Το γυμνό στην τέχνη.

Λίγα μάλλον ασυνάρτητα αποσπάσματα και σκέψεις για το βιβλίο, διαβάστε όποιον θέλετε.

Τι έμαθα από τον Κλαρκ; Οποιοδήποτε είδος γυμνού εφευρέθηκε κάποτε από κάποιον και στη συνέχεια αναπαράχθηκε άμεσα ή έμμεσα (από αγάλματα, σαρκοφάγους, αποσπάσματα άλλων καλλιτεχνών κ.λπ.). Οι Έλληνες επινόησαν τον τύπο της Αφροδίτης (πούδικα, δημόσια, αναδυόμενη...), μαινάδα, ναϊάδα, ετοιμοθάνατος πολεμιστής, Μαρσύας. Οι Ευρωπαίοι είναι ο «βόρειος τύπος». Οι Έλληνες έχουν μια καμπύλη του ισχίου, που σηκώνεται, στα γοτθικά - η καμπύλη της κοιλιάς, που τραβιέται στο έδαφος.

Σε αυτό το βιβλίο προσπάθησα να δείξω πώς στο γυμνό σώμα έχουν δοθεί αξιομνημόνευτα σχήματα για να μας μεταδώσουν ορισμένες ιδέες και συναισθήματα. Νομίζω ότι αυτό είναι το κύριο, αλλά όχι ο μόνος λόγοςτην ύπαρξη γυμνού. Σε όλες τις εποχές που το σώμα ήταν αντικείμενο τέχνης, οι καλλιτέχνες ένιωθαν ότι μπορούσε να τεθεί σε μια μορφή που ήταν καλή από μόνη της. Πολλοί έχουν προχωρήσει ακόμη περισσότερο, πιστεύοντας ότι στο γυμνό μπορεί κανείς να βρει τον βέλτιστο γενικό παράγοντα σημαντικής μορφής. 394 σελ.

Το γυμνό στην τέχνη είναι μορφή τέχνης, που εφευρέθηκε από τους Έλληνες τον 5ο αιώνα π.Χ., όπως ακριβώς η όπερα είναι μια μορφή τέχνης που επινοήθηκε στην Ιταλία τον 17ο αιώνα. Το γυμνό δεν είναι θέμα τέχνης, αλλά μορφή της. 11 σελίδες

Μαζί με πόζες που προφανώς έχουν αποκτήσει το καθεστώς σχεδόν ιδεογραμμάτων, στην ευρωπαϊκή τέχνη υπάρχουν χιλιάδες γυμνά που δεν εκφράζουν καμία ιδέα, τίποτα εκτός από την επιθυμία του ζωγράφου για τελειοποίηση της φόρμας. 397 σελ.

Η ιδέα να προσφέρουμε στον θεατή το σώμα ως ένα σημαντικό αντικείμενο περισυλλογής απλά δεν συμβαίνει στους Κινέζους ή τους Ιάπωνες... 17 σελ.

Μας κάνει να θυμόμαστε όλα όσα θα θέλαμε να κάνουμε στον εαυτό μας και πάνω απ' όλα θέλουμε να απαθανατιστούμε. 16 σελίδες

Ένας από τους λίγους κλασικούς κανόνες, η αξιοπιστία του οποίου δεν μπορεί να αμφισβητηθεί, είναι ότι στη μορφή μιας γυμνής γυναίκας η απόσταση μεταξύ των μαστών είναι η ίδια, από το στήθος μέχρι τον ομφαλό και από τον ομφαλό ως τη μεσοσπονδυλική περιοχή. 29 σελ.

«Η τέχνη», λέει ο Αριστοτέλης, «ολοκληρώνει αυτό που η φύση αδυνατεί να ολοκληρώσει. Ο καλλιτέχνης μας δίνει την ευκαιρία να κατανοήσουμε τους απραγματοποίητους στόχους της φύσης».

...όλα έχουν μια ιδανική μορφή, και τα φαινόμενα της επίγειας πραγματικότητας είναι μόνο τα λίγο-πολύ αλλοιωμένα αντίγραφά της. 21 σελ.

Υπάρχουν δύο τρόποι για να επιτευχθεί το ιδανικό - ο καλλιτέχνης μπορεί να επιλέξει τέλεια μέρη πολλών μορφών και να φτιάξει ένα τέλειο σύνολο από αυτά. Αυτό λέει ο Πλίνιος ότι έκανε ο Ζεύξις όταν «κατασκεύασε» την Αφροδίτη του από τα πέντε όμορφα κορίτσια του Κρότωνα. 21 σελ. Αλλά ένα τέτοιο σχέδιο στερείται οργανικότητας. Ένας άλλος τρόπος είναι η «μεσαία μορφή».

Αυτό που εννοούσαν τόσο ο Ρέινολντς όσο και ο Μπλέικ με τον όρο ιδανική ομορφιά ήταν στην πραγματικότητα μια αόριστη ανάμνηση ενός συγκεκριμένου σωματότυπου που δημιουργήθηκε στην Ελλάδα μεταξύ 480 και 440 π.Χ. σε διάφορους βαθμούςένταση και κατανόηση που έχουν φέρει ένα πρότυπο τελειότητας στη συνείδηση ​​του δυτικού ανθρώπου από την Αναγέννηση μέχρι σήμερα. 23 σελ.

Στην αρχή του τρίτου βιβλίου του Βιτρούβιου, όπου δίνεται ένα σύνολο κανόνων για την κατασκευή θρησκευτικών κτιρίων, αναφέρει ότι τα κτίρια αυτά πρέπει να έχουν ανθρώπινες αναλογίες.

...το ανθρώπινο σώμα είναι ένα πρότυπο αναλογίας, γιατί με τεντωμένα χέρια και πόδια ταιριάζει σε τέλεια γεωμετρικά σχήματα: το τετράγωνο και τον κύκλο.

Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Ο άνθρωπος του Βιτρούβιου γ. 1490

Άνθρωπος του Βιτρούβιου- ένα σχέδιο που σχεδίασε ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι γύρω στο 1490-92 ως εικονογράφηση ενός βιβλίου αφιερωμένου στα έργα του Βιτρούβιου και τοποθετήθηκε σε ένα από τα ημερολόγιά του. Απεικονίζει τη μορφή ενός γυμνού άνδρα σε δύο επάλληλες θέσεις: με τα χέρια και τα πόδια απλωμένα στα πλάγια, εγγεγραμμένα σε κύκλο. με τα χέρια ανοιχτά και τα πόδια ενωμένα, εγγεγραμμένα σε τετράγωνο. Το σχέδιο και οι επεξηγήσεις του καλούνται μερικές φορές κανονικές αναλογίες.

Το σχέδιο έγινε με στυλό, μελάνι και ακουαρέλα χρησιμοποιώντας μεταλλικό μολύβι, οι διαστάσεις του σχεδίου είναι 34,3 x 24,5 εκατοστά. Αυτή τη στιγμή στη συλλογή της Accademia Gallery στη Βενετία.

Το σχέδιο είναι ταυτόχρονα επιστημονική εργασίακαι έργο τέχνης, αποτελεί επίσης παράδειγμα του ενδιαφέροντος του Λεονάρντο σε αναλογία.

Σύμφωνα με τις συνοδευτικές σημειώσεις του Leonardo, δημιουργήθηκε για να καθορίσει τις αναλογίες (αρσενικό) ανθρώπινο σώμα, όπως περιγράφεται στις πραγματείες του αρχιτέκτονα Βιτρούβιου, ο οποίος έγραψε τα εξής για το ανθρώπινο σώμα:

• το μήκος από την άκρη της μακρύτερης έως τη χαμηλότερη βάση των τεσσάρων δακτύλων είναι ίσο με την παλάμη
• το πόδι είναι τέσσερις παλάμες
• ένας πήχης είναι έξι παλάμες
• το ύψος ενός ατόμου είναι τέσσερις πήχεις (και κατά συνέπεια 24 παλάμες)
• ένα βήμα είναι ίσο με τέσσερις πήχεις
• το άνοιγμα των ανθρώπινων βραχιόνων είναι ίσο με το ύψος του
• η απόσταση από τη γραμμή των μαλλιών μέχρι το πηγούνι είναι το 1/10 του ύψους της
• η απόσταση από την κορυφή του κεφαλιού μέχρι το πηγούνι είναι το 1/8 του ύψους του
• η απόσταση από την κορυφή του κεφαλιού έως τις θηλές είναι το 1/4 του ύψους του
• το μέγιστο πλάτος των ώμων είναι το 1/4 του ύψους του
• η απόσταση από τον αγκώνα μέχρι την άκρη του χεριού είναι το 1/4 του ύψους του
• η απόσταση από τον αγκώνα μέχρι τη μασχάλη είναι το 1/8 του ύψους του
• το μήκος του βραχίονα είναι τα 2/5 του ύψους του
• η απόσταση από το πηγούνι μέχρι τη μύτη είναι το 1/3 του μήκους του προσώπου του
• η απόσταση από τη γραμμή των μαλλιών μέχρι τα φρύδια είναι το 1/3 του μήκους του προσώπου του
• Μήκος αυτιού 1/3 μήκος προσώπου
• ο ομφαλός είναι το μέσο του κύκλου

Η εκ νέου ανακάλυψη των μαθηματικών αναλογιών του ανθρώπινου σώματος τον 15ο αιώνα από τον Ντα Βίντσι και άλλους επιστήμονες ήταν μια από τις μεγάλες προόδους που προηγήθηκαν της Ιταλικής Αναγέννησης.

Το ίδιο το σχέδιο χρησιμοποιείται συχνά ως σιωπηρό σύμβολο της εσωτερικής συμμετρίας του ανθρώπινου σώματος, και περαιτέρω, του Σύμπαντος στο σύνολό του.

Όπως μπορείτε να δείτε εξετάζοντας το σχέδιο, ο συνδυασμός θέσεων χεριού και ποδιού παράγει στην πραγματικότητα δύο διαφορετικές θέσεις. Η στάση με τα χέρια και τα πόδια ανοιχτά είναι εγγεγραμμένη σε ένα τετράγωνο. Από την άλλη πλευρά, μια πόζα με τα χέρια και τα πόδια απλωμένα στα πλάγια είναι εγγεγραμμένη σε κύκλο. Μετά από πιο λεπτομερή εξέταση, αποδεικνύεται ότι το κέντρο του κύκλου είναι ο ομφαλός της φιγούρας και το κέντρο του τετραγώνου είναι τα γεννητικά όργανα. Στη συνέχεια, χρησιμοποιώντας την ίδια μέθοδο, ο Corbusier δημιούργησε τη δική του κλίμακα αναλογίας - Modulor, η οποία επηρέασε την αισθητική της αρχιτεκτονικής του 20ου αιώνα.

Ο Poliziano είναι ο ποιητής που ενέπνευσε τη Γέννηση της Αφροδίτης του Μποτιτσέλι και τη Γαλάτεια του Ραφαήλ.

Στο ποίημα «Stanzas for the Tournament», αφιερωμένο στον αδελφό του Lorenzo Medici- Ο Τζουλιάνο και η αγαπημένη του Σιμονέτα Βεσπούτσι, για χάρη της οποίας διοργανώθηκε ένα πολυτελές τουρνουά τον Ιανουάριο του 1476, η μυθολογική βάση του έργου εξυπηρετεί τον συγγραφέα για να δημιουργήσει ένα αναγεννησιακό ειδύλλιο, πνευματοποιώντας τη φύση και αποθεώνοντας τον άνθρωπο. Ενσαρκώνει καλλιτεχνικά το πρόβλημα της σχέσης ανδρείας και Τύχης, χαρακτηριστικό του ουμανισμού. Το κύριο θέμα του ποιήματος είναι η αγάπη, που δίνει χαρά και ευτυχία, αλλά και στερεί από τον άνθρωπο εσωτερική ελευθερία. Ο όμορφος νεαρός κυνηγός Julis (Giuliano), ερωτευμένος με μια νύμφη (Simonetta), θρηνεί για τη χαμένη ελευθερία του. «Πού είναι η ελευθερία σου, πού είναι η καρδιά σου; Σου τα πήρε ο Έρως και η γυναίκα». Μια νύμφη ανάμεσα σε όμορφα λουλούδια - αυτή η εικόνα από το ποίημα του Poliziano ενέπνευσε μια σειρά από εικόνες στους πίνακες του Botticelli, συμπεριλαμβανομένου του αριστουργήματός του " Ανοιξη».

Η συμμετρία, που επιτυγχάνεται μέσω της εξισορρόπησης και της αντιστάθμισης, είναι η ουσία κλασική τέχνη. Η φιγούρα μπορεί να βρίσκεται σε κίνηση, αλλά η ειρήνη είναι πάντα συγκεντρωμένη στο κέντρο της. Τα ισορροπημένα μέρη πρέπει να έχουν κάποια μετρήσιμη σχέση μεταξύ τους - απαιτείται κανόνας αναλογιών. Ένας τέτοιος κανόνας συνέθεσε ο Πολύκλειτος. 50.s

Λύσιππος. Οι αρχαίοι συγγραφείς μας λένε ότι επινόησε νέες αναλογίες ανθρώπινη φιγούρα: με μικρότερο κεφάλι, πιο μακριά πόδια και πιο χαριτωμένο σώμα. 62 σελ.

Κανένας άλλος πολιτισμός δεν γνώρισε τέτοια καλλιτεχνική χρεοκοπία όπως αυτός που επί τέσσερις αιώνες έζησε στις ακτές του Μεσόγειος θάλασσααπολάμβανε φανταστική ευημερία. Κατά τη διάρκεια αυτών των αιματοβαμμένων αιώνων, οι πλαστικές τέχνες έπεσαν σε χειμερία νάρκη, και έγιναν κάτι σαν διαπραγματευτικό χαρτί. 63 σελ.

Το πώς η απόλαυση του ανθρώπινου σώματος έγινε ξανά επιτρεπτό θέμα τέχνης είναι ένα υπέροχο μυστήριο Ιταλική Αναγέννηση. Κένεθ Κλαρκ. 68 σελ.

Κάποιος πρέπει να καρφώσει το βλέμμα του στην Αφροδίτη, δηλαδή στο Humanitas. Η ψυχή και το μυαλό της είναι Αγάπη και Έλεος, τα μάτια της είναι Αξιοπρέπεια και Γενναιοδωρία, τα χέρια της είναι Γενναιοδωρία και λαμπρότητα, πόδια - Χαριτότητα και σεμνότητα.

Μαρσίλιο Φιτσίνο. Γράμματα στον Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. Κένεθ Κλαρκ. Το γυμνό στην τέχνη. 120 σελ.

Αναμφίβολα, αυτή είναι η δύναμη της Αφροδίτης, ότι το πρόσωπό της εκφράζει πολύ συγκρατημένα το έργο της σκέψης. Κένεθ Κλαρκ. 123.

...ο πρώτος καλλιτέχνης της Αναγέννησης που απεικόνισε μια γυμνή γυναίκα ως σύμβολο της αναπαραγωγικής ζωής ήταν ο Λεονάρντο ντα Βίντσι. Μεταξύ 1504 και 1506 δημιούργησε τουλάχιστον τρία σχέδια της Λήδας και του Κύκνου, ένα από τα οποία χρησίμευσε ως βάση για τον πίνακα. 142 σελ.

Μου αρέσει - αναπαραγωγική ζωή.

… γυναικείο σώμα, σε όλη την πληρότητα του αισθησιασμού του, απεικονίζεται σε απομόνωση, ως κάτι αυτάρκης. Αυτή η ερμηνεία του γυμνού, εκτός του πλαισίου κάποιου γεγονότος ή περιβάλλοντος, είναι εξαιρετικά σπάνια πριν από τον 19ο αιώνα, και θα ήταν ενδιαφέρον να γνωρίζουμε υπό ποιες συνθήκες ο Τιτσιάν επινόησε αυτή την έννοια. 151.

Αφροδίτη Αναδυωμένη. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1520.

Αφροδίτη Αναδυωμένη(αρχαία ελληνική Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, «αναδύεται, αναδύεται από τη θάλασσα») - ένα επίθετο της θεάς Αφροδίτης, που γεννήθηκε από τον αφρό της θάλασσας και αναδύεται στη στεριά, και ο εικονογραφικός τύπος της εικόνας της αυτή τη στιγμή.

Γιατί εκτός πλαισίου; Το να βγαίνεις από τη θάλασσα πάντα χρησίμευε ως αφορμή για να απεικονίσεις γυμνό· οι άνθρωποι δεν κολυμπούν στη θάλασσα με ρούχα, ειδικά όταν μόλις γεννιούνται.

Στην αρχή της ανάπτυξής του, ο μανιερισμός άρχισε να εξαπλώνεται στη Γαλλία. Ο Rosso, ο Primaticcio, ο Nicolo del Abbate και ο Cellini βρήκαν δουλειά στο Fontainebleau που δεν μπορούσαν να βρουν στη διαιρεμένη χώρα τους και, βγαίνοντας από την περιοριστική επιρροή της κλασικής παράδοσης, άρχισαν να δημιουργούν γυμνές φιγούρες με φανταστικά λεπτές και επιμήκεις μορφές. Η «Νύμφη του Φοντενεμπλό» της Cellini είναι απίστευτα μακριά από τους αρχαίους κανόνες· μόνο τα πόδια της έχουν μήκος έξι κεφάλια. ... Ο μανιερισμός άκμασε όταν μεταφυτεύτηκε σε άλλο έδαφος, εν μέρει λόγω των λανθάνοντων γοτθικών τάσεων στην Γαλλική τέχνη, αλλά και για τον λόγο ότι ακόμη και στον Μεσαίωνα, η Γαλλία παρέμενε στο επίκεντρο κάθε τι εκλεπτυσμένου και θεαματικού, που υπονοείται από την έννοια του «chic». Το ιδανικό του μανιερισμού είναι η αιώνια θηλυκότητα με εικόνες μόδας. 168 σελ.

...γιατί η προσωποποίηση της χάρης πήρε μια τόσο περίεργη μορφή: πολύ λεπτά χέρια και πόδια, ακατάλληλα για τίμια εργασία, πολύ λεπτά σώματα, ακατάλληλα για τεκνοποίηση και πολύ μικρά κεφάλια, σαφώς ανίκανα να χωρέσουν ούτε μια σκέψη. Αλλά βλέπουμε την ίδια εξαιρετική επιτήδευση σε πολλά άλλα αντικείμενα για τα οποία δεν ισχύουν τέτοιες υλιστικές εξηγήσεις: στην αρχιτεκτονική, στην κεραμική, ακόμη και στη γραφή. Το ανθρώπινο σώμα δεν είναι η πηγή, αλλά το θύμα αυτών των ρυθμών. Από πού πηγάζει η αίσθηση του chic, πώς ελέγχεται, με ποια εσωτερικά κριτήρια αναγνωρίζουμε αναμφισβήτητα το chic... Ένα πράγμα μπορεί να ειπωθεί με βεβαιότητα: το chic είναι ξένο στη φύση. ...οι αληθινοί ιερείς του chic αηδιάζουν βαθιά με όλα όσα εννοούνται με τη λέξη «φύση». ….οι εξαιρετικά εκλεπτυσμένες κυρίες του Fontainebleau, παρά την ανομοιότητά τους με τις γήινες γυναίκες, δημιουργούνται με την προσδοκία να διεγείρουν τη σαρκική επιθυμία στον θεατή. Πράγματι, η ίδια η παραξενιά των αναλογιών τους προκαλεί ερωτικές φαντασιώσεις σε μεγαλύτερο βαθμό από τα υλικά σώματα των γυναικών του Τιτσιάνο.

Αυτή είναι η ουσία - εικασίες, φαντασία, γι' αυτό το μέγεθος μηδέν μπούστο της Κίρα Νάιτλι είναι ανάμεσα στα δέκα πιο σαγηνευτικά

Αλλά, τελικά, αυτή η άυλη είναι που μετατρέπει τον βόρειο μανιερισμό σε απλώς μια συναρπαστική μικρή κίνηση στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης.

Στη διαδικασία της έρευνάς του, ο Ρούμπενς συνειδητοποίησε τι σοβαρές επίσημες μεταμορφώσεις πρέπει να υποστεί το ανθρώπινο σώμα για να παραμείνει έργο τέχνης. 167 σελ.

Ο Ingres επιτέλους επέτρεψε στον εαυτό του να αφήσει ελεύθερα τα συναισθήματά του και όλα όσα είχε το χέρι της Tetia οδαλίσκο πόδι, τώρα (τούρκικο λουτρό) έχει ενσαρκωθεί ανοιχτά σε πλούσιους γοφούς, στήθος και πολυτελείς πληθωρικές πόζες.

Kenneth Clark Το γυμνό στην τέχνη. 186 σελ.

Έτσι, σύμφωνα με τον Clark, το πόδι του odalisque εκφράζει αισθησιασμό! Εδώ είναι το ίδιο πόδι:

Κατά τη γνώμη μου, είναι κάπως ανέκφραστο, άμορφο. Κοιτάξτε τη συλλογή μου, εδώ είναι τα εκφραστικά δείγματα, σαν λαξευμένα με σμίλη.

Schaeffer, Cabanel, Bouguereau, Enner.

Γυμνή φιγούρα που παρουσιάζει μια άποψη τέλεια τέχνη, συνδέεται στενά με την πρώτη στιγμή του σχεδίου, με τη γραμμή... 195 pp.

...μάλλον θα μιλούσαν για τις δημιουργίες τους ως έντεχνες απεικονίσεις εξαιρετικά όμορφων ανθρώπων. Αυτό ακριβώς πρέπει να πει ένας καλλιτέχνης. Αλλά στην πραγματικότητα, όλοι προσπαθούσαν να δημιουργήσουν μια συγκεκριμένη εικόνα, γεννημένη στη φαντασία από ένα κράμα μνήμης, ανάγκης και πεποίθησης - αναμνήσεις έργων τέχνης προηγούμενων εποχών. την ανάγκη να εκφράσει κανείς τα συναισθήματα και τις πεποιθήσεις του ότι το γυναικείο σώμα είναι σύμβολο της αρμονίας της φύσης. 199 σελ.

Η διακοσμητική τέχνη έχει σκοπό να ευχαριστήσει το μάτι, και να μην απασχολήσει το μυαλό μας, να μην κλονίσει τη φαντασία· θα πρέπει να γίνεται αντιληπτή χωρίς αμφιβολία, όπως οι μακροχρόνιοι κανόνες συμπεριφοράς. Ως εκ τούτου, χρησιμοποιεί ευρέως κλισέ και φιγούρες, οι οποίες, ανεξάρτητα από την προέλευσή τους, ανάγονται σε ένα συμβολικό ισοδύναμο κατανοητό σε όλους. Από αυτή την άποψη, το γυμνό αντιπροσωπεύει μια ανεξάντλητη πηγή διακοσμητικού υλικού. Είναι ευχάριστο στο μάτι, είναι συμμετρικό και έχει σχήμα απλό, αξιομνημόνευτο, αδιαχώριστο από τις συνθήκες ύπαρξής του. 326.

Ο Δίας από την Ιστιαία. Αττικό άγαλμα. ΕΝΤΑΞΕΙ. 470 π.Χ

Το γλυπτό βρέθηκε στη θάλασσα κοντά στην Histiea (κοντά στο ακρωτήριο Αρτεμίσιο). Το πρώτο χωριστά όρθια φιγούρα, που μεταδίδεται εν κινήσει και το μοναδικό που μας έχει φτάσει με τη μορφή χάλκινου πρωτοτύπου. 204 σελ.

Ούτε ένας καλλιτέχνης της Αναγέννησης δεν έδωσε ποτέ ούτε μια ημερομηνία σωστά, ούτε καν την ημερομηνία γέννησής του. 222 σελ.

Οι ηθικολόγοι του 19ου αιώνα υποστήριξαν ότι η ζωγραφική γυμνών συνήθως τελείωνε στο κρεβάτι. Αυτό είναι πιθανώς αυτό που συμβαίνει μερικές φορές, αλλά ο ερωτισμός και ο αισθησιασμός είναι μόνο μερικά από τα πολλά στοιχεία που συνδέονται με το γυμνό.

Το γυμνό, δηλαδή η αναπαράσταση του γυμνού ανθρώπινου σώματος, είναι ένα από τα σημαντικότερα είδη τέχνης. Ταυτόχρονα, μόνο μερικές εικόνες γυμνών προέκυψαν ως προϊόν της επιθυμίας του καλλιτέχνη να δημιουργήσει μια φόρμα που είναι «πράγμα από μόνη της», ένα έργο που φέρνει αισθητική απόλαυση με την τελειότητα των γραμμών του. τέτοιο έργο μπορεί να τοποθετηθεί στο ίδιο επίπεδο με ένα εξαιρετικό αρχιτεκτονικό σχέδιο ή ένα χαριτωμένο αγγείο.

Για τα περισσότερα έργα τέχνης, το γυμνό είναι μόνο η αφετηρία, δημιουργικά μέσαχρησιμεύει για την έκφραση ιδεών και συναισθηματικές καταστάσεις. Στις μέρες μας, πιστεύεται ότι το γυναικείο γυμνό είναι κάτι πιο ελκυστικό και φυσικό από το ανδρικό γυμνό. Ωστόσο, στην Αρχαία Ελλάδα εμφανίστηκαν για πρώτη φορά εικόνες ενός γυμνού άνδρα, του οποίου το σώμα θεωρούνταν πιο τέλειο.Στην αλλαγή του 14ου και 15ου αιώνα, ο Cennino Cennini έγραψε στην Πραγματεία του για τη Ζωγραφική: «Θέλω να σας δώσω τις ακριβείς παραμέτρους ενός άνδρα. Δεν θα μιλήσω για τη γυναίκα, γιατί δεν έχει τέλειες παραμέτρους».

Η επικράτηση του γυναικείου γυμνού έγινε αισθητή τον 17ο αιώνα και μόλις τον 19ο αιώνα έγινε απόλυτη. Αυτό επηρεάστηκε από την ευαισθησία του νεοκλασικισμού, ο οποίος πίστευε ότι οι λείες και ογκώδεις γραμμές ήταν πιο όμορφες. Εικόνες γυμνών εμφανίστηκαν στην αυγή της καλών τεχνών, κατά την Πρώιμη Παλαιολιθική περίοδο, περίπου 30 χιλιάδες χρόνια πριν. Αυτά ήταν μικρά λίθινα ειδώλια ή ροκ ζωγραφική, που απεικονίζει γυναικείες μορφές με υπερτροφικούς γλουτούς, στήθος και ηβικό τρίγωνο. το κεφάλι και τα άκρα, αντίθετα, σκιαγραφήθηκαν σχηματικά. Κατά τη νεολιθική περίοδο εμφανίστηκαν παρόμοια πήλινα ειδώλια και σε η εποχή του Χαλκού- μαρμάρινα ειδώλια, παρόμοια, για παράδειγμα, με αντικείμενα που ανακαλύφθηκαν στα νησιά του αρχιπελάγους των Κυκλάδων στο νότιο Αιγαίο Πέλαγος.

ΣΕ Αρχαία Αίγυπτος, όπου το γυμνό ερμηνεύτηκε ως κάτι εντελώς φυσικό, αναπτύχθηκαν σαφείς κανόνες για την απεικόνιση του ανθρώπινου σώματος. Οι άψογα όμορφες ημίγυμνες φιγούρες των ηγεμόνων ήταν γεμάτες με μεγαλειώδη αξιοπρέπεια. Μόνο στις εικόνες των ατόμων λιγότερο ευγενούς καταγωγής θα μπορούσε κανείς να βρει νότες ρεαλισμού - πλαδαρούς μύες ή πτυχές λίπους. Σημαντικό ορόσημοαπό αυτή την άποψη έγινε ο πολιτισμός της αρχαίας Ελλάδας. Οι πρώτες εικόνες του γυμνού ανθρώπινου σώματος ήταν γλυπτά κούρων (νέοι αθλητές) χωρίς δυναμική στο τέλος της αρχαϊκής περιόδου (6ος αιώνας π.Χ.) και περίπου έναν αιώνα αργότερα, το κλασικό ιδανικό της ομορφιάς, που μας είναι πολύ γνωστό. , είχε ήδη διαμορφωθεί. Η προηγούμενη σκιαγράφηση των εικόνων έδωσε τη θέση της στα αποτελέσματα μιας προσεκτικής μελέτης της ανατομίας. Οι Έλληνες όχι μόνο κληρονόμησαν τη φύση, αλλά επιδίωξαν και να τη βελτιώσουν: επέλεξαν τα πιο αρμονικά μέρη διαφορετικών μορφών και τα συνέθεσαν σε ένα ιδανικό σύνολο.

Ο κλασικός κανόνας της απεικόνισης του ανθρώπινου σώματος διατυπώθηκε από τον Πολύκλητο το δεύτερο μισό του 5ου αιώνα π.Χ. και η ενσάρκωσή του ήταν το γλυπτό «Δωριφόρος». Η φιγούρα είναι τοποθετημένη σε contrapposto: το βάρος της στηρίζεται στο δεξί πόδι, το αριστερό είναι ελαφρώς λυγισμένο και πίσω και το κεφάλι είναι ελαφρώς στραμμένο προς τα δεξιά. Το ύψος του κεφαλιού είναι το ένα έβδομο, το μήκος του ποδιού είναι το ένα έκτο, το μήκος της παλάμης είναι το ένα δέκατο του ύψους του σώματος. Η πόζα που χρησιμοποίησε ο Πολύκλειτος για την απεικόνιση ανδρική φιγούρα, χρησιμοποιήθηκε τον 4ο αιώνα π.Χ. και για να μεταφέρει τις μορφές του γυναικείου σώματος. Η γραμμή του μπροστινού ποδιού τόνισε τη φυσική δομή της φιγούρας και δημιούργησε μια ασυνήθιστα αισθησιακή καμπύλη.

Το κλασικό ιδανικό γυναικεία ομορφιάθεωρείται η «Αφροδίτη της Κνίδου» από τον Πραξιτέλη (περίπου 360 π.Χ.). Κατά την ελληνιστική περίοδο, οι Έλληνες απομακρύνθηκαν από την κλασική παράδοση της ισορροπίας και άρχισαν να επιδεικνύουν χάρη ή, αντίθετα, τονίζουν τους δυνατούς μύες των μορφών. Οι αρχαίοι Ρωμαίοι αναπαρήγαγαν τα σχέδια που δημιούργησαν οι Έλληνες. Επιπλέον, εισήγαγαν την πρακτική της τοποθέτησης μιας γλυπτικής εικόνας του κεφαλιού του ηγεμόνα σε ένα εξιδανικευμένο σώμα. Η φυσική τελειότητα των αγαλμάτων είχε σκοπό να τονίσει τη θεότητα των αυτοκρατόρων.

Αντίδραση πρώιμο Μεσαίωναη αρχαία λατρεία του γυμνού ήταν εξαιρετικά αρνητική, έτσι οι εικόνες του γυμνού ουσιαστικά εξαφανίστηκαν από την τέχνη. Η εκκλησία θεωρούσε ότι τα γυμνά γλυπτά των «ειδωλολατρών» ήταν η ενσάρκωση της ειδωλολατρίας και του σατανικού πειρασμού. Ωστόσο, η απεικόνιση του γυμνού ανθρώπινου σώματος ήταν μερικές φορές αναπόφευκτη: για παράδειγμα, ήταν αδύνατο να γίνει χωρίς αυτό όταν αναπαριστούσε τον Αδάμ και την Εύα. Η αναπαράσταση του γυμνού σώματος επιτρεπόταν επίσης σε πίνακες των Παθών του Χριστού και τον 10ο αιώνα η γυμνή μορφή του Ιησού έγινε επίσημα αποδεκτή ως θραύσμα της κανονικής εικόνας της σταύρωσης. Η σωματικότητα του Χριστού είχε σκοπό να τονίσει την ανθρώπινη φύση του Υιού του Θεού.

Όσοι αναστήθηκαν για την Εσχάτη Κρίση, καθώς και εκείνοι που ήταν καταδικασμένοι σε κολασμένα μαρτύρια, απεικονίζονταν γυμνοί. Η εικόνα του γυμνού σώματος μπορούσε να φανεί σε αλληγορικές συνθέσεις και εδώ η πηγή έμπνευσης για τους συγγραφείς γινόταν συχνά έργα αντίκες. Εξαιρετικό παράδειγμα αυτού είναι ο Ηρακλής, που συμβόλιζε την ηθική δύναμη που νικά το κακό. Στον άμβωνα του καθεδρικού ναού στην Πίζα, ο Τζιοβάνι Πιζάνο απεικόνισε την Αφροδίτη την Αγνή ως την προσωποποίηση της αρετής του μέτρου (1302 - 1310). Πιο συχνά, ωστόσο, τα γυμνά γυναικεία σώματα συμβόλιζαν τις αμαρτίες - τη φθορά ή τη ματαιοδοξία, και η Αφροδίτη, ειδικότερα, συμβόλιζε την αμαρτωλή σωματική αγάπη.

Τον 15ο αιώνα, το γυμνό έπαψε να είναι ταμπού, γιατί στα τέλη του Μεσαίωνα δεν ήταν κάτι ασυνήθιστο - για παράδειγμα, τα δημόσια λουτρά ήταν πολύ δημοφιλή. Ως απόδειξη τέτοιων αλλαγών στην κοσμοθεωρία, μπορούμε να αναφέρουμε τον «Αδάμ» και την «Εύα» του Jan van Eyck από τον βωμό του καθεδρικού ναού στη Γάνδη. Η ακμή της γυμνής φωτογραφίας ξεκίνησε τον 15ο αιώνα στην Ιταλία στον απόηχο της επιστροφής στο αρχαίο στυλ. Ιταλοί, διερμηνεία τέχνηΩς πνευματική δραστηριότητα, όπως και οι αρχαίοι Έλληνες, οι οπτικές παρατηρήσεις συμπληρώθηκαν από επιστημονική ανάλυση. Τότε ήταν που η μελέτη της ζωγραφικής έγινε υποχρεωτικό στοιχείο διδασκαλίας αντίκα γλυπτικήκαι ζωγραφίζοντας ένα γυμνό μοντέλο. Οι θεωρητικοί της τέχνης συμβούλευαν όταν απεικονίζετε ένα ντυμένο άτομο, να σκιαγραφείτε πρώτα τη φιγούρα χωρίς ρούχα και μόνο μετά να την «ντύνετε». Στο δεύτερο μισό του 15ου αιώνα, οι καλλιτέχνες έκαναν ακόμη και αυτοψίες σε πτώματα προκειμένου να μελετήσουν διεξοδικά την ανατομία του ανθρώπινου σώματος.

Η Αποβολή του Masaccio από τον Παράδεισο (1427) θεωρείται η πρώτη σωζόμενη απεικόνιση του γυμνού από την Αναγέννηση. Στη γλυπτική, αυτό ήταν το χάλκινο χυτό «David» του Donatello (1430). Η εικόνα του γυμνού ανθρώπινου σώματος εξαπλώθηκε μαζί με την αυξανόμενη δημοτικότητα των μυθολογικών θεμάτων (για παράδειγμα, "The Birth of Venus" του Sandro Botticelli). Ωστόσο, χρησιμοποιήθηκε τόσο σε βιβλικά όσο και σε ιερά μοτίβα - όπως το βάπτισμα του Ιησού ή το μαρτύριο του Αγίου Σεβαστιανού. Η απεικόνιση του γυμνού έγινε αξία από μόνη της. εικόνες γυμνών σωμάτων εισήχθησαν ανεξάρτητα από το θέμα του έργου για να ξυπνήσουν μια αίσθηση ομορφιάς στην ψυχή του θεατή και να καταδείξουν την ικανότητα του καλλιτέχνη.

Η κλασική τελειότητα της απεικόνισης γυμνών επιτεύχθηκε μόνο από αρχές XVIαιώνες, κατά την ύστερη Αναγέννηση. Ο Ραφαήλ έφτασε πιο κοντά στο αρχαίο ιδανικό: οι «Τρεις Χάριτες» του (1504) θεωρούνται η πεμπτουσία της αρμονίας. Ο Μιχαήλ Άγγελος είχε ένα διαφορετικό όραμα για το γυμνό - αυτός ο γλύπτης ήταν τόσο γοητευμένος ανδρικό σώμαότι ακόμη και γυναικείες εικόνεςζωγράφιζε από μοντέλα. Το πιο διάσημο έργο του είναι το «David» (1501 - 1504). Στην Τελευταία Κρίση (1534 - 1541), η συντριπτική δύναμη του σώματος του Ιησού προκαλεί φόβο για την οργή του Θεού. Βόρεια των Άλπεων, ειδικά στη Γερμανία, επιρροή αρχαίο πολιτισμόαναμειγνύεται με την ύστερη γοτθική παράδοση. Οι γυμνές Αφροδίτες του Λούκας Κράναχ του Πρεσβύτερου είναι επιμήκεις - «γοτθικές» - φιγούρες με στενό στήθος και στρογγυλεμένες κοιλιές. Ο πίνακας «Αφροδίτη και Έρως» (1509) ήταν η πρώτη γυμνή απεικόνιση της αρχαίας θεάς του έρωτα στη Βόρεια Ευρώπη, καθώς και η πρώτη στο έργο αυτού του καλλιτέχνη ένας πίνακαςμε θέμα την αρχαία μυθολογία.

Ωστόσο, οι γυμνές γυναικείες εικόνες, παρ' όλο τον ερωτισμό τους, ενσάρκωναν τον φόβο για το σώμα ως πηγή αμαρτίας. Ακόμα και το έργο του Άλμπρεχτ Ντύρερ, τα περισσότερα ένας φωτεινός εκπρόσωπος Γερμανική Αναγέννηση, δεν ήταν απαλλαγμένος από αυτές τις τάσεις. Ήδη στη δεκαετία του 20 του 16ου αιώνα, άρχισαν να εμφανίζονται σημάδια κατάρρευσης του ουμανισμού και σχετικές αλλαγές στον αισθητικό κανόνα. Ξεκίνησε μια απομάκρυνση από τις κλασικές αναλογίες. το νέο ιδανικό της ομορφιάς ήταν ένα αφύσικα μακρόστενο, λεπτό σώμα γεμάτο τεχνητή κομψότητα. Και στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, υπό την επίδραση της Αντιμεταρρύθμισης, η εκκλησία άρχισε ξανά να ερμηνεύει το γυμνό ως κάτι απαράδεκτο στην ιερή τέχνη. Το 1564, ο Ιησούς και οι άλλες φιγούρες στην Τελευταία Κρίση του Μιχαήλ Άγγελου «ντύθηκαν». Στις αρχές του 17ου αιώνα, ο μανιερισμός άρχισε και πάλι να δίνει τη θέση του στη φυσικότητα: τα ρεαλιστικά σώματα των μαρτύρων Jusepe de Ribera ή Caravaggio δεν είχαν πλέον τίποτα κοινό με την ιδανική ομορφιά.

Όπως και αυτοί, ο Rembrandt van Rijn, προσπαθώντας για μια εις βάθος μεταφορά της ψυχολογίας του ήρωα, δεν φοβόταν να δείξει την ασχήμια και την κατωτερότητα, που ήταν πιο φυσικά και χαρακτηριστικά ενός ζωντανού ανθρώπου παρά εξαιρετική ομορφιά - για παράδειγμα, στο "Bathsheba" ( 1654) ο καλλιτέχνης απεικόνισε όλες τις ρυτίδες χωρίς ντροπή και τις πτυχές του πλαδαρού σώματος του μοντέλου. Πιο χαρακτηριστικές όμως των αισθητικών προτιμήσεων αυτής της εποχής ήταν οι γυμνοί πίνακες του Peter Powel Rubens. Οι ολόσωμες γυναικείες εικόνες του μοιάζουν με ώριμα φρούτα (για παράδειγμα, "The Three Graces" ή "The Rape of the Daughters of Leucippus") - είναι σαν ένα είδος ύμνου στη δόξα της φύσης, η ενσάρκωση της αγάπης για τη ζωή και όλα τις απολαύσεις του.

Δεύτερο ημίχρονο XVIII αιώνασημαδεύτηκε από την επιστροφή στην αρχαία παράδοση στη σκληρή κλασική εκδοχή της. Η τέχνη αυτής της περιόδου διακρίθηκε από « ευγενής απλότητακαι ήρεμη μεγαλειότητα». Τα νεοκλασικά γυμνά, παρά την κρυστάλλινη καθαρότητα της μορφής, δεν μπορούσαν να αντανακλούν πλήρως τα πραγματικά συναισθήματα, αφού ήταν φτωχά σε συναισθήματα ή, αντίθετα, πολύ αξιολύπητα.

Για παράδειγμα, μαρμάρινα γλυπτά("Έρωτας και Ψυχή") φαίνεται να μην είναι τίποτα άλλο από όμορφα, αλλά κρύα κοχύλια στα οποία δεν επενδύθηκε η ψυχή του καλλιτέχνη. Υπήρξε κάποια αναβίωση στην τέχνη στο πρώτο ημίχρονο XIX αιώναειδύλλιο. Ο Ευγένιος Ντελακρουά επέστρεψε στις δυναμικές μορφές του μπαρόκ - για παράδειγμα, στον Θάνατο του Σαρδανάπαλου (1827). Ο Theodore Gericault στο The Raft of the Medusa (1819), μέσα από την απεικόνιση του γυμνού, προσπάθησε να αποδώσει πληρέστερα την τραγωδία των ναυαγών. Ο νεοκλασικισμός διαμόρφωσε την ακαδημαϊκή ερμηνεία του γυμνού, του επίσημου και κυρίαρχου στυλ του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα.

Παρά τη γενική επιδεικτική αρετή αυτής της εποχής, η αφθονία των γυμνών σωμάτων σε έργα καλών τεχνών δεν εξόργισε κανέναν: αυτό δικαιολογήθηκε από την αρχαία παράδοση και τα μυθολογικά, ιστορικά ή ανατολίτικα κίνητρα. Ωστόσο, δεδομένου ότι σε άλλες σφαίρες ακόμη και η αναφορά του «απαγορευμένου» ήταν αδύνατη, το γυμνό, που ερμηνεύτηκε ως σύμβολο της τέχνης, έγινε ουσιαστικά σύμπτωμα του εξευτελισμού του.

Η κατάσταση άρχισε να αλλάζει χάρη στους Γάλλους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες. Οι πίνακες που ζωγράφισε ο Edouard Manet το 1863 - «Luncheon on the Grass» και «Olympia» - προκάλεσαν σκάνδαλο. Ο λόγος για αυτό δεν ήταν το γυμνό αυτό καθαυτό, αλλά η απεικόνιση των γυναικών με τρόπο που στερείται φρόνησης. Ακολουθώντας τον Manet, ο Edgar Degas και ο Henri Toulouse-Lautrec ακολούθησαν αυτόν τον δρόμο. Διαμαρτυρόμενοι για το ακαδημαϊκό ψεύδος, οι καλλιτέχνες ζωγράφισαν γυναίκες από Καθημερινή ζωή- εργάτες, χορευτές, ιερόδουλες.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, συνέβη ένα σημείο καμπής στην ιστορία του γυμνού και το γυμνό σώμα αρνήθηκε εντελώς την ομορφιά και την αρμονία. Το 1905, ο Georges Rouault δημιούργησε πολλά πορτρέτα απίστευτα αποκρουστικών ιερόδουλων. Παραμορφώθηκε και μεταμορφώθηκε σε ομοιώματα γεωμετρικά σχήματατα σώματα γυναικών στον πίνακα του Πάμπλο Πικάσο «Les Demoiselles d’Avignon», που προκαλεί συσχετισμούς με αφρικανικά σκαλιστά ειδώλια.

Το γυμνό, όπως και η νεκρή φύση, έγινε για τους καλλιτέχνες (για παράδειγμα, ο Henri Matisse) μόνο μια εικαστική κατασκευή, ένα εργαλείο για τη δημιουργία μιας ανεξάρτητης μορφής. Οι καλλιτέχνες της avant-garde προσπάθησαν να αναπαραστήσουν το γυμνό στην αφηρημένη γλυπτική. Ο Constantin Brancusi απεικόνισε τον κορμό μιας γυναίκας με τη μορφή άξονα με μικρότερους κυλίνδρους συνδεδεμένους - πόδια. Ωστόσο, όταν στη δεκαετία του 1930 ήρθε ο κορεσμός με την πρωτοπορία και η επιστροφή στις κλασικές φόρμες, το γυμνό έγινε το κύριο στοιχείο που ένωσε σύγχρονη τέχνημε περασμένους αιώνες.

Σήμερα δεν υπάρχει ενιαία ή κυρίαρχη έννοια της γυμνής τέχνης. Ατομικές προτιμήσειςκαλλιτέχνες και κανόνες καλλιτεχνικές κατευθύνσειςκυμαίνονται από αφηρημένες έως υπερρεαλιστικές εικόνες - μόνο το αιώνιο ενδιαφέρον του ανθρώπου για το σώμα του παραμένει αμετάβλητο.

ΠΡΟΣ ΤΗΝ κλασικό στυλΗ ναζιστική τέχνη αγκάλιασε εύκολα εικόνες γυμνών. Ο «Εκδικητής» (1940) του Άρνο Μπρέκερ αναπαράγει τον τύπο του Έλληνα νικητή ήρωα - σύμβολο δύναμης και αγώνα. Η «Γέννηση της Αφροδίτης» (1863) του Καμπανέλ είναι μια τυπική «ακαδημαϊκή-νεκρή» εικόνα του γυμνού, χαρακτηριστικό της ζωγραφικής του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Το «Les Demoiselles d'Avignon» του Πάμπλο Πικάσο (1907) είναι ένα από τα πρώτα έργα μοντέρνα ζωγραφική. Ως θέμα (γυναίκες από πορνείο), και η μορφή έγινε μια διαμαρτυρία ενάντια στην παραδοσιακή κατανόηση της ομορφιάς.

Στα επόμενα έργα, ο καλλιτέχνης προχώρησε περισσότερο - όχι μόνο παραμόρφωσε, αλλά και ανακάτεψε μέρη του σώματος. Ο Εντουάρ Μανέ στην Ολυμπία αντικατέστησε την ακαδημαϊκή εξιδανίκευση με τον ρεαλισμό και το μυθολογικό θέμα με ένα σύγχρονο. Αυτός ο πίνακας προκάλεσε σκάνδαλο επειδή η Ολυμπία ήταν μια συνηθισμένη ιερόδουλη - ένας χαρακτήρας εντελώς αχαρακτηριστικός για τον πίνακα εκείνης της εποχής. Το γλυπτό «The Dying Captive» (περίπου 1513) του Μιχαήλ Άγγελου υποτίθεται ότι θα διακοσμούσε τον τόπο ταφής του Πάπα Ιούλιου Β'. Η ιδέα της απεικόνισης του ανδρικού γυμνού όπως ερμηνεύτηκε από τον Μιχαήλ Άγγελο ενέπνευσε καλλιτέχνες μέχρι τον 19ο αιώνα. Ένα παράδειγμα του εξαίσιου ερωτισμού του μανιερισμού είναι η «Αλληγορία του χρόνου και της αγάπης» (περίπου 1545) του Angelo Bronzino. Εδώ ο Έρως αγκαλιάζει την Αφροδίτη, που είναι η μητέρα του.

Στο «The Turkish Bath» (1862) του Jean Auguste Dominique Ingres, ένα ανατολίτικο μοτίβο έγινε η αφορμή για την απεικόνιση μιας ολόκληρης ομάδας γυμνών γυναικών. Ο καλλιτέχνης συνδύασε την εκπληκτική τελειότητα της φόρμας με τον υπολογιστικά ψυχρό ερωτισμό. Η Κοιμωμένη Αφροδίτη του Giorgione, που ολοκληρώθηκε από έναν άλλο Βενετό, τον Τιτσιάνο, έγινε η πρώτη από πολλές επακόλουθες εικόνες ξαπλώτων γυμνών μοντέλων. Η φιγούρα διακρίνεται από απαλό ογκομετρικές μορφές, που έγινε ακόμη πιο έντονο στην εποχή του μπαρόκ.

Η σκηνή «Resurrection of the Dead» έδωσε στον Luca Signorelli την ευκαιρία να απεικονίσει το γυμνό με κλασικό τρόπο - με προσεκτική μελέτη των ανατομικών χαρακτηριστικών της δομής του σώματος. Στο «David» του Donatello το μοτίβο Παλαιά Διαθήκηχρησιμεύει μόνο ως δικαιολογία για να παρουσιάσετε την ομορφιά ενός νεανικού σώματος με απαλές, κάπως θηλυκές γραμμές.

Η πιο ρεαλιστική απεικόνιση γυμνών σωμάτων στον Μεσαίωνα ήταν από τον Jan van Eyck. Η Εύα αντιπροσωπεύει τον γοτθικό τύπο γυναικεία φιγούρα: μακρόστενο σώμα, στενό στήθος και στρογγυλεμένη κοιλιά. Η Αφροδίτη του Willendorf και παρόμοια γυναικεία ειδώλια της Πρώιμης Παλαιολιθικής θεωρούνται σύμβολο γονιμότητας. Το ύψος του ειδωλίου είναι 11,5 εκ. Η ομάδα του Λαοκόωνα (γύρω στον 2ο αιώνα π.Χ.) αναπαριστά τον θάνατο του Τρώα ιερέα και των γιων του στον αγώνα κατά των φιδιών - αγγελιαφόρων των θεών.

Το εκφραστικό γυμνό με εκφραστικά μυϊκά μοτίβα είναι ένα μέσο μετάδοσης του πόνου. Αυτό γλυπτική σύνθεσηεπηρέασε σημαντικά το στυλ του Μιχαήλ Άγγελου. Η Σταύρωση του Επισκόπου Γερέων (περίπου 975) από τον Καθεδρικό Ναό της Κολωνίας αντιπροσωπεύει την παλαιότερη εικόνα της σταύρωσης στην οποία τονίζεται τόσο εκφραστικά ο πόνος. Από τον 13ο αιώνα, το σώμα του Ιησού απεικονίζεται με ολοένα και πιο ορατά σημάδια βασανιστηρίων. Οι Έλληνες απεικόνιζαν το γυμνό σώμα γιατί το θεωρούσαν όμορφο: ο ανδρικός κορμός έγινε ακόμη και πρότυπο για την κατασκευή στρατιωτικής πανοπλίας.

Στη φυσική τελειότητα οι Έλληνες είδαν αντανακλάσεις της ευγένειας της ψυχής. Οι αρχαίοι Έλληνες αθλητές προπονούνταν και αγωνίζονταν γυμνοί. Ένα άτομο ερμηνευόταν ως ένα αδιάσπαστο σύνολο ψυχής και σώματος, επομένως τίποτα που αφορούσε το σώμα δεν θεωρούνταν κατακριτέο.

Η ρωσική τέχνη είναι ήδη πάνω από χίλια χρόνια, αλλά δεν είμαστε πλούσιοι σε αριστουργήματα παγκόσμιας σημασίας που απεικονίζουν γυμνά κορίτσια. Για πολύ καιρό, οι καλλιτέχνες ντρέπονταν και φοβούνταν να ζωγραφίσουν γυμνές γυναίκες. Σας λέμε πώς αυτό συνδέεται με τη γεωγραφία και τις ιδιαιτερότητες της ιστορικής εξέλιξης της Ρωσίας, τον εθνικό χαρακτήρα και γενικά - τη στάση του λαού μας απέναντι σε οποιαδήποτε «ντροπή».

Η εκκλησία φταίει

Η ανάπτυξη της καλών τεχνών και οι διαδικασίες που συμβαίνουν σε αυτήν επηρεάζονται καθοριστικά από την κυρίαρχη ιδεολογία. Για αιώνες ήταν θρησκευόμενη. Επιπλέον, η Ρωσία κληρονόμησε την πιο οραματική και εστιασμένη στα σύμβολα εκδοχή του Χριστιανισμού - την Ορθοδοξία. Στην Καθολική Δύση, οι καλλιτέχνες είχαν τη δυνατότητα να ζωγραφίζουν «υλιστικά» πράγματα, όπως έναν κομψό, ποταπό διάβολο, τα βασανιστήρια των μαρτύρων με καυτές λαβίδες, το γυμνό στήθος της Μητέρας του Θεού και τα χνουδωτά φτερά των αγγέλων.

Αγνωστος καλλιτέχνης. Θρησκευτικό λαϊκό έντυπο «Περί της παρθένου Μαρίας και της μετά θάνατον εμφάνισής της στον πατέρα της». 1904-1905. Κρατικό Ιστορικό Μουσείο

Στο Βυζάντιο τα πάντα αφορούσαν σημεία και κανόνες, και στην τέχνη του όλα αφορούσαν τη γραμμικότητα και την επιπεδότητα. Το γυμνό στην εικονογραφία που υιοθετήθηκε από εκεί επιτρεπόταν είτε αποκλειστικά σε αξιοπρεπείς ανθρώπους - ασκητές της ερήμου και άγιοι ανόητοι (για παράδειγμα, η Μαρία της Αιγύπτου και ο Άγιος Βασίλειος ο Μακαριστός), που οδήγησαν έναν τέτοιο τρόπο ζωής που το σώμα τους δεν μπορούσε να χρησιμεύσει ως παράδειγμα φυσική ομορφιά, ή στους νεκρούς - η ψυχή αφήνει τη θνητή ζωή σάρκα, ή αμαρτωλούς στην κόλαση. Λοιπόν, επίσης σε κάθε είδους δαίμονες και πνεύματα. Όλα αυτά δεν είναι πρότυπα· τέτοια σώματα δεν προκαλούν αισθητική απόλαυση.

Η γεωγραφία φταίει

Για να θεωρήσετε ορισμένα πράγματα «όμορφα» απαιτεί συνήθεια και μακροχρόνια εκπαίδευση. Για παράδειγμα, η Αμερική πίστευε ότι ένα μαύρο κορίτσι θα μπορούσε να είναι πραγματικό σύμβολο του σεξ χάρη στο γεγονός ότι το Χόλιγουντ ασχολούνταν με την οπτική προπαγάνδα για τριάντα χρόνια (αν μετρήσετε από τη δεκαετία του 1970, όταν εμφανίστηκαν οι πρώτες Αφροαμερικανές μεταξύ των κοριτσιών Bond) .

Για να γίνει το γυμνό σώμα στην τέχνη όμορφο και παγκοσμίως αποδεκτό, απαιτήθηκαν αιώνες εκπαίδευσης των ματιών.

Και επίσης μια πολύ ισχυρή κατήχηση, κατά την οποία όλοι διδάχτηκαν ότι το σώμα είναι αντανάκλαση της θεϊκής αρμονίας, και ως εκ τούτου αξίζει θαυμασμού (Google “kalokagathia”). Στην Ευρώπη αυτή η άποψη καθιερώθηκε κάπου στον 5ο αιώνα π.Χ. μι. - στην Αρχαία Ελλάδα. Οι πολιτισμοί που δεν σχετίζονται με την αρχαιότητα έχουν κόμπλεξ όσον αφορά το γυμνό - πάρτε τον μουσουλμανικό, τον παραδοσιακό ιαπωνικό.

Henryk Semiradsky. «Γυναίκα ή βάζο;» 1887. Sotheby's

Μια μέρα, ένας καθηγητής τέχνης έκανε στους μαθητές μια ερώτηση: «Πώς να ξεχωρίσεις ένα γνήσιο ελληνικό άγαλμα από ένα ρωμαϊκό αντίγραφο;» Οι μαθητές έδειξαν τις γνώσεις τους για μεγάλο χρονικό διάστημα και επίμονα, προτείνοντας διάφορες θεωρίες, αλλά ο καθηγητής, αφού τις άκουσε, είπε: «Όλα είναι πολύ πιο απλά: τα ελληνικά αγάλματα είναι εντελώς γυμνά, αλλά στα ρωμαϊκά η αιτιακή θέση καλύπτεται με ένα φύλλο." Ναι, η Ρώμη ήταν ήδη ντροπαλή για το γυμνό στην τέχνη - αλλά αυτό δεν ήταν χαρακτηριστικό για την Ελλάδα.

Ο αρχαίος ελληνικός πολιτισμός κάθε άλλο παρά ντροπαλός ήταν, τουλάχιστον όταν επρόκειτο για το ανθρώπινο σώμα. Απολάμβανε την ομορφιά του - τουλάχιστον αν το σώμα του ήταν πραγματικά όμορφο, όπως αυτό ενός αθλητή που έπαιζε σε αθλητικούς αγώνες. Ολυμπιακό παιχνίδι, γι' αυτό οι αθλητές εμφανίστηκαν γυμνοί. Και, φυσικά, ένα τέλειο ανδρικό σώμα αξίζει να ενσαρκωθεί στην τέχνη... Η αρχαία ελληνική τέχνη «γύμνωσε» μια γυναίκα όχι και τόσο πρόθυμα - εξάλλου, μια γυναίκα, εξ ορισμού, θεωρούνταν ατελές ον, πράγμα που σημαίνει ότι η εξύμνηση της Η ομορφιά του σώματός της θα ήταν τουλάχιστον περίεργη (ωστόσο, υπάρχουν ακόμα αγάλματα γυμνών γυναικών - για παράδειγμα, η Αφροδίτη της Κνίδου).

Μια άλλη πικάντικη λεπτομέρεια: εκείνο το μέρος του σώματος με το οποίο οι σύγχρονοι άνδρες λατρεύουν να «μετρούν τον εαυτό τους» δεν ήταν ποτέ μεγάλο στα αρχαία ελληνικά αγάλματα. Μόνο ο Πρίαπος, ο θεός της γονιμότητας, που προσωποποιούσε την άγρια, στοιχειώδη δύναμη στον άνθρωπο, απεικονιζόταν με ένα τεράστιο πέος και το τέλειο σώμα ενός πολιτισμένου ανθρώπου -εκπροσώπου του πολιτισμού της πόλης- δεν ανεχόταν καμία υπερβολή. Αυτό υποδηλώνει επίσης ότι στον πολιτισμό της Ελλάδας, η απεικόνιση του γυμνού στην τέχνη συνδέθηκε λιγότερο με την αχαλίνωτη σεξουαλικότητα.

Για Ευρωπαϊκός Μεσαίωναςτέτοιος θαυμασμός ήταν αδιανόητος, αλλά δεν μπορεί να ειπωθεί ότι το γυμνό σώμα μέσα μεσαιωνική τέχνηαπουσίαζε εντελώς. Επιτρεπόταν όπου αντιστοιχούσε σε ιστορικές περιστάσεις - για παράδειγμα, όταν απεικόνιζε τον σταυρωμένο Σωτήρα. Ο Αδάμ και η Εύα «επιτράπηκαν» να είναι γυμνοί πριν από την Πτώση. Και στο Μεσαίωνα οι αμαρτωλοί στην Κόλαση και οι άνθρωποι που εμφανίστηκαν στο Τελευταία κρίση(πιθανότατα υπογραμμίζοντας έτσι ότι όλοι εκεί θα ήταν ίσοι - εξάλλου, στη μεσαιωνική κοινωνία, τα ρούχα έκαναν δυνατή τη διάκριση ενός ευγενούς άρχοντα από έναν κοινό).

Μια άλλη εποχή που «ερωτεύτηκε» το γυμνό ανθρώπινο σώμα είναι αναμφισβήτητα η Αναγέννηση και δεν θα μπορούσε να μην την αγαπήσει, αφού καθοδηγούνταν από τα ιδανικά της αρχαιότητας, ένα από τα οποία ήταν το όμορφο ανθρώπινο σώμα, παρουσιαζόμενο με παρθένο γυμνό . Έχοντας ανακηρύξει τον άνθρωπο ως το κέντρο του Σύμπαντος, η φιλοσοφία του αναγεννησιακού ουμανισμού τον θαυμάζει και πάλι. Μια πινελιά επιπολαιότητας εμφανίζεται αργότερα - στην εποχή του μπαρόκ, μια εποχή απογοήτευσης που έκρυβε την πικρία κάτω από την μεγαλοπρέπεια (συμπεριλαμβανομένης της μεγαλοπρέπειας των γυναικείων μορφών).

Κλασσικισμός και μετέπειτα καλλιτεχνικές εποχέςπροσπαθούν να επιστρέψουν σε αρχαίες εικόνες όμορφου γυμνού - αλλά ο παρθένος θαυμασμός δεν είναι πλέον εφικτός. Ωστόσο, το γυμνό θεωρείται κατάλληλο όταν απεικονίζονται αρχαία θέματα. Αξιοσημείωτο είναι ότι -σε αντίθεση με την Ελλάς- το γυναικείο γυμνό θεωρείται καταλληλότερο, αλλά ακουαρέλα Άγγλος καλλιτέχνηςΤο «Phyllida and Demophon» του E. Burne-Jones αφαιρέθηκε από την έκθεση το 1870 ακριβώς λόγω του γυμνού του Demophon - το γυμνό της Phyllida δεν ενόχλησε κανέναν.

Σε σχέση με τον εικοστό αιώνα, είναι ακόμη δύσκολο να μιλήσουμε για γυμνό στη ζωγραφική και τη γλυπτική - για παράξενες εικόνεςΔεν μπορείτε πραγματικά να δείτε το γυμνό σώμα της πρωτοπορίας. Όμως η εικόνα του γυμνού στη νεανική τέχνη του κινηματογράφου άνθισε σε πλήρη άνθιση. Αλλά αυτό το γυμνό ήταν ακόμα πιο μακριά από τον αθώο θαυμασμό της Ελλάδος - το γυμνό γυναικείο σώμα, μαζί με ένα πιστόλι, έγινε ένα από τα "συστατικά" επιτυχημένη ταινία, που δεν ισχυρίζεται ότι είναι υψηλή τέχνη.

Το γυμνό στην τέχνη. Κένεθ Κλαρκ

Ανά. από τα Αγγλικά - Αγία Πετρούπολη: ABC-classics, 2004. - 480 p. (Σειρά "Artist and Connoisseur".)

Η νέα σειρά «Artist and Connoisseur» παρουσιάζει το βιβλίο του κορυφαίου Άγγλου κριτικού τέχνης Kenneth Clarke «Nudity in Art», το οποίο μεταφράστηκε για πρώτη φορά στα ρωσικά. Ο συγγραφέας εισάγει την ανάπτυξη του γυμνού είδους από τις απαρχές του μέχρι σήμερα, εντοπίζοντας σε αυτό συγκεκριμένες κατευθύνσεις όπως «γυμνό της ενέργειας», «γυμνό πάθους», «γυμνό έκστασης» κ.λπ. Μια πρωτότυπη ερμηνεία του θέματος, ζωηρός, προσιτή γλώσσα, μια ενδιαφέρουσα επιλογή εικονογραφήσεων θα πρέπει να προσελκύσει την προσοχή όχι μόνο των ειδικών, αλλά και ενός ευρέος φάσματος αναγνωστών.

Μορφή: pdf

Μέγεθος: 10,6 MB

Κατεβάστε: yandex.disk

Η σειρά «Καλλιτέχνης και Γνώστης» παρουσιάζει μια σειρά από ενδιαφέρουσες ιστορικές μελέτες τέχνης, έχοντας πρώτα απ' όλα εκπαιδευτικό σκοπό, παραμένοντας όμως ταυτόχρονα αυστηρά ακαδημαϊκό. Το πλεονέκτημά τους είναι η προσβασιμότητα και η ψυχαγωγία χωρίς συνειδητή απλοποίηση και διαστρέβλωση της επιστημονικής σκέψης. Δεν είναι τυχαίο ότι τα βιβλία του Άγγλου ιστορικού τέχνης Kenneth Clarke είναι από τα πρώτα που περιλαμβάνονται σε αυτή τη συλλογή. Η λαμπρή του πολυμάθεια, η βαθιά κατανόηση του θέματος, το πιστό μάτι για κριτική και η ειλικρινής αγάπη για την τέχνη συμπληρώνονται από σεβασμό προς το κοινό του. Περνώντας από το απλό στο σύνθετο, εύκολα, χωρίς την παραμικρή βία ή επιθυμία να επιβάλει τη γνώμη του, ο καθηγητής μετατρέπει τους αναγνώστες από ερασιτέχνες σε ειδικούς και αληθινούς γνώστες της ομορφιάς. Υπάρχουν λίγοι επιστήμονες που μπορούν να μιλήσουν για πολύπλοκα πράγματα απλά, σαγηνευτικά και χαριτωμένα, αλλά κάποιος θέλει να διαβάσει τον Κλαρκ αργά, απολαμβάνοντας μεμονωμένες φράσεις, κοιτάζοντας προσεκτικά τις εικόνες που προσφέρει. Διάσπαρτα στις σελίδες των βιβλίων του υπάρχουν γοητευτικά παραδείγματα ακαδημαϊκού χιούμορ, που φαίνεται να έχουν μεταναστεύσει εκεί από τις διαλέξεις του καθηγητή, τις οποίες παρέδιδε όχι μόνο σε φοιτητές, αλλά και σε τηλεθεατές στη Μεγάλη Βρετανία και την Αμερική.

Ίσως το θέμα της έρευνας να προκαλέσει επιπόλαιες συσχετίσεις σε μερικούς ανθρώπους, αλλά οι λάτρεις της φράουλας θα είναι ευχαριστημένοι μόνο με το βιβλίο όμορφες εικόνες. Σύμφωνα με τον Kenneth Clark, η εικόνα του γυμνού ανθρώπινου σώματος είναι ένα από τα πιο σημαντικά και αξιόλογα θέματα στην τέχνη, αν και όχι όλα ιστορικές εποχέςτου δόθηκε η ίδια προσοχή. Είναι αδύνατο να αρνηθούμε τη σωματική φύση του ανθρώπου, και επειδή είμαστε ματαιόδοξοι και σίγουρα προσπαθούμε να απαθανατιστούμε, η τέχνη είναι απίθανο να περιοριστεί εντελώς σε ζιγκ-ζαγκ και χρωματιστά σημεία, που συμβολίζουν το έργο του υποσυνείδητου μας. Φυσικά, ιδανικό εξωτερική ομορφιάαλλάζοντας συνεχώς, επηρεαζόταν από την επιπόλαιη μόδα, τη θρησκευτική ηθική, τον υψηλό φιλοσοφικό συλλογισμό και τις αισθητικές απολαύσεις. Στο βιβλίο του Κλαρκ υπάρχει μια θέση και Παλαιολιθική Αφροδίτη, Και Ελληνίδες θεές; στους αδυνατισμένους αγίους σε γοτθικόκαι οι γήινες ομορφιές του Ρούμπενς. οι όμορφοι απλοί του Ρενουάρ και τα κυβικά γυμνά του Πικάσο. Πολλά έχουν ειπωθεί και για την ανδρική ομορφιά, ευτυχώς μέχρι μέσα του 19ουαιώνα δεν υπήρξε καμία έκδηλη διάκριση εις βάρος των ανδρών ως γυμνών. Πιο κοντά στην εποχή μας, το δικαίωμα επίδειξης της γοητείας κάποιου, δυστυχώς, έχει γίνει σχεδόν πλήρες προνόμιο των γυναικών.

Την άνοιξη του 1953, έδωσα έξι διαλέξεις για το γυμνό στην τέχνη στο ετήσιο E. W. Mellon Fine Arts Readings στην Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσιγκτον. Δεν έχω μιλήσει ποτέ στη ζωή μου μπροστά σε ένα πιο ανταποκρινόμενο και έξυπνο κοινό και θα ήθελα να δώσω σε καθέναν από τους παρευρισκόμενους ένα αντίγραφο αυτού του βιβλίου ως ένδειξη ευγνωμοσύνης αμέσως μετά την ολοκλήρωση του μαθήματος. Αλλά οι διαλέξεις έπρεπε να παραταθούν σημαντικά, έπρεπε να γραφτούν τρία νέα κεφάλαια και την τελευταία στιγμή οι εκδότες με έπεισαν να προσθέσω άλλη μια ενότητα σημειώσεων. Αυτό σήμαινε σχεδόν τρία χρόνια καθυστέρηση και είμαι ευγνώμων στο Ίδρυμα Mellon Memorial Readings και στο Ίδρυμα Bollingen για την υπομονή τους όσο περιμένουν να ολοκληρωθεί το βιβλίο..