НЕМУХИН ВЛАДИМИР НИКОЛАЕВИЧ

Родился в Москве 12 февраля 1925 в семье выходца из деревни, ставшего рабочим. Детство провел в деревне Прилуки (Калужская область), на берегу Оки. В 1943-1946 занимался в московской изостудии ВЦСПС. Пользовался советами художника П.Е.Соколова, благодаря которому открыл для себя искусство постимпрессионизма и кубизма. Некоторое время (1952-1959) зарабатывал на жизнь как оформитель и плакатист. Активно участвовал в приватно-квартирных и публичных выставках авангардного искусства, в том числе в скандальной "бульдозерной выставке" на московском пустыре в Беляево. С конца 1960-х годов его живопись находила все большее признание и на Западе. Жил в Москве.

После ранних приокских пейзажей в традиционной манере, а также экспериментов в духе кубизма и живописного абстракционизма нашел свой стиль в случайном мотиве карт на пляжном песке.

К середине 1960-х годов этот спонтанный мотив оформился в полуабстрактные "натюрморты с картами", которые стали крайне самобытным проявлением "информеля" - особого абстракционистского течения, основанного на сочетаниях чистой живописной экспрессии с драматически-знаковым элементом. Затем Немухин долгие годы варьировал свою находку, порой превращая поверхность холста в предметную "контррельефную" плоскость, напоминающую старую, траченную временем стену или поверхность игрального стола. Часто писал - в смешанной, как бы живописно-графической технике - и по бумаге (серия Бубновый валет, конец 1960 - начало 1970-х годов).
Уподобление картины предмету сблизило его произведения 1980-х годов с поп-артом. В этот период не раз обращался к скульптурно-трехмерным абстракциям, биоморфным или геометрическим, затем все чаще, экспонируя свои работы, сопровождал картины и графические листы крупными инсталляциями.
"Посвящение Баху"

На рубеже 20-21 вв. жил большей частью в Германии (Дюссельдорф), постоянно наезжая в Россию, где в 2000 его работы заняли видное место в Третьяковской галерее и московском Музее современного искусства. В 1999 вышла книга Немухинские монологи.
https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/3/37/1008877.htm

Пт, 20/11/2009 - 16:58
Zebra

участник

СИТНИКОВ, ВАСИЛИЙ ЯКОВЛЕВИЧ

Родился в селе Ново-Ракитино (Лебедянский уезд Тамбовской губернии) 19 августа (1 сентября) 1915 в крестьянской семье, переехавшей в 1921 в Москву. В 1933 учился в Московском судомеханическом техникуме, пристрастившись к изготовлению моделей парусников. Попытка поступить во Вхутемас (1935) успехом не увенчалась. Работал на строительстве метро, художником-мультипликатором и модельщиком у режиссера А.Л.Птушко, показывал диапозитивы на лекциях профессоров Художественного института имени В.И.Сурикова (отсюда кличка "Вася-фонарщик"). Став жертвой навета, в 1941 был арестован, признан душевнобольным и направлен на принудительное лечение в Казань. Вернувшись в столицу (1944), перебивался случайными заработками. В период "оттепели" примкнул к движению "неофициального" искусства.
Формальным истоком его творчества стала традиционная система академического преподавания, основанная на работе с нагой натурой и тщательных графических растушевках.

У Ситникова, однако же, академическая натура превращалась в сюрреалистическую эротику, а растушевки - в зыбкую воздушную стихию, окутывающую формы в виде снежной мглы, болотного тумана или светового марева.

К этому прибавились характерные черты "русского стиля" в духе символизма и модерна. Так рождались его живописные и графические серии 1960-1970-х годов - ню, сексуальные гротески, жанры с "монастырем со снежинками"
,
степные пейзажи (часто тоже с центральным мотивом монастыря).
Сам его образ жизни был своеобразным произведением-хэппенингом, непрерывным артистическим юродством, начинающимся со знаменитой надписи "я щас приду" на двери квартиры, где хранилось ценное собрание церковных древностей и восточных ковров.
С 1951 художник активно преподавал, осуществив свою мечту о "домашней академии".

Его педагогическая система включала немало эпатажных парадоксов (советы о том, как учиться тону, "растушевывая" газетные фото, или как писать пейзаж половой щеткой из корыта с красочным раствором). Со "школой Ситникова" был связан - как прямым ученичеством, так и творческими контактами - целый ряд видных мастеров (В.Г.Вейсберг, Ю.А.Ведерников, М.Д.Стерлигова, А.В. Харитонов и др.). Однако в целом, за отдельными исключениями (типа вышеперечисленных) школа эта с годами выродилась в производство "подпольно-сувенирного" живописного китча.

В 1975 мастер эмигрировал через Австрию в США. Наиболее ценную часть своей коллекции икон отдал в Музей древнерусского искусства имени Андрея Рублева. Собственные же его вещи "рассеялись" почти бесследно - не считая репродукций и отдельных работ в музеях. Успеха за границей не имел.
Умер Ситников в Нью-Йорке 28 ноября 1987.
От ранних вещей в духе академизма перешел в 1950-е (прежде всего, в цикле "раненых", выражающем мучительную память о войне) к самобытному стилю, сочетающему черты символизма и кубизма с бурной экспрессией.

Его произведения обычно отливаются в бронзе, в наиболее крупных композициях скульптор предпочитает бетон.
Произведения Неизвестного, воплощая в себе процесс вечного становления, своеобразную "форму потока", слагаются в большие циклы, как скульптурные, так и графические (а позднее и живописные): Гигантомахия (с 1958), Образы Достоевского (с 1963; в 1970 в серии "Литературные памятники" вышел роман Преступление и наказание с его иллюстрациями).

С 1956 художник работал над главным, самым честолюбивым своим замыслом - Древом жизни
,
проектом гигантской скульптуры-инвайронмента, где причудливо сочетаются мотивы древесной кроны, человеческого сердца и "листа Мёбиуса", символизирующие творческий союз искусства и науки.

Неизвестный получал крупные официальные заказы (памятник в честь дружбы народов, т.н. Цветок лотоса на Асуанской плотине в Египте, 1971; декоративные рельефы для Института электроники в Зеленограде, 1974, и бывшего здания ЦК КПСС в Ашхабаде (ныне Дом правительства Туркменистана, 1975); и др.). Познакомившись с Н.С.Хрущевым, - правда, во время скандала на выставке в московском Манеже, - он впоследствии исполнил его надгробие (1974), символическими контрастами форм подчеркнув противоречивость хрущевского правления. В 1976 он эмигрировал, а с 1977 обосновался в США, в окрестностях Нью-Йорка.
ТЭФИ

С 1989 мастер часто приезжал в Россию; здесь по его проектам были сооружены мемориал жертвам ГУЛАГа в Магадане (1996) - с гигантским бетонным Ликом скорби, - а также композиция Возрождение в Москве (2000). В 1996 получил Государственную премию.

Начиная с 1962 (статья Открывая новое в журнале "Искусство"), а в особенности в десятилетия эмиграции выступал с теоретическими статьями и лекциями на темы "симбиоза Веры и Знания" в искусстве, призванном сочетать художественный опыт архаики и авангарда. Публиковал белые стихи, образно комментирующие его изо-творчество. В Уттерсберге (Швеция) существует музей "Древо жизни", посвященный творчеству Неизвестного.

https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/0/0c/1007903.htm
Ух, какой талантливый, а я про него раньше только гадости слышала!!!

Советский Нонконформизм

Направление

Неофициальное искусство СССР (или другое искусство, альтернативное искусство, нонконформистское искусство, подпольное искусство, андерграунд) - под этим названием объединяют представителей различных художественных течений в изобразительном искусстве СССР 1950-1980-х годов, которые по соображениям политической и идеологической цензуры были вытеснены официальными властями из публичной художественной жизни. Вследствие «андеграундного» существования неофициальное искусство в СССР было тесно связано с неформальными молодёжными движениями (например, московские концептуалисты и хиппи, ленинградские Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства, митьки и рокеры).

Среди этапных точек в истории неофициального искусства - выставка МОСХа (1962), подвергшаяся разносу Н. Хрущева, «выставка двенадцати» (1967) в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов в Москве, Бульдозерная выставка (1974), однодневная выставка того же года в Измайловском парке в Москве, выставки художников-нонконформистов в ДК им. Газа и ДК «Невский» в 1974-75 годах в Ленинграде, первая, разрешенная официально, персональная выставка художника-нонконформиста в Ленинграде в 1978 году (выставка Евгения Михнова-Войтенко в ДК им. Дзержинского), выставки Живописной секции Московского объединенного комитета художников-графиков в легендарном выставочном зале на Малой Грузинской, 28 (организован в 1976 г.). Многие представители неофициального искусства преследовались властями и КГБ и в разные годы эмигрировали из СССР.

Параллельно аналогичные явления происходили в литературной и музыкальной жизни, имели место в театре и кино («полочные» фильмы, запрещённые спектакли).

«Южным» направлением неофициального искусства СССР стало неофициальное искусство в Одессе второй половины XX века.

У истоков «второго одесского авангарда», по мнению искусствоведов, стоял Олег Соколов. Точкой же отсчёта «одесского нонконформизма» стал 1967 год, когда молодые художники Валентин Хрущ и Станислав Сычёв организовали «заборную» выставку своих работ «Сычик+Хрущик» на заборе одесского Оперного театра. Эта выставка продолжалась всего три часа. Так началось движение одесского неофициального искусства.

Художники, воплощавшие «чуждую» культуру, нашли выход к зрителю через «квартирные выставки». Ядром движения одесского нонконформизма стали В. Хрущ, Lucien Dulfan, С. Сычёв, Людмила Ястреб, А. Ануфриев, В. Стрельников. К этой основной группе, название которой дала Людмила Ястреб, - «нонконформисты», впоследствии присоединились Е. Рахманин, О. Волошинов, В. Цюпко. От московского неофициального искусства «одесский нонконформизм» отличался отсутствием политизации, уходом в «чистое искусство», поиском эстетических форм самовыражения.

Самиздатовское издание 1980-го года «Одесские художники» даёт перечень художников одесского авангарда: Валентин Хрущ, Евгений Рахманин, Николай Морозов, Владимир Цюпко, Игорь Божко, Александр Стовбур, Валерий Басанец, Михаил Ковальский, Сергей Князев, Владимир Наумец, Николай Степанов, Александр Дмитриев, Надежда Гайдук, Виталий Сазонов, Виктор Рисович, Михаил Черешня, Евгений Годенко, Руслан Макоев, Анатолий Шопин, Олег Соколов, Юрий Егоров, Александр Ануфриев, Владимир Стрельников, Людмила Ястреб, Виктор Маринюк.

Большинство участников группы в 1980-х годах эмигрировало, умерло или перебралось в Москву. Авангардный нонконформизм того времени продолжили - Александр Ройтбурд (р. 1961), художник и куратор, творческая деятельность которого послужила продвижению одесского и украинского искусства на международный уровень; Валерий Гегамян (1925-2000), ставший основателем художественно-графического факультета Одесского педагогического института и его деканом; Алексей Илюшин (р. 1926) - вероятно, последний представитель «одесского нонконформизма», живущий в Одессе и видевший все его периоды, - создатель ярких пейзажей и жанровых картин, мастер продуманной композиции.

В 1990-х годах многие образцы «неофициального искусства» вошли в фонд и экспозицию ГТГ, Русского музея, Московского музея современного искусства, Государственного центра современного искусства (ГЦСИ), не говоря о частных галереях.

Музей нонконформистского искусства в Санкт-Петербурге создан Товариществом «Свободная культура» в 1998 году в рамках Арт-центра «Пушкинская, 10».

В 2000 в Российском государственном гуманитарном университете (РГГУ) был открыт музей «Другое искусство». Основу его составила коллекция неофициального искусства, которую собрал легендарный московский коллекционер Леонид Прохорович Талочкин (1936-2002).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

В настоящее время неофициальное искусство 1970-х годов все чаще стало привлекать внимание коллекционеров и исследователей, при этом, обескураживая и тех и других, как отсутствием содержательных публикаций, так и множеством мифов, выросших на почве недостоверной, а иногда и сознательно искаженной информации, исходящей из субъективных предпочтений художников, искусствоведов и собирателей.

БАННИКОВ Николай (1942)
ЮНОСТЬ. 1970-е

Эпоха от хрущевского разгрома левого крыла МОСХа в Манеже в 1962 году до «Бульдозерной выставки» 1974 года, сплотила небольшую группу шестидесятников — нонконформистов — инициаторов выставочной акции, закончившейся бульдозерным разгромом.

БАННИКОВ Николай (1942)
ДЕВУШКА. 1970-е

Последовавшая шумиха и скандал в западных СМИ вынудила советских идеологов немного ослабить давление на некоторых художников, и разрешить, под пристальным присмотром «органов», «дозированные» экспозиции в небольшом помещении. Таким местом стал профсоюз художников-графиков на Малой Грузинской 28, при котором была создана секция живописи, включившая в себя именно эту группу художников неофициального искусства. Первая выставка секции состоялась в марте 1976 года. До того имели место две выставки неофициального искусства: в феврале 1975 года в павильоне «Пчеловодство» и в сентябре того же года в павильоне «Дом культуры» на ВДНХ.

БАННИКОВ Николай (1942)
СУДАК. 1968

Решение о небольшом послаблении для узкой группы непокорных художников не было актом доброй воли, но вынужденным отступлением под натиском обвинений в варварстве, шедших с Запада после беспрецедентного скандала с уничтожением картин на выставке, прозванной «Бульдозерной».

МАХОВ Иван (1938)
ТАЙНА ЛЕТУЧЕГО ГОЛЛАНДЦА. 1978

Таким образом, инициативное давление изнутри, со стороны актива группы художников-нонконформистов, и извне, со стороны Западной идеологической пропаганды, создало прецедент: власти открыли экспозиционное пространство, хорошо отслеживаемое и значительно снижающее повод для критики со стороны указанных ранее векторов давления.

БАРИНОВ Михаил (1947)
ПОЛДЕНЬ № 1. 1978

Таково начало истории «Малой Грузинки», являвшей наиболее яркие экспозиционные открытия вплоть до 1980 года. На решение властей оказали влияние не только названные выше события, но и факты проведения квартирных выставок в 60-х — начале 70-х годов, а так же деятельность некоторых квартирных салонов, таких как салон Сычевых на Рождественском бульваре или салон Ники Щербаковой на Садово-Каретной улице. Здесь бывали и иностранные дипломаты, которые встречались с диссидентами, приобретали картины, тем самым, поддерживая неофициальное искусство.

БЕЛЮТИН Элий (1925)
РАЗГОВОР. КОНВЕРГЕНЦИЯ. 1981

Существует мнение современников вышеописанных событий, что, создавая небольшой «отстойник» для выставочной деятельности художников-бунтарей, КГБ упрощало себе задачу по контролю над ситуацией и возможному пресечению отдельных идеологически окрашенных провокаций со стороны нонконформистов. Вместе с тем уменьшалась роль квартирных экспозиций, отслеживание которых требовало более сложной оперативной работы. Также бытует мнение, что КГБ стремилось расчленить группы неофициальных художников, не давая им выработать единую позицию, максимально сковывая их инициативу и творческий эксперимент.

ВОРОШИЛОВ Игорь (1939-1989)
ДВОЕ. 1980-е.

Неслучайно поколение художников-нонконформистов начавших свой творческий путь на заре 70-х годов, иногда называют поколением «отверженных». Презрение и вражда со стороны представителей официального искусства оставляли им мало поводов для оптимизма. Жёсткие рамки идеологической неприемлемости определили уникальные черты творчества художников-нонконформистов 70-х годов; за исключением протестного искусства, оно не могло быть ориентировано на значимый социальный резонанс, рефлексию, широкое обсуждение, или же коммерческий успех.

БЛЕЗЕ Сергей (1945)
КОМПОЗИЦИЯ № 20. 1975

В лучшем случае, зрителями был узкий круг друзей, почитателей. Работа «в стол», «в угол мастерской» кому-то открывала путь к свободе эксперимента, освоению внутреннего пространства сознания, его расширению; иных же загоняло в отчаяние, запои. Происходило расслоение небольшой группы нонконформистов – одни выбирали формальный эксперимент над синтаксисом, конструкцией композиции, технологическим и стилевым компонентом.

БЛЕЗЕ Сергей (1945)
КОМПОЗИЦИЯ № 13. 1974

Другая, меньшая часть, уходила в духовный поиск, вглубь метафизического содержания картины, в исследование образа, как трансформатора и сублиматора сознания как творца, так и зрителя. Именно этот аспект творческого поиска в сфере семантического пространства картины привёл некоторых художников этой группы к теоретическому осмыслению, а затем и практическому освоению религиозного опыта.

ВУЛОХ Игорь (1938)
ПЕЙЗАЖ. 1970-е.

Отсутствие прямых контактов с современным западным искусством и недоступность информации об отечественном авангарде 20-х годов создавало атмосферу вакуума, «варения в собственном соку», что придало творчеству нонконформистов 70-х определённые специфические особенности. Отрывочные сведения о западном авангарде поступали через журналы по искусству стран соц. лагеря и редкие издания «Скира», попадавшие через кордон.

ГАЙДУК Надежда (1948)
ОДЕССА. 1974

Это стимулировало процесс создания неких мифов, как индивидуальных, так и групповых, о творчестве и жизни художников. Не случайно, семидесятников иногда называют «персональными мифологами». Вопреки всем трудностям, скудная дозированная выставочная деятельность на Малой Грузинке, 28 стала творческой лабораторией художников в сфере стилевого эксперимента и технологии, полем взаимного профессионального обмена опытом, творческого поиска и роста. Концептуализм шестидесятников обогатился новыми открытиями в области формообразования, углублением содержания.

ГАЙДУК Надежда (1948)
ПРОГУЛКА. ПАМЯТИ А.ТИХОМИРОВА. 1981

Развивалась линия учеников Василия Ситникова, двигавшихся в сторону освоения метафизического и мистического уровней композиционного измерения. Развивалась оригинальная линия нео-наивного искусства, а также нео- и постсимволизма. Разрабатывались персональные версии сюрреализма, минимализма и гиперреализма. Возникло самобытное направление в живописи религиозной тематики.

ГАЙДУК Надежда (1948)
МОСКОВСКИЙ ДВОРИК. 1976

Материализовались перформанс и групповая медитация, эксперименты в области сценического движения и авангардной сценографии; достигло рассвета творчество «моментальной живописи» Анатолия Зверева; оформилось целое направление нео-экспрессионистов. Получила развитие нео-историческая живопись, метафизический пейзаж и даже новая версия жанровой живописи.

ГЛУХОВ Владимир (1937-1985)
ПЕЙЗАЖ.1970

Становление художественного языка нонконформистов-семидесятников происходило на фоне и в противостоянии официальной линии союза художников с его профессиональными установками, нормами, штампами и запретами. К середине 70-х происходит закат «сурового стиля» и «левое крыло» МОСХа пытается обрести новые пластические языки в рамках дозволенного.

ГОРДЕЕВ Дмитрий (1940)
ДВОРИК В КИШЛАКЕ. 1977

В основном это интерпретационные «ходы» с модных на западе стилей, которые можно было приспособить к «генеральной линии» соцреализма. Это, например, линия вариаций на тему «наивного искусства», которые «подсовывались» под идеологему «народного, родного» — или линия «неоклассики», отталкивающиеся от монументалистов итальянского проторенессанса.

ЖДАН Владислав (1940)
НАТЮРМОРТ – ПОРТРЕТ. ПОСВЯЩЕНИЕ Б.ПАСТЕРНАКУ. 1969

Или, к примеру, советская версия американского гиперреализма, подстраховавшая себя идеологически как «документальностью сюжета», так и «реализмом сделанности» и преподносившая себя как модная и новаторская линия соцреализма. Отдельной линией левого МОСХа к концу 70-х стала приспособившаяся к соцреализму вариация немецкого экспрессионизма 20-х годов в сочетании с технологическими новациями американского неоэкспрессионизма 40-60-х годов, линии Поллака и его последователей.

ПРЯДИХИН Владимир (1947)
КАНЦЕЛЯРИЯ. 1994

Таким образом, в 70-е годы рамки официального искусства значительно расширились, включив в себя некоторые пластические наработки западного мэйнстрима, приспособленные к отечественной идеологии и ментальности функционеров от искусства, осуществлявших распределение заказов, закупочную политику министерства культуры, худфонда, Союза художников.

ЗУБАРЕВ Владислав (1937)
КОМПОЗИЦИЯ. 1971

Отдельной пластической линией на фоне художественной жизни 60-70-х годов была школа Элия Белютина, а также ближе к началу 80-х, школа Зубарева.

КАЛУГИН Александр (1949)
ОЖИДАНИЕ. 1972-73

Это были попытки «легализовать авангард», через методологию обучения изобразительному искусству, конструкции и построению композиции. Эксперимент «легализовался» в этих школах в рамках метода обучения пластическому языку, рассматривая этот язык как формализованную закономерность. Эти методы хотя и осуществлялись в сугубо локальных рамках педагогического процесса оказали влияние на сознание и формирование художественного языка, ряда художников-нонконформистов.

КИСЛИЦЫН Игорь (1948)
ЛАМПА. 1974

В протяжении выставочной деятельности в 70-х годах подвала на Малой Грузинской, отдельные представители «левого крыла» МОСХа участвовали в ряде экспозиций, но в целом художники этого крыла находились в оппозиции художникам-нонконформистам, не говоря об основной массе членов Союза художников, ревниво и враждебно относившихся к их творчеству. Особенностью экспозиционной жизни подвала на Малой Грузинской было то, что в нем выставлялись художники разных поколений, вытесненные из официального искусства или открыто противопоставлявших себя ему.

КОЛОТЕВ Василий (1953)
АРЕСТ ПРОПАГАНДИСТА. 1979

К 1980 году часть этих художников покинула СССР. В 1981 году руководством профсоюза была произведена «чистка» рядов секции живописи и оттуда были выгнаны, под предлогом отсутствия справок о нештатном сотрудничестве с издательствами, целый ряд неугодных художников-оппозиционеров.

КОЛОТЕВ Василий (1953)
ДЕВЯТЫЙ ВАЛ. 1979

Выставочная деятельность продолжилась в 80-е годы, но к началу перестроечного времени нонконформизм все более оттеснялся различными версиями салонного, кичевого искусства, подделками-вариациями псевдоавангарда, которые к концу 80-х стали преобладать, создавая, увы, негативное мнение о живописи, выставлявшейся в ставшем знаменитым подвале.

КРОТОВ Виктор (1945)
ПОСВЯЩЕНИЕ ГОЙЕ. 1975

К сожалению, время безжалостно расправилось с наследием нонконформистов 70-х годов. Воссоздать, хотя бы в приближении, полную картину творческого процесса того времени не представляется возможным. Во-первых, из-за физической смерти многих участников этой эпохи, бесследным исчезновением их работ за рубежом.

ПРОВОТОРОВ Владислав (1947)
ВИДЕНИЯ. 1984

Во-вторых, отсутствие выставок, обсуждений, публикаций о таком явлении как неофициальное искусство 70-х годов, не по отдельным персоналиям, а о процессе в целом, привело к тому, что многое исчезло из социальной памяти, а оставшееся обросло мифологией, индивидуальной и групповой, как недоброжелателей, так и оставшихся в живых участников событий.

КУЗНЕЦОВ Константин (1944)
ЦАРИЦИНО. 1982

Предлагаемая небольшая экспозиция ставит скромную задачу – по возможности выявить и познакомить любителей живописи и коллекционеров хотя бы с частью художников-нонконформистов из «первого призыва» выставочной деятельности зала на Малой Грузинской 28, в их составе до начала 80-х годов. Большинство представленных художников участвовали в экспозиционном процессе с первой выставки секции живописи в марте 1976 года. Проекция на будущее заключается и в том, чтобы более полно, на персональном уровне, познакомить зрителей с творчеством этих художников.

ЛЕЩЕНКО Владимир (1939)
АРМЕНИЯ. 1982

Эта выставка – дань почтения и уважения знаменитому американскому коллекционеру советского неофициального искусства — Нортону Доджу (Norton Dodge) — автору термина «советский нонконформизм». Хотелось бы отметить тот факт, что этот исключительный исследователь, открыватель и меценат не только обратил внимание на протестный политический аспект данного культурного явления, но и на уникальность его как художественного события 20-го века.

ШИБАНОВА Наталья (1948)
НАТЮРМОРТ. 1972

В рамках истории мирового искусства, Н. Додж, благодаря своей музейной коллекции, сохранил и передал последующим поколениям ту страницу отечественной истории, которую умышленно хотели замолчать ангажированные отечественные искусствоведы и современные недоброжелатели – «актуальщики» и со-работники глобализации культуры.

Член МОСХ С.В. Потапов

С февраля 1974 года власти начали проводить акцию за акцией, направленные на подавление движения художников-нонконформистов, то есть тех живописцев, скульпторов и графиков, которые не принимали догматов мертворожденного искусства соцреализма и отстаивали право на свободу творчества.

И прежде, на протяжении чуть ли не двадцати лет, попытки этих художников выставляться оказывались тщетными. Их экспозиции немедленно закрывались, а пресса называла нонконформистов то «проводниками буржуазной идеологии», то «бездарными мазилами», то чуть ли не предателями Родины. Так что можно только удивляться мужеству и стойкости этих мастеров, остававшихся, несмотря ни на что, верными себе и своему искусству.

И вот в 1974 году против них были брошены силы КГБ. Художников задерживали на улицах, угрожали, увозили соответственно на Лубянку в Москве и в Большой дом в Ленинграде, шантажировали, пытались подкупить.

Понимая, что, если они будут молчать, их задушат, группа неофициальных живописцев организовала 15 сентября 1974 года на пустыре в районе Беляево-Богородское экспозицию на открытом воздухе. Против этой выставки были брошены бульдозеры, поливальные машины и милиция. Три картины погибли под гусеницами, две были сожжены на тут же разведенном костре, многие искалечены. Инициатор этой выставки лидер московских художников-нонконформистов Оскар Рабин и еще четверо живописцев были арестованы.

Этот бульдозерный погром, вошедший в историю русского искусства, вызвал взрыв возмущения на Западе. Художники же на следующий день заявили, что через две недели снова выйдут с картинами на то же самое место. И в этой ситуации власть имущие отступили. Двадцать девятого сентября в Измайловском парке состоялась первая официально дозволенная выставка неофициального русского искусства, в которой приняло участие уже не двенадцать, а свыше семидесяти живописцев.

Но конечно, те, кто решил расправиться со свободным русским искусством, отнюдь не сложили оружие. Сразу же после измайловской экспозиции в журналах и газетах вновь появились клеветнические статьи о неофициальных художниках, а карательные органы обрушились на особенно активно проявивших себя художников и тех коллекционеров, которые приняли участие в организации двух сентябрьских выставок на открытом воздухе. И кстати, именно в период с 1974 по 1980 год страну покинуло большинство живущих ныне на Западе мастеров. Их было свыше пятидесяти, в том числе Эрнст Неизвестный, Олег Целков , Лидия Мастеркова, Михаил Рогинский , Виталий Комар и Александр Meламид , Александр Леонов, Юрий Жарких и многие другие. Оскар Рабин в 1978 году был лишен советского гражданства. (В 1990 году указом президента ему было возвращено советское гражданство). Еще раньше, в начале семидесятых годов, обосновались в Европе Михаил Шемякин и Юрий Купер .

Конечно, большая группа прекрасных наших неофициальных живописцев оставалась в России (Владимир Немухин, Илья Кабаков, Дмитрий Краснопевцев, Эдуард Штейнберг, Борис Свешников, Владимир Янкилевский, Вячеслав Калинин, Дмитрий Плавинский, Александр Харитонов и другие), но по-настоящему свободных выставок больше практически не проводилось, а о тех, кто уехал, распространялись упорные слухи (даже засылались письма с Запада), дескать, никому они в Европе и США не нужны, никто их творчеством не интересуется, чуть ли не помирают с голоду. Оставшихся чиновники от искусства предупреждали: «Станете бунтовать — выгоним, будете там бедствовать».

А между тем на самом деле на Западе как раз в то время (вторая половина—конец 70-х) интерес к неофициальному русскому искусству был особенно велик. Одна за другой проходили огромные выставки русских художников в музеях и выставочных залах Парижа, Лондона, Западного Берлина, Токио, Вашингтона, Нью-Йорка. В 1978 году с большим успехом прошло Биеннале русского неофициального искусства в Венеции. За месяц эту выставку посетило 160 000 человек. «Уже давно у нас не было столько зрителей», — сказал президент Биеннале Карло Риппе ди Меанно.

Правда, скептики утверждали, что этот интерес носит чисто политический характер: мол, надо же посмотреть, что это за картины, которые запрещают в СССР. Но когда им напоминали о западных коллекционерах, которые все чаще и охотнее стали приобретать полотна и графику русских художников, скептики смолкали. Они понимали, что никакой коллекционер не станет тратить деньги на картины из-за каких-то политических соображений. И тем более из таких соображений не станут сотрудничать с художниками западные галереи. И конечно, из-за политики ни о каких художниках не будут писать монографии и статьи серьезные искусствоведы. А ведь таких статей опубликовано множество. Вышли в свет в разных странах монографии о творчестве Эрнста Неизвестного, Олега Целкова , Виталия Комара и Александра Меламида , Михаила Шемякина . Изданы десятки солидных каталогов персональных и групповых экспозиций.

Где-то в конце 70-х в одном из французских журналов по искусству появилась статья «Русский фронт наступает». Ее публикация была связана с тем, что тогда в Париже одновременно проходили три выставки современного русского искусства. Разве это похоже на отсутствие интереса?

В Париже, говорят, живет и работает около ста тысяч художников. В Нью-Йорке их еще больше. Все хотят сотрудничать с галереями. Конкуренция идет жесткая. И при этом многие русские художники-эмигранты либо имеют постоянные контракты с парижскими и нью-йоркскими галереями, либо регулярно выставляются в тех или иных галереях Европы и США.

Много лет с известными парижскими галереями работали и работают Юрий Купер, Борис Заборов , Юрий Жарких , Михаил Шемякин (до своего переезда в США). В Нью-Йорке связаны контрактами с галереями Виталий Комар и Александр Меламид, Эрнст Неизвестный, тот же Шемякин. Уже много лет с нью-йоркской галереей Эдуарда Нахамкина работает парижанин Олег Целков . Другой русский «француз» Оскар Рабин заключил контракт с одной из парижских галерей.

Постоянно, и часто успешно, выставляются в европейских галереях Владимир Титов , Михаил Рогинский , Александр Рабин. В США успешно работают с галереями Лев Межберг, Леонид Соков и другие живописцы и графики.

Во многих французских и американских частных коллекциях я неоднократно встречал произведения всех вышеперечисленных мастеров, а также Владимира Григоровича , Валентины Кропивницкой, Виталия Длуги , Валентины Шапиро... Причем интересно, что на Западе, особенно в Париже, уже в середине 70-х годов стали появляться коллекционеры именно свободного русского искусства.

«А как живут и где работают эти художники?» — может спросить читатель.

Отвечу, что в смысле жилья и рабочего места все устроены прилично. В худшем случае одна из комнат квартиры служит для художника мастерской. Многие имеют отдельные ателье — скажем, Комар, Меламид, Шемякин, Заборов, Соков. А кто-то даже предпочитает иметь квартиру и мастерскую в одном месте, так сказать, не теряя время на дорогу (Неизвестный, Купер, О. Рабин, Межберг).

«Неужто, — спросит какой-нибудь недоверчивый читатель, — все у художников-эмигрантов так уж хорошо, сплошные успехи и достижения?»

Конечно, нет. Кто-то даже из талантливых наших мастеров не смог на Западе найти себя, не выдержал конкуренции, сломался. Тут мне не хочется называть имена — людям и так психологически трудно.

Есть, естественно, и художники, которые не в состоянии жить за счет продажи своих работ. Они вынуждены зарабатывать на жизнь каким-либо иным трудом. Но таких великое множество и среди западных живописцев и графиков. Остается лишь удивляться тому, как много по сравнению с западными живописцами (в процентном отношении) русских мастеров уже подолгу живут на Западе лишь за счет своего творчества.

Но интересно, что даже те из наших художников, кто оказался на Западе не в лучшей ситуации в плане финансовом и вынуждены прирабатывать на жизнь то ли промышленным дизайном, то ли оформлением газет или книг, то ли еще как-нибудь, все равно о своей судьбе не жалеют. Почему?

Когда я писал книгу о наших художниках, живущих на Западе, изданную в 1986 году за рубежом, мне довелось брать довольно много интервью. Один из живописцев, чья судьба к тому времени (середина 80-х годов) была не очень-то благополучной, сказал мне: «Нет, ни о чем не сожалею. Трудно? Конечно, трудно. Неприятно, что приходится отрываться от мольберта ради того, чтобы заработать себе на жизнь, порой обидно, что коллекционеры до меня еще не доходят. Но разве мы уезжали сюда ради денег? Мы уезжали для того, чтобы свободно, никого и ничего не страшась, писать что и как хочется и свободно, там, где хочется, выставляться. Впрочем, свободно я писал и в России. Но вот принимать участие в выставках, можно сказать, не привелось. А здесь за четыре года я выставился уже одиннадцать раз. И даже кое-что на этих выставках продал. Это не главное, но с точки зрения поддержания духа все-таки важно».

С разными вариациями, однако примерно то же самое мне приходилось слышать и от других художников-эмигрантов, которые не достигли на Западе таких успехов, как, скажем, Комар и Меламид или Юрий Купер.

И я не думаю, что кто-то из них делает, как говорится, хорошую мину при плохой игре. Ведь возможность широко выставляться для большинства художников — необходимость. А для русских живописцев, лишенных этого на родине, сей фактор особенно значим. С 1979 по 1986 год я вел статистический учет русских выставок на Западе. Всякий раз их оказывалось свыше семидесяти в год. Это очень много. И география этих экспозиций была широка. Персональные выставки Шемякина, например, проходили и в Париже, и в Нью-Йорке, и в Токио, и в Лондоне; О. Рабина — в Нью-Йорке, Осло и Париже; Купера — во Франции, США и Швейцарии; Заборова — в Западной Германии, США и Париже; Комара и Меламида — в Европе и США...

А сколько состоялось за эти годы групповых выставок современного русского искусства, в которых принимали участие эти и другие русские художники-эмигранты. И их география тоже широка: Франция, Италия, Англия, Колумбия, США, Бельгия, Япония, Швейцария, Канада...

И как я уже говорил, об этих выставках (и персональных, и групповых) достаточно много писали западные искусствоведы и журналисты. Чуть ли не каждая серьезная экспозиция сопровождалась выходом каталогов. Вот они стоят у меня на книжной полке: Эрнст Неизвестный, Юрий Купер , Оскар Рабин , Михаил Шемякин , Борис Заборов, Леонид Соков , Владимир Григорович , Гарри Файф , Виталий Комар, Александр Меламид , Валентина Кропивницкая... А вот и каталоги групповых экспозиций; «Современное русское искусство» (Париж), «Новое русское искусство» (Вашингтон), «Неофициальное русское искусство» (Токио), «Биеннале русского искусства» (Турин)... А вот и книга «Неофициальное русское искусство из СССР», вышедшая в 1977 году в Лондоне, а на следующий год переизданная в Нью-Йорке.

Так что, как видите, у русских художников-эмигрантов, пусть не у всех, но у большинства, жизнь на Западе, в общем, сложилась удачно. Никто из них не голодает. У них есть где жить. У многих есть мастерские. У всех есть возможность приобретать холсты и краски. Кто-то из них работает с престижными галереями. Все выставляются.

А как приятно знать, что твои картины приобретают коллекционеры, тем более музеи или Министерство культуры, скажем, Франции. И не менее приятно видеть, как простаивают у твоих полотен западные любители живописи. Кстати сказать, в отличие от искусствоведов, значительная часть которых не сразу восприняла неожиданно свалившихся на них русских художников, западные зрители по достоинству сумели оценить свободное русское искусство очень быстро. Мне не раз приходилось слышать от них и в Париже, и в Брауншвейге, и в Нью-Йорке, что в этом русском искусстве они находят то, чего не могут найти в современном своем. Что именно? Живые человеческие чувства (боль, тоску, любовь, страдание...), а не холодное формотворчество, которое, к сожалению, столь часто встречается на многих выставках в галереях Европы и США.

Иными словами, в свободном русском искусстве они находят духовное начало, которое подлинному русскому искусству, пусть даже самому авангардистскому, было свойственно всегда. Недаром же книга великого Василия Кандинского так и называется — «О духовном в искусстве».

В предлагаемой вашему вниманию статьях представлены 13 художников. Эссе, посвященные им, размещены не по алфавиту. Они разбиты на три группы, соответствующие трем поколениям мастеров неофициального (так оно называлось в доперестроечные времена) русского искусства.

Я надеюсь, что благодаря инициативе издательства «Знание» любители современного искусства узнают о судьбе тех наших живописцев, которые в свое время ради свободы творчества были вынуждены покинуть Родину.

НОНКОНФОРМИЗМ

50-60-е гг. «оттепель». 1 марта 1953 года умирает Сталин. Многие интеллигенты того времени были очень рады и решили, что всё наконец-то будет по-другому. Страна стала возвращаться к нормальной жизни после культурного провала, который был во времена Сталина. Искусство отличалось чудовищным консерватизмом. Поддержку получал соцреализм (основанный на позднепередвижнической живописи, скульптуре неоклассики и 20 века в трактовке Майоля и Бурделя). Это было эффективной антимодернисткой стратегией. Для живого художественного процесса это чудовищный провал. Подавление инакомыслия. К рулю отечественного правления пришли наследники всего самого отсталого. Период закрытости. Художники отказывались от своих идей и наработок. Соцреализм неоднороден полностью, но всё же шла унификация для всей страны. Пикассо иронизировал, что советские художники, должно быть имеют специальную краску для мундиров и сапог. Не видно индивидуальности художников. В советское время вообще не было фигуры свободного художника (фрилансера). Всё было строго организовано. Живописный комбинат (как завод). Туда поступали заявки на композиции. Монументальный комбинат, скульптурный комбинат… Заказ мог выполнять художник в одиночку, а могла работать группа. Художник был обеспечен работой и заработок был хороший. Был сложный механизм отдачи-приёма работ: оценивали и выдающиеся деятели комбината и какие-то приглашенные люди. Не было должного вдохновения и страсти. Заданий было много, поэтому не было времени ко всем работам относиться ответственно. Был банк заготовок разных частей тел и прочего (можно было по кусочкам собрать Ленина). В России от художника всегда ждали чего-то великого, но советский художник чаще всего был добросовестным халтурщиком. Искусство последних лет правления Сталина и первые работы периода оттепели не совпадают с пафосом прежних лет. (усталость от Сталинского искусства: картина «Опять двойка» Фёдора Решетникова анекдотичное произведение). Восстанавливается право на личную жизнь.

Оттепель: старшее поколение с накопившейся усталостью (консервативное искусство Решетникова) и молодое поколение, которое осознавало невыносимость гнёта (совпадает с началом более открытой политики).

В 50-е годы проходит целый ряд выставок (Фестиваль молодёжи и студенчества). Поражает абстрактный экспрессионизм. В музеях даже не было Врубеля и Серова. Создавалась специфическая картина мирового искусства. И вот на такого неподготовленного советского сваливается последнее искусство запада. Такие откровения даже не с чем сравнить. Крушение мировоззренческой парадигмы.

Творческая инициатива наших художников для преодоления такого застоя:

СУРОВЫЙ СТИЛЬ

Делился на правое (приверженность к 19 веку, передвижникам) и левое (Андронов, Никонов, обращаются к наследию предавангарда и авангарда, ОСТ"а) направления.

Николай Андронов «Плотогоны», 1960-1961 гг.

Представляет декларацию нового времени, нового человека. Пристрастие к русскому импрессионизму. Отказ от законченности картины для художника сталинского периода было немыслимо. Изображены люди нелёгкой судьбы. Подчеркнуто монументализированы. Форма проще, жестче, монументальнее. Подчеркивает силуэты героев. НеоОСТовская живописная стратегия. Это проповедь. Моральный ориентир. («такими простыми строителями нашего будущего вы должны быть»). Нетипичная постановка фигуры спиной - смелая живописная декларация.

Искусство, доступное массам. Художники сурового стиля станут мейнстримом. Ослабление идеологического гнёта и общая культурная открытость вызвала к жизни множество художников, несвязанных с общей художественной сценой и с художественным образованием. Художники появлялись из вновь образовавшейся богемы (Оскар Рабин, Илья Кабаков).

Искусство разделяется на несвязанные между собой пласты.

Владимир Яковлев "Кошка с птицей", 1981

Напоминает Пикассо. Комплекс вторичности. Константа советского художника. Видно как художники пытаются преодолеть возникшую пропасть. Множество цитат. Многие художники остались в истории как интерпретаторы, не имеющие собственной индивидуальности. А многие нонконформисты уязвлены этой вторичностью.

Фигура шестидесятника мессианского рода, пророческая роль.

Мощный культурный подъём, но не всё так хорошо. Поначалу властью воспринимались несерьёзно, как курьёзы. Но к 60-м гг. их уже невозможно игнорировать. 1962 год - выставка «Новая реальность» (Янкилевский, Неизвестный и т.д.). На этой выставки случайно побывал западноевропейский корреспондент, который написал небольшую заметку, что было шоком для Хрущёва (в Европе все об этом знают, а у нас нет?!). Это неправильное искусство выставляют в правильном окружении. Организуется выставка посвященная тридцатилетию МОСХА в Манеже, там показывают Дейнеку, Фалька и др. Туда же засовывают «Новую реальность». Никогда в таком количестве выставку наше руководство не посещали. «кровоизлияние в МОСХ». Хрущёв сталкивается с сезаннизмом и другими новейшими экспериментами. Их прозвали «фабрикой уродов».

На следующий день об этой выставки написали на первой полосе газеты «Правда».

Эрнст Неизвестный

Скульптура «Кентавр с поднятой рукой» 1962 год.

Имел длительную переписку с Генри Муром. Главный герой творческого мира Неизвестного -кентавр. Частично животное, частично человек, а частично машина. Есть сходство со станками. Особая экспрессивность. Нет спокойных, статичных поз. Его пластика имеет влияние Родена, Мура и др. Идея гражданского долга художника.

«Рука ада» 1971 год

Обилие дыр в композиции.

Как израненное человеческое тело.

форсированная форма вынесена им из войны.

«Древо жизни»

Изначально хотел конструкцию из множества скульптур, внутри которой располагалось бы здание. Скульптуры должны были показывать историю человечества с начала времён. Был смонтирован в камерном варианте.

«Надгробие Хрущёва» Самый значимый надгробный памятник. Задействовал цвет как выразительное средство.

Ряд монументов жертвам репрессий.

«Маска скорби» близ Магадана.

Вадим Сидур

Выпускник Строгановки. Прошел войну и был сильно ранен.

«Самовоспроизводящаяся машина» конец 50-х гг. Скульптурный эквивалент механизма. Восторг перед машинами сменяется скорее ужасом.

«Инвалид» Центральная часть похожа на мясорубку.

ГробАрт - ироничная вариация поп-арта.

«Человек из гроба» («Мертвец») Собрана из найденных на свалке вещей.

«Пророки» Водопроводная арматура и надутые перчатки.

Много работает как скульптор-монументалист.

«Памятник погибшим от бомб», 1965 год

Скульптор трагедийного масштаба.

«Памятник погибшим от любви»

«Скорбь» 1972 год

«Памятник погибшим от насилия», 1965 год

«Взывающий» Точность формального решения. Голова заменяется мощным жестом раскрытых ладоней.

Элий Белютин

Написал книгу об истории мебели и вообще был успешным художником-интерьерщиком. Устраивал коммунальные творческие общежития, устраивал выставки в лесу.

«Похороны Ленина», 1962 год

Сюжетное полотно с достижениями абстрактной живописи. Широта живописного жеста, фантастический размах. В длину полотно 4 метра. Портретная узнаваемость Ленина. Фантастический парадокс, то, чего не может быть. Легко реализовалось на волне творческого энтузиазма. Один из наиболее смелых и новаторских опусов 60-х гг в живописи.

«Женщина и ребёнок» Напоминает позднего Пикассо. Большой формат. Смелое наложение красок.

Искусство зависимо от искусства запада. Отечественное искусство всегда догоняющее. Полностью отсутствовал сюрреализм. Позже к нему возник интерес как к пропущенному явлению. Хотя на тот момент это уже было совсем не ново, а вообще уже история.

Юло Соостер

Ближе всего к его искусству Макс Эрнст. Фиксируется на мотиве яйца.

«Красное яйцо», 1964 год. грубая фактура и подтёки.

Владимир Янкилевский

«Пространство переживаний» 1961 год. «кто-то нагнал Миро!»

Лианозовская художественная коммуна. Вокруг семейства Кропивницких (Евгений Рухин, Оскар Рабин, Немухин, плеяда поэтов…) .

Оскар Рабин

Предыдущие художники были в рамках системы, а он никак не корреспондирует с действительностью. На положении изгоя.

ёНесёт культуру русского авангарда группировки Бубновый валет. Не сумел закончить художественное образование. В картинах «чернуха, мрачнуха, бытовуха».

«Паспорт» - самое известное и скандальное произведение. Напоминает Джаспера Джонса («Флаг»). Тяготеет к уравнению паспорта и плоскости. Именно за эту работу его выгнали из страны.

В его квартире в Лианозово собиралось всё неофициальная художественная составляющая Москвы. Организовывал неофициальную художественную жизнь Москвы. Все художники комбинировали легальную жизнь с подрывной художественной деятельностью.

Анатолий Зверев

Проучился один год в пятаке. Получил главный приз на выставки молодёжи и студенчества. Блестящий импровизатор. Фактически был бомжом. Не создал своей художественной системы. Славился творческим эксгибиционизмом.

Владимир Немухин

«Натюрморт с картами» 1989 год.

Вообще карты постоянный мотив его работ. Картина показательна как феномен поставангарда, попытка преодоления авангарда. Пограничное состояние между картиной и объектом. Карта - один из пластических модулей. Условно супрематический, пограничное состояние реального объекта и геометрической композиции. Картина-объект, одновременно картонный стол и плоскость. Мелом намечены дальнейшие ходы.

«Незаконченный пасьянс» 1966 год.

Оммаж ташизму (жестовой живописи).

«Покер на пляже» 1974 год. На первый взгляд подчеркнуто абстрактные иллюзорные членения.

Эдуард Штейнберг

художник творческий неизвестный белютин

Не комплексует от своей зависимости от искусства 20-х годов. Он чувствует себя новатором, хотя он только реагирует на уже придуманное. Но не пытается в буквальном смысле воскресить супрематизм. Нет резкого красного, черного, белого, богатая колористическая нюансировка.

Композиция 1972 года. За точку отсчета берётся квадрат, но его становится мало, поэтому он вводит резкую тень. Утонченное развитие супрематизма. Искаженное видение творчества Малевича.

«Композиция с круговыми сечениями» Плоскости вращаются, пересекаются вариант додумывания геометрической абстракции.

«Композиция 1983 года» Вращения, окружности. Метафизическая надприродная реальность активна в это время.

Дмитрий Плавинский

Тип художника-почвенника. Фиксируется на проблематике русской жизни. Обращается к забытому миру русской деревни. Фрагменты изб, брёвен (метафора уничтожения коренной русской жизни) .

«Большой торец» 1978 год.

Художник - философ. Сплошные метафоры в изображениях гниющих изб.

Николай Харитонов

Примитивно идиллические образы. Консервативно-почвенническое в Московской метафизической живописи. Большая часть холстов посвящена старым русским церквям. Нечто похожее на искусство Кустодиева. Созвучность с неоимпрессионизмом. На фоне мирового искусства смотрится очень провинциально. Образ романтического изгоя.

«Праздник»

Были разные способы примирения с действительностью. Некоторые художники глубже погружались в неприглядную советскую действительность. Советское коммунальное сожительство становится одной из ключевых тем московского неофициального искусства.

Михаил Рогинский

Изображал различного рода чайники, примусы, спички… Параллельно поп-арту, но у нас совсем другой быт. Однако ему чужда мрачноватость Рабина, он не очерняет действительность.

«Чайникъ» 1963 год.

Подчеркнуто жирновата, густая живопись. Отображает пластическое качество природы. Вглядываясь в среду подбирал ей соответствующее живописное воплощение. Демонстративный антиэстетизм.

«В мясном отделе» 1981-1982 гг.

Важен живописный приём, психологическая ситуация.

«Снайпер Павлюченко» 1966 год Укрупнён образ повседневного предмета. Коробок перерастает размеры картины. Ближайшая параллель поп-арту.

Олег Целков

Активно работал в 60-70-е гг. Художник индивидуалист, сторонится общих движений. Тема антропоморфных существ (морды, образины). Странные антропоморфные существа, раскрашенные в яркие цвета. Странная маска. Типичный человек тоталитарного режима, безликий герой системы. Всех завязывает между собой.

«Акробаты и стрекоза» 1974 год. Груда цветной плоти.

«Некролог» 1971 год. Устрашающий живописный реквием. Маячащая красная рожа.

«Шестидесятники-гении» - особый индивидуализм. Стремление создать свой стиль. Потом это их самих стало раздражать. Поколение после второго авангарда радикально отличается от них.

Московский романтический концептуализм

(термин ввёл Борис Гройс)

Представители: Илья Кабаков, Эрик Булатов, Виктор Пивоваров, Олег Васильев, Андрей Монастырский.

Хорошо вписаны в систему. Иллюстрировали детские книжки (доходный сегмент госзаказа). В детской литературе множество возможностей для самовыражения, поиска новых форм. Этика кабаковского круга - делать добросовестную халтуру.

60-70-е гг. - концептуализм.

МОСКОВСКИЙ КОНЦЕПТУАЛИЗМ

Джозеф Кошут ставит вопрос об идеи как главном в искусстве. Наличие идеи определяет ценность произведений.

Фовизм, кубизм - новая интерпретация предмета.

Русский художник жаждет чего-то за пределами художественного мира. Кандинский и Малевич изгоняют предмет из области интереса художника. Для русского художника предмет не так важен (за исключением работ Монастырского). Конфликт языков, а не выяснение отношений с предметом. Всё вымысел и фантастика.

В советском искусстве конфликты между языками описания (язык бытовых объявлений). Обсценная лексика очень важна в концептуализме. Шестидесятники выражались одним языком - каждый своим собственным.

«Концептуализм - мажут не по картине, а по зрителю» (И. Кабаков)

Для концептуалиста зритель - соучастник. Концептуалист - добросовестный советский обыватель. Состоявшиеся люди, не маргиналы. Иные типы поведения в отечественном искусстве, которые не могут понять даже те, кто « в теме».

Выраженность содержания (русское искусство всегда о чём-то, художник пытается что-то рассказать). Прибегают к говорящему лицу. Это речь не художника, а вымышленного персонажа.

Илья Кабаков

« Чья эта муха?» 1960-е.

Похоже на советскую доску объявлений. В центре муха, наверху некий диалог о мухе. Грустная сказка о коммунальном быте. В полной мере задействован текст. Шрифт как с стенгазет.

Тотальная инсталляция - некое тотальное пространство для задействования нескольких видов искусства.

Тотальные инсталляция - инсталляция, построенная на включении зрителя внутрь себя, рассчитанная на его реакцию внутри закрытого, без «окон», пространства, часто состоящего из нескольких помещений. Основное, решающее значение при этом имеет ее атмосфера, аура, возникающая из-за покраски стен, освещенности, конфигурации комнат и т.д., при этом многочисленные, «обычные» участники инсталляции -- объекты, рисунки, картины, тексты -- становятся рядовыми компонентами всего целого. И. Кабаков. О тотальной инсталляции. Канц, 1994.

«Коммунальная кухня»

Охотно обращается к теме музея.

«Доска-объяснение к 3-м объяснениям 6ти картин» Текст инструкции занимал очень важное место. Есть инструкция, но нет картин, картины не важны, а инструкция бессмертна. Нивелируется художественное качество.

Его интересует средний человек, а не гении.

Иллюстрация детской книжки «Сказка о Терро-Ферро»

Всё современное российское искусство - вывод из творчества.

Один из первых мастеров инсталляций.

«Человек, который улетел из собственной комнаты» 1986

Идея побега, преодоления границ - частая тема. Доводит ситуацию до абсурда. Некий советский житель тщательно спланировал свой побег. В потолке огромная дыра. Ботинки на полу - всё, что осталось от этого человека. Комната маленькая, имеется раскладушка, стул, подобие столика, все стены заклеены плакатами. Микромузей советской массовой культуры. Инсталляция о побеге человека из социалистического настоящего. Избегает текста, утраченный нарратив надо восстанавливать по деталям. Максимально отстраненное отношение автора.

«Человек, который влетел в собственную картину» Намёк на некую абсурдную ситуацию. Преодоление границы реальности и иллюзии. Стул - отсутствие и пребывание человека.

Активное обращение к живописи с цикла

«Каникулы» или «Праздники», 1987 год.

Случайно коллажно образованные изображения. Сцены счастливого советского быта. Поверх вырезанные цветочки.

Сложный для понимания цикл.

«Русская живопись - постоянная смена симулякров, коллекция фальшивок»

В живописи его интересует усреднённая живописная манера, усреднённый, никакой живописный язык.

Демонстративное пренебрежение целостности образа. Господствующая часть композиции заполнена бытовым сюжетом. Сопоставление сюжетов чаепития и купания, счастливые будни советских граждан.

Усреднённая живописная манера часто используется Кабаковым.

Шарль Розенталь - вымышленный персонаж, средний забытый художник. Затерявшийся ученик Малевича. Гротескный персонаж, совмещающий разные направления. Ценен как средний провальный художник. История искусств - это история гениев, а они его не интересуют, ему интересна норма. У него своя «альтернативная история искусств». Он выдумывает «нормальных» художников, которые тоже имели свой творческий путь, своё развитие. Не сложившаяся художественная судьба, но показательный тип.

«Красный вагон» Эталонная инсталляция

Сжимается воедино советская история. Советская действительность. Эскиз более внятный, чем сама инсталляция. Членит работу на три части. Условная стройка: сверхсложные леса со стремянками. Зритель может туда войти. Выражение идеи - движение вверх. Метафора безудержного оптимизма. Стройка бесцельна - построили всего на всего красный вагон. Несоответствие амбиций и итога. Вагон как замкнутое пугающее пространство. Последняя часть инсталляции - свалка. Результат всех усилий. К этому и ведёт советская история. Попытка образного воплощения советской истории.

В краткое время становится самым известным русским художником за рубежом. Сформировал образ типичного русского художника. Точно попадает в клише восприятия русского искусства за рубежом.

Эрик Булатов Картина-текст.

Они встречались у различных художников, в русском изобразительном искусства использовались в авангарде, конструктивизме.

«Слава КПСС» Внутренний конфликт с традиционным изображением, реальность текста, проецирующегося на реальность. Предельно-холодно-выполненная работа.

Шишкинская манера. Близка кругу Булатова, например Олегу Васильеву.

Образы вождей, лозунги, виды ВДНХ - за всем этим нет обвинительной информации. Он просто видит и находит точный способ репрезентации увиденного.

«Русский XX век»

Олег Васильев

«Вращение»

Часто приводится мотив света, как и в данной работе. Исполнена гризайльно. Черпает вдохновение в художниках 19 века.

«Дорога»

Только дорожная разметка указывает на современный характер. Традиционный пейзаж.

Виктор Пивоваров

Задействует готовые формы.

«Доска объявлений», вместилище композиций по эксплуатации огнетушителей, предотвращение пожара и т.д. Странное несоответствие языка и содержания.

«Мария Максимовна у вас чайник кипит» Осмеивает русскую эмпатию к литературщине. Раскрывает перед зрителем то, что он хочет там видеть. Любит парадоксы.

«Нет, ты меня не помнишь» 1975 год

Близок дадаистким и сюрреалистическим пейзажам.

В концептуалистах бывают моменты сюрреальности.

Работает с абсурдными формами.

Много работает с осмыслением самой художественной проблематики.

Константин Звездочетов

«Два богатыря» 2005 год

Язык более плакатен. Упрощенные силуэты. Образ трактован в Пивоваровской манере.

“Виола на столе”

Отказ от образа большого мэтра, от музейности картины.

Константин Звездочетов, Свен Гундлах, братья Мироненко.

Выраженно игровой характер. Свободное хулиганское обращение, а не какие-то конкретные выдающиеся произведения искусства. Выворачивание концептуалистских практик. Дерзкая, эпатажная молодая энергия. Акции были весёлые, смелые и опасные. Однажды закопали одного из участников группы в лесу и на протяжении двух часов его искали, пока не поняли, что они действительно не знаю, где он. Агрессивный жесткий контакт с аудиторией. Пародии на акции коллективного действия. Использовали провокацию; демонстративно отвергали серьёзность концептуалистов. Явное снижение пластических требований. Демонстративное использование детского рисунка. Поп-арт в кустарном исполнении.

«Длинный рубль» Неумелость и преувеличенная весёлость.

Предшественники московского аукционизма.

Ими был записан «Золотой альбом», коллаж из юмористических стихов, пародий на эстраду. Сделан как хохма, для друзей. Но постегает неожиданный успех.