Golotinja u umjetnosti.

Nekoliko prilično nesuvislih citata i misli o knjizi, čitajte ko god želite.

Šta sam naučio od Clarka? Bilo koju vrstu golotinje je neko izmislio, a zatim direktno ili indirektno reproducirao (sa statua, sarkofaga, citata drugih umjetnika, itd.). Grci su izmislili tip Venere (pudika, javna, anadyomena...), menada, najada, umirući ratnik, Marsija. Evropljani su “sjeverni tip”. Grci imaju krivinu kuka, podižući se, na gotici - krivinu trbuha, koja vuče na tlo.

U ovoj knjizi pokušao sam da pokažem kako je golo tijelo dobilo nezaboravne oblike da nam prenese određene ideje i osjećaje. Smatram da je to glavni, ali ne i jedini razlog postojanja golotinje. U svim epohama kada je tijelo bilo predmet umjetnosti, umjetnici su smatrali da se može staviti u formu koja je sama po sebi dobra. Mnogi su otišli i dalje, vjerujući da se u golotinji može pronaći optimalni opći faktor značajne forme. 394 pp.

Golotinja u umetnosti je umetnička forma koju su izmislili Grci u 5. veku pre nove ere, baš kao što je opera umetnička forma izmišljena u Italiji u 17. veku. Golotinja nije predmet umjetnosti, već njen oblik. 11 strana

Uz poze koje su naizgled dobile status gotovo ideograma, u evropskoj umjetnosti postoje hiljade aktova koji ne izražavaju nikakvu ideju, ništa osim slikareve želje za savršenstvom forme. 397 pp.

Ideja da se gledaocu ponudi tijelo kao važan predmet kontemplacije jednostavno ne pada na pamet Kinezima ili Japancima... 17 str.

Tjera nas da se prisjetimo svega što bismo željeli učiniti sebi, a prije svega želimo da budemo ovjekovječeni. 16 strana

Jedan od rijetkih klasičnih kanona, u čiju se pouzdanost ne može sumnjati, je da je u liku nage žene razmak između grudi isti, od prsa do pupka i od pupka do međukrualnog područja. 29 str.

„Umjetnost“, kaže Aristotel, „dovršava ono što priroda nije u stanju dovršiti. Umjetnik nam daje priliku da razumijemo neostvarene ciljeve prirode.”

...sve ima idealnu formu, a fenomeni zemaljske stvarnosti samo su njene manje-više iskvarene kopije. 21 str.

Postoje dva načina da se postigne ideal - umjetnik može odabrati savršene dijelove nekoliko figura i od njih napraviti savršenu cjelinu. Ovo je ono što Plinije kaže da je Zevksis uradio kada je „konstruisao“ svoju Afroditu od pet prelepih devojaka iz Krotone. 21 str. Ali takvom dizajnu nedostaje organskost. Drugi način je “srednja forma”.

Ono što su i Reynolds i Blake mislili pod idealnom ljepotom bilo je u stvarnosti nejasno sjećanje na određeni tip tijela nastalo u Grčkoj između 480. i 440. godine prije Krista i, s različitim stupnjevima intenziteta i razumijevanja, donijelo je model savršenstva u svijest zapadnog čovjeka iz renesanse do danas. 23 str.

Na početku treće Vitruvijeve knjige, gdje je dat skup pravila za izgradnju vjerskih objekata, on navodi da te građevine moraju imati ljudske proporcije.

...ljudsko tijelo je model proporcija, jer se sa raširenim rukama i nogama uklapa u savršene geometrijske figure: kvadrat i krug.

Leonardo da Vinci. Vitruvijev čovjek c. 1490

Vitruvian Man- crtež koji je nacrtao Leonardo Da Vinci oko 1490-92. godine kao ilustracija za knjigu posvećenu Vitruvijevim djelima, i smješten u jedan od njegovih časopisa. Prikazuje lik nagog muškarca u dva nadređena položaja: sa rukama i nogama raširenim u stranu, upisan u krug; sa raširenim rukama i spojenim nogama, upisanim u kvadrat. Crtež i njegova objašnjenja se ponekad nazivaju kanonske proporcije.

Crtež je rađen perom, tušem i akvarelom metalnom olovkom, dimenzije crteža su 34,3 x 24,5 centimetara. Trenutno u kolekciji galerije Accademia u Veneciji.

Crtež je istovremeno i naučno i umjetničko djelo, a proporcionalno oslikava i Leonardovo zanimanje.

Prema Leonardovim pratećim bilješkama, stvoren je da odredi proporcije (muškog) ljudskog tijela, kako je opisano u raspravama arhitekte Vitruvija, koji je o ljudskom tijelu napisao sljedeće:

• dužina od vrha najdužeg do najniže osnove četiri prsta jednaka je dlanu
• stopalo je četiri dlana
• lakat je šest dlanova
• visina osobe je četiri lakta (i prema tome 24 dlana)
• korak je jednak četiri lakta
• raspon ljudskih ruku jednak je njegovoj visini
• udaljenost od linije kose do brade je 1/10 njene visine
• udaljenost od vrha glave do brade je 1/8 njegove visine
• udaljenost od vrha glave do bradavica je 1/4 njene visine
• maksimalna širina ramena je 1/4 njegove visine
• udaljenost od lakta do vrha šake je 1/4 njene visine
• udaljenost od lakta do pazuha je 1/8 njegove visine
• dužina ruke je 2/5 njegove visine
• udaljenost od brade do nosa je 1/3 dužine njegovog lica
• udaljenost od linije kose do obrva je 1/3 dužine njegovog lica
• Dužina ušiju 1/3 dužine lica
• pupak je sredina kruga

Ponovno otkriće matematičkih proporcija ljudskog tijela u 15. vijeku od strane da Vinčija i drugih naučnika bilo je jedno od velikih dostignuća koje je prethodilo italijanskoj renesansi.

Sam crtež se često koristi kao implicitni simbol unutrašnje simetrije ljudskog tijela, a dalje i svemira u cjelini.

Kao što možete vidjeti pregledom crteža, kombinacija položaja ruku i stopala zapravo proizvodi dva različita položaja. Poza sa raširenim rukama i nogama upisana je u kvadrat. S druge strane, poza sa rukama i nogama raširenim u strane je upisana u krug. Nakon detaljnijeg pregleda, ispostavlja se da je središte kruga pupak figure, a središte kvadrata genitalije. Nakon toga, koristeći istu metodu, Corbusier je stvorio vlastitu skalu proporcija - Modulor, koja je utjecala na estetiku arhitekture 20. stoljeća.

Poliziano je pjesnik koji je inspirirao Botticellijevo Rođenje Venere i Rafaelovu Galateju.

U pjesmi „Stife za turnir“, posvećenoj bratu Lorenca de Medičija Đulijanu i njegovoj voljenoj Simonetti Vespucci, zbog kojih je u januaru 1476. organizovan luksuzni turnir, mitološka osnova djela služi autoru da stvori renesansnu idilu. , produhovljenje prirode i oboženje čoveka. Umjetnički oličava problem odnosa hrabrosti i sreće, karakterističan za humanizam. Vodeća tema pesme je ljubav, koja daje radost i sreću, ali i lišava čoveka unutrašnje slobode. Lijepi mladi lovac Julis (Giuliano), zaljubljen u nimfu (Simonetta), tuguje zbog izgubljene slobode; „Gde ti je sloboda, gde ti je srce? Kupidon i žena su ti ih uzeli.” Nimfa među prekrasnim cvijećem - ova slika iz Polizianove pjesme inspirirala je brojne slike na Botticellijevim slikama, uključujući i u njegovom remek-djelu " Proljeće».

Simetrija, postignuta balansiranjem i kompenzacijom, je suština klasične umjetnosti. Figura može biti u pokretu, ali mir je uvijek koncentrisan u njenom centru. Balansirani dijelovi moraju imati neki mjerljiv odnos jedan s drugim - potreban je kanon proporcija. Poliklejt je sastavio takav kanon. 50.s

Lysippos. Antički pisci nam govore da je izmislio nove proporcije ljudske figure: sa manjom glavom, dužim nogama i gracioznijim torzom. 62 str.

Nijedna druga civilizacija nije doživjela takav umjetnički bankrot kao ona koja je uživala u basnoslovnom prosperitetu četiri stoljeća na obalama Sredozemnog mora. Tokom ovih krvlju umrljanih vekova, plastične umetnosti su pale u hibernaciju, postajući nešto poput moneta za pregovaranje. 63 str.

Kako je uživanje u ljudskom tijelu ponovo postalo dozvoljena tema umjetnosti divna je misterija italijanske renesanse. Kenneth Clark. 68 str.

Treba usmjeriti pogled na Veneru, odnosno na Humanitas. Njena duša i um su ljubav i milosrđe, njene oči su dostojanstvo i velikodušnost, njene ruke su velikodušnost i sjaj, stopala - Simpatičnost i skromnost.

Marsilio Ficino. Pisma Lorenzu di Pierfrancesco de' Medici. Kenneth Clark. Golotinja u umjetnosti. 120 str.

Nesumnjivo, to je snaga Venere, da njeno lice vrlo suzdržano izražava rad misli. Kenneth Clark. 123.

...prvi renesansni umjetnik koji je prikazao golu ženu kao simbol reproduktivnog života bio je Leonardo da Vinci. Između 1504. i 1506. stvorio je najmanje tri crteža Lede i labuda, od kojih je jedan poslužio kao osnova za sliku. 142 str.

Sviđa mi se - reproduktivni život.

... žensko tijelo, u svoj punini svoje senzualnosti, prikazano je izolirano, kao nešto samodovoljno. Ovakvo tumačenje golotinje, van konteksta nekog događaja ili okruženja, izuzetno je rijetko prije 19. stoljeća, a bilo bi zanimljivo znati pod kojim okolnostima je Tizian izmislio ovaj koncept. 151.

Venera Anadyomene. UREDU. 1520.

Afrodita Anadiomena(starogrčki Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, „izranjajući, izranjajući iz mora“) - epitet boginje Afrodite, rođene iz morske pjene i koja izlazi na kopno, i ikonografski tip njene slike u ovom trenutku.

Zašto van konteksta? Samo izlazak iz mora oduvijek je služio kao povod za prikazivanje golotinje, ljudi ne plivaju u moru obučeni, pogotovo kada su tek rođeni.

Na početku svog razvoja, manirizam se počeo širiti u Francuskoj. Rosso, Primaticcio, Nicolo del Abbate i Cellini su u Fontainebleauu pronašli posao koji nisu mogli pronaći u svojoj podijeljenoj zemlji, te su, proizlazeći iz sputavajućeg utjecaja klasične tradicije, počeli stvarati gole figure fantastično tankih i izduženih oblika. Čelinijeva "Nimfa od Fontainebleaua" je neverovatno daleko od drevnih kanona. ... Manirizam je procvjetao kada je presađen na drugo tlo, dijelom zbog latentnih gotičkih tendencija u francuskoj umjetnosti, ali i iz razloga što je i u srednjem vijeku Francuska ostala u fokusu svega rafiniranog i spektakularnog što se podrazumijeva pod pojmom "šik" . Ideal manirizma je vječna ženstvenost sa modne slike. 168 str.

...zašto je personifikacija milosti poprimila tako čudan oblik: pretanke ruke i noge, neprikladne za pošten rad, premršava tijela, neprikladna za rađanje i premale glave, očito nesposobne da prihvate ni jednu misao. Ali istu izuzetnu sofisticiranost vidimo u mnogim drugim predmetima na koje takva materijalistička objašnjenja ne važe: u arhitekturi, u keramici, pa čak i u rukopisu. Ljudsko tijelo nije izvor, već žrtva ovih ritmova. Odakle nastaje osjećaj šika, kako se kontrolira, po kojim unutrašnjim kriterijima nepogrešivo prepoznajemo šik... Jedno se sa sigurnošću može reći: šik je stran prirodi. ...pravi svećenici šika duboko su zgroženi svega što se podrazumeva pod rečju "priroda". ….izuzetno sofisticirane dame iz Fontainebleaua, uprkos njihovoj različitosti od zemaljskih žena, stvorene su sa očekivanjem da u gledaocu izazovu tjelesnu želju; zaista, sama neobičnost njihovih proporcija poziva na erotske fantazije u većoj mjeri nego materijalna tijela Tizianovih žena.

Ovo je suština - spekulacije, fantazija, zbog čega je poprsje Keire Knightley bez veličine među deset najzavodljivijih

Ali, na kraju krajeva, upravo ta nematerijalnost pretvara severni manirizam u samo fascinantan manji pokret u istoriji evropske umetnosti.

U procesu svog istraživanja, on (Rubens) je shvatio kakve ozbiljne formalne transformacije ljudsko tijelo mora proći da bi ostalo umjetničko djelo. 167 str.

Ingres je konačno dozvolio sebi da da slobodu svojim osećanjima, i svemu što Tetijina ruka ili odalisque foot, sada (Tursko kupatilo) se otvoreno oličio u bujnim bokovima, grudima i raskošnim raskošnim pozama.

Kenneth Clark Golotinja u umjetnosti. 186 pp.

Dakle, prema Clarku, stopalo odaliske izražava senzualnost! Evo te iste noge:

Po mom mišljenju, nekako je neekspresivan, amorfan. Pogledajte moju kolekciju, evo ekspresivnih primjeraka, kao isklesanih dlijetom.

Schaeffer, Cabanel, Bouguereau, Enner.

Gola figura, koja predstavlja oblik idealne umetnosti, usko je povezana sa prvim momentom plana, sa linijom...195 str.

...vjerovatno bi o svojim kreacijama govorili kao o umjetničkim prikazima izuzetno lijepih ljudi. To je upravo ono što umjetnik treba da kaže. Ali zapravo, svi su pokušavali da stvore određenu sliku, rođenu u mašti iz legure sjećanja, potrebe i vjerovanja – sjećanja na umjetnička djela prethodnih epoha; potreba za izražavanjem vlastitih osjećaja i uvjerenja da je žensko tijelo simbol harmonije prirode. 199 str.

Dekorativna umjetnost ima za cilj da ugodi oku, a ne da zaokupi naš um, a ne da potrese maštu, treba je percipirati nedvosmisleno, kao davno uspostavljena pravila ponašanja. Stoga se naširoko koristi klišejima i figurama, koje se, bez obzira na porijeklo, svode na svima razumljiv simbolički ekvivalent. Sa ove tačke gledišta, golotinja predstavlja nepresušan izvor dekorativnog materijala. Ugodan je oku, simetričan je i jednostavnog, nezaboravnog oblika, neodvojiv od uslova svog postojanja. 326.

Zevs iz Histije. Tavanska statua. UREDU. 470 pne

Skulptura je pronađena u moru u blizini Histiee (blizu rta Artemisium). Prva samostojeća figura prenesena u pokretu i jedina koja je do nas došla u obliku bronzanog originala. 204 pp.

Nijedan renesansni umjetnik nikada nije tačno naveo ni jedan datum, čak ni datum svog rođenja. 222 str.

Moralisti devetnaestog veka tvrdili su da slikanje aktova obično završava u krevetu. Vjerovatno se to ponekad događa, ali erotika i senzualnost su samo neki od mnogih elemenata povezanih s golotinjom.

Akt, odnosno predstava nagog ljudskog tijela, jedan je od najvažnijih žanrova umjetnosti. Istovremeno, samo su neke slike aktova nastale kao proizvod umjetnikove želje da stvori formu koja je „stvar za sebe“, djelo koje savršenošću svojih linija donosi estetski užitak; takav rad se može staviti u rang sa izuzetnim arhitektonskim dizajnom ili graciozno oblikovanom posudom.

Za većinu umjetničkih djela akt je samo polazište, kreativni medij koji služi za izražavanje ideja i emocionalnih stanja. Danas se smatra da je ženska golotinja nešto privlačnije i prirodnije od muške golotinje. Međutim, u staroj Grčkoj su se po prvi put pojavile slike nagog muškarca, čije se tijelo smatralo savršenijim. tačne parametre muškarca. Neću da pričam o ženi, jer ona nema savršene parametre.”

Prevlast ženske golotinje postala je primetna u 17. veku, a tek u 19. veku je postala apsolutna. Na to je utjecao senzibilitet neoklasicizma, koji je vjerovao da su glatke i voluminozne linije ljepše. Slike aktova pojavile su se u zoru likovne umjetnosti, u periodu ranog paleolita, prije oko 30 hiljada godina. To su bile male kamene figurice ili slike na stijenama koje prikazuju ženske figure sa hipertrofiranom zadnjicom, grudima i stidnim trouglom; glava i udovi su, naprotiv, bili šematski ocrtani. Tijekom neolita pojavile su se slične glinene figurice, au bronzanom dobu mramorne figurice, slične, na primjer, predmetima otkrivenim na otocima arhipelaga Kiklada u južnom Egejskom moru.

U Starom Egiptu, gdje se golotinja tumačila kao nešto sasvim prirodno, razvili su se jasni kanoni za prikaz ljudskog tijela. Besprijekorno lijepe polugole figure vladara bile su ispunjene veličanstvenim dostojanstvom; Samo u slikama osoba manje plemenitog porijekla mogle su se pronaći note realizma - mlohavi mišići ili nabori masti. Važna prekretnica u tom pogledu bila je kultura antičke Grčke. Prve slike nagog ljudskog tela bile su skulpture kurosa (mladih sportista) lišenih dinamike na kraju arhaičnog perioda (6. vek pne), a oko jednog veka kasnije, klasični ideal lepote, koji nam je dobro poznat. , već je formirana. Prethodna skiciranost slika ustupila je mjesto rezultatima pažljivog proučavanja anatomije. Grci ne samo da su naslijedili prirodu, već su je nastojali poboljšati: odabrali su najskladnije dijelove različitih figura i spojili ih u idealnu cjelinu.

Klasični kanon prikazivanja ljudskog tela formulisao je Poliklet u drugoj polovini 5. veka pre nove ere, a njegovo oličenje bila je skulptura „Dorifor”. Figura je pozicionirana u kontraposto: težina joj leži na desnoj nozi, lijeva je blago savijena i zabačena unazad, a glava blago okrenuta udesno. Visina glave je jedna sedmina, dužina stopala jedna šestina, dužina dlana jedna desetina visine tijela. Poza koju je Polikleitos koristio da prikaže mušku figuru takođe je korišćena u 4. veku pre nove ere za prenošenje oblika ženskog tela. Linija prednje noge naglasila je prirodnu strukturu figure i stvorila neobično senzualnu krivulju.

Klasični ideal ženske ljepote je Praxitelesova "Afrodita iz Knida" (oko 360. pne.). Tokom helenističkog perioda, Grci su se udaljili od klasične tradicije ravnoteže i počeli su pokazivati ​​gracioznost ili, obrnuto, naglašavali snažne mišiće figura. Stari Rimljani su reproducirali dizajne koje su stvorili Grci; osim toga, uveli su praksu postavljanja skulpturalne slike vladareve glave na idealizirano tijelo. Fizičko savršenstvo kipova trebalo je da naglasi božanskost careva.

Reakcija ranog srednjeg vijeka na drevni kult golotinje bila je izrazito negativna, pa su slike golotinje praktički nestale iz umjetnosti. Crkva je gole skulpture “pagana” smatrala oličenjem idolopoklonstva i sotonskih iskušenja. Međutim, prikaz nagog ljudskog tijela ponekad je bio neizbježan: na primjer, nije se moglo bez njega kada se predstavlja Adam i Eva. Predstava nagog tela bila je dozvoljena i na slikama Muke Hristove, a u 10. veku je nagi lik Isusa zvanično prihvaćen kao fragment kanonske slike raspeća. Fizičnost Hrista je trebala da naglasi ljudsku prirodu Sina Božjeg.

Oni koji su vaskrsli za Posljednji sud, kao i oni osuđeni na paklene muke, prikazani su goli. Slika nagog tijela mogla se vidjeti u alegorijskim kompozicijama, a ovdje su antička djela često postajala izvor inspiracije za autore. Odličan primjer za to je Herkul, koji je simbolizirao moralnu snagu koja pobjeđuje zlo. Na propovjedaonici Katedrale u Pizi Giovanni Pisano je prikazao Veneru Čednu kao personifikaciju vrline umjerenosti (1302. - 1310.). Češće su, međutim, naga ženska tijela simbolizirala grijehe - izopačenost ili taštinu, a posebno je Venera simbolizirala grešnu tjelesnu ljubav.

U 15. veku golotinja je prestala da bude tabu, jer u kasnom srednjem veku nije bila nešto neobično – na primer, javna kupatila su bila veoma popularna. Kao dokaz ovakvih promjena u svjetonazoru možemo navesti “Adam” i “Evu” Jan van Eycka sa oltara katedrale u Gentu. Procvat fotografije akta počeo je u 15. vijeku u Italiji, nakon povratka antičkom stilu. Italijani, tretirajući likovnu umjetnost kao intelektualnu djelatnost, baš kao i stari Grci, dopunili su vizualna zapažanja naučnom analizom. Tada je proučavanje antičke skulpture i crtanje aktovog modela postalo obavezan element učenja slikanja. Teoretičari umjetnosti savjetovali su da kada prikazujete odjevenu osobu, prvo skicirajte figuru bez odjeće, a tek onda je "obucite". U drugoj polovini 15. vijeka umjetnici su čak vršili obdukcije na leševima kako bi temeljito proučili anatomiju ljudskog tijela.

Masacciov Izgon iz raja (1427) smatra se prvim sačuvanim prikazom akta iz renesanse. U skulpturi, ovo je bio Donatelov "David" izliven u bronzi (1430). Slika nagog ljudskog tijela širila se zajedno sa sve većom popularnošću mitoloških tema (na primjer, “Rođenje Venere” Sandra Botticellija). Međutim, korišten je i u biblijskim i u svetim motivima - poput Isusovog krštenja ili mučenja svetog Sebastijana. Prikaz golotinje postao je vrijednost sam po sebi; uvedene su slike nagih tijela bez obzira na temu rada kako bi se probudio osjećaj ljepote u duši gledatelja i demonstrirao umjetnikovo umijeće.

Klasično savršenstvo u prikazu aktova postignuto je tek početkom 16. veka, tokom kasne renesanse. Rafael se najbliže približio antičkom idealu: njegove "Tri milosti" (1504) smatraju se kvintesencijom harmonije. Mikelanđelo je imao drugačiju viziju akta, ovaj vajar je bio toliko fasciniran muškim telom da je čak crtao ženske slike od modela. Njegovo najpoznatije djelo je “David” (1501 - 1504). Na Posljednjem sudu (1534. - 1541.) razorna sila Isusovog tijela izaziva strah od Božjeg gnjeva. Sjeverno od Alpa, posebno u Njemačkoj, utjecaj antičke kulture pomiješan s kasnogotičkom tradicijom. Nage Venere Lucasa Kranaha Starijeg su izdužene - "gotičke" - figure sa uskim grudima i zaobljenim trbuhom. Slika „Venera i Kupidon“ (1509.) bila je prvi goli prikaz antičke boginje ljubavi u sjevernoj Evropi, kao i prva slika na temu antičke mitologije u radu ovog umjetnika.

Međutim, gole ženske slike, unatoč svoj svojoj erotičnosti, oličavale su strah od tijela kao izvora grijeha. Čak ni djelo Albrechta Durera, najistaknutijeg predstavnika njemačke renesanse, nije bilo oslobođeno ovih tendencija. Već 20-ih godina 16. stoljeća počinju se pojavljivati ​​znaci sloma humanizma i s njim povezanih promjena u estetskom kanonu. Počelo je odstupanje od klasičnih proporcija; novi ideal ljepote bilo je neprirodno izduženo, vitko tijelo puno umjetne elegancije. A u drugoj polovini 16. veka, pod uticajem kontrareformacije, crkva je ponovo počela da tumači golotinju kao nešto neprihvatljivo u sakralnoj umetnosti. Godine 1564. Isus i druge figure u Mikelanđelovom Posljednjem sudu bili su "obučeni". Početkom 17. vijeka manirizam je ponovo počeo da ustupa mjesto prirodnosti: realistična tijela mučenika Jusepea de Ribera ili Caravaggia više nisu imala ništa zajedničko s idealnom ljepotom.

Poput njih, Rembrandt van Rijn, težeći dubinskom prijenosu psihologije heroja, nije se bojao pokazati ružnoću i inferiornost, koji su bili prirodniji i karakterističniji za živu osobu nego izuzetnu ljepotu - na primjer, u "Bathshebi" ( 1654) umjetnik je bez stida prikazao sve bore i nabore mlohavog tijela modela. Međutim, tipičnije za estetske sklonosti ovog doba bile su gole slike Petera Powela Rubensa. Njegove pune ženske slike podsjećaju na zrelo voće (na primjer, "Tri gracije" ili "Silovanje Leukipovih kćeri") - to je kao neka vrsta himne u slavu prirode, oličenje ljubavi prema životu i svemu svojim zadovoljstvima.

Drugu polovinu 18. stoljeća obilježio je povratak antičkoj tradiciji u njenoj oštroj klasičnoj verziji. Umjetnost ovog perioda karakterizirala je “plemenita jednostavnost i smirena veličanstvenost”. Neoklasični aktovi, unatoč kristalnoj čistoći oblika, nisu mogli u potpunosti odražavati stvarna osjećanja, jer su bili siromašni emocijama, ili, naprotiv, previše patetični.

Na primjer, mermerne skulpture (“Amor i Psiha”) ne izgledaju ništa više od lijepih, ali hladnih školjki u koje nije uložena umjetnikova duša. Romantičari su doneli izvesno oživljavanje umetnosti u prvoj polovini 19. veka. Eugene Delacroix se vratio dinamičnim oblicima baroka - na primjer, u Sardanapalskoj smrti (1827); Theodore Gericault u Splavu Meduze (1819), kroz prikaz golotinje, nastojao je potpunije dočarati tragediju brodoloma. Neoklasicizam je oblikovao akademsku interpretaciju akta, zvaničnog i dominantnog stila druge polovine 19. stoljeća.

Unatoč općoj razmetljivoj vrlini ovog doba, obilje nagih tijela u djelima likovne umjetnosti nikoga nije ogorčilo: to se opravdavalo antičkom tradicijom i mitološkim, povijesnim ili orijentalnim motivima. Međutim, kako je u drugim sferama čak i pominjanje „zabranjenog“ bilo nemoguće, akt, tumačen kao simbol umjetnosti, u suštini je postao simptom njene emaskulacije.

Situacija se počela mijenjati zahvaljujući francuskim umjetnicima impresionistima. Slike koje je naslikao Edouard Manet 1863. - "Ručak na travi" i "Olympia" - izazvale su skandal. Razlog tome nije bila golotinja kao takva, već prikaz žena na način lišen razboritosti. Slijedeći Maneta, Edgar Degas i Henri Toulouse-Lautrec su slijedili ovaj put. Protestujući protiv akademske laži, umjetnici su slikali žene iz svakodnevnog života - radnice, plesačice, prostitutke.

Početkom 20. veka dogodila se prekretnica u istoriji golotinje, a nago telo je potpuno uskraćeno za lepotu i sklad. Godine 1905. Georges Rouault je napravio nekoliko portreta nevjerovatno odbojnih prostitutki. Tijela žena na slici Pabla Picassa “Les Demoiselles d’Avignon”, koja evocira asocijacije na afričke rezbarene figurice, deformirana su i pretvorena u geometrijske figure.

Aktu je, kao i mrtva priroda, za umjetnike (na primjer, Henri Matisse) postao samo slikovna konstrukcija, oruđe za stvaranje samostalne forme. Avangardni umjetnici pokušali su prikazati akt u apstraktnoj skulpturi. Constantin Brancusi je prikazao torzo žene u obliku osovine na kojoj su pričvršćeni kraći cilindri - noge. Međutim, kada je 1930-ih došlo do zasićenja avangardom i povratka klasičnim formama, akt je postao glavni element koji povezuje modernu umjetnost s prošlim stoljećima.

Danas ne postoji jedinstven ili preovlađujući koncept akt umjetnosti. Individualne preferencije umjetnika i kanoni umjetničkih pokreta kreću se od apstraktnih do hiperrealističkih slika - nepromijenjen ostaje samo vječni interes osobe za vlastito tijelo.

Nacistička umjetnost se spremno okrenula klasičnom stilu prikazivanja aktova. "Osvetnik" (1940.) Arnoa Brekera reproducira tip grčkog pobjedničkog heroja - simbola snage i borbe. „Rođenje Venere“ (1863) Kabanela je tipična „akademsko-mrtva“ slika akta, karakteristična za slikarstvo druge polovine 19. veka. "Les Demoiselles d'Avignon" Pabla Picassa (1907) jedno je od prvih djela modernog slikarstva. I tema (žene bordela) i forma postali su protest protiv tradicionalnog shvatanja lepote.

U narednim radovima umjetnik je otišao dalje - ne samo da je deformirao, već je i pomiješao dijelove tijela. Edouard Manet u Olimpiji je akademsku idealizaciju zamijenio realizmom, a mitološku temu modernom. Ova slika izazvala je skandal jer je Olimpija bila obična prostitutka - lik potpuno nesvojstven slikarstvu tog vremena. Mikelanđelova skulptura „Umirući zarobljenik” (oko 1513.) trebalo je da ukrasi grobnicu pape Julija II. Koncept prikazivanja muškog akta u tumačenju Mikelanđela inspirisao je umetnike sve do 19. veka. Primjer izuzetne erotike manirizma je “Alegorija vremena i ljubavi” (oko 1545.) Angela Bronzina. Ovdje Kupidon grli Veneru, koja mu je majka.

U “Turskom kupatilu” (1862) Jean Auguste Dominique Ingres, orijentalni motiv postao je razlog za prikaz čitave grupe golih žena. Umjetnik je spojio zapanjujuće savršenstvo forme sa proračunato hladnom erotizmom. Giorgioneova "Uspavana Venera", koju je dovršio drugi Venecijanac - Tizian - postala je prva od mnogih kasnijih slika ležećih golih modela. Lik se odlikuje mekim volumetrijskim oblicima, koji su postali još izraženiji u doba baroka.

Scena “Uskrsnuće mrtvih” pružila je Luca Signorelliju priliku da prikaže golotinju na klasičan način – uz pažljivo proučavanje anatomskih karakteristika strukture tijela. U Donatelovom Davidu starozavjetni motiv služi samo kao izgovor da se ljepota mladolikog tijela prikaže mekim, pomalo ženstvenim linijama.

Najrealističniji prikaz nagih tijela u srednjem vijeku bio je Jan van Eyck. Eva predstavlja gotički tip ženske figure: izduženo tijelo, uska prsa i zaobljen trbuh. Venera od Willendorfa i slične ženske figurice iz ranog paleolita smatraju se simbolom plodnosti. Visina figurine je 11,5 cm. Grupa Laokoona (oko 2. vek pne) predstavlja smrt trojanskog sveštenika i njegovih sinova u borbi protiv zmija - glasnika bogova.

Ekspresivna golotinja s ekspresivnim uzorcima mišića sredstvo je za prenošenje patnje. Ova skulpturalna kompozicija u velikoj je mjeri utjecala na Mikelanđelov stil. Raspeće biskupa Gereona (oko 975.) iz kelnske katedrale predstavlja najraniju sliku raspeća u kojoj je tako ekspresivno naglašena patnja. Od 13. stoljeća, Isusovo tijelo je prikazano sa sve vidljivijim znakovima mučenja. Grci su prikazivali nago tijelo jer su ga smatrali lijepim: muški torzo čak je postao model za proizvodnju vojnog oklopa.

U fizičkom savršenstvu Grci su vidjeli odraze plemenitosti duše; Drevni grčki sportisti su trenirali i takmičili se goli. Osoba se tumačila kao neodvojiva cjelina duše i tijela, pa se ništa što se tiče tijela nije smatralo za osudu.

Ruska umjetnost stara je već više od hiljadu godina, ali mi nismo bogati remek-djelima svjetskog značaja koji prikazuju gole djevojke. Umetnici su se dugo vremena stideli i plašili da slikaju gole žene. Govorimo vam kako je to povezano sa geografijom i posebnostima istorijskog razvoja Rusije, nacionalnim karakterom i općenito - odnosom našeg naroda prema bilo kakvoj „sramoti“.

Crkva je kriva

Na razvoj likovne umjetnosti i procese koji se u njoj odvijaju presudno utiče dominantna ideologija. Vekovima je bila religiozna. Štaviše, Rusija je naslijedila najvizionarniju verziju hrišćanstva sa najviše simbola - pravoslavlje. Na katoličkom Zapadu, umjetnicima je bilo dozvoljeno da slikaju „materijalističke“ stvari, kao što su uglađeni, podli đavo, mučenje mučenika usijanim kleštima, gole grudi Majke Božje i pahuljasta krila anđela.

Nepoznati umjetnik. Vjerski popularni tisak “O Djevici Mariji i njenom posthumnom javljanju ocu.” 1904-1905. Državni istorijski muzej

U Vizantiji je sve bilo oko znakova i kanona, au njegovoj umjetnosti sve je bilo oko linearnosti i ravnosti. Golotinja u odatle usvojenoj ikonografiji bila je dozvoljena ili isključivo pristojnim ljudima - pustinjskim asketama i svetim bezumnicima (na primjer, Marija Egipatska i sv. Vasilije Blaženi), koji su vodili takav način života da im tijelo nije moglo služiti kao primjer fizičku ljepotu, ili mrtvima - dušu koja ostavlja smrtni život tijelo, ili grešnike u paklu. Pa, takođe i svim vrstama demona i duhova. Sve ovo nisu uzori; takva tijela ne izazivaju estetski užitak.

Geografija je kriva

Da bi se neke stvari smatrale „lepim“ zahteva naviku i dugotrajan trening. Na primjer, Amerika je vjerovala da crna djevojka može biti pravi seks simbol zahvaljujući činjenici da se Hollywood bavio vizualnom propagandom već trideset godina (ako se računa od 1970-ih, kada su se među Bond djevojkama pojavile prve Afroamerikanke) .

Da bi nago telo u umetnosti postalo lepo i univerzalno prihvatljivo, bili su potrebni vekovi treninga očiju.

A takođe i veoma moćna indoktrinacija, tokom koje su svi poučeni da je telo odraz božanske harmonije, te stoga zaslužuje divljenje (guglati „kalokagathia“). U Evropi je ovo gledište uspostavljeno negde u 5. veku pre nove ere. e. - u staroj Grčkoj. Kulture koje nisu vezane za antiku imaju komplekse kada je u pitanju golotinja - uzmite muslimansku, tradicionalnu japansku.

Henryk Semiradsky. "Žena ili vaza?" 1887. Sotheby's

Jednog dana, profesor umjetnosti postavio je studentima pitanje: "Kako razlikovati pravu grčku statuu od rimske kopije?" Učenici su dugo i uporno demonstrirali svoje znanje, predlažući različite teorije, ali je profesor, nakon što ih je saslušao, rekao: „Sve je mnogo jednostavnije: grčke statue su potpuno gole, ali je kod rimskih uzročno mjesto prekriveno list.” Da, Rim se već plašio golotinje u umetnosti – ali to nije bilo tipično za Heladu.

Stara grčka civilizacija je bila sve samo ne stidljiva, barem kada je u pitanju ljudsko tijelo. Uživala je u njegovoj ljepoti - barem ako je njegovo tijelo bilo zaista lijepo, poput atletičara koji se takmiči na Olimpijskim igrama, zbog čega su sportisti nastupali goli. I, naravno, savršeno muško tijelo je dostojno utjelovljenja u umjetnosti... Starogrčka umjetnost je ne tako voljno "gola" ženu - uostalom, žena se, po definiciji, smatrala nesavršenim bićem, što znači da je veličanje ljepota njenog tijela bi bila u najmanju ruku čudna (međutim, i dalje se pojavljuju kipovi golih žena - na primjer, Afrodita iz Knida).

Još jedan pikantan detalj: onaj dio tijela kojim moderni muškarci vole da se "mjere" nikada nije bio velik u drevnim grčkim statuama. Samo Priapus, bog plodnosti, koji je personificirao divlju, elementarnu moć u čovjeku, bio je prikazan s ogromnim penisom, a savršeno tijelo civilizirane osobe - predstavnika kulture polisa - nije toleriralo nikakvo pretjerivanje. Ovo također sugerira da je u kulturi Helade, prikaz golotinje u umjetnosti najmanje bio povezan s neobuzdanom seksualnošću.

Za evropski srednji vijek takvo je divljenje bilo nezamislivo, ali se ne može reći da je u srednjovjekovnoj umjetnosti potpuno izostalo nago tijelo. Dopušteno je tamo gdje je odgovaralo povijesnim okolnostima - na primjer, kada se prikazuje razapetog Spasitelja. Adamu i Evi je bilo „dozvoljeno“ da budu goli prije pada. A u srednjem vijeku, grešnici u paklu i ljudi koji su se pojavili na Posljednjem sudu također su prikazivani goli (vjerojatno time naglašavajući da će svi tamo biti jednaki - uostalom, u srednjovjekovnom društvu odjeća je omogućavala razlikovanje plemenitog gospodara od običan).

Još jedno doba koje se "zaljubilo" u golo ljudsko tijelo je nesumnjivo renesansa i nije mogla a da je ne voli, budući da se vodila idealima antike, među kojima je bilo i lijepo ljudsko tijelo, predstavljeno u netaknutoj golotinji. . Proglasivši čovjeka za centar svemira, filozofija renesansnog humanizma mu se ponovo divi. Dašak neozbiljnosti javlja se kasnije - u doba baroka, doba razočaranja koje je skrivalo gorčinu ispod pompe (uključujući i raskoš ženskih oblika).

Klasicizam i kasnija umjetnička doba pokušavaju se vratiti drevnim slikama prekrasne golotinje - ali iskonsko divljenje više nije dostižno. Međutim, golotinja se smatra prikladnom kada se prikazuju drevni subjekti. Važno je napomenuti da se – za razliku od Helade – ženska golotinja smatra prikladnijom, ali je akvarel engleskog umjetnika E. Burne-Jonesa “Phyllis and Demophnot” uklonjen sa izložbe 1870. godine upravo zbog Demofonove golotinje – Filidina golotinja jeste. ne smetati nikome.

U odnosu na dvadeseti vek, teško je čak i govoriti o golotinji u slikarstvu i skulpturi – iza bizarnih slika avangarde ne vidi se stvarno nago telo. Ali slika golotinje u mladoj kinematografskoj umjetnosti procvjetala je u punom cvatu. Ali ova golotinja bila je još daleko od nevinog divljenja Helade - nago žensko tijelo, uz pištolj, postalo je jedan od "sastojaka" uspješnog filma koji ne pretendira na status visoke umjetnosti.

Golotinja u umjetnosti. Kenneth Clark

Per. sa engleskog - St. Petersburg: ABC-classics, 2004. - 480 str. (Serija "Umjetnik i znalac".)

Nova serija „Umjetnik i poznavalac“ predstavlja knjigu vodećeg engleskog umjetničkog kritičara Kennetha Clarkea „Golotinja u umjetnosti“, koja je prvi put prevedena na ruski jezik. Autor uvodi razvoj žanra akta od nastanka do danas, identifikujući u njemu specifične trendove kao što su „golotinja energije“, „golotinja patosa“, „golotinja ekstaze“ itd. Originalna interpretacija teme, živa , pristupačan jezik, zanimljiv izbor ilustracija trebao bi privući pažnju ne samo stručnjaka, već i širokog kruga čitatelja.

Format: pdf

veličina: 10.6 MB

Skinuti: yandex.disk

Serijal "Umjetnik i poznavalac" predstavlja niz zanimljivih historijskih studija umjetnosti koje imaju prvenstveno obrazovnu svrhu, ali istovremeno ostaju striktno akademske. Njihova prednost je pristupačnost i zabava bez svjesnog pojednostavljivanja i iskrivljavanja naučne misli. Nije slučajno da su knjige engleskog istoričara umjetnosti Kennetha Clarkea među prvima uvrštene u ovu zbirku. Njegovu briljantnu erudiciju, duboko razumijevanje teme, vjerno oko za kritiku i iskrenu ljubav prema umjetnosti upotpunjuje poštovanje prema publici. Krećući se od jednostavnog ka složenom, lako, bez imalo nasilja ili želje da nametne svoje mišljenje, profesor čitaoce od amatera pretvara u stručnjake i prave poznavaoce lepote. Malo je naučnika koji o složenim stvarima mogu govoriti jednostavno, zadivljujuće i graciozno, ali Klarka se želi čitati polako, uživajući u pojedinačnim frazama, pažljivo gledajući ilustracije koje nudi. Po stranicama njegovih knjiga razasuti su šarmantni primjeri akademskog humora, koji su, čini se, tamo migrirali iz profesorovih predavanja koja je držao ne samo studentima, već i televizijskim gledaocima u Velikoj Britaniji i Americi.

Možda će tema istraživanja kod nekih izazvati neozbiljne asocijacije, ali ljubitelji jagoda će biti zadovoljni knjigom samo zbog lijepih slika. Prema Kenneth Clarku, slika nagog ljudskog tijela jedna je od najvažnijih i najvrijednijih tema u umjetnosti, iako joj nije posvećivana jednaka pažnja u svim historijskim epohama. Nemoguće je poreći tjelesnu prirodu čovjeka, a budući da smo tašti i svakako težimo da budemo ovjekovječeni, malo je vjerovatno da će likovna umjetnost ikada biti u potpunosti ograničena na cik-cak i obojene mrlje, koje simboliziraju rad naše podsvijesti. Naravno, ideal vanjske ljepote se neprestano mijenjao, na njega su utjecali neozbiljna moda, vjerski moral, visoko filozofsko rasuđivanje i estetski užici. Clarkeova knjiga uključuje i paleolitske Venere i grčke boginje; mršavi sveci u gotičkom stilu i zemaljske ljepote Rubensa; lijepe Renoirove prostakluke i Pikasove kubične aktove. Mnogo se govorilo i o muškoj ljepoti, na sreću, sve do sredine 19. stoljeća nije bilo očigledne diskriminacije muškaraca kao golotinje. Bliže našem vremenu, pravo na demonstraciju svojih čari, nažalost, postalo je gotovo potpuni prerogativ žena.

U proljeće 1953. održao sam šest predavanja o golotinji u umjetnosti na godišnjim čitanjima likovnih umjetnosti E. W. Mellon u Nacionalnoj galeriji u Washingtonu. Nikada u životu nisam govorio pred odgovornijom i inteligentnijom publikom, i želio bih da svakom od prisutnih poklonim primjerak ove knjige u znak zahvalnosti odmah po završetku kursa. Ali predavanja su se morala znatno produžiti, tri nova poglavlja napisati, a izdavači su me u posljednjem trenutku uvjerili da dodam još jedan dio bilješki. To je značilo skoro tri godine kašnjenja i zahvalan sam Fondaciji Mellon Memorial Readings i Fondaciji Bollingen na njihovom strpljenju dok su čekali da se knjiga završi..