ANTIK, KÖZÉPKOR, RENESZÁNSZ ZENEKULTÚRA

ANTIKVITÁS

Az ókori Görögország zenei kultúrája képezi Európa zenei kultúrájának fejlődésének első történelmi állomását. Ugyanakkor az ókori világ kultúrájának legmagasabb szintű kifejeződése, és kétségtelen kapcsolatokat tár fel a Közel-Kelet ősibb kultúráival - Egyiptom, Szíria, Palesztina. Az ókori Görögország zenei kultúrája azonban minden ilyen jellegű történelmi kapcsolat mellett egyáltalán nem ismétli meg a más országok által bejárt utat: megvan a maga egyedi megjelenése, a maga vitathatatlan vívmányai, amelyeket részben továbbad az európainak. középkorban, majd nagyobb mértékben a reneszánszban.

Más művészeti formákkal ellentétben az ókori világ zenéje nem hagyott a történelemben velük egyenértékű alkotói örökséget. Hatalmas, nyolc évszázados történelmi távon – a Kr.e. V. századtól. Által 111 században e.-szórtan csak tizenegy olyan ókori görög zenei példa található, amelyet az akkori lejegyzések őriztek. Igaz, ezek az első dallamfelvételek Európában, amelyek eljutottak hozzánk.

Az ókori Görögország kultúrájának legfontosabb tulajdonsága, amelyen kívül a kortársak szinte észre sem vették, és ennek megfelelően nem is értjük, hogy a zene szinkretikus egységben van más művészetekkel - korai szakaszában vagy szintézisében. - fénykorában. A költészettel elválaszthatatlan kapcsolatban álló zene (innen a dalszöveg), a zene, mint a tragédiák nélkülözhetetlen résztvevője, a zene és a tánc - ezek az ókori görög művészeti élet jellegzetes jelenségei. Platón például nagyon kritikusan beszélt a tánctól és énekléstől független hangszeres zenéről, azzal érvelve, hogy csak gyors, tétovázásra alkalmas, és állati sikolyok ábrázolására alkalmas:

„A furulya és a cithara külön-külön történő használata olyan ízetlenséget rejt magában, amely csak egy varázslóhoz méltó.” A görög tragédia, egy magas és összetett művészet eredete a mitológiából, a mágikus cselekedetekből, az emberek hiedelmeiből származik. Az ókori görög mítoszok eredete nagy zenészekről - Orpheus, Olympus, Marcia - az ókorba nyúlik vissza.

A görögországi korai zenei kultúráról fontos információkat ad nekünk a Homéroszi eposz, amely maga is a zenei előadáshoz kapcsolódik: „Iliász”, „Odüsszeia”.

A 11-6. századi epikus művek önálló előadása mellett különleges kórusműfajok is ismertek. Kréta szigetén a dalokat plasztikus mozdulatokkal, tánccal kombinálták (hyporhema); Spártában a 7. század óta széles körben művelték a kórusműfajokat. Ismeretes, hogy a spártaiak nagy állami és oktatási jelentőséget tulajdonítottak a zenének. Zeneművészeti képzésük nem szakmai jellegű volt, hanem egyszerűen az általános ifjúsági nevelési rendszer része volt. Innen nőtt ki végül az ethosz elmélete, amelyet a görög gondolkodók támasztottak alá.

Az ókori Görögország zenei és költői művészetében egy új irányvonal, amely lírai témákat és képeket fogalmazott meg, a Jón Archilochus (VII. század), valamint a leszbikus iskola legnagyobb képviselőinek, Alcaeusnak és Szapphónak (az évforduló) nevéhez fűződik. 1. és 6. század). Azt gondolhatnánk, hogy a lírai elv megerősödésével és a dallam szerepének felerősödésével műveikben maga a „líra” szó is a lírából származik.

A 6. század líráját többféle műfaj képviseli: elégiák, himnuszok, lakodalmas énekek.

A tragédia klasszikus százada a Kr.e. V. század volt. pl.: a legnagyobb tragédiák Aiszkhülosz (kb. 525-456), Szophoklész (kb. 496-, Euripidész (kb. 480-406) munkássága) Ez volt a görög művészeti kultúra legmagasabb virágzásának ideje, századai Phidias és Polykleitos, a klasszikus építészet olyan emlékei, mint az athéni Parthenon, az egész ókori világ művészetének legjobb százada. A tragédiák előadásait nyilvános ünnepségnek tekintették, és a rabszolgatársadalom határain belül viszonylag széles területtel bírtak. demokratikus jelleg: a színházat minden polgár látogatta, akik ezért állami juttatásokat is kaptak, a kórus - az általános erkölcs képviselője - a népet képviselte a tragikus színpadon, és a nevében szólalt fel.

A drámaíró egyszerre volt költő és zenész; mindent maga csinált. Aiszkhülosz például maga is részt vett drámáinak előadásában. Később a költő, zenész, színész és rendező funkciói egyre inkább elváltak egymástól. A színészek énekesek is voltak. A kórus énekét plasztikus mozdulatokkal ötvözték.

A hellenisztikus korszakban a művészet már nem a polgárok művészi tevékenységéből nőtt ki: teljesen professzionalizálódott.

Minden, amit az ókori Görögországban a zeneművészetről írtak, és ami sok fennmaradt anyagból magabiztosan megítélhető, a dallamosságról alkotott elképzeléseken alapult (főleg a költői szóhoz köthető). Ez nemcsak a speciális elméleti munkák tartalmából derül ki, hanem a legnagyobb görög gondolkodók általánosabb etikai és esztétikai megnyilatkozásaiból is. Így teljes mértékben beigazolódik a monofónia elve, amely teljesen jellemző az ókori görög zeneművészetre.

A zeneművészetről szóló ókori ítéletek közül a legérdekesebb a Platón által kidolgozott, Arisztotelész által kidolgozott és elmélyített úgynevezett éthosz-doktrína. Az ókori hagyomány a politika és a zene kérdéseinek ötvözését Athéni Domon, Szókratész tanítója és Periklész barátja nevéhez köti. Tőle Platón állítólag átvette a zene jótékony hatásának gondolatát a méltó polgárok nevelésére, amelyet az „Állam” és a „Törvények” című könyvekben dolgozott ki. Ideális állapotában Platón a zenének szánja az első (többiek mellett) szerepet abban, hogy egy fiatalt bátor, bölcs, erényes és kiegyensúlyozott emberré, azaz ideális polgárrá neveljen. Ugyanakkor Platón egyrészt a zene hatását kapcsolja össze a torna ("szép testmozgások") hatásával, másrészt amellett érvel, hogy a dallam és a ritmus leginkább a lelket ragadja meg és ösztönzi hogy utánozza a szépség azon példáit, amelyeket a zeneművészet ad neki.

"Azután elemezve, hogy pontosan mi a szép egy dalban, Platón rájön, hogy ezt a szavak, a mód és a ritmus alapján kell megítélni. Kora elképzeléseinek megfelelően minden panaszos és pihentető módot lesöpör, és csak hívja Dorianus és Phrygian csakis az ifjú harcos nevelésének magas céljaira méltók Ugyanígy a filozófus a hangszerek közül csak a citharát és a lírát ismeri el, megtagadva az összes többi etikai tulajdonságait.Így az ethosz hordozója Platóntól nézőpontból nem műalkotás, nem képanyaga, de még csak rendszerkifejező eszköz sem, hanem csak a hangszer módozata vagy hangszíne, amelyhez mintegy hozzárendelnek egy bizonyos etikai minőséget.

Arisztotelész sokkal tágabban ítéli meg a zene célját, azzal érvelve, hogy nem egy, hanem több célt kell szolgálnia, és hasznosan kell használni: I) a nevelés, 2) a megtisztulás, 3) a szellemi szórakozás érdekében. , vagyis a megerőltető tevékenységtől való megnyugvás és ellazulás kedvéért... Innen már világos – folytatja Arisztotelész –, hogy bár minden módot használhatsz, nem szabad egyformán használni. a zene pszichére gyakorolt ​​hatásának természete a következőképpen:

„A ritmus és a dallam a harag és a szelídség, a bátorság és mértékletesség, valamint ezek minden ellentétes tulajdonságának, valamint a valósághoz legközelebb álló erkölcsi tulajdonságainak legszorosabb tükröződését tartalmazza. Ez a tapasztalatból kiderül: ha fülünkkel érzékeljük a ritmust és a dallamot, megváltozik a lelki hangulatunk is. Az a szokás, hogy szomorú vagy örömteli hangulatot élünk meg, amikor a valóságot utánzó dolgokat észlelünk, ahhoz vezet, hogy a [mindennapi] igazsággal szembesülve kezdjük átélni ugyanazokat az érzéseket” 3 . És végül Arisztotelész. a következő következtetésre jut: „...a zene képes bizonyos hatást gyakorolni a lélek etikai oldalára; és mivel a zenének vannak ilyen tulajdonságai, ezért nyilván az utánpótlás-nevelés tantárgyai közé kell sorolni.”

Az ókor óta a filozófus és matematikus, Püthagorasz (Kr. e. 6. század) tulajdonította az első görög gondolkodó jelentőségét, aki a zenéről írt. Az ő nevéhez fűződik a zenei hangközök (konszonanciák és disszonanciák) doktrínájának kezdeti kidolgozása egy húr felosztásával kapott pusztán matematikai összefüggések alapján. Általánosságban elmondható, hogy a pitagoreusok - az ókori keleti kultúrák (főleg Egyiptom) példáját követve - mágikus jelentőséget tulajdonítottak a számoknak és az arányoknak, elsősorban a zene mágikus gyógyító tulajdonságaira következtetve. Végül a pitagoreusok elvont és spekulatív konstrukciók révén jutottak el az úgynevezett „szférák harmóniájának” gondolatához, mivel úgy gondolták, hogy az égitesteknek, amelyek egymással bizonyos numerikus („harmonikus”) kapcsolatban állnak, meg kell szólalniuk, amikor mozog, és „égi harmóniát” hoz létre.

Ami az ethosz doktrínáját illeti, később a neoplatonisták, különösen Plotinus (III. század), vallási-misztikus szellemben gondolták újra, megfosztva attól a polgári pátosztól, amely egykor Görögországban benne rejlett. Innen közvetlen szálak vezetnek a középkor esztétikai nézeteihez. Az ókori kultúra hanyatlása a rabszolgarendszer bomlásának korszakában pontosan hozzájárult a keresztény művészet sikeres fejlődéséhez, amely sok tekintetben szembefordult Róma korábbi évszázadok esztétikájával és zenei gyakorlatával. Lehetetlen tagadni, hogy az ókor öröksége és a későbbi idők esztétikai gondolkodásának fejlődése között két korszak fordulóján kialakult bizonyos összefüggés.

A KÖZÉPKOR ZENEI KULTÚRA

Nyugat-Európa zenei kultúrájának fejlődésében a középkor hosszú és széles történelmi korszakát nehéz egyetlen korszaknak tekinteni, még egy általános kronológiai kerettel rendelkező nagy korszaknak sem. A középkor első, kezdeti határa - a Nyugat-Római Birodalom 476-os bukása után - általában a VI. Eközben a zeneművészet egyetlen olyan területe, amelyről írásos emlékek maradtak, egészen a 12. századig csak a keresztény egyház zenéje volt. A hozzá kapcsolódó teljes egyedi jelenségegyüttes hosszú távú történelmi felkészülés alapján, a 2. századtól kezdve alakult ki, és Nyugat-Európán túl keletre - Palesztináig, Szíriáig, Alexandriáig - terjedő távoli eredeteket foglalt magában. Ráadásul a középkor egyházzenei kultúrája így vagy úgy nem kerülte el az ókori Görögország és az ókori Róma örökségét, bár az „egyházatyák”, majd a zenéről író teoretikusok nagyrészt szembeállították a keresztény egyház művészetét. az ókor pogány művészvilágával.

A második legfontosabb mérföldkő, amely a középkorból a reneszánszba való átmenetet jelzi, Nyugat-Európában nem egyszerre zajlik le: Olaszországban - a 15. században, Franciaországban - a 16. században; más országokban a középkori és a reneszánsz tendenciák küzdelme különböző időkben zajlik. Mindannyian a középkor más-más örökségével közelítenek a reneszánszhoz, a hatalmas történelmi tapasztalatok saját következtetéseivel. Ezt nagyban elősegítette a középkori művészeti kultúra fejlődésének jelentős fordulópontja, amely a 11-12. században következett be, és amelyet új társadalomtörténeti folyamatok (városok növekedése, keresztes háborúk, újak megjelenése) okoztak. társadalmi rétegek, a világi kultúra első erős központjai stb.).

A kronológiai szempontok minden viszonylagosságával vagy mozgékonyságával, a múlttal való elkerülhetetlen genetikai kapcsolatokkal és a jövőbe való egyenetlen átmenettel együtt azonban a nyugat-európai középkor zenei kultúráját olyan jelentős jelenségek és folyamatok jellemzik, amelyek csak rá jellemzőek, ill. más körülmények között és más időkben elképzelhetetlen. Ez egyrészt a történelmi fejlődés különböző szakaszaiban lévő számos törzs és nép mozgása és létezése Nyugat-Európában, az életmód és a különböző politikai rendszerek sokfélesége, és egyben a katolikus egyház kitartó törekvése a egész hatalmas, viharos, sokszínű világ, nemcsak az általános ideológiai doktrína, hanem a zenei kultúra általános elvei is. Másodsorban ez a zenei kultúra elkerülhetetlen kettőssége a középkorban: az egyházi művészet változatlanul szembeállította kánonjait az európai népzene sokszínűségével. Az 1-13. században a világi zenei és költői kreativitás új formái jelentek meg, és az egyházi zene nagymértékben átalakult. De ezek az új folyamatok már a fejlett feudalizmus körülményei között zajlottak.

Mint ismeretes, a középkori kultúra, a középkori oktatás és a középkori művészet sajátos karakterét nagymértékben meghatározza a keresztény egyháztól való függés.

A keresztény egyház zenéje a Római Birodalom nagyhatalmának történelmi körülményei között öltött formát eredeti formájában. A túlvilágba vetett hit, a legmagasabb jutalom mindenért, ami a földön történt, valamint az emberiség bűneiért való engesztelés gondolata a kereszten megfeszített Krisztus áldozata révén, elbűvölte a tömegeket.

A gregorián ének, mint az uralkodó keresztény egyház rituális éneklésének történelmi előkészítése hosszú és változatos volt.

A 4. század végén, mint ismeretes, a Római Birodalom nyugati (Róma) és keleti (Bizánc) részekre szakadt, amelyek történelmi sorsa aztán másként alakult. Így a nyugati és a keleti egyházak elszigetelődtek, hiszen a keresztény vallás ekkorra már államvallássá vált.

A Római Birodalom kettéválásával és a keresztény egyház két központjának létrejöttével a végső formálódásban lévő egyházművészet útjai Nyugaton és Keleten is jórészt elszigetelődtek.

Róma a maga módján átdolgozott mindent, ami a keresztény egyház rendelkezésére állt, és ennek alapján hozta létre kanonizált művészetét - a gregorián éneket.

Ennek eredményeként Gergely pápa vezetésével (legalábbis az ő kezdeményezésére) állítottak össze válogatott, szentté avatott, az egyházi éven belül terjesztett egyházi dallamokat. hivatalos trezor - antifónia. A benne foglalt kórusdallamokat ún gregorián énekés a katolikus egyház liturgikus énekének alapja lett. A gregorián énekek gyűjteménye hatalmas..

A 11-12. századi, majd a reneszánsz korszakból származó gregorián énekgyűjtemény szolgált kiinduló alapjául olyan többszólamú művek létrejöttéhez, amelyekben a kultikus énekek a legváltozatosabb fejlődést kapták.

Minél jobban kiterjesztette a római egyház befolyási övezetét Európában, annál inkább terjedt el a gregorián ének Rómából északra és nyugatra.

A kottaírás reformját Guido d'Arezzo olasz zenész, teoretikus és tanár hajtotta végre a 11. század második negyedében.

Guido reformja az eredeti gondolat egyszerűségében és organikus voltában erős volt: négy vonalat húzott, és neumákat helyezve rájuk vagy közéjük, mindegyiknek pontos magassági értéket adott. Guido of Arezzo másik újítása, lényegében szintén az ő találmánya egy konkrét hatfokozatú skála kiválasztása volt. (do-re-mi-fa-sol-la).

A 11. század végétől, a 12. és különösen a 13. században számos nyugat-európai ország zenei életében, zenei kreativitásában új mozgalom jelei jelentek meg - eleinte kevésbé, majd egyre markánsabban. A zenei kultúra kezdeti középkori formáitól kezdve a művészi ízlés és kreatív gondolkodás fejlesztése a zenélés más, progresszívebb típusaiba, a zenei kreativitás más elveibe kerül.

A XII-XIII. században nemcsak új alkotói mozgalmak kialakulásának, hanem bizonyos Nyugat-Európában való elterjedésének történelmi előfeltételei is fokozatosan kialakultak. Így a középkori regény vagy történet, amely francia földön a 12-13. században fejlődött ki, nem maradt csak francia jelenség. A Trisztánról és Izoldáról szóló regény, valamint az Aucassinról és Nicolette-ről szóló történet mellett Parsifal és Szegény Henrik is bekerült az irodalom történetébe. Az új, gótikus stílus az építészetben, amelyet klasszikus példák képviselnek Franciaországban (katedrálisok Párizsban, Chartres-ban, Reimsben), a német és cseh városokban, Angliában stb.

A világi zenei és költői líra első virágzása, amely a 12. században Provence-ban kezdődött, majd elfoglalta Észak-Franciaországot, visszhangot kapott Spanyolországban, majd később a német Minnesangban is kifejezésre jutott. Ezen irányzatok és mindegyikük eredetiségével egy új minta alakult ki, amely széles skálán jellemző a korszakra. Ugyanígy a többszólamúság keletkezése és kialakulása professzionális formáiban - az akkori zenei evolúció talán legfontosabb aspektusa - nem csak a francia alkotóiskola, de főleg nem csak egy zenészcsoport részvételével ment végbe. Notre Dame-székesegyház, bármilyen nagy érdem is volt.

Sajnos a középkori zene útjait bizonyos mértékig szelektíven ítéljük meg. A források állapotából nem lehet konkrét összefüggéseket nyomon követni, például a többszólamúság kialakulásában a Brit-szigeteki források és a kontinens formái között, különösen a korai szakaszban.

A középkori városok végül fontos kulturális központokká váltak. Megalakultak Európa első egyetemei (Bologna, Párizs). Bővült a városépítés, gazdag katedrálisok épültek, és nagy pompával végeztek isteni istentiszteletet a legjobb kórusénekesek közreműködésével (speciális iskolákban - metrizákban - képezték őket nagy templomoknál). A középkorra jellemző egyházi (és különösen a zenei) tanulás már nem csak a kolostorokban összpontosult. A középkori város kultúrájához kétségtelenül új formák, új stílusú egyházzene társul. Ha részben tanult szerzeteszenészek korábbi tevékenysége készítette elő őket (mint például Hucbald of Saint-Amand és Guido of Arezzo), ha a többszólamúság korai példái Franciaország szerzetesi iskoláiból származnak, különösen a chartres-i és a limoges-i kolostorokból. , akkor még mindig következetes a többszólamúság új formáinak kialakulása Párizsban kezdődik a 12. és 13. században.

A középkori zenei kultúra egy másik, szintén igen jelentős rétege kezdetben az európai lovagság tevékenységéhez, érdeklődési köréhez, sajátos ideológiájához kötődött. Keresztes hadjáratok kelet felé, hatalmas megmozdulások nagy távolságokon, csaták, városok ostroma, polgári viszályok, merész, kockázatos kalandok, idegen földek meghódítása, kapcsolatok a keleti népekkel, szokásaikkal, életmódjukkal, kultúrájukkal, teljesen szokatlan benyomások – mindez rányomta bélyegét a keresztes lovagok új világképére. Amikor a lovagság egy része kedvező, békés körülmények között létezhetett, a lovagi becsület korábban létező eszméje (természetesen társadalmilag korlátozott) a gyönyörű hölgy kultuszával és a neki való lovagi szolgálattal, az udvariasság eszméjével párosult. a szeretet és a hozzá kapcsolódó viselkedési normák. Ekkor kezdett kibontakozni a trubadúrok zenei és költői művészete, adva az első példákat az írott világi vokális szövegekre Európában.

A középkor zenei kultúrájának más rétegei is fennmaradtak, amelyek a népi élethez, a vándorzenészek tevékenységéhez, környezetük és életmódjuk közelgő változásaihoz kapcsolódnak.

A középkori vándor népzenészekről szóló információk a 9-14. századtól egyre bőségesebbek és határozottabbak. Ezek a zsonglőrök, minstrelek, shpilmanok - ahogyan különböző időben és helyeken nevezték őket - sokáig voltak koruk világi zenei kultúrájának egyedüli képviselői, így fontos történelmi szerepet töltöttek be. A XII-XIII. századi világi szöveg korai formái nagyrészt zenei gyakorlatuk, énekhagyományaik alapján öltöttek formát. Ők, ezek a vándorzenészek nem váltak el a hangszerektől, míg az egyház vagy elutasította részvételüket, vagy nagy nehezen elfogadta. A különféle fúvós hangszereken (trombiták, kürtök, furulyák, pánfuvolák, dudák) az idők folyamán a hárfa (a régiektől), a vakond (kelta hangszer), a íjhangszerek fajtái, a leendő hegedű ősei - rebab, viela, fidel (esetleg keletről).

Ezeknek a középkori színészeknek, zenészeknek, táncosoknak, akrobatáknak (gyakran egy személyben), akiket zsonglőrnek vagy más hasonló néven hívnak, minden bizonnyal megvoltak a maguk kulturális és történelmi hagyományai, amelyek az ókorba nyúlnak vissza. Nemzedékeken keresztül átvehették az ókori római színészek szinkretikus művészetének örökségét, akiknek histrionoknak és mímeknek nevezett leszármazottai hosszú ideig vándoroltak a középkori Európában. A kelta (bárdok) és a germán eposzok legrégebbi féllegendás képviselői is így vagy úgy átadhatták hagyományaikat a zsonglőröknek, akik bár nem tudtak hűségesek maradni hozzájuk, mégis tanultak tőlük valamit. Mindenesetre a 9. században, amikor a histrionok és mímek korábbi említéseit már felváltották a zsonglőrökről szóló jelentések, ez utóbbiakat részben az eposz előadóiként is ismerték. A zsonglőrök egyik helyről a másikra mozogva fellépnek a bírósági ünnepségeken (ahova bizonyos napokon sereglenek), kastélyokban, falvakban, és néha még a templomokba is beengedik őket. A középkori versekben, regényekben, dalokban többször is szóba kerül a zsonglőrök részvétele az ünnepi mulatságban és mindenféle szabadtéri látványosság szervezésében. Mindaddig, amíg ezek a nagyobb ünnepeken a templomokban vagy temetőkben tartott előadások csak latin nyelven zajlottak, a kolostori iskolák diákjai és a fiatal papok vehettek részt az előadásokon. Ám a 13. századra a latint felváltották a helyi népi nyelvek – majd a vándor zenészeknek, akik úgy tettek, mintha szellemi előadásokban komikus szerepeket és epizódokat adnának elő, valahogy sikerült bekerülniük a színészek sorába, majd sikert aratni velük. vicceiket a nézők és hallgatók körében. Így volt ez például Strasbourg, Rouen, Reims és Cambrai katedrálisaiban. Az ünnepnapokon bemutatott „történetek” között szerepeltek a karácsonyi és húsvéti „akciók”, „Mária-siralom”, „A racionális szüzek és a bolond szüzek története” stb. Az előadásokon szinte mindenhol, saját érdekükben látogatók, bizonyos vagy más komikus epizódok, amelyek a gonosz erők részvételével vagy a szolgák kalandjaival és megjegyzéseivel kapcsolatosak. Itt megnyílt a tér a zsonglőrök színészi zenei képességei előtt hagyományos búvósságukkal.

Sok lelkész különleges szerepet játszott, amikor elkezdtek együttműködni a trubadúrokkal, mindenhová elkísérték lovagjaikat, részt vettek dalaik előadásában, és új művészeti formákhoz kapcsolódtak be.

Ennek eredményeként a „vándoremberek”, a zsonglőrök, a shpilmanok, a menstrelek környezete, amely az idők során jelentős átalakulást tapasztalt, nem maradt egységes összetételben. Ezt elősegítette az új – írástudó, de a társadalomban stabil pozíciójukat vesztett – erők beáramlása is, vagyis a kispapságból lényegében deklasszált vesztesek, vándor diákok, szökevény szerzetesek. A 11-12. században Franciaországban (majd más országokban) a vándorszínészek és zenészek soraiban megjelentek a vagantes és a goliard nevet kapták. Velük új életfelfogások és -szokások, műveltség, sőt olykor bizonyos műveltség is került a zsonglőrködés rétegeibe.

A 13. század vége óta különböző európai központokban céhegyesületek jöttek létre shpilmanokból, zsonglőrökből és menstrelekből, hogy megvédjék jogaikat, meghatározzák a társadalomban elfoglalt helyüket, megőrizzék a szakmai hagyományokat és átadják azokat a diákoknak. 1288-ban Bécsben megalapították a Szent Testvériséget. Miklós", amely a zenészeket egyesítette, 1321-ben a "Szent Testvériséget". A párizsi Julien" a helyi lelkészek céhszervezete volt. Ezt követően Angliában megalakult a „királyi papok” céhe. Ez az átmenet a céhes életmódra lényegében véget vetett a középkori zsonglőrködés történetének. De a vándorzenészek még nem telepedtek le teljesen testvéri közösségeikben, céheikben és műhelyekben. Vándorlásaik a 14., 15. és 16. században is folytatódtak, hatalmas területet lefedve, és végső soron új zenei és mindennapi kapcsolatokat teremtve távoli régiók között.

Trubadúrok, Trouvère-ek, Minnesingerek

A trubadúrok művészete, amely a XII. században Provence-ból indult ki, lényegében csak a kezdete volt egy sajátos alkotói mozgalomnak, amely korára jellemző, és szinte teljes egészében a művészi kreativitás új, világi formáinak kibontakozásához kapcsolódott. Akkoriban sok kedvezett a Provence-i világi művészeti kultúra korai virágzásának: viszonylag kevesebb pusztítás és katasztrófa volt a múltban, a népvándorlás során, a régi kézműves hagyományok és a régóta megőrzött kereskedelmi kapcsolatok. Ilyen történelmi körülmények között alakult ki a lovagi kultúra.

A korai világi művészet sajátos fejlődési folyamata, amely a provence-i lovagrend művészi kezdeményezésére jött létre, nagyrészt a népdalok dallami eredetéből táplálkozik, és a városlakók szélesebb körében terjed, ennek megfelelően a tematikus figurális tartalom is fejlődik.

A trubadúrok művészete a 11. század vége óta közel két évszázadon át fejlődik. A 12. század második felében Észak-Franciaországban, Champagne-ban és Arrasban már költőként és zenészként ismerték a trouvère-ek nevét. A 13. században a trouvère-k tevékenysége intenzívebbé vált, míg a provence-i trubadúrok művészete véget vetett történetének.

A trubadúrok bizonyos mértékig a trubadúrok alkotói hagyományát örökölték, ugyanakkor munkáik nem a lovagi, hanem a korabeli városi kultúrához kapcsolódnak egyértelműbben. A trubadúrok között azonban voltak különféle társadalmi körök képviselői. Tehát az első trubadúrok: VII. Guillaume, Poitiers grófja, Aquitánia hercege (1071-1127) és a szegény Marcabrun gascon.

A provence-i trubadúrok, mint tudjuk, általában a velük utazó zsonglőrökkel dolgoztak együtt, előadták dalaikat vagy kísérték éneküket, mintha egyszerre ötvözték volna a szolgai és az asszisztensi feladatokat. A trubadúr mecénásként, zenei alkotás szerzőjeként, a zsonglőr pedig előadóként működött közre.

A trubadúrok zenei és költői művészetében a vers-dalok több jellegzetes műfaji változata alakult ki: alba (hajnali ének), pastourelle, sirventa, keresztes énekek, párbeszédes énekek, siralmak, táncdalok. Ez a felsorolás nem szigorú besorolás. A szerelmes dalszövegeket albumok, pásztorok és táncdalok testesítik meg.

Sirventa - a megnevezés nem túl egyértelmű. Mindenesetre ez nem lírai dal. Egy lovag, egy harcos, egy bátor trubadúr nevében szólva lehet szatirikus, vádló, egy egész osztályt, bizonyos kortársakat vagy eseményeket céloz meg. Később kialakult a ballada és a rondó műfaja.

A trubadúrok művészete, amint azt speciális kutatási anyagok alapján megállapítható, végső soron nincs elszigetelve sem a múlt hagyományaitól, sem a zenei és költői kreativitás egyéb kortárs formáitól.

A trubadúrok művészete fontos összekötő kapocsként szolgált Nyugat-Európa első zenei és költői szövegformái között, a 13. századi zenei és hétköznapi hagyományok és a zenei kreativitás magas szakmai területei között. XIV században. Ennek a művészetnek a későbbi képviselői már maguk is a zenei professzionalizáció felé igyekeztek, és elsajátították egy új zenei készség alapjait.

így Adam de la Al ( 1237-1238 - 1287), az egyik utolsó trouvère, Arras szülötte, francia költő, zeneszerző, drámaíró a 13. század második felében. 1271-től Robert d'Artois gróf udvarában szolgált, akivel 1282-ben Anjou Károly szicíliai királyhoz ment Nápolyba.Nápolyi tartózkodása alatt jött létre a "Robin és Marion játéka". - a legnagyobb és legjelentősebb költő-zeneszerző műve.

Ilyen művek a 16. századi francia zenés vígjáték születésének előtörténete. századi operettek.

A trubadúrok művészetének példái a 12. és 13. században kerültek Németországba, és felkeltették az érdeklődést; A dalok szövegét németre fordítják, néha még a dallamokat is aláírják új szavakkal. A 12. század második felétől (a 15. század legelejéig) a német minnesang, mint a helyi lovagi kultúra művészi megtestesítőjének fejlődése felkelti az érdeklődést a francia trubadúrok zenei és költői művészete iránt - különösen a korai minnesingerek – teljesen érthető.

A Minnesingerek művészete csaknem egy évszázaddal később fejlődött ki, mint a trubadúrok művészete, kicsit más történelmi helyzetben, egy olyan országban, ahol eleinte nem voltak olyan erős alapok egy új, tisztán világi világkép kialakításához.

A Minnesang legnagyobb képviselője Walter von der Vogelweide költő, a „Parsifal” szerzője, Wolfram von Eschenbach volt. Így a Wagner-féle Tannhäuser mögött meghúzódó legenda történelmi tényeken alapul.

A német minnesingerek tevékenysége azonban korántsem korlátozódott a szolgálatra és az udvari fellépésekre: közülük a legkiemelkedőbbek töltötték életük jelentős részét távoli utazásokkal.

A minnesang művészete tehát nem ennyire egysíkú: különböző irányzatokat ötvöz, és a dallami oldal általában progresszívebb, mint a költői. A Minnesingerek dalainak műfaji változatossága sok tekintetben hasonlít a provence-i trubadúrok énekeihez: keresztes lovagok dalai, különféle típusú szerelmi lírai dalok, táncdallamok.

A késő középkor szakrális zenéje is tovább fejlődik. A többszólamú zenei előadásmódot széles körben fejlesztették ki.

A kezdetben az egyházi művészetre jellemző többszólamú írás fejlődése új, mind szellemi, mind világi tartalmú zenei műfajok kialakulásához vezetett. A polifónia leggyakoribb műfaja a válás motetta.

A nagy jövő előtt álló motetta a 13. században igen intenzíven fejlődött. Eredete az előző századra nyúlik vissza, amikor is a Notre Dame iskola alkotói tevékenysége kapcsán keletkezett, és kezdetben liturgikus célt szolgált.

A 13. századi motetta többszólamú (általában háromszólamú) kis vagy közepes méretű mű. A motettának a műfaji sajátossága az volt, hogy kezdetben egy kész dallammintára támaszkodott (egyházi dallamokból, világi énekekből), amelyre más-más karakterű, sőt esetenként eltérő eredetű hangok is rétegződnek. Az eredmény különböző dallamok és különböző szövegek kombinációja volt.

Egyes motetták előadásában hangszerek (anyag, psalterium, orgona) vehettek részt. Végül a 13. században a mindennapi többszólamúság egy egyedülálló formája, a rondel, rota, ru (kerék) is népszerűvé vált. Ez egy képregény kánon, amelyet a középkori shpilmanok is ismertek.

A 13. század végére Franciaország zeneművészete nagymértékben megadta az alaphangot Nyugat-Európában. A trubadúrok és trouvère-k zenei és költői kultúrája, valamint a többszólamúság fejlődésének fontos állomásai részben más országok zeneművészetére is hatással voltak. A zenetörténetben a 13. század (kb. az 1230-as évektől) az "Ars antiqua" ("régi művészet") elnevezést kapta.

ARS NOVA FRANCIAORSZÁGBAN. GUILLAUME MACHAUT

1320 körül Párizsban született Philippe de Vitry zeneelméleti műve „Ars nova” címmel. Ezek a szavak – „új művészet” – hívószavaknak bizonyultak: belőlük született az „Ars nova korszakának” meghatározása, amelyet a mai napig általában a 14. századi francia zenének tulajdonítanak. Az „új művészet”, „új iskola”, „új énekesek” kifejezésekkel Philippe de Vitry korában gyakran találkoztunk, nemcsak az elméleti munkákban. Akár támogatták, akár elítélték az új irányzatokat a teoretikusok, akár a pápa ítélte el őket, a zeneművészet fejlődésében mindenütt valami újat tartottak szem előtt, ami a polifónia fejlett formáinak megjelenése előtt nem létezett.

Az Ags nova legnagyobb képviselője Franciaországban Guillaume de Machaut volt-korának híres költője és zeneszerzője, akinek alkotói örökségét az irodalomtörténet is tanulmányozza.

Bármilyen bonyolulttá is vált a többszólamú formák továbbfejlődése a 14. században, a trubadúrokból és trouvère-kből érkező zenei és költői művészet vonala nem veszett el teljesen a francia Ars nova hangulatában. Ha Philippe de Vitry elsősorban tanult zenész volt, Guillaume de Machaut pedig azzá vált francia költők mestere, akkor mégis mindketten költő-zenészek voltak, vagyis ebben az értelemben mintha a 13. századi trouvère-ek hagyományait folytatták volna. Hiszen nem túl sok idő választja el az 1313-1314 körül zenét komponáló Philippe de Vitry alkotói tevékenységét, sőt Machaut (1320-1330) tevékenységét Adam de la alkotói életének utolsó éveitől. Halle (megh. 1286 vagy 1287).

Sokkal jelentősebb Guillaume ds Machaut történelmi szerepe. Nélküle egyáltalán nem létezne Ars nova Franciaországban. Bőséges, eredeti, sokféle műfajú zenei és költői kreativitása koncentrálta ennek a korszaknak a fő vonásait. Művészete úgy tűnik, hogy ötvözi azokat a vonalakat, amelyek egyrészt a trubadúrok és trouvère-k zenei és költői kultúrájából vonulnak át annak ősi dalalapján, másrészt a 11-111. századi francia többszólamú iskolákból.

Sajnos 1323-ig semmit sem tudunk Masho életútjáról. Azt tudni lehet, hogy 1300 körül született Machautban. Magasan művelt, széles műveltségű költő volt, zeneszerzői mesterségének igazi mestere. Kétségtelenül magas tehetségét tekintve természetesen alapos felkészítést kellett volna kapnia az irodalmi és zenei tevékenységre.Az első dátum, amellyel Machaut életrajzának ténye összefügg, 1322-1323, amikor szolgálata János király udvarában kezdődött. Cseh Luxemburg (először a hivatalnok, majd a király titkára). Machaut több mint húsz éven át a cseh király udvarában volt, néha Prágában, néha folyamatosan részt vett hadjárataiban, utazásaiban, fesztiváljain, vadászataiban stb. Luxemburgi János kíséretében volt alkalma meglátogatni Olaszország, Németország és Lengyelország főbb központjai. Mindez nagy valószínűséggel sok benyomást keltett Guillaume de Machautban, és teljesen gazdagította élettapasztalatát. A cseh király 1346-os halála után Jó János és V. Károly francia király szolgálatában állt, majd a reimsi Notre Dame-székesegyházban szentté avatták. Ez hozzájárult költői hírnevéhez. Machaut életében nagyra becsülték, 1377-ben bekövetkezett halála után kortársai pompás sírfeliratokban dicsőítették. Machaut jelentős hatással volt a francia költészetre, és egy egész iskolát hozott létre, amelyet az általa kidolgozott költői líra formái jellemeznek.

Machaut zenei és költői kreativitásának léptéke a műfajok többoldalú fejlődésével, pozícióinak függetlensége, amely erős hatást gyakorolt ​​a francia költőkre, a zenész magas készsége – mindez az első ilyen jelentős személyiséggé teszi őt a magyar költők történetében. zenei művészet.

Masho kreatív öröksége kiterjedt és változatos. Motettákat, balladákat, rondókat, kánonokat stb.

Machaut után, amikor a költők és zenészek nagy tiszteletben tartották nevét, és hatását így vagy úgy mindkettő érezte, nem voltak igazán jelentős utódai a francia zeneszerzők között. Sokat tanultak polifonistaként szerzett tapasztalataiból, elsajátították technikáját, továbbra is ugyanazokat a műfajokat művelték, mint ő, de a részletek túlbonyolításával némileg finomították művészetüket.

RENESZÁNSZ

A reneszánsz maradandó jelentőségét Nyugat-Európa kultúrája és művészete szempontjából a történészek régóta felismerték, és általánosan ismertté vált. A reneszánsz zenéjét számos új és nagy hatású alkotói irányzat képviseli, a 14. századi firenzei Francesco Landini, a 15. században Guillaume Dufay és Johannes Ockeghem, a 16. század elején Josquin Despres, ill. szigorú stílusú klasszikusok galaxisa a reneszánsz végén - Palestrina, Orlando Lasso.

Olaszországban a 14. században új korszak kezdődött a zeneművészetben. A holland iskola a 15. századra öltött formát és érte el első csúcsait, majd fejlődése tovább bővült, és befolyása így vagy úgy más nemzeti iskolák mestereit is megragadta. A reneszánsz jelei egyértelműen megjelentek Franciaországban a 16. században, bár alkotói teljesítménye a korábbi évszázadokban is nagy és tagadhatatlan volt. A művészet felemelkedése Németországban, Angliában és néhány más, a reneszánsz pályáján szereplő országban a 16. századra nyúlik vissza.

Tehát a nyugat-európai országok zeneművészetében a reneszánsz nyilvánvaló vonásai, bár némi egyenetlenséggel, a XIV-XVI. században jelennek meg. A reneszánsz művészeti kultúrája, különösen a zenei kultúra kétségtelenül nem fordult el a késő középkor legjobb alkotói teljesítményeitől. A reneszánsz történelmi összetettsége abban gyökerezett, hogy Európában szinte mindenütt megmaradt a feudális rendszer, és a társadalom fejlődésében jelentős változások mentek végbe, amelyek sok tekintetben egy új korszak kezdetét készítették elő. Ez kifejeződött a társadalmi-gazdasági szférában, a politikai életben, a kortársak látókörének kiterjesztésében - földrajzi, tudományos, művészeti, az egyházi szellemi diktatúra leküzdésében, a humanizmus térnyerésében és az öntudat növekedésében. jelentős személyiség. Különös fényességgel jelentek meg és honosodtak meg az új világkép jegyei a művészi kreativitásban, a különböző művészetek előrehaladásában, amely számára rendkívül fontos volt a reneszánsz által előidézett „elmeforradalom”.

Kétségtelen, hogy a humanizmus a maga „reneszánsz” felfogásában óriási friss erőt fecskendezett korának művészetébe, új témák keresésére inspirálta a művészeket, és nagyban meghatározta a képek jellegét és alkotásaik tartalmát. A humanizmus a zeneművészet számára mindenekelőtt az emberi érzésekbe való elmélyülést, új esztétikai érték felismerését jelentette. Ez hozzájárult a zenei sajátosság legerősebb tulajdonságainak azonosításához és megvalósításához.

Az egész korszakot összességében a vokális műfajok, különösen a vokális többszólamúság egyértelmű túlsúlya jellemzi. A hangszeres zene csak nagyon lassan, fokozatosan válik önállóvá, de a vokális formáktól és a mindennapi forrásoktól (tánc, dal) való közvetlen függést csak valamivel később lehet leküzdeni. A fő zenei műfajok továbbra is a verbális szöveghez kapcsolódnak.

A zeneművészetnek a 14. századtól a 16. század végéig bejárt hosszú útja korántsem volt egyszerű és egyértelmű, mint ahogy a reneszánsz teljes szellemi kultúrája sem kizárólag és kizárólagosan emelkedő egyenes vonalban fejlődött. A zeneművészetben, akárcsak a rokon területeken, megvolt a maga „gótikus vonala”, és a középkori saját, stabil és szívós öröksége.

A nyugat-európai országok zeneművészete új mérföldkőhöz érkezett az olasz, holland, francia, német, spanyol, angol és más kreatív iskolák sokszínűségében, egyúttal egyértelműen kifejezett általános irányzatokkal. Megszülettek már a szigorú stílusú klasszikusok, a többszólamúság egyfajta „harmonizálása” zajlott, a homofon írásmód felé való elmozdulás erősödött, a művész alkotói egyéniségének szerepe erősödött, a mindennapi zene jelentősége és hatása a magas színvonalra. a professzionális művészet erősödött, a világi zenei műfajok képletesen gazdagodtak, individualizálódtak (különösen az olasz madrigál), a fiatal hangszeres zene az önállósodás küszöbéhez közeledett. A 17. század mindezt közvetlenül a 16. századtól kapta - a reneszánsz örökségeként.

ARS NOVA OLASZORSZÁGBAN. FRANCESCO LANDINI

A 14. századi olasz zeneművészet (Trecento) általában a frissesség elképesztő benyomását kelti, mintha egy új, éppen kialakuló stílus fiatalsága lenne. Az Ars zenéje új keletű Olaszországban, tisztán itáliai jellege és a korabeli francia művészettől való eltérései miatt éppen vonzó és erős. Az Ars újdonság Olaszországban – már a reneszánsz hajnala, jelentős előhírnöke. Nem véletlenül vált Firenze az Ars nova itáliai képviselőinek alkotótevékenységének központja, melynek jelentősége mind a humanisztikus irányzat új irodalma, mind – nagyrészt – a képzőművészet szempontjából kiemelkedő volt.

Az Ars nova időszak a 14. századot öleli fel a 20-as évektől a 80-as évekig, és a világi zenei kreativitás első igazi virágzását jelzi Olaszországban. Az olasz Ars novát a világi művek tagadhatatlan túlsúlya jellemzi a spirituálisakkal szemben. A legtöbb esetben ezek zenei szövegek vagy valamilyen műfaji darabok példái.

Az Ars nova mozgalom középpontjában Francesco Landini, a gazdag és sokrétű művész alakja emelkedik ki, aki nagy benyomást tett progresszív kortársaira.

Landini a Firenze melletti Fiesole-ban született, egy festő családjában. Miután gyermekkorában himlőben szenvedett, végleg megvakult. Villani elmondása szerint korán kezdett zenét tanulni (először énekelni, majd vonós hangszeren és orgonán játszani). Zenei fejlődése csodálatos sebességgel haladt, és lenyűgözte a körülötte lévőket. Kiválóan tanulmányozta számos hangszer tervezését, fejlesztéseket végzett és új terveket talált ki. Az évek során Francesco Landini felülmúlta kora összes olasz zenészét.

Különösen orgonajátékáról volt híres, amiért Petrarka jelenlétében 1364-ben Velencében babérral koronázták meg. A modern kutatók korai munkáit 1365-1370-re teszik. Az 1380-as években Landini zeneszerzői hírneve már elhomályosította valamennyi olasz kortársa sikereit. Landini Firenzében halt meg, és a San Lorenzo-templomban temették el; Sírkövén a dátum 1397. szeptember 2.

Ma 154 Landini kompozíció ismeretes. A balladák dominálnak köztük.

Landini munkája lényegében lezárja az olaszországi Ars nova időszakot. Kétségtelen, hogy Landini művészetének általános szintje és a rá jellemző kvalitások nem teszik lehetővé, hogy provinciálisnak, primitívnek vagy tisztán hedonisztikusnak tartsuk.

A 19. század utolsó két évtizedében Itália zeneművészetében olyan változások következtek be, amelyek először az Ars nova álláspontjának integritását sértették meg, majd korszaka végéhez vezettek. A 10. század művészete már egy új történelmi korszakhoz tartozik.

Zene középkori korszak - fejlesztési időszakzenei kultúra, amely kb Kr. u. V–XIV .
A középkorban Európában egy új típusú zenei kultúra van kialakulóban - feudális , ötvözi a professzionális művészetet, az amatőr zenélést és folklór Mert az egyház A lelki élet minden területén dominál, a professzionális zeneművészet alapja a zenészek tevékenysége templomok és kolostorok . A világi professzionális művészetet kezdetben csak olyan énekesek képviselték, akik epikus meséket készítettek és adtak elő az udvarban, a nemesség házaiban, harcosok között stb. bárdok, skaldok satöbbi.). Idővel kialakulnak az amatőr és félprofi zenélési formák lovagiasság: Franciaországban - a trubadúrok és trouvère-k művészete (Adam de la Halle, XIII. század), Németországban - a minnesingerek ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII század ), valamint városi kézművesek A feudális kastélyokban és a városokban mindenféle nemzetséget termesztenek, dalok műfajai és formái (eposz, „hajnal”, rondo, le, virele, balladák, canzones, laudák stb.).
Újak jönnek a mindennapi életbehangszerek, beleértve azokat is, akik innen érkeztek Kelet (brácsa, lant stb.), együttesek (instabil kompozíciók) keletkeznek. A folklór virágzik a parasztok körében. Vannak „népi szakemberek” is: mesemondók , utazó szintetizátorok ( zsonglőrök, mímek, menstruáltak, shpilmanok, buffoonsok ). A zene ismét elsősorban alkalmazott és spirituális-gyakorlati funkciókat lát el. A kreativitás egységben hatteljesítmény(általában egy személy).
A zene tartalmában és formájában egyaránt dominál kollektivitás ; az egyéni elv alá van rendelve az általánosnak, anélkül, hogy kitűnne belőle (a mester zenész a legjobb képviselő közösségek ). Mindenben a szigorúság uralkodik hagyományosság és kanonikusság . Konszolidáció, megőrzés és forgalmazás hagyományok és szabványok.
Fokozatosan, ha lassan is, de gazdagodik a zene tartalma, annak műfajok, formák , kifejezési eszközök. BAN BEN Nyugat-Európa a 6-7. századtól . szigorúan szabályozott rendszer van kialakulóban egyszólamú (monodikus) ) egyházzenei alapú diatonikus módok ( gregorián ének), a szavalat (zsoltár) és az éneklés (himnuszok) ötvözésével ). Az 1. és 2. évezred fordulóján a polifónia . Újak alakulnakének (kórus ) és énekhangszeres (kórus és orgona) műfajok: orgona, motett, vezetés, majd mise. Franciaországban a XII kialakul az első zeneszerző (alkotó) iskola at Notre Dame katedrális(Leonin, Perotin). A reneszánsz fordulóján (ars nova stílus Franciaországban és Olaszországban, 14. század) in professzionális zenea monofónia kiszorul polifónia , a zene fokozatosan kezd megszabadulni a tisztán gyakorlati funkcióktól (egyházi szolgálat rituálék ), növeli a jelentést világi műfajok, beleértve a dalokat ( Guillaume de Machaut).

Újjászületés.

Zene a XV-XVII. századi időszakban.
A középkorban a zene az egyház kiváltsága volt, így a legtöbb zenei alkotás szent volt, az egyházi énekekre (gregorián ének) épült, amely a kereszténység kezdete óta a vallás része. A 17. század elején I. Gergely pápa közvetlen közreműködésével végre szentté avatták a kultikus dallamokat. A gregorián éneket hivatásos énekesek adták elő. Az egyházzenei többszólamúság kialakulása után a gregorián ének maradt a többszólamú vallásos művek (mise, motetták stb.) tematikus alapja.

A középkort a reneszánsz követte, amely a felfedezések, az innováció és a felfedezés korszaka volt a zenészek számára, az élet minden kulturális és tudományos megnyilvánulási rétegének reneszánszának korszaka, a zenétől és a festészettől a csillagászatig és a matematikáig.
Bár a zene nagyrészt vallásos maradt, a társadalom feletti egyházi ellenőrzés gyengülése nagyobb szabadságot nyitott a zeneszerzők és előadóművészek számára tehetségük kifejezésére.
A nyomda feltalálásával lehetővé vált a kottanyomtatás és -terjesztés, ettől a pillanattól kezdve elkezdődött az, amit komolyzenének nevezünk.
Ebben az időszakban új hangszerek jelentek meg. A legnépszerűbb hangszerek azok a hangszerek voltak, amelyekkel a zene szerelmesei könnyedén és egyszerűen, különleges képességek nélkül tudtak játszani.
Ekkor jelent meg a hegedű, a hegedű elődje. A ráncoknak (facsíkok a nyakon) köszönhetően könnyű volt játszani, hangja halk, gyengéd és jól szólt kis termekben.
A fúvós hangszerek is népszerűek voltak - hangfúvó, fuvola és kürt. A legösszetettebb zenét az újonnan megalkotott csembalóra, a virginelre (egy kis méretével kitüntetett angol csembaló) és orgonára írták. A zenészek ugyanakkor nem feledkeztek meg egyszerűbb, magas előadói képességet nem igénylő zenék megalkotásáról sem. Ezzel párhuzamosan a zenei írásban is változások következtek be: a nehéz fa nyomótömböket az olasz Ottaviano Petrucci által feltalált mozgatható fémtípusok váltották fel. A megjelent zeneművek gyorsan elfogytak, és egyre többen kezdtek zenélni.
A reneszánsz végét a zenetörténet legfontosabb eseménye, az opera születése jelentette. Humanisták, zenészek és költők egy csoportja gyűlt össze Firenzében, vezetőjük, Giovanni De Bardi gróf (1534-1612) védnöke alatt. A csoportot "camerata"-nak hívták, fő tagjai Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (Galileo Galilei csillagász apja), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri és fiatalabb éveiben Ottavio Rinuccini.
A csoport első dokumentált találkozójára 1573-ban került sor, és a munka legaktívabb évei "Firenzei Camerata "1577-1582 voltak. Úgy gondolták, hogy a zene "romlott", és igyekeztek visszatérni az ókori Görögország formájához és stílusához, hisz a zeneművészet fejleszthető, és ennek megfelelően a társadalom is fejlődni fog. A Camerata bírálta a létező zenét a többszólamúság túlzott használata a szöveg érthetőségének rovására és a mű költői komponensének elvesztése miatt, és olyan új zenei stílus létrehozását javasolta, amelyben a monodikus stílusú szöveget hangszeres zene kísérte. Kísérleteik eredményeként létrejött egy új vokális-zenei formáról - a recitativusról, amelyet először Emilio de Cavalieri használt, és amely később közvetlenül kapcsolódott az opera fejlődéséhez.
Az első hivatalosan elismertopera 1598-ban mutatták be először a "Daphne" (Daphne) című operát. A "Daphne" szerzői Jacopo Peri és Jacopo Corsi voltak, a librettót Ottavio Rinuccini írta. Ez az opera nem maradt fenn. Az első fennmaradt opera az „Eurydice” (1600) ugyanazon szerzőktől. Jacopo Periés Ottavio Rinuccini. Ez az alkotói unió sok alkotást is hozott létre, amelyek többsége elveszett.

Kora barokk zene (1600-1654)

Claudio Monteverdi (1567-1643) olasz zeneszerző recitatív stílusának megalkotása és az olasz opera következetes fejlődése tekinthető a barokk és a reneszánsz korszak konvencionális átmeneti pontjának. Az operaelőadások kezdete Rómában és különösen Velencében már az új műfaj országszerte ismertségét és elterjedését jelentette. Mindez csak része volt egy nagyobb folyamatnak, amely minden művészetet megragadt, és különösen egyértelműen az építészetben és a festészetben nyilvánult meg.
A reneszánsz zeneszerzők egy-egy zenemű egyes részének kidolgozására fordítottak figyelmet, gyakorlatilag nem fordítottak figyelmet e részek összehasonlítására. Külön-külön mindegyik rész kitűnően szólhatott, de a kiegészítés harmonikus eredménye inkább a véletlenen, mint a szabályosságon múlott. A figurás basszusgitár megjelenése a zenei gondolkodás jelentős változását jelezte – nevezetesen, hogy a harmónia, amely "a részek egy egésszé összerakása" ugyanolyan fontos volt, mint maguk a dallamrészek (polifónia). A polifónia és a harmónia egyre inkább úgy tűnt, mint az eufonikus zeneszerzés ugyanazon gondolatának két oldala: a komponálás során a harmonikus szekvenciák ugyanolyan figyelmet kaptak, mint a tritonusok a disszonancia létrehozásában. A harmonikus gondolkodás az előző korszak néhány zeneszerzőjénél is létezett, például Carlo Gesualdonál, de a barokk korban általánosan elfogadottá vált.
A művek azon részeit, ahol a modalitás és a tonalitás nem különíthető el egyértelműen, vegyes dúrnak vagy vegyes mollnak nevezte (később ezekre a fogalmakra bevezette a „mondúr” és a „monális moll” kifejezéseket). A táblázat azt mutatja, hogy a tonális harmónia már a kora barokk korszakban gyakorlatilag kiszorítja az előző kor harmóniáját.
Olaszország lesz az új stílus központja. A pápaság, bár a reformáció elleni harcban felzárkózott, de a Habsburgok hadjáratai által feltöltött hatalmas anyagi források birtokában a kulturális befolyás kiterjesztésével kereste a katolikus hit terjesztésének lehetőségeit. Az építészet, a képzőművészet és a zene pompájával, nagyszerűségével és összetettségével a katolicizmus vitatkozni látszott az aszkéta protestantizmussal. A gazdag olasz köztársaságok és fejedelemségek a képzőművészet terén is aktívan versenyeztek. A zeneművészet egyik fontos központja Velence volt, amely akkoriban világi és egyházi védnökség alatt állt.
A korai barokk kor jelentős alakja, aki a katolicizmus oldalán állt, szembeszállva a protestantizmus növekvő ideológiai, kulturális és társadalmi befolyásával, Giovanni Gabrieli volt. Művei a „magas reneszánsz” stílushoz (a reneszánsz virágkora) tartoznak. Egyes hangszerelési újításai (saját, meghatározott feladatok egy-egy hangszerhez rendelése) azonban egyértelműen arra utalnak, hogy egyike volt azoknak a zeneszerzőknek, akik befolyásolták egy új stílus megjelenését.
Az egyház által a szakrális zene kompozíciójával szemben támasztott egyik követelmény az volt, hogy az énekes művek szövegei olvashatók legyenek. Ehhez a többszólamúságtól a zenei technikák felé kellett elmozdulni, ahol a szavak kerültek előtérbe. Az ének a kísérethez képest összetettebbé és színesebbé vált. Így alakult ki a homofónia.
Monteverde Claudio(1567-1643) olasz zeneszerző. Semmi sem vonzotta jobban, mint az ember belső, lelki világának feltárása a külvilággal való drámai ütközései és konfliktusai során. Monteverdi a tragikus jellegű konfliktus-dramaturgia igazi megalapozója. Az emberi lelkek igazi énekese. Kitartóan törekedett a zene természetes kifejezőkészségére. "Az emberi beszéd a harmónia úrnője, és nem a szolgája."
"Orpheus" (1607) - Az opera zenéje a tragikus hős belső világának feltárására irányul. Része szokatlanul sokrétű, különböző érzelmi és kifejező áramlatokat, műfaji vonalakat ötvöz. Lelkesen kiáltja szülőerdőit és tengerpartjait, vagy művészet nélküli népdalokban gyászolja Eurydice elvesztését.

Az érett barokk zenéje (1654-1707)

A legfelsőbb hatalom központosításának időszakát Európában gyakran abszolutizmusnak nevezik. Az abszolutizmus XIV. Lajos francia király alatt érte el csúcspontját. Lajos udvara egész Európa számára példakép volt. Beleértve az udvarban előadott zenét. A hangszerek (főleg a billentyűk) megnövekedett elérhetősége lendületet adott a kamarazene fejlődésének.
Az érett barokk az új stílus széleskörű elterjedésében és a zenei formák fokozott elkülönülésében különbözik a korai barokktól, különösen az operában. Akárcsak az irodalomban, a zenei művek streamelésének képessége szélesebb közönséghez vezetett; felerősödött a zenei kultúra központjai közötti csere.
XIV. Lajos udvarának udvari zeneszerzőinek kiemelkedő képviselője volt Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Már 21 évesen megkapta az „hangszeres zenei zeneszerző” címet. Lully alkotói munkája a kezdetektől szorosan kötődött a színházhoz. Az udvari kamarazene megszervezése és az „airs de cour” komponálása után kezdett balettzenét írni. XIV. Lajos maga is balettben táncolt, amelyek akkoriban az udvari nemesség kedvenc szórakozásai voltak. Lully kiváló táncos volt. Lehetősége volt részt venni produkciókban, táncolni a királlyal. Moliere-rel való együttműködéséről ismert, akinek drámáihoz zenét írt. De Lully munkásságában a fő dolog továbbra is az operák írása volt. Meglepő módon Lully egy teljes típusú francia operát alkotott; az úgynevezett lírai tragédiát Franciaországban (francia tragedie lyrique), és operaházi munkája legelső éveiben érte el a kétségtelen alkotói érettséget. Lully gyakran használta a zenekari szekció fenséges hangzása és az egyszerű recitativók és áriák kontrasztját. Lully zenei nyelve nem túl bonyolult, de mindenképpen új: a harmónia tisztasága, a ritmikus energia, a formafelosztás tisztasága, a textúra tisztasága a homofon gondolkodás alapelveinek győzelméről beszél. Sikerét nagymértékben elősegítette az is, hogy a zenekarba zenészeket tudott kiválasztani, illetve a velük végzett munka (a próbákat maga vezette). Munkásságának szerves része volt a harmóniára és a szólóhangszerre való odafigyelés.
Angliában az érett barokk Henry Purcell (1659-1695) briliáns zsenije fémjelezte. Fiatalon, 36 évesen halt meg, rengeteg művet írt, és élete során széles körben ismertté vált. Purcell ismerte Corelli és más olasz barokk zeneszerzők munkáit. Mecénásai és vásárlói azonban másfajta emberek voltak, mint az olasz és francia világi és egyházi nemesség, így Purcell írásai nagyon különböznek az olasz iskolától. Purcell a műfajok széles skálájában dolgozott; az egyszerű vallási himnuszoktól a menetzenéig, a nagyformátumú énekművektől a színpadi zenéig. Katalógusa több mint 800 művet tartalmaz. Purcell lett az egyik első billentyűs zeneszerző, akinek hatása a modern időkre is kiterjed.
A fenti zeneszerzőkkel ellentétben Dietrich Buxtehude (1637-1707) nem volt udvari zeneszerző. Buxtehude orgonistaként dolgozott először Helsingborgban (1657-1658), majd Elsinore-ban (1660-1668), majd 1668-tól a Szent István-templomban. Mária Lübeckben. Nem műveinek kiadásával, hanem előadásával keresett pénzt, és inkább az egyházi szövegekre épülő zeneszerzést, saját orgonaművek előadását részesítette előnyben, mint a nemesi pártfogást. Sajnos ennek a zeneszerzőnek nem minden műve maradt fenn. Buxtehude zenéje nagyrészt terveinek léptékére, a képzelet gazdagságára és szabadságára, a pátoszra, a drámaiságra és a kissé oratórikus intonációra épül. Művei erős hatással voltak olyan zeneszerzőkre, mint J. S. Bach és Telemann.

Késő barokk zene (1707-1760)

Az érett és a késő barokk pontos határvonala vita tárgya; valahol 1680 és 1720 között található. Meghatározásának összetettsége nagyrészt abból adódik, hogy a különböző országokban a stílusok aszinkron módon változtak; az egyik helyen már általánosan elfogadott újítások máshol új felfedezések voltak
Az előző időszak által felfedezett formák érettséget és nagy változatosságot értek el; hangversenynek, szvitnek, szonátának, concerto grossónak, oratóriumnak, operának és balettnek már nem voltak egyértelműen meghatározott nemzeti sajátosságai. Az általánosan elfogadott alkotási minták mindenhol kialakulnak: az ismételt kétrészes forma (AABB), az egyszerű háromrészes forma (ABC) és a rondó.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Velencében született olasz zeneszerző. 1703-ban katolikus pappá szentelték. Ezekhez az akkor még fejlődő hangszeres műfajokhoz (barokk szonáta és barokk versenymű) járult hozzá Vivaldi a legjelentősebb mértékben. Vivaldi több mint 500 versenyművet komponált. Néhány művének programszerű címet is adott, például a híres "Északok"-nak.
Domenico Scarlatti (1685-1757) korának egyik vezető billentyűs zeneszerzője és előadója volt. De talán a leghíresebb udvari zeneszerző az volt George Frideric Handel (1685-1759). Németországban született, három évig Olaszországban tanult, de 1711-ben elhagyta Londont, ahol független operaszerzőként kezdte ragyogó és kereskedelmileg sikeres pályafutását, a nemesi megrendeléseket teljesítve. Händel fáradhatatlan energiával dolgozta át más zeneszerzők anyagát, és folyamatosan dolgozta át saját szerzeményeit. Például arról ismert, hogy a híres "Messiás" oratóriumot annyiszor dolgozta át, hogy ma már nincs "autentikusnak" nevezhető változat.
Halála után Európa vezető zeneszerzőjeként ismerték el, és a klasszikus korszak zenészei tanulmányozták. Händel zenéjében keverte az improvizáció és az ellenpont gazdag hagyományait. Műveiben igen magas fejlődési szintet ért el a zenei dekoráció művészete. Beutazta Európát, hogy más zeneszerzők zenéjét tanulmányozza, ezért igen széles ismeretségi körrel rendelkezett más stílusú zeneszerzők között.
Johann Sebastian Bach 1685. március 21-én született a németországi Eisenachban. Élete során több mint 1000 művet komponált különböző műfajokban, kivéve az operát. De élete során nem ért el jelentős sikereket. Bach sokszor költözött egyik nem túl magas pozíciót a másik után: Weimarban Johann Ernst weimari herceg udvari muzsikusa volt, majd a Szent István-templom orgonafelügyelője lett. Bonifác Arnstadtban néhány évvel később elvállalta a Szent István-templom orgonista állását. Blasius Mühlhausenben, ahol csak körülbelül egy évig dolgozott, majd visszatért Weimarba, ahol az udvari orgonista és koncertszervező helyét vette át. Kilenc évig maradt ebben a pozícióban. 1717-ben Lipót, Anhalt-Köthen hercege felbérelte Bachot zenekarvezetőnek, és Bach Köthenben kezdett élni és dolgozni. 1723-ban Bach Lipcsébe költözött, ahol 1750-ben bekövetkezett haláláig maradt. Élete utolsó éveiben és Bach halála után zeneszerzői hírneve hanyatlásnak indult: stílusa a feltörekvő klasszicizmushoz képest régimódinak számított. Előadóművészként, tanárként és a fiatalabb Bachok, különösen Carl Philipp Emmanuel apjaként ismerték és emlékeznek rá jobban, akinek a zenéje híresebb volt.
Csak Mendelssohn Szent Máté-passiójának előadása, 79 évvel J. S. Bach halála után keltette fel újra az érdeklődést művei iránt. Ma J. S. Bach az egyik legnépszerűbb zeneszerző
Klasszicizmus
A klasszicizmus a 17. század - 19. század eleji művészet stílusa és iránya.
Ez a szó a latin classicusból származik - példaértékű. A klasszicizmus a létezés racionalitásába vetett hiten alapult, abban, hogy az emberi természet harmonikus. A klasszikusok az ősi művészetben látták eszményüket, amelyet a tökéletesség legmagasabb formájának tartottak.
A tizennyolcadik században a társadalmi tudat fejlődésének új szakasza kezdődött - a felvilágosodás kora. A régi társadalmi rend megsemmisül; az emberi méltóság, a szabadság és a boldogság tiszteletének eszméi kiemelkedő fontosságot szereznek; az egyén önállóságra és érettségre tesz szert, használja intelligenciáját és kritikai gondolkodását. A barokk kor pompájával, pompájával és ünnepélyességével járó eszméit felváltja a természetességen és egyszerűségen alapuló új életstílus. Eljön az ideje Jean-Jacques Rousseau idealista nézeteinek, amelyek a természethez, a természetes erényhez és szabadsághoz való visszatérésre szólítanak fel. A természettel együtt az ókort is idealizálják, mivel azt hitték, hogy az ókorban sikerült az embereknek minden emberi törekvést megvalósítani. Az ókori művészetet klasszikusnak nevezik, példaértékűnek, a legigazabbnak, legtökéletesebbnek, harmonikusnak, és a barokk kor művészetével ellentétben egyszerűnek és érthetőnek tartják. A középpontban más fontos szempontok mellett a műveltség, az egyszerű emberek társadalmi rendben elfoglalt helyzete, a zsenialitás, mint emberi tulajdonság áll.

Az értelem a művészetben is uralkodik. Denis Diderot francia filozófus és oktató a művészet magas célját, társadalmi és polgári szerepét szeretné hangsúlyozni: „Minden szobrászati ​​vagy festészeti alkotásnak az élet valami nagy szabályát kell kifejeznie, tanítania kell.”

A színház egyszerre volt az élet tankönyve, és maga az élet. Ráadásul a színházban az akció rendkívül rendezett és kimért; felvonásokra és jelenetekre tagolódik, amelyek viszont a szereplők egyedi replikáira oszlanak, megteremtve a 18. században oly kedves művészetideált, ahol minden a maga helyén van és a logikai törvényeknek van alávetve.
A klasszicizmus zenéje rendkívül teátrális, mintha a színházművészetet másolja, utánozza.
Egy klasszikus szonáta és szimfónia nagy részekre - részekre, amelyek mindegyikében sok zenei "esemény" van - felosztása hasonló egy darab akciókra és jelenetekre való felosztásához.
A klasszikus kor zenéjében gyakran implikálnak egy cselekményt, egy bizonyos cselekményt, amely ugyanúgy bontakozik ki a hallgatók előtt, mint egy színházi cselekmény a közönség előtt.
A hallgatónak csak be kell kapcsolnia a fantáziáját, és fel kell ismernie egy klasszikus vígjáték vagy tragédia „zenei ruhában” szereplőit.
A színházművészet is segít megmagyarázni a zenei előadásban a 18. században végbement nagy változásokat. Korábban a fő zene szólt a templom volt: benne egy ember volt lent, egy hatalmas térben, ahol a zene mintha segített volna felnézni, és gondolatait Istennek szentelni. Ma, a 18. században egy arisztokrata szalonban, egy nemesi birtok báltermében vagy egy városi téren szól a zene. Úgy tűnik, a felvilágosodás korának hallgatója a zenét a keresztnév alapján kezeli, és már nem éli át azt az elragadtatást és bátortalanságot, amelyet a templomban megszólaltatva keltett benne.
A zenében már nincs meg az orgona erőteljes, ünnepélyes hangzása, a kórus szerepe megfogyatkozott. A klasszikus stílusú zene könnyeden szól, sokkal kevesebb hangja van, mintha „kisebb lenne”, mint a múlt nehéz, többrétegű zenéje. Az orgona és a kórus hangját szimfonikus zenekar hangja váltotta fel; a magasztos áriák teret engedtek a könnyed, ritmikus és táncolható zenének.
Az emberi elme képességeibe és a tudás erejébe vetett határtalan hitnek köszönhetően a 18. századot az értelem korának vagy a felvilágosodás korának nevezték.
A klasszicizmus virágkora a XVIII. század 80-as éveiben kezdődött. 1781-ben J. Haydn számos újszerű művet alkotott, köztük vonósnégyes op. 33; V. A. operájának ősbemutatója zajlik. Mozart "Elrablás a szerájból"; Megjelenik F. Schiller „A rablók” című drámája és I. Kant „A tiszta ész kritikája” című drámája.

A klasszikus korszak legfényesebb képviselői a bécsi klasszikus iskola zeneszerzői Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart és Ludwig van Beethoven. Művészetük csodálja a kompozíciós technika tökéletességét, a kreativitás humanista irányultságát és a W. A. ​​Mozart zenéjében különösen feltűnő vágyat, hogy a tökéletes szépséget a zene eszközeivel jelenítsék meg.

A Bécsi Klasszikus Iskola koncepciója nem sokkal L. Beethoven halála után alakult ki. A klasszikus művészetet az érzések és az értelem, a forma és a tartalom közötti finom egyensúly jellemzi. A reneszánsz zenéje korának szellemiségét és lélegzetét tükrözte; a barokk korban a zenei megjelenítés tárgya az emberi állapot volt; a klasszikus kor zenéje az ember cselekedeteit és tetteit, az átélt érzelmeket és érzéseket, a figyelmes és holisztikus emberi elmét dicsőíti.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
A német zeneszerzőt gyakran minden idők legnagyobb zeneszerzőjének tartják.
Munkássága a klasszicizmus és a romantika kategóriába sorolható.
Elődjével, Mozarttal ellentétben Beethovennek nehézségei voltak a zeneszerzésben. Beethoven jegyzetfüzetei azt mutatják meg, hogy a bizonytalan vázlatokból fokozatosan, lépésről lépésre egy grandiózus kompozíció alakul ki, amelyet az építkezés meggyőző logikája és a ritka szépség jellemez. A logika a fő forrása Beethoven nagyságának, páratlan képességének, hogy az ellentétes elemeket monolitikus egésszé rendezze. Beethoven kitörli a hagyományos cezúrákat a formai szakaszok között, elkerüli a szimmetriát, összevonja a ciklus egyes részeit, tematikus és ritmikus motívumokból kibővített konstrukciókat fejleszt, amelyek első ránézésre nem tartalmaznak semmi érdekeset. Vagyis Beethoven elméje, saját akarata erejével teremti meg a zenei teret. Megelőlegezte és megalkotta azokat a művészeti irányzatokat, amelyek meghatározóvá váltak a 19. század zeneművészetében.

Romantika.
nagyjából az 1800-1910 közötti éveket takarja
A romantikus zeneszerzők zenei eszközökkel próbálták kifejezni az ember belső világának mélységét és gazdagságát. A zene hangsúlyosabbá és egyénibbé válik. A dalműfajok fejlesztése folyamatban van, beleértve a balladákat is.
A romantika fő képviselői a zenében: Ausztria - Franz Schubert ; Németországban - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
stb.................

A középkor az emberi történelem nagy korszaka, a feudális rendszer uralmának időszaka.

A kultúra periodizálása:

Kora középkor - V - X század

Érett középkor - XI-XIV század

395-ben a Római Birodalom két részre szakadt: nyugati és keleti részre. A nyugati részen, Róma romjain az 5-9. században barbár államok voltak: osztrogótok, vizigótok, frankok stb. A 9. században a Nagy Károly birodalom összeomlása következtében három állam alakult ki. itt alakult: Franciaország, Németország, Olaszország. A keleti rész fővárosa Konstantinápoly volt, amelyet Konstantin császár alapított a görög bizánci gyarmat helyén - innen ered az állam elnevezése.

1. § Nyugat-európai középkor

A középkor anyagi alapja a feudális viszonyok voltak. A középkori kultúra körülmények között alakul ki vidéki birtok. A jövőben a kultúra társadalmi alapjává válik városi környezet - polgárok. Az államok létrejöttével kialakulnak a fő osztályok: a papság, a nemesség és a nép.

A középkor művészetéhez szorosan kapcsolódik templom . keresztény tan- a filozófia, az etika, az esztétika, az egész jelenkori szellemi élet alapja. A vallási szimbolikával teli művészet a földitől, az átmenetitől a szellemi, örökkévaló felé irányul.

Együtt hivatalos egyház kultúra (magas) létezett világi kultúra (alulról építkező) – folklór(alsó társadalmi rétegek) és lovagi(udvarias).

Fő gócok szakmai a kora középkor zenéje - katedrálisok, a hozzájuk kapcsolódó énekiskolák, kolostorok - az akkori oktatás egyetlen központja. Görögöt és latint, számtani és zenét tanultak.

Nyugat-Európa egyházzenéjének fő központja a középkorban Róma volt. A 6. század végén - 7. század elején. formálódik a nyugat-európai egyházi zene fő változata - gregorián ének Gergely pápáról nevezték el, aki az egyházi éneklés reformját hajtotta végre, összegyűjtötte és egyszerűsítette a különböző egyházi énekeket. gregorián ének - egyszólamú Katolikus ének, amely egyesítette a különböző közel-keleti és európai népek (szírek, zsidók, görögök, rómaiak stb.) évszázados énekhagyományait. Egyetlen dallam zökkenőmentes egyszólamú kibontakozása volt az egyetlen akarat megszemélyesítése, a plébánosok figyelmének iránya a katolicizmus alapelveinek megfelelően. A zene karaktere szigorú, személytelen. A korált egy kórus (innen a név), néhány szakaszt szólista adta elő. A diatonikus módokon alapuló progresszív mozgás dominál. A gregorián ének sok fokozatot tett lehetővé, a súlyosan lassútól kezdve kóruszsoltárés véget ér évfordulók(egy szótag melizmatikus éneklése), előadásához virtuóz énekkészségre van szükség.

A gregorián ének eltávolítja a hallgatót a valóságtól, alázatot ébreszt, elmélkedéshez és misztikus elszakadáshoz vezet. Ezt a hatást a következő szöveg is elősegíti latin nyelv, a plébánosok többsége számára érthetetlen. Az ének ritmusát a szöveg határozta meg. Homályos, határozatlan, amelyet a szöveg felolvasásának akcentusainak jellege határoz meg.

A gregorián ének változatos típusait a katolikus egyház fő szolgálatában egyesítették - tömeg, amelyben öt stabil rész került kialakításra:

Kyrie eleison(Uram irgalmazz)

Gloria(dicsőség)

Credo(Hiszek)

Sanctus(szent)

Agnus Dei(Isten Báránya).

Idővel a népzenei elemek kezdenek beszivárogni a gregorián énekbe himnuszok, szekvenciák és trópusok. Ha a zsoltárokat hivatásos énekes- és papkórus adta elő, akkor a himnuszokat eleinte a plébánosok adták elő. A hivatalos istentisztelet betétei voltak (népzenei vonásaik voltak). De hamarosan a mise himnikus részei elkezdték kiszorítani a zsoltáros részeket, ami a megjelenéshez vezetett többszólamú tömeg.

Az első szekvenciák az évforduló dallamának szubtextusai voltak, hogy a dallam egy hangjának külön szótagja legyen. A sorozat egyre elterjedtebb műfajtá válik (a legnépszerűbb « Veni, sancte spiritus» , « Meghal irae», « Stabat mater» ). A „Dies irae”-t Berlioz, Liszt, Csajkovszkij, Rahmanyinov használta (nagyon gyakran a halál szimbólumaként).

A többszólamúság első példái kolostorokból származnak - organum(mozgás párhuzamos kvintekben vagy negyedekben), Gimel, Faubourdon(párhuzamos hatodik akkordok), karmester. Zeneszerzők: Leonin és Perotin (12-13. század - Notre Dame katedrális).

Hordozók világi nép zene a középkorban volt mímek, zsonglőrök, minstrelek Franciaországban, tűsarkú– a német kultúrájú országokban, hoglars – Spanyolországban, bolondok - Oroszországban. Ezek az utazó művészek univerzális mesterek voltak: ötvözték az éneklést, a táncot, a különféle hangszeres játékot a mágiával, a cirkuszművészettel és a bábszínházzal.

A másik oldal világi kultúra volt lovagi (udvari) kultúra (világi feudális urak kultúrája). Szinte minden nemes ember lovag volt - a szegény harcosoktól a királyokig. Kialakulóban volt egy sajátos lovagi kódex, amely szerint a lovagnak a bátorság és vitézség mellett kifinomult modorúnak, műveltnek, nagylelkűnek, nagylelkűnek kellett lennie, és hűségesen szolgálnia kellett a Szépasszonyt. A lovagi élet minden aspektusa visszatükröződik a zenei és költői művészetben trubadúrok(Provence - Dél-Franciaország) , trouvères(Észak-Franciaország), Minnesingerek(Németország). A trubadúrok művészete elsősorban a szerelmi dalszövegekhez kötődik. A szerelmes dalszövegek legnépszerűbb műfaja az volt canzone(A minnesingereknek „Morning Songs” albumuk van).

A Trouvères a trubadúrok tapasztalatait széles körben felhasználva létrehozta saját eredeti műfaját: „ szövő dalokat», « májusi dalok" A trubadúrok, trouvère-ek és minnesingerek zenei műfajainak fontos területe volt dal és tánc műfajok: rondo, ballada, virele(refrén formák), valamint hősi eposz(francia eposz „The Song of Roland”, németül – „A Nibelungok éneke”). A minnesingerek körében gyakori volt a keresztesek dalai.

A trubadúrok, trouvère-k és minnesingerek művészetének jellemző vonásai:

Monofónia- a dallamnak a költői szöveggel való elválaszthatatlan kapcsolatának a következménye, ami a zenei és költői művészet lényegéből következik. A monofónia egyben megfelelt a saját élmények egyénre szabott kifejezésének, a kijelentés tartalmának személyes értékelésének (a személyes élmények kifejezését gyakran természetképek keretezték).

Többnyire vokális teljesítmény. A hangszerek szerepe nem volt jelentős: az énekdallamot keretbe foglaló bevezetők, közjátékok és utójátékok előadására redukálódott.

A lovagi művészetről még nem beszélhetünk professzionálisnak, de a körülmények között először világi a zenélés egy erőteljes zenei és költői irányvonal jött létre fejlett kifejezőeszköz-együttessel és viszonylag tökéletes zenei írásmóddal.

Az egyik fontos eredmény érett középkor, a X-XI. századtól kezdve volt városfejlesztés(polgári kultúra) . A városi kultúra fő jellemzői az egyházellenesség, a szabadságszerető irányultság, a folklórhoz való kapcsolódás, a nevetés és a karneváli jelleg. Kialakult a gótikus építészeti stílus. Új többszólamú műfajok alakulnak ki: a 13-14. századtól a 16. századig. - motetta(francia nyelvből - „szó”. A motettára jellemzően a különböző szövegeket egyidejűleg hangoló hangok dallambeli eltérése jellemzi - gyakran akár különböző nyelveken is), madrigál(olaszból – „dal anyanyelven”, azaz olaszul. A szövegek szeretetteljesen líraiak, pásztorosak), kachcha(olaszból - „vadászat” - egy vadászatot ábrázoló szövegen alapuló énekes darab).

Az utazó népzenészek a nomád életmódból az ülő életmódba lépnek át, egész várostömböket népesítenek be, és egyedi „zenészcéheket” alkotnak. A 12. századtól népzenészek csatlakoztak vaganták és goliárdok- deklasszáltak különböző osztályokból (iskolások, szökevény szerzetesek, vándor klerikusok). Ellentétben az írástudatlan zsonglőrökkel - a szájhagyomány művészetének tipikus képviselőivel - a csavargók és a goliárdok írástudók voltak: ismerték a latin nyelvet és a klasszikus versírás szabályait, zenét - dalokat komponáltak (a képsor az iskolatudományhoz és a diákélethez kötődik), ill. még olyan összetett kompozíciók is, mint a vezénylések és motetták.

A zenei kultúra jelentős központja lett egyetemek. A zene, pontosabban a zenei akusztika a csillagászattal, a matematikával és a fizikával együtt bekerült a quadriumba, i.e. az egyetemeken tanult négy tudományágból álló ciklus.

A középkori városban tehát különböző természetű és társadalmi beállítottságú zenei kultúra központjai voltak: népzenész egyesületek, udvari zene, kolostorok és katedrálisok zenéje, egyetemi zenei gyakorlat.

A középkor zeneelmélete szorosan kapcsolódott a teológiához. A hozzánk eljutott néhány zeneelméleti értekezésben a zenét „az egyház szolgálólányának” tekintették. A kora középkor kiemelkedő értekezései közül kiemelkedik Augustinus 6 „A zenéről” című könyve, Boethius 5 „A zene megalapozásáról” című könyve stb.. Ezekben az értekezésekben nagy helyet foglaltak el az elvont tudományos kérdések, a doktrína a zene kozmikus szerepéről stb.

A középkori módrendszert az egyházi professzionális zeneművészet képviselői dolgozták ki, ezért a „templomi módok” elnevezést a középkori módokhoz rendelték. A jón és a Lipari módok váltak be a fő módozatok közé.

A középkor zeneelmélete a hexachordok tanát terjesztette elő. Mindegyik módban 6 lépést használtak a gyakorlatban (például: do, re, mi, fa, salt, la). Si-t aztán elkerülték, mert F-vel együtt egy megnövelt negyedre lépett, amit nagyon disszonánsnak tartottak, és átvitt értelemben „a zene ördögének” nevezték.

A nem kölcsönös rögzítést széles körben alkalmazták. Guido Aretinsky továbbfejlesztette a kottarendszert. Reformjának lényege a következő volt: a négysor jelenléte, az egyes sorok közötti harmadarány, a kulcsjel (eredetileg alfabetikus) vagy a sorok színezése. Bevezette a szótagjelöléseket is a mód első hat fokára: ut, re, mi, fa, salt, la.

Bemutatott menzurális jelölés, ahol minden hanghoz egy bizonyos ritmikus ütemet rendeltek (latin mensura - mérték, mérték). Időtartamok neve: maxima, longa, brevis stb.

XIV század – a középkor és a reneszánsz közötti átmeneti időszak. A 14. századi Franciaország és Olaszország művészetét " Ars nova"(latinból - új művészet), és Olaszországban a korai reneszánsz összes tulajdonságával rendelkezett. Főbb jellemzők: a kizárólagos egyházi zenei műfajok használatának megtagadása és a világi vokális-hangszeres kamaraműfajok (ballada, caccia, madrigál) felé fordulás, a mindennapi dalhoz való közeledés, a különféle hangszerek használata. Az Ars nova ellentéte az ún. ars antiqua (lat. ars antiqua - régi művészet), vagyis a 14. század eleje előtti zeneművészet. Az ars nova legnagyobb képviselői voltak Guillaume de Machaut (14. század, Franciaország) és Francesco Landino (14. század, Olaszország).

A középkor zenei kultúrája tehát a viszonylagos anyagi korlátok ellenére is magasabb szintet képvisel az ókori világ zenéjéhez képest, és tartalmazza a reneszánsz zenei művészet pompás virágzásának előfeltételeit.

A középkor zeneművészete. Átvitt és szemantikai tartalom. Személyiségek.

Középkorú- az emberiség fejlődésének hosszú időszaka, amely több mint ezer évet ölel fel.

Ha a „sötét középkor” – ahogyan szokták emlegetni – korszakának figuratív és érzelmi környezetéhez fordulunk, látni fogjuk, hogy tele volt intenzív lelki élettel, alkotó eksztázissal és az igazság keresésével. A keresztény egyház nagy hatással volt az elmékre és a szívekre. A Szentírás témáit, cselekményeit és képeit olyan történetként fogták fel, amely a világ teremtésétől Krisztus eljövetelén át az Ítélet napjáig bontakozik ki. A földi életet a sötét és a világos erők folyamatos harcaként fogták fel, és e küzdelem színtere az emberi lélek volt. A világvége várakozása áthatotta a középkori ember világképét, drámai tónusokkal színesítette a kor művészetét. Ilyen körülmények között a zenei kultúra két erőteljes rétegben fejlődött ki. Egyrészt a professzionális egyházzene, amely hatalmas fejlődési utat járt be az egész középkorban; másrészt a népzene, amelyet a „hivatalos” egyház képviselői üldöztek, és a világi zene, amely amatőr zeneként létezett szinte az egész középkorban. E két tétel ellentéte ellenére kölcsönös hatáson mentek keresztül, és ennek az időszaknak a végére különösen szembetűnővé váltak a világi és az egyházi zene egymásbahatásának eredményei. Érzelmi és szemantikai tartalom tekintetében a középkori zenére a legjellemzőbb az eszményi, spirituális és didaktikai elvek túlsúlya - világi és egyházi műfajban egyaránt.

A keresztény egyház zenéjének érzelmi és szemantikai tartalma az Istenség dicséretére, a földi javak megtagadására a halál utáni jutalom érdekében, az aszkézis hirdetésére irányult. A zene önmagában koncentrálta azt, ami a „tiszta”, az ideálisra való törekvés minden „testi”, anyagi formájától mentes kifejezéséhez társult. A zene hatását fokozta a templomok akusztikája magas boltozataikkal, visszatükrözve a hangot és megteremtve az isteni jelenlét hatását. A zene és az építészet fúziója különösen a gótikus stílus megjelenésével mutatkozott meg. Az ekkorra kialakult többszólamú zene egy gótikus templom építészeti vonalait megismétlő, szárnyaló, szabad szólamszárnyalást teremtett, a tér végtelenségének érzetét keltve. A zenei gótika legszembetűnőbb példáit a Notre Dame-székesegyház zeneszerzői - Leonin mester és Perotin mester, a Nagy becenévvel alkották meg.

A középkor zeneművészete. Műfajok. A zenei nyelv sajátosságai.

A világi műfajok kialakulását ebben az időszakban a vándorzenészek kreativitása készítette elő - zsonglőrök, minstrelek és shpilmanok, akik énekesek, színészek, cirkuszi előadók és hangszeresek voltak, mind egybe gurultak. A zsonglőrök, shpilmanok és menstrelek is csatlakoztak vaganták és goliárdok- szerencsétlen diákok és szökevény szerzetesek, akik műveltséget és bizonyos műveltséget vittek a „művészi” környezetbe. A népdalokat nemcsak a feltörekvő nemzeti nyelveken (francia, német, angol és mások), hanem latinul is énekelték. Az utazó diákok és iskolások (vagantes) gyakran nagy jártassággal rendelkeztek a latin nyelvű fordításban, ami különös megrendítő hatást adott a világi feudális urak és a katolikus egyház elleni vádló énekeiknek. Az utazó művészek fokozatosan céheket alapítottak és városokban telepedtek le.

Ugyanebben az időszakban alakult ki egy sajátos „intellektuális” réteg - a lovagság, amelyben (a fegyverszünet időszakában) fellángolt a művészet iránti érdeklődés is. A kastélyok a lovagi kultúra központjává válnak. A lovagi viselkedés szabályrendszerének összeállítása folyamatban volt, amely „udvarias” (kifinomult, udvarias) magatartást követel meg. A 12. században Provence-ban, a feudális urak udvaraiban a művészet felbukkant. trubadúrok, amely a földi szerelem, a természet élvezete és a földi örömök kultuszát hirdető új világi lovagi kultúra jellegzetes kifejeződése volt. A trubadúrok zenei és költői művészete a képi skálát tekintve sokféle változatot ismert, elsősorban szerelmi szövegekkel vagy katonai, szolgálati énekekkel, amelyek a vazallus úrhoz való viszonyát tükrözték. A trubadúrok szerelmi szövegei gyakran feudális szolgálat formáját öltötték: az énekes egy hölgy vazallusának ismerte fel magát, aki általában urának felesége volt. Énekelte erényeit, szépségét és nemességét, dicsőítette uralmát és „lenyegett” egy elérhetetlen célért. Ebben persze sok volt a konvenció, amit az akkori udvari etikett diktált. A lovagi szolgálat hagyományos formái mögött azonban gyakran valódi érzés bújt meg, amely élénken és lenyűgözően fejeződött ki költői és zenei képekben. A trubadúrok művészete sok tekintetben fejlett volt a maga idejében. A művész személyes élményeire való figyelem, a szerető és szenvedő egyén belső világának hangsúlyozása azt jelzi, hogy a trubadúrok nyíltan szembeszálltak a középkori ideológia aszketikus irányzataival. A trubadúr az igazi földi szerelmet dicsőíti. Benne látja „minden javak forrását és eredetét”.

A kreativitás a trubadúrok költészetének hatására fejlődött ki Trouvères, ami demokratikusabb volt (a legtöbb truvère a városlakóktól származott) Itt is ugyanazokat a témákat dolgozták fel, és a dalok művészi stílusa is hasonló volt. Németországban egy évszázaddal később (13. század) iskola alakult Minnesingerek, amelyben a trubadúroknál és trouvère-eknél gyakrabban alakultak ki erkölcsi és oktató tartalmú énekek, a szerelmi motívumok gyakran vallásos felhangot kaptak, és a Szűz Mária-kultuszhoz kapcsolták őket. A dalok érzelmi szerkezetét nagyobb komolyság és mélység jellemezte. A Minnesingerek többnyire bíróságokon szolgáltak, ahol versenyeiket rendezték. Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide és Tannhäuser, a híres legenda hősének neve jól ismert. Wagner e legendára épülő operájában a központi jelenet egy énekverseny jelenete, ahol a hős a földi érzéseket és élvezeteket dicsőíti mindenki felháborodására. A Wagner által írt "Tannhäuser" librettó példája annak a korszaknak a világképébe való figyelemreméltó bepillantásnak, amely az erkölcsi eszméket, az illuzórikus szerelmet dicsőíti, és állandó drámai harcot vív a bűnös szenvedélyekkel.

Egyházi műfajok

gregorián ének. Az ókeresztény egyházban az egyházi énekeknek és a latin szövegeknek számos változata volt. Felmerült az igény egyetlen kultikus rituálé és ennek megfelelő liturgikus zene létrehozására. Ez a folyamat a 6. és 7. század fordulóján zárult le. I. Gergely pápa Az egyházi éven belül kiválogatott, szentté avatott, terjesztett egyházi dallamok hivatalos készletet alkottak – az antifóniát. A benne foglalt kórusdallamok a katolikus egyház liturgikus énekének alapjául szolgáltak, és gregorián éneknek nevezték őket. Egy szólamban adta elő egy kórus vagy egy férfihang együttes. A dallam fejlődése lassan megy végbe, és a kezdeti dallam variációin alapul. A dallam szabad ritmusa alárendelődik a szavak ritmusának. A szövegek latinul prózaiak, amelyeknek már a hangzása is elhatárolódott minden világitól. A dallammozgás sima, ha apró ugrások jelennek meg, azokat azonnal ellentétes irányú mozgás kompenzálja. Maguk a gregorián énekek dallamai három csoportba sorolhatók: recitáció, ahol a szöveg minden szótagja az ének egy-egy hangjának felel meg, a zsoltár, ahol egyes szótagok éneklése megengedett, és az ujjongás, amikor a szótagokat összetett dallammintában énekelték, leggyakrabban „Halleluja” („Dicséret az Istennek”). A művészet más formáihoz hasonlóan nagy jelentősége van a térbeli szimbolizmusnak (ebben az esetben a „fent” és az „alul”). Ennek az egyszólamú éneknek az egész stílusa, a „háttér” vagy „hangperspektíva” hiánya a középkori festészet síkképének elvét idézi.
Himnusz . A himnuszkészítés virágkora a 6. századra nyúlik vissza. A nagyobb érzelmi közvetlenséggel jellemezhető himnuszok a világi művészet szellemét hordozták magukban. A népi dallamokhoz közel álló dallamokra épültek. Az 5. század végén kizárták őket a templomból, de évszázadokig nem liturgikus zeneként léteztek. Az egyházi használatba való visszatérésük (9. század) egyfajta engedmény volt a hívők világi érzéseinek. A korálokkal ellentétben a himnuszok költői szövegeken alapultak, amelyeket kifejezetten komponáltak (és nem szent könyvekből kölcsönöztek). Ez a dallamok tisztább szerkezetét, valamint a dallam nagyobb szabadságát határozta meg, amely nem volt alárendelve a szöveg minden szavának.
Tömeg. A mise rituáléja évszázadok során alakult ki. Részeinek sorrendjét főbb jellemzőiben a 9. század határozta meg, de végleges formáját a mise csak a 11. századra nyerte el. Zenéje megalkotásának folyamata is hosszú volt. A liturgikus éneklés legősibb fajtája a zsoltár; közvetlenül magához a liturgikus cselekményhez kapcsolódva, az egész istentiszteleten végighangzott, papok és egyházi kórusok adták elő. A himnuszok bevezetése gazdagította a szentmise zenei stílusát. A rituálé egyes pillanataiban himnikus énekek hangzottak fel, kifejezve a hívők kollektív érzéseit. Eleinte maguk a plébánosok énekelték őket, később egy hivatásos egyházi kórus. A himnuszok érzelmi hatása olyan erős volt, hogy fokozatosan kezdték kiszorítani a zsoltárt, domináns helyet foglalva el a mise zenéjében. Himnuszok formájában öltött testet a mise öt fő része (az úgynevezett ordinárius).
I. "Kyrie eleison"(„Uram, irgalmazz”) - megbocsátás és irgalom könyörgése;
II. "Gloria"("Dicsőség") - a hála himnusza az alkotónak;
III. "Credo"("I Believe") a liturgia központi része, amely a keresztény doktrína alaptételeit rögzíti;
IV. "Sanctus"("Szent") - ünnepélyesen fényes felkiáltás, amelyet háromszor ismételnek meg, majd a "Hozsanna" üdvözlő felkiáltás következik, amely keretbe foglalja a "Benedictus" ("Áldott, aki jön") központi epizódját;
V. "Agnus Dei"("Isten báránya") - egy másik irgalmas könyörgés Krisztushoz, aki feláldozta magát; Az utolsó rész a következő szavakkal zárul: „Dona nobis pacem” („Adj békét”).
Világi műfajok

Énekes zene
A középkori zenei és költői művészet többnyire amatőr jellegű volt. Kellő univerzalizmust feltételezett: ugyanaz a személy volt zeneszerző, költő, énekes és hangszeres, mivel a dalt gyakran lanttal vagy hegedűvel adták elő. A dalok költői szövegei, különösen a lovagi művészet példái nagy érdeklődésre tartanak számot. Ami a zenét illeti, hatással volt rá a gregorián ének, a vándorzenészek zenéje, valamint a keleti népek zenéje. A trubadúrdalok zenéjének előadói, olykor szerzői gyakran zsonglőrök voltak, akik a lovagokkal együtt utaztak, kísérték éneküket, cseléd- és segédmunkát végeztek. Ennek az együttműködésnek köszönhetően elmosódtak a határok a népi és a lovagi zenei kreativitás között.
Tanc zene Az a terület, ahol a hangszeres zene jelentősége különösen erősen megnyilvánult, a tánczene volt. A 11. század vége óta számos zenei és táncműfaj alakult ki, amelyeket kizárólag hangszeres előadásra szántak. Egyetlen szüreti ünnep, egyetlen esküvő vagy más családi ünnep sem volt teljes tánc nélkül. A táncokat gyakran maguk a táncosok éneklésére vagy kürtre, egyes országokban trombitából, dobból, csengőből és cintányérokból álló zenekarnak adtak elő.
Branle Francia néptánc. A középkorban a városokban és falvakban volt a legnépszerűbb. Nem sokkal megjelenése után felkeltette az arisztokrácia figyelmét, és társastánc lett. Az egyszerű mozdulatoknak köszönhetően a branlit mindenki táncolhatta. Résztvevői kézenfogva zárt kört alkotnak, amely vonalakra bontható, cikkcakkos mozdulattá alakul. A korpának sokféle fajtája volt: egyszerű, dupla, vidám, lovas, mosónői, fáklyás brán stb. A branle mozgása alapján épült fel a gavotte, a paspier és a bourre, s ebből fokozatosan alakult ki a bánya.
Stella A táncot zarándokok mutatták be, akik a kolostorba érkeztek, hogy tiszteljék a Szűz Mária szobrot. A hegy tetején állt, megvilágította a nap, és úgy tűnt, mintha földöntúli fény áradna belőle. Innen származik a tánc neve (stella - a latin csillagból). Az emberek egyhangúan táncoltak, megdöbbenve az Istenszülő ragyogásától és tisztaságától.
Karol Népszerű volt a 12. században. Karol nyitott kör. A király előadása alatt a táncosok kézen fogva énekeltek. A táncosok előtt az énekes állt. A kórust minden résztvevő elénekelte. A tánc ritmusa vagy sima és lassú volt, majd felgyorsult és futássá változott.
A halál táncai A késő középkorban a halál témája igen népszerűvé vált az európai kultúrában. A rengeteg emberéletet követelő pestisjárvány befolyásolta a halálhoz való hozzáállást. Ha korábban a földi szenvedéstől való szabadulás volt, akkor a XIII. rémülettel vették észre. A halált rajzokon, metszeteken ijesztő képként ábrázolták, dalszövegekben is szóba került. A táncot körben adják elő. A táncosok mozogni kezdenek, mintha egy ismeretlen erő vonzaná őket. Fokozatosan legyőzi őket a Halál hírnökének zenéje, táncolni kezdenek, és a végén holtan esnek el.
Basszusgitárok Sétányi táncok és felvonulások. Szertartási jellegűek és technikailag egyszerűek voltak. A lakomára egybegyűltek a legjobb ruhájukban sétáltak a tulajdonos előtt, mintha magukat és jelmezüket mutogatták volna – ez volt a tánc értelme. A táncos felvonulások szilárdan az udvari élet részévé váltak, nélkülük egyetlen fesztivál sem jöhetett volna létre.
Estampy (estampidas) Páros táncok hangszeres zene kíséretében. Néha az „estampi”-t hárman adták elő: egy férfi két nőt vezetett. A zene nagy szerepet játszott. Több részből állt, és meghatározta a mozdulatok jellegét és a részenkénti ütemek számát.

Trubadúrok:

Guiraut Riquier 1254-1292

Guiraut Riquier egy provence-i költő, amelyet gyakran "az utolsó trubadúrnak" neveznek. Termékeny és ügyes mester (48 dallam maradt fenn), azonban a spirituális témáktól sem volt idegen, és jelentősen megbonyolította énekírását, eltávolodva a dalszerzéstől. Sok éven át a barcelonai bíróságon volt. Részt vett a keresztes hadjáratban. A művészettel kapcsolatos álláspontja is érdekes. Ismeretes a művészet patrónusával, Bölcs Alfonzszal, Kasztília és León királyával folytatott levelezése. Ebben kifogásolta, hogy a tisztességtelen, „a zsonglőr címet megalázó” embereket gyakran összekeverik a hozzáértő trubadúrokkal. Ez „szégyenletes és káros” „a költészet és zene magas művészetének képviselői számára, akik tudják, hogyan kell verset írni, tanulságos és maradandó műveket alkotni”. A király válaszának leple alatt Ricoeur javasolta a rendszerezést: 1) „a költői művészet doktorai” – a trubadúrok legjobbjai, „megvilágítják az utat a társadalom számára”, „példamutató versek és kánonok, kecses novellák és didaktikai művek szerzői”. ” beszélt nyelven; 2) trubadúrok, akik dalokat és zenét komponálnak nekik, táncdallamokat, balladákat, albumokat és sirventeket alkotnak; 3) zsonglőrök, kiszolgálják a nemesek ízlését: különféle hangszereken játszanak, mesélnek és meséket mesélnek, mások verseit és kánonjait éneklik; 4) a búbok (bohócok) „az utcákon és a tereken mutatják meg alacsony művészetüket, és méltatlan életmódot folytatnak”. Kiképzett majmokat, kutyákat és kecskéket hoznak ki, bábokat mutatnak be, madarak énekét utánozzák. Buffon hangszeren játszik vagy nyafog a köznép előtt apró osztogatásért... bíróságról bíróságra utazva, szégyenkezés nélkül, türelmesen elvisel mindenféle megaláztatást és megveti a kellemes és nemes tevékenységet.

Riquiert, mint sok trubadúrt, aggasztotta a lovagi erények kérdése. A nagylelkűséget a legnagyobb erénynek tartotta. "Semmiképpen sem beszélek rosszindulatú vitézségről és intelligenciáról, de a nagylelkűség mindent felülmúl."

A keserűség és a csalódottság érzése élesen felerősödött a 13. század vége felé, amikor a keresztes hadjáratok összeomlása elkerülhetetlen valósággá vált, amelyet nem lehetett figyelmen kívül hagyni, és amelyet nem lehetett figyelmen kívül hagyni. – Ideje abbahagynom az éneklést! - ezekben a versekben (1292-ig nyúlnak vissza) csalódottságát fejezte ki Giraut Riquier keresztes hadjáratának katasztrofális kimenetelével kapcsolatban:
„Eljött az óra, hogy kövessük a sereget, elhagyjuk a Szentföldet!” Az „Ideje befejeznem a dalokat” (1292) című költemény az utolsó trubadúrdal.

Zeneszerzők, zenészek

Guillaume de Machaut c. 1300-1377

Machaut francia költő, zenész és zeneszerző. A cseh király udvarában szolgált, 1337-től a reimsi székesegyház kanonoka. A késő középkor egyik legkiemelkedőbb muzsikusa, a francia Ars nova meghatározó alakja. Több műfajú zeneszerzőként ismert: motettái, balladái, virelei, lay-ei, rondói, kánonjai és egyéb dal- (dal-tánc) formái eljutottak hozzánk. Zenéjét kifinomult kifejezőkészség és kifinomult érzékiség jellemzi. Emellett Machaut készítette a történelem első szerzői miséjét (V. Károly király 1364-ben, Reimsben történt megkoronázása alkalmából. Ez az első szerzői mise a zenetörténetben – egy híres zeneszerző teljes és teljes alkotása. Művészetében fontos vonalak vonulnak át egyrészt a trubadúrok és trouvère-k zenei és költői kultúrájából az ősi dalalakban, másrészt a 12-13. századi francia többszólamú iskolákból.

Leonin (XII. század közepe)

Leonin kiemelkedő zeneszerző, Perotin mellett a Notre Dame iskolához tartozik. A történelem megőrizte számunkra az egykor híres „Orgonák Nagy Könyvének” nevét, amelyet az éves egyházi énekkör számára terveztek. Leonin organumai a kóruséneklést egyhangúan felváltották a szólisták kétszólamú éneklésével. Kétszólamú orgánumait az a gondos fejlesztés, a hang harmonikus „koherenciája” jellemezte, ami előzetes gondolkodás és rögzítés nélkül lehetetlen volt: Leonin művészetében már nem az énekes-improvizáló, hanem a zeneszerző kerül előtérbe. Leonin fő újítása a ritmikus felvétel volt, amely lehetővé tette a főleg mobil felső hang tiszta ritmusának kialakítását. A felső hang karakterét dallamos nagylelkűség jellemezte.

Perotin

Perotin, Perotinus - francia zeneszerző a 12. század végén - a 13. század 1. harmadában. A korabeli értekezésekben „Nagy Perotin mesternek” nevezték (az, hogy pontosan kire gondolt, nem ismert, mert több zenész is volt, akinek ez a név tulajdonítható). Perotin kifejlesztette a többszólamú éneklésnek azt a típusát, amely elődje, Leonin munkásságában jelent meg, aki szintén az úgynevezett párizsi, vagyis Notre Dame iskolába tartozott. A Perotin kiváló példákat hozott létre a melizmatikus organumban. Nemcsak kétszólamú (mint Leonin), hanem 3 és 4 szólamú műveket is írt, és láthatóan ritmikusan és textúrázva bonyolította, gazdagította a polifóniát. 4 hangú organumai még nem engedelmeskedtek a többszólamúság fennálló törvényeinek (utánzás, kánon stb.). Perotin művében kialakult a katolikus egyház többszólamú énekének hagyománya.

Josquin des Pres kb. 1440-1524

francia-flamand zeneszerző. Fiatal korától fogva templomi kórus volt. Szolgált Olaszország különböző városaiban (1486-99-ben a római pápai kápolna kórusvezetőjeként) és Franciaországban (Cambrai, Párizs). XII. Lajos udvari muzsikusa volt; nemcsak a kultikus zene, hanem a francia sanzont megelőlegező világi dalok mestereként kapott elismerést. Élete utolsó éveiben a Condé-sur-Escaut-i székesegyház rektora volt. Josquin Despres a reneszánsz egyik legnagyobb zeneszerzője, aki sokrétű hatással volt a nyugat-európai művészet későbbi fejlődésére. Kreatívan összefoglalva a holland iskola vívmányait, innovatív szellemi és világi műfajú műveket (mise, motetták, zsoltárok, frottók) hozott létre, humanista világnézettel átitatott, a magas többszólamú technikát új művészi feladatoknak rendelve alá. Műveinek dallama a műfaj eredetéhez köthető, gazdagabb és sokrétűbb, mint a korábbi holland mestereké. Josquin Despres „letisztult” többszólamú stílusa, amely mentes az ellenpontozás bonyolultságától, fordulópontot jelentett a kórusírás történetében.

Vokális műfajok

Az egész korszak egészét az énekes műfajok egyértelmű túlsúlya jellemzi, különösen az ének polifónia. A polifónia szokatlanul összetett, szigorú stílusban való elsajátítása, valódi tudományosság és virtuóz technika együtt élt a mindennapi terjesztés ragyogó és friss művészetével. A hangszeres zene némi önállóságot nyer, de az énekformáktól és a mindennapi forrásoktól (tánc, dal) való közvetlen függést csak valamivel később sikerül leküzdeni. A fő zenei műfajok továbbra is a verbális szöveghez kapcsolódnak. A reneszánsz humanizmus lényege a frottol és villanelle stílusú kórusdalok kompozíciójában tükröződött.
Tánc műfajok

A reneszánsz korában a mindennapi tánc nagy jelentőséget kapott. Számos új táncforma jelenik meg Olaszországban, Franciaországban, Angliában és Spanyolországban. A társadalom különböző rétegei rendelkeznek saját táncokkal, alakítják ki az előadásmódjukat, magatartási szabályokat bálok, estélyek, ünnepségek alkalmával. A reneszánsz táncai összetettebbek, mint a késő középkor egyszerű branles. A körtáncos és vonalas kompozíciós táncokat felváltják a páros (duett) táncok, amelyek összetett mozdulatokra és figurákra épülnek.
Volta - olasz eredetű páros tánc. Neve az olasz voltare szóból ered, ami azt jelenti, hogy fordulni. A méter három ütemű, a tempó közepes-gyors. A tánc fő mintája, hogy az úriember gyorsan és élesen megfordítja a levegőben a vele táncoló hölgyet. Ez az emelés általában nagyon magasra történik. Nagy erőt és ügyességet kíván az úriembertől, hiszen a mozdulatok élessége és némi lendületessége ellenére az emelést egyértelműen és szépen kell végrehajtani.
Galliard - egy ősi olasz eredetű tánc, elterjedt Olaszországban, Angliában, Franciaországban, Spanyolországban és Németországban. A korai galliardok tempója közepesen gyors, a méter három ütemű. A galliardot gyakran a papane után adták elő, amihez olykor tematikusan is kapcsolták. Galliardok 16. század dallamos-harmonikus textúrában, felső szólamú dallammal. A galliard dallamok népszerűek voltak a francia társadalom széles rétegei körében. A szerenádok alatt az orléans-i diákok galliard dallamokat játszottak lanton és gitáron. A harangjátékhoz hasonlóan a galliard egyfajta táncdialógus karaktere volt. Az úr körbejárta a folyosót hölgyével. Amikor a férfi szólót adott elő, a hölgy a helyén maradt. A férfi szóló számos összetett mozdulatból állt. Ezt követően ismét odalépett a hölgyhöz, és folytatta a táncot.
Pavana - udvari tánc a 16-17. A tempó közepesen lassú, mérete 4/4 vagy 2/4. Különböző forrásokban nincs konszenzus eredetét illetően (Olaszország, Spanyolország, Franciaország). A legnépszerűbb változat egy spanyol tánc, amely egy gyönyörűen lefutó farokkal sétáló páva mozdulatait imitálja. Közel állt a basszusgitárhoz. Különféle ünnepi körmenetek zajlottak a paván zenéjére: a hatóságok belépése a városba, egy nemes menyasszony búcsúja a templomtól. Franciaországban és Olaszországban a pavánét udvari táncként tartják számon. A paván ünnepélyes jelleme lehetővé tette az udvari társadalomnak, hogy modorának és mozdulatainak eleganciájával és kecsességével tündököljön. A nép és a burzsoázia nem ezt a táncot adta elő. A pavane-t, akárcsak a menüettet, szigorúan a rangok szerint adták elő. A király és a királyné elkezdte a táncot, majd belépett a Dauphin és egy nemes hölgy, majd a hercegek stb. A lovasok karddal és köpenyekkel adták elő a pávát. A hölgyek hivatalos ruhát viseltek nehéz hosszú nadrággal, amelyet ügyesen kellett irányítani a mozdulatok során anélkül, hogy felemelték volna őket a padlóról. Az árok mozgása gyönyörűvé tette a mozdulatokat, pompát és ünnepélyességet adva a pavánnak. A királynő kísérői vonatot vittek maga mögött. A tánc kezdete előtt az embereknek körbe kellett sétálniuk a teremben. A tánc végeztével a párok ismét meghajolva, siklókkal járták körbe a termet. De mielőtt felvette volna kalapját, az úrnak jobb kezét a hölgy vállára, bal kezét (a kalapot fogva) a derekára kellett tennie és arcon csókolnia. Tánc közben a hölgynek lesütött a szeme; csak időnként az úriemberére nézett. A pavánt Angliában őrizték meg legtovább, ahol nagyon népszerű volt.
Allemande - német eredetű lassú tánc 4 ütemben. Az „alacsony”, nem ugró táncok tömegéhez tartozik. Az előadók egymás után párban álltak. A párok száma nem volt korlátozva. Az úr megfogta a hölgy kezét. Az oszlop körbejárta a csarnokot, és amikor a végére ért, a résztvevők helyben fordultak (anélkül, hogy szétválták volna a kezüket), és az ellenkező irányba táncoltak.
Kuranta - olasz eredetű udvari tánc. A csengő egyszerű és összetett volt. Az első egyszerű, sikló lépésekből állt, amelyeket elsősorban előrefelé hajtottak végre. Az összetett harangjáték pantomimikus jellegű volt: három úriember három hölgyet hívott meg a táncba. A hölgyeket a terem másik sarkába vitték, és táncra kérték. A hölgyek visszautasították. Az urak, miután elutasították, elmentek, de aztán ismét visszatértek, és letérdeltek a hölgyek elé. Csak a pantomim jelenet után kezdődött a tánc. Különféle olasz és francia típusú harangjátékok léteznek. Az olasz harangjáték 3/4-es vagy 3/8-as ütemű, eleven tánc, egyszerű ritmussal, dallamos-harmonikus textúrával. Francia - ünnepélyes tánc ("illedeltánc"), sima, büszke felvonulás. Meter 3/2, mérsékelt tempó, meglehetősen fejlett polifonikus textúra.
Sarabande - 16-17. századi néptánc. A spanyol női kasztnitáncból származik. Kezdetben énekléssel kísérve. A híres koreográfus és tanár, Carlo Blasis egyik művében röviden ismerteti a sarabandét: „Ebben a táncban mindenki választ magának egy hölgyet, aki iránt nem közömbös. A zene jelet ad, és két szerelmes táncol. , nemes, kimért, ennek a táncnak a jelentősége a legkevésbé sem zavarja az élvezetet, a szerénység pedig még kecsességet ad neki, mindenki szeme örömmel követi a táncosokat, akik különféle figurákat adnak elő, mozdulataikkal kifejezve mindazt, a szerelem fázisai." Kezdetben a sarabande tempója mérsékelten gyors volt, később (a XVII. századtól) egy lassú francia sarabande jelent meg jellegzetes ritmusmintával: ...... Hazájában a sarabande az obszcén táncok kategóriájába tartozott, ill. 1630. a Kasztíliai Tanács betiltotta.
Zhiga - angol eredetű tánc, a leggyorsabb, három ütemű, hármasokká alakuló tánc. A jig kezdetben páros tánc volt, a vitorlázók között szóló, nagyon gyors, komikus jellegű táncként terjedt el. Később a hangszeres zenében egy ősi táncszvit befejező részeként jelenik meg.

Vokális műfajok

A barokk jellegzetességei leginkább azokban a műfajokban mutatkoztak meg, ahol a zene összefonódott más művészetekkel. Ezek elsősorban az opera, az oratórium és a szakrális zene olyan műfajai voltak, mint a passiók és a kantáták. A zene a szavakkal kombinálva, az operában - jelmezekkel és díszletekkel, vagyis a festészet, iparművészet és építészet elemeivel az ember összetett lelki világát, az általa átélt összetett és változatos eseményeket hivatott kifejezni. A barokk ízlés számára természetes volt a hősök, istenek, valós és irreális cselekmények közelsége, mindenféle varázslat, a változékonyság, a dinamizmus, az átalakulás legmagasabb szintű kifejezője volt, a csodák nem külső, pusztán dekoratív elemek voltak, hanem elengedhetetlen részét képezték a varázslatnak. művészi rendszer.

Opera.

Az opera műfaja Olaszországban szerezte a legnagyobb népszerűséget. Nagyszámú operaház nyílt, ami egy elképesztő, egyedi jelenséget képvisel. Számtalan nehéz bársonnyal bevont doboz és sorompóval kerített parter (ahol akkoriban nem ültek, hanem álltak) vonzotta a város szinte teljes lakosságát a 3 operaévad alatt. A dobozokat az egész szezonra patrícius családok vásárolták, a standok zsúfolásig megteltek hétköznapi emberekkel, olykor ingyen is bejutottak – de mindenki jól érezte magát, a folyamatos ünneplés hangulatában. A dobozokban büfék, heverők és kártyaasztalok voltak a "Fáraó" játékához; mindegyik külön helyiséghez volt kötve, ahol ételt készítettek. A közönség úgy ment a szomszédos dobozokhoz, mintha látogatóba érkeznének; Itt ismeretségek születtek, szerelmi kapcsolatok kezdődtek, a legfrissebb híreket cserélték, nagy pénzért kártyajátékot játszottak stb. A színpadon pedig fényűző, mámorító látvány tárult elénk, amely a közönség elméjét, érzéseit hivatott befolyásolni, elvarázsolni. a szemek és a fülek. Az ókor hőseinek bátorsága és vitézsége, a mitológiai szereplők mesés kalandjai az operaház csaknem évszázados fennállása alatt elért zenei és dekoratív dizájn teljes pompájában jelentek meg a csodálkozó hallgatók előtt.

A 16. század végén Firenzében, humanista tudósokból, költőkből és zeneszerzőkből álló körben („camerata”) létrejött opera hamarosan Olaszország vezető zenei műfajává vált. Az opera fejlődésében különösen fontos szerepet játszott C. Monteverdi, aki Mantovában és Velencében dolgozott. Két leghíresebb színpadi művét, az Orpheust és a Poppea koronázását a zenei dramaturgia elképesztő tökéletessége jellemzi. Monteverdi életében egy új operaiskola jött létre Velencében, F. Cavalli és M. Cesti vezetésével. Az első nyilvános színház, a San Cassiano velencei megnyitásával 1637-ben mindenki beléphet az operába, aki jegyet váltott. Fokozatosan megnő a látványos, külsőleg látványos pillanatok jelentősége a színpadi cselekményben az egyszerűség és természetesség ősi eszméinek rovására, amelyek az opera műfajának úttörőit inspirálták. A színpadi technikák óriási fejlődésen mennek keresztül, lehetővé téve a hősök legfantasztikusabb kalandjainak színpadi megtestesülését - hajótörésekig, légi repülésekig stb. Grandiózus, színes díszlet, a perspektíva illúzióját keltő (az olasz színházak színpada ovális volt), mesebeli palotákba és a tengerbe, titokzatos kazamatákba és varázslatos kertekbe repítette a nézőt.

Ugyanakkor az operák zenéjében egyre nagyobb hangsúlyt kapott a szólóénekelv, amely az expresszivitás egyéb elemeit rendelte alá; ez később elkerülhetetlenül az önellátó vokális virtuozitás iránti elragadtatáshoz és a drámai cselekvés feszültségének csökkenéséhez vezetett, ami gyakran csak ürügy lett a szólóénekesek fenomenális vokális képességeinek bemutatására. A szokásoknak megfelelően a kasztrális énekesek szólistaként léptek fel, férfi és női részeket is előadva. Előadásukban a férfi hangok erejét és ragyogását a női hangok könnyedségével és mozgékonyságával ötvözték. A magas hangok ilyen jellegű használata bátor és hősies természetű részeken akkoriban hagyományosnak számított, és nem tekintették természetellenesnek; nemcsak a pápai Rómában elterjedt, ahol a nőknek hivatalosan megtiltották az operai fellépést, hanem Olaszország más városaiban is.

A 17. század második felétől. Az olasz zenés színház történetében a főszerep a nápolyi operáé. A nápolyi zeneszerzők által kidolgozott operadramaturgia elvei egyetemessé válnak, és a nápolyi operát az olasz opera seria nemzeti típusával azonosítják. A nápolyi operaiskola kialakulásában óriási szerepet játszottak a konzervatóriumok, amelyek az árvaházakból speciális zenei oktatási intézményekké nőttek ki. Különös figyelmet fordítottak az énekesekkel való edzésre, amely magában foglalta a levegőben, vízen, zajos, zsúfolt helyeken végzett edzéseket, és ahol a visszhang uralni látszott az énekest. A briliáns virtuóz énekesek hosszú sora – konzervatóriumot végzett – terjesztette az olasz zene és a „szép éneklés” (bel canto) dicsőségét az egész világon. A nápolyi opera számára a télikertek a hivatásos személyzet állandó tartalékát képezték, és a kreatív megújulás kulcsát jelentették. A barokk kor számos olasz operaszerzője közül a legkiemelkedőbb jelenség Claudio Monteverdi műve volt. Későbbi művei megalapozták az operai dramaturgia és az operai szólóéneklés különböző formáinak alapelveit, amelyeket a 17. századi olasz zeneszerzők többsége követett.

A nemzeti angol opera igazi és egyetlen alkotója Henry Purcell volt. Számos színházi művet írt, amelyek közül az egyetlen opera a Dido és Aeneas. A „Dido és Aeneas” szinte az egyetlen angol opera beszédbetétek és párbeszédek nélkül, amelyben a drámai cselekmény az elejétől a végéig megzenésül. Purcell összes többi zenei és színházi alkotása tartalmaz beszélt párbeszédet (korunkban az ilyen műveket "musicaleknek" nevezik).

"Az opera csodálatos élőhelye – az átalakulások országa; az emberek egy szempillantás alatt istenekké, az istenekből pedig emberekké válnak. Ott az utazónak nem kell országokat bejárnia, mert maguk az országok járnak előtte. Unatkozik a szörnyű sivatag? A síp hangja azonnal a kertekbe repít Idyllokba; egy másik a pokolból az istenek lakhelyébe visz: még egy - és a tündérek táborában találod magad. Az operatündérek éppúgy elvarázsolnak, mint a tündérek meséink, de művészetük természetesebb..." (Dufresny).

„Az opera éppoly furcsa, mint pompás előadás, ahol a szem és a fül elégedettebb, mint az elme; ahol a zenének való alávetettség vicces abszurdumokat okoz, ahol egy város elpusztulásakor áriákat énekelnek, sírokat táncolnak körül; ahol láthatók a Plútó és a Nap palotái, valamint istenek, démonok, varázslók, szörnyek, boszorkányság, egy szempillantás alatt épített és lerombolt paloták.Az ilyen furcsaságokat eltűrjük, sőt csodáljuk, mert az opera a tündérek országa " (Voltaire, 1712).

Oratórium

Az oratóriumot, beleértve a spirituálisat is, a kortársak gyakran jelmezek és díszletek nélküli operaként fogták fel. A templomokban azonban kultikus oratóriumokat és passiókat adtak elő, ahol maga a templom és a papok ruhái egyaránt szolgáltak dekorációként és jelmezként.

Az oratórium mindenekelőtt spirituális műfaj volt. Maga az oratórium szó (olasz oratórium) a késő latin oratórium - „imaterem”, a latin ogo - „mondom, imádkozom” szóból származik. Az oratórium az operával és a kantátával egyszerre, de a templomban keletkezett. Elődje a liturgikus dráma volt. Ennek az egyházi akciónak a fejlődése két irányba haladt. Egyrészt karakterében egyre népszerűbb lett, fokozatosan komikus előadássá vált. Másrészt az Istennel való imádságos kommunikáció komolyságának megőrzésének vágya a statikus kivitelezés felé sodort, még a legfejlettebb és legdrámaibb cselekménynél is. Ez végül vezetett az oratórium önálló, először tisztán templomi, majd koncertműfajként való megjelenéséhez.

A középkor zenéje a zenei kultúra fejlődésének korszaka, amely körülbelül az i.sz. 5. és 14. század közötti időszakot öleli fel.

A középkor az emberi történelem nagy korszaka, a feudális rendszer uralmának időszaka.

A kultúra periodizálása:

Kora középkor - V - X század.

Érett középkor - XI - XIV század.

395-ben a Római Birodalom két részre szakadt: nyugati és keleti részre. A nyugati részen, Róma romjain az 5-9. században barbár államok voltak: osztrogótok, vizigótok, frankok stb. A 9. században a Nagy Károly birodalom összeomlása következtében három állam alakult ki. itt alakult: Franciaország, Németország, Olaszország. A keleti rész fővárosa Konstantinápoly volt, amelyet Konstantin császár alapított a görög bizánci gyarmat helyén - innen ered az állam elnevezése.

A középkor folyamán Európában egy újfajta zenei kultúra alakult ki - a feudális, amely ötvözi a professzionális művészetet, az amatőr zenélést és a folklórt. Mivel a lelki élet minden területén az egyház dominál, a professzionális zeneművészet alapja a templomokban és kolostorokban végzett zenész tevékenység. A világi professzionális művészetet kezdetben csak olyan énekesek képviselték, akik epikus meséket készítettek és adtak elő az udvarban, a nemesség házaiban, harcosok között stb. (bárdok, skaldok stb.). Idővel kialakultak a lovagi muzsikálás amatőr és félprofesszionális formái: Franciaországban - a trubadúrok és trouvère-k művészete (Adam de la Halle, XIII. század), Németországban - a minnesingerek (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII. század), valamint városi kézművesek. A feudális kastélyokban és városokban mindenféle dalt, műfajt és dalformát művelnek (eposz, „hajnal”, rondó, le, virele, balladák, kanzonok, laudák stb.).

Új hangszerek jelennek meg a mindennapi életben, köztük a keletről érkezettek is (brácsa, lant stb.), és megjelennek a (instabil összetételű) együttesek. A folklór virágzik a parasztok körében. Vannak „népi szakemberek” is: mesemondók, utazó szintetikus művészek (zsonglőrök, mímek, menstrelek, shpilmanok, buffoonok). A zene ismét elsősorban alkalmazott és spirituális-gyakorlati funkciókat lát el. A kreativitás a teljesítménnyel egységben jelenik meg (általában egy személyben).

Fokozatosan, bár lassan, de gazdagodik a zene tartalma, műfajai, formái, kifejezési eszközei. Nyugat-Európában a 6-7. Kialakulóban volt az egyszólamú (monódiás) egyházzene szigorúan szabályozott, diatonikus módokon (gregorián ének) alapuló rendszere, amely ötvözi a felolvasást (zsoltár) és az éneklést (himnuszok). Az 1. és 2. évezred fordulóján kezdett kialakulni a többszólamúság. Új ének (kórus) és vokális-hangszeres (kórus és orgona) műfajok alakulnak ki: orgona, motett, vezetés, majd mise. Franciaországban a 12. században a Notre Dame-székesegyházban (Leonin, Perotin) megalakult az első zeneszerzői (alkotói) iskola. A reneszánsz fordulóján (ars nova stílus Franciaországban és Olaszországban, XIV. század) a professzionális zenében a monofóniát felváltja a többszólamúság, a zene fokozatosan kezd megszabadulni a tisztán gyakorlati funkcióktól (egyházi rítusok szolgálata), a világi műfajok jelentősége. , beleértve a dalokat is, növekszik benne (Guillaume de Masho).

A középkor anyagi alapja a feudális viszonyok voltak. A középkori kultúra egy vidéki birtok körülményei között alakul ki. Ezt követően a kultúra társadalmi alapja a városi környezet – a polgárok. Az államok létrejöttével kialakulnak a fő osztályok: a papság, a nemesség és a nép.

A középkor művészete szorosan összefügg a templommal. A keresztény tanítás az alapja a filozófiának, az etikának, az esztétikának és az egész jelenkori szellemi életnek. A vallási szimbolikával teli művészet a földitől, az átmenetitől a szellemi, örökkévaló felé irányul.

A hivatalos egyházi kultúra (magas) mellett létezett világi kultúra (alacsonyabb) - folklór (alsó társadalmi rétegek) és lovagi (udvari).

A kora középkor professzionális zene fő központjai a katedrálisok, a hozzájuk kapcsolódó énekiskolák és a kolostorok voltak - az akkori oktatás egyetlen központja. Görögöt és latint, számtani és zenét tanultak.

Nyugat-Európa egyházzenéjének fő központja a középkorban Róma volt. A 6. század végén - 7. század elején. Kialakul a nyugat-európai egyházzene fő változata - a gregorián ének, amelyet I. Gergely pápáról neveztek el, aki az egyházi éneklés reformját hajtotta végre, összegyűjtött és különféle egyházi énekeket szervez. A gregorián ének egy egyszólamú katolikus ének, amely ötvözi a különböző közel-keleti és európai népek (szírek, zsidók, görögök, rómaiak stb.) évszázados énekhagyományait. Egyetlen dallam zökkenőmentes egyszólamú kibontakozása volt az egyetlen akarat megszemélyesítése, a plébánosok figyelmének iránya a katolicizmus alapelveinek megfelelően. A zene karaktere szigorú, személytelen. A korált egy kórus (innen a név), egyes szakaszokat szólista adta elő. A diatonikus módokon alapuló progresszív mozgás dominál. A gregorián ének sok fokozatot tett lehetővé, a súlyosan lassú kóruszsoltártól az ujjongásokig (egy szótag melizmatikus éneklése), amihez virtuóz énekkészségre volt szükség.

A gregorián ének eltávolítja a hallgatót a valóságtól, alázatot ébreszt, elmélkedéshez és misztikus elszakadáshoz vezet. Ezt a hatást elősegíti a plébánosok többsége számára érthetetlen latin szöveg is. Az ének ritmusát a szöveg határozta meg. Homályos, határozatlan, amelyet a szöveg felolvasásának akcentusainak jellege határoz meg.

A gregorián ének változatos típusait a katolikus egyház fő istentiszteletében - a szentmisében - gyűjtötték össze, amelyben öt stabil rész alakult ki:

Kyrie eleison (Uram, irgalmazz)

Gloria (dicsőség)

Credo (azt hiszem)

Sanctus (szent)

Agnus Dei (Isten báránya).

Idővel a népzene elemei himnuszok, szekvenciák és trópusok révén kezdenek beszivárogni a gregorián énekbe. Ha a zsoltárokat hivatásos énekes- és papkórus adta elő, akkor a himnuszokat eleinte a plébánosok adták elő. A hivatalos istentisztelet betétei voltak (népzenei vonásaik voltak). Ám hamarosan a mise himnikus részei elkezdték kiszorítani a zsoltáros részeket, ami a többszólamú mise megjelenéséhez vezetett.

Az első szekvenciák az évforduló dallamának szubtextusai voltak, hogy a dallam egy hangjának külön szótagja legyen. A sorozat egyre elterjedtebb műfajtá válik (a legnépszerűbbek a „Veni, sancte spiritus”, „Dies irae”, „Stabat mater”). A „Dies irae”-t Berlioz, Liszt, Csajkovszkij, Rahmanyinov használta (nagyon gyakran a halál szimbólumaként).

A többszólamúság első példái kolostorokból származnak – organum (párhuzamos kvintokban vagy kvartokban való mozgás), gimmel, fauburdon (párhuzamos hatodakkordok), vezetés. Zeneszerzők: Leonin és Perotin (12-13. század - Notre Dame katedrális).

A világi népzene hordozói a középkorban a mímek, a zsonglőrök, az istentiszteletek voltak Franciaországban, a spilmanok a német kultúra országaiban, a hoglárok Spanyolországban, a búbok Oroszországban. Ezek az utazó művészek univerzális mesterek voltak: ötvözték az éneklést, a táncot, a különféle hangszeres játékot a mágiával, a cirkuszművészettel és a bábszínházzal.

A világi kultúra másik oldala a lovagi (udvari) kultúra (a világi feudálisok kultúrája) volt. Szinte minden nemes ember lovag volt - a szegény harcosoktól a királyokig. Kialakulóban volt egy sajátos lovagi kódex, amely szerint a lovagnak a bátorság és vitézség mellett kifinomult modorúnak, műveltnek, nagylelkűnek, nagylelkűnek kellett lennie, és hűségesen szolgálnia kellett a Szépasszonyt. A lovagi élet minden aspektusa tükröződött a trubadúrok (Provence - Dél-Franciaország), trouvères (Észak-Franciaország) és a minnesingerek (Németország) zenei és költői művészetében. A trubadúrok művészete elsősorban a szerelmi dalszövegekhez kötődik. A szerelmes dalszövegek legnépszerűbb műfaja a canzona volt (a Minnesingerek - „Morning Songs” - albumok között).

A Trouvères a trubadúrok tapasztalatait széles körben felhasználva megalkotta saját eredeti műfajait: „szövő dalok”, „májuszi dalok”. A trubadúrok, trouvère-ek és minnesingerek zenei műfajainak fontos területe a dal- és táncműfajok voltak: rondo, ballada, virele (refrénformák), valamint a hősi eposz (francia eposz „The Song of Roland”, német - „Song”). a Nibelungoké”). A keresztesek énekei elterjedtek a minnesingerek körében.

A trubadúrok, trouvère-k és minnesingerek művészetének jellemző vonásai:

A monofónia a dallamnak a költői szöveggel való elválaszthatatlan kapcsolatának a következménye, ami a zenei és költői művészet lényegéből következik. A monofónia egyben megfelelt a saját élmények egyénre szabott kifejezésének, a kijelentés tartalmának személyes értékelésének (a személyes élmények kifejezését gyakran természetképek keretezték).

Főleg vokális teljesítmény. A hangszerek szerepe nem volt jelentős: az énekdallamot keretbe foglaló bevezetők, közjátékok és utójátékok előadására redukálódott.

A lovagi művészetről még nem beszélhetünk professzionálisnak, de a világi zenélés körülményei között először jött létre erőteljes zenei és költői irányzat fejlett kifejezőeszköz-együttessel és viszonylag tökéletes zenei írásmóddal.

Az érett középkor, a 10-11. századtól kezdődő egyik fontos vívmánya a városok fejlődése (polgári kultúra). A városi kultúra fő jellemzői az egyházellenesség, a szabadságszerető irányultság, a folklórhoz való kapcsolódás, a nevetés és a karneváli jelleg. Kialakult a gótikus építészeti stílus. Új többszólamú műfajok alakulnak ki: a 13-14. századtól a 16. századig. - motetta (francia nyelvből - „szó”. A motettát a hangok dallambeli különbsége jellemzi, amelyek egyidejűleg különböző szövegeket hangoltak be - gyakran még különböző nyelveken is), madrigál (olaszból - „dal az anyanyelven”, azaz olasz. Szövegek szerelmi-lírai, lelkipásztori), caccia (olaszból - „vadászat” - vadászatot ábrázoló szövegen alapuló énekes darab).

Az utazó népzenészek a nomád életmódból az ülő életmódba lépnek át, egész várostömböket népesítenek be, és egyedi „zenészcéheket” alkotnak. A 12. századtól kezdve a népzenészekhez csavargók és goliárdok csatlakoztak – a különböző osztályokból (iskolások, szökevény szerzetesek, vándor klerikusok) származó, deklasszált emberek. Ellentétben az írástudatlan zsonglőrökkel - a szájhagyomány művészetének tipikus képviselőivel - a csavargók és a goliárdok írástudók voltak: ismerték a latin nyelvet és a klasszikus versírás szabályait, zenét - dalokat komponáltak (a képsor az iskolatudományhoz és a diákélethez kötődik), ill. még olyan összetett kompozíciók is, mint a vezénylések és motetták.

Az egyetemek a zenei kultúra jelentős központjává váltak. A zene, pontosabban a zenei akusztika a csillagászattal, a matematikával és a fizikával együtt bekerült a quadriumba, i.e. az egyetemeken tanult négy tudományágból álló ciklus.

A középkori városban tehát különböző természetű és társadalmi beállítottságú zenei kultúra központjai voltak: népzenész egyesületek, udvari zene, kolostorok és katedrálisok zenéje, egyetemi zenei gyakorlat.

A középkor zeneelmélete szorosan összefüggött a teológiával. A hozzánk eljutott néhány zeneelméleti értekezésben a zenét „az egyház szolgálólányának” tekintették. A kora középkor kiemelkedő értekezései közül kiemelkedik Augustinus 6 „A zenéről” című könyve, Boethius 5 „A zene megalapozásáról” című könyve stb.. Ezekben az értekezésekben nagy helyet foglaltak el az elvont tudományos kérdések, a doktrína a zene kozmikus szerepéről stb.

A középkori módrendszert az egyházi professzionális zeneművészet képviselői dolgozták ki, ezért a „templomi módok” elnevezést a középkori módokhoz rendelték. A jón és a Lipari módok váltak be a fő módozatok közé.

A középkor zeneelmélete a hexachordok tanát terjesztette elő. Mindegyik módban 6 lépést használtak a gyakorlatban (például: do, re, mi, fa, salt, la). Si-t aztán elkerülték, mert F-vel együtt egy megnövelt negyedre lépett, amit nagyon disszonánsnak tartottak, és átvitt értelemben „a zene ördögének” nevezték.

A nem kölcsönös rögzítést széles körben alkalmazták. Guido Aretinsky javította a kottaírás rendszerét. Reformjának lényege a következő volt: a négysor jelenléte, az egyes sorok közötti harmadarány, a kulcsjel (eredetileg alfabetikus) vagy a sorok színezése. A mód első hat fokára bevezette a szótagjelöléseket is: ut, re, mi, fa, sol, la.

Bevezették a menzurális jelölést, ahol minden hanghoz egy bizonyos ritmikus ütemet rendeltek (latin mensura - mérték, mérték). Időtartamok neve: maxima, longa, brevis stb.

A 14. század egy átmeneti időszak a középkor és a reneszánsz között. A 14. század Franciaország és Olaszország művészetét „Ars nova”-nak (latinból - új művészet) nevezték, és Olaszországban a korai reneszánsz összes tulajdonságával rendelkezett. Főbb jellemzők: a kizárólagos egyházi zenei műfajok használatának megtagadása és a világi vokális-hangszeres kamaraműfajok (ballada, caccia, madrigál) felé fordulás, a mindennapi dalhoz való közeledés, a különféle hangszerek használata. Az Ars nova ellentéte az ún. ars antiqua (lat. ars antiqua - régi művészet), vagyis a 14. század eleje előtti zeneművészet. Az ars nova legnagyobb képviselői Guillaume de Machaut (14. század, Franciaország) és Francesco Landino (14. század, Olaszország).

A középkor zenei kultúrája tehát a viszonylagos anyagi korlátok ellenére is magasabb szintet képvisel az ókori világ zenéjéhez képest, és tartalmazza a reneszánsz zenei művészet pompás virágzásának előfeltételeit.

zene középkori gregorián trubadúr