφαση στην εκφραστικότητα). Ανάμεσά τους εντοπίστηκαν με διάφορους βαθμούς συνδυασμού παραστατικότητας και εκφραστικότητας: παραδοσιοκρατία, επατισμός, σουρεαλισμός και γεωμετρία.

Η διάχυτη επίδραση του περιεχομένου του γίνεται αισθητή σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης ύπαρξης και διαμορφώνει τον σύγχρονο τρόπο ζωής. Εξ ου και η συνάφεια των συζητήσεων για την τέχνη. Ειδικά στα σχολεία επιπρόσθετη εκπαίδευση, όπου δίνονται στους μαθητές ιδέες για τα είδη και τα είδη, τις ιδιαιτερότητές τους. καθώς και εξοικείωση με τις σημαντικότερες τάσεις, κατευθύνσεις και στυλ, έργα αρχιτεκτονικής, γλυπτικής, ζωγραφικής και διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών, σχέδιο σε ιστορικό και πολιτιστικό πλαίσιο (από την αρχαιότητα έως τον 20ό αιώνα). Ωστόσο, η έλλειψη χρόνου με σημαντικό όγκο υλικού προκαλεί ορισμένες δυσκολίες στην επιλογή και παρουσίαση των πληροφοριών. «Ένας καλά δομημένος εγκέφαλος είναι προτιμότερος από έναν καλά γεμάτο», είπε Γάλλος φιλόσοφοςκαι συγγραφέας Michel de Montaigne. Με βάση αυτή τη δήλωση, προτείνουμε μια επιλογή για την παρουσίαση περιεχομένου που βασίζεται σε υποστηρικτικά σχήματα που δεν παραβιάζουν τη συστημική λογική της ανάπτυξης της τέχνης. Η πρωτοτυπία αποκαλύπτεται κατά τη γνωριμία όχι μόνο με συγκεκριμένα έργα, αλλά και με έναν θησαυρό, που διαμορφώνει την καλλιτεχνική σκέψη των μαθητών, αναπτύσσει αισθητικό γούστο, φαντασία, δημιουργικές και αναλυτικές ικανότητες.

Κατεύθυνση "Ρεαλισμός"(Ύστερα λατινικά realis - υλικό, πραγματικό) - όρος που αντιπροσωπεύει έργα τέχνης που βασίζονται σε φυσικές οπτικές εικόνες που αναδημιουργούν τις διαδικασίες και τα φαινόμενα της πραγματικότητας. Χαρακτηριστικό: βερισμός, πλοκή, αισθητηριακή αυθεντικότητα. Περιλαμβάνει τις έννοιες: «νατουραλισμός», «πρωτογονισμός», «δημοκρατικός, κριτικός, κοινωνικός ρεαλισμός», μαγικός ρεαλισμός (μεταφυσική τέχνη), εξπρεσιονισμός, «υπερρεαλισμός» (φωτορεαλισμός, υπερρεαλισμός).

Ο «νατουραλισμός» (γαλλικά naturahsme, λατινικά natura) είναι ένας τρόπος εκτέλεσης έργων τέχνης με φωτογραφική ακρίβεια (απασχόληση, τυχαιότητα) καθημερινή ζωήένα άτομο (η φυσιολογική του ουσία) και το περιβάλλον του. Χαρακτηρίζεται από: την αυθεντικότητα της ενσάρκωσης της ιδέας της ομοιότητας κοινωνίας και φύσης, χωρίς πρόσμιξη του ιδανικού, σε βάρος του ιδεολογικού και καλλιτεχνικού περιεχομένου.

«Πρωτογονισμός» (Λατινικά primiti vus – «πρώτος, αρχαιότερος»· αγγλικός πρωτογονισμός· γερμανικός Primitivismus / Primitivitat). Το συνώνυμο είναι «ναιβισμός». Χαρακτηριστικό: σκόπιμα απλοποιημένος τρόπος απόδοσης. έκκληση στην παιδική, πρωτόγονη, λαϊκή μεσαιωνική τέχνη. Αναπτύχθηκε σε δύο κατευθύνσεις: στη μη επαγγελματική δημιουργικότητα των δασκάλων που εμπλέκονται στην καλλιτεχνική διαδικασία και στα έργα καλλιτεχνών που σκόπιμα προσπάθησαν να αποκτήσουν αγνότητα και συναισθηματική διαύγεια εικόνων και κοσμοθεωρίας. Αργότερα, προστέθηκε η δημιουργικότητα των ξένων - art brut(French art brut - rough art). Το έργο τους έχει έναν αυθόρμητο χαρακτήρα, πρακτικά ανεξάρτητο από πολιτισμικά πρότυπα.

Ο «δημοκρατικός, κριτικός, κοινωνικός ρεαλισμός» είναι μια αντικειμενική αντανάκλαση της πραγματικότητας με καλλιτεχνικά μέσα. Στα δημοκρατικά - η απλότητα, η προσβασιμότητα της μεταφορικής γλώσσας, παρουσίαζε τον κόσμο ως απεικόνιση. Εξ ου και η απήχηση στους ανθρώπους και τις παραδόσεις των κλασικών. Στην κριτική αποκαλύφθηκαν οι ουσιαστικές πτυχές της ανθρώπινης ζωής και δόθηκε μια αισθητική αποτίμηση του κοινωνικού και αισθητικού ιδεώδους που υπήρχε στην πραγματικότητα. Στο κοινωνικό, εντοπίστηκε και τονίστηκε «το τυπικό σε τυπικές περιστάσεις», δηλ. η κοινωνική πραγματικότητα και η ανθρώπινη προσωπικότητα εμφανίστηκαν σε άρρηκτη ενότητα με τις κοινωνικές σχέσεις.

Ο «μαγικός ρεαλισμός» είναι μια καλλιτεχνική μέθοδος κατά την οποία τα έργα που δημιουργήθηκαν έδειχναν μια φανταστική μεταμόρφωση της πραγματικότητας (μερικές φορές είχαν έναν συγκλονιστικό, ειλικρινή χαρακτήρα, μερικές φορές σε συνδυασμό με ανέκδοτες καταστάσεις και καρικατούρες χαρακτήρων). Η ομοιότητα με τη ζωή σε αυτούς τους πίνακες ήταν μια ακραία μορφή γκροτέσκου, όπου η πραγματικότητα έμοιαζε με ανήσυχο όνειρο ή παραισθησιακό παραλήρημα. Ως εκ τούτου, τα σύμβολα περιλαμβάνονται συχνά σε πίνακες ζωγραφικής. Συνώνυμο: «μεταφυσική τέχνη».

Ο «εξπρεσιονισμός» (Λατινικά expressio – «έκφραση») είναι μια αντανάκλαση μιας υποκειμενικής συναισθηματικής κατάστασης (απογοήτευση, άγχος, φόβος, ασχήμια, κοινοτοπία, φρίκη, πόνος, κραυγή). Ως εκ τούτου - υπερβολή, απλοποίηση, ανάταση του χρώματος, τραχιές πινελιές, παραμόρφωση εικόνων.

“Υπερρεαλισμός” (Αγγλικός υπερρεαλισμός - φωτορεαλισμός, υπερρεαλισμός, ψυχρός ρεαλισμός, ριζοσπαστικός ρεαλισμός) - μια εικαστική μεταφορά μιας εικόνας από το φυσικό στους κόλπους της τεχνητότητας: βασισμένη στην αντιγραφή φωτογραφιών. Χαρακτηριστικό: λεπτομερής αναπαραγωγή διατηρώντας παράλληλα μια λεία υφή επιφάνειας για να απομακρύνει τον θεατή από τη δημιουργική διαδικασία και να απομακρύνει τον θεατή.

«Παραδοσιακός» ονομάζεται η κατεύθυνση στην οποία οι συγγραφείς, ατομικά ή ομαδικά, απευθύνονται στην κοινωνία, για αυτό χρησιμοποιούν το παρελθόν (συνείδηση, εμπειρία, δεξιότητες, έθιμα) ως αντίποδα στις αξίες του παρόντος. Συνήθως είναι συναισθηματικά χρωματισμένο, συχνά μυθοποιημένο και εξιδανικευμένο. Το πεδίο εφαρμογής της έννοιας του «παραδοσιακού» περιλαμβάνει: «μη εικονικότητα», «ρεαλιστικό φορμαλισμό», που περιλαμβάνει: «περιφερειοκρατία», κιτς, «νέα υλικότητα», «ατσάλινο ρομαντισμό», «νοβετσέντο».

“Ρεαλιστικός φορμαλισμός” είναι μια μέθοδος απεικόνισης όπου υπήρξε μια μετατόπιση στην αξιακή σχέση μεταξύ της μορφής που έρχεται στο προσκήνιο, εκφράζοντας υποκειμενικές έννοιες και το περιεχόμενο μιας ενιαίας εικόνας.

Κάτω από " μη φαντασία«Τον 20ο αιώνα κατάλαβαν την ερμηνεία της πραγματικότητας από τον συγγραφέα. το ατομικό στυλ εκτέλεσης (χειρόγραφο) του πλοιάρχου, που έφερε στο προσκήνιο την εκφραστική πλευρά. Κατά καιρούς η καλλιτεχνική του γλώσσα έλκεται προς οποιαδήποτε κατεύθυνση. Εξ ου και η φράση «Μη φαντασία με τάσεις...».

“Περιφερειοκρατία" (Αγγλική περιοχή - "περιοχή, σφαίρα"; περιφερειακή - "περιφερειακή, τοπική") - μια κατεύθυνση στην τέχνη που επικεντρώνεται στον αρχαϊκό και σκληρό ρεαλισμό και τη νατουραλιστική μετάδοση της ζωής (σχεδόν στο επίπεδο του βερισμού). Εύρος θεμάτων: ζωή στην ύπαιθρο ή στα περίχωρα μεγαλουπόλεων, επαρχίες.

Kitsch – (γερμανικό kitsch - hack work, κακόγουστο, «φτηνό») – προϊόν μαζικής κουλτούρας με εξωφρενικό εμφάνισηπροσανατολισμένη στην τυπική αντίληψη. Χαρακτηρίζεται από επιθετικότητα, χυδαιότητα, χυδαιότητα γούστου, που συνδυάζεται με χιούμορ, σεβασμό στην τάξη, δεξιοτεχνία και ακρίβεια.

“Νέα υλικότητα» (γερμανικά neue sachlichkeit) - ένας τρόπος παράστασης που ενσαρκώνει μια συγκεκριμένη τονισμένη πραγματικότητα (αντικειμενικότητα) με την αίσθηση μιας τρομερής «δαιμονικής» αρχής στον κόσμο, φωτογραφική ακρίβεια με στοιχεία παράδοξου, που προκαλούσε στον θεατή μια αίσθηση μη πραγματικότητας , γεμίζοντας την καθημερινότητα με μια ατμόσφαιρα μυστηρίου.

“Ρομαντισμός από χάλυβα” – πολιτικοποιημένη τέχνη που υπηρετεί ολοκληρωτικά καθεστώτα. Τα έργα χαρακτηρίζονται από κλασικισμό και μια έξοχη στάση απέναντι σε αυτό που απεικονίζεται.

“Novecento” (ιταλικά novecento - λιτ. «εικοστός αιώνας») - ένα κίνημα που επικεντρώθηκε στην επιστροφή στις εθνικές καταβολές, την Αναγέννηση. Χαρακτηριστικό: ακρίβεια μορφών, σαφήνεια εννοιών, έλλειψη αυθαιρεσίας. Οι πλοκές μεταφέρουν «εργατικό ηρωισμό», «ενότητα λαού και εξουσίας».

“Σουρεαλισμός» (Γαλλικά «υπερρεαλισμός», «υπερ-ρεαλισμός») είναι ένα παράλογο κίνημα που εκφράζει την υποκειμενικότητα της κοσμοθεωρίας. Χρησιμοποιεί έννοιες, θέματα και παραδείγματα από τη φροϋδική ψυχανάλυση, αλλά δημιουργεί τις δικές του ποιητικές θεραπευτικές, αντιθεραπευτικές μεθόδους («εναλλακτική ψυχανάλυση»). Εξ ου και η γέννηση μιας «νέας μυθολογίας» βασισμένης στη νεωτερικότητα, η οποία χαρακτηρίζεται από: χιούμορ, αρχή γέλιου και επίδειξη πολυσθενούς ζωδίου. Τα έργα του «ακαδημαϊκού σουρεαλισμού» στερούνται νατουραλισμού, τείνουν περισσότερο προς τη μη αντικειμενικότητα. Σε αυτόν τον κλάδο, επινοήθηκαν οι κύριες τεχνικές: grattage, fummage, decollage, decalcomania, collage, dripping. Στον ανεπαρκή σουρεαλισμό, η πραγματικότητα μαντεύτηκε στα έργα (ένα αισθητηριακό φαινόμενο σε μια ανεπαρκή κατάσταση). Στην μισή εκδοχή υπήρχε ένα ορισμένο ποσό σουρεαλιστικών ευρημάτων. Παρανοϊκό-κριτικό – εκφρασμένη δυαδικότητα αντίληψης. Ο παθητικός σουρεαλισμός ενσάρκωσε την παρουσία του συγγραφέα στο επίπεδο του ύπνου και των ονείρων. Εξ ου και τα «ατυχήματα» στους πίνακες.

Ο επατισμός (γαλλικό «epatage», από το «epater» - στο chip away, beat, tear) εκφράζει μια ακραία μορφή εκφραστικότητας του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Δημιουργήθηκε από τον Φωβισμό, τον Ντανταϊσμό, τον Νεο-Ντανταϊσμό, την Ποπ Αρτ. νέο κύμα(μινιμαλισμός, εννοιολογισμός, «φτωχή τέχνη», «τέχνη του νερού», «τέχνη του ουρανού», τέχνη της γης»).

“Φωβισμός" (Γαλλικό fauvisme, από το fauve - "άγριο") - ανοιχτό, φωτεινό τοπικό χρώμα, απλοποιημένες φόρμες και ισοπέδωση της εικόνας - το κύριο μέσο έκφρασης των συναισθημάτων και των διαθέσεων του καλλιτέχνη. αντιθετικοί συνδυασμοί και μαύρο περίγραμμα, άρνηση μοντελοποίησης φωτός και σκιάς και γραμμική προοπτική.

“μπαμπάς"– (Γάλλος μπαμπάς – "άλογο", "παιδικό ξύλινο άλογο") είναι ένας σκόπιμα αντιαισθητικός, μηδενιστικός, απαισιόδοξος τύπος δραστηριότητας. Χαρακτηριστικό: παράλογη σκέψη, ο κόσμος μοιάζει με τρελό χάος, έλλειψη αξιών, πέρα ​​από τη σοβαρότητα της τέχνης, ρήξη με τις παραδόσεις.

“Pop Art” (Αγγλική ποπ-αρτ, συντομογραφία της λαϊκής τέχνης) είναι ένα κίνημα στην τέχνη που προέκυψε ως αντίδραση στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό, χρησιμοποιώντας εικόνες καταναλωτικών προϊόντων τοποθετημένες σε διαφορετικό πλαίσιο. Χαρακτηριστικό: η χρήση εμβληματικού και αντικειμενικού υλικού από την καθημερινή ζωή, διαφήμιση, κόμικς κ.λπ. ασήμαντες ποικιλίες του σύγχρονου πολιτισμού.

“Νέο κύμα” (Αγγλικά: new wave - “new wave”) είναι μια κατεύθυνση μη κερδοσκοπικής καλλιτεχνικής και πνευματικής δραστηριότητας. Συνώνυμο: «άυλη τέχνη». Στην ουσία αντιπροσωπεύει μια δημιουργική πράξη που δεν σχετίζεται με το υλικό, δηλ. δημιουργώντας «κάτι» τυχαία. Η τεχνική της επικεντρώνεται στη χρήση αντισυμβατικών, μη καλλιτεχνικών τεχνικών: κατασκευή από οικιακά αντικείμενα ή τεχνικές ενότητες, ζωντανά φυτά και ζώα, αποσπασματικά κείμενα γραμματοσειράς, το φυσικό περιβάλλον - σκόνη, πάγος, σύννεφα κ.λπ.

“Μινιμαλισμός” (Αγγλική minimal τέχνη, από τα λατινικά minimus - «μικρότερη»). Άλλα ονόματα: σειριακή τέχνη, τέχνη πρωτογενών δομών, mini-art. Αυτή είναι η κατεύθυνση της πρωτοπορίας, που χρησιμοποίησε ελάχιστα οπτικά μέσα και απλές ομοιόμορφες φόρμες. Η ουσία της σκηνοθεσίας είναι να προκαλεί καταστροφή στον θεατή. Ως εκ τούτου - απρόσωπες απρόσωπες δημιουργίες, μη συνειρμικές, που αντιπροσωπεύουν υλικές δομές, συγκεκριμένα αντικείμενα, κατασκευασμένα σύμφωνα με τους νόμους των μαθηματικών.

“Εννοιολογισμός” (λατ. conceptus - σκέψη, ιδέα, έννοια), μια κατεύθυνση που βασίζεται στη μετάδοση μιας ιδέας, που υπάρχει με τη μορφή φράσεων, κειμένων, διαγραμμάτων, γραφημάτων, σχεδίων, φωτογραφιών, υλικού ήχου και βίντεο. Περιέχει μια έκκληση στην πνευματική κατανόηση αυτού που φαίνεται.

Ο Actionism (γαλλικά, αγγλικά actionnisme· από το λατινικό action - action, πράξη) είναι ένα κίνημα και μέθοδος νέων καλλιτεχνικών πρακτικών που προσπάθησαν να σβήσουν τη γραμμή μεταξύ τέχνης και πραγματικότητας. Ελκύομαι προς την 4-διάστατη τέχνη, που εκφράζεται σε video art, περιβάλλον, χάπενινγκ, περφόρμανς, τέχνη του σώματος κ.λπ. Συμβαίνεισυμβαίνει - συμβαίνουν, συμβαίνουν) και εκτέλεση(Αγγλικά: performance - performance, παιχνίδι) - ποικιλίες δράσης, που ενσωματώνονται σε θεατρική μορφή. Η διαφορά μεταξύ τους είναι ότι ένα χάπενινγκ φέρει μια έννοια που έχει έναν παράδοξο, παράλογο, παράλογο χαρακτήρα, υποδηλώνοντας αυτοσχεδιασμό, ενώ μια παράσταση έχει μια προγραμματισμένη δράση για να εμπλέξει τον θεατή στον αγωνιστικό χώρο. Για τέχνη σώματος(Αγγλικά body art - body art) η βάση είναι το σώμα, το οποίο καταγράφεται σε φωτογραφίες, βίντεο, σε μορφή μανεκέν κ.λπ.

“Κακή τέχνη" (Ιταλικά: "Arte Povera") - μια επιλογή παρουσίασης όπου χρησιμοποιήθηκαν φθηνά πράγματα ή παλιοσίδερα. Τα εσκεμμένα πενιχρά, «φτωχά» αντικείμενα και σύμβολα υπονοούν μόνο την καλλιτεχνική ιδέα, δίνοντάς της μια μυστηριώδη υποτίμηση.

Land art (αγγλικά: land art - landscape art) - εκφράζει τη σχέση φύσης και ανθρώπου. Συχνά ενσωματώνεται στις μορφές περιβάλλοντος (αγγλικό περιβάλλον - περιβάλλον, περιβάλλον), που αντιπροσώπευε μια χωρική σύνθεση πλήρως οργανωμένη από τον καλλιτέχνη, τυλίγοντας τον θεατή σαν ένα πραγματικό περιβάλλον.

“Νεο-ντανταϊσμός” (αγγλ. neo-pop, post-pop) είναι μια καλλιτεχνική κατεύθυνση που αντιπροσωπεύει τη γένεση της ποπ αρτ με σύμβολα των νέων εποχών. Εξέφρασε τη θέση της «άρνησης της άρνησης». Ως συνέπεια, η αντικατάσταση ενός έργου τέχνης με ένα αντικείμενο της καθημερινότητας, μια παράλογη δράση (χάπενινγκ, περιβάλλον κ.λπ.).

Γεωμετρική τέχνη: συγκεκριμένα (κυβισμός, σουπρεματισμός, κονστρουκτιβισμός και νεο-συγκεκριμισμός («προγραμματισμένη τέχνη», op art, «νέα αφαίρεση», «νέα τάση» (χάπενινγκ και περιβάλλον).

“Concretism” (Λατινικά conservare - διατήρηση) - ένας τύπος καλλιτεχνικής πρακτικής και αντίληψης, που επικεντρώνεται στις αξίες, τα ιδανικά και τις καλλιτεχνικές τεχνικές του παρελθόντος, που εκλαμβάνεται ως κανόνας. Βασικά - σημείο αναφοράς για ρεαλιστική τέχνη σε αυστηρές μορφές του είδους. Τροποποιημένο από τον μοντερνισμό, ενσωματωμένο σε νεοconcretism, πέφτοντας στον 2ο όροφο. ΧΧ αιώνα.

Κυβισμός (γαλλ. cubisme, από cube - cube) είναι μια κατεύθυνση όπου, σύμφωνα με την έννοια, η σκόπιμη μοντελοποίηση της πραγματικότητας λαμβάνει χώρα στα απλούστερα χωρικά μοντέλα (γεωμετρικά κανονικά σχήματα) όταν απεικονίζει έναν πολύπλοκο, πολύπλευρο κόσμο. Χαρακτηριστικό: παραμόρφωση μορφών, συμφόρηση, εξάρτηση της όρασης από τις προκαταρκτικές ρυθμίσεις.

Ο φουτουρισμός (λατ. μέλλον - μέλλον) είναι ένα κίνημα που εκφράζει την ιδέα του σχηματισμού ενός νέου πολιτισμού, όπου λαμβάνει χώρα η συγχώνευση ανθρώπου και μηχανής. Τα έργα περιέχουν μια απολογία για την τεχνολογία, την αστικοποίηση και την απολυτοποίηση της ιδέας της κίνησης. Υπήρχαν διαφορετικές επιλογές: 1) η ενσάρκωση της δυναμικής χρησιμοποιώντας πολλά συχνά επαναλαμβανόμενα στοιχεία. 2) με τη βοήθεια του ταυτόχρονου - η διείσδυση αντικειμένων το ένα στο άλλο. 3) μεταφορά της διαδικασίας της κίνησης μέσω της αφαίρεσης.

Η γεωμετρική αφαίρεση είναι μια κίνηση στην οποία η βάση είναι συνθέσεις διαφόρων γεωμετρικών σχημάτων, ευθειών και επιπέδων. Οι μετασχηματισμοί βασίζονται σε μια αντίδραση στις ανακαλύψεις της φυσικής—την αναζήτηση μιας «νέας πραγματικότητας». Εξ ου και η ισοπέδωση και η παραμόρφωση. Είχε κλάδους: Suprematism (Ρωσία); μη πλαστικισμός (Ολλανδία); Ορφισμός (Γαλλία); φουτουρισμός (Ιταλία) κ.λπ. Συνώνυμα - «ψυχρή αφαίρεση», «λογικός διανοητικός αφαιρετικισμός».

σουπρεματισμός ( λατ. supremus - υψηλότερο) είναι μια κατεύθυνση, ένας τύπος αφαιρετικότητας που εγκαταλείπει την παραστατικότητα υπέρ των απλούστερων γεωμετρικών μορφών. Οι συνθέσεις αντιπροσωπεύουν συνδυασμούς πολύχρωμων επιπέδων, γραμμών, κουκκίδων κ.λπ. φιγούρες που διαποτίζονται από εσωτερική κίνηση.

Ο ορφισμός (γαλλικό orphisme) είναι ένα κίνημα που μοντελοποιεί την πραγματικότητα από τα στοιχεία του φωτός και του χρώματος ως το αντίθετο του ορατού κόσμου. Η ζωγραφική τους βασίστηκε στα αποτελέσματα της κίνησης που εμφανίζονται όταν αντιπαρατίθενται χρώματα σε αντίθεση. Ο αισθητισμός, η αφηρημένη πλαστικότητα, ο ρυθμός των μορφών, οι σιλουέτες και οι γραμμές είναι τα χαρακτηριστικά γνωρίσματά του.

“Νεοπλαστικισμός” είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη που βασίζεται σε ένα φιλοσοφικό σύστημα που αποκαλύπτει τη δομή του Σύμπαντος (οι οριζόντιες και κάθετες γραμμές δύναμης της Γης, που έχουν σχέση με τον Ήλιο). Χαρακτηριστικό: ορθογώνια σχήματα, βασικά χρώματα της χρωματικής κλίμακας και χρωματικά (ασπρόμαυρα).

Ο κονστρουκτιβισμός είναι μια κατεύθυνση και μέθοδος που χαρακτηρίζεται από ένα γεωμετρικά οργανωμένο χωροδυναμικό περιβάλλον, όπου η λακωνική εμφάνιση και η στιβαρότητα είναι λειτουργικά συστατικά.

“Προγραμματισμένη Τέχνη” – παρομοίωση μιας χειροποίητης εικόνας με μηχανή. Συνώνυμο: τέχνη μηχανών.

Το "Op art" (συντομογραφία από το αγγλικό optical art - optical art) είναι ένα κίνημα που χρησιμοποιεί διάφορες οπτικές ψευδαισθήσεις με βάση τα χαρακτηριστικά του οπτική αντίληψηεπίπεδες και χωρικές μορφές, γεωμετρικοί συνδυασμοί γραμμών και κηλίδων. Ήταν ο διάδοχος του κονστρουκτιβισμού στον μεταμοντερνισμό. Επικεντρώθηκε στη χωροδυναμική μοντελοποίηση της περιβάλλουσας πραγματικότητας χρησιμοποιώντας μη παραδοσιακά μέσα εικονιστικής γλώσσας στις ακόλουθες κατευθύνσεις: 1) οπτικά (φωτεινά εφέ με χρήση τεχνικών συσκευών, καθρέφτες, φακοί εστίασης και απόκλισης κ.λπ., 2) «gestalt γεωμετρία» (σχέδια από διάφορα υλικά - γυαλί, μέταλλο, χαρτόνι, πλαστικό κ.λπ.; 3) γραφικό (επίπεδη εικόνα μετατοπισμένων μονάδων, που προκαλεί την ψευδαίσθηση του όγκου). 4) συνθετικό (ανάμειξη των παραπάνω μεθόδων).

Κινητική τέχνη (ελληνικός κινητικός - κίνηση που θέτει σε κίνηση). Αντιπροσώπευε τη δημιουργία διαδικαστικών-αρθρωτικών έργων, που συνεπάγονταν την άμεση συμμετοχή υποκειμένων αντίληψης. Έχει είδη: 1) συμμετοχή στη διαδικασία, που καθορίζεται από το πλαίσιο της έκθεσης (beats, χοροί, κ.λπ.). 2) αναπόσπαστο - συμμετοχή με συνείδηση. 3) υλικό? 4) «αυτοκαταστροφικό».

Νέα αφαίρεση - οι καμβάδες συνδυάζουν δυναμική αφαίρεση και μεταμορφωμένες ζωντανές εικόνες, ενσωματωμένες σε δομικά υβρίδια.

Η νέα τάση ή «μετα-ζωγραφική αφαίρεση» ενσωματώνει όλες τις σφαίρες της καλλιτεχνικής κουλτούρας, που εκφράζεται με την ανάδυση του νέου και τον εκσυγχρονισμό παλαιών τύπων καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Μεγάλος ρόλοςΕδώ παίζουν τα μέσα, οι τεχνολογίες υπολογιστών για την επεξεργασία εικόνων, ήχων κ.λπ., γεγονός που διευρύνει τα όρια της τέχνης.

Μη αντικειμενική τέχνη: κλασική μη αντικειμενικότητα («η τέχνη της σιωπής», ταχυσμός), «μη αντικειμενικός εξπρεσιονισμός» («η τέχνη της δράσης», «η τέχνη της χειρονομίας», «η τέχνη της ελεύθερης έκφρασης»). Όλα τα έργα αυτής της κατεύθυνσης διακρίνονται από την απουσία οπτικής εικόνας και συναισθημάτων. Χαρακτηριστικό: δημοσιότητα, επίδειξη, παιχνιδιάρικη κατάσταση του καλλιτέχνη με το υλικό.

Ο κλασικός αφαιρετικός (λατινικά abstractio - αφαίρεση, διάσπαση) είναι μια κατεύθυνση της μη παραστατικής τέχνης στην οποία η εναρμόνιση επιτεύχθηκε με χρωματικούς συνδυασμούς και γεωμετρικά σχήματα που προκαλούν συνειρμούς. Λειτούργησε ως έκφραση αυθόρμητων συναισθημάτων.

Το Tachisme (γαλλικό tache - «λεκέ») είναι μια γαλλική εκδοχή του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Συνώνυμο: λυρικός αφαιρετικισμός, " ar informel» ή «ζωγραφική χρωματικού πεδίου». Χαρακτηριστικό: αυθορμητισμός, αυτοσχεδιασμός, έκφραση ψυχής μέσω χειρονομίας (χωρίς προσχεδιασμένες ενέργειες). Μία από τις παραλλαγές του Tachisme είναι ο Nuageism (γαλλικά σημαίνει «σύννεφο»), γιατί οι εικόνες έμοιαζαν με έγχρωμες εικόνες σαν σύννεφο. Εξέφρασαν ψυχική ηρεμία και ψυχική αρμονία, που ήταν η αιτία να τους εφαρμόσουν έναν άλλο όρο - η τέχνη της σιωπής.

αφηρημένος εξπρεσιονισμός - Αμερικάνικη έκδοσηλυρική αφαίρεση. Το συνώνυμο - "color field painting" προέκυψε λόγω της μέγιστης χρήσης του χρώματος από τους καλλιτέχνες, λόγω της οποίας οι πίνακες παρουσιάστηκαν σε μεγάλη μορφή. Κατά κανόνα, τα έργα αυτού του τύπου ήταν αριθμημένα.

Η τέχνη της δράσης είναι μια κατεύθυνση δράσης, όπου η «δράση» κυριαρχεί στη «ζωγραφική». Αυτό το είδος δραστηριότητας άρχισε να περιλαμβάνει street art και λογότυπα του δρόμου. Η τέχνη των χειρονομιών– αυτό είναι ένα βασικό σωματικό εργαλείο για τη δημιουργία καλλιτεχνικών εικόνων με τη μορφή ενός συστήματος σημείων, όταν μια χειρονομία εκφράζει: 1) μια κατάσταση. 2) ένα σταθερό και σε μια συγκεκριμένη κοινωνία χωρικό σημάδι γλώσσας, ήχων, κραυγών, φωτός, ονοματοποιίας κ.λπ. Η τέχνη της ελεύθερης έκφρασης– προς αυτή την κατεύθυνση, δίνεται η ευκαιρία στον καλλιτέχνη να επιλέξει διαφορετικούς τρόπους ενσάρκωσης των προτιμήσεών του: από τον ρεαλισμό στη μη αντικειμενικότητα.

Βιβλιογραφία

1. Borev Yu B. Καλλιτεχνικός πολιτισμός του 20ου αιώνα. – Μ.: Ενότητα, 2007.
2. Galeeva T.A., Prudnikova A.Yu.. Καλλιτεχνικές πρακτικές του 20ου αιώνα ως σχολείο ανεκτικότητας / μελέτης. επίδομα. – Εκατερίνμπουργκ, ΗΠΑ, 2008
3. Gritsanov A., Mozheiko M. – Μεταμοντερνισμός. Εγκυκλοπαιδεία. – Μινσκ: Interpressservice, Book House; 2001.
4. Savelyeva A. Παγκόσμια τέχνη. Κατευθύνσεις και τάσεις από τον ιμπρεσιονισμό μέχρι τις μέρες μας. – Αγία Πετρούπολη – Μ.: SZKEO Kristall-Onyx, 2005.
5. Turchin V.S. Μέσα από τους λαβύρινθους της πρωτοπορίας. - Μ.: Εκδοτικός Οίκος του Κρατικού Πανεπιστημίου της Μόσχας, 1993.