“Il nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno dipinto”

Henri Kahnweiler

19esimo secolo. Francia. È successo qualcosa di senza precedenti nella pittura. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scuotere tradizioni vecchie di 500 anni. Invece di un disegno chiaro, hanno usato un tratto ampio e “sciatto”.

E hanno abbandonato completamente le solite immagini. Rappresentare tutti. E signore di facile virtù e gentiluomini di dubbia reputazione.

Il pubblico non era pronto per la pittura impressionista. Sono stati ridicolizzati e rimproverati. E, cosa più importante, non hanno comprato nulla da loro.

Ma la resistenza è stata spezzata. E alcuni impressionisti vissero abbastanza da vedere il loro trionfo. È vero, avevano già più di 40 anni. Come Claude Monet o Auguste Renoir. Alcuni aspettavano il riconoscimento solo alla fine della loro vita, come Camille Pissarro. Alcuni non sono vissuti abbastanza per vederlo, come Alfred Sisley.

Quale risultato rivoluzionario ha compiuto ciascuno di loro? Perché il pubblico ha impiegato così tanto tempo ad accettarli? Ecco i 7 impressionisti francesi più famosi. Che tutto il mondo sa.

1. Edouard Manet (1832 – 1883)

Edouard Manet. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privata

Manet era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione per il cambiamento.

Lo stesso Manet non pretendeva di essere il leader dei rivoluzionari. Era un uomo laico. Sognavo premi ufficiali.

Ma ha aspettato molto tempo per il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere le dee greche. O, nel peggiore dei casi, nature morte. Per fare bella figura in sala da pranzo. Manet voleva dipingere la vita moderna. Ad esempio, le cortigiane.

Il risultato è stato “Colazione sull’erba”. Due dandy si rilassano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, si siede accanto agli uomini vestiti.

Edouard Manet. Colazione sull'erba. 1863, Parigi

Confronta il suo Pranzo sull'erba con Romani in declino di Thomas Couture. La pittura di Couture ha creato scalpore. L'artista divenne subito famoso.

"Colazione sull'erba" è stata accusata di volgarità. Alle donne incinte era seriamente sconsigliato di guardarlo.

Tommaso Alta Moda. Romani nel loro declino. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. artchive.ru

Nella pittura di Couture vediamo tutti gli attributi dell'accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Popolo di aspetto apollineo. Colori tenui tradizionali. Modi di posa e di gesti. Una trama della vita lontana di un popolo completamente diverso.

“Colazione sull’erba” di Manet ha un formato diverso. Prima di lui nessuno aveva raffigurato le cortigiane con tanta facilità. Vicino ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini di quel tempo trascorressero il loro tempo libero in questo modo. Vita vera di persone vere.

Una volta ho scritto a una signora rispettabile. Brutto. Non poteva lusingarla con un pennello. La signora rimase delusa. Lo lasciò in lacrime.

Edouard Manet. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. Wikimedia.commons.org

Quindi ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di rappresentare il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, la raffigurava come un blu brillante.

Questo, ovviamente, ha irritato il pubblico. Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantarsi di essere blu come l’acqua di Manet, hanno scherzato.

Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Museo delle Belle Arti, Tournai, Belgio. Wikipedia.org

Ma il fatto resta un dato di fatto. Manet cambiò radicalmente lo scopo della pittura. Il dipinto è diventato l’incarnazione dell’individualità dell’artista. Chi scrive come vuole. Dimenticando schemi e tradizioni.

Tutte le innovazioni non lo hanno perdonato per molto tempo. Ha ricevuto il riconoscimento solo alla fine della sua vita. Quando non ne aveva più bisogno. Stava morendo dolorosamente a causa di una malattia incurabile.

2. Claude Monet (1840 – 1926)

Claude Monet. Autoritratto con berretto. 1886 Collezione privata

Claude Monet può essere definito un impressionista cristiano. Poiché è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.

Non dipinse oggetti e persone, ma una costruzione monocromatica di luci e macchie. Tratti separati. Tremori d'aria.

Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo Metropolitano d'Arte, New York. metmuseum.org

Monet non dipingeva solo la natura. Ha avuto successo anche nei paesaggi cittadini. Uno dei più famosi - .

C'è molta fotografia in questa immagine. Ad esempio, il movimento viene trasmesso attraverso un'immagine sfocata.

Nota come gli alberi e le figure distanti sembrano essere confusi.

Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte europea e americana dei secoli XIX-XX), Mosca

Davanti a noi c'è un momento congelato nella vivace vita di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno è in posa. Le persone sono raffigurate come una raccolta di pennellate. Tale mancanza di trama e l’effetto “fermo immagine” sono le caratteristiche principali dell’impressionismo.

Verso la metà degli anni '80, gli artisti rimasero delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma la mancanza di trama deprimeva molti.

Solo Monet continuava a persistere. Impressionismo esagerato. Che si è trasformato in una serie di dipinti.

Ha raffigurato lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare come la temperatura e la luce possano cambiare la stessa specie rendendola irriconoscibile.

Così apparvero innumerevoli pagliai.

Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts di Boston. A sinistra: Mucchi di fieno al tramonto a Giverny, 1891. A destra: Mucchi di fieno (effetto neve), 1891.

Tieni presente che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra loro caratteristica.

Monet è riuscito a godere del successo e del benessere materiale. Dopo i 40 anni si era già dimenticato della povertà. Acquistò una casa e un bellissimo giardino. E ha lavorato per molti anni per il proprio piacere.

Leggi il dipinto più iconico del maestro nell'articolo

3. Auguste Renoir (1841 – 1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru

L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti fu Renoir.

Non troverai drammaticità nei suoi dipinti. Non ha nemmeno usato la vernice nera. Solo la gioia di esistere. Anche le cose più banali in Renoir sembrano belle.

A differenza di Monet, Renoir dipingeva le persone più spesso. I paesaggi erano meno importanti per lui. Nei suoi dipinti i suoi amici e conoscenti si rilassano e si godono la vita.

Pierre-Auguste Renoir. La colazione dei rematori. 1880-1881 Collezione Phillips, Washington, Stati Uniti. Wikimedia.commons.org

Non troverai alcuna profondità in Renoir. Era molto felice di unirsi agli impressionisti. Che ha rifiutato completamente le trame.

Come lui stesso ha affermato, ha finalmente la possibilità di scrivere fiori e di chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.

Pierre-Auguste Renoir. Donna con un ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Renoir si sentiva meglio in compagnia delle donne. Chiese alle sue ancelle di cantare e scherzare. Più la canzone era stupida e ingenua, meglio era per lui. E le chiacchiere degli uomini lo stancavano. Non sorprende che Renoir sia famoso per i suoi nudi.

La modella nel dipinto “Nude in Sunlight” sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir nulla è secondario. L'occhio della modella o una sezione dello sfondo sono equivalenti.

Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 ​​Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org

Renoir ha vissuto una lunga vita. E non metto mai giù pennello e tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente ammanettate dai reumatismi, legò la spazzola alla mano con una corda. E ha disegnato.

Come Monet, aspettava il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei dipinti al Louvre, accanto alle opere di maestri famosi.

Leggi l'articolo su uno dei ritratti più affascinanti di Renoir

4. Edgar Degas (1834 – 1917)

Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. cultured.com

Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta (open air). Con lui non troverai una tavolozza volutamente alleggerita.

Al contrario, amava una linea chiara. Ha un sacco di nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.

Ma nonostante ciò è sempre messo in fila con altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista del gesto.

Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi colti di sorpresa. Tutti questi sono gli attributi principali dei suoi dipinti.

Ha fermato un attimo della vita, non permettendogli di riprendere i sensi. Basta guardare la sua “Orchestra dell'Opera”.

Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org

In primo piano c'è lo schienale di una sedia. Il musicista dà le spalle a noi. E sullo sfondo le ballerine sul palco non rientravano nella “cornice”. Le loro teste vengono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.

Ecco perché i suoi ballerini preferiti non sono sempre raffigurati in belle pose. A volte fanno solo stretching.

Ma tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha riflettuto attentamente sulla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.

Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelburne, Vermouth, Stati Uniti

Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma malattie o caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non è mai stato sposato. Nessuno lo aveva mai visto con una donna.

L'assenza di soggetti reali nella sua vita personale aggiungeva alle sue immagini un erotismo sottile e intenso.

Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org

Si prega di notare che nel dipinto “Ballet Star” è raffigurata solo la ballerina stessa. I suoi colleghi dietro le quinte sono appena visibili. Solo poche gambe.

Ciò non significa che Degas non abbia completato il dipinto. Questo è il ricevimento. Mantieni a fuoco solo le cose più importanti. Fai sparire il resto, illeggibile.

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5. Berthe Morisot (1841 – 1895)

Edouard Manet. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan-Monet, Parigi.

Berthe Morisot è raramente collocata in prima fila tra i grandi impressionisti. Sono sicuro che non sia meritato. È nel suo lavoro che troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace l'impressionismo, adorerai il suo lavoro con tutto il cuore.

Morisot lavorò velocemente e con impeto. Trasferire la tua impressione su tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.

Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabray, Montpellier, Francia.

Come Degas, spesso lasciava alcuni dettagli incompiuti. E anche parti del corpo della modella. Non è possibile distinguere le mani della ragazza nel dipinto “Estate”.

Il percorso di Morisot verso l'espressione di sé è stato difficile. Non solo si è impegnata nella pittura “trascurata”. Era ancora una donna. A quei tempi, una donna avrebbe dovuto sognare di sposarsi. Dopo di che tutti gli hobby furono dimenticati.

Pertanto, Bertha ha rifiutato il matrimonio per molto tempo. Finché non trovò un uomo che rispettasse la sua occupazione. Eugene Manet era il fratello dell'artista Edouard Manet. Desiderava doverosamente il cavalletto e i colori di sua moglie.

Berthe Morisot. Eugenio Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan-Monet, Parigi.

Ma era ancora nel 19° secolo. No, non ho indossato i pantaloni Morisot. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.

Non poteva andare al parco a lavorare da sola. Non accompagnato da qualcuno vicino a te. Non potevo sedermi da solo in un bar. Pertanto, i suoi dipinti rappresentano persone della cerchia familiare. Marito, figlia, parenti.

Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff.

Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì all'età di 54 anni di polmonite. Senza vendere quasi nessuna delle sue opere durante la sua vita. Sul suo certificato di morte c'era un trattino nella colonna "occupazione". Era impensabile che una donna potesse essere definita artista. Anche se lo era davvero.

Leggi i dipinti del maestro nell'articolo

6. Camille Pissarro (1830 – 1903)

Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Non conflittuale, ragionevole. Molti lo percepivano come un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.

Era un fedele seguace dell'impressionismo. In grande bisogno, con cinque figli e una moglie, lavorava ancora duramente con lo stesso stile. E non sono mai passato alla pittura da salone. Per diventare più popolare. Non si sa dove abbia preso la forza di credere pienamente in se stesso.

Per non morire affatto di fame, Pissarro dipingeva dei ventagli. Che furono comprati con entusiasmo. Ma il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Quando finalmente riuscì a dimenticare il suo bisogno.

Camille Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi

L'aria nei dipinti di Pissarro è densa e densa. Una straordinaria fusione di colore e volume.

L'artista non aveva paura di dipingere i fenomeni naturali più mutevoli. Che apparirà per un attimo e scomparirà. Prima neve, sole gelido, ombre lunghe.

Camille Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi

Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali, una folla vivace e colorata. Di notte, di giorno, con tempo diverso. In qualche modo riecheggia una serie di dipinti di Claude Monet.

Verso la metà degli anni Ottanta dell’Ottocento, l’impressionismo cessò gradualmente di esistere come un unico movimento e si disintegrò, dando un notevole impulso all’evoluzione dell’arte. All’inizio del XX secolo, le tendenze che si allontanavano dal realismo acquisirono forza e una nuova generazione di artisti si allontanò dall’impressionismo.

Origine del nome

La prima importante mostra degli impressionisti ebbe luogo dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nello studio del fotografo Nadar. Sono stati presentati 30 artisti, per un totale di 165 opere. La tela di Monet - “Impressione. Alba " ( Impressione, soleil levant), ora conservato al Museo Marmotten di Parigi, scritto nel 1872, diede origine al termine “Impressionismo”: il poco conosciuto giornalista Louis Leroy, in un suo articolo sulla rivista “Le Charivari”, chiamò il gruppo “Impressionisti” per esprimere il suo disprezzo. Gli artisti, per sfida, accettarono questo epiteto, che in seguito si radicò, perse il suo significato negativo originario ed entrò in uso attivo.

Il nome “impressionismo” è del tutto privo di significato, a differenza del nome “scuola di Barbizon”, dove almeno c’è un’indicazione della posizione geografica del gruppo artistico. Ancora meno chiarezza c'è con alcuni artisti che non furono formalmente inclusi nella cerchia dei primi impressionisti, sebbene le loro tecniche e i loro mezzi tecnici siano completamente "impressionisti" - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, ecc. Inoltre, i mezzi tecnici di gli impressionisti erano conosciuti molto prima del XIX secolo e furono utilizzati (in parte, in misura limitata) da Tiziano e Velazquez, senza rompere con le idee dominanti della loro epoca.

C'era un altro articolo (di Emil Cardon) e un altro titolo - "Rebel Exhibition", che disapprovava e condannava assolutamente. Proprio questo riproduceva fedelmente l'atteggiamento di disapprovazione e di critica del pubblico borghese nei confronti degli artisti (impressionisti), che aveva prevalso per anni. Gli impressionisti furono immediatamente accusati di immoralità, sentimenti ribelli e incapacità di essere rispettabili. Al momento, questo è sorprendente, perché non è chiaro cosa ci sia di immorale nei paesaggi di Camille Pissarro, Alfred Sisley, nelle scene quotidiane di Edgar Degas, nelle nature morte di Monet e Renoir.

Sono passati decenni. E la nuova generazione di artisti arriverà ad un vero e proprio collasso delle forme e ad un impoverimento dei contenuti. Quindi sia la critica che il pubblico videro gli impressionisti condannati come realisti, e poco dopo come classici dell'arte francese.

Dettagli della filosofia dell'impressionismo

L'impressionismo francese non solleva problemi filosofici e non tenta nemmeno di penetrare sotto la superficie colorata della vita quotidiana. Invece, l'impressionismo, essendo un'arte un po' manierista e manierista, si concentra sulla superficialità, sulla fluidità del momento, sull'umore, sull'illuminazione o sull'angolo di vista.

Come l'arte del Rinascimento (Rinascimento), l'impressionismo si basa sulle caratteristiche e sulle capacità di percepire la prospettiva. Allo stesso tempo, la visione rinascimentale esplode con la provata soggettività e relatività della percezione umana, che fa del colore e della forma componenti autonome dell'immagine. Per l'impressionismo, ciò che è rappresentato nell'immagine non è così importante, ma è importante il modo in cui viene rappresentato.

I dipinti impressionisti non portano critica sociale, non affrontano problemi sociali come la fame, la malattia, la morte, presentando solo gli aspetti positivi della vita. Ciò portò in seguito ad una divisione tra gli stessi impressionisti.

Impressionismo e società

L'impressionismo è caratterizzato dalla democrazia. Per inerzia, l'arte anche nel XIX secolo era considerata monopolio degli aristocratici e degli strati superiori della popolazione. Erano i principali acquirenti di dipinti e monumenti, ed erano i principali acquirenti di dipinti e sculture. Le trame con il duro lavoro dei contadini, le pagine tragiche dei tempi moderni, gli aspetti vergognosi delle guerre, della povertà e dei disordini sociali furono condannati, disapprovati e non comprati. La critica alla moralità blasfema della società nei dipinti di Theodore Gericault e François Millet ha trovato risposta solo tra i sostenitori degli artisti e alcuni esperti.

Gli impressionisti presero una posizione intermedia e di compromesso su questo tema. Gli argomenti biblici, letterari, mitologici e storici inerenti all'accademismo ufficiale furono scartati. D'altra parte desideravano ardentemente il riconoscimento, il rispetto e persino i premi. Indicativa è l'attività di Edouard Manet, che per anni ha cercato riconoscimenti e premi presso il Salon ufficiale e la sua amministrazione.

Emerse invece una visione della vita quotidiana e della modernità. Gli artisti spesso dipingevano persone in movimento, durante il divertimento o il relax, presentavano l'aspetto di un determinato luogo sotto una certa illuminazione e anche la natura era il motivo delle loro opere. Sono stati presi soggetti di flirtare, ballare, stare in un bar e a teatro, andare in barca, sulle spiagge e nei giardini. A giudicare dai dipinti degli impressionisti, la vita è una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli passatempi fuori città o in un ambiente amichevole (numerosi dipinti di Renoir, Manet e Claude Monet). Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere in aria, senza finire il lavoro in studio.

Tecnica

Il nuovo movimento differiva dalla pittura accademica sia tecnicamente che ideologicamente. Innanzitutto gli impressionisti abbandonarono il contorno, sostituendolo con piccoli tratti separati e contrastanti, che applicarono secondo le teorie del colore di Chevreul, Helmholtz e Rud. Il raggio solare è suddiviso in componenti: viola, blu, ciano, verde, giallo, arancione, rosso, ma poiché il blu è una specie di blu, il loro numero si riduce a sei. Due colori posti uno accanto all'altro si esaltano a vicenda e, viceversa, mescolati perdono di intensità. Inoltre, tutti i colori sono divisi in primari, o basilari, e duali, o derivati, e ciascun colore duale è complementare al primo:

• Blu - Arancione
• rosso verde
• Giallo - Viola

Pertanto, è diventato possibile non mescolare i colori sulla tavolozza e ottenere il colore desiderato applicandoli correttamente sulla tela. Questo in seguito divenne la ragione per abbandonare il nero.

Poi gli impressionisti hanno smesso di concentrare tutto il loro lavoro sulle tele degli atelier; ora preferiscono l'aria aperta, dove è più conveniente catturare un'impressione fugace di ciò che hanno visto, cosa resa possibile grazie all'invenzione dei tubi di vernice in acciaio, che, a differenza borse di pelle, potevano essere chiuse in modo che la vernice non si asciugasse.

Inoltre, gli artisti utilizzavano vernici opache, che non trasmettono bene la luce e non sono adatte alla miscelazione perché diventano grigie rapidamente; questo ha permesso loro di creare dipinti senza “ interno", UN " esterno» luce riflessa dalla superficie.

Le differenze tecniche hanno contribuito al raggiungimento di altri obiettivi, prima di tutto gli impressionisti hanno cercato di catturare un'impressione fugace, i più piccoli cambiamenti in ciascun oggetto a seconda dell'illuminazione e dell'ora del giorno; la massima incarnazione sono stati i cicli di dipinti di Monet “Haystacks” , “Cattedrale di Rouen” e “Parlamento di Londra”.

In generale, c'erano molti maestri che lavoravano nello stile impressionista, ma il nucleo del movimento era Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazile e Berthe Morisot. Tuttavia, Manet si definì sempre un “artista indipendente” e non partecipò mai a mostre, e sebbene Degas partecipasse, non dipinse mai le sue opere en plein air.

Cronologia per artista

Impressionisti

Mostre

• Prima mostra(15 aprile - 15 maggio)

Indirizzo: Viale dei Cappuccini, 35 (studio del fotografo Nadar). Partecipanti: Astruc, Attendu, Beliard, Bracquemont, Brandon, Boudin, Bureau, Guillaumin, Debra, Degas, Cals, Colin, La Touche, Lever, Lepic, Lepine, Meyer, de Molin, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, Giuseppe De Nittis , A. Otten, L. Otten,

Dettagli Categoria: Varietà di stili e movimenti artistici e loro caratteristiche Pubblicato il 04/01/2015 14:11 Visualizzazioni: 10587

L'impressionismo è un movimento artistico emerso nella seconda metà del XIX secolo. Il suo obiettivo principale era trasmettere impressioni fugaci e mutevoli.

L'emergere dell'impressionismo è associato alla scienza: alle ultime scoperte nel campo dell'ottica e della teoria dei colori.

Questa tendenza colpì quasi tutti i tipi di arte, ma si manifestò più chiaramente nella pittura, dove la trasmissione del colore e della luce era la base del lavoro degli artisti impressionisti.

Significato del termine

Impressionismo(francese Impressionnisme) da impressione - impressione). Questo stile di pittura apparve in Francia alla fine degli anni '60 dell'Ottocento. Era rappresentato da Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Ma il termine stesso apparve nel 1874, quando il dipinto di Monet “Impression. Il Sol Levante" (1872). Nel titolo del dipinto Monet intendeva trasmettere solo la sua fugace impressione del paesaggio.

K. Monet “Impressione. Alba" (1872). Museo Marmottan-Monet, Parigi
Successivamente, il termine “impressionismo” nella pittura cominciò ad essere inteso in modo più ampio: uno studio attento della natura in termini di colore e illuminazione. L’obiettivo degli impressionisti era quello di rappresentare situazioni e movimenti istantanei, apparentemente “casuali”. Per fare questo, hanno utilizzato varie tecniche: angoli complessi, asimmetria, composizioni frammentarie. Per gli artisti impressionisti, un dipinto diventa un momento congelato di un mondo in costante cambiamento.

Metodo artistico impressionista

I generi più popolari degli impressionisti sono i paesaggi e le scene della vita cittadina. Erano sempre dipinti “all’aria aperta”, cioè direttamente dalla natura, in natura, senza schizzi o schizzi preliminari. Gli impressionisti notarono e riuscirono a trasmettere su tela colori e sfumature che solitamente erano invisibili ad occhio nudo e ad uno spettatore disattento. Ad esempio, rendendo il blu nell'ombra o il rosa al tramonto. Hanno scomposto i toni complessi nei colori puri costituenti dello spettro. Ciò ha reso i loro dipinti luminosi e vibranti. Gli artisti impressionisti applicavano i colori in tratti separati, in modo libero e persino con noncuranza, quindi i loro dipinti si vedono meglio da lontano: è con questa visione che viene creato l'effetto dello sfarfallio vivente dei colori.
Gli impressionisti abbandonarono il contorno, sostituendolo con tratti piccoli, separati e contrastanti.
C. Pissarro, A. Sisley e C. Monet prediligevano paesaggi e scene cittadine. O. Renoir amava rappresentare le persone nel grembo della natura o all'interno. L'impressionismo francese non ha sollevato problemi filosofici e sociali. Non si sono rivolti ad argomenti biblici, letterari, mitologici e storici che erano inerenti all'accademismo ufficiale. Invece, sui dipinti è apparsa un'immagine della vita quotidiana e della modernità; un'immagine di persone in movimento, mentre si rilassano o si divertono. I loro soggetti principali sono il flirt, la danza, la gente nei bar e nei teatri, le gite in barca, le spiagge e i giardini.
Gli impressionisti hanno cercato di catturare un'impressione fugace, i più piccoli cambiamenti in ogni oggetto a seconda dell'illuminazione e dell'ora del giorno. A questo proposito, i cicli di dipinti di Monet “Haystacks”, “Cattedrale di Rouen” e “Parlamento di Londra” possono essere considerati il ​​risultato più alto.

C. Monet “La cattedrale di Rouen al sole” (1894). Museo d'Orsay, Parigi, Francia
“Cattedrale di Rouen” è un ciclo di 30 dipinti di Claude Monet, che rappresentano vedute della cattedrale a seconda dell'ora del giorno, dell'anno e dell'illuminazione. Questo ciclo è stato dipinto dall'artista negli anni Novanta dell'Ottocento. La cattedrale gli ha permesso di mostrare la relazione tra la struttura costante e solida dell'edificio e la luce mutevole e facilmente giocabile che cambia la nostra percezione. Monet si concentra sui singoli frammenti della cattedrale gotica e seleziona il portale, la torre di San Martino e la torre di Albano. A lui interessa esclusivamente il gioco della luce sulla pietra.

K. Monet “Cattedrale di Rouen, portale occidentale, tempo nebbioso” (1892). Museo d'Orsay, Parigi

K. Monet “Cattedrale di Rouen, portale e torre, effetto mattutino; armonia bianca" (1892-1893). Museo d'Orsay, Parigi

K. Monet “Cattedrale di Rouen, portale e torre al sole, armonia di blu e oro” (1892-1893). Museo d'Orsay, Parigi
Dopo la Francia, gli artisti impressionisti compaiono in Inghilterra e negli Stati Uniti (James Whistler), in Germania (Max Liebermann, Lovis Corinth), in Spagna (Joaquin Sorolla), in Russia (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).

Sul lavoro di alcuni artisti impressionisti

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, fotografia 1899
Pittore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo. Nato a Parigi. Fin dall'infanzia amava disegnare e all'età di 15 anni si dimostrò un caricaturista di talento. Fu introdotto alla pittura di paesaggio da Eugene Boudin, un artista francese, predecessore dell'impressionismo. Successivamente, Monet entrò all'università presso la Facoltà di Lettere, ma rimase deluso e la lasciò, iscrivendosi allo studio di pittura di Charles Gleyre. Nello studio conosce gli artisti Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille. Erano praticamente coetanei, avevano opinioni simili sull'arte e presto formarono la spina dorsale del gruppo impressionista.
Monet divenne famoso per il suo ritratto di Camille Doncieux, dipinto nel 1866 (“Camille, o ritratto di una signora in abito verde”). Camilla divenne la moglie dell'artista nel 1870.

C. Monet “Camille” (“La signora in verde”) (1866). Kunsthalle, Brema

C. Monet “Passeggiata: Camille Monet con suo figlio Jean (Donna con l'ombrello)” (1875). Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Nel 1912 i medici diagnosticarono a C. Monet una doppia cataratta e dovette sottoporsi a due operazioni. Avendo perso la lente dell'occhio sinistro, Monet riacquistò la vista, ma iniziò a vedere la luce ultravioletta come blu o viola, facendo assumere ai suoi dipinti nuovi colori. Ad esempio, quando dipingeva le famose “Ninfee”, Monet vedeva le ninfee come bluastre nella gamma degli ultravioletti; per altre persone erano semplicemente bianche.

C. Monet “Ninfee”
L'artista morì il 5 dicembre 1926 a Giverny e fu sepolto nel cimitero della chiesa locale.

Camille Pissarro (1830-1903)

C. Pissarro “Autoritratto” (1873)

Pittore francese, uno dei primi e più coerenti rappresentanti dell'impressionismo.
Nato sull'isola di San Tommaso (Indie occidentali), in una famiglia borghese di ebreo sefardita e originario della Repubblica Dominicana. Ha vissuto nelle Indie Occidentali fino all'età di 12 anni e all'età di 25 anni lui e tutta la sua famiglia si sono trasferiti a Parigi. Qui studiò alla Scuola di Belle Arti e all'Académie de Suisse. I suoi insegnanti furono Camille Corot, Gustave Courbet e Charles-François Daubigny. Ha iniziato con paesaggi rurali e vedute di Parigi. Pissarro ha avuto una forte influenza sugli impressionisti, sviluppando in modo indipendente molti dei principi che costituivano la base del loro stile pittorico. Era amico degli artisti Degas, Cézanne e Gauguin. Pizarro è stato l'unico partecipante a tutte le 8 mostre impressioniste.
Morì nel 1903 a Parigi. Fu sepolto nel cimitero di Père Lachaise.
Già nei suoi primi lavori l'artista prestava particolare attenzione alla rappresentazione di oggetti illuminati nell'aria. Da allora la luce e l'aria sono diventate il tema principale del lavoro di Pissarro.

C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Pomeriggio soleggiato" (1897)
nel 1890 Pizarro si interessò alla tecnica del puntinismo (applicazione separata dei tratti). Ma dopo un po' ritornò ai suoi soliti modi.
Negli ultimi anni della sua vita, la vista di Camille Pissarro si deteriorò notevolmente. Ma continuò il suo lavoro e creò una serie di vedute di Parigi, piene di emozioni artistiche.

C. Pissarro “Via di Rouen”
L'angolazione insolita di alcuni dei suoi dipinti è spiegata dal fatto che l'artista li ha dipinti dalle camere d'albergo. Questa serie divenne uno dei più alti risultati dell'impressionismo nel trasmettere effetti di luce e atmosferici.
Pissarro dipinse anche ad acquarelli e creò una serie di acqueforti e litografie.
Ecco alcune delle sue interessanti dichiarazioni sull'arte dell'impressionismo: “Gli impressionisti sono sulla strada giusta, la loro arte è sana, si basa sulle sensazioni ed è onesta”.
“Felice è colui che riesce a vedere la bellezza nelle cose ordinarie, dove gli altri non vedono nulla!”

C. Pissarro “Il primo gelo” (1873)

Impressionismo russo

L'impressionismo russo si è sviluppato tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. È stato influenzato dal lavoro degli impressionisti francesi. Ma l’impressionismo russo ha una pronunciata specificità nazionale e per molti versi non coincide con le idee dei libri di testo sull’impressionismo classico francese. Nella pittura degli impressionisti russi prevalgono l'obiettività e la materialità. È più carico di significato e meno dinamico. L'impressionismo russo è più vicino di quello francese al realismo. Gli impressionisti francesi si concentravano sull’impressione di ciò che vedevano, mentre i russi aggiungevano anche un riflesso dello stato interiore dell’artista. Il lavoro doveva essere completato in una sessione.
Una certa incompletezza dell’impressionismo russo crea il “brivido della vita” che li caratterizzava.
L'impressionismo include il lavoro di artisti russi: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov e altri.

V. Serov “La ragazza con le pesche” (1887)

Questo dipinto è considerato lo standard dell'impressionismo russo nella ritrattistica.

Valentin Serov “La ragazza con le pesche” (1887). Tela, olio. 91×85 cm Galleria Statale Tretyakov
Il dipinto fu dipinto nella tenuta di Savva Ivanovich Mamontov ad Abramtsevo, che acquistò dalla figlia dello scrittore Sergei Aksakov nel 1870. Il ritratto raffigura la dodicenne Vera Mamontova. La ragazza è raffigurata seduta a un tavolo; indossa una camicetta rosa con un fiocco blu scuro; sul tavolo c'è un coltello, pesche e foglie.
“Tutto quello che cercavo era la freschezza, quella freschezza speciale che senti sempre nella natura e non vedi nei dipinti. Ho dipinto per più di un mese e l'ho esaurita, poverina, fino alla morte; volevo davvero preservare la freschezza del dipinto pur essendo completamente completo, proprio come gli antichi maestri” (V. Serov).

Impressionismo in altre forme d'arte

Nella letteratura

In letteratura, l’impressionismo come movimento separato non si è sviluppato, ma le sue caratteristiche si sono riflesse naturalismo E simbolismo .

Edmond e Jules Goncourt. Foto
I principi naturalismo può essere rintracciato nei romanzi dei fratelli Goncourt e di George Eliot. Ma Emile Zola fu il primo a usare il termine “naturalismo” per riferirsi alla propria opera. Intorno a Zola si raggrupparono gli scrittori Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans e Paul Alexis. Dopo l'uscita della raccolta "Medan Evenings" (1880), con storie franche sui disastri della guerra franco-prussiana (inclusa la storia di Maupassant "Dumpling"), fu loro assegnato il nome "Gruppo Medan".

Emilio Zola
Il principio naturalistico in letteratura è stato spesso criticato per la sua mancanza di artisticità. Ad esempio, I. S. Turgenev ha scritto di uno dei romanzi di Zola che "si scava molto nei vasi da notte". Anche Gustave Flaubert era critico nei confronti del naturalismo.
Zola mantenne rapporti amichevoli con molti artisti impressionisti.
Simbolisti simboli usati, eufemismo, accenni, mistero, enigma. Lo stato d'animo principale catturato dai simbolisti era il pessimismo, che raggiungeva il punto della disperazione. Tutto ciò che è “naturale” veniva rappresentato solo come un'“apparenza” priva di significato artistico autonomo.
Pertanto, l’impressionismo in letteratura era espresso dall’impressione privata dell’autore, dal rifiuto di un’immagine oggettiva della realtà e dalla rappresentazione di ogni momento. Di fatto, ciò ha portato all’assenza di trama e storia, alla sostituzione del pensiero con la percezione e della ragione con l’istinto.

G. Courbet “Ritratto di P. Verlaine” (1866 circa)
Un esempio lampante di impressionismo poetico è la raccolta di Paul Verlaine “Romances without Words” (1874). In Russia, Konstantin Balmont e Innokenty Annensky sperimentarono l'influenza dell'impressionismo.

V. Serov “Ritratto di K. Balmont” (1905)

Innokenty Annensky. Foto
Questi sentimenti hanno influenzato anche la drammaturgia. Le commedie contengono una percezione passiva del mondo, un'analisi degli stati d'animo e degli stati mentali. I dialoghi concentrano impressioni fugaci e sparse. Queste caratteristiche sono caratteristiche del lavoro di Arthur Schnitzler.

Nella musica

L'impressionismo musicale si sviluppò in Francia nell'ultimo quarto del XIX secolo. – inizio del XX secolo Si è espresso più chiaramente nelle opere di Erik Satie, Claude Debussy e Maurice Ravel.

Erik Sati
L'impressionismo musicale è vicino all'impressionismo nella pittura francese. Non hanno solo radici comuni, ma anche relazioni di causa-effetto. I compositori impressionisti cercarono e trovarono non solo analogie, ma anche mezzi espressivi nelle opere di Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes e Henri de Toulouse-Lautrec. Naturalmente, i mezzi della pittura e i mezzi dell'arte musicale possono essere collegati tra loro solo con l'aiuto di paralleli associativi speciali e sottili che esistono solo nella mente. Se guardi l'immagine sfocata di Parigi “sotto la pioggia autunnale” e gli stessi suoni, “smorzati dal rumore delle gocce che cadono”, allora qui possiamo solo parlare della proprietà di un'immagine artistica, ma non di un'immagine reale.

Claude Debussy
Debussy scrive "Nuvole", "Stampe" (il più figurativo dei quali, uno schizzo sonoro ad acquerello - "Giardini sotto la pioggia"), "Immagini", "Riflessi sull'acqua", che evocano associazioni dirette con il famoso dipinto di Claude Monet “Impressione: Alba” " Secondo Mallarmé, i compositori impressionisti impararono a “sentire la luce”, a trasmettere nei suoni il movimento dell’acqua, la vibrazione delle foglie, il soffio del vento e la rifrazione della luce solare nell’aria della sera.

Maurizio Ravel
Collegamenti diretti tra pittura e musica esistono in M. Ravel nel suo suono-visivo “Play of Water”, nel ciclo di opere teatrali “Reflections” e nella raccolta pianistica “Rustles of the Night”.
Gli impressionisti crearono opere d'arte raffinate che erano allo stesso tempo chiare nei loro mezzi espressivi, emotivamente sobrie, prive di conflitti e rigorose nello stile.

Nella scultura

O. Rodin “Il bacio”

L'impressionismo nella scultura si esprimeva nella libera plasticità delle forme morbide, che crea un complesso gioco di luce sulla superficie del materiale e una sensazione di incompletezza. Le pose dei personaggi scultorei catturano il momento del movimento e dello sviluppo.

O. Rodin. Foto del 1891
Questa direzione comprende opere scultoree di O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Russia).

V. Serov “Ritratto di Paolo Trubetskoy”

Pavel (Paolo) Trubetskoy(1866-1938) – scultore e artista, lavorò in Italia, Stati Uniti, Inghilterra, Russia e Francia. Nato in Italia. Figlio illegittimo di un emigrante russo, il principe Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Fin dall'infanzia mi sono dedicato in modo indipendente alla scultura e alla pittura. Non aveva istruzione. Nel periodo iniziale della sua creatività realizza busti-ritratto, opere di piccola scultura e partecipa a concorsi per la realizzazione di grandi sculture.

P. Trubetskoy “Monumento ad Alessandro III”, San Pietroburgo
La prima mostra delle opere di Paolo Trubetskoy ebbe luogo negli Stati Uniti nel 1886. Nel 1899 lo scultore venne in Russia. Partecipa al concorso per realizzare un monumento ad Alessandro III e, inaspettatamente per tutti, riceve il primo premio. Questo monumento ha provocato e continua a provocare valutazioni contrastanti. È difficile immaginare un monumento più statico e pesante. E solo una valutazione positiva della famiglia imperiale ha permesso al monumento di prendere il posto giusto: nell'immagine scultorea hanno trovato somiglianze con l'originale.
I critici credevano che Trubetskoy lavorasse nello spirito di un “impressionismo obsoleto”.

L'immagine di Trubetskoy del geniale scrittore russo si è rivelata più “impressionistica”: qui c'è chiaramente movimento - nelle pieghe della camicia, nella barba fluente, nel giro della testa, c'è persino la sensazione che lo scultore sia riuscito a catturare la tensione del pensiero di L. Tolstoj.

P. Trubetskoy “Busto di Leone Tolstoj” (bronzo). Galleria statale Tretyakov

Impressionismo (dal francese " impressione" - impressione) è una direzione artistica (letteratura, pittura, architettura), apparve tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo in Francia e si diffuse rapidamente in altri paesi del mondo. I seguaci della nuova direzione, che credevano che le tecniche accademiche e tradizionali, ad esempio nella pittura o nell'architettura, non potessero trasmettere pienamente la pienezza e i più piccoli dettagli del mondo circostante, passarono all'utilizzo di tecniche e metodi completamente nuovi, prima di tutto nella pittura, poi nella letteratura e nella musica. Hanno permesso di rappresentare in modo più vivido e naturale tutta la mobilità e la variabilità del mondo reale trasmettendo non il suo aspetto fotografico, ma attraverso il prisma delle impressioni e delle emozioni degli autori su ciò che hanno visto.

L'autore del termine “impressionismo” è considerato il critico e giornalista francese Louis Leroy, il quale, impressionato dalla sua visita alla mostra di un gruppo di giovani artisti “Il Salon dei Respinti” nel 1874 a Parigi, li chiama in causa i suoi feuilleton impressionisti, una sorta di “impressionisti”, e questa affermazione ha un carattere alquanto sprezzante e ironico. La base per il nome di questo termine è il dipinto di Claude Monet “Impression” visto da un critico. Alba". E sebbene all'inizio molti dei dipinti di questa mostra siano stati oggetto di aspre critiche e rifiuti, in seguito questa direzione ha ricevuto un riconoscimento pubblico più ampio ed è diventata popolare in tutto il mondo.

Impressionismo nella pittura

(Claude Monet "Barche sulla spiaggia")

Il nuovo stile, modo e tecnica di rappresentazione non furono inventati dal nulla dagli artisti impressionisti francesi, ma si basarono sull'esperienza e sui risultati dei pittori più talentuosi del Rinascimento: Rubens, Velazquez, El Greco, Goya. Da loro, gli impressionisti presero metodi per trasmettere in modo più vivido e vivido il mondo circostante o l'espressività delle condizioni meteorologiche come l'uso di toni intermedi, l'uso di tecniche di tratti luminosi o, al contrario, opachi, grandi o piccoli, caratterizzati da astrattezza. Gli aderenti alla nuova direzione della pittura o abbandonarono completamente il tradizionale modo accademico di disegno, o rifarono completamente i metodi e i metodi di rappresentazione a modo loro, introducendo innovazioni come:

• Oggetti, oggetti o figure erano raffigurati senza contorno, venivano sostituiti da tratti piccoli e contrastanti;
• Non è stata utilizzata una tavolozza per mescolare i colori; sono stati selezionati colori che si completano a vicenda e non richiedono la fusione. A volte la vernice veniva spremuta sulla tela direttamente da un tubo metallico, creando un colore puro e scintillante con effetto pennellata;
• Virtuale assenza di colore nero;
• Le tele sono state per lo più dipinte all'aperto, dalla natura, per trasmettere in modo più vivido ed espressivo le loro emozioni e impressioni su ciò che hanno visto;
• L'utilizzo di vernici ad alto potere coprente;
• Applicare pennellate fresche direttamente sulla superficie ancora bagnata della tela;
• Creazione di cicli di dipinti per studiare i cambiamenti di luce e ombra (“Haystacks” di Claude Monet);
• Mancanza di rappresentazione di urgenti questioni sociali, filosofiche o religiose, eventi storici o significativi. Le opere degli impressionisti sono piene di emozioni positive, non c'è posto per l'oscurità e i pensieri pesanti, c'è solo leggerezza, gioia e bellezza di ogni momento, sincerità dei sentimenti e franchezza delle emozioni.

(Edouard Manet "Leggere")

E sebbene non tutti gli artisti di questo movimento abbiano aderito a una precisione particolare nell'esecuzione di tutte le caratteristiche precise dello stile impressionista (Edouard Manet si è posizionato come artista individuale e non ha mai partecipato a mostre collettive (ce n'erano 8 in totale dal 1874 al 1886) . Edgar Degas ha creato solo nel suo laboratorio) questo non ha impedito loro di creare capolavori d'arte, che sono ancora conservati nei migliori musei e collezioni private di tutto il mondo.

Artisti impressionisti russi

Impressionati dalle idee creative degli impressionisti francesi, gli artisti russi tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo crearono i loro capolavori originali di belle arti, in seguito conosciuti con il nome generale di “impressionismo russo”.

(V. A. Serov "La ragazza con le pesche")

I suoi rappresentanti più importanti sono Konstantin Korovin (“Ritratto di una ragazza del coro”, 1883, “Idillio del nord” 1886), Valentin Serov (“Finestra aperta. Lilla”, 1886, “Ragazza con pesche”, 1887), Arkhip Kuindzhi ( “ Nord”, 1879, “Dnepr al mattino” 1881), Abram Arkhipov (“Mare del Nord”, “Paesaggio. Studio con una casa di tronchi”), il “tardo” impressionista Igor Grabar (“Vicolo della betulla”, 1940, “Paesaggio invernale ", 1954).

(Borisov-Musatov "Canzone d'autunno")

I metodi e le modalità di rappresentazione inerenti all'impressionismo hanno avuto luogo nelle opere di eccezionali artisti russi come Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. I canoni classici dell'impressionismo francese nei dipinti di artisti russi hanno subito alcuni cambiamenti, a seguito dei quali questa direzione ha acquisito una specificità nazionale unica.

Impressionisti stranieri

Una delle prime opere eseguite nello stile dell'impressionismo è considerata il dipinto "Colazione sull'erba" di Edouard Manet, che fu esposto al pubblico nel 1860 al "Salone dei rifiutati" di Parigi, dove tele che non superarono il la selezione del Salon of Arts di Parigi potrebbe essere smantellata. Il dipinto, dipinto in uno stile radicalmente diverso dal modo di raffigurazione tradizionale, suscitò molti commenti critici e raccolse attorno all'artista seguaci del nuovo movimento artistico.

(Edouard Manet "Nella taverna di padre Lathuile")

Tra gli artisti impressionisti più famosi ricordiamo Edouard Manet (“Bar alle Folies-Bergère”, “Musica alle Tuileries”, “Colazione sull'erba”, “Da padre Lathuile”, “Argenteuil”), Claude Monet (“Campo di papaveri ad Argenteuil” ", "Passeggiata verso la scogliera di Pourville", "Donne nel giardino", "Signora con l'ombrello", "Boulevard des Capucines", serie di opere "Ninfee", "Impressione. Sole nascente"), Alfred Sisley ("Vicolo rurale", "Il gelo a Louveciennes", "Il ponte d'Argenteuil", "La prima neve a Louveciennes", "Prati di primavera"), Pierre Auguste Renoir ("La colazione dei rematori", "Ballo al Moulin de la Galette”, “Dance in the Country”, “Umbrellas”, “Dance at Bougival”, “Girls at the Piano”), Camille Pizarro (“Boulevard Montmartre at Night”, “Harvest at Eragny”, “Reapers Resting” , “Il giardino di Pontoise”, “Entrando nel villaggio di Voisin”), Edgar Degas (“Lezione di ballo”, “Prove generali”, “Concerto all'Ambassador Café”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Lovers ”), Georges Seurat (“Sunday Afternoon”, “Cancan”, "Models") e altri.

(Paul Cezanne "Pierrot e Arlecchino"")

Quattro artisti negli anni '90 del XIX secolo crearono una nuova direzione artistica basata sull'impressionismo e si definirono post-impressionisti (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Il loro lavoro è caratterizzato dalla trasmissione non di sensazioni e impressioni fugaci dal mondo che li circonda, ma dalla conoscenza della vera essenza delle cose, che è nascosta sotto il loro involucro esterno. Le loro opere più famose: Paul Gauguin ("A Naughty Joke", "La Orana Maria", "Jacob's Wrestling with the Angel", "Yellow Christ"), Paul Cezanne ("Pierrot e Arlecchino", "Grandi bagnanti", "Lady in blu""), Vincent Van Gogh (Notte stellata, Girasoli, Iris), Henri de Toulouse-Lautrec (La lavandaia, Toilette, Allenamento di danza al Moulin Rouge).

Impressionismo nella scultura

(Auguste Rodin "Il Pensatore")

L'impressionismo non si è sviluppato come una direzione separata in architettura, le sue caratteristiche e caratteristiche individuali possono essere trovate in alcune composizioni scultoree e monumenti. Questo stile conferisce alla scultura forme morbide e plastiche, che creano sorprendenti giochi di luce sulla superficie delle figure e danno una sensazione di incompletezza; i personaggi scultorei sono spesso raffigurati al momento del movimento. Tra le opere in questa direzione figurano le sculture del famoso scultore francese Auguste Rodin (“Il bacio”, “Il pensatore”, “Poeta e musa”, “Romeo e Giulietta”, “Eterna primavera”), dell'artista e scultore italiano Medardo Rosso (figure fatto di argilla e gesso riempito di cera per ottenere un effetto luminoso unico: "Il guardiano e il sensale", "L'età dell'oro", "La maternità"), la pepita del genio russo Pavel Trubetskoy (busto in bronzo di Leone Tolstoj, monumento ad Alessandro III a San Pietroburgo).

introduzione

L'impressionismo come fenomeno nell'arte

Impressionismo nella pittura

Artisti impressionisti

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Conclusione

Bibliografia

introduzione

Questo saggio è dedicato all'impressionismo nell'arte - pittura.

L'impressionismo è uno dei fenomeni più brillanti e importanti dell'arte europea, che ha determinato in gran parte l'intero sviluppo dell'arte moderna. Attualmente, le opere degli impressionisti, che ai loro tempi non erano riconosciute, sono molto apprezzate e i loro meriti artistici sono innegabili. La rilevanza dell'argomento scelto è spiegata dalla necessità per ogni persona moderna di comprendere gli stili artistici e conoscere le principali tappe del suo sviluppo.

Ho scelto questo argomento perché l'impressionismo è stato una sorta di rivoluzione nell'arte, cambiando l'idea delle opere d'arte come cose olistiche e monumentali. L'impressionismo ha messo in primo piano l'individualità del creatore, la sua visione del mondo, relegando in secondo piano i soggetti politici e religiosi e le leggi accademiche. È interessante notare che le emozioni e le impressioni, e non la trama e la moralità, hanno svolto il ruolo principale nelle opere degli impressionisti.

Impressionismo (fr. impressionnisme, da impressione- impressione) - un movimento nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, che ebbe origine in Francia e poi si diffuse in tutto il mondo, i cui rappresentanti cercarono di catturare nel modo più naturale e imparziale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro fugaci impressioni. Di solito il termine “impressionismo” si riferisce a un movimento nella pittura, sebbene le sue idee abbiano trovato la loro incarnazione anche nella letteratura e nella musica.

Il termine “impressionismo” nasce dalla mano leggera del critico della rivista “Le Charivari” Louis Leroy, che intitolò il suo feuilleton sul Salone degli scarti “Mostra degli impressionisti”, prendendo come base il titolo di questo dipinto di Claude Monet.

Augusto Renoir Piscina per bambini, Metropolitan Museum of Art, New York

Origini

Durante il Rinascimento, i pittori della scuola veneziana cercarono di trasmettere la realtà vivente utilizzando colori vivaci e toni intermedi. Gli spagnoli approfittarono delle loro esperienze, espresse più chiaramente in artisti come El Greco, Velazquez e Goya, il cui lavoro successivamente ebbe una seria influenza su Manet e Renoir.

Allo stesso tempo, Rubens ha colorato le ombre sulle sue tele, utilizzando tonalità intermedie trasparenti. Come osservò Delacroix, Rubens raffigurava la luce con toni sottili e raffinati e le ombre con colori più caldi e ricchi, trasmettendo l'effetto del chiaroscuro. Rubens non utilizzò il nero, che sarebbe poi diventato uno dei principi fondamentali della pittura impressionista.

Edouard Manet è stato influenzato dall'artista olandese Frans Hals, che dipingeva con tratti netti e amava il contrasto tra colori vivaci e nero.

Il passaggio dalla pittura all'impressionismo fu preparato anche dai pittori inglesi. Durante la guerra franco-prussiana (1870-1871), Claude Monet, Sisley e Pissarro si recano a Londra per studiare i grandi paesaggisti Constable, Bonington e Turner. Quanto a quest'ultimo, già nelle sue opere successive si nota come scompare il legame con l'immagine reale del mondo e il ritiro nella trasmissione individuale delle impressioni.

Eugene Delacroix ha avuto una forte influenza, distingueva già tra colore locale e colore acquisito sotto l'influenza della luce, i suoi acquarelli dipinti in Nord Africa nel 1832 o a Etretat nel 1835, e soprattutto il dipinto “Il mare a Dieppe” (1835) permettono possiamo parlare di lui come di un predecessore degli impressionisti.

L'ultimo elemento che influenzò gli innovatori fu l'arte giapponese. Dal 1854, grazie alle mostre tenutesi a Parigi, i giovani artisti scoprono maestri dell'incisione giapponese come Utamaro, Hokusai e Hiroshige. Una speciale, finora sconosciuta nelle belle arti europee, la disposizione di un'immagine su un foglio di carta - una composizione sfalsata o una composizione inclinata, una rappresentazione schematica della forma, una tendenza alla sintesi artistica - conquistò il favore degli impressionisti e dei loro seguaci.

Storia

Edgar Degas, Ballerini blu, 1897, Museo Pushkin im. Pushkin, Mosca

L'inizio della ricerca degli impressionisti risale al 1860, quando i giovani artisti non erano più soddisfatti dei mezzi e degli obiettivi dell'accademismo, per cui ognuno di loro cercava autonomamente altri modi per sviluppare il proprio stile. Nel 1863, Edouard Manet espose il dipinto “Pranzo sull'erba” al Salon dei Respinti e parlò attivamente agli incontri di poeti e artisti nel caffè Guerbois, a cui parteciparono tutti i futuri fondatori del nuovo movimento, grazie al quale divenne il principale difensore dell'arte moderna.

Nel 1864, Eugene Boudin invitò Monet a Honfleur, dove trascorse l'intero autunno osservando il suo insegnante dipingere studi con pastelli e acquerelli, e il suo amico Yonkind applicare la pittura alle sue opere con tratti vibranti. Fu qui che gli insegnarono a lavorare en plein air e a dipingere con colori chiari.

Nel 1871, durante la guerra franco-prussiana, Monet e Pissarro si recarono a Londra, dove conobbero l'opera del predecessore dell'impressionismo, William Turner.

Claude Monet. Impressione. Alba. 1872, Museo Marmottan-Monet, Parigi.

Origine del nome

La prima importante mostra degli impressionisti ebbe luogo dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nello studio del fotografo Nadar. Sono stati presentati 30 artisti, per un totale di 165 opere. La tela di Monet - “Impressione. Alba" ( Impressione, soleil levant), ora al Museo Marmottin di Parigi, scritto nel 1872, diede origine al termine "Impressionismo": il giornalista poco conosciuto Louis Leroy, in un suo articolo sulla rivista "Le Charivari", chiamò il gruppo "Impressionisti" per esprimere il suo disprezzo. Gli artisti, per sfida, accettarono questo epiteto, che in seguito si radicò, perse il suo significato negativo originario ed entrò in uso attivo.

Il nome “impressionismo” è del tutto privo di significato, a differenza del nome “Scuola di Barbizon”, dove almeno c’è un’indicazione della collocazione geografica del gruppo artistico. Ancora meno chiara è la chiarezza con alcuni artisti che non furono formalmente inclusi nella cerchia dei primi impressionisti, sebbene le loro tecniche e i loro mezzi tecnici siano del tutto “impressionistici” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, ecc.). Inoltre, i mezzi tecnici di gli impressionisti erano conosciuti molto prima dei secoli XIX secolo e furono utilizzati (in parte, in misura limitata) da Tiziano e Velasquez, senza rompere con le idee dominanti della loro epoca.

C'era un altro articolo (di Emil Cardon) e un altro titolo - "Rebel Exhibition", che disapprovava e condannava assolutamente. Proprio questo riproduceva fedelmente l'atteggiamento di disapprovazione e di critica del pubblico borghese nei confronti degli artisti (impressionisti), che aveva prevalso per anni. Gli impressionisti furono immediatamente accusati di immoralità, sentimenti ribelli e incapacità di essere rispettabili. Al momento, questo è sorprendente, perché non è chiaro cosa ci sia di immorale nei paesaggi di Camille Pissarro, Alfred Sisley, nelle scene quotidiane di Edgar Degas, nelle nature morte di Monet e Renoir.

Sono passati decenni. E la nuova generazione di artisti arriverà ad un vero e proprio collasso delle forme e ad un impoverimento dei contenuti. Quindi sia la critica che il pubblico videro gli impressionisti condannati come realisti, e poco dopo come classici dell'arte francese.

L'impressionismo come fenomeno nell'arte

L'impressionismo, uno dei movimenti più brillanti e interessanti dell'arte francese dell'ultimo quarto del XIX secolo, nacque in un ambiente molto complesso, caratterizzato da diversità e contrasti, che diede slancio all'emergere di molti movimenti moderni. L'impressionismo, nonostante la sua breve durata, ha avuto un'influenza significativa sull'arte non solo della Francia, ma anche di altri paesi: Stati Uniti, Germania (M. Lieberman), Belgio, Italia, Inghilterra. In Russia, l'influenza dell'impressionismo fu sperimentata da K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (il più vicino nella sua estetica agli impressionisti), il primo V. Serov e I. Grabar. L'impressionismo fu l'ultimo grande movimento artistico nella Francia del XIX secolo, tracciando il confine tra arte moderna e contemporanea.

Secondo M. Aplatov, “il puro impressionismo probabilmente non esisteva. L’impressionismo non è una dottrina, non potrebbe avere forme canonizzate… Gli artisti impressionisti francesi hanno l’una o l’altra delle sue caratteristiche a vari livelli”. Di solito il termine “impressionismo” si riferisce a un movimento nella pittura, sebbene le sue idee abbiano trovato la loro incarnazione in altre forme d’arte, ad esempio nella musica.

L'impressionismo è, prima di tutto, l'arte di osservare la realtà, trasmettere o creare un'impressione che ha raggiunto una raffinatezza senza precedenti, un'arte in cui la trama non è importante. Questa è una realtà artistica nuova e soggettiva. Gli impressionisti propongono i propri principi di percezione e visualizzazione del mondo circostante. Hanno cancellato il confine tra gli oggetti principali degni di alta arte e gli oggetti secondari.

Un principio importante dell’impressionismo era l’evitamento della tipicità. L'immediatezza e lo sguardo disinvolto sono entrati nell'arte; sembra che i quadri impressionisti siano stati dipinti da un semplice passante che passeggiava lungo i viali e si godeva la vita. È stata una rivoluzione nella visione.

L'estetica dell'impressionismo si è sviluppata in parte come tentativo di liberarsi decisamente dalle convenzioni dell'arte classicista, così come dal simbolismo persistente e dalla profondità della pittura tardo romantica, che suggeriva di vedere significati criptati in tutto ciò che necessitava di un'attenta interpretazione. L'impressionismo non solo afferma la bellezza della realtà quotidiana, ma rende anche artisticamente significativa la variabilità post-costante del mondo circostante, la naturalezza delle impressioni spontanee, imprevedibili e casuali. Gli impressionisti si sforzano di catturare la sua atmosfera colorata senza dettagliarla o interpretarla.

Come movimento artistico, l'impressionismo, in particolare nella pittura, esaurisce rapidamente le sue capacità. L’impressionismo classico francese era troppo ristretto e pochi rimasero fedeli ai suoi principi per tutta la vita. Nel processo di sviluppo del metodo impressionista, la soggettività della percezione pittorica superò l’oggettività e salì a un livello formale sempre più elevato, aprendo la strada a tutti i movimenti del postimpressionismo, compreso il simbolismo di Gauguin e l’espressionismo di Van Gogh. Ma, nonostante il periodo di tempo ristretto - solo due decenni, l'impressionismo ha portato l'arte a un livello fondamentalmente diverso, avendo un impatto significativo su tutto: pittura moderna, musica e letteratura, nonché cinema.

L'impressionismo ha introdotto nuovi temi; le opere di uno stile maturo si distinguono per una vitalità luminosa e spontanea, la scoperta di nuove possibilità artistiche del colore, l'estetizzazione di una nuova tecnica pittorica e la struttura stessa dell'opera. Sono queste caratteristiche emerse nell’impressionismo che sono ulteriormente sviluppate nel neoimpressionismo e nel postimpressionismo. L'influenza dell'impressionismo come approccio alla realtà o come sistema di tecniche espressive si fece strada in quasi tutte le scuole d'arte dell'inizio del XX secolo; divenne il punto di partenza per lo sviluppo di una serie di direzioni, compreso l'astrattismo. Alcuni principi dell'impressionismo - la trasmissione del movimento istantaneo, la fluidità della forma - apparivano in varia misura nella scultura degli anni '10, in E. Degas, p. Rodin, M. Golubkina. L'impressionismo artistico ha notevolmente arricchito i mezzi di espressione nella letteratura (P. Verlaine), nella musica (C. Debussy) e nel teatro.

2. Impressionismo nella pittura

Nella primavera del 1874, un gruppo di giovani pittori, tra cui Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cézanne e Berthe Morisot, trascurarono il Salon ufficiale e allestiscono la propria mostra, diventando successivamente le figure centrali del nuovo movimento. Si svolse dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nello studio del fotografo Nadar a Parigi, sul Boulevard des Capucines. Sono stati presentati 30 artisti, per un totale di 165 opere. Un atto del genere di per sé era rivoluzionario e ruppe con basi secolari, ma i dipinti di questi artisti a prima vista sembravano ancora più ostili alla tradizione. Ci sono voluti anni prima che questi classici della pittura poi riconosciuti riuscissero a convincere il pubblico non solo della loro sincerità, ma anche del loro talento. Tutti questi artisti molto diversi erano uniti da una lotta comune contro il conservatorismo e l'accademismo nell'arte. Gli impressionisti tennero otto mostre, l'ultima nel 1886.

Fu alla prima mostra del 1874 a Parigi che apparve il dipinto di Claude Monet raffigurante un'alba. Ha attirato l'attenzione di tutti soprattutto con il suo titolo insolito: “Impressione. Alba". Ma il dipinto in sé era insolito; trasmetteva quel gioco di colori e luce quasi sfuggente e mutevole. È stato il nome di questo dipinto - "Impression" - grazie alla derisione di uno dei giornalisti, a gettare le basi per un intero movimento pittorico chiamato impressionismo (dalla parola francese "impression" - impressione).

Cercando di esprimere le loro impressioni dirette sulle cose nel modo più accurato possibile, gli impressionisti hanno creato un nuovo metodo di pittura. La sua essenza era trasmettere l'impressione esterna di luce, ombra, riflessi sulla superficie degli oggetti con tratti separati di pittura pura, che dissolvevano visivamente la forma nell'ambiente luminoso-aria circostante.

La plausibilità veniva sacrificata alla percezione personale: gli impressionisti potevano, a seconda della loro visione, dipingere il cielo di verde e l'erba di blu, i frutti nelle loro nature morte erano irriconoscibili, le figure umane erano vaghe e approssimative. Ciò che era importante non era ciò che veniva rappresentato, ma “come” era importante. L'oggetto è diventato un motivo per risolvere problemi visivi.

Il metodo creativo dell'impressionismo è caratterizzato da brevità e schizzinosità. Dopotutto, solo un breve schizzo ha permesso di registrare con precisione i singoli stati della natura. Ciò che prima era consentito solo negli schizzi, ora è diventato la caratteristica principale dei dipinti completati. Gli artisti impressionisti hanno cercato con tutte le loro forze di superare la staticità della pittura e di catturare per sempre la bellezza di un momento fugace. Cominciarono a utilizzare composizioni asimmetriche per evidenziare meglio i personaggi e gli oggetti che li interessavano. In alcune tecniche di costruzione impressionistica della composizione e dello spazio, si nota l'influenza della passione per la propria epoca - non l'antichità come prima, le incisioni giapponesi (maestri come Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) e in parte la fotografia, i suoi primi piani e le nuove Punti di vista.

Anche gli impressionisti aggiornarono la loro combinazione di colori; abbandonarono i colori e le vernici scure e terrose e applicarono sulla tela colori puri e spettrali, quasi senza mescolarli prima sulla tavolozza. L’oscurità convenzionale e “museale” nelle loro tele lascia il posto a un gioco di ombre colorate.

Grazie all'invenzione dei tubetti metallici di vernice, già pronti e portatili, che sostituirono le vecchie vernici fatte a mano con olio e pigmenti in polvere, gli artisti poterono lasciare i propri studi per lavorare all'aria aperta. Hanno lavorato molto velocemente, perché il movimento del sole cambiava l'illuminazione e il colore del paesaggio. A volte spremevano la vernice sulla tela direttamente dal tubo e producevano colori puri e scintillanti con un effetto pennellato. Mettendo un tratto di vernice accanto a un altro, spesso lasciavano ruvida la superficie dei dipinti. Per preservare la freschezza e la varietà dei colori naturali nell'immagine, gli impressionisti hanno creato un sistema pittorico che si distingue per la scomposizione di toni complessi in colori puri e la compenetrazione di tratti separati di colore puro, come se si mescolassero nell'occhio dello spettatore, con ombre colorate e percepite dallo spettatore secondo la legge dei colori complementari.

Cercando la massima immediatezza nella trasmissione del mondo circostante, gli impressionisti, per la prima volta nella storia dell'arte, iniziarono a dipingere principalmente all'aria aperta e aumentarono l'importanza degli schizzi dal vero, che quasi sostituirono il tipo tradizionale di pittura, attentamente e lentamente creato in studio. A causa del metodo stesso di lavorare all'aria aperta, il paesaggio, compreso il paesaggio urbano da loro scoperto, occupava un posto molto importante nell'arte degli impressionisti. Il tema principale per loro era la luce tremolante, l'aria in cui le persone e gli oggetti sembravano essere immersi. Nei loro dipinti si sentiva il vento, la terra bagnata riscaldata dal sole. Hanno cercato di mostrare la straordinaria ricchezza di colori in natura.

Impressionismo ha introdotto nuovi temi nell'arte: vita quotidiana in città, paesaggi di strada e intrattenimento. La sua gamma tematica e di trama era molto ampia. Nei loro paesaggi, ritratti e composizioni a più figure, gli artisti si sforzano di preservare l'imparzialità, la forza e la freschezza della “prima impressione”, senza entrare nei singoli dettagli, dove il mondo è un fenomeno in continua evoluzione.

L'impressionismo si distingue per la sua vitalità luminosa e immediata. È caratterizzato dall'individualità e dal valore estetico dei dipinti, dalla loro deliberata casualità e incompletezza. In generale, le opere degli impressionisti si distinguono per la loro allegria e passione per la bellezza sensuale del mondo.