Pittura rinascimentale. Grandi Artisti Italiani Famosi Artisti del Rinascimento italiano

Un indubbio risultato del Rinascimento fu il design geometricamente corretto del dipinto. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche da lui sviluppate. La cosa principale per i pittori di quel tempo era mantenere le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto le tecniche matematiche per calcolare la proporzionalità dell'immagine con altri oggetti nell'immagine.

In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se lo confrontiamo con le moderne tecniche di ricreazione di un'immagine vista su una tela, molto probabilmente la fotografia con successivi aggiustamenti aiuterà a capire a cosa cercavano gli artisti del Rinascimento.

I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva tratti del viso brutti, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.

Leonardo Da Vinci

Il Rinascimento divenne tale grazie alle tante personalità creative che vissero in quel periodo. Il famoso Leonardo da Vinci (1452-1519) ha creato un numero enorme di capolavori, il cui costo ammonta a milioni di dollari, e gli intenditori della sua arte sono pronti a contemplare i suoi dipinti per molto tempo.

Leonardo iniziò i suoi studi a Firenze. Il suo primo dipinto, dipinto intorno al 1478, è la “Madonna Benois”. Poi c'erano creazioni come “Madonna nella Grotta”, “Mona Lisa”, la già citata “Ultima Cena” e una miriade di altri capolavori, scritti dalla mano di un titano del Rinascimento.

Il rigore delle proporzioni geometriche e la riproduzione accurata della struttura anatomica di una persona: questo è ciò che caratterizza i dipinti di Leonardo da Vinci. Secondo le sue convinzioni, l'arte di rappresentare determinate immagini su tela è una scienza, e non solo una sorta di hobby.

Raffaele Santi

Raffaello Santi (1483 - 1520), conosciuto nel mondo dell'arte come Raffaello, creò le sue opere in Italia. I suoi dipinti sono intrisi di lirismo e grazia. Raffaello è un rappresentante del Rinascimento, che raffigurava l'uomo e la sua esistenza sulla terra e amava dipingere le pareti delle cattedrali vaticane.

I dipinti tradivano l'unità delle figure, la corrispondenza proporzionale di spazio e immagini e l'eufonia del colore. La purezza della Vergine fu la base di molti dipinti di Raffaello. La sua prima immagine della Madonna è la Madonna Sistina, dipinta dal famoso artista nel 1513. I ritratti creati da Raffaello riflettevano l'immagine umana ideale.

Sandro Botticelli

Anche Sandro Botticelli (1445 - 1510) è un artista rinascimentale. Uno dei suoi primi lavori fu il dipinto “Adorazione dei Magi”. La sottile poesia e il sogno furono i suoi modi iniziali nel campo della trasmissione di immagini artistiche.

All'inizio degli anni '80 del XV secolo, il grande artista dipinse le pareti della Cappella Vaticana. Gli affreschi realizzati dalla sua mano sono ancora sorprendenti.

Col passare del tempo i suoi dipinti si caratterizzarono per la calma degli edifici dell'antichità, la vivacità dei personaggi raffigurati e l'armonia delle immagini. Inoltre, è nota la passione di Botticelli per i disegni di famose opere letterarie, che ha anche aggiunto fama al suo lavoro.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) è un artista italiano che lavorò anche durante il Rinascimento. Quest'uomo, noto a molti di noi, ha fatto tutto ciò che poteva fare. E scultura, pittura, architettura e anche poesia. Michelangelo, come Raffaello e Botticelli, dipinse le pareti delle chiese vaticane. Dopotutto, solo i pittori più talentuosi di quei tempi erano coinvolti in lavori così importanti come dipingere immagini sui muri delle cattedrali cattoliche. Doveva ricoprire più di 600 metri quadrati della Cappella Sistina con affreschi raffiguranti varie scene bibliche. L’opera più famosa in questo stile ci è nota come “Il Giudizio Universale”. Il significato della storia biblica è espresso in modo completo e chiaro. Tale precisione nel trasferimento delle immagini è caratteristica di tutta l’opera di Michelangelo.

7 agosto 2014

Gli studenti delle università d'arte e le persone interessate alla storia dell'arte sanno che a cavallo tra il XIV e il XV secolo ci fu un brusco cambiamento nella pittura: il Rinascimento. Intorno al 1420 tutti diventarono improvvisamente molto più bravi a disegnare. Perché le immagini sono diventate improvvisamente così realistiche e dettagliate, e perché nei dipinti sono apparsi luce e volume? Nessuno ci ha pensato per molto tempo. Finché David Hockney non prese in mano una lente d'ingrandimento.

Scopriamo cosa ha scoperto...

Un giorno stava guardando i disegni di Jean Auguste Dominique Ingres, il leader della scuola accademica francese del XIX secolo. Hockney si interessò a vedere i suoi piccoli disegni su scala più grande e li ingrandì su una fotocopiatrice. È così che si è imbattuto nel lato segreto della storia della pittura a partire dal Rinascimento.

Dopo aver fatto delle fotocopie dei piccoli disegni di Ingres (circa 30 centimetri), Hockney rimase stupito da quanto fossero realistici. E gli sembrava anche che le battute di Ingres fossero qualcosa per lui
ricordare. Si è scoperto che gli ricordavano le opere di Warhol. E Warhol ha fatto questo: ha proiettato una foto su una tela e l'ha delineata.

A sinistra: dettaglio del disegno di Ingres. A destra: disegno di Warhol di Mao Zedong

Roba interessante, dice Hockney. A quanto pare, Ingres ha utilizzato Camera Lucida, un dispositivo che è una struttura con un prisma montato, ad esempio, su un supporto su un tablet. Pertanto, l'artista, guardando il suo disegno con un occhio, vede l'immagine reale e con l'altro il disegno stesso e la sua mano. Il risultato è un'illusione ottica che consente di trasferire con precisione le proporzioni reali sulla carta. Ed è proprio questa la “garanzia” del realismo dell'immagine.

Disegno di un ritratto utilizzando una camera lucida, 1807

Poi Hockney si interessò seriamente a questo tipo di disegni e dipinti “ottico”. Nel suo studio, lui e il suo team hanno appeso alle pareti centinaia di riproduzioni di dipinti realizzati nel corso dei secoli. Opere che sembravano "reali" e quelle che non lo erano. Organizzando per epoca di creazione e regione - nord in alto, sud in basso, Hockney e il suo team videro un netto cambiamento nella pittura a cavallo tra il XIV e il XV secolo. In generale, chiunque conosca anche un po' la storia dell'arte lo sa: il Rinascimento.

Forse hanno usato la stessa camera-lucida? Fu brevettato nel 1807 da William Hyde Wollaston. Sebbene, in effetti, un tale dispositivo sia stato descritto da Giovanni Keplero nel 1611 nella sua opera Dioptrice. Allora forse hanno usato un altro dispositivo ottico: una camera oscura? È conosciuta fin dai tempi di Aristotele ed è una stanza buia nella quale la luce entra attraverso un piccolo foro e così nella camera buia si ottiene una proiezione di ciò che sta davanti al foro, ma invertita. Andrebbe tutto bene, ma l'immagine che si ottiene proiettata da una fotocamera stenopeica senza obiettivo, per usare un eufemismo, non è di alta qualità, non è chiara, richiede molta luce intensa, per non parlare delle dimensioni della proiezione. Ma fino al XVI secolo era quasi impossibile produrre lenti di alta qualità, poiché a quel tempo non esisteva alcun modo per ottenere un vetro di così alta qualità. Affari, pensò Hockney, che a quel tempo era già alle prese con il problema con il fisico Charles Falco.

Esiste però un dipinto di Jan Van Eyck, maestro di Bruges, pittore fiammingo del primo Rinascimento, che contiene un indizio. Il dipinto si intitola "Ritratto dei coniugi Arnolfini".

Jan Van Eyck "Ritratto dei coniugi Arnolfini" 1434

Il dipinto risplende semplicemente con un'enorme quantità di dettagli, il che è piuttosto interessante, perché fu dipinto solo nel 1434. E un indizio su come l'autore sia riuscito a fare un così grande passo avanti nel realismo dell'immagine è lo specchio. E anche un candeliere: incredibilmente complesso e realistico.

Hockney era pieno di curiosità. Ha preso una copia di un lampadario del genere e ha provato a disegnarlo. L'artista si è trovato di fronte al fatto che una cosa così complessa è difficile da rappresentare in prospettiva. Un altro punto importante era la materialità dell'immagine di questo oggetto metallico. Quando si raffigura un oggetto in acciaio, è molto importante posizionare le luci nel modo più realistico possibile, poiché ciò conferisce grande realismo. Ma il problema con questi punti salienti è che si muovono quando si muove l'occhio dello spettatore o dell'artista, il che significa che non sono affatto facili da catturare. E una rappresentazione realistica del metallo e del bagliore è anche una caratteristica distintiva dei dipinti rinascimentali; prima di allora, gli artisti non avevano nemmeno provato a farlo.

Ricreando un accurato modello 3D del lampadario, il team di Hockney si è assicurato che il lampadario nel Ritratto dei Arnolfini fosse disegnato accuratamente in prospettiva con un unico punto di fuga. Ma il problema era che strumenti ottici precisi come una camera oscura con lente non esistevano fino a circa un secolo dopo la creazione del dipinto.

Frammento del dipinto di Jan Van Eyck "Ritratto dei coniugi Arnolfini" 1434

Il frammento ingrandito mostra che lo specchio del dipinto “Ritratto dei coniugi Arnolfini” è convesso. Ciò significa che c'erano anche specchi al contrario: concavi. Inoltre, a quei tempi tali specchi venivano realizzati in questo modo: veniva presa una sfera di vetro e il suo fondo era ricoperto d'argento, quindi tutto tranne il fondo veniva tagliato. Il lato posteriore dello specchio non era oscurato. Ciò significa che lo specchio concavo di Jan Van Eyck potrebbe essere lo stesso specchio raffigurato nel dipinto, solo dal retro. E ogni fisico sa che uno specchio del genere, quando riflesso, proietta un'immagine di ciò che viene riflesso. È qui che il suo amico fisico Charles Falco aiutò David Hockney con calcoli e ricerche.

Uno specchio concavo proietta sulla tela l'immagine della torre fuori dalla finestra.

La parte chiara e focalizzata della proiezione misura circa 30 centimetri quadrati, che è esattamente la dimensione delle teste di molti ritratti rinascimentali.

Hockney delinea la proiezione di un uomo su tela

Questa è la dimensione, ad esempio, del ritratto del “Doge Leonardo Loredan” di Giovanni Bellini (1501), del ritratto di un uomo di Robert Campin (1430), del ritratto attuale di Jan Van Eyck “un uomo con un turbante rosso " e molti altri primi ritratti olandesi.

Ritratti rinascimentali

Dipingere era un lavoro ben retribuito e, naturalmente, tutti i segreti aziendali erano tenuti con la massima riservatezza. È stato vantaggioso per l'artista che tutte le persone non iniziate credessero che i segreti fossero nelle mani del maestro e non potessero essere rubati. L'attività era chiusa agli estranei - gli artisti erano membri della corporazione, e comprendeva anche diversi artigiani - da quelli che fabbricavano selle a quelli che fabbricavano specchi. E nella Gilda di San Luca, fondata ad Anversa e menzionata per la prima volta nel 1382 (corporazioni simili furono poi aperte in molte città del nord, e una delle più grandi era quella di Bruges, la città dove visse Van Eyck) c'erano anche maestri che fabbricavano specchi .

È così che Hockney ha ricreato il modo in cui potrebbe essere dipinto un lampadario complesso tratto da un dipinto di Van Eyck. Non sorprende affatto che la dimensione del lampadario proiettato da Hockney corrisponda esattamente alla dimensione del lampadario nel dipinto “Ritratto dei coniugi Arnolfini”. E naturalmente le luci sul metallo - sulla proiezione restano ferme e non cambiano quando l'artista cambia posizione.

Ma il problema non è ancora del tutto risolto, perché mancavano 100 anni all'avvento dell'ottica di alta qualità, necessaria per utilizzare una camera oscura, e la dimensione della proiezione ottenuta utilizzando uno specchio è molto piccola. Come dipingere quadri più grandi di 30 centimetri quadrati? Sono stati creati come un collage: da molti punti di vista era come una visione sferica con molti punti di fuga. Hockney lo ha capito perché lui stesso ha realizzato tali immagini: ha realizzato molti collage fotografici che ottengono esattamente lo stesso effetto.

Quasi un secolo dopo, nel 1500, divenne finalmente possibile ottenere e lavorare bene il vetro: apparvero lenti di grandi dimensioni. E potevano finalmente essere inseriti in una camera oscura, il cui principio di funzionamento era noto fin dall'antichità. L'obiettivo della camera oscura fu un'incredibile rivoluzione nell'arte visiva perché ora la proiezione poteva avere qualsiasi dimensione. E ancora una cosa, ora l'immagine non era "grandangolare", ma aveva un aspetto approssimativamente normale, cioè approssimativamente la stessa di oggi se fotografata con un obiettivo con una lunghezza focale di 35-50 mm.

Tuttavia, il problema con l'utilizzo di una fotocamera stenopeica con obiettivo è che la proiezione in avanti dell'obiettivo è un'immagine speculare. Ciò ha portato ad un gran numero di pittori mancini nelle prime fasi dell'uso dell'ottica. Come in questo dipinto del 1600 del Museo Frans Hals, dove una coppia mancina balla, un vecchio mancino agita il dito verso di loro e una scimmia mancina guarda sotto il vestito della donna.

Tutti in questa foto sono mancini

Il problema si risolve installando uno specchio nel quale viene diretta la lente, ottenendo così la corretta proiezione. Ma a quanto pare uno specchio bello, liscio e grande costava un sacco di soldi, quindi non tutti lo avevano.

Un altro problema era la messa a fuoco. Il fatto è che alcune parti dell'immagine, in una posizione della tela sotto i raggi di proiezione, erano sfocate e non chiare. Nelle opere di Jan Vermeer, dove l'uso dell'ottica è abbastanza evidente, i suoi lavori generalmente sembrano fotografie, si possono notare anche luoghi fuori “fuoco”. Puoi persino vedere il disegno prodotto dall'obiettivo: il famigerato "bokeh". Come qui, ad esempio, nel dipinto “La lattaia” (1658), il cestino, il pane e il vaso blu sono sfocati. Ma l’occhio umano non può vedere “sfocato”.

Alcune parti dell'immagine sono fuori fuoco

E alla luce di tutto ciò, non sorprende affatto che un buon amico di Jan Vermeer fosse Anthony Phillips van Leeuwenhoek, scienziato e microbiologo, nonché un maestro unico che ha creato i propri microscopi e lenti. Lo scienziato divenne l'amministratore postumo dell'artista. Ciò suggerisce che Vermeer abbia raffigurato il suo amico su due tele: "Geografo" e "Astronomo".

Per vedere qualsiasi parte a fuoco, è necessario modificare la posizione della tela sotto i raggi di proiezione. Ma in questo caso sono comparsi errori nelle proporzioni. Come potete vedere qui: l'enorme spalla di “Anthea” del Parmigianino (1537 circa), la piccola testa di “Lady Genovese” di Anthony Van Dyck (1626), le enormi gambe di un contadino in un dipinto di Georges de La Tour .

Errori nelle proporzioni

Naturalmente, tutti gli artisti hanno utilizzato le lenti in modo diverso. Alcuni erano per schizzi, altri erano composti da parti diverse: dopotutto, ora era possibile realizzare un ritratto e finire il resto con un altro modello o addirittura con un manichino.

Non ci sono quasi disegni lasciati da Velazquez. Tuttavia, il suo capolavoro è rimasto: il ritratto di papa Innocenzo X (1650). C'è uno splendido gioco di luci sul manto del papa, ovviamente di seta. Blikov. E per scrivere tutto questo da un punto di vista, ci è voluto molto impegno. Ma se fai una proiezione, tutta questa bellezza non scapperà da nessuna parte: le luci non si muovono più, puoi dipingere con quei tratti ampi e veloci come quelli di Velasquez.

Hockney riproduce il dipinto di Velazquez

Successivamente, molti artisti poterono permettersi una camera oscura e questa cessò di essere un grande segreto. Canaletto ha utilizzato attivamente la macchina fotografica per creare le sue vedute di Venezia e non lo ha nascosto. Questi dipinti, per la loro accuratezza, ci permettono di parlare di Canaletto come documentarista. Grazie a Canaletto puoi vedere non solo una bella immagine, ma anche la storia stessa. Puoi vedere come appariva il primo ponte di Westminster a Londra nel 1746.

Canaletto "Ponte di Westminster" 1746

L'artista britannico Sir Joshua Reynolds possedeva una camera oscura e apparentemente non ne ha parlato a nessuno, perché la sua macchina fotografica si piega e sembra un libro. Oggi è al Museo della Scienza di Londra.

Camera oscura travestita da libro

Infine, all'inizio dell'Ottocento, William Henry Fox Talbot, usando una camera lucida - quella in cui devi guardare con un occhio e disegnare con le mani, imprecò, decidendo che un simile inconveniente doveva essere posto fine una volta per tutte tutto, e divenne uno degli inventori della fotografia chimica, e in seguito un divulgatore che la rese di massa.

Con l'invenzione della fotografia è scomparso il monopolio della pittura sul realismo dell'immagine; ora la fotografia è diventata monopolista. E qui, finalmente, la pittura si svincola dall’obiettivo, proseguendo il percorso da cui si era allontanata nel Quattrocento, e Van Gogh diventa il precursore di tutta l’arte del Novecento.

A sinistra: mosaico bizantino del XII secolo. A destra: Vincent Van Gogh, Ritratto di Monsieur Trabuc, 1889.

L'invenzione della fotografia è la cosa migliore che sia capitata alla pittura in tutta la sua storia. Non era più necessario creare immagini esclusivamente reali, l'artista è diventato libero. Naturalmente, al pubblico ci è voluto un secolo per mettersi al passo con gli artisti nella loro comprensione della musica visiva e smettere di pensare che persone come Van Gogh fossero “pazze”. Allo stesso tempo, gli artisti iniziarono a utilizzare attivamente le fotografie come “materiale di riferimento”. Poi sono apparsi personaggi come Wassily Kandinsky, l'avanguardia russa, Mark Rothko, Jackson Pollock. Dopo la pittura si liberarono anche l'architettura, la scultura e la musica. È vero, la scuola accademica di pittura russa è bloccata nel tempo, e oggi nelle accademie e nelle scuole è ancora considerato una vergogna usare la fotografia come aiuto, e l'impresa più alta è considerata la capacità puramente tecnica di dipingere nel modo più realistico possibile a mani nude.

Grazie ad un articolo del giornalista Lawrence Weschler, presente durante le ricerche di David Hockney e Falco, viene rivelato un altro fatto interessante: il ritratto dei coniugi Arnolfini di Van Eyck è il ritratto di un mercante italiano a Bruges. Il signor Arnolfini è fiorentino e, inoltre, è un rappresentante del banco dei Medici (praticamente i maestri della Firenze rinascimentale, sono considerati mecenati dell'arte di quel tempo in Italia). Cosa significa questo? Il fatto che avrebbe potuto facilmente portare con sé il segreto della Gilda di San Luca - lo specchio - a Firenze, dove, come si crede nella storia tradizionale, iniziò il Rinascimento e gli artisti di Bruges (e, di conseguenza, altri maestri ) sono considerati “primitivisti”.

Ci sono molte controversie intorno alla teoria Hockney-Falco. Ma c’è sicuramente un fondo di verità in ciò. Per quanto riguarda i critici d'arte, i critici e gli storici, è difficile persino immaginare quanti lavori scientifici sulla storia e sull'arte si siano rivelati in realtà delle sciocchezze, ma questo cambia l'intera storia dell'arte, tutte le loro teorie e testi.

I fatti relativi all'uso dell'ottica non sminuiscono in alcun modo il talento degli artisti: dopotutto, la tecnologia è un mezzo per trasmettere ciò che l'artista vuole. E viceversa, il fatto che questi dipinti contengano la realtà più reale non fa altro che aggiungergli peso: dopo tutto, questo è esattamente l'aspetto delle persone, delle cose, dei locali, delle città di quel tempo. Questi sono i documenti veri.

I primi precursori dell'arte rinascimentale apparvero in Italia nel XIV secolo. Artisti di questo tempo, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (in particolare) Giotto (1267-1337) quando creavano dipinti di temi religiosi tradizionali, iniziarono a utilizzare nuove tecniche artistiche: costruire una composizione tridimensionale, utilizzando un paesaggio sullo sfondo, che consentiva loro di rendere le immagini più realistiche e animate. Ciò distingueva nettamente il loro lavoro dalla precedente tradizione iconografica, piena di convenzioni nell'immagine.
Il termine usato per denotare la loro creatività Protorinascimento (1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Artista e architetto italiano dell'era proto-rinascimentale. Una delle figure chiave della storia dell'arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione della pittura di icone bizantina, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana e sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto furono ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo.

Primo Rinascimento (1400 - Quattrocento).

All'inizio del XV secolo Filippo Brunelleschi (1377-1446), scienziato e architetto fiorentino.
Brunelleschi voleva rendere più visiva la percezione delle terme e dei teatri da lui ricostruiti e cercò di creare dipinti geometricamente prospettici dai suoi progetti per un punto di vista specifico. In questa ricerca è stato scoperto prospettiva diretta.

Ciò ha permesso agli artisti di ottenere immagini perfette dello spazio tridimensionale su una tela pittorica piatta.

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Un altro passo importante nel cammino verso il Rinascimento fu l'emergere dell'arte non religiosa e secolare. Ritratto e paesaggio si affermarono come generi indipendenti. Anche i soggetti religiosi acquisirono un'interpretazione diversa: gli artisti del Rinascimento iniziarono a considerare i loro personaggi come eroi con tratti individuali pronunciati e motivazione umana per le azioni.

Gli artisti più famosi di questo periodo sono Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.

Affrescare. Miracolo con statir.

Pittura. Crocifissione.

Piero Della Francesco (1420-1492). Le opere del maestro si distinguono per maestosa solennità, nobiltà e armonia delle immagini, forme generalizzate, equilibrio compositivo, proporzionalità, precisione delle costruzioni prospettiche e una tavolozza morbida piena di luce.

Affrescare. La storia della regina di Saba. Chiesa di San Francesco ad Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pittore italiano, rappresentante della scuola di pittura fiorentina.

Primavera.

Nascita di Venere.

Alto Rinascimento ("Cinquecento").
Si verificò la massima fioritura dell'arte rinascimentale per il primo quarto del XVI secolo.
Lavori Sansovino (1486-1570), Leonardo Da Vinci (1452-1519), Raffaele Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tiziano (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) costituiscono il fondo d'oro dell'arte europea.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore.

Auto ritratto

Dama con l'ermellino. 1490. Museo Czartoryski, Cracovia

Monna Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci raggiunse una grande abilità nel trasmettere le espressioni facciali del volto e del corpo umano, nei metodi di trasmissione dello spazio e nella costruzione di una composizione. Allo stesso tempo, le sue opere creano un'immagine armoniosa di una persona che soddisfa gli ideali umanistici.

Madonna Litta. 1490-1491. Museo dell'Ermitage.

Madonna Benois (Madonna con un fiore). 1478-1480

Madonna con garofano. 1478

Durante la sua vita, Leonardo da Vinci fece migliaia di appunti e disegni sull'anatomia, ma non pubblicò il suo lavoro. Mentre sezionava i corpi di persone e animali, trasmetteva accuratamente la struttura dello scheletro e degli organi interni, compresi i piccoli dettagli. Secondo il professore di anatomia clinica Peter Abrams, il lavoro scientifico di Da Vinci era 300 anni in anticipo sui tempi e per molti versi superiore alla famosa Anatomia di Gray.

Elenco delle invenzioni, sia reali che a lui attribuite:

Paracadute, aCastello di Olestsovo, abicicletta, tank, lponti portatili leggeri per l'esercito, pproiettore, aatapult, rentrambi, dTelescopio Vuhlens.

Queste innovazioni sono state successivamente sviluppate Raffaele Santi (1483-1520) - grande pittore, grafico e architetto, rappresentante della scuola umbra.

Auto ritratto. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Scultore, artista, architetto, poeta, pensatore italiano.

I dipinti e le sculture di Michelangelo Buonarotti sono pieni di pathos eroico e, allo stesso tempo, di un senso tragico della crisi dell'umanesimo. I suoi dipinti glorificano la forza e il potere dell'uomo, la bellezza del suo corpo, sottolineando contemporaneamente la sua solitudine nel mondo.

Il genio di Michelangelo ha lasciato il segno non solo nell'arte del Rinascimento, ma anche in tutta la successiva cultura mondiale. Le sue attività sono legate principalmente a due città italiane: Firenze e Roma.

Tuttavia, l'artista ha potuto realizzare i suoi progetti più ambiziosi proprio nella pittura, dove ha agito come un vero innovatore del colore e della forma.
Commissionato da Papa Giulio II, dipinse il soffitto della Cappella Sistina (1508-1512), rappresentando la storia biblica dalla creazione del mondo al diluvio e comprendendo più di 300 figure. Nel 1534-1541, nella stessa Cappella Sistina, dipinse il grandioso e drammatico affresco “Il Giudizio Universale” per Papa Paolo III.
Cappella Sistina 3D.

Le opere di Giorgione e Tiziano si distinguono per l'interesse per il paesaggio e la poeticizzazione della trama. Entrambi gli artisti hanno raggiunto una grande maestria nell'arte della ritrattistica, con l'aiuto della quale hanno trasmesso il carattere e il ricco mondo interiore dei loro personaggi.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artista italiano, rappresentante della scuola di pittura veneziana.


Venere dormiente. 1510

Giuditta. 1504 g

Tiziano Vecellio (1488/1490-1576) - Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneziana dell'Alto e Tardo Rinascimento.

Tiziano dipinse dipinti su soggetti biblici e mitologici; divenne famoso anche come ritrattista. Ricevette ordini da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.

Auto ritratto. 1567

Venere di Urbino. 1538

Ritratto di Tommaso Mosti. 1520

Tardo Rinascimento.
Dopo il sacco di Roma da parte delle forze imperiali nel 1527, il Rinascimento italiano entrò in un periodo di crisi. Già nell'opera del compianto Raffaello si delineava una nuova linea artistica, denominata manierismo.
Quest'epoca è caratterizzata da linee gonfiate e spezzate, figure allungate o addirittura deformate, pose spesso nude, tese e innaturali, effetti insoliti o bizzarri associati alle dimensioni, all'illuminazione o alla prospettiva, all'uso di una gamma cromatica caustica, alla composizione sovraccarica, ecc. primo maestro del manierismo Parmigianino , Pontormo , Bronzino- visse e lavorò alla corte dei Duchi di casa Medici a Firenze. La moda manierista si diffuse poi in tutta Italia e non solo.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - “residente a Parma”) (1503-1540) artista e incisore italiano, rappresentante del manierismo.

Auto ritratto. 1540

Ritratto di una donna. 1530.

Pontormo (1494-1557) - Pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina, uno dei fondatori del manierismo.

Nel 1590, l’arte sostituì il manierismo barocco (dati transitori - Tintoretto E El Greco ).

Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pittore della scuola veneziana del tardo Rinascimento.

Ultima cena. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia.

El Greco ("Greco" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artista spagnolo. Per origine: greco, originario dell'isola di Creta.
El Greco non aveva seguaci contemporanei e il suo genio fu riscoperto quasi 300 anni dopo la sua morte.
El Greco ha studiato nello studio di Tiziano, ma la sua tecnica pittorica differisce notevolmente da quella del suo maestro. Le opere di El Greco sono caratterizzate da velocità ed espressività di esecuzione, che le avvicinano alla pittura moderna.

Cristo sulla croce. OK. 1577. Collezione privata.

Trinità. 1579 Prado.

Ciò ha permesso agli artisti di ottenere immagini perfette dello spazio tridimensionale su una tela pittorica piatta.

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Masaccio (1401-1428) - famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.

Affrescare. Miracolo con statir.

Pittura. Crocifissione.

Affrescare. La storia della regina di Saba. Chiesa di San Francesco ad Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pittore italiano, rappresentante della scuola di pittura fiorentina.

Primavera.

Nascita di Venere.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore.

Auto ritratto

Dama con l'ermellino. 1490. Museo Czartoryski, Cracovia

Monna Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Museo dell'Ermitage.

Madonna Benois (Madonna con un fiore). 1478-1480

Madonna con garofano. 1478

Elenco delle invenzioni, sia reali che a lui attribuite:

Paracadute, aCastello di Olestsovo, abicicletta, tank, lponti portatili leggeri per l'esercito, pproiettore, aatapult, rentrambi, dTelescopio Vuhlens.

Queste innovazioni sono state successivamente sviluppate Raffaele Santi (1483-1520) - grande pittore, grafico e architetto, rappresentante della scuola umbra.

Auto ritratto. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Scultore, artista, architetto, poeta, pensatore italiano.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artista italiano, rappresentante della scuola di pittura veneziana.


Venere dormiente. 1510

Giuditta. 1504 g

Tiziano Vecellio (1488/1490-1576) - Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneziana dell'Alto e Tardo Rinascimento.

Auto ritratto. 1567

Venere di Urbino. 1538

Ritratto di Tommaso Mosti. 1520

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - “residente a Parma”) (1503-1540) artista e incisore italiano, rappresentante del manierismo.

Auto ritratto. 1540

Ritratto di una donna. 1530.

Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pittore della scuola veneziana del tardo Rinascimento.

Ultima cena. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia.

Cristo sulla croce. OK. 1577. Collezione privata.

Trinità. 1579 Prado.

I nomi degli artisti del Rinascimento sono stati a lungo circondati da un riconoscimento universale. Molti giudizi e valutazioni su di essi sono diventati assiomi. Eppure trattarli criticamente non è solo un diritto, ma anche un dovere della storia dell’arte. Solo allora la loro arte conserva il suo vero significato per i posteri.

Dei maestri del Rinascimento della metà e della seconda metà del XV secolo è necessario soffermarsi su quattro: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Erano contemporanei al diffuso insediamento delle signorie e trattavano con le corti principesche, ma ciò non significa che la loro arte fosse tutta principesca. Presero dai signori ciò che potevano dare loro, pagarono con il loro talento e zelo, ma rimasero i successori dei "padri del Rinascimento", ricordarono i loro ordini, aumentarono i loro risultati, si sforzarono di superarli e anzi talvolta li superarono. Durante gli anni di reazione graduale in Italia, hanno creato un'arte meravigliosa.

Piero della Francesca

Piero della Francesca era fino a poco tempo fa il meno conosciuto e riconosciuto. È stato giustamente notato l'influsso dei maestri fiorentini del primo Quattrocento su Piero della Francesca, così come il suo reciproco influsso sui contemporanei e successori, soprattutto sulla scuola veneziana. Tuttavia, la posizione eccezionale ed eccezionale di Piero della Francesca nella pittura italiana non è ancora sufficientemente realizzata. Presumibilmente, nel tempo, il suo riconoscimento non farà che aumentare.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) artista e teorico italiano, rappresentante del primo Rinascimento

Piero della Francesca possedeva tutte le conquiste della “nuova arte” creata dai fiorentini, ma non rimase a Firenze, ma tornò in patria, in provincia. Questo lo salvò dai gusti patrizi. Acquistò fama grazie al suo talento; i principi e perfino la curia pontificia gli affidarono incarichi. Ma non è diventato un artista di corte. È sempre rimasto fedele a se stesso, alla sua vocazione, alla sua affascinante musa ispiratrice. Tra tutti i suoi contemporanei, è l'unico artista che non ha conosciuto la discordia, la dualità, né il pericolo di scivolare sulla strada sbagliata. Non ha mai cercato di competere con la scultura o di ricorrere a mezzi espressivi scultorei o grafici. Tutto è detto nel suo linguaggio pittorico.

La sua opera più grande e bella è un ciclo di affreschi sul tema “La Storia della Croce” ad Arezzo (1452-1466). I lavori furono eseguiti per volontà del mercante locale Bacci. Forse un sacerdote, esecutore testamentario del defunto, ha preso parte allo sviluppo del programma. Piero della Francesca si basò sulla cosiddetta “Leggenda Aurea” di J. da Voragine. Ha avuto predecessori anche tra gli artisti. Ma l'idea principale ovviamente apparteneva a lui. In lui traspare chiaramente la saggezza, la maturità e la sensibilità poetica dell'artista.

Difficilmente l’unico ciclo pittorico in Italia di quel tempo, “La Storia della Croce”, ha un doppio significato. Da un lato, qui viene presentato tutto ciò che è raccontato nella leggenda su come è cresciuto l'albero da cui è stata ricavata la croce del Calvario e come in seguito si è manifestato il suo potere miracoloso. Ma poiché i singoli dipinti non sono in ordine cronologico, questo significato letterale sembra passare in secondo piano. L'artista ha disposto i dipinti in modo tale da dare un'idea delle diverse forme di vita umana: riguardo al patriarcale - nella scena della morte di Adamo e nel trasferimento della croce da parte di Eraclio, riguardo al secolare, alla corte , urbano - nelle scene della Regina di Saba e nel Ritrovamento della croce, e infine sulla battaglia militare - nella "Vittoria di Costantino" e nella "Vittoria di Eraclio". In sostanza, Piero della Francesca copriva quasi tutti gli aspetti della vita. Il suo ciclo comprendeva: storia, leggenda, vita, opera, quadri di natura e ritratti di contemporanei. Nella città di Arezzo, nella chiesa di San Francesco, politicamente subordinata a Firenze, si trovava il ciclo di affreschi più notevole del Rinascimento italiano.

L'arte di Piero della Francesca è più reale che ideale. In lui regna un principio razionale, ma non la razionalità, che può soffocare la voce del cuore. E sotto questo aspetto Piero della Francesca personifica le forze più brillanti e fruttuose del Rinascimento.

Andrea Mantegna

Il nome di Mantegna è associato all'idea di un artista umanista, innamorato delle antichità romane, armato di una vasta conoscenza dell'archeologia antica. Per tutta la vita servì i duchi di Mantova d'Este, fu loro pittore di corte, eseguì le loro istruzioni, li servì fedelmente (anche se non sempre gli diedero ciò che meritava). indipendente, devoto all'ideale dell'antico valore, fanaticamente fedele al desiderio di conferire alle sue opere la precisione di un gioielliere. Ciò richiedeva un enorme sforzo di forza spirituale. L'arte di Mantegna è dura, a volte crudele fino alla spietatezza, e in questo è si discosta dall'arte di Piero della Francesca e si avvicina a Donatello.

Andrea Mantegna. Autoritratto nella Cappella Ovetari

I primi affreschi del Mantegna nella Chiesa degli Eremitani di Padova sulla vita di S. Giacomo e il suo martirio sono splendidi esempi di pittura murale italiana. Mantegna non pensava affatto di creare qualcosa di simile all'arte romana (il dipinto diventato noto in Occidente dopo gli scavi di Ercolano). La sua antichità non è l'età dell'oro dell'umanità, ma l'età del ferro degli imperatori.

Glorifica il valore romano, quasi meglio di quanto facessero gli stessi romani. I suoi eroi sono corazzati e statuari. Le sue montagne rocciose sono scolpite con precisione dallo scalpello di uno scultore. Anche le nuvole che fluttuano nel cielo sembrano fatte di metallo. Tra questi fossili e calchi agiscono eroi temprati dalla battaglia, coraggiosi, severi, tenaci, devoti al senso del dovere, della giustizia e pronti al sacrificio di sé. Le persone si muovono liberamente nello spazio, ma, allineandosi in fila, formano una parvenza di rilievi in pietra. Questo mondo del Mantegna non incanta gli occhi, gela il cuore. Ma non si può fare a meno di ammettere che è stato creato dall’impulso spirituale dell’artista. E quindi, l'importanza decisiva qui è stata l'erudizione umanistica dell'artista, non il consiglio dei suoi amici dotti, ma la sua potente immaginazione, la sua passione legata alla volontà e all'abilità fiduciosa.

Davanti a noi c'è uno dei fenomeni più significativi della storia dell'arte: i grandi maestri, con la forza della loro intuizione, si allineano ai loro lontani antenati e realizzano ciò che non sono riusciti a fare gli artisti successivi che hanno studiato il passato ma non sono stati in grado di eguagliarli.

Sandro Botticelli

Botticelli fu scoperto dai preraffaelliti inglesi. Tuttavia, anche all'inizio del XX secolo, nonostante tutta l'ammirazione per il suo talento, non lo “perdonarono” per deviazioni dalle regole generalmente accettate: prospettiva, chiaroscuro, anatomia. Successivamente si decise che Botticelli fosse tornato al gotico. La sociologia volgare riassume così la sua spiegazione: la “reazione feudale” a Firenze. Interpretazioni iconologiche stabiliscono i legami di Botticelli con la cerchia dei neoplatonici fiorentini, particolarmente evidenti nei suoi famosi dipinti "La Primavera" e "La Nascita di Venere".

Autoritratto di Sandro Botticelli, frammento della composizione d'altare "Adorazione dei Magi" (1475 circa)

Uno degli interpreti più autorevoli della “Primavera” Botticelli ha ammesso che questo quadro rimane una farsa, un labirinto. In ogni caso si può ritenere assodato che l'autore, nel crearlo, conoscesse il poema “Torneo” di Poliziano, in cui viene glorificata Simonetta Vespucci, l'amata di Giuliano de' Medici, nonché i poeti antichi, in particolare, le prime righe sul regno di Venere nel poema di Lucrezio “Sulla natura delle cose” . Sembra che conoscesse anche le opere di M. Vicino, apprezzate a Firenze in quegli anni. Motivi presi in prestito da tutte queste opere sono chiaramente distinguibili nel dipinto acquistato nel 1477 da L. de' Medici, cugino di Lorenzo il Magnifico. Ma la domanda rimane: come sono entrati in gioco questi frutti dell’erudizione? Non ci sono informazioni affidabili al riguardo.

Leggendo i commenti degli studiosi moderni su questo dipinto, è difficile credere che l'artista stesso possa approfondire così profondamente la trama mitologica al fine di trovare ogni sorta di sottigliezze nell'interpretazione delle figure, che ancora oggi non possono essere comprese a colpo d'occhio , ma ai vecchi tempi, a quanto pare, erano compresi solo nella tazza dei Medici. È più probabile che siano stati suggeriti all'artista da qualche erudito e sia riuscito a ottenere il fatto che l'artista abbia iniziato a tradurre interlinearmente la sequenza verbale in quella visiva. La cosa più deliziosa del dipinto di Botticelli sono le singole figure e i gruppi, in particolare il gruppo delle Tre Grazie. Nonostante sia stato riprodotto un'infinità di volte, fino ad oggi non ha perso il suo fascino. Ogni volta che la vedi, provi un nuovo attacco di ammirazione. In verità, Botticelli è riuscito a conferire l'eterna giovinezza alle sue creazioni. Uno degli eruditi commentatori del dipinto ha suggerito che la danza delle grazie esprima l'idea di armonia e discordanza di cui spesso parlavano i neoplatonici fiorentini.

Botticelli possiede illustrazioni insuperabili per la Divina Commedia. Chiunque abbia visto i suoi fogli li ricorderà immancabilmente leggendo Dante. Lui, come nessun altro, è intriso dello spirito del poema di Dante. Alcuni dei disegni di Dante hanno la natura di un accurato pedice grafico del poema. Ma le più belle sono quelle dove l'artista immagina e compone nello spirito di Dante. Queste sono le più comuni tra le illustrazioni del paradiso. Sembrerebbe che dipingere il paradiso fosse la cosa più difficile per gli artisti del Rinascimento, che amavano così tanto la terra profumata e tutto ciò che è umano. Botticelli non rinuncia alla prospettiva rinascimentale, alle impressioni spaziali a seconda dell'angolo di visione dello spettatore. Ma in paradiso si eleva al trasferimento dell'essenza non prospettica degli oggetti stessi. Le sue figure sono senza peso, le ombre scompaiono. La luce li penetra, lo spazio esiste al di fuori delle coordinate terrene. I corpi si inseriscono in un cerchio come simbolo della sfera celeste.

Leonardo Da Vinci

Leonardo è uno dei geni generalmente riconosciuti del Rinascimento. Molti lo considerano il primo artista di quel tempo, in ogni caso, il suo nome viene in mente prima di tutto quando si parla di personaggi straordinari del Rinascimento. Ed è per questo che è così difficile discostarsi dalle solite opinioni e considerare il suo patrimonio artistico con mente imparziale.

Autoritratto in cui Leonardo si ritrae come un vecchio saggio. Il disegno è conservato nella Biblioteca Reale di Torino. 1512

Anche i suoi contemporanei ammiravano l'universalità della sua personalità. Tuttavia, Vasari aveva già espresso rammarico per il fatto che Leonardo prestasse più attenzione alle sue invenzioni scientifiche e tecniche che alla creatività artistica. La fama di Leonardo raggiunse il suo apogeo nel XIX secolo. La sua personalità divenne una sorta di mito; era visto come l'incarnazione del “principio faustiano” di tutta la cultura europea.

Leonardo era un grande scienziato, un pensatore perspicace, uno scrittore, l'autore del Trattato e un ingegnere inventivo. La sua completezza lo elevò al di sopra del livello della maggior parte degli artisti dell'epoca e allo stesso tempo gli pose un compito difficile: combinare un approccio analitico scientifico con la capacità dell'artista di vedere il mondo e arrendersi direttamente ai sentimenti. Questo compito successivamente occupò molti artisti e scrittori. Per Leonardo assunse il carattere di un problema insolubile.

Dimentichiamo per un momento tutto ciò che ci sussurra il meraviglioso mito dell'artista-scienziato e giudichiamo la sua pittura come giudichiamo la pittura di altri maestri del suo tempo. Cosa distingue il suo lavoro dal loro? Prima di tutto, vigilanza della visione e alta abilità artistica. Portano l'impronta di squisita fattura e del gusto più raffinato. Nel dipinto “Il Battesimo” del suo maestro Verrocchio, il giovane Leonardo dipinse un angelo in modo così sublime e sublime che accanto a lui il grazioso angelo Verrocchio sembra rustico e vile. Nel corso degli anni l’“aristocrazia estetica” si intensificò ancora di più nell’arte di Leonardo. Ciò non toglie che presso le corti dei sovrani la sua arte divenisse aulica e aulica. In ogni caso le sue Madonne non potranno mai essere definite contadine.

Apparteneva alla stessa generazione di Botticelli, ma ne parlava con disapprovazione, addirittura con scherno, considerandolo al passo coi tempi. Lo stesso Leonardo cercò di continuare la ricerca dei suoi predecessori nell'arte. Non limitandosi allo spazio e al volume, si pone il compito di padroneggiare l'ambiente luce-aria che avvolge gli oggetti. Ciò ha significato il passo successivo nella comprensione artistica del mondo reale e in una certa misura ha aperto la strada al colorismo dei veneziani.

Sarebbe sbagliato affermare che la sua passione per la scienza abbia interferito con la creatività artistica di Leonardo. Il genio di quest'uomo era così enorme, la sua abilità così alta, che anche un tentativo di "reggere la gola della sua canzone" non poteva uccidere la sua creatività. Il suo dono di artista ha costantemente superato tutte le restrizioni. Ciò che affascina nelle sue creazioni è l'inconfondibile fedeltà dell'occhio, la chiarezza della coscienza, l'obbedienza del pennello e la tecnica virtuosistica. Ci affascinano con il loro fascino, come un'ossessione. Chi ha visto La Gioconda ricorda quanto sia difficile staccarsene. In una delle sale del Louvre, dove si è trovata accanto ai migliori capolavori della scuola italiana, trionfa e regna con orgoglio su tutto ciò che la circonda.

I dipinti di Leonardo non formano una catena, come molti altri artisti del Rinascimento. Nei suoi primi lavori, come la Madonna di Benoit, c'è più calore e spontaneità, ma anche in essi l'esperimento si fa sentire. "Adorazione" agli Uffizi - e questo è un eccellente dipinto di fondo, un'immagine capricciosa e vivace di persone rivolte con riverenza a una donna elegante con un bambino in grembo. Nella "Madonna delle Rocce" l'angelo, un giovane riccio che si affaccia dal quadro, è affascinante, ma la strana idea di trasferire l'idillio nel buio della grotta è repellente. La famosa "Ultima Cena" ha sempre deliziato la sua appropriata caratterizzazione dei personaggi: il gentile Giovanni, il severo Pietro e il malvagio Giuda. Tuttavia, il fatto che figure così vivaci ed emozionate siano disposte tre in fila, su un lato del tavolo, sembra una convenzione ingiustificata, una violenza contro la natura vivente. Tuttavia, questo è il grande Leonardo da Vinci, e poiché ha dipinto il quadro in questo modo, significa che lo intendeva in questo modo, e questo mistero rimarrà per secoli.

L'osservazione e la vigilanza, a cui Leonardo chiama gli artisti nel suo Trattato, non limitano le sue capacità creative. Ha cercato deliberatamente di stimolare la sua immaginazione guardando le pareti, screpolate dall'età, in cui lo spettatore poteva immaginare qualsiasi trama. Nel famoso disegno di Windsor del sanguigno "Temporale" di Leonardo, veniva trasmesso ciò che si apriva al suo sguardo da qualche cima di montagna. Una serie di disegni di Windsor sul tema del Diluvio testimonia un'intuizione davvero brillante dell'artista-pensatore. L'artista crea segni che non hanno risposta, ma che evocano un sentimento di stupore misto ad orrore. I disegni sono stati realizzati dal grande maestro in una sorta di delirio profetico. Tutto è detto in loro nel linguaggio oscuro delle visioni di Giovanni.

La discordia interna di Leonardo nei suoi giorni declinanti si fa sentire in due delle sue opere: il "Giovanni Battista" del Louvre e l'autoritratto di Torino. Nell'autoritratto tardo torinese, l'artista, giunto alla vecchiaia, si guarda allo specchio con lo sguardo aperto da dietro le sopracciglia accigliate: vede nel suo volto i tratti della decrepitezza, ma vede anche la saggezza, una segno dell’“autunno della vita”.